EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

John Milton Cage

2012-02-29T18:19:22Z

Cumanayagua3 jc: /* Sobre su obra poética */

{{Ficha Persona
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}}
'''John Cage ([[1912]]-[[1991]])'''. Filósofo, compositor, instrumentista, teórico musical, poeta, pintor y ensayista norteamericano perteneciente a la corriente vanguardista de la segunda mitad del [[siglo XX]]. Sus trabajos marcaron una notable influencia en las tendencias experimentales contemporáneas, tanto en los Estados Unidos como en Hispanoamérica.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Los Ángeles]], [[Estados Unidos]], el [[5 de septiembre]] de [[1912]], siendo hijo de un ingeniero inventor de aparatos electrónicos y submarinos.

==Estudios==
En [[1930]] realizó un viaje por [[Europa]] en el que se dedicó a estudiar arte, música y arquitectura, y a su regreso a los [[Estados Unidos]] se dedicó a escribir [[poesía]], a pintar, y a estudiar composición con [[Richard Buhling]]. En [[1933]] viajó a [[Nueva York]] por un año a estudiar con el compositor [[Adolph Weiss]], y atiende a clases de música folklórica y contemporánea con [[Henry Cowell]] en la "New school for social research". Al regresar a [[California]] en [[1934]], estudió contrapunto con [[Arnold Shoenberg]]. Fue fundamental su experiencia de aprendizaje con Schönberg, quien lo convirtió en compositor radical, inventor de una música significada a través de la "agregación de sonidos" y, por lo tanto, también de "silencios", definidos como "sonidos inaudibles". Sin embargo, la dirección que va a tomar Cage en la música va a ser diametralmente opuesta a la de su maestro Europeo.

==Sobre su obra musical==
Es considerado como pionero de la música aleatoria, electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales. Fue una de las figuras principales del “avant garde” (vanguardia) de posguerra y a quien los críticos han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Su peculiar foram de crear fue decisiva para el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo [[Merce Cunningham]].
Las primeras piezas completas de Cage se han perdido. De acuerdo al compositor, sus primeros trabajos eran piezas muy cortas y escritas para [[piano]], compuestas utilizando complejos procedimientos matemáticos y a las que les faltaba "atractivo sensual y poder expresivo". Cage comenzó entonces a producir piezas improvisando para con posteridad escribir el resultado y fue el músico [[Richard Buhlig]] quien le subrayó la importancia de la estructura en la música.
Pronto después, Cage comenzó a escribir música percusiva y música para [[danza moderna]]. Las proporciones utilizadas, denominadas por Cage "proporciones anidadas", se convirtieron en una característica regular de su música durante la década de [[1940]].
Hacia finales de los años 40, Cage comenzó a desarrollar diferentes métodos para romper con la armonía tradicional. Es ejemplo de ello su obra “String Quartet in Four Parts”, compuesta hacia [[1950]] y realizada mediante un número de acordes en instrumentación fija. La pieza se caracteriza por el progreso de una gama a otra. En cada ocasión, esa gama se selecciona en función de si contiene la nota necesaria para la melodía, de modo que el resto de notas no forman ninguna armonía direccional. Su Concerto for prepared piano ([[1950]]–[[1951]]) utilizó un sistema de tablas de duración, dinámicas, melodías, etc., de las cuales Cage escogía utilizando patrones geométricos simples. De esta forma, la producción musical, Cage se sitúa más allá de cualquier categoría preestablecida, incluida la dodecafonía.
Logró traspasar las barreras armónicas en la música y el uso heterodoxo de los instrumentos tradicionales, llevándolo esto último al descubrimiento de sonoridades inéditas. Se destaca en este sentido su obra “Prepared piano" (1938), la que consiste en la creación de sonoridades inesperadas colocando entre las cuerdas tradicionales de un piano, objetos desacralizantes como tuercas y tornillos. La adopción del silencio como parte integrante de la partitura musical -es célebre en este aspecto su 4'33'' ([[1952]]), realización musical en la que deja penetrar en sus 4 minutos y 33 segundos de silencio los sonidos ambientales- consagró ya en su época a Cage a la vanguardia musical.
Pero otros aspectos relevantes de su poética le hicieron merecedor de un lugar destacado en el mundo de la filosofía contemporánea: por ejemplo, la adopción del "alea", o composición mediante operaciones casuales ("alea operations"). Con el uso del "alea", y negando al autor cualquier cualidad demiúrgico, Cage consagra definitivamente el fin de toda ideología y ratifica la afirmación de la estética posmoderna. En este sentido se sitúa HPSCHD, de 1968, obra para clavicémbalo y ordenador programado según el "libro de las mutaciones" chino I-Ching.

==Sobre su obra poética==
En su época, Cage influyó en la obra y en la poética de innumerables artistas e intelectuales, convirtiéndose en el principal referente de la vanguardia estadounidense y, en general, de la estética contemporánea. Su colaboración con M. Cunningham, que se remonta a [[1942]], y el trabajo teórico sobre sonido y movimiento, la colaboración con artistas visuales como R. Rauschenberg y J. Johns, la experiencia ([[1948]]-[[1950]]) con los poetas de la Black Mountain, la intensa amistad con Marcel Duchamp, su maestro de ajedrez, y los seminarios de Darmstadt (1958), constituyen piezas importantes del mosaico Cage.
==Su creación en artes visuales, escritos y otras actividades==
Aunque Cage comenzó a pintar en su juventud, dejó esta actividad para concentrarse en la música. Su primer proyecto visual maduro, Not Wanting to Say Anything About Marcel, data de 1969. El trabajo comprende dos litografías y un grupo de lo que Cage llamaba plexigramas: impresiones de seda sobre paneles de plexiglás. Tanto los paneles como las litografías consisten en trozos y piezas de palabras en diferentes fuentes, todo ello gobernado por operaciones de azar.
Desde [[1978]] hasta su fallecimiento Cage trabajó en Crown Point Press, produciendo diferentes series de impresiones cada año. Su primer proyecto completado aquí fue el grabado Score Without Parts (1978), creado a partir de instrucciones totalmente anotadas y basado en combinaciones de dibujos de Henry David Thoreau. Fue continuado, el mismo año, por Seven Day Diary, que Cage pintó con los ojos cerrados pero que fue creado bajo una estricta estructura desarrollado utilizando métodos de azar. Finalmente, los dibujos de Thoreau fueron la base de sus últimos trabajos, producidos en 1978, Signals.
Entre 1979 y 1982 Cage produjo toda una serie de grabados grandes: Changes and Disappearances (1979–80), On the Surface (1980–82) y Déreau (1982). Fueron los últimos trabajos creados bajo la técnica del grabado. En 1983 comenzó a utilizar diferentes materiales no convencionales como algodón batido o espuma, y posteriormente utilizó piedras y fuego (Eninka, Variations, Ryoanji, etc.) para crear sus trabajos visuales. En 1988–1990 creó acuarelas en el Mountain Lake Workshop. La única película producida por Cage fue desarrollada para Number Pieces, comisionada por el compositor y director Henning Lohner. Fue completada solo semanas antes de la muerte de Cage en 1992. One11 está formada completamente por imágenees determinadas por el encendido azaroso de la luz eléctrica.
Durante su vida adulta, Cage tuvo una importante actividad como escrito y profesor. Algunas de sus clases fueron incluidas en diferentes libros publicados por Cage, el primero de los cuales fue Silence: Lectures and Writings (1961). Silence incluía no simples lecciones magistrales, sino también textos ejecutados en formatos experimentales y trabajos como Lecture on Nothing (1959), compuestos en estructuras rítmicas.
Cage fue también un ávido micólogo aficionad, fundando la New York Mycological Society con cuatro amigos.

==Algunas de sus obras musicales==
*First Construction in Metal, [[1939]]
*Imaginary Landscape No. 1, [[1939]]
*Living Room Music, [[1940]]
*Credo In Us, [[1942]]
*Four walls, [[1944]]
*Music for Marcel Duchamp, [[1947]]
*Sonatas e interludios, [[1948]]
*Music of Changes, [[1951]]
*4′33″, [[1952]]
*Radio Music, [[1956]]
*Fontana Mix, [[1958]]
*Cartridge Music, [[1960]]
*Variations II, [[1961]]
*0'00 (4'33" No.2), [[1962]]
*Cheap Imitation, [[1969]]
*HPSCHD, [[1969]]
*Branches, [[1976]]
*Litany for the Whale, [[1980]]
*Ryoanji, [[1983]]
*Europeras 1 & 2, [[1987]]
==Muerte==
Murió el [[14 de marzo]] de [[1991]], en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]], a la edad de 89 años, dejando una rica y variada obra artística; impulsora de nuevas concepciones creativas.
==Fuentes==
*[http://www.artesonoro.net/articulos/cage.html Cage. Disponible en: www.artesonoro.net]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/John_Cage John Cage. Disponible en: wikipedia, la enciclopedia libre]*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cage_john.htm John Cage. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Usuario:Cumanayagua3 jc/Nuevas

2012-02-29T18:19:02Z

Cumanayagua3 jc:

*Historia del municipio de [[Cumanayagua]].
*[[Pico San Juan]].
*[[Agustín Mónico Ramos Vázquez]]
*[[Tomás Ojeda Pérez]]
*[[Enrique Yero Remón]]
*[[Juan González Pereira]]
*[[Onolio Navarro Vasallo]]
*[[Pablo Estévez de la Rosa]]
*[[Osvaldo Fuentes Díaz]]
*[[Miguel González Yera]]
*[[Mario Castillo Rojas]]
*[[Osiris García Fonseca]]
*[[Onelio Carballo Artola]]
*[[Orlando Gómez Mesa]]
*[[Pedro Alonso Moya]]
*[[Pedro Valladares Guerra]]
*[[Enrique Cantero Ibáñez]]
*[[Oscar Salas Blanco]]
*[[Emeregildo Rodríguez Salas]]
*[[Lino Vázquez Almeida]]
*[[Fernando Santana Rodríguez]]
*[[Valentín Alonso Maceda]]
*[[Ángel Gil Martínez]]
*[[Reinaldo Nerio Castillo Pérez]]
*[[Jorge Reyes Cruz]]
*[[Juan González Suárez]]
*[[Lucas Capote Leyva]]
*[[Pablo Vietes Hernández]]
*[[El rapto de las mulatas]]
*[[Constructivismo(arte)|Constructivismo]]
*[[Eduardo Valdés Ruiz]]
*[[José Esteban Tartabull Chacón]]
*[[Leonel Rodríguez Cárdenas]]
*[[Reinaldo Díaz Ojeda]]
*[[Miguel Hurtado Hernández]]
*[[Agustín Hurtado Hernández]]
*[[Isac González Castro]]
*[[Manuel Prieto Labrada]]
*[[Aracelio Rodríguez Castellón]]
*[[Tomás Niebla Castellón]]
*[[Osvaldo Castillo Gómez]]
*[[Pedro Cruz Rodríguez]]
*[[Dagoberto Salas Manresa]]
*[[Demecio Silverio Morales]]
*[[Flores Colina Díaz]]
*[[Luis Lara Yera]]
*[[Francisco Ortega Ortega]]
*[[Ricardo Díaz Rodríguez]]
*[[Combate de Cafetal González]]
*[[Leyes de Indias]]
*[[Ricardo Cuellar Espinosa]]
*[[Neoplasticismo]]
*[[Orestes Almeida González]]
*[[Manuel Concepción González Sánchez]]
*[[Neoimpresionismo]]
*[[Suprematismo]]
*[[Racionalismo]]
*[[Informalismo]]
*[[Movimiento artístico]]
*[[Néstor Cruz Ugalde]]
*[[Osmany Villazón Hernández]]
*[[Diseño industrial]]
*[[Escuela de la Bauhaus]]
*[[Escalas del diseño]]
*[[Cartel]]
*[[Diseño urbano]]
*[[Diseño arquitectónico]]
*[[Tachismo]]
*[[Pintura matérica]]
*[[Imagen plástica]]
*[[Op art]]
*[[Pintura metafísica]]
*[[Escultura blanda]]
*[[Grupo Cobra]]
*[[Caligrama]]
*[[Empaquetage]]
*[[Arte encontrado]]
*[[Obra de arte]]
*[[Pintura de acción]]
*[[Giorgio di Chirico]]
*[[Carlo Carrá]]
*[[Guillaume Apollinaire]]
*[[Filippo de Pisis]]
*[[Wassily Kandinsky]]
*[[Antonio Saura]]
*[[Karel Appel]]
*[[Georges Seurat]]
*[[Paul Signac]]
*[[René Magritte]]
*[[Alexander Rodchenko]]
*[[Instalación artística]]
*[[Land art]]
*[[Body art]]
*[[Pop art]]
*[[Pintura al óleo]]
*[[Composición artística]]
*[[James Ensor]]
*[[Ricciotto Canudo]]
*[[Josef Albers]]
*[[Max Bill]]
*[[Roger Fry]]
*[[Jean Metzinger]]
*[[Jean Arp]]
*[[Francis Picabia]]
*[[Paul Eluard]]
*[[Yves Tanguy]]
*[[Richard Hamilton]]
*[[Max Jacob]]
*[[Pierre Alechinsky]]
*[[Ernst Gombrich]]
*[[Anita Malfatti]]
*[[Ernst Ludwig Kirchner]]
*[[Giorgio Morandi]]
*[[Hans Hartung]]
*[[Edgar Neville Romrée]]
*[[Otto Müller]]
*[[Ernst Toller]]
*[[Jacques Vaché]]
*[[Georges Mathieu]]
*[[Henri Michaux]]
*[[Serge Poliakoff]]
*[[Maria Helena Viera da Silva]]
*[[Pierre Soulages]]
*[[Nicolas de Staël]]
*[[Bram van Velde]]
*[[Antonio Gisbert Pérez]]
*[[Emile Friant]]
*[[Julien Dupré]]
*[[Nam June Paik]]
*[[Peter Sedgley]]
*[[Piero Dorazio]]
*[[Anders Zorn]]
*[[Barnett Newman]]
*[[Robert Motherwell]]
*[[Clement Greenber]]
*[[John Cage]]

John Milton Cage

2012-02-29T18:18:38Z

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'''John Cage ([[1912]]-[[1991]])'''. Filósofo, compositor, instrumentista, teórico musical, poeta, pintor y ensayista norteamericano perteneciente a la corriente vanguardista de la segunda mitad del [[siglo XX]]. Sus trabajos marcaron una notable influencia en las tendencias experimentales contemporáneas, tanto en los Estados Unidos como en Hispanoamérica.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Los Ángeles]], [[Estados Unidos]], el [[5 de septiembre]] de [[1912]], siendo hijo de un ingeniero inventor de aparatos electrónicos y submarinos.

==Estudios==
En [[1930]] realizó un viaje por [[Europa]] en el que se dedicó a estudiar arte, música y arquitectura, y a su regreso a los [[Estados Unidos]] se dedicó a escribir [[poesía]], a pintar, y a estudiar composición con [[Richard Buhling]]. En [[1933]] viajó a [[Nueva York]] por un año a estudiar con el compositor [[Adolph Weiss]], y atiende a clases de música folklórica y contemporánea con [[Henry Cowell]] en la "New school for social research". Al regresar a [[California]] en [[1934]], estudió contrapunto con [[Arnold Shoenberg]]. Fue fundamental su experiencia de aprendizaje con Schönberg, quien lo convirtió en compositor radical, inventor de una música significada a través de la "agregación de sonidos" y, por lo tanto, también de "silencios", definidos como "sonidos inaudibles". Sin embargo, la dirección que va a tomar Cage en la música va a ser diametralmente opuesta a la de su maestro Europeo.

==Sobre su obra musical==
Es considerado como pionero de la música aleatoria, electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales. Fue una de las figuras principales del “avant garde” (vanguardia) de posguerra y a quien los críticos han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Su peculiar foram de crear fue decisiva para el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo [[Merce Cunningham]].
Las primeras piezas completas de Cage se han perdido. De acuerdo al compositor, sus primeros trabajos eran piezas muy cortas y escritas para [[piano]], compuestas utilizando complejos procedimientos matemáticos y a las que les faltaba "atractivo sensual y poder expresivo". Cage comenzó entonces a producir piezas improvisando para con posteridad escribir el resultado y fue el músico [[Richard Buhlig]] quien le subrayó la importancia de la estructura en la música.
Pronto después, Cage comenzó a escribir música percusiva y música para [[danza moderna]]. Las proporciones utilizadas, denominadas por Cage "proporciones anidadas", se convirtieron en una característica regular de su música durante la década de [[1940]].
Hacia finales de los años 40, Cage comenzó a desarrollar diferentes métodos para romper con la armonía tradicional. Es ejemplo de ello su obra “String Quartet in Four Parts”, compuesta hacia [[1950]] y realizada mediante un número de acordes en instrumentación fija. La pieza se caracteriza por el progreso de una gama a otra. En cada ocasión, esa gama se selecciona en función de si contiene la nota necesaria para la melodía, de modo que el resto de notas no forman ninguna armonía direccional. Su Concerto for prepared piano ([[1950]]–[[1951]]) utilizó un sistema de tablas de duración, dinámicas, melodías, etc., de las cuales Cage escogía utilizando patrones geométricos simples. De esta forma, la producción musical, Cage se sitúa más allá de cualquier categoría preestablecida, incluida la dodecafonía.
Logró traspasar las barreras armónicas en la música y el uso heterodoxo de los instrumentos tradicionales, llevándolo esto último al descubrimiento de sonoridades inéditas. Se destaca en este sentido su obra “Prepared piano" (1938), la que consiste en la creación de sonoridades inesperadas colocando entre las cuerdas tradicionales de un piano, objetos desacralizantes como tuercas y tornillos. La adopción del silencio como parte integrante de la partitura musical -es célebre en este aspecto su 4'33'' ([[1952]]), realización musical en la que deja penetrar en sus 4 minutos y 33 segundos de silencio los sonidos ambientales- consagró ya en su época a Cage a la vanguardia musical.
Pero otros aspectos relevantes de su poética le hicieron merecedor de un lugar destacado en el mundo de la filosofía contemporánea: por ejemplo, la adopción del "alea", o composición mediante operaciones casuales ("alea operations"). Con el uso del "alea", y negando al autor cualquier cualidad demiúrgico, Cage consagra definitivamente el fin de toda ideología y ratifica la afirmación de la estética posmoderna. En este sentido se sitúa HPSCHD, de 1968, obra para clavicémbalo y ordenador programado según el "libro de las mutaciones" chino I-Ching.

==Sobre su obra poética==
En su época, Cage influyó en la obra y en la poética de innumerables artistas e intelectuales, convirtiéndose en el principal referente de la vanguardia estadounidense y, en general, de la estética contemporánea. Su colaboración con M. Cunningham, que se remonta a [[1942]], y el trabajo teórico sobre sonido y movimiento, la colaboración con artistas visuales como R. Rauschenberg y J. Johns, la experiencia ([[1948]]-[[1950]]) con los poetas de la Black Mountain, la intensa amistad con Marcel Duchamp, su maestro de ajedrez, y los seminarios de Darmstadt (1958), constituyen piezas importantes del mosaico Cage.
==Su creación en artes visuales, escritos y otras actividades==
Aunque Cage comenzó a pintar en su juventud, dejó esta actividad para concentrarse en la música. Su primer proyecto visual maduro, Not Wanting to Say Anything About Marcel, data de 1969. El trabajo comprende dos litografías y un grupo de lo que Cage llamaba plexigramas: impresiones de seda sobre paneles de plexiglás. Tanto los paneles como las litografías consisten en trozos y piezas de palabras en diferentes fuentes, todo ello gobernado por operaciones de azar.
Desde [[1978]] hasta su fallecimiento Cage trabajó en Crown Point Press, produciendo diferentes series de impresiones cada año. Su primer proyecto completado aquí fue el grabado Score Without Parts (1978), creado a partir de instrucciones totalmente anotadas y basado en combinaciones de dibujos de Henry David Thoreau. Fue continuado, el mismo año, por Seven Day Diary, que Cage pintó con los ojos cerrados pero que fue creado bajo una estricta estructura desarrollado utilizando métodos de azar. Finalmente, los dibujos de Thoreau fueron la base de sus últimos trabajos, producidos en 1978, Signals.
Entre 1979 y 1982 Cage produjo toda una serie de grabados grandes: Changes and Disappearances (1979–80), On the Surface (1980–82) y Déreau (1982). Fueron los últimos trabajos creados bajo la técnica del grabado. En 1983 comenzó a utilizar diferentes materiales no convencionales como algodón batido o espuma, y posteriormente utilizó piedras y fuego (Eninka, Variations, Ryoanji, etc.) para crear sus trabajos visuales. En 1988–1990 creó acuarelas en el Mountain Lake Workshop. La única película producida por Cage fue desarrollada para Number Pieces, comisionada por el compositor y director Henning Lohner. Fue completada solo semanas antes de la muerte de Cage en 1992. One11 está formada completamente por imágenees determinadas por el encendido azaroso de la luz eléctrica.
Durante su vida adulta, Cage tuvo una importante actividad como escrito y profesor. Algunas de sus clases fueron incluidas en diferentes libros publicados por Cage, el primero de los cuales fue Silence: Lectures and Writings (1961). Silence incluía no simples lecciones magistrales, sino también textos ejecutados en formatos experimentales y trabajos como Lecture on Nothing (1959), compuestos en estructuras rítmicas.
Cage fue también un ávido micólogo aficionad, fundando la New York Mycological Society con cuatro amigos.
==Algunas de sus obras musicales==
*First Construction in Metal, [[1939]]
*Imaginary Landscape No. 1, [[1939]]
*Living Room Music, [[1940]]
*Credo In Us, [[1942]]
*Four walls, [[1944]]
*Music for Marcel Duchamp, [[1947]]
*Sonatas e interludios, [[1948]]
*Music of Changes, [[1951]]
*4′33″, [[1952]]
*Radio Music, [[1956]]
*Fontana Mix, [[1958]]
*Cartridge Music, [[1960]]
*Variations II, [[1961]]
*0'00 (4'33" No.2), [[1962]]
*Cheap Imitation, [[1969]]
*HPSCHD, [[1969]]
*Branches, [[1976]]
*Litany for the Whale, [[1980]]
*Ryoanji, [[1983]]
*Europeras 1 & 2, [[1987]]
==Muerte==
Murió el [[14 de marzo]] de [[1991]], en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]], a la edad de 89 años, dejando una rica y variada obra artística; impulsora de nuevas concepciones creativas.
==Fuentes==
*[http://www.artesonoro.net/articulos/cage.html Cage. Disponible en: www.artesonoro.net]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/John_Cage John Cage. Disponible en: wikipedia, la enciclopedia libre]*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cage_john.htm John Cage. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Archivo:Clement-greenberg.jpg

2012-02-29T18:14:28Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Robert-motherwell.jpg

2012-02-29T18:11:10Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Clement Greenberg

2012-02-29T18:07:45Z

Cumanayagua3 jc: /* Muerte */

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'''Clement Greenberg ([[1909]]-[[1994]])'''. Estadounidense considerado como uno de los más grandes críticos de arte del [[siglo XX]] y cuya labor se relaciona con el movimiento expresionista abstracto norteamericano.

==Datos biográficos==
===Nacimiento===
Nació el [[16 de enero]] de [[1909]], [[Nueva York]], [[Estados Unidos]].

==Formación y estudios teóricos==
Greenberg se graduó en la Universidad de Syracuse, en [[Nueva York]]. En esta ciudad se destacó en la [[crítica de arte]], marcando su despegue profesional en este ámbito con su ensayo “Avant-Garde and Kitsch” (Vanguardia y Kitsch), publicado en el periódico “Partisan Review” en [[1939]]. En él Greenberg afirmó que la vanguardia y el arte modernista eran medio de resistirse a la nivelación de la [[cultura]] producida por la propaganda capitalista. Greenberg se apropió de la palabra alemana [[kitsch]] para describir el consumismo del arte y sus niveles de masificación.

==Su labor crítica del expresionismo abstracto norteamericano==
En los años posteriores a la [[Segunda Guerra Mundial]], Greenberg consideró que los mejores artistas de vanguardia estaban surgiendo en [[Estados Unidos]] y no en [[Europa]]. Defendiendo en particular a [[Jackson Pollock]], a quien consideró como el mejor pintor de su generación.
En un ensayo del año [[1955]], titulado “American-Type Painting”, Greenberg defendió la obra de los expresionistas abstractos, entre ellos Jackson Pollock, [[Willem de Kooning]], [[Hans Hofmann]], [[Barnett Newman]], y [[Clyfford Still]], como la siguiente etapa en el [[arte moderno]], arguyendo que estos pintores estaban avanzando hacia un mayor énfasis en la «planeidad» del plano pictórico. Greenberg afirmó que este carácter plano separaba su obra de la de los antiguos maestros, quienes consideraban el carácter plano del lienzo como un obstáculo para la pintura. Greenberg defendió un método de autocrítica que permitiera que la pintura abstracta pasara de ser decorativo papel pintado a un auténtico arte. Consideraba que Estados Unidos se había convertido en el guardián del «arte de avanzada». Alabó movimientos similares que estaban teniendo lugar en el extranjero y, después del éxito de la exposición de “Painters Eleven” en [[1956]] con los artistas abstractos estadounidenses en la galería Riverside de [[Nueva York]], viajó a [[Toronto]], [[Canadá]] para ver la obra del grupo en [[1957]]. Quedó particularmente impresionado por potencial de pintores como [[William Ronald]] y [[Jack Bush]], y más tarde trabó una amistad con [[Bush]].
Greenberg vio en la obra de Jack Bush una clara manifestación del cambio que se iba a producir desde el expresionismo abstracto hacia la pintura de los campos de color y la abstracción lírica, un cambio que él había aborado y reclamado desde sus escritos críticos del arte de la época.
Dentro de su labor crítica se destaca el rechazó el [[Pop Art]] de los años [[1960]], una tendencia claramente influida por la [[cultura kitsch]]. Su oposición a las teorías postmodernas y a los movimientos socialmente comprometidos dentro del arte le llevó a que fuese rechazado por artistas e historiadores del arte.

==Su término de “Abstracción post-pictórica”==
Greenberg se preocupó porque algunos expresionistas abstractos de su época habían quedado reducidos a un “conjunto de manierismos”, a un encasillamiento creativo que amenazaba con anquilosar la actitud novedosa de la abstracción. Es entonces cuando Greenberg acuñó el término “Abstracción postpictórica” para distinguir los artistas del Expresionismo abstracto con los de la Abstracción pictórica. La abstracción post-pictórica reaccionó contra la abstracción gestual y se ramificó en dos grupos, los pintores Hard-Edged como [[Ellsworth Nelly]] y [[Frank Stella]], artistas que exploraron las relaciones entre formas y bordes, y los pintores [[Color-Field]] como [[Helen Frankenthaler]] y [[Morris Louis]], quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido.
==Muerte==
Murió el [[7 de mayo]] de [[1994]], en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]]; a la edad de 85 años.

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Clement_Greenberg Clement Greenberg. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Clement Greenberg

2012-02-29T18:05:07Z

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'''Clement Greenberg ([[1909]]-[[1994]])'''. Estadounidense considerado como uno de los más grandes críticos de arte del [[siglo XX]] y cuya labor se relaciona con el movimiento expresionista abstracto norteamericano.

==Datos biográficos==
===Nacimiento===
Nació el [[16 de enero]] de [[1909]], [[Nueva York]], [[Estados Unidos]].

==Formación y estudios teóricos==
Greenberg se graduó en la Universidad de Syracuse, en [[Nueva York]]. En esta ciudad se destacó en la [[crítica de arte]], marcando su despegue profesional en este ámbito con su ensayo “Avant-Garde and Kitsch” (Vanguardia y Kitsch), publicado en el periódico “Partisan Review” en [[1939]]. En él Greenberg afirmó que la vanguardia y el arte modernista eran medio de resistirse a la nivelación de la [[cultura]] producida por la propaganda capitalista. Greenberg se apropió de la palabra alemana [[kitsch]] para describir el consumismo del arte y sus niveles de masificación.

==Su labor crítica del expresionismo abstracto norteamericano==
En los años posteriores a la [[Segunda Guerra Mundial]], Greenberg consideró que los mejores artistas de vanguardia estaban surgiendo en [[Estados Unidos]] y no en [[Europa]]. Defendiendo en particular a [[Jackson Pollock]], a quien consideró como el mejor pintor de su generación.
En un ensayo del año [[1955]], titulado “American-Type Painting”, Greenberg defendió la obra de los expresionistas abstractos, entre ellos Jackson Pollock, [[Willem de Kooning]], [[Hans Hofmann]], [[Barnett Newman]], y [[Clyfford Still]], como la siguiente etapa en el [[arte moderno]], arguyendo que estos pintores estaban avanzando hacia un mayor énfasis en la «planeidad» del plano pictórico. Greenberg afirmó que este carácter plano separaba su obra de la de los antiguos maestros, quienes consideraban el carácter plano del lienzo como un obstáculo para la pintura. Greenberg defendió un método de autocrítica que permitiera que la pintura abstracta pasara de ser decorativo papel pintado a un auténtico arte. Consideraba que Estados Unidos se había convertido en el guardián del «arte de avanzada». Alabó movimientos similares que estaban teniendo lugar en el extranjero y, después del éxito de la exposición de “Painters Eleven” en [[1956]] con los artistas abstractos estadounidenses en la galería Riverside de [[Nueva York]], viajó a [[Toronto]], [[Canadá]] para ver la obra del grupo en [[1957]]. Quedó particularmente impresionado por potencial de pintores como [[William Ronald]] y [[Jack Bush]], y más tarde trabó una amistad con [[Bush]].
Greenberg vio en la obra de Jack Bush una clara manifestación del cambio que se iba a producir desde el expresionismo abstracto hacia la pintura de los campos de color y la abstracción lírica, un cambio que él había aborado y reclamado desde sus escritos críticos del arte de la época.
Dentro de su labor crítica se destaca el rechazó el [[Pop Art]] de los años [[1960]], una tendencia claramente influida por la [[cultura kitsch]]. Su oposición a las teorías postmodernas y a los movimientos socialmente comprometidos dentro del arte le llevó a que fuese rechazado por artistas e historiadores del arte.

==Su término de “Abstracción post-pictórica”==
Greenberg se preocupó porque algunos expresionistas abstractos de su época habían quedado reducidos a un “conjunto de manierismos”, a un encasillamiento creativo que amenazaba con anquilosar la actitud novedosa de la abstracción. Es entonces cuando Greenberg acuñó el término “Abstracción postpictórica” para distinguir los artistas del Expresionismo abstracto con los de la Abstracción pictórica. La abstracción post-pictórica reaccionó contra la abstracción gestual y se ramificó en dos grupos, los pintores Hard-Edged como [[Ellsworth Nelly]] y [[Frank Stella]], artistas que exploraron las relaciones entre formas y bordes, y los pintores [[Color-Field]] como [[Helen Frankenthaler]] y [[Morris Louis]], quienes vertieron pintura diluida en el lienzo sin imprimación para explorar los aspectos del color puro y fluido.
==Muerte==
Murió el [[7 de mayo]] de [[1994]], en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]]; a la edad de

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Clement_Greenberg Clement Greenberg. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Robert Motherwell

2012-02-29T18:00:10Z

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'''Robert Motherwell'''. Pintor estadounidense que influido en sus inicios por el automatismo surrealista, se centró posteriormente en el expresionismo abstracto. Fue fundador en [[Nueva York]], junto con [[William Baziotes]], [[Arshile Gorka]], [[Willem de Kooning]], [[Barnett Newman]] y [[Marck Rothko]] de la escuela” Subjects of the Artists”, en [[1948]].

==Datos biográficos==
==Nacimiento==
Nació en [[Aberdeen]], [[Washington]], [[Estados Unidos]]; el [[24 de enero]] de [[1915]].

==Formación==
En [[1932]] ingresó en la Universidad de Stanford para estudiar filosofía y literatura moderna francesa; muestra especial interés por la obra de filósofos pragmatistas americanos como [[John Dewey]] y [[Alfred North Whitehead]]; al mismo tiempo estudió [[pintura artística| pintura]] en la [[California]] School of Fine Arts de [[San Francisco]]. En [[1935]], su contacto con la cultura europea se amplíó producto a un viaje que junto a su padre y hermana realizara por los países de Europa occidental.
En [[1937]], tras graduarse en Stanford, se trasladó al este para proseguir sus estudios en Harvard. Interesado por el simbolismo y el romanticismo franceses, deseó escribir una tesis sobre los diarios de Eugene Delacroix, para ello viajó a [[Francia]] y, tras una breve temporada en [[Grenoble]], alquiló un estudio en [[París]]. En la capital gala empieza a pintar, asiste a clases en la Academia Julian y traduce al inglés obras literarias sobre arte. En este mismo año celebra su primera exposición individual en la Galerie Duncan.
==Labor en los Estados Unidos==
En [[1938]] regresó a los [[EE.UU.]]. En esta nación trabaja como profesor en las universidades de [[Oregón]] y [[Columbia]] (Nueva York); en esta última conoce al profesor [[Meyer Schapiro]], personaje este que le pone en contacto con surrealistas europeos como [[Kurt Seligmann]] y [[Max Ernst]] y le anima a dedicarse por entero a la pintura. Con el pintor surrealista chileno [[Roberto Matta]] emprendió en [[1941]] un crucial viaje a [[México]]; país donde conoce a la actriz [[María Emilia Ferreira]], con la que se casará meses más tarde; asimila el automatismo surrealista trabajando con [[Wolfgang Paalen]] y realiza sus primeras obras maduras. A su regreso de México se establece en [[Nueva York]], donde pronto se convierte en protagonista destacado del panorama artístico de la ciudad. En 1942 conoce a [[William Baziotes]] y a [[Jackson Pollock]], con quienes visita asiduamente el estudio de Matta, y en [[1945]] a [[Mark Rothko]].
Su formación intelectual y su conocimiento del medio universitario le convierten en portavoz oficial del expresionismo abstracto americano: imparte numerosas conferencias en centros docentes, colabora con distintas publicaciones (VVV; Partisan Re'View, Possibilities, Modern Artists in America) y en [[1944]] comienzó a dirigir The Documents of Modern Art, una serie de monografías ilustradas que dan a conocer al público americano los principales textos de la vanguardia europea. En [[1948]] fundó junto a Rothko, Baziotes y David Hare la efímera escuela de arte The Subjects of the Artist; ese mismo año realizó un pequeño dibujo a tinta para ilustrar un poema del crítico Harold Rosenberg, que posteriormente reutiliza para ilustrar el Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías de Lorca, y que acabará inspirando la primera de sus Elegías a la República Española.
En esta y otras obras de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta ensayó el tipo de composición abstracta basada en la yuxtaposición de grandes manchas circulares y rectilíneas, así como la preponderancia del blanco y el negro, tonos estos que signarían su obra.
Durante la década de [[1950]] proseguirá su labor docente en centros como el Hunter College de Nueva York o el Black Mountain College, al tiempo que participa en numerosas exposiciones, entre las que destacan "Four Abstract Expressionists" ([[1953]]) y "The New American Painting" ([[1958]]), ambas en el [[Museo de Arte Moderno]] de Nueva York. En [[1958]] vuelve a contraer matrimonio, en esta ocasión con la también pintora Helen Frankenthaler. Los años sesenta suponen la consagración definitiva del artista. Se celebran retrospectivas de su obra en muchos museos y galerías de Europa y América ([[Nueva York]], [[Ámsterdam]], [[Londres]], [[Bruselas]], [[Essen]], [[Turín]], etc.), y comienzó a ser considerado uno de los principales protagonistas de la Escuela de Nueva York. Posteriormente siguió pintando variaciones de la Elegía a la República Española, y culminó dos relevantes series de dibujos automáticos: “A la orilla del mar” ([[1962]]) y “Suite Lírica”([[1965]]).
En [[1967]] comenzó su serie de pinturas realizadas bajo la influencia de las corrientes artísticas del “Colour Field Painting” y el “minimalismo”, en las que recurre a superficies homogéneas de color cortadas por trazos rectilíneos en forma de U. Las dos últimas décadas de su vida trascurren entre continuas muestras de reconocimiento; en [[1983]] una amplia retrospectiva de su obra recorre los [[Estados Unidos]] y en [[1990]] recibió la Medalla Nacional de las Artes en la Casa Blanca.
==Sobre su obra==
Al principio su producción artística está influida por [[Henry Matisse]], [[Pablo Picasso]], [[Joan Miró]] y [[Piet Mondrian]]. Posteriormente se alejó del [[surrealismo]], en la posguerra ([[1946]]), para orientarse hacia un estilo cuasi figurativo, poblado de [[símbolos]] abstractos y poéticos. En [[1949]] produjo obras cuya temática es la España de la Guerra Civil. En los años 50 pintó obras monumentales. A partir de los años 70 se organizaron retrospectivas de su obra en el Museo de la Ciudad de [[Paris]] ([[1976]]-[[1977]]).
Su obra se desarrolló en torno a grandes series, entre las cuales cabe mencionar “Elegías españolas” (obras comenzadas en [[1948]] y dedicadas a la república y la [[Guerra Civil Española| Guerra Civil]] españolas) y Open. Motherwell es autor de collages, dibujos e ilustraciones para obras literarias. También tradujo obras francesas al inglés.
==Muerte==
Falleció el [[17 de julio]] de [[1991]], en [[Provincetown]], [[Massachussets]]; a la edad de 76 años, dejando una rica labor y obra pictórica expresionista.

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Motherwell Robert Motherwell. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/motherwell.htm Motherwell. Disponible en www.biografíasyvidas.com]
*[http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/motherwell/motherwell.html Motherwell. Disponible en www.imageandart.com]
*[http://www.mchampetier.com/biografia-Robert-Motherwell.html Robert Motherwell. Disponible en www.mchampetier.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Archivo:Barnett-newman.jpg

2012-02-29T17:56:46Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Barnett Newman

2012-02-29T17:55:54Z

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'''Barnett Newman ([[1905]]–[[1970]])'''. Pintor estadounidense vinculado al [[expresionismo abstracto]]; y destacado exponente de la [[pintura de campos de color]].
==Datos biográficos==
===Nacimiento===
Nació el [[29 de enero]] de [[1905]], en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]], siendo hijos de inmigrantes judíos procedentes del este de [[Europa]].
===Estudios===
Estudió filosofía en el City College of New York y desde muy joven laboró confeccionando ropas en negocio de su padre. Aproximadamente en los años [[1930]] comenzó a pintar con un estilo próximo al expresionismo, pero más tarde destruyó sus obras de esta etapa.
Barnett Newman escribió prefacios a catálogos de exposiciones y realizó críticas de arte. A finales de 1940 se convirtió en un artista que exponía en la Galería Betty Parsons. Su primera exposición individual tuvo lugar en el año [[1948]].
Desde los fines de la década de los 40 se irá afirmando la gloria artística para el pintor (de hecho por la que más se le conoce), cuya aversión por lo figurativo sería tácita, inscribiéndose en la temática pictórica de los campos de color. Sin embargo pasará mucho tiempo antes de ser reconocido, pues la crítica dirige su mirada hacia otros contemporáneos como [[Marc Rokco]] y [[Jacson Pollok]].
==Sobre su obra==
Su obra se enmarca formalmente dentro de la tendencia del [[expresionismo abstracto norteamericano]], amplia corriente que se abrió paso con fuerza en el campo de la pintura a partir de [[1945]].
Aunque Newman pintaba desde unos años antes, su primera exposición no tuvo lugar hasta [[1949]], elemento este a favor de su carrera, pues para ese entonces ya posee un estilo propio; una línea de trabajo en la que el empleo de los denominados "campos de color" es característica común de su producción; es decir, la yuxtaposición de colores que ocupan espacios más o menos nítidamente diferenciados en lienzo. En esa tendencia se mantuvo a lo largo de casi toda su trayectoria artística. En la segunda mitad de los años 40 buscó con fuerza su propio camino.
Iniciados los años 50 el pintor logró definir un estilo basado en la presencia de un color predominante con el que conviven pequeñas franjas de otros colores. En sus composiciones siempre mostró la preferencia por la disposición vertical de los campos de color.
La obra de Newman suele presentarse al observador superficial, como construcciones pictorico-espaciales con simplicidad aparente, sin embargo, en el fondo, siempre subyace la intención de interrogarse sobre los problemas de su época y llevar a la misma posición al espectador inteligente, incursionando en una postura que le acerca de manera evidente a los presupuestos del expresionismo abstracto.
La simplicidad inherente a sus obras lo conecta con las ideas del arte minimalista y el interés por el color plano y vibrante que más adelante sería colofón del pop art. Para este singular artista el color siempre fue una buena base desde la cual abordar la reflexión personal, porque, a fin de cuentas, ¿quién teme al rojo, amarillo y azul?
===Obras===
*Serie de Onement (realizada a partir de [[1948]]), y perteneciente a la Colección Newman, en [[Nueva York]]). En estas pinturas reduce el lienzo a un sólido color quebrantado por una única banda vertical que centra el contraste. *En algunas pinturas de los años [[1950]], como, por ejemplo “The Wild”, la línea vertical es lo que ocupa toda la obra.
*La serie “Estaciones de la Cruz”, pinturas realizadas en blanco y negro ([[1958]]-[[1964]]), fueron realizadas por el autor poco después se recuperara de un ataque al corazón, siendo usualmente considerada como la cumbre de sus logros artísticos.
Es de singular importancia el impacto del tamaño o dimensión de los cuadros de Newman, los que rebasan muchas veces el campo de visión del espectador. La posibilidad de expresarse plásticamente en dimensiones colosales la contrastó con obras que tendrían proporciones de franja e incluso con configuraciones de formato triangular. De esta forma Newman acentuó un nuevo contenido dentro de la obra de arte, aquél que refiere que «la forma del soporte determina la estructura interna de la obra»; este no sólo puede verse en Newman, sino también en otros pintores como [[Frank Stella]] o [[Kenneth Noland]]. A continuación se exponen algunos ejemplos de las obras de este afamado pintor:
*Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (Quién teme al rojo, amarillo y azul).
*Anna's Light (La luz de Ana) (1968), titulado así en memoria de su madre, fallecida en 1965, es su obra más grande, (853 x 274 cm).
*Chartres (1969). Pintura de formato triangular.
===Labor escultórica===
Su producción escultórica no es profusa y sus piezas son esencialmente “zips” tridimensionales. En el ocaso de su vida, regresó a la práctica de la escultura, haciendo un reducido número de piezas en acero. Su obra “Broken Obelisk” (Obelisco roto), fechada en [[1968]] es la más monumental y conocida de todas y formalmente revela a un obelisco invertido y en equilibrio sobre la cúspide de una pirámide.
==Aporte a las teorías de las vanguardias==
A Newman se le clasifica, generalmente, dentro del expresionismo abstracto, considerando que trabajaba en Nueva York en los años 1950, y se relacionó con otros artistas del grupo y desarrolló un estilo abstracto que poco o nada debía al arte europeo. No obstante, su rechazo de la pincelada expresiva empleada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko, y su uso de zonas de color liso, permiten ver en él a un precursor de la «abstracción post pictórica» y las obras minimalistas de artistas como Frank Stella. Igualmente se ha hablado de él como representante de la colorfield painting, o pintura de los campos de color, una subcorriente del expresionismo abstracto en la que destacaría igualmente Rothko.
==Legado==
Newman no fue muy apreciado en vida, siendo ignorado en favor de personajes más atractivos como Jackson Pollock. El influyente crítico Clement Greenberg escribió sobre él con entusiasmo, pero no fue hasta el final de su vida cuando empezó a ser tomado realmente en serio dentro de la arena del arte. Sin embargo, su figura y trabajo influyó de manera cardinal sobre muchos jóvenes artistas inscritos en el expresionismo abstracto.
==Muerte==
Murió el [[4 de julio]] de [[1970]], en [[Nueva York]] ([[Estados Unidos]]), víctima de un ataque al corazón; a la edad de 65 años, dejando una rica obra literaria y pictórica.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Barnett_Newman Barnett Newman. Disponible en Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5481.htm Barnett Newman. El teórico de la vanguardia. Disponible en: www.artehistoria.jcyl.es]
*[http://aprendersociales.blogspot.com/2007/12/barnett-newman-la-simplicidad-aparente.html Barnett Newman: la simplicidad aparente. Disponible en: aprendersociales.blogspot.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Usuario:Cumanayagua3 jc/Nuevas

2012-01-31T18:15:30Z

Cumanayagua3 jc:

*Historia del municipio de [[Cumanayagua]].
*[[Pico San Juan]].
*[[Agustín Mónico Ramos Vázquez]]
*[[Tomás Ojeda Pérez]]
*[[Enrique Yero Remón]]
*[[Juan González Pereira]]
*[[Onolio Navarro Vasallo]]
*[[Pablo Estévez de la Rosa]]
*[[Osvaldo Fuentes Díaz]]
*[[Miguel González Yera]]
*[[Mario Castillo Rojas]]
*[[Osiris García Fonseca]]
*[[Onelio Carballo Artola]]
*[[Orlando Gómez Mesa]]
*[[Pedro Alonso Moya]]
*[[Pedro Valladares Guerra]]
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*[[Oscar Salas Blanco]]
*[[Emeregildo Rodríguez Salas]]
*[[Lino Vázquez Almeida]]
*[[Fernando Santana Rodríguez]]
*[[Valentín Alonso Maceda]]
*[[Ángel Gil Martínez]]
*[[Reinaldo Nerio Castillo Pérez]]
*[[Jorge Reyes Cruz]]
*[[Juan González Suárez]]
*[[Lucas Capote Leyva]]
*[[Pablo Vietes Hernández]]
*[[El rapto de las mulatas]]
*[[Constructivismo(arte)|Constructivismo]]
*[[Eduardo Valdés Ruiz]]
*[[José Esteban Tartabull Chacón]]
*[[Leonel Rodríguez Cárdenas]]
*[[Reinaldo Díaz Ojeda]]
*[[Miguel Hurtado Hernández]]
*[[Agustín Hurtado Hernández]]
*[[Isac González Castro]]
*[[Manuel Prieto Labrada]]
*[[Aracelio Rodríguez Castellón]]
*[[Tomás Niebla Castellón]]
*[[Osvaldo Castillo Gómez]]
*[[Pedro Cruz Rodríguez]]
*[[Dagoberto Salas Manresa]]
*[[Demecio Silverio Morales]]
*[[Flores Colina Díaz]]
*[[Luis Lara Yera]]
*[[Francisco Ortega Ortega]]
*[[Ricardo Díaz Rodríguez]]
*[[Combate de Cafetal González]]
*[[Leyes de Indias]]
*[[Ricardo Cuellar Espinosa]]
*[[Neoplasticismo]]
*[[Orestes Almeida González]]
*[[Manuel Concepción González Sánchez]]
*[[Neoimpresionismo]]
*[[Suprematismo]]
*[[Racionalismo]]
*[[Informalismo]]
*[[Movimiento artístico]]
*[[Néstor Cruz Ugalde]]
*[[Osmany Villazón Hernández]]
*[[Diseño industrial]]
*[[Escuela de la Bauhaus]]
*[[Escalas del diseño]]
*[[Cartel]]
*[[Diseño urbano]]
*[[Diseño arquitectónico]]
*[[Tachismo]]
*[[Pintura matérica]]
*[[Imagen plástica]]
*[[Op art]]
*[[Pintura metafísica]]
*[[Escultura blanda]]
*[[Grupo Cobra]]
*[[Caligrama]]
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*[[Arte encontrado]]
*[[Obra de arte]]
*[[Pintura de acción]]
*[[Giorgio di Chirico]]
*[[Carlo Carrá]]
*[[Guillaume Apollinaire]]
*[[Filippo de Pisis]]
*[[Wassily Kandinsky]]
*[[Antonio Saura]]
*[[Karel Appel]]
*[[Georges Seurat]]
*[[Paul Signac]]
*[[René Magritte]]
*[[Alexander Rodchenko]]
*[[Instalación artística]]
*[[Land art]]
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*[[Composición artística]]
*[[James Ensor]]
*[[Ricciotto Canudo]]
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*[[Giorgio Morandi]]
*[[Hans Hartung]]
*[[Edgar Neville Romrée]]
*[[Otto Müller]]
*[[Ernst Toller]]
*[[Jacques Vaché]]
*[[Georges Mathieu]]
*[[Henri Michaux]]
*[[Serge Poliakoff]]
*[[Maria Helena Viera da Silva]]
*[[Pierre Soulages]]
*[[Nicolas de Staël]]
*[[Bram van Velde]]
*[[Antonio Gisbert Pérez]]
*[[Emile Friant]]
*[[Arthur Jonh Elsley]]
*[[Wislow Homer]]
*[[Julien Dupré]]
*[[Nam June Paik]]
*[[Peter Sedgley]]
*[[Piero Dorazio]]
*[[Anders Zorn]]

Anders Zorn

2012-01-31T18:10:10Z

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'''Anders Leonard Zorn'''. Pintor impresionista, escultor y grabador sueco.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[18 de febrero]] de [[1860]], en [[Mora]], [[Dalarna]]; [[Suecia]], hijo natural de la campesina sueca Grudd Anna Andersdotter y del cervecero alemán Leonhard Zorn. El pequeño niño no llegó a conocer a su padre y fue criado por sus abuelos.
==Estudios==
Comenzó a estudiar en [[1872]] en la escuela de Enköping y tres años después, en [[1875]], se matriculó en la Academia de las Artes de Estocolmo, institución donde estuvo estudiando hasta [[1880]]. El mismo año que concluyó sus estudios conoció a Emma Lamm, quien provenía de una acaudalada familia y con quien se casó en [[1885]].
==Viajes==
Estuvo viajando por [[Europa]] y a su paso por [[España]] se interesó por la obra de [[Diego Velázquez]], por lo que empezó a experimentar con los distintos efectos sobre el agua, como se puede observa en Sommarnöje (1886). Posteriormente viajó a [[Francia]] país donde adquirió bastante fama y estableció su residencia en [[París]]. En la Exposición Universal de [[1889]] fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa y se afianzó como uno de los pintores más importantes de la época, llegando incluso a recibir una invitación para exponer su autorretrato en la [[Galería Uffizi]].
==Sobre su obra==
Se convirtió en uno de los pintores retratistas más reconocidos internacionalmente en su época, lo que le valió un lugar entre las principales personalidades de la vida cultural parisina de la primera mitad del [[siglo XIX]]. Gracias a ellos pudo contar con tres Presidentes Americanos entre sus modelos: [[Grover Cleveland]] en 1899, [[Theodore Roosevelt]], (1905) y [[William Taft]], (1911).
En [[1896]] Anders y su esposa Emma regresaron a [[Mora]], [[Suecia]]. Zorn comenzó a mostrar una preocupación creciente por la conservación del folklore musical sueco, preocupación que plasma en sus obras. Comienza a abarcar temas de carácter popular, como escenas costumbristas propias del pueblo sueco. Fiel reflejo de ello es el cuadro Midsommardans ([[1897]]), una representación de bailarines bajo la luz crepuscular en una celebración rural del Solsticio de verano.
La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al impresionismo, donde se percibe la inluencia de Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve a través de trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt. Se conservan de su producción gráfica al grabado, 289 obras.

Realizó asimismo un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, apremiado por su mujer. Podemos destacar Sommarnöje (Vacaciones de verano) (1886) (su acuarela más famosa) y Vårt dagliga bröd (Nuestro pan diario) (1886).
Sus desnudos son célebres, serie que inició durante su estancia en Francia, con obras como Outdoors ([[1888]]) o Las bañistas ([[1888]]).
El polifacético artista se destacó, además, en el ámbito de la escultura, de la que nos legó obras de carácter naturalista en pequeño formato, como Baño matutino ([[1909]]), y de carácter público, como la Estatua de Gustav Vasa ([[1903]]).
Algunos de sus trabajos más importantes se encuentran expuestos en el Nationalmuseum (Museo Nacional de Bellas Artes) en [[Estocolmo]], [[Suecia]]. Otros museos que albergan trabajos de Zorn son el [[Musée d'Orsay]] en [[París]] y el Metropolitan Museum of Art en [[Nueva York]].
==Reconocimientos==
Tras su fallecimiento, su mujer Emma, fundó el Museo Anders Zorn, ubicado en su ciudad natal desde [[1939]]. Contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas.
En [[1960]], con motivo del centenario del nacimiento del artista, se publicó un sello postal dedicado al pintor y dibujante. La imagen del sello es su obra Autorretrato de [[1904]] en aguafuerte. Pero no sólo se le dedicó este sello, si no que una de sus obras también se imprimió en este formato, Hins Anders ([[1904]]).

==Muerte==
Falleció en [[Mora]], [[Suecia]], el [[22 de agosto]] de [[1920]], a los 60 años de edad, legando al arte universal un pródiga obra compuesta por grabados, esculturas, ilustraciones, pinturas al óleo y la acurela.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Anders_Zorn Anders Zorn. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[http://www.taller54.com/zorn.htm Anders Zorn. Disponible en: www.taller54.com]
*[http://arteyartistas.org/2008/03/13/anders-zorn-1860-1920/ Anders Zorn. Disponible en : www.arteyartistas.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Piero Dorazio

2012-01-31T17:56:55Z

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|descripción=Pintor italiano, considerado padre del arte abstracto en su país natal.
|fecha de nacimiento= [[29 de junio]] de [[1927]]
|lugar de nacimiento= [[Roma]], [[Italia]]. {{Bandera|Italia}}
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|ocupación= Pintor y profesor de arte.
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}}
'''Piero Dorazio'''. Pintor italiano considerado como el “padre del movimiento abstracto” en su país. Experimentador incansable cuya obra derivó en cierto eclecticismo abstracto.
==Datos biográficos==
==Nacimiento y primeros estudios==
Nació en [[Roma]], el [[29 de julio]] de [[1927]]. En esta ciudad completó sus estudios clásicos y estudió arquitectura durante cuatro años.
==Carrera artística==
Durante su juventud, expuso con el grupo romano “Arte Sociale” y se interesó por el futurismo. La carrera pictórica de Dorazio estuvo marcada por la [[abstracción| abstracción]] desde que a mediados de los años 40, del siglo pasado redactara el manifiesto llamado “Formalismo-Forma” junto a otros artistas como [[Pietro Consagra]], [[Antonio Sanfilippo]] y [[Giulio Turcazo]].
Se opuso de modo radical al realismo, defendiendo la experimentación en las formas. En [[1948]] organizó en 1948 una exposición nacional de arte abstracto en una galería de [[Roma]]; iniciativa que repetiría tres años más tarde en la Galería Nacional de la capital italiana.
A comienzos de los 50 tiene una fase de búsqueda tridimensional, con cuadros blancos y otros con líneas y puntos en relieve. En el verano de [[1953]] fue invitado para un seminario internacional en la Universidad de Harvard, Cambridge, campus donde ofrecerá dos conferencias. En septiembre, Virginia Dortch se convirtió en su esposa y se mudó para [[Nueva York]], en esta ciudad norteamericana realizó su primera exposición personal en Wittenborn y en la galería Rose Fried en [[1954]]. Durante su estancia en los [[Estados Unidos]] entró en contacto con las personalidades más destacadas de la época, como los pintores [[Willem de Kooning]], [[Mark Rothko]], [[Jackson Pollock]], [[Barnett Newman]], [[Robert Motherwell]] y el crítico de arte [[Clement Greenberg]]. Durante este período, Dorazio también se centró en el estudio de los escritos de [[Wassily Kandinsky]], cuya teoría sobre los aspectos intangibles de la pintura influirá en él.
Más tarde regresó a Italia, donde continuó su actividad artística. En su país natal realizó una serie de exposiciones personales en la Galería Apollinaire, de [[Milán]]; en la Galería del Cavallino en [[Venecia]], en [[1955]]; y en una Galería de [[Roma]] en [[1957]].
Realizó viajes regulares a muchas ciudades europeas como [[París]], [[Londres]], [[Praga]], [[Dusseldorf]] y [[Berlín]], viajes que contribuyeron a difundir su popularidad y su fama fuera de [[Italia]].
En [[1960]] fundó el Departamento de Bellas Artes en la Escuela de [[Bellas Artes]] de la Universidad de [[Pensilvania]] en [[Filadelfia]] y en la que ejerció como profesor hasta [[1967]]. En [[1968]], Dorazio vivió durante seis meses en [[Berlín]], donde enseña en la Austauschdienst Deutsche Akademishe. En [[1970]] finalmente se rompió completamente con la enseñanza para dedicarse exclusivamente a la pintura.
==Exposiciones==
En [[1959]] participó en la “Documenta II” de Kassel. Expuso en tres de las ediciones de la [[Bienal de Venecia]], en 1960 donde fue invitado por [[Lionello Ventura]] y se dedicó una sala entera para su obra y luego en los anos [[1966]] y [[1988]]. En [[1965]] participó en la exposición "The Responsive Eye" en el MoMA de [[Nueva York]].
En [[1974]] se trasladó a [[Italia]] para por instalarse definitivamente en la región de Umbría, lo que coincidió con una pintura en la que abundan las líneas de color que dan dinamismo a sus obras y las acercas a la inspiración [[impresionista]]. En [[1984]] se casó con [[Juliana Sopranos]].
==Muerte==
Delicado de salud murió en [[Perugia]] cerca de [[Roma]], el [[17 de mayo]] de [[2005]], a los 77 años de edad, inmortalizando el arte abstracto no solo dentro de su país natal ([[Italia]]), sino también en el extranjero.
==Fuentes==
*[http://www.elmundo.es/elmundo/2005/05/17/obituarios/1116356958.html Piero Dorazio, en www.elmundo.es]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dorazio.htm Piero Dorazio, en Biografías y vidas.com]
*[http://it.wikipedia.org/wiki/Piero_Dorazio Piero Dorazio, en wikipedia, la enciclopedia libre]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Piero Dorazio

2012-01-31T17:55:43Z

Cumanayagua3 jc:

Anders Zorn

2012-01-31T17:55:42Z

Cumanayagua3 jc: /* Sobre su obra */

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|partido político=
|cónyuge=Emma Lamm (Emma Zorn)
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|familiares=
|obras=
|premios=
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|web=
|notas=
}}
'''Anders Leonard Zorn'''. Pintor impresionista, escultor y grabador sueco.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[18 de febrero]] de [[1860]], en [[Mora]], [[Dalarna]]; [[Suecia]], hijo natural de la campesina sueca Grudd Anna Andersdotter y del cervecero alemán Leonhard Zorn. El pequeño niño no llegó a conocer a su padre y fue criado por sus abuelos.
==Estudios===
Comenzó a estudiar en [[1872]] en la escuela de Enköping y tres años después, en [[1875]], se matriculó en la Academia de las Artes de Estocolmo, institución donde estuvo estudiando hasta [[1880]]. El mismo año que concluyó sus estudios conoció a Emma Lamm, quien provenía de una acaudalada familia y con quien se casó en [[1885]].
==Viajes==
Estuvo viajando por [[Europa]] y a su paso por [[España]] se interesó por la obra de [[Diego Velázquez]], por lo que empezó a experimentar con los distintos efectos sobre el agua, como se puede observa en Sommarnöje (1886). Posteriormente viajó a [[Francia]] país donde adquirió bastante fama y estableció su residencia en [[París]]. En la Exposición Universal de [[1889]] fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa y se afianzó como uno de los pintores más importantes de la época, llegando incluso a recibir una invitación para exponer su autorretrato en la [[Galería Uffizi]].
==Sobre su obra==
Se convirtió en uno de los pintores retratistas más reconocidos internacionalmente en su época, lo que le valió un lugar entre las principales personalidades de la vida cultural parisina de la primera mitad del [[siglo XIX]]. Gracias a ellos pudo contar con tres Presidentes Americanos entre sus modelos: [[Grover Cleveland]] en 1899, [[Theodore Roosevelt]], (1905) y [[William Taft]], (1911).
En [[1896]] Anders y su esposa Emma regresaron a [[Mora]], [[Suecia]]. Zorn comenzó a mostrar una preocupación creciente por la conservación del folklore musical sueco, preocupación que plasma en sus obras. Comienza a abarcar temas de carácter popular, como escenas costumbristas propias del pueblo sueco. Fiel reflejo de ello es el cuadro Midsommardans ([[1897]]), una representación de bailarines bajo la luz crepuscular en una celebración rural del Solsticio de verano.
La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al impresionismo, donde se percibe la inluencia de Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve a través de trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt. Se conservan de su producción gráfica al grabado, 289 obras.

Realizó asimismo un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, apremiado por su mujer. Podemos destacar Sommarnöje (Vacaciones de verano) (1886) (su acuarela más famosa) y Vårt dagliga bröd (Nuestro pan diario) (1886).
Sus desnudos son célebres, serie que inició durante su estancia en Francia, con obras como Outdoors ([[1888]]) o Las bañistas ([[1888]]).
El polifacético artista se destacó, además, en el ámbito de la escultura, de la que nos legó obras de carácter naturalista en pequeño formato, como Baño matutino ([[1909]]), y de carácter público, como la Estatua de Gustav Vasa ([[1903]]).
Algunos de sus trabajos más importantes se encuentran expuestos en el Nationalmuseum (Museo Nacional de Bellas Artes) en [[Estocolmo]], [[Suecia]]. Otros museos que albergan trabajos de Zorn son el [[Musée d'Orsay]] en [[París]] y el Metropolitan Museum of Art en [[Nueva York]].
==Reconocimientos==
Tras su fallecimiento, su mujer Emma, fundó el Museo Anders Zorn, ubicado en su ciudad natal desde [[1939]]. Contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas.
En [[1960]], con motivo del centenario del nacimiento del artista, se publicó un sello postal dedicado al pintor y dibujante. La imagen del sello es su obra Autorretrato de [[1904]] en aguafuerte. Pero no sólo se le dedicó este sello, si no que una de sus obras también se imprimió en este formato, Hins Anders ([[1904]]).

==Muerte==
Falleció en [[Mora]], [[Suecia]], el [[22 de agosto]] de [[1920]], a los 60 años de edad, legando al arte universal un pródiga obra compuesta por grabados, esculturas, ilustraciones, pinturas al óleo y la acurela.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Anders_Zorn Anders Zorn. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[http://www.taller54.com/zorn.htm Anders Zorn. Disponible en: www.taller54.com]
*[http://arteyartistas.org/2008/03/13/anders-zorn-1860-1920/ Anders Zorn. Disponible en : www.arteyartistas.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Anders Zorn

2012-01-31T17:54:20Z

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|premios=
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}}
'''Anders Leonard Zorn'''. Pintor impresionista, escultor y grabador sueco.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[18 de febrero]] de [[1860]], en [[Mora]], [[Dalarna]]; [[Suecia]], hijo natural de la campesina sueca Grudd Anna Andersdotter y del cervecero alemán Leonhard Zorn. El pequeño niño no llegó a conocer a su padre y fue criado por sus abuelos.
==Estudios===
Comenzó a estudiar en [[1872]] en la escuela de Enköping y tres años después, en [[1875]], se matriculó en la Academia de las Artes de Estocolmo, institución donde estuvo estudiando hasta [[1880]]. El mismo año que concluyó sus estudios conoció a Emma Lamm, quien provenía de una acaudalada familia y con quien se casó en [[1885]].
==Viajes==
Estuvo viajando por [[Europa]] y a su paso por [[España]] se interesó por la obra de [[Diego Velázquez]], por lo que empezó a experimentar con los distintos efectos sobre el agua, como se puede observa en Sommarnöje (1886). Posteriormente viajó a [[Francia]] país donde adquirió bastante fama y estableció su residencia en [[París]]. En la Exposición Universal de [[1889]] fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa y se afianzó como uno de los pintores más importantes de la época, llegando incluso a recibir una invitación para exponer su autorretrato en la [[Galería Uffizi]].
==Sobre su obra==
Se convirtió en uno de los pintores retratistas más reconocidos internacionalmente en su época, lo que le valió un lugar entre las principales personalidades de la vida cultural parisina de la primera mitad del [[siglo XIX]]. Gracias a ellos pudo contar con tres Presidentes Americanos entre sus modelos: [[Grover Cleveland]] en 1899, [[Theodore Roosevelt]], (1905) y [[William Taft]], (1911).
En [[1896]] Anders y su esposa Emma regresaron a [[Mora]], [[Suecia]]. Zorn comenzó a mostrar una preocupación creciente por la conservación del folklore musical sueco, preocupación que plasma en sus obras. Comienza a abarcar temas de carácter popular, como escenas costumbristas propias del pueblo sueco. Fiel reflejo de ello es el cuadro Midsommardans ([[1897]]), una representación de bailarines bajo la luz crepuscular en una celebración rural del Solsticio de verano.
La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al impresionismo, donde se percibe la inluencia de Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve a través de trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt. Se conservan de su producción gráfica al grabado, 289 obras.

Realizó asimismo un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, apremiado por su mujer. Podemos destacar Sommarnöje (Vacaciones de verano) (1886) (su acuarela más famosa) y Vårt dagliga bröd (Nuestro pan diario) (1886).
Sus desnudos son célebres, serie que inició durante su estancia en Francia, con obras como Outdoors ([[1888]]) o Las bañistas ([[1888]]).
El polifacético artista se destacó, además, en el ámbito de la escultura, de la que nos legó obras de carácter naturalista en pequeño formato, como Baño matutino ([[1909]]), y de carácter público, como la Estatua de Gustav Vasa ([[1903]]).
Algunos de sus trabajos más importantes se encuentran expuestos en el Nationalmuseum (Museo Nacional de Bellas Artes) en [[Estocolmo]], [[Suecia]]. Otros museos que albergan trabajos de Zorn son el [[Musée d'Orsay]] en [[París]] y el Metropolitan Museum of Art en [[Nueva York]].
==Reconocimientos==
Tras su fallecimiento, su mujer Emma, fundó el Museo Anders Zorn, ubicado en su ciudad natal desde [[1939]]. Contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas.
En [[1960]], con motivo del centenario del nacimiento del artista, se publicó un sello postal dedicado al pintor y dibujante. La imagen del sello es su obra Autorretrato de [[1904]] en aguafuerte. Pero no sólo se le dedicó este sello, si no que una de sus obras también se imprimió en este formato, Hins Anders ([[1904]]).
==Muerte==
Falleció en [[Mora]], [[Suecia]], el [[22 de agosto]] de [[1920]], a los 60 años de edad, legando al arte universal un pródiga obra compuesta por grabados, esculturas, ilustraciones, pinturas al óleo y la acurela.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Anders_Zorn Anders Zorn. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[http://www.taller54.com/zorn.htm Anders Zorn. Disponible en: www.taller54.com]
*[http://arteyartistas.org/2008/03/13/anders-zorn-1860-1920/ Anders Zorn. Disponible en : www.arteyartistas.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Piero Dorazio

2012-01-31T17:51:11Z

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|familiares=
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}}
'''Piero Dorazio'''. Pintor italiano considerado como el “padre del movimiento abstracto” en su país. Experimentador incansable cuya obra derivó en cierto eclecticismo abstracto.
==Datos biográficos==
==Nacimiento y primeros estudios==
Nació en [[Roma]], el [[29 de julio]] de [[1927]]. En esta ciudad completó sus estudios clásicos y estudió arquitectura durante cuatro años.
==Carrera artística==
Durante su juventud, expuso con el grupo romano “Arte Sociale” y se interesó por el futurismo. La carrera pictórica de Dorazio estuvo marcada por la [[abstracción| abstracción]] desde que a mediados de los años 40, del siglo pasado redactara el manifiesto llamado “Formalismo-Forma” junto a otros artistas como [[Pietro Consagra]], [[Antonio Sanfilippo]] y [[Giulio Turcazo]].
Se opuso de modo radical al realismo, defendiendo la experimentación en las formas. En [[1948]] organizó en 1948 una exposición nacional de arte abstracto en una galería de [[Roma]]; iniciativa que repetiría tres años más tarde en la Galería Nacional de la capital italiana.
A comienzos de los 50 tiene una fase de búsqueda tridimensional, con cuadros blancos y otros con líneas y puntos en relieve. En el verano de [[1953]] fue invitado para un seminario internacional en la Universidad de Harvard, Cambridge, campus donde ofrecerá dos conferencias. En septiembre, Virginia Dortch se convirtió en su esposa y se mudó para [[Nueva York]], en esta ciudad norteamericana realizó su primera exposición personal en Wittenborn y en la galería Rose Fried en [[1954]]. Durante su estancia en los [[Estados Unidos]] entró en contacto con las personalidades más destacadas de la época, como los pintores [[Willem de Kooning]], [[Mark Rothko]], [[Jackson Pollock]], [[Barnett Newman]], [[Robert Motherwell]] y el crítico de arte [[Clement Greenberg]]. Durante este período, Dorazio también se centró en el estudio de los escritos de [[Wassily Kandinsky]], cuya teoría sobre los aspectos intangibles de la pintura influirá en él.
Más tarde regresó a Italia, donde continuó su actividad artística. En su país natal realizó una serie de exposiciones personales en la Galería Apollinaire, de [[Milán]]; en la Galería del Cavallino en [[Venecia]], en [[1955]]; y en una Galería de [[Roma]] en [[1957]].
Realizó viajes regulares a muchas ciudades europeas como [[París]], [[Londres]], [[Praga]], [[Dusseldorf]] y [[Berlín]], viajes que contribuyeron a difundir su popularidad y su fama fuera de [[Italia]].
En [[1960]] fundó el Departamento de Bellas Artes en la Escuela de [[Bellas Artes]] de la Universidad de [[Pensilvania]] en [[Filadelfia]] y en la que ejerció como profesor hasta [[1967]]. En [[1968]], Dorazio vivió durante seis meses en [[Berlín]], donde enseña en la Austauschdienst Deutsche Akademishe. En [[1970]] finalmente se rompió completamente con la enseñanza para dedicarse exclusivamente a la pintura.
==Exposiciones==
En [[1959]] participó en la “Documenta II” de Kassel. Expuso en tres de las ediciones de la [[Bienal de Venecia]], en 1960 donde fue invitado por [[Lionello Ventura]] y se dedicó una sala entera para su obra y luego en los anos [[1966]] y [[1988]]. En [[1965]] participó en la exposición "The Responsive Eye" en el MoMA de [[Nueva York]].
En [[1974]] se trasladó a [[Italia]] para por instalarse definitivamente en la región de Umbría, lo que coincidió con una pintura en la que abundan las líneas de color que dan dinamismo a sus obras y las acercas a la inspiración [[impresionista]]. En [[1984]] se casó con [[Juliana Sopranos]].
==Muerte==
Delicado de salud murió en [[Perugia]] cerca de [[Roma]], el [[17 de mayo]] de [[2005]], a los 77 años de edad, inmortalizando el arte abstracto no solo dentro de su país natal ([[Italia]]), sino también en el extranjero.
==Fuentes==
*[http://www.elmundo.es/elmundo/2005/05/17/obituarios/1116356958.html Piero Dorazio, en www.elmundo.es]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dorazio.htm Piero Dorazio, en Biografías y vidas.com]
*[http://it.wikipedia.org/wiki/Piero_Dorazio Piero Dorazio, en wikipedia, la enciclopedia libre]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Profesor]]

Archivo:Peter sedgley.jpg

2012-01-31T17:47:27Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Peter Sedgley

2012-01-31T17:46:21Z

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}}
'''Peter Sedgley'''. Reconocido [[artista plástico]] inglés cuya obra se inscribe dentro del arte óptico y cinético. Su obra alcanzó la madurez a mediados de la década de los sesenta del [[siglo XX]], y en su currículum se reflejan varias exposiciones en galería inglesas y norteamericanas.
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Londres]], el [[19 marzo]] de [[1930]].
==Estudios==
Sedgeley estudió arquitectura en la Escuela Técnica Brixton, en [[Londres]], [[Inglaterra]], entre los años [[1944]]-[[1946]]. No tuvo formación artística, pero la influencia de [[Bridget Riley]], [[Thubron Harry]] y [[Lacey Bruce]] sirvieron al pintor para desarrollar su rica obra.
Posterior al servicio militar ([[1948]]–[[1950]]) en [[Egipto]] se casó con Marguerite Wiltshire. El matrimonio tuvo dos hijos en [[1951]].
En [[1956]] realizó su primera exposición individual en la McRoberts y Tunnard Gallery, en [[Londres]]. Posteriormente realizó una exposición en la Galería Howard Wise de [[Nueva York]].
En la década de los sesentas junto a [[Bridget Riley]] su trabajo se caracterizó por el empleo de sobrias gamas monocromáticas, al que continuó un período de creciente interés y experimentación en escalas cromáticas más controladas.
En [[1966]] fue ganador de un premio en la Bienal de [[Tokio]], [[Japón]] y en [[1968]] fue miembro fundador en [[Londres]] del Espacio Artístico Cultural y Educativos, del Registro de Información de Arte (AIR) y del Centro de Información de las Artes. Entre [[1960]] y [[1969]] se estableció como una de las figuras más destacadas en el desarrollo de [[op art]], el [[arte cinético]] y la luz. Durante este período trabajó artísticamente la modulación de la luz tanto en la escultura como en la pintura.

Durante la década de [[1970]] Sedgley realizó numerosas exposiciones en [[Alemania]], país donde se le encargó al artista una exhibición audio-visual para el Festival de Música de Donaueschingen en [[1972]]. Al año siguiente ([[1973]]) tuvo lugar una retrospectiva en la Galería Ikon, en Birmingham. Sedgley también exhibió en la galería de Redfern del país germano, y fue incluido en la expocisión que se realizara en Londres sobre el arte de los sesentas en la “Barbican Art Gallery”, efectuada específicamente en el año [[1993]].
==Fuentes==
*[http://www.artnet.com/artists/peter-sedgley/ Peter Sedgley (en inglés), en www.artnet.com]
*[http://www.artfacts.net/es/artista/peter-sedgley-48672/perfil.html Peter Sedgley. Disponible en: www. Artfacts.net]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Archivo:Piero-dorazio.jpg

2012-01-31T17:41:34Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Nam June Paik

2012-01-31T17:39:54Z

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}}
'''Nam June Paik'''. Compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del [[siglo XX]]. Estudio filosofia, historia y música en [[Tokio]] y teoría de la [[música]] en la Universidad de [[Múnich]], y en el Conservatorio Freiburg, en [[Alemania]].
==Síntesis Biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[20 de julio]] de [[1932]], en [[Seúl]], [[Sudogwon]], [[Corea del Sur]]
==Estudios==
Estudió música e Historia del Arte en la universidad de [[Tokio]]. En 1956, viajó a [[Alemania]], país donde estudió teoría de la [[música]] en [[Múnich]], continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo. Trabajó en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia, y participó en el grupo de performances fluxus.Mantuvo relaciones con Yōko Ono, la futura esposa de John Lennon.
En [[Alemania]] conoció a [[John Cage]], figura que será clave en su posterior evolución artística. Junto a él entrará en el Movimiento Fluxus, creado por [[Josef Maciunas]] en [[Estados Unidos]] hacia [[1961]]. En esos momentos la [[República Federal Alemana]] vivía años de fervor creativo, de búsqueda y de cambio en el mundo del arte y de nuevos significados dentro de la creación artística. En el país germano realizó su primera exposición individual en [[1963]], en [[Wuppertal]]. En [[1964]] se trasladó en a [[Nueva York]]. Su interés por las nuevas tecnologías y sus posibilidades le conducen a comprarse una videocámaraal salir éstas al mercado, en el año [[1965]]. A finales de los sesentas se encuentra al frente de una generación de artistas dedicados a la creación de un lenguaje estético basado en el [[video]], la [[televisión]] y las imágenes en movimiento. Paulatinamente multiplicó sus colaboraciones con los artistas más destacados del momento: [[Laurie Anderson]], [[Joseph Beuys]], [[David Bowie]]. [[John Cage]] o [[Merce Cunningham]]. Junto con John Cage aprendió la importancia de la música y los silencios en las representaciones iniciando su camino dentro de las [[performances]].
==Sobre su obra==
La obra de Nam June Paik goza de un fino sentido del humor y una incisiva ironía que emplea a modo de escarpelo con la "sociedad de la información" y de las "nuevas tecnologías". Sus realizaciones cuestiona sociedad occidental, a partir del empleo de los medios técnicos de la misma: televisión, video e Internet.
Su creación escinde hacia la descontextualización del objeto en el medio, transformando con ello el mensaje. De esta forma subraya el modo en que somos utilizados y absortos por el continuo bombardeo de imágenes. Esto se presenta de modo claro en piezas como "Silla Tv, (Tv Chair)", [[1968]]", "Tv Vela (Candle Tv)", [[1975]], "Vídeo sintetizador Paik-Abe (Paik-Abe Video Synthetizer)", [[1969]], o en "Tv Participativa (Participation Tv)", [[1963]]. Otra línea de actuación sería su interés por humanizar la tecnología en piezas como "Familia robot (Family of Robot)", [[1986]].
Su arte, de modo general está estructurado sobre creaciones que son el producto de la continua construcción, y de una alta y sólida dosis de creatividad, esto queda corroborado cuando Nam June Paik, expresó:
{{Sistema:Cita|“Cuando me dispongo a hacer una obra tengo, por supuesto, alguna idea preconcebida, pero luego cometo un error tras otro y eso se convierte a mi favor. Esta ha sido la historia de toda mi vida."}}
==Obras==
Entre las principales obras se pueden citar:
*Buenos días señor Orwell ([[1984]]), arte televisivo satelital en directo desde Nueva York (Estados Unidos) y París (Francia) en forma simultánea.
*Moon is the Oldest TV ([[1965]]-[[1992]])
*Early Color Tv Manipulations (con Jud Yalkut) ([[1965]]-[[1971]])
*Beatles Electronique (con Jud Yalkut) ([[1966]]-[[1969]])
*Fish Flies on Sky ([[1975]]) (instalación)
*Candle TV No. 1 ([[1975]]) (instalación)
*Suite 212 ([[1975]]-[[1977]])
*B.S.O.and Beyond ([[1984]]) (instalación)
*All Star Video (con Ryuichi Sakamoto) ([[1984]])
*Butterfly ([[1986]])
*Bye Bye Kipling ([[1986]])
*Beuys/Voice ([[1987]]) (instalación)
*Birdhouse ([[1990]]) (instalación)
==Muerte==
Murió el [[29 de enero]] de [[2006]], en [[Miami]], [[Florida]], [[Estados Unidos]]; a la edad de 74 años, dejando una prolífera obra conceptual sobre la base del uso de las tecnologías.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Nam_June_Paik Nam June Paik. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre]
*[http://www.picassomio.es/nam-june-paik.html Nam June Paik. Disponible en: www. Picassomio.es]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]]

Archivo:Julián-dupre.jpg

2012-01-31T17:35:19Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Julien Dupré

2012-01-31T17:23:57Z

Cumanayagua3 jc: Página creada con '{{Ficha Persona |nombre= Julien Dupré. |nombre completo= |otros nombres= |imagen= julián-dupre.jpg |tamaño= |descripción=Pintor naturalista francés. |fecha de nacimiento=...'

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}}
''' Julien Dupré '''. Pintor francés y uno de los principales representantes del realismo francés en la pintura del [[siglo XIX|siglo XIX]]. Su obra, junto a la de [[Jules Breton]] y [[Jean-François Millet]], ejerció gran influencia para el desarrollo ulterior de la temática agraria en el [[Realismo Socialista]] del [[siglo XX]].
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[París]], [[Francia]], el [[18 de marzo]] de [[1851]], siendo hijo del matrimonio compuesto por el joyero Jean Dupré y Pauline Bouillie.
===Vida artística===
Comenzó su vida adulta como empleado en una tienda de encajes antes de entrar en el negocio de joyería de su familia.
Entre el 9 y el 18 de septiembre de [[1870]], las tropas prusianas rodean la capital francesa. Con [[París]] sitiado, los Dupré se ven obligados a cerrar la tienda y Julien comenzó a asistir a cursos nocturnos en la Escuela de Artes Decorativas. A través de estas clases obtuvo acceso a L´École des Beaux-Arts (Escuela de [[Bellas Artes]]).
A mediados de la década de 1870 viajó y se convirtió en alumno del pintor naturalista, de género rural, [[Désiré-François Laugée]] ([[1823]]-[[1896]]), con cuya hija, [[Marie Françoise Eléonore]], se casaría en [[1876]], año en que expuso su primera pintura en el [[Salón de París]].
==Sobre su obra==
A semejanza de [[Jean-François Millet]], [[Bouguereau]] y [[Jules Breton]], pintores a quienes admiró, Dupré es uno de los mejores retratistas de la temática animal en su tiempo. Observó y pintó con fidelidad la vida de los campesinos, y los dotó de vida dentro de sus cuadros. En sus pinturas es excepcional el juego con la luz y la profundidad, lo que refuerza los efectos y resalta la fuerza expresiva en sus obras. La preferencia por el natural lo conduce a abandonar su estudio para ir a pintar la naturaleza in situ.
Su obra auque es conocida a profundidad en [[Europa]], gana de fama y aprecio en los [[Estados Unidos]] y muchas de sus pinturas se encuentran en museos americanos.
Con realción a su creación en [[1891]], Marion H. Speilman, en su artículo "La vaca blanca", publicado en la Revista de Arte, en 1891; vol. 14, p. 415, describe a Dupré como:
{{Sistema:Cita|“…uno de los artistas de mayor crecimiento de la escuela francesa. Individual en su trabajo, preciso en calidad de observador, serio como un pintor, sano en sus instintos e intensidad artística, en sus impresiones y traducción de ellas... siempre es una de las atracciones en el Salón."}}
La crítica moderna ha reconocido la singularidad de las pinturas de Dupré en la representación de las campesinas francesas:
"Los temas de Dupre son inusuales en varios aspectos. Más que cualquier otro artista activo hasta el presente sus cuadros muestran a las mujeres vigorosamente agitando heno de la tierra, con las horquillas y rastrillos. Algunas de estas pinturas tienen vagamente títulos con el motivo genérico, como "campo de trigo," pero todos tienen, evidentemente, la intención de representar a la mujer hermosa llena de glamour en ropa colorida mientras arroja el heno con energía masculina. Vistos sus cuadros alineados, se pueden leer casi como fotogramas de una película documental."
==Exposiciones==
Desde [[1876]] expuso en el [[Salón de París]], evento a lque seguiría asistiendo su creación con regularidad hasta su muerte.
==Distinciones==
Recibió la Medalla de Oro en la [[Exposición Universal de París]] de [[1889]] y la Legión de Honor en [[1892]].
A través de toda su carrera, Dupré defendió la vida de los campesinos y continuó pintando escenas de ese ámbito de la Normandía y Bretaña hasta su muerte el 16 de abril de 1910.
==Algunas de sus obras==
*Niños alimentando a los gansos, ([[1881]]). Museo de Bellas Artes de [[Boston]].
*El Recolector, (c.a.1880/1). Huntington Museum of Art, [[Huntington]].
*Escena en el heno, ([[1882]). Universidad de [[Washington]] Art Gallery, St. Louis, MO.
*Los segadores, ([[1885]]). Appleton Museum of Art, Ocala, FL.
*El segador, ([[1886]]). Worcester Art Museum, Worcester, MA.
*Le Ballon, ([[1886]]). Reading Public Museum y la Galería de Arte, Reading, PA.
*La siega del heno, ([[1892]]). Museo de Bellas Artes de Boston, MA.
*Regreso de los campos (sin fecha). Joslyn Art Museum, Omaha, NE.
*Joven campesina con ovejas. Museo de Bellas Artes de [[San Francisco]], CA.
*La hora del ordeño. Museo de Bellas Artes de San Francisco, CA.
*Mujeres en los campos. Bowdoin College Museo de Arte, Brunswick, ME.
*La joven pastora. San Diego Museum of Art, [[San Diego]], CA.
*Joven Ganado Riego. Museo de Bellas Artes de Boston, MA.
*Hogar de la pradera. Columbia Museum of Art, Columbia, SC.
==Muerte==
Falleció el [[16 de abril]] de [[1910]], en [[París]], [[Francia]], a la edad de 58 años, dejando una rica obra pictórica con un fuerte fundamento [[mimesis en el arte|mimético]] del natural y apego realista.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Julien_Dupr%C3%A9 Julián Dupré, disponible en Wikipedia]
*[http://www.ricci-arte.com/es/Julien-Dupre.htm Biografía de Julián Dupré. Disponible en: www.ricci-arte.com]
*[http://arteyartistas.org/2008/07/17/julian-dupre-1851-1910/ Biografía y obras de Julián Dupré. Disponible en: www.arteyartistas.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Archivo:Winslow-homer.jpg

2012-01-31T17:19:10Z

Cumanayagua3 jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Winslow Homer

2012-01-31T17:18:20Z

Cumanayagua3 jc: /* Fuentes */

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}}
'''Winslow Homer'''. Pintor naturalista estadounidense, considerado uno de los más grandes artistas norteamericano del [[siglo XIX|siglo XIX]].

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[24 de febrero]] de [[1836]], [[Boston]], [[Estados Unidos]]
===Vida y carrera artística===
Su formación como pintor fue, en su mayor parte, autodidacta. En [[1857]] comienzó a trabajar como ilustrador de revistas, convirtiéndose en colaborador continuo de la conocida [[Harper's Weekly]]. Sus ilustraciones, sobre todo los grabados, se caracterizaron por sus contornos nítidos, la presencia de formas sencillas, el acentuado contraste entre luces y sombras y por la representación de grupos de personajes llenos de vida. Tales características se convirtieron en constante de su producción a lo largo de su carrera artística.
Durante la [[Guerra Civil]], Homer visitó en repetidas ocasiones el frente de [[Virginia]] donde habría de pintar su primer cuadro al óleo importante, “Los prisioneros del frente” ([[1866]], Museo Metropolitano de Arte de [[Nueva York]]), obra notable por su fría objetividad y su vigoroso [[realismo en el arte|realismo]].
En [[1856]] se trasladó por un año [[Francia]], país en que su interés en las posibilidades pictóricas de la luz natural se desarrolla de forma paralela al de los primeros [[impresionistas]], no obstante nunca sufrió su obra la influencia directa del impresionismo o del arte francés.
En [[1873]] comenzó a utilizar la [[acuarela]], medio de expresión tan importante en su obra como el óleo. Durante la década de [[1870]] los temas predominantes de sus obras fueron los de inspiración rural o idílica: escenas de la vida agrícola, niños jugando y escenas de lugares conocidos poblados de mujeres elegantes. De estas últimas el ejemplo más conocido es “Long Branch, Nueva Jersey” ([[1869]], Museum of Fine Arts, Boston).
El año transcurrido en [[Inglaterra]], de [[1881]] a [[1882]]), y durante el cual Homer vivió en un pueblo de pescadores, provocó un cambio definitivo en la temática de su obra. A partir de entonces se concentró en escenas de la naturaleza a gran escala, en particular escenas marinas, de pescadores y sus familias. Después de fijar su residencia en solitario en Prout's Neck, en la costa de Maine (lugar en que moriría), produjo obras maestras del realismo como Eight Bells ([[1886]], Addison Gallery, Andover, Massachusetts). En esta obra el dramatismo de la escena marina está imbuido de una cualidad épica y heroica que representa el tema dominante de su madurez: la lucha del hombre con las fuerzas de la naturaleza.
A partir de [[1884]], Homer pasó muchos inviernos en [[Florida]], en las [[Bahamas]] y en [[Cuba]]. Gran parte de las muchas escenas que pintó del trópico son acuarelas ejecutadas con un estilo muy avanzado para su época y signado por la presencia de una pincelada fresca, suelta, espontánea y casi [[impresionista]], pero sin perder en ella, jamás, su relación básica con el [[naturalismo en el arte|naturalismo]].
De [[1899]] es una de sus obras más impactantes, La corriente del Golfo (Museo de Arte Metropolitano de [[Nueva York]]), en la que un solitario marinero navega en una pequeña y destrozada embarcación, rodeado de tiburones e incomunicado en medio de un mar con fuerte oleaje.
La grandiosidad de su temática y la fuerza expresiva de sus obras ejercieron una influencia dominante en la pintura realista de [[Estados Unidos]].
==Muerte==
Murió el [[29 de septiembre]] de [[1910]], [[Prout's Neck]], en la costa de [[Maine]], en [[Inglaterra]].
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Winslow_Homer Winslow Homer. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre]
*[http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/281 Winslow Homer. Disponible en: www.museothyssen.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Winslow Homer

2012-01-31T17:07:06Z

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'''Winslow Homer'''. Pintor naturalista estadounidense, considerado uno de los más grandes artistas norteamericano del [[siglo XIX|siglo XIX]].

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[24 de febrero]] de [[1836]], [[Boston]], [[Estados Unidos]]
===Vida y carrera artística===
Su formación como pintor fue, en su mayor parte, autodidacta. En [[1857]] comienzó a trabajar como ilustrador de revistas, convirtiéndose en colaborador continuo de la conocida [[Harper's Weekly]]. Sus ilustraciones, sobre todo los grabados, se caracterizaron por sus contornos nítidos, la presencia de formas sencillas, el acentuado contraste entre luces y sombras y por la representación de grupos de personajes llenos de vida. Tales características se convirtieron en constante de su producción a lo largo de su carrera artística.
Durante la [[Guerra Civil]], Homer visitó en repetidas ocasiones el frente de [[Virginia]] donde habría de pintar su primer cuadro al óleo importante, “Los prisioneros del frente” ([[1866]], Museo Metropolitano de Arte de [[Nueva York]]), obra notable por su fría objetividad y su vigoroso [[realismo en el arte|realismo]].
En [[1856]] se trasladó por un año [[Francia]], país en que su interés en las posibilidades pictóricas de la luz natural se desarrolla de forma paralela al de los primeros [[impresionistas]], no obstante nunca sufrió su obra la influencia directa del impresionismo o del arte francés.
En [[1873]] comenzó a utilizar la [[acuarela]], medio de expresión tan importante en su obra como el óleo. Durante la década de [[1870]] los temas predominantes de sus obras fueron los de inspiración rural o idílica: escenas de la vida agrícola, niños jugando y escenas de lugares conocidos poblados de mujeres elegantes. De estas últimas el ejemplo más conocido es “Long Branch, Nueva Jersey” ([[1869]], Museum of Fine Arts, Boston).
El año transcurrido en [[Inglaterra]], de [[1881]] a [[1882]]), y durante el cual Homer vivió en un pueblo de pescadores, provocó un cambio definitivo en la temática de su obra. A partir de entonces se concentró en escenas de la naturaleza a gran escala, en particular escenas marinas, de pescadores y sus familias. Después de fijar su residencia en solitario en Prout's Neck, en la costa de Maine (lugar en que moriría), produjo obras maestras del realismo como Eight Bells ([[1886]], Addison Gallery, Andover, Massachusetts). En esta obra el dramatismo de la escena marina está imbuido de una cualidad épica y heroica que representa el tema dominante de su madurez: la lucha del hombre con las fuerzas de la naturaleza.
A partir de [[1884]], Homer pasó muchos inviernos en [[Florida]], en las [[Bahamas]] y en [[Cuba]]. Gran parte de las muchas escenas que pintó del trópico son acuarelas ejecutadas con un estilo muy avanzado para su época y signado por la presencia de una pincelada fresca, suelta, espontánea y casi [[impresionista]], pero sin perder en ella, jamás, su relación básica con el [[naturalismo en el arte|naturalismo]].
De [[1899]] es una de sus obras más impactantes, La corriente del Golfo (Museo de Arte Metropolitano de [[Nueva York]]), en la que un solitario marinero navega en una pequeña y destrozada embarcación, rodeado de tiburones e incomunicado en medio de un mar con fuerte oleaje.
La grandiosidad de su temática y la fuerza expresiva de sus obras ejercieron una influencia dominante en la pintura realista de [[Estados Unidos]].
==Muerte==
Murió el [[29 de septiembre]] de [[1910]], [[Prout's Neck]], en la costa de [[Maine]], en [[Inglaterra]].
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Winslow_Homer Winslow Homer. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/281 Winslow Homer. Disponible en: www.museothyssen.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Arthur John Elsley

2012-01-31T17:06:11Z

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'''Arthur John Elsley'''. Pintor británico especializado en la pintura de niños.
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[20 de noviembre]] de [[1860]], en [[Londres]], [[Inglaterra]]. De origen humilde y uno de los seis hijos de John Elsley, cochero y artista aficionado. Elsley padre habíaexhibido en la Exposición British Institution en [[1845]], pero más tarde contrajo la tuberculosis, enfermedad que le obligóa retirarse prematuramente del mundo artístico. La influenza que este tuviera sobre su hijo, sería radical para la futura labor pictórica de Arthur John Elsley.
==Adolescencia y estudios de arte==
Estudió desde los catorce años en la South Kensington School of Art (Escuela de Arte). Presentó su primera exposición en la Royal Academy (Real Academia), en [[1878]], justo cuando contaba con solo 18 años. Por este tiempo su visión se sufrió de daño permanente por el sarampión. Fue muy respetado por sus contemporaneos [[Charles Burton Barber]] y [[Frederick Morgan]], llegando a compartir estudio con este último pintor. Elsley alcanzó la fama, justo en plena época victoriana y prefería los temas que le ofrecían la narrativa sentimental de la época, en general situadas en lugares rústicos y paisajes que le motivaban para pintar bellos ambientes rurales.
==Juventud==
Durante su juventud solía dibujar escenas de niños jugando entre ellos o con sus mascotas. Sus pinturas de niños y animales, eran retratos idealizados de las clases media y alta inglesas. En un tiempo en que la mortalidad infantil era tan elevada, el género que cultivó se hizo enormemente popular, recibiendo multitud de encargos. La temática de escenas entre niños y animales era asidua en la llamada cultura popular del momento, y por ello no es de extrañar la temprana celebridad del arte de Elsley. Sus pinturas fueron reproducidas masivamente en diversos calendarios de la firma americana Thomas D. Murphy Company, anuncios de jabón y en diversas publicaciones.
==Pérdida de la visión==
Desde joven padeció de sarampión, enfermedad que limitó su visión. Durante la [[Primera Guerra Mundial]] trabajó en una fábrica de municiones, donde se agravó su miopía, esta es una época para el joven pintor signada por la reducción cuantiosa de su producción pictórica, pues produjo sólo cuatro [[pintura artística|pinturas]] desde [[1915]] hasta [[1917]], una de ellas, un retrato de su hija Marjorie, que se exhibió en la Royal Academy. Finalmente la miopía le imposibilitó seguir pintando, y a principios de [[1930]] que sólo fue capaz de llevar a cabo trabajos de carpintería y jardinería.
==Sobre su pintura==
Sus pinturas son coloridas y de temas rurales, ello propició que sirvieran en su época para ilustrar calendarios y tarjetas. Un gran número de sus obras se inspiraron en los bocetos realizados en los viajes en bicicleta que con frecuencia realizara por el campo. Al igual que su amigo Frederick Morgan, su pintura se caracteriza por el uso de colores brillantes y un excelente balance compositivo.
==Muerte==
Murió el [[19 de febrero]] de [[1952]], en su casa en [[Tunbridge Wells]], [[Inglaterra]], a los 91 años de edad, lugar donde vivía por completo dedicado a la carpintería y jardinería, desde que se vio obligado a abandonar la pintura.
==Fuentes==
*[http://ninona.wordpress.com/2007/12/16/biografia-arthur-john-elsley/ Arthur John Elsley. Disponible en: www.ninona.wordpress.com]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_John_Elsley Arthur John Elsley. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre.]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Winslow Homer

2012-01-31T17:06:11Z

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'''Winslow Homer'''. Pintor naturalista estadounidense, considerado uno de los más grandes artistas norteamericano del [[siglo XIX|siglo XIX]].

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[24 de febrero]] de [[1836]], [[Boston]], [[Estados Unidos]]
===Vida y carrera artística===
Su formación como pintor fue, en su mayor parte, autodidacta. En [[1857]] comienzó a trabajar como ilustrador de revistas, convirtiéndose en colaborador continuo de la conocida [[Harper's Weekly]]. Sus ilustraciones, sobre todo los grabados, se caracterizaron por sus contornos nítidos, la presencia de formas sencillas, el acentuado contraste entre luces y sombras y por la representación de grupos de personajes llenos de vida. Tales características se convirtieron en constante de su producción a lo largo de su carrera artística.
Durante la [[Guerra Civil]], Homer visitó en repetidas ocasiones el frente de [[Virginia]] donde habría de pintar su primer cuadro al óleo importante, “Los prisioneros del frente” ([[1866]], Museo Metropolitano de Arte de [[Nueva York]]), obra notable por su fría objetividad y su vigoroso [[realismo en el arte|realismo]].
En [[1856]] se trasladó por un año [[Francia]], país en que su interés en las posibilidades pictóricas de la luz natural se desarrolla de forma paralela al de los primeros [[impresionistas]], no obstante nunca sufrió su obra la influencia directa del impresionismo o del arte francés.
En [[1873]] comenzó a utilizar la [[acuarela]], medio de expresión tan importante en su obra como el óleo. Durante la década de [[1870]] los temas predominantes de sus obras fueron los de inspiración rural o idílica: escenas de la vida agrícola, niños jugando y escenas de lugares conocidos poblados de mujeres elegantes. De estas últimas el ejemplo más conocido es “Long Branch, Nueva Jersey” ([[1869]], Museum of Fine Arts, Boston).
El año transcurrido en [[Inglaterra]], de [[1881]] a [[1882]]), y durante el cual Homer vivió en un pueblo de pescadores, provocó un cambio definitivo en la temática de su obra. A partir de entonces se concentró en escenas de la naturaleza a gran escala, en particular escenas marinas, de pescadores y sus familias. Después de fijar su residencia en solitario en Prout's Neck, en la costa de Maine (lugar en que moriría), produjo obras maestras del realismo como Eight Bells ([[1886]], Addison Gallery, Andover, Massachusetts). En esta obra el dramatismo de la escena marina está imbuido de una cualidad épica y heroica que representa el tema dominante de su madurez: la lucha del hombre con las fuerzas de la naturaleza.
A partir de [[1884]], Homer pasó muchos inviernos en [[Florida]], en las [[Bahamas]] y en [[Cuba]]. Gran parte de las muchas escenas que pintó del trópico son acuarelas ejecutadas con un estilo muy avanzado para su época y signado por la presencia de una pincelada fresca, suelta, espontánea y casi [[impresionista]], pero sin perder en ella, jamás, su relación básica con el [[naturalismo en el arte|naturalismo]].
De [[1899]] es una de sus obras más impactantes, La corriente del Golfo (Museo de Arte Metropolitano de [[Nueva York]]), en la que un solitario marinero navega en una pequeña y destrozada embarcación, rodeado de tiburones e incomunicado en medio de un mar con fuerte oleaje.
La grandiosidad de su temática y la fuerza expresiva de sus obras ejercieron una influencia dominante en la pintura realista de [[Estados Unidos]].
==Muerte==
Murió el [[29 de septiembre]] de [[1910]], [[Prout's Neck]], en la costa de [[Maine]], en [[Inglaterra]].
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Winslow_Homer Winslow Homer. Disponible en: Wikipedia, la encyclopedia libre]
*[ http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/281 Winslow Homer. Disponible en: www.museothyssen.org]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Arthur John Elsley

2012-01-31T16:56:36Z

Cumanayagua3 jc: /* Síntesis biográfica */

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'''Arthur John Elsley'''. Pintor británico especializado en la pintura de niños.
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[20 de noviembre]] de [[1860]], en [[Londres]], [[Inglaterra]]. De origen humilde y uno de los seis hijos de John Elsley, cochero y artista aficionado. Elsley padre habíaexhibido en la Exposición British Institution en [[1845]], pero más tarde contrajo la tuberculosis, enfermedad que le obligóa retirarse prematuramente del mundo artístico. La influenza que este tuviera sobre su hijo, sería radical para la futura labor pictórica de Arthur John Elsley.
==Adolescencia y estudios de arte==
Estudió desde los catorce años en la South Kensington School of Art (Escuela de Arte). Presentó su primera exposición en la Royal Academy (Real Academia), en [[1878]], justo cuando contaba con solo 18 años. Por este tiempo su visión se sufrió de daño permanente por el sarampión. Fue muy respetado por sus contemporaneos [[Charles Burton Barber]] y [[Frederick Morgan]], llegando a compartir estudio con este último pintor. Elsley alcanzó la fama, justo en plena época victoriana y prefería los temas que le ofrecían la narrativa sentimental de la época, en general situadas en lugares rústicos y paisajes que le motivaban para pintar bellos ambientes rurales.

==Juventud==
Durante su juventud solía dibujar escenas de niños jugando entre ellos o con sus mascotas. Sus pinturas de niños y animales, eran retratos idealizados de las clases media y alta inglesas. En un tiempo en que la mortalidad infantil era tan elevada, el género que cultivó se hizo enormemente popular, recibiendo multitud de encargos. La temática de escenas entre niños y animales era asidua en la llamada cultura popular del momento, y por ello no es de extrañar la temprana celebridad del arte de Elsley. Sus pinturas fueron reproducidas masivamente en diversos calendarios de la firma americana Thomas D. Murphy Company, anuncios de jabón y en diversas publicaciones.
==Pérdida de la visión==
Desde joven padeció de sarampión, enfermedad que limitó su visión. Durante la [[Primera Guerra Mundial]] trabajó en una fábrica de municiones, donde se agravó su miopía, esta es una época para el joven pintor signada por la reducción cuantiosa de su producción pictórica, pues produjo sólo cuatro [[pintura artística|pinturas]] desde [[1915]] hasta [[1917]], una de ellas, un retrato de su hija Marjorie, que se exhibió en la Royal Academy. Finalmente la miopía le imposibilitó seguir pintando, y a principios de [[1930]] que sólo fue capaz de llevar a cabo trabajos de carpintería y jardinería.
==Sobre su pintura==
Sus pinturas son coloridas y de temas rurales, ello propició que sirvieran en su época para ilustrar calendarios y tarjetas. Un gran número de sus obras se inspiraron en los bocetos realizados en los viajes en bicicleta que con frecuencia realizara por el campo. Al igual que su amigo Frederick Morgan, su pintura se caracteriza por el uso de colores brillantes y un excelente balance compositivo.
==Muerte==
Murió el [[19 de febrero]] de [[1952]], en su casa en [[Tunbridge Wells]], [[Inglaterra]], a los 91 años de edad, lugar donde vivía por completo dedicado a la carpintería y jardinería, desde que se vio obligado a abandonar la pintura.
==Fuentes==
*[http://ninona.wordpress.com/2007/12/16/biografia-arthur-john-elsley/ Arthur John Elsley. Disponible en: www.ninona.wordpress.com]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_John_Elsley Arthur John Elsley. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre.]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

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2012-01-30T20:13:16Z

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Emile Friant

2012-01-30T20:10:51Z

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'''Emile Friant'''. Pintor naturalista que perteneció a la corriente de la “École de Nancy”. Sus pinturas están signadas por un fuerte realismo y en ellas subyace una atmósfera fotográfica.
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nación en [[Dieuze]], [[Francia]], el [[16 de abril]] de [[1863]].
==Estudios en arte==
Posterior a la [[Guerra Franco-Prusiana]] y la anexión de Alsacia-Lorena al Imperio alemán en [[1871]], su familia se trasladó a la ciudad de [[Nancy]], [[Francia]], lugar donde se instalan. Allí asiste al colegio Loritz antes de ser admitido en la Escuela de Bellas Artes de Nancy, en cuyos salones exhibe sus obras desde la edad de 15 años.
Sus exposiciones en los salones de la escuela de bellas artes fue pronto alabada y el artista se ve recompensando por una beca de estudios en la escuela de bellas artes de [[París]], en la capital gala frecuenta al pintor [[Alexandre Cabanel]], conviertiéndose en discípulo de este.
Además de pintar, Friant impartió clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Nancy, y en [[1923]] se convirtió en miembro de la Academia de Bellas Artes.
==Sobre su obra==
Su pintura se inscribe dentro del naturalismo, pues mayoritariamente está compuesta por escenas de la vida cotidiana y retratos, para los que utilizó a su familia y amigos como modelos; siendo “tildado” en su época como excesivamente realista, lo cual se denota en el halo fotográfico que se ciñe a cada obra suya.
==Obras==
Entre sus obras se pueden citar:
*Un étudiant ([[1885]]) Museo de Bellas Artes de Nancy
*La toussaint ([[1886]]) Museo de Bellas Artes de Nancy
*Ombres portées (Sombras marcadas) ([[1891]]) Musée d'Orsay
*La douleur ([[1898]]) Museo de Bellas Artes de Nancy
*Les amoureux, Museo de Bellas Artes de Nancy
*La discussion politique, Colección Privada
*La lutte ([[1889]]) Colección Privada
*La expiación ([[1909]]) Colección Privada
*Retrato de madame Coquelin Mére, Colección Privada
*Tendrese maternel, Colección Privada
*Retrato de madame Petitjean, Colección Privada
*La visite au studio ([[1906]]) Colección Privada
*Autorretrato, Colección privada
*Retrato de Albert Jasson ([[1911]]) Museo de Bellas Artes de Nancy.
==Distinciones==
Emile Friant es recompensado por el segundo Premio de Roma en [[1883]] por su obra (Edipe maudissant son fils Polynice). En [[1889]], en la ocasión de la Exposición Universal recibe la medalla de oro por su pintura “La Toussaint”, su futuro esta asegurado y su trabajo por fin reconocido; a partir de este momento aumentan los engargos de cuadros. En [[1931]] fue condecorado con la “Legión de Honor”.
==Muerte==
Murió en [[París]], el [[9 de junio]] de [[1932]], siendo enterrado en el Cementerio de [[Préville]], en [[Nancy]].
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=%C3%89mile_Friant&oldid=52677565Emile Friant. Disponible en: Wikipedia, la enciclopedia libre]
*[http://dospatasparaunpato.blogspot.com/2010/01/pinceladas-magicas-emile-friant-1863.html Emile Friant: Pinceladas Mágicas. Disponible en: www.dospatasparaunpato.blogspot.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:profesores]]

Antonio Gisbert Pérez

2012-01-30T19:58:32Z

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'''Antonio Gisbert Pérez'''. [[Pintor]] español que centró su producción fundamentalmente en la temática histórica, desarrollando su [[arte]] en el [[siglo XIX]]. Estudió en la Real Academia de [[Bellas Artes]] de San Fernando, en [[Madrid]]; continuando estudios en las ciudades de [[Roma]] y [[París]].

==Síntesis biográfica==

===Nacimiento===
Nació en [[Alcoy]], [[Alicante]], [[España]], en [[1834]].

==Carrera artística==
Se dedicó desde edad temprana a la pintura de telones, bambalinas y bastidores, se trasladó después hacia la capital española ([[Madrid]]), ciudad donde trabajó en el taller de un pintor escenógrafo. Tras seis años de permanencia en esta ciudad, ganó un pensionado en Roma en [[1855]] con el cuadro “La resurrección de Lázaro”.

En [[1858]], ganó la primera medalla con el cuadro titulado “Los últimos momentos del Príncipe don Carlos”. A esta época pertenecen obras históricas como Los Comuneros de Castilla, Doña María de Molina presentando su hijo a las Cortes de Valladolid y “El desembarco de los Puritanos en América”. Reconociendo el gobierno la calidad de este artista, le envió a las Exposiciones Universales de Londres en [[1862]] y París en [[1867]].

En [[1868]] fue nombrado director del Museo Nacional de Pintura y Escultura, cargo que desempeñó hasta 1873. Obtuvo, además, medallas de primera clase en las Exposiciones de [[1858]], [[1860]], [[1864]] y [[1866]], y fue nombrado académico de Florencia y Lisboa, siendo uno de los pintores españoles más galardonados de su época.

==Estilo==
Su pintura es representativa de la tendencia pictórica historicista de la segunda mitad del [[siglo XIX]] (pintura que narra con realismo los grandes acontecimientos históricos del pasado. A esta tendencia también se llama "realismo retrospectivo").
==Sobre su obra==
Entre sus obras más conocidas, aparte de las citadas, figuran “Retrato del rey godo Liuva I”, “Los esponsales de Francisco I con la infanta Doña Leonor”, “Fausto y Margarita”, “Un Trovador”, “El Flautista”, “La hilandera”, “Paolo y Francesca”, “Don Quijote en casa de los duques” y “Visita del rey Don Amadeo al cadáver del general Prim”.

==Muerte==
Murió en [[París]], en [[1902]], a la edad de 68 años, dejando una rica obra pictórica ecléctico-historicista.

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Gisbert Antonio Gispert. Disponible en Wikipedia, la enciclopedia libre]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gisbert.htm Antonio Gispert. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
*[http://www.arteyestilos.net/index.php?option=com_content&view=article&id=483:antonio-gisbert&catid=44:biografias-de-pintores&Itemid=59 Antonio Gispert. Disponible en: www.arteyestilos.net]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Antonio Gisbert Pérez

2012-01-30T19:42:43Z

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2012-01-30T19:35:25Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Usuario:Cumanayagua3 jc/Nuevas

2011-12-31T19:52:06Z

Cumanayagua3 jc:

*Historia del municipio de [[Cumanayagua]].
*[[Pico San Juan]].
*[[Agustín Mónico Ramos Vázquez]]
*[[Tomás Ojeda Pérez]]
*[[Enrique Yero Remón]]
*[[Juan González Pereira]]
*[[Onolio Navarro Vasallo]]
*[[Pablo Estévez de la Rosa]]
*[[Osvaldo Fuentes Díaz]]
*[[Miguel González Yera]]
*[[Mario Castillo Rojas]]
*[[Osiris García Fonseca]]
*[[Onelio Carballo Artola]]
*[[Orlando Gómez Mesa]]
*[[Pedro Alonso Moya]]
*[[Pedro Valladares Guerra]]
*[[Enrique Cantero Ibáñez]]
*[[Oscar Salas Blanco]]
*[[Emeregildo Rodríguez Salas]]
*[[Lino Vázquez Almeida]]
*[[Fernando Santana Rodríguez]]
*[[Valentín Alonso Maceda]]
*[[Ángel Gil Martínez]]
*[[Reinaldo Nerio Castillo Pérez]]
*[[Jorge Reyes Cruz]]
*[[Juan González Suárez]]
*[[Lucas Capote Leyva]]
*[[Pablo Vietes Hernández]]
*[[El rapto de las mulatas]]
*[[Constructivismo(arte)|Constructivismo]]
*[[Eduardo Valdés Ruiz]]
*[[José Esteban Tartabull Chacón]]
*[[Leonel Rodríguez Cárdenas]]
*[[Reinaldo Díaz Ojeda]]
*[[Miguel Hurtado Hernández]]
*[[Agustín Hurtado Hernández]]
*[[Isac González Castro]]
*[[Manuel Prieto Labrada]]
*[[Aracelio Rodríguez Castellón]]
*[[Tomás Niebla Castellón]]
*[[Osvaldo Castillo Gómez]]
*[[Pedro Cruz Rodríguez]]
*[[Dagoberto Salas Manresa]]
*[[Demecio Silverio Morales]]
*[[Flores Colina Díaz]]
*[[Luis Lara Yera]]
*[[Francisco Ortega Ortega]]
*[[Ricardo Díaz Rodríguez]]
*[[Combate de Cafetal González]]
*[[Leyes de Indias]]
*[[Ricardo Cuellar Espinosa]]
*[[Neoplasticismo]]
*[[Orestes Almeida González]]
*[[Manuel Concepción González Sánchez]]
*[[Neoimpresionismo]]
*[[Suprematismo]]
*[[Racionalismo]]
*[[Informalismo]]
*[[Movimiento artístico]]
*[[Néstor Cruz Ugalde]]
*[[Osmany Villazón Hernández]]
*[[Diseño industrial]]
*[[Escuela de la Bauhaus]]
*[[Escalas del diseño]]
*[[Cartel]]
*[[Diseño urbano]]
*[[Diseño arquitectónico]]
*[[Tachismo]]
*[[Pintura matérica]]
*[[Imagen plástica]]
*[[Op art]]
*[[Pintura metafísica]]
*[[Escultura blanda]]
*[[Grupo Cobra]]
*[[Caligrama]]
*[[Empaquetage]]
*[[Arte encontrado]]
*[[Obra de arte]]
*[[Pintura de acción]]
*[[Giorgio di Chirico]]
*[[Carlo Carrá]]
*[[Guillaume Apollinaire]]
*[[Filippo de Pisis]]
*[[Wassily Kandinsky]]
*[[Antonio Saura]]
*[[Karel Appel]]
*[[Georges Seurat]]
*[[Paul Signac]]
*[[René Magritte]]
*[[Alexander Rodchenko]]
*[[Instalación artística]]
*[[Land art]]
*[[Body art]]
*[[Pop art]]
*[[Pintura al óleo]]
*[[Composición artística]]
*[[James Ensor]]
*[[Ricciotto Canudo]]
*[[Josef Albers]]
*[[Max Bill]]
*[[Roger Fry]]
*[[Jean Metzinger]]
*[[Jean Arp]]
*[[Francis Picabia]]
*[[Paul Eluard]]
*[[Yves Tanguy]]
*[[Richard Hamilton]]
*[[Max Jacob]]
*[[Pierre Alechinsky]]
*[[Ernst Gombrich]]
*[[Anita Malfatti]]
*[[Ernst Ludwig Kirchner]]
*[[Giorgio Morandi]]
*[[Hans Hartung]]
*[[Edgar Neville Romrée]]
*[[Otto Müller]]
*[[Ernst Toller]]
*[[Jacques Vaché]]
*[[Georges Mathieu]]
*[[Henri Michaux]]
*[[Serge Poliakoff]]
*[[Maria Helena Viera da Silva]]
*[[Emil Schumacher]]
*[[Pierre Soulages]]
*[[Nicolas de Staël]]
*[[Bram van Velde]]
*[[Michel Seuphor]]

Archivo:Bram van velde.jpg

2011-12-31T19:38:20Z

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== Sumario ==

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== Fuente: ==

Bram van Velde

2011-12-31T19:37:05Z

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'''Bram van Velde ([[1885]]-[[1981]])'''. [[Pintor]] holandés. Se inició en el [[expresionismo alemán]], evolucionó en [[París]] hacia el [[fauvismo]], y más tarde, por influencia del [[cubismo]], realizó obras progresivamente más abstractas con gran originalidad. Fue uno de los iniciadores del estilo abstracto, y fue muy apreciado por el [[escritor]] irlandés [[Samuel Beckett]].
A menudo se le ve como miembro de la Escuela de París, pero su obra realmente está inscrita entre el [[expresionismo]] y el [[surrealismo]]; desarrollando hacia la década de los sesenta una producción artística corientada hacia el abstraccionismo expresivo. Sus pinturas de la década de 1950 son similares a la obra de [[Henri Matisse]], [[Pablo Picasso]] y [[Adolph Gottlieb]].
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació el [[19 de octubre]] de [[1895]], en [[Zoeterwoude]] , cerca de [[Leyden]] en [[Países Bajos]]; en el seno de una familia sumamente pobre, lo que lo marcó profundamente. Su madre, Catharina von der Voorst ([[1867]]-[[1949]]) fue la hija ilegítima de un conde y su padre, Willem van Velde ([[1868]]-[[1914]]), dueño de una pequeña empresa de transporte por agua en el Rhin.
===Inicios de su carrera===
En [[1922]], van Velde viajó a [[Munich]] y luego al norte de [[Bremen]], a [[Worpswede]], lugar donde desde la década de [[1890]], existían un conjunto de [[artista|artistas]] [[expresionistas]]. Esta breve familiarización con el arte contemporáneo revolucionó la obra de Van Velde, quien poco después se fue Worpswede y se trasladó a [[París]] (en el "Belleville" barrio del [[siglo XIX]]). Su carrera progresó lentamente, y en [[febrero]] de [[1927]] expuso sus obras en [[Bremen]].
Entre los años comprendidos de [[1928]] a [[1932]]; en 1940 y 1941 sus obras fueron expuesta en el [[Salón de los Independientes]] en [[París]].En este tiempo se fue a [[Chartres]] en compañía de [[Otto Freundlich]], y descubrió la obra de [[Henri Matisse]] (probablemente en la casa de [[Paul Guillaume]]). La influencia de [[Henri Matisse|Matisse]] tendría marcaría la obra de Van Velde, como también lo haría la de Pablo picasso.
El [[6 de octubre]] de [[1928]], van Velde se casó con la pintora alemana [[Sophie Carolina Klöker]] ([[1896]]-[[1936]]), a la que estado viendo desde su estancia en [[Worpswede]]. Con la Gran Depresión, sus condiciones económicas se deterioraron y se mudaron a [[España]] y en [[septiembre]] de [[1932]] ya estaban establecidos en [[Mallorca]]. Es aquí donde van Velde utiliza los principios pictóricos de Matisse como su inspiración y hace una serie de bodegones en los que ya comienza a advertirse la abstracción. Cuando la [[Guerra Civil Española]] comenzó, en 1936, la esposa de van Velde muere en un Hosptial y Bram huye a [[Marsella]], llevando consigo varios de sus cuadros realizados en Mallorca. A su regresó a [[París]] y se mudó con su hermano Geer. En el taller de su hermano Geer Van Velde-también se reunió con el escritor [[Samuel Beckett]] y los dos fecundaron una fuerte amistad. En [[1938]] lo detuvo la policía por el hecho de hablar en alemán con uno de sus amigos y fue encarcelado, pues sus papeles no estaban en regla. En los años siguientes sufrió de breves períodos de encarcelamiento.
===Madurez artística===
En [[1939]], van Velde encontró su estilo de pintura propio mientras se trabaja en un formato grande con la técnica de la tempera. Dejó de pintar en [[1941]], pero comenzó nuevamente su labor creativa en el [[otoño]] de [[1945]]. Su primera exposición individual tuvo lugar el [[21 de marzo]] de [[1946]], en [[París]], específicamente en la "Galerie Mai", en ella expuso 25 lienzos, casi todos de obras ya existentes, y fue un fracaso. En [[1947]] van Velde firmó un contrato con la Galerie Maeght de [[París]], y en 1948 mostró su trabajo en la Kootz galería en [[Nueva York]], pero este intento comercial también fue un fracaso, a pesar de la buena revisión de [[Willem de Kooning]].
En [[1958]], [[Franz Meyer]] organizó la primera exposición del museo de Bram van Velde, una retrospectiva en el Kunsthalle de Berna. A partir de [[1961]], van Velde comenzó a alcanzar un cierto éxito entre la crítica especializada y [[Jean-Michel Meurice]] realizó un documental sobre el artista. También los jóvenes pintores [[Pierre Alechinsky]] y los daneses de [[grupo Cobra]] admiraron el arte de Van Velde.
Entre los años [[1962]], [[1964]] y [[1968]], Van Velde realiza exposiciones en los [[Estados Unidos]], muestras que son organizadas por la galería Knoedler. En [[1968]] un crítico de arte caracteriza a van Velde como "un importante pintor con visión independiente".
Después de [[1970]], van Velde viaja mucho, sobre todo a visitar a sus exposiciones personales en [[Polonia]], [[Islandia]], [[Italia]], [[Noruega]], [[Bruselas]], [[Copenhague]], [[Ámsterdam]] y [[Roma]]. No hace muchos nuevos trabajos durante este período. En 1964, fue nombrado "caballero" de la Orden de Artez y Letras, y los [[Países Bajos]] le concedieron Orden de Orange-Nassau en [[1969]]. En 1973 pintó en La Chapelle-sur-Carouge obras al goache de tamaño variados y en las se ven nuevamente el uso fauve del color. En 1975, fue recibido por las universidades de [[Lausana]], [[Ginebra]] y [[Neuchâtel]], y en [[1980]] fue nombrado caballero de la "Orden del Halcón" en [[Islandia]]. Para su cumpleaños 80, un homenaje colectivo fue publicado por la prensa en Fata Morgana (Montpellier).
==Muerte==
Bram van Velde murió el [[28 de diciembre]] de [[1981]] en [[Grimaud]], en las cercanías de [[Arles]] y allí está enterrado. Su mentor y amigo [[Jacques Putman]], quien tanto lo apoyó en su carrera está enterrado junto a él. Putman murió el [[27 de febrero]] de [[1994]], en [[París]], [[Francia]].
==Fuentes==
*[http://ylliadexiloscient.blogspot.com/2010/11/bram-van-velde.html Bram van Velde. Disponible en: www. ylliadexiloscient.blogspot.com]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/velde.htm Velde. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
*[http://en.wikipedia.org/wiki/Bram_van_Velde Bram van Velde. Disponible (en inglés) en: Wikipedia, la Enciclopedia libre]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Pintores_europeos]]

Nicolas de Staël

2011-12-31T19:19:19Z

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'''Nicolas de Staël ([[1914]]-[[1955]])'''. Pintor francés de origen ruso y procedente de familia aristocrática. Su [[pintura]] se caracteriza por el empleo de empastes gruesos, colores vivos, dominio del espacio y la luz. Sus producciones pictóricas son en su mayoría abstractas, aunque también trabajó la pintura figurativa (fundamentalmente los temas de retrato y paisaje). Realizó, además, [[collages]], ilustraciones y textiles.

==Síntesis biográfica==

===Nacimiento===
Nació en [[San Petersburgo]], [[Rusia]], el [[5 de enero]] de [[1914]]; en el seno de la familia compuesta por el barón Vladímir Stael von Holstein, miembro de la familia Staël von Holstein y último comandante de la Fortaleza de San Pedro y San Pablo y su esposa Olga Sajanskaya. La familia De Staël se vió obligada a emigrar a [[Polonia]] en [[1919]] debido a la Revolución. Tanto su padre como su madrastra morirían en Polonia, y Nicolas de Staël sería enviado con su hermana mayor Marina a [[Bruselas]] con una familia rusa en [[1922]].
==Estudios en arte==
Estudió arte en la Academia Real de Bellas Artes en [[Bruselas]], en [[1932]]. En los años treinta viajó por [[Europa]] y vivió en [[París]], [[Francia]] en [[1934]] y en [[Marruecos]] en [[1936]]; en este último lugar conoció a su compañera Jeannine Guillou, también pintora, y que aparecería en algunos de los cuadros realizados desde [[1941]]-[[1942]]. Trabajó al principio como diseñador de decorados. En [[1936]] tuvo su primera exposición de iconos y acuarelas de estilo bizantino en la galería Dietrich et Cie, en [[Bruselas]]. En [[1938]] se instaló en [[París]]; fue alumno de [[Fernand Léger]]. Se unió a la Legión extranjera francesa en [[1939]] y fue desmovilizado en [[1941]]. En [[1940]] conoció a una de sus futuras marchantes [[Jeanne Bucher]].

==Sobre su éxito artístico==
En la primavera de [[1946]] De Staël conoció a [[Francoise Chapouton]] y se casaron en mayo. En octubre del año antes citado, gracias a su amistad con el artista [[André Lanskoy]], a quien había conocido dos años antes, de Staël hizo un contrato con [[Louis Carré]] quien estuvo conforme en comprarle todos los cuadros que realizase.

En [[enero]] de [[1947]] la familia de Staël se trasladó a unos alojamientos más amplios, gracias al creciente reconocimiento y mayores ventas. En [[1947]] se hizo amigo de su vecino, el marchante privado estadounidense Theodore Schemp. El nuevo taller de De Staël en [[París]] estaba muy cerca del de [[Georges Braque]] y los dos pintores se volvieron muy amigos. En [[1948]] comenzó una larga amistad con el artista alemán [[Johnny Friedlaender]] y sus cuadros comenzaron a atraer la atención mundial. En [[1950]] celebró una exposición individual en la galería Jacques Dubourg de [[París]] y Schempp introdujo los cuadros de De Staël en [[Nueva York]], con una exposición privada en su apartamento del Upper East Side. Vendió varios cuadros a importantes coleccionistas incluyendo Duncan Phillips de la Colección Phillips. Tuvo un éxito considerable en los Estados Unidos, e Inglaterra a principios de los años cincuenta.

En marzo de [[1953]] tuvo su primera exposición individual oficial en M. Knoedler & Co. en [[Nueva York]]. Fue un éxito de público y de crítica; y otra exposición en la galería Phillips de Washington DC, (conocida hoy como la Colección Phillips en Washington DC) y adquirieron otros dos lienzos suyos. De Staël y Françoise visitaron los [[Estados Unidos]] en [[1953]], yendo al [[MOMA]], la Fundación Barnes en Merion, [[Pensilvania]], y otras importantes instituciones.

Después de regresar a París, de Staël conoció al marchante neoyorquino [[Paul Rosenberg]] quien le ofreció un contrato en exclusiva. De Staël firmó con Rosenberg en parte debido a que Rosenberg era francés y porque era un importante marchante de [[Nueva York]] que exponía a muchos pintores cubistas a los que Nicolas de Staël admiraba. A finales de [[1953]] era grande la demanda de cuadros de Nicolas de Staël y ello propició que Rosenberg subiera los precios continuamente.

Para la exposición de la primavera de [[1954]], Rosenberg pidió otros quince cuadros adicionales. Fue una exposición que tuvo un éxito comercial rotundo. En la primavera de [[1954]] tuvo una exitosa exposición en París en la galería de [[Jacques Dubourg]]. Sus nuevos cuadros marcaron su distanciamiento de la abstracción y un regreso a la figuración, el bodegón y el paisaje.
En el otoño de [[1954]] se marchó con su familia a [[Antibes]], [[Francia]]. Sufría de agotamiento, insomnio y depresión.

==Sobre su obra==
La carrera pictórica de Staël abarca tan sólo 15 de producción y en tan corto plazo produjo más de mil [[cuadro|cuadros]]. Su obra muestra la influencia de [[Gustave Courbet]], [[Paul Cézanne]], [[Henri Matisse]], [[Pablo Picasso]] y de maestros holandeses como [[Rembrandt]], [[Vermeer]] y [[Hercules Seghers]]. Durante los años cuarenta y comenzando por la representación (especialmente paisajes, pero también bodegones, y retratos), de Staël se fue moviendo más y más hacia la abstracción.

Su obra abstracta se caracteriza, sobre todo, por un grueso empaste, donde los trazos del pincel y la espátula muchas veces se tornan protagónicos. Es visble además en sus creaciones la división del lienzo en zonas de color: azules, rojos y blancos.

La obra de Staël fue reconocida dentro en la arena del arte de postguerra, y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de los años cincuenta. Sin embargo, se apartó de la abstracción en sus últimos cuadros, buscando un estilo lírico más «francés», volviendo a la representación con formas figurativas claramente reconocibles a finales de su vida: marinas, futbolistas, músicos de jazz y gaviotas.

Gran parte de la obra tardía de Nicolas de Staël -en particular sus paisajes al óleo, trabajados en capas delgadas y diluidas a mediados de los cincuenta predicen la pintura de campos de color y la Abstracción lírica de los años sesenta y setenta. El color marcado y vívido de sus últimos cuadros predice la dirección que tomaría gran parte de la pintura contemporánea posterior a él, incluyendo Pop Art o Neodadá.

==Muerte==
En el año [[1953]] en medio de una crisis depresiva viajó para aislarse el sur de [[Francia]], Después de un decepcionante encuentro con un despectivo crítico de arte el [[16 de marzo de 1955]], De Staël se suicidó lanzándose desde la terraza de su estudio que estaba ubicada en la undécima planta de altura. Tenía al morir cuarenta y un años de edad y legaría una profunda y rica [[obra pictórica]] inscrita dentro de los códigos de la [[abstracción]].

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Nicolas_de_Sta%C3%ABl Nicolas de Staël. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stael_nicolas.htm Nicolas de Staël. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
*[http://amararteblog.blogspot.com/2010/03/el-arte-abstracto-ii.html EL ARTE ABSTRACTO II. Disponible en: www.amararteblog.blogspot.com]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Pintores_europeos]]

Nicolas de Staël

2011-12-31T19:18:22Z

Cumanayagua3 jc:

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'''Nicolas de Staël ([[1914]]-[[1955]])'''. Pintor francés de origen ruso y procedente de familia aristocrática. Su [[pintura]] se caracteriza por el empleo de empastes gruesos, colores vivos, dominio del espacio y la luz. Sus producciones pictóricas son en su mayoría abstractas, aunque también trabajó la pintura figurativa (fundamentalmente los temas de retrato y paisaje). Realizó, además, [[collages]], ilustraciones y textiles.

==Síntesis biográfica==

===Nacimiento===
Nació en [[San Petersburgo]], [[Rusia]], el [[5 de enero]] de [[1914]]; en el seno de la familia compuesta por el barón Vladímir Stael von Holstein, miembro de la familia Staël von Holstein y último comandante de la Fortaleza de San Pedro y San Pablo y su esposa Olga Sajanskaya. La familia De Staël se vió obligada a emigrar a [[Polonia]] en [[1919]] debido a la Revolución. Tanto su padre como su madrastra morirían en Polonia, y Nicolas de Staël sería enviado con su hermana mayor Marina a [[Bruselas]] con una familia rusa en [[1922]].
==Estudios en arte==
Estudió arte en la Academia Real de Bellas Artes en [[Bruselas]], en [[1932]]. En los años treinta viajó por [[Europa]] y vivió en [[París]], [[Francia]] en [[1934]] y en [[Marruecos]] en [[1936]]; en este último lugar conoció a su compañera Jeannine Guillou, también pintora, y que aparecería en algunos de los cuadros realizados desde [[1941]]-[[1942]]. Trabajó al principio como diseñador de decorados. En [[1936]] tuvo su primera exposición de iconos y acuarelas de estilo bizantino en la galería Dietrich et Cie, en [[Bruselas]]. En [[1938]] se instaló en [[París]]; fue alumno de [[Fernand Léger]]. Se unió a la Legión extranjera francesa en [[1939]] y fue desmovilizado en [[1941]]. En [[1940]] conoció a una de sus futuras marchantes [[Jeanne Bucher]].

==Sobre su éxito artístico==
En la primavera de [[1946]] De Staël conoció a [[Francoise Chapouton]] y se casaron en mayo. En octubre del año antes citado, gracias a su amistad con el artista [[André Lanskoy]], a quien había conocido dos años antes, de Staël hizo un contrato con [[Louis Carré]] quien estuvo conforme en comprarle todos los cuadros que realizase.

En [[enero]] de [[1947]] la familia de Staël se trasladó a unos alojamientos más amplios, gracias al creciente reconocimiento y mayores ventas. En [[1947]] se hizo amigo de su vecino, el marchante privado estadounidense Theodore Schemp. El nuevo taller de De Staël en [[París]] estaba muy cerca del de [[Georges Braque]] y los dos pintores se volvieron muy amigos. En [[1948]] comenzó una larga amistad con el artista alemán [[Johnny Friedlaender]] y sus cuadros comenzaron a atraer la atención mundial. En [[1950]] celebró una exposición individual en la galería Jacques Dubourg de [[París]] y Schempp introdujo los cuadros de De Staël en [[Nueva York]], con una exposición privada en su apartamento del Upper East Side. Vendió varios cuadros a importantes coleccionistas incluyendo Duncan Phillips de la Colección Phillips. Tuvo un éxito considerable en los Estados Unidos, e Inglaterra a principios de los años cincuenta.

En marzo de [[1953]] tuvo su primera exposición individual oficial en M. Knoedler & Co. en [[Nueva York]]. Fue un éxito de público y de crítica; y otra exposición en la galería Phillips de Washington DC, (conocida hoy como la Colección Phillips en Washington DC) y adquirieron otros dos lienzos suyos. De Staël y Françoise visitaron los [[Estados Unidos]] en [[1953]], yendo al [[MOMA]], la Fundación Barnes en Merion, [[Pensilvania]], y otras importantes instituciones.

Después de regresar a París, de Staël conoció al marchante neoyorquino [[Paul Rosenberg]] quien le ofreció un contrato en exclusiva. De Staël firmó con Rosenberg en parte debido a que Rosenberg era francés y porque era un importante marchante de [[Nueva York]] que exponía a muchos pintores cubistas a los que Nicolas de Staël admiraba. A finales de [[1953]] era grande la demanda de cuadros de Nicolas de Staël y ello propició que Rosenberg subiera los precios continuamente.

Para la exposición de la primavera de [[1954]], Rosenberg pidió otros quince cuadros adicionales. Fue una exposición que tuvo un éxito comercial rotundo. En la primavera de [[1954]] tuvo una exitosa exposición en París en la galería de [[Jacques Dubourg]]. Sus nuevos cuadros marcaron su distanciamiento de la abstracción y un regreso a la figuración, el bodegón y el paisaje.
En el otoño de [[1954]] se marchó con su familia a [[Antibes]], [[Francia]]. Sufría de agotamiento, insomnio y depresión.

==Sobre su obra==
La carrera pictórica de Staël abarca tan sólo 15 de producción y en tan corto plazo produjo más de mil [[cuadro|cuadros]]. Su obra muestra la influencia de [[Gustave Courbet]], [[Paul Cézanne]], [[Henri Matisse]], [[Pablo Picasso]] y de maestros holandeses como [[Rembrandt]], [[Vermeer]] y [[Hercules Seghers]]. Durante los años cuarenta y comenzando por la representación (especialmente paisajes, pero también bodegones, y retratos), de Staël se fue moviendo más y más hacia la abstracción.

Su obra abstracta se caracteriza, sobre todo, por un grueso empaste, donde los trazos del pincel y la espátula muchas veces se tornan protagónicos. Es visble además en sus creaciones la división del lienzo en zonas de color: azules, rojos y blancos.

La obra de Staël fue reconocida dentro en la arena del arte de postguerra, y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de los años cincuenta. Sin embargo, se apartó de la abstracción en sus últimos cuadros, buscando un estilo lírico más «francés», volviendo a la representación con formas figurativas claramente reconocibles a finales de su vida: marinas, futbolistas, músicos de jazz y gaviotas.

Gran parte de la obra tardía de Nicolas de Staël -en particular sus paisajes al óleo, trabajados en capas delgadas y diluidas a mediados de los cincuenta predicen la pintura de campos de color y la Abstracción lírica de los años sesenta y setenta. El color marcado y vívido de sus últimos cuadros predice la dirección que tomaría gran parte de la pintura contemporánea posterior a él, incluyendo Pop Art o Neodadá.

==Muerte==
En el año [[1953]] en medio de una crisis depresiva viajó para aislarse el sur de [[Francia]], Después de un decepcionante encuentro con un despectivo crítico de arte el [[16 de marzo de 1955]], De Staël se suicidó lanzándose desde la terraza de su estudio que estaba ubicada en la undécima planta de altura. Tenía al morir cuarenta y un años de edad y legaría una profunda y rica [[obra pictórica]] inscrita dentro de los códigos de la [[abstracción]].

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Nicolas_de_Sta%C3%ABl Nicolas de Staël. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stael_nicolas.htm Nicolas de Staël. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
*[http://amararteblog.blogspot.com/2010/03/el-arte-abstracto-ii.html EL ARTE ABSTRACTO II. Disponible en: www.amararteblog.blogspot.com]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Pintores_europeos]]

Archivo:Nicolas de stael.jpg

2011-12-31T19:17:02Z

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== Fuente: ==

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2011-12-31T19:14:48Z

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Pierre Soulages

2011-12-31T19:14:02Z

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'''Pierre Soulages ([[1919]])'''. [[Pintor]], [[grabador]] y [[escultor]] francés; representante del [[machismo]] y considerado uno de los iniciadores de la [[pintura sígnica]] europea. Su obra exhibe un poderoso grafismo sobre la base de amplias barras de color -generalmente monocromáticas en negro- con las que conforma sólidas construcciones gestuales.

==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Rodez]], [[Aveyron]], [[Francia]]; el [[24 de diciembre]] de [[1919]].

===Labor artística===
Antes de la [[Segunda Guerra Mundial]], Soulages ya había recorrido los museos de [[París]] buscando su vocación, y después del servicio militar en tiempo de guerra, abrió su estudio en la capital gala, celebrando su primera exposición en el [[Salón de los Independientes]] de [[1947]].
En [[1979]] Soulages fue nombrado Miembro Honorario Extranjero de la [[Academia Estadounidense de las Artes y las Letras]]. En [[1992]] fue galardonado con el Praemium Imperiale.
Desde [[1987]] hasta [[1994]] produjo 104 vidrieras para la Iglesia abacial de Sainte Foy de [[Conques]], [[Aveyron]], [[Francia]].
Es el primer artista vivo al que se invitó a exponer en el Museo estatal del Ermitage en San Petersburgo, y luego en la Galería Tretiakov de Moscú en [[2001]].
En [[2006]], una composición de [[1959]] se vendió por un millón doscientos mil euros en Sotheby's.
En [[2007]], el Museo Fabre de Montpellier le dedicó una sala, presentando la donación que hizo a la ciudad. Esta donación incluye veinte cuadros desde [[1951]] hasta [[2006]], entre los que hay obras principales de los años sesenta, dos grandes obras de los setenta y varios polípticos de gran tamaño.
En los años noventa expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Seúl, [[Korea del Sur]] ([[1993]]), en el Museo Stedelijk de [[Ámsterdam]], [[Holanda]] (1994) y en la Denise Cade Gallery de [[Nueva York]], [[Estados Unidos]] ([[1996]] y [[1997]]).

==Sobre su obra==
La obra de Pierre Soulages cuestiona las relaciones entre el expectador, la obra y el espacio en que se circunscriben ambos. Para ello Soulages conjuga en su constante experimentación los juegos con las texturas, la luz, la sobriedad y la carga dramática de sus lienzos.
La obra de este pintor está plagada de mera experimentación, sobre todo con fuerte recurrencia al empleo del pigmento negro. Es observable como las zonas oscuras se cortan en abruptos contrastes contra el blanco lienzo. Por su parte, las pinceladas usadas son fuertes, gruesas y angulosas, sirviendole para modelar algunos detalles de color con los que crea inquietantes juegos con la luz.
Por ello se conoce a Soulages como «el pintor del negro». Él trabaja el la sombra negra, lo dignifica por sobre todos los tintes existentes. Los emplastados de óleo o acrílico son trabajados, rebajados o texturizados con útilies diversos -cepillos, navajas o los mismos pinceles- con los que el pintor crea invariables texturas y efectos que tornan soberbiamente a cada pintura.
==Fuentes==
*[http://elarturoso.blogspot.com/2010/07/pierre-soulages-en-mexico.html Pierre Soulages. Disponible en: www. Elarturoso.blogspot.com]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Soulages Pierre Soulages. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/soulages.htm Pierre Soulages. Disponible en: www.biografíasyvidas.com]
[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Pintores_europeos]]

Maria Helena Viera da Silva

2011-12-31T19:03:21Z

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}}
'''Maria Helena Vieira da Silva ([[1908]]-[[1992]]'''. [[Pintora]] francesa de origen portugués cuya obra se inscribe en la [[corriente pictórica]] del [[paisajismo abstracto]].
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Lisboa]], [[Portugal]], el [[13 de junio]] de [[1908]]; siendo hija única del matrimonio compuesto por Marcos y Maria Gracia Vieira da Silva, quienes desde temprano estimularon el interés de la niña por la lectura y la [[música]]. Desde su nacimiento y hasta que cumpliera dos años, viajó con su familia por diversos lugares de [[Europa]], entre ellos [[Inglaterra]], [[Francia]] y [[Suiza]]. En este último país falleció su padre en el año [[1911]], durante su estancia en [[Leyssin]].
===Formación artística===
De regreso a [[Portugal]] inició su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de [[Lisboa]], teniendo como maestro de arte a [[Armando Lucena]]. Por este tiempo vinculó junto a su maestro los estudios de arte con las clases de [[anatomía]] en la Universidad de Medicina.

En [[1928]] se trasladó a [[París]]. En esta ciudad se interesó por la escultura, lo que la condujo a matricular en la academia de la Grande-Chaumiere. A pesar de haber empezado con la práctica de la [[escultura]] varios años antes (desde [[1924]]), da Silva dio un giro a su carrera y se orientó decididamente hacia la [[pintura]]. Por ello, al año siguiente, tras asistir a clases de escultura en la Academia Escandinava con Despiau, se proyecta hacia la práctica de la pintura y recibe clases con figuras del arte universal tales como [[Dufresne]], [[Warokier]] y [[Friesz]]. Su formación académico-pictórica la complimentó con visitas a las academias de [[Fernand Léger]] y [[Bissière]].

==Influencia del matrimonio para su carrera==
En [[1930]] contrajo matrimonio con el pintor de origen húngaro [[Arpad Szenes]], esta unión se tradujo en la ampliación del círculo artístico en el que se desenvolvió la pintora en el período de entreguerras. El matrimonio produjo obras que abarcaron desde el diseño textil hasta la ilustración de libros. Aunque la carrera de ambos fue en ascenso, la proximidad del conflicto bélico hizo que se embarcasen rumbo a Brasil en [[1940]], nación donde permanecieron hasta [[1947]]; año este en que retornaron a [[París]].

Durante los siete años que duró la estancia del matrimonio da Silva en [[Brasil]], la casa de los artistas se convirtió en lugar de encuentro para los intelectuales y pintores nativos. En el país suramericano la obra de Maria Helena fue valorada y expuesta tanto en la galería Askanasy de [[Río de Janeiro]] como en el [[Palacio Municipal de Belo Horizonte]]. El 15 de mayo de 1956 el matrimonio adquirió la nacionalidad francesa, alternando su estancia en [[París]] con frecuentes desplazamientos a [[Lisboa]].

==Sobre su obra==
La obra temprana de da Silva denota la influencia de Paul Klee. Al igual que el pintor suizo, la pintora aborda la temática de sus obras desde un punto de vista poético. A la vez, la ejecución de los lienzos se realiza de forma muy parecida a la de Klee; da Silva se sirve de superficies reticulares sobre las que las gradaciones cromáticas y la yuxtaposición de colores complementarios representan su particular universo. De esta época temprana de su carrera, podemos citar obras representativas como La máquina óptica ([[1938]], [[Museo Arte Moderno]], [[Nueva York]]), Habitación ajedrezada ([[1935]]), Colección Trevelyan, [[Londres]]), La mesa redonda ([[1940]], Colección particular, [[París]]) o La partida de ajedrez ([[1943]], Museo Nacional de [[Arte Moderno]], [[París]]).

El final de la década de los cuarenta significa un punto de inflexión en la carrera de da Silva. Es de esta época una de sus obras más representativas, pues significó un punto de inflexión en su producción artística, La batalla de los cuchillos ([[1948]], Boymans-Van [[Museo, Rótterdam]]). En ella se definen las características de la obra madura de esta singular artista: utilización de perspectivas geométricas complejas, sobre las que se despliegan manchas de color, generando un conjunto irreal ante el que el espectador no puede fijar la vista en un sólo punto. Al igual que su contemporáneo Pollock, la vista vaga por todo el lienzo sin encontrar un punto fijo de vista; pero mientras el dinamismo de Pollock es fruto del azar, el de da Silva se basa en una compleja yuxtaposición entre dibujo y color.

A la vez, da Silva empezó en esta época a realizar series sobre temas que serán recurrentes hasta el final de su carrera, tales como paisajes, bibliotecas, ajedreces, naipes y, sobre todo, vistas de ciudades. Buenos ejemplos son París de noche (1951, Colección particular, París); La ciudad colgada (1952, Museo de Bellas Artes, Lausana); Las pistas (1953, Colección particular, Lisboa); Los diques inundados (paisaje de Holanda) (1954, Colección Marion Lefebvre, Nueva York) o La biblioteca (1955, Colección particular, París).

En la obras maduras de la pintora portuguesa, se simplifica el dibujo y se reduce la gama cromática de los cuadros, llegando incluso al empleo de uno o dos colores por lienzo, como ocurre en Estela (1964, Museo Nacional de Arte Moderno, París). Otras obras representativas son Roma (1969, Colección particular, Lisboa); Nueva Amsterdam II (1970, Colección particular, Lisboa); El acontecimiento (1973, Colección particular, Suiza) o Colina repartida (1974, Colección particular, Suiza).

==Muerte==
Murió en [[París]], [[Francia]] en [[1992]]; a la edad de 84 años y legando una rica obra plástica que abarcó los más disímiles producciones (pinturas, esculturas, trabajo conel vidrio, etc.)
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Helena_Vieira_da_Silva Maria Helena Viera da Silva. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vieira_da_silva.htm Maria Helena Viera da Silva. Disponible en: www.biografiasyvidas.com]
*[http://www.hoy.com.ec/especial/ibero/vieira.htm Viera. Disponible en: www.hoy.com]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]][[Category:Pintores_europeos]]

Serge Poliakoff

2011-12-31T18:17:18Z

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'''Serge Poliakoff ([[1906]]-[[1969]])'''. Pintor abstracto ruso nacionalizado francés, perteneciente a la "nueva" Escuela de [[París]].

==Síntesis biográfica==

===Nacimiento===
Serge Poliakoff nació en [[Moscú]], [[Rusia]], el [[8 de enero]] de [[1906]], en el seno de una familia de posición acomodada compuesta por catorce hijos Su padre era criador de caballos y proveedor de equinos para los regimientos del Zar. Su madre pertenecía a una familia de terratenientes y le educó en la música y en la religión. A los doce años dominaba la guitarra y leía a los novelistas rusos.

==Primeros años==
Debido a la posición acomodada de su familia, mantuvo contacto con la aristocracia rusa. Los acontecimientos políticos de 1917 separan a la familia y el joven Serge decide marchar al extranjero.

Acompañado de su tía Nastia, cantante de gran talento, de un tío y de un primo, saca partido a su dominio de la guitarra creando un cuarteto que recorrerá ciudades como: [[Sofía]], [[Belgrado]], [[Viena]] y [[Colonia]]. En [[1921]] el cuarteto llega a [[Berlín]]. Finalmente la familia viaja a [[París]], ciudad donde Serge Poliakoff comienza tocando en cabarets y locales nocturnos. En la capital gala el joven ruso inició sus estudios de [[dibujo]] y [[pintura]] en [[1929]].

Desde [[1935]] hasta [[1937]], permaneció en [[Londres]], ciudad donde siguió los cursos de la Slade School of Art, y donde conoció los sarcófagos egipcios, elementos estos que le impresionaron profundamente.

Después de casarse con [[Marcelle Perreur]], regresó a [[París]], alternando en esta ciudad con artistas que influyeron en su obra posterior. Conoció por esta época a artistas como [[Wassily Kandinsky]] y también mantuvo contacto con [[Robert Delaunay|Robert]] y [[Sonia Delaunay]] y con [[Otto Freundlich]].

En [[1945]], expuso sus pinturas realizadas entre [[1942]-[[1945]]. En [[1946]] formó parte en el “Salón de Mayo” y del “Salón de los Independientes”. En [[1952]] abandonó su trabajo como músico, gracias a un contrato con la “Galería Bing”.

Sus exposiciones se suceden en museos extranjeros y en exposiciones internacionales a partir de 1958. En [[1962]] se le dedicó toda una sala en la [[Bienal de Venecia]] y se nacionalizó como ciudadano francés. En [[1970]], un año después de su muerte el [[Museo Nacional de Arte Moderno]] de [[París]] organizó una importante muestra retrospectiva de su obra.

==Sobre su obra==
Para la crítica especializada, la pintura de Poliakoff impone el silencio y refleja una meditación profunda que suscita recogimiento. Es un silencio que el autor se impone a sí mismo y quiere compartir con los espectadores.

El propio Poliakoff, al referirse a su obra, agregó:

{{Sistema|cita= "Algunos de mis cuadros empiezan en el tumulto. Son explosivos. Pero no me doy por contento hasta que se tornan silenciosos"}}

Desde sus primeras composiciones abstractas de [[1938]] hasta su muerte (acaecida 21 años más tarde), se aprecia en el artista una constante preocupación por solucionar el problema de la relación bidimensional entre pintura y volumen. El cuadro “Homenaje a Cézanne” es ejemplo de lo anteriormente expuesto, pues en él el pintor ruso plasmó las formas en el plano pictórico sin demasiada perspectiva, tal como lo hiciera el maestro francés [[postimpresionismo|postimpresionista]].

En [[1945]] Poliakoff se decide definitivamente por la abstracción. Hará alternar, por ese entonces, violentos contrastes en sus lienzos, aplicando al soporte tonos sordos o vivos, provocando asimetrías mediante recortes angulares o circulares. Los estratos darán vibración a la materia, produciendo la rara impresión de que la luz emana del cuadro. De esta forma su obra quedó vinculada indisolublemente a los años 50, época de mayor brillo y creatividad.
Poliakoff también trabajó la cerámica en la Manufactura Nacional de Sèvres. Influyó en la pintura de Arman.
==Muerte==
Muere en [[París]], [[Francia]], el [[12 de octubre]] de 1969, a los 63 años de edad; llegando a ser considerado como uno de los pintores más potentes de su generación.

==Exposiciones==
*Serge Poliakoff, en Galleria Lorenzelli, Bergamo. Exposición efectuada en [[1970]]
*Serge Poliakoff, Lorenzelli Arte, Milan. Exposición efectuada en [[1983]]
*En 2006, las obras de Poliakoff fueron elegidas por el [[Museo]] de [[Luxemburgo]] para una exposición titulada 'L'Envolee lyrique "Vuelo lírico", que se desarrollaría en [[París]].

==Fuentes==
*[http://www.redaragon.com/agenda/fichaevento.asp?id=23966 Poliakoff. Disponible en: www.redaragon.com]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Serge_Poliakoff Serge Poliakoff. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]

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Archivo:Henri michaux.jpg

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Henri Michaux

2011-12-31T18:11:03Z

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'''Henri Michaux ([[1899]]-[[1984]])'''. Poeta y pintor de origen belga, nacionalizado francés.
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Namur]], [[Bélgica]]; el [[24 de mayo]] de [[1899]], en el seno de una familia burguesa compuesta por juristas y arquitectos.

==Infancia y juventud==
Pasó su infancia y juventud en [[Bruselas]]. Empezó a escribir, en francés, a los 14 años, le animaba ya un sentimiento espiritual poderoso, que le hizo tender, siempre infructuosamente, hacia la religión. En esta misma ciudad comenzó a estudiar Medicina en la Universidad, pero en [[1919]] abandonó los estudios para enrolarse como fogonero en un navío de la Marina Mercante Francesa, en el que viajó a [[Río de Janeiro]] en el [[Brasil]]; y a [[Buenos Aires]] en [[Argentina]].

==Sobre su obra literaria==
En [[1923]] regresó a [[Bruselas]] y publicó su primer texto “Cas de folie circulaire” en la revista “Le Disque Vert”, que dirigía por ese tiempo su amigo [[Franz Hellens]]. Ese mismo año abandonó Bruselas y fijó su residencia en [[París]], ciudad donde inició su carrera literaria y descubrió con entusiasmo el [[surrealismo]], y muy especialmente las obras de [[Paul Klee]], [[Max Ernst]], [[Giorgio di Chirico]] y [[Salvador Dalí]]. Publicó sus primeros libros, “Les rêves et la jambe” en [[1923]] y “Qui je fus” en [[1927]].

En [[1927]] viajó por [[América]], especialmente por [[Ecuador]], y recogió sus impresiones del viaje en su libro “Ecuador”, que publicó en [[1929]]. Posteriormente realizó otro viaje, esta vez al Extremo Oriente, entre los años [[1931]] y [[1932]]. Este le proporcionó el material para el libro “Un bárbaro en Asia” de [[1933]]. En [[1935]] viajó nuevamente al sur latinoamericano, peor esta vez a ciudades como [[Buenos Aires]] y [[Montevideo]].

En [[1937]] se convirtió en el redactor jefe de la revista “Hermès”, que se publicó en Bruselas y cuyo objetivo fue "provocar confrontaciones directas entre la filosofía, la mística y la poesía".

Escribió también libros de viajes imaginarios (Voyage en Grande Garabagne, en 1936; Au pays de la magie, en 1941, e Ici, Poddema (1946), compilados en un solo volumen en Ailleurs, 1948); relatos de sus experiencias con las drogas, especialmente con la mescalina (Misérable miracle, en 1956, Connaissance par les gouffres, en [[1961]]), y recopilaciones de aforismos y reflexiones (Passages, en [[1950]]; Poteaux d'angle, en [[1971]]).

==Sobre su obra plástica==
Desde 1925, Michaux se interesó vivamente por las [[artes plásticas]], pero es en 1937 cuando empieza a dibujar y a pintar. Expuso con regularidad su obra plástica en varias galerías parisinas, y publicó numerosos libros ilustrados. Se interesó también por la caligrafía.

==Muerte==
Muere en [[París]], [[Francia]]; el [[18 de octubre]] de [[1984]], a la edad de 85 años, dejando una rica obra literaria y pictórica.

==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Michaux Henri Michaux. Disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[ http://jamillan.com/rostro.htm La escritura del rostro. Disponible en: www.jamillan.com]
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Archivo:Georges mathieu.jpg

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Georges Mathieu

2011-12-31T18:04:45Z

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|notas=
}}
'''Georges Mathieu ([[1921]])'''. [[Pintor]], publicista y teórico de arte francés. Uno de los representantes más afamados del [[expresionismo abstracto]].
==Síntesis biográfica==
===Nacimiento===
Nació en [[Boulogne-sur-Mer]], [[Pas-de-Calais]], [[Francia]]; el [[27 de enero]] de [[1921]].
==Inicios en el arte===
Tras estudiar [[Filosofía]] y [[Derecho]], comenzó a pintar a la edad de 21 años en [[1942]]. En [[1947]] se estableció en [[París]], [[Francia]], ciudad donde adquirió en los años ulteriores fama internacional dentro del [[expresionismo abstracto]]. En este movimiento, Mathieu desarrolló obras colmadas por el impulso emocional, lo improvisado e intuitivo.

==Sobre su obra==
Su obra inicial estuvo signada por el apego a la pintura realista de [[paisajes]] y [[retratos]]. En [[París]] comenzó a exponer obras realizadas sobre la base de manchas espontáneas de color. Sin embargo, el sello distintivo de su producción sería la introducción a finales de la década de 1930 de trazos caligráficos sobre el [[lienzo]]. Este nuevo proceder supuso a su pintura el calificativo de «pura manifestación del ser»; más pura cuanto mayor era la velocidad con la que el artista la creaba, convirtiendo su práctica pictórica en verdadero espectáculo al elaborar sus creaciones a gran escala, frente al público y en breve tiempo. Es ejemplo de esta forma de acción pictórico-pública, las obras realizadas a partir de [[1954]] donde Mathieu puso en escena pinturas a gran escala como obras teatrales, y que culminaron con el uso de 800 tubos de pintura para crear una pintura de 4 x 12 metros, delante de una audiencia de 2000 espectadores en el teatro [[Sarah Bernhardt]] de la capital francesa, hecho artístico este acaecido en [[1956]].
Otro elemento importante de destacar dentro de la producción artística de Mathieu es la elección de los títulos para sus cuadros, cuyos referentes evocan a nombres de batallas o hechos históricos franceses; de ahí denominaciones como: “La muerte de Felipe el Atrevido”, de [[1952]] o “La batalla de Bouvines”, de [[1954]]; por solo citar dos ejemplos.
A principios de la década de 1960 Mathieu también hizo escultura y diseñó muebles y tapices.
==Sobre sus exposiciones==
En 1947 unió fuerzas con Mathieu Camille Bryen para organizar una exposición de trabajos orientados al tachismo.
Hasta 1951 Mathieu siguió organizando muestras e influyó significativamente dentro de las corrientes del expresionismo abstracto norteamericano.
Mathieu ha llevado su arte por toda [[Europa]], en 1957, en Tokio, a la aclamación universal, su obra se muestra en exposiciones especiales en [[París]] y [[Nueva York]] en [[1950]] y [[1952]], respectivamente. Mathieu ha participado en numerosas exposiciones internacionales, incluida la Documenta II, efectuada en [[1959]].

==Principales influencias==
Georges Mathieu se interesó particularmente en el arte de Jackson Pollock, por la espontaneidad y manejo en la pintura gestual de este artista.

==Legado==
Georges Mathieu ha quedado dentro de la arena del arte como el fundador del Tachismo y como uno de los representantes más afamados del [[expresionismo abstracto]] europeo.
==Fuentes==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Mathieu Georges Mathieu, disponible en: Wikipedia, la Enciclopedia Libre]
*[http://www.slideshare.net/MyArte/georges-mathieu Georges Mathieu. Biografía realizada por Jorge Enrique Peralta Plaza. Disponible en: www.slideshare.net]
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Usuario:Cumanayagua3 jc/Nuevas

2011-12-27T13:40:40Z

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2011-11-30T05:26:30Z

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