EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Eric Burdon

2013-05-18T17:52:48Z

Heriberto05012cfg jc:

<div align=justify>
{{Ficha Persona
|nombre = Eric Burdon
|nombre completo = Eric Victor Burdon
|otros nombres =
|imagen=Eric_burdon.jpg
|descripción=
|fecha de nacimiento =[[11 de mayo]] de [[1941]]
|lugar de nacimiento = [[Newcastle upon Tyne]] {{bandera2| Inglaterra}}
|ocupación= cantante
}}
'''Eric Burdon.''' Es un cantante y compositor inglés que además de estas tareas también pinta, es muy talentoso, pero un poco inestable en la formación de las agrupaciones donde militó pues constantemente se iba de un grupo de una banda nueva y asi se ha mantenido hasta en la actualidad que se ha dedicado a grabar y hacer conciertos en solitario.

==Síntesis biográfica==
Fue miembro fundador y vocalista de [[The Animals]], banda originalmente formada en [[Newcastle]] en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como "The House of the Rising Sun", "Good Times", "Don't Let Me Be Misunderstood", "Bring It On Home to Me" y "We Gotta Get Out of this Place". El teclista Alan Price y el batería John Steel, Animals originales, dejaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins respectivamente. En [[1966]], los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda se reformó como [[Eric Burdon and the Animals]]. A este grupo se le unieron el futuro miembro de [[Family John Weider]] y el futuro guitarrista de [[The Police Andy Summers]].

===Éxitos de la nueva banda===
Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como "When I Was Young", "Sky Pilot" y "Monterey". Esta unión duró hasta [[1969]], pasando por grandes cambios en la formación, y cambiando el nombre de la banda de [[Eric Burdon and the Animals]] a [[Eric Burdon and the New Animals]]. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de [[Los Ángeles War]]. El álbum, Eric Burdon Declares War creó clásicos como "Spill The Wine" y "Tobacco Road". En 1[[971]] Burdon empezó su carrera en solitario.

===En los Animals Originales===
Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en [[1976]] y [[1983]], pero esta unión acabó pronto, aun así en la reunión de [[1983]] se sacó el ignorado en las listas de ventas single "The Night". Burdon dirigió unos cuantos grupos llamados [[Eric Burdon Band]] o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa Continental que en el [[Reino Unido]] o en los [[Estados Unidos]].

===Conciertos en solitario===
Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de "Eric Burdon and the Animals". En [[1990]], un reformado "Eric Burdon and the Animals" grabó una versión del single "Sixteen Tons" de Merle Travis para la película Joe contra el Volcán, donde salía en los créditos de apertura de la película.

==Discografía==
*The Animals – 1964
*The Animals On Tour – 1965
*Animal Tracks – 1965
*Animalisms – 1966
*Animalization – 1966
*Animalism – 1966
*Eric Is Here – 1967
*Winds of Change – 1967
*The Twain Shall Meet – 1968
*Every One of Us – 1968
*Love Is – 1968
*Eric Burdon Declares "War" – 1970
*The Black Man's Burdon – 1970
*Guilty! – 1971
*Sun Secrets – 1974
*Stop – 1975
*Love Is All Around – 1976
*Before We Were So Rudely Interrupted – 1977
*Survivor – 1977
*Darkness Darkness – 1980
*The Last Drive – 1980
*Comeback – 1982
*Ark – 1983
*Power Company – 1983
*I Used To Be An Animal – 1988
*Lost Within The Halls of Fame – 1995
*My Secret Life – 2004
*Soul of a Man – 2006.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./eric_burdon/index.php sarpanet.info./eric_burdon/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Archivo:Eric burdon.jpg

2013-05-18T17:51:22Z

Heriberto05012cfg jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

La Mona Jiménez

2013-05-17T19:33:09Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Desarrollo}}
<div align=justify>
{{Ficha Persona
|nombre = Juan Carlos Jiménez Rufino
|nombre completo = Juan Carlos Jiménez Rufino
|otros nombres = Carlitos "La Mona" Jiménez
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|descripción=
|fecha de nacimiento =[[11 de enero]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Córdoba]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= cantante
|conyuge = Juana Delseri
|hijos = Carlos, Lorena y Natalia
}}

'''Juan Carlos Jiménez Rufino.''' Cantante Argentino de un gran carisma interpretativo, ha hecho una carrera como solista muy exitosa que le permitió hacer gira por países de escenarios grandiosos.

== Síntesis Biográfica ==

Hijo de una salteña, padre tucumano y con abuelos catamarqueños, nació el [[11 de enero]] de [[1951]] en [[Córdoba]], [[Argentina]] donde debutó como cantante a los 15 años, formando parte del [[Cuarteto Berna]], con el que grabó cuatro discos. En abril de [[1975]] se casó con Juana Delseri, con quien tendría tres hijos, Carlos, Lorena y Natalia. Delseri trabajaría (hasta la actualidad) como su representante.

==Inicios==
En [[1966]] (a los 15 años de edad) empezó a trabajar como cantante en el Cuarteto Berna.
Su tío materno, Coquito Ramaló, lo hizo entrar en su [[Cuarteto de Oro]], donde Jiménez se haría conocido con la canción Cortate el pelo, cabezón. Dueño de un estilo muy particular, La Mona se ganó el clamor popular en cada presentación. En aquellos años, flaquito y con un peinado afro, más conocido como [[Carlitos Jiménez]], el joven cantante se contorneaba a lo Elvis, envuelto en trajes multicolores, aunque siempre en el género de la orquesta característica de la música cordobesa.

== Desempeño en el Cuarteto de Oro ==
El primer disco que grabó el [[Cuarteto de Oro]] se llamó Póngale la cadenita, y fue un rotundo fracaso en las ventas. Sin embargo, después grabaron “Cortate el pelo cabezón” con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo. Un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, “La gaita del lobizón” sería su éxito más importante. Con 26 LP grabados, Carlitos Jiménez se retiró del [[Cuarteto de Oro]] para armar su propio proyecto solista.

==Carrera como solista==
Como solista con un sonido renovado por la inclusión de percusión y vientos empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de [[Córdoba]]. Trabajó tres meses seguidos en el club Sargento Cabral. Editó un disco: Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: “La flaca la gasta”. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relevancia nacional.

En [[1988]] (a los 37 años de edad) tocó por primera vez en [[Buenos Aires]], en el Microestadio de Atlanta. Luego llenó el Luna Park. En [[1989]] tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En [[1999]] impuso los hits Beso a beso y Bum bum, con los que continuó teniendo vigencia a pesar de su larga carrera. A finales de [[julio]] de [[2000]], Jiménez se divorció de su esposa y representante Juana Delseri (que siguió trabajando como su mánager). Sus hijas Lorena y Natalia se dedican a diseñar su ropa. En sus 40 años de carrera lleva editados 78 compactos y ha vendido más de tres millones de copias.

==Giras internacionales==
A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países.
Estuvo en [[España]] donde en [[Cádiz]], [[Valencia]] y [[Madrid]] cantó el ritmo del cuartetazo. En agosto de [[1995]] fue de gira a [[Estados Unidos]]. Actuó tres días en [[Chicago]] y [[Houston]] y luego entre el 1 y el [[7 de septiembre]] de [ 995 presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? ante miles de argentinos en [[Nueva York]].

==Discografía==
'''Cuarteto Berna'''
*[[1967]] - Diez Monedas
*[[1968]] - Con ritmo de guarason
*[[1969]] - Caracoleando con Berna
*[[1970]] - Sensacional, Cuarteto Berna '70
*[[1971]] - ¡Azul quedó...!

'''Cuarteto de Oro'''

*[[1972]] - Póngale la cadenita
*[[1972]] - Otro del cuarteto de oro... Y hay más todavía!
*[[1973]] - Llego la hora de reir
*[[1974]] - El golpecito
*1974 - La gaita del Lobizón
*[[1975]] – Ñácate
*1975 - Patio de tango
*1975 - La gaita del fantasma
*[[1976]] - Los taximetristas
*1976 - Me juego la cabeza
*[[1977]] - Si!... El día del arquero
*1977 - La gaita de Bufalo Bill
*[[1978]] - Llegan los marcianos
*[[1979]] - La gaita de Superman
*1979 - La maratón del gordo
*[[1980]] - La gaita de Drácula
*1980 - La gaita del robot
*[[1981]] - Cuidado que te come el cuco
*1981 - Si se destapa la olla
*[[1982]] - Y no me lo contás
*1982 - Me quiero comer la gorra
*[[1983]] - Corran la bolilla
*1983 - Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar
*[[1984]] - Lo mejor del Cuarteto de Oro

'''Grabados como solista'''

*[[1984]] - Para toda América
*[[1985]] - De corazón
*1985 - Gracias a Dios
*[[1986]] - Por la Paz
*1986 - Carlitos Jimenez En Vivo
*[[1987]] - De punta a punta
*1987 - En vivo en el Estadio Atenas
*[[1988]] - Como la Mona
*1988 – Popularísimo
*[[1989]] – Vigencia
*1989 - Toda una vida
*[[1990]] – Mona
*1990 - En vivo '90
*[[1991]] - Va por ti
*1991 - En vivo '91
*[[1992]] - De pie
*1992 - La magia de La Mona
*[[1993]] – Buscavida
*1993 - El bailarín
*[[1994]] - Raza negra
*[[1995]] - El marginal
*1995 - Al pie del cañón
*[[1996]] - En la puerta del universo
*1996 - Ahora comienza la fiesta
*[[1997]] - El disco nº 60
*[[1998]] - La Mona y el hombre
*1998 - Beso a beso
*[[1999]] - El bum bum
*1999 - Bien ahí (La mona despide el siglo en vivo)
*[[2000]] - El agite
*2000 – Adrenalina
*[[2001]] - Al palo
*2001 - Cuarteto es la Mona
*[[2002]] - El vicio de la Mona
*[[2003]] - Selección Privada I
*2003 - De caravana CD 70
*[[2004]] - Selección privada II
*[[2005]] - Trilogía I
*[[2006]] - Carlitos Jimenez 40 años con la Música de Cuarteto
*2006 - Trilogía II
*[[2007]] - Trilogía III
*[[2008]] - Homenaje - Los amigos del mismo palo
*2008 - ¡Vuelvo a vivir... vuelvo a cantar!
*[[2009]] - La Mona una leyenda en pie
*[[2010]] – Genial
*2010 - La Mona sigue a full.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./la_mona_jimenez/index.php sarpanet.info] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].
*[www.cmj.com.ar/ cmj.com.ar] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].

[[category:cantante]]

Archivo:Mona jimenez.jpg

2013-05-17T19:32:06Z

Heriberto05012cfg jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

La Mona Jiménez

2013-05-17T19:10:56Z

Heriberto05012cfg jc: /* Fuentes */

{{Desarrollo}}
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{{Ficha Persona
|nombre = Juan Carlos Jiménez Rufino
|nombre completo = Juan Carlos Jiménez Rufino
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|fecha de nacimiento =[[11 de enero]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Córdoba]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= cantante
|conyuge = Juana Delseri
|hijos = Carlos, Lorena y Natalia
}}

'''Juan Carlos Jiménez Rufino.''' Cantante Argentino de un gran carisma interpretativo, ha hecho una carrera como solista muy exitosa que le permitió hacer gira por países de escenarios grandiosos.

== Síntesis Biográfica ==

Hijo de una salteña, padre tucumano y con abuelos catamarqueños, nació el [[11 de enero]] de [[1951]] en [[Córdoba]], [[Argentina]] donde debutó como cantante a los 15 años, formando parte del [[Cuarteto Berna]], con el que grabó cuatro discos. En abril de [[1975]] se casó con Juana Delseri, con quien tendría tres hijos, Carlos, Lorena y Natalia. Delseri trabajaría (hasta la actualidad) como su representante.

==Inicios==
En [[1966]] (a los 15 años de edad) empezó a trabajar como cantante en el Cuarteto Berna.
Su tío materno, Coquito Ramaló, lo hizo entrar en su [[Cuarteto de Oro]], donde Jiménez se haría conocido con la canción Cortate el pelo, cabezón. Dueño de un estilo muy particular, La Mona se ganó el clamor popular en cada presentación. En aquellos años, flaquito y con un peinado afro, más conocido como [[Carlitos Jiménez]], el joven cantante se contorneaba a lo Elvis, envuelto en trajes multicolores, aunque siempre en el género de la orquesta característica de la música cordobesa.

== Desempeño en el Cuarteto de Oro ==
El primer disco que grabó el [[Cuarteto de Oro]] se llamó Póngale la cadenita, y fue un rotundo fracaso en las ventas. Sin embargo, después grabaron “Cortate el pelo cabezón” con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo. Un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, “La gaita del lobizón” sería su éxito más importante. Con 26 LP grabados, Carlitos Jiménez se retiró del [[Cuarteto de Oro]] para armar su propio proyecto solista.

==Carrera como solista==
Como solista con un sonido renovado por la inclusión de percusión y vientos empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de [[Córdoba]]. Trabajó tres meses seguidos en el club Sargento Cabral. Editó un disco: Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: “La flaca la gasta”. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relevancia nacional.

En [[1988]] (a los 37 años de edad) tocó por primera vez en [[Buenos Aires]], en el Microestadio de Atlanta. Luego llenó el Luna Park. En [[1989]] tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En [[1999]] impuso los hits Beso a beso y Bum bum, con los que continuó teniendo vigencia a pesar de su larga carrera. A finales de [[julio]] de [[2000]], Jiménez se divorció de su esposa y representante Juana Delseri (que siguió trabajando como su mánager). Sus hijas Lorena y Natalia se dedican a diseñar su ropa. En sus 40 años de carrera lleva editados 78 compactos y ha vendido más de tres millones de copias.

==Giras internacionales==
A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países.
Estuvo en [[España]] donde en [[Cádiz]], [[Valencia]] y [[Madrid]] cantó el ritmo del cuartetazo. En agosto de [[1995]] fue de gira a [[Estados Unidos]]. Actuó tres días en [[Chicago]] y [[Houston]] y luego entre el 1 y el [[7 de septiembre]] de [ 995 presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? ante miles de argentinos en [[Nueva York]].

==Discografía==
'''Cuarteto Berna'''
*[[1967]] - Diez Monedas
*[[1968]] - Con ritmo de guarason
*[[1969]] - Caracoleando con Berna
*[[1970]] - Sensacional, Cuarteto Berna '70
*[[1971]] - ¡Azul quedó...!

'''Cuarteto de Oro'''

*[[1972]] - Póngale la cadenita
*[[1972]] - Otro del cuarteto de oro... Y hay más todavía!
*[[1973]] - Llego la hora de reir
*[[1974]] - El golpecito
*1974 - La gaita del Lobizón
*[[1975]] – Ñácate
*1975 - Patio de tango
*1975 - La gaita del fantasma
*[[1976]] - Los taximetristas
*1976 - Me juego la cabeza
*[[1977]] - Si!... El día del arquero
*1977 - La gaita de Bufalo Bill
*[[1978]] - Llegan los marcianos
*[[1979]] - La gaita de Superman
*1979 - La maratón del gordo
*[[1980]] - La gaita de Drácula
*1980 - La gaita del robot
*[[1981]] - Cuidado que te come el cuco
*1981 - Si se destapa la olla
*[[1982]] - Y no me lo contás
*1982 - Me quiero comer la gorra
*[[1983]] - Corran la bolilla
*1983 - Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar
*[[1984]] - Lo mejor del Cuarteto de Oro

'''Grabados como solista'''

*[[1984]] - Para toda América
*[[1985]] - De corazón
*1985 - Gracias a Dios
*[[1986]] - Por la Paz
*1986 - Carlitos Jimenez En Vivo
*[[1987]] - De punta a punta
*1987 - En vivo en el Estadio Atenas
*[[1988]] - Como la Mona
*1988 – Popularísimo
*[[1989]] – Vigencia
*1989 - Toda una vida
*[[1990]] – Mona
*1990 - En vivo '90
*[[1991]] - Va por ti
*1991 - En vivo '91
*[[1992]] - De pie
*1992 - La magia de La Mona
*[[1993]] – Buscavida
*1993 - El bailarín
*[[1994]] - Raza negra
*[[1995]] - El marginal
*1995 - Al pie del cañón
*[[1996]] - En la puerta del universo
*1996 - Ahora comienza la fiesta
*[[1997]] - El disco nº 60
*[[1998]] - La Mona y el hombre
*1998 - Beso a beso
*[[1999]] - El bum bum
*1999 - Bien ahí (La mona despide el siglo en vivo)
*[[2000]] - El agite
*2000 – Adrenalina
*[[2001]] - Al palo
*2001 - Cuarteto es la Mona
*[[2002]] - El vicio de la Mona
*[[2003]] - Selección Privada I
*2003 - De caravana CD 70
*[[2004]] - Selección privada II
*[[2005]] - Trilogía I
*[[2006]] - Carlitos Jimenez 40 años con la Música de Cuarteto
*2006 - Trilogía II
*[[2007]] - Trilogía III
*[[2008]] - Homenaje - Los amigos del mismo palo
*2008 - ¡Vuelvo a vivir... vuelvo a cantar!
*[[2009]] - La Mona una leyenda en pie
*[[2010]] – Genial
*2010 - La Mona sigue a full.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./la_mona_jimenez/index.php sarpanet.info] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].
*[www.cmj.com.ar/ cmj.com.ar] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].

[[category:cantante]]

La Mona Jiménez

2013-05-17T19:08:26Z

Heriberto05012cfg jc: /* Fuentes */

{{Desarrollo}}
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{{Ficha Persona
|nombre = Juan Carlos Jiménez Rufino
|nombre completo = Juan Carlos Jiménez Rufino
|otros nombres = Carlitos "La Mona" Jiménez
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|fecha de nacimiento =[[11 de enero]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Córdoba]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= cantante
|conyuge = Juana Delseri
|hijos = Carlos, Lorena y Natalia
}}

'''Juan Carlos Jiménez Rufino.''' Cantante Argentino de un gran carisma interpretativo, ha hecho una carrera como solista muy exitosa que le permitió hacer gira por países de escenarios grandiosos.

== Síntesis Biográfica ==

Hijo de una salteña, padre tucumano y con abuelos catamarqueños, nació el [[11 de enero]] de [[1951]] en [[Córdoba]], [[Argentina]] donde debutó como cantante a los 15 años, formando parte del [[Cuarteto Berna]], con el que grabó cuatro discos. En abril de [[1975]] se casó con Juana Delseri, con quien tendría tres hijos, Carlos, Lorena y Natalia. Delseri trabajaría (hasta la actualidad) como su representante.

==Inicios==
En [[1966]] (a los 15 años de edad) empezó a trabajar como cantante en el Cuarteto Berna.
Su tío materno, Coquito Ramaló, lo hizo entrar en su [[Cuarteto de Oro]], donde Jiménez se haría conocido con la canción Cortate el pelo, cabezón. Dueño de un estilo muy particular, La Mona se ganó el clamor popular en cada presentación. En aquellos años, flaquito y con un peinado afro, más conocido como [[Carlitos Jiménez]], el joven cantante se contorneaba a lo Elvis, envuelto en trajes multicolores, aunque siempre en el género de la orquesta característica de la música cordobesa.

== Desempeño en el Cuarteto de Oro ==
El primer disco que grabó el [[Cuarteto de Oro]] se llamó Póngale la cadenita, y fue un rotundo fracaso en las ventas. Sin embargo, después grabaron “Cortate el pelo cabezón” con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo. Un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, “La gaita del lobizón” sería su éxito más importante. Con 26 LP grabados, Carlitos Jiménez se retiró del [[Cuarteto de Oro]] para armar su propio proyecto solista.

==Carrera como solista==
Como solista con un sonido renovado por la inclusión de percusión y vientos empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de [[Córdoba]]. Trabajó tres meses seguidos en el club Sargento Cabral. Editó un disco: Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: “La flaca la gasta”. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relevancia nacional.

En [[1988]] (a los 37 años de edad) tocó por primera vez en [[Buenos Aires]], en el Microestadio de Atlanta. Luego llenó el Luna Park. En [[1989]] tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En [[1999]] impuso los hits Beso a beso y Bum bum, con los que continuó teniendo vigencia a pesar de su larga carrera. A finales de [[julio]] de [[2000]], Jiménez se divorció de su esposa y representante Juana Delseri (que siguió trabajando como su mánager). Sus hijas Lorena y Natalia se dedican a diseñar su ropa. En sus 40 años de carrera lleva editados 78 compactos y ha vendido más de tres millones de copias.

==Giras internacionales==
A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países.
Estuvo en [[España]] donde en [[Cádiz]], [[Valencia]] y [[Madrid]] cantó el ritmo del cuartetazo. En agosto de [[1995]] fue de gira a [[Estados Unidos]]. Actuó tres días en [[Chicago]] y [[Houston]] y luego entre el 1 y el [[7 de septiembre]] de [ 995 presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? ante miles de argentinos en [[Nueva York]].

==Discografía==
'''Cuarteto Berna'''
*[[1967]] - Diez Monedas
*[[1968]] - Con ritmo de guarason
*[[1969]] - Caracoleando con Berna
*[[1970]] - Sensacional, Cuarteto Berna '70
*[[1971]] - ¡Azul quedó...!

'''Cuarteto de Oro'''

*[[1972]] - Póngale la cadenita
*[[1972]] - Otro del cuarteto de oro... Y hay más todavía!
*[[1973]] - Llego la hora de reir
*[[1974]] - El golpecito
*1974 - La gaita del Lobizón
*[[1975]] – Ñácate
*1975 - Patio de tango
*1975 - La gaita del fantasma
*[[1976]] - Los taximetristas
*1976 - Me juego la cabeza
*[[1977]] - Si!... El día del arquero
*1977 - La gaita de Bufalo Bill
*[[1978]] - Llegan los marcianos
*[[1979]] - La gaita de Superman
*1979 - La maratón del gordo
*[[1980]] - La gaita de Drácula
*1980 - La gaita del robot
*[[1981]] - Cuidado que te come el cuco
*1981 - Si se destapa la olla
*[[1982]] - Y no me lo contás
*1982 - Me quiero comer la gorra
*[[1983]] - Corran la bolilla
*1983 - Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar
*[[1984]] - Lo mejor del Cuarteto de Oro

'''Grabados como solista'''

*[[1984]] - Para toda América
*[[1985]] - De corazón
*1985 - Gracias a Dios
*[[1986]] - Por la Paz
*1986 - Carlitos Jimenez En Vivo
*[[1987]] - De punta a punta
*1987 - En vivo en el Estadio Atenas
*[[1988]] - Como la Mona
*1988 – Popularísimo
*[[1989]] – Vigencia
*1989 - Toda una vida
*[[1990]] – Mona
*1990 - En vivo '90
*[[1991]] - Va por ti
*1991 - En vivo '91
*[[1992]] - De pie
*1992 - La magia de La Mona
*[[1993]] – Buscavida
*1993 - El bailarín
*[[1994]] - Raza negra
*[[1995]] - El marginal
*1995 - Al pie del cañón
*[[1996]] - En la puerta del universo
*1996 - Ahora comienza la fiesta
*[[1997]] - El disco nº 60
*[[1998]] - La Mona y el hombre
*1998 - Beso a beso
*[[1999]] - El bum bum
*1999 - Bien ahí (La mona despide el siglo en vivo)
*[[2000]] - El agite
*2000 – Adrenalina
*[[2001]] - Al palo
*2001 - Cuarteto es la Mona
*[[2002]] - El vicio de la Mona
*[[2003]] - Selección Privada I
*2003 - De caravana CD 70
*[[2004]] - Selección privada II
*[[2005]] - Trilogía I
*[[2006]] - Carlitos Jimenez 40 años con la Música de Cuarteto
*2006 - Trilogía II
*[[2007]] - Trilogía III
*[[2008]] - Homenaje - Los amigos del mismo palo
*2008 - ¡Vuelvo a vivir... vuelvo a cantar!
*[[2009]] - La Mona una leyenda en pie
*[[2010]] – Genial
*2010 - La Mona sigue a full.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./la_mona_jimenez/index.php sarpanet.info] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].
*[www.cmj.com.ar/cmj.com.ar] Consultado el [[7 de octubre de 2012]].

[[category:cantante]]

La Mona Jiménez

2013-05-17T19:07:06Z

Heriberto05012cfg jc: /* Fuentes */

{{Desarrollo}}
<div align=justify>
{{Ficha Persona
|nombre = Juan Carlos Jiménez Rufino
|nombre completo = Juan Carlos Jiménez Rufino
|otros nombres = Carlitos "La Mona" Jiménez
|imagen=La_mona_jimenez.jpg
|descripción=
|fecha de nacimiento =[[11 de enero]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Córdoba]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= cantante
|conyuge = Juana Delseri
|hijos = Carlos, Lorena y Natalia
}}

'''Juan Carlos Jiménez Rufino.''' Cantante Argentino de un gran carisma interpretativo, ha hecho una carrera como solista muy exitosa que le permitió hacer gira por países de escenarios grandiosos.

== Síntesis Biográfica ==

Hijo de una salteña, padre tucumano y con abuelos catamarqueños, nació el [[11 de enero]] de [[1951]] en [[Córdoba]], [[Argentina]] donde debutó como cantante a los 15 años, formando parte del [[Cuarteto Berna]], con el que grabó cuatro discos. En abril de [[1975]] se casó con Juana Delseri, con quien tendría tres hijos, Carlos, Lorena y Natalia. Delseri trabajaría (hasta la actualidad) como su representante.

==Inicios==
En [[1966]] (a los 15 años de edad) empezó a trabajar como cantante en el Cuarteto Berna.
Su tío materno, Coquito Ramaló, lo hizo entrar en su [[Cuarteto de Oro]], donde Jiménez se haría conocido con la canción Cortate el pelo, cabezón. Dueño de un estilo muy particular, La Mona se ganó el clamor popular en cada presentación. En aquellos años, flaquito y con un peinado afro, más conocido como [[Carlitos Jiménez]], el joven cantante se contorneaba a lo Elvis, envuelto en trajes multicolores, aunque siempre en el género de la orquesta característica de la música cordobesa.

== Desempeño en el Cuarteto de Oro ==
El primer disco que grabó el [[Cuarteto de Oro]] se llamó Póngale la cadenita, y fue un rotundo fracaso en las ventas. Sin embargo, después grabaron “Cortate el pelo cabezón” con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo. Un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, “La gaita del lobizón” sería su éxito más importante. Con 26 LP grabados, Carlitos Jiménez se retiró del [[Cuarteto de Oro]] para armar su propio proyecto solista.

==Carrera como solista==
Como solista con un sonido renovado por la inclusión de percusión y vientos empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de [[Córdoba]]. Trabajó tres meses seguidos en el club Sargento Cabral. Editó un disco: Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: “La flaca la gasta”. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relevancia nacional.

En [[1988]] (a los 37 años de edad) tocó por primera vez en [[Buenos Aires]], en el Microestadio de Atlanta. Luego llenó el Luna Park. En [[1989]] tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En [[1999]] impuso los hits Beso a beso y Bum bum, con los que continuó teniendo vigencia a pesar de su larga carrera. A finales de [[julio]] de [[2000]], Jiménez se divorció de su esposa y representante Juana Delseri (que siguió trabajando como su mánager). Sus hijas Lorena y Natalia se dedican a diseñar su ropa. En sus 40 años de carrera lleva editados 78 compactos y ha vendido más de tres millones de copias.

==Giras internacionales==
A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países.
Estuvo en [[España]] donde en [[Cádiz]], [[Valencia]] y [[Madrid]] cantó el ritmo del cuartetazo. En agosto de [[1995]] fue de gira a [[Estados Unidos]]. Actuó tres días en [[Chicago]] y [[Houston]] y luego entre el 1 y el [[7 de septiembre]] de [ 995 presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? ante miles de argentinos en [[Nueva York]].

==Discografía==
'''Cuarteto Berna'''
*[[1967]] - Diez Monedas
*[[1968]] - Con ritmo de guarason
*[[1969]] - Caracoleando con Berna
*[[1970]] - Sensacional, Cuarteto Berna '70
*[[1971]] - ¡Azul quedó...!

'''Cuarteto de Oro'''

*[[1972]] - Póngale la cadenita
*[[1972]] - Otro del cuarteto de oro... Y hay más todavía!
*[[1973]] - Llego la hora de reir
*[[1974]] - El golpecito
*1974 - La gaita del Lobizón
*[[1975]] – Ñácate
*1975 - Patio de tango
*1975 - La gaita del fantasma
*[[1976]] - Los taximetristas
*1976 - Me juego la cabeza
*[[1977]] - Si!... El día del arquero
*1977 - La gaita de Bufalo Bill
*[[1978]] - Llegan los marcianos
*[[1979]] - La gaita de Superman
*1979 - La maratón del gordo
*[[1980]] - La gaita de Drácula
*1980 - La gaita del robot
*[[1981]] - Cuidado que te come el cuco
*1981 - Si se destapa la olla
*[[1982]] - Y no me lo contás
*1982 - Me quiero comer la gorra
*[[1983]] - Corran la bolilla
*1983 - Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar
*[[1984]] - Lo mejor del Cuarteto de Oro

'''Grabados como solista'''

*[[1984]] - Para toda América
*[[1985]] - De corazón
*1985 - Gracias a Dios
*[[1986]] - Por la Paz
*1986 - Carlitos Jimenez En Vivo
*[[1987]] - De punta a punta
*1987 - En vivo en el Estadio Atenas
*[[1988]] - Como la Mona
*1988 – Popularísimo
*[[1989]] – Vigencia
*1989 - Toda una vida
*[[1990]] – Mona
*1990 - En vivo '90
*[[1991]] - Va por ti
*1991 - En vivo '91
*[[1992]] - De pie
*1992 - La magia de La Mona
*[[1993]] – Buscavida
*1993 - El bailarín
*[[1994]] - Raza negra
*[[1995]] - El marginal
*1995 - Al pie del cañón
*[[1996]] - En la puerta del universo
*1996 - Ahora comienza la fiesta
*[[1997]] - El disco nº 60
*[[1998]] - La Mona y el hombre
*1998 - Beso a beso
*[[1999]] - El bum bum
*1999 - Bien ahí (La mona despide el siglo en vivo)
*[[2000]] - El agite
*2000 – Adrenalina
*[[2001]] - Al palo
*2001 - Cuarteto es la Mona
*[[2002]] - El vicio de la Mona
*[[2003]] - Selección Privada I
*2003 - De caravana CD 70
*[[2004]] - Selección privada II
*[[2005]] - Trilogía I
*[[2006]] - Carlitos Jimenez 40 años con la Música de Cuarteto
*2006 - Trilogía II
*[[2007]] - Trilogía III
*[[2008]] - Homenaje - Los amigos del mismo palo
*2008 - ¡Vuelvo a vivir... vuelvo a cantar!
*[[2009]] - La Mona una leyenda en pie
*[[2010]] – Genial
*2010 - La Mona sigue a full.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./la_mona_jimenez/index.php sarpanet.info] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].
*[www.cmj.com.ar/ cmj.com.ar] Consultado el[[7 de octubre de 2012]].

[[category:cantante]]

La Mona Jiménez

2013-05-17T19:03:35Z

Heriberto05012cfg jc: /* Síntesis Biográfica */

{{Desarrollo}}
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{{Ficha Persona
|nombre = Juan Carlos Jiménez Rufino
|nombre completo = Juan Carlos Jiménez Rufino
|otros nombres = Carlitos "La Mona" Jiménez
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|fecha de nacimiento =[[11 de enero]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Córdoba]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= cantante
|conyuge = Juana Delseri
|hijos = Carlos, Lorena y Natalia
}}

'''Juan Carlos Jiménez Rufino.''' Cantante Argentino de un gran carisma interpretativo, ha hecho una carrera como solista muy exitosa que le permitió hacer gira por países de escenarios grandiosos.

== Síntesis Biográfica ==

Hijo de una salteña, padre tucumano y con abuelos catamarqueños, nació el [[11 de enero]] de [[1951]] en [[Córdoba]], [[Argentina]] donde debutó como cantante a los 15 años, formando parte del [[Cuarteto Berna]], con el que grabó cuatro discos. En abril de [[1975]] se casó con Juana Delseri, con quien tendría tres hijos, Carlos, Lorena y Natalia. Delseri trabajaría (hasta la actualidad) como su representante.

==Inicios==
En [[1966]] (a los 15 años de edad) empezó a trabajar como cantante en el Cuarteto Berna.
Su tío materno, Coquito Ramaló, lo hizo entrar en su [[Cuarteto de Oro]], donde Jiménez se haría conocido con la canción Cortate el pelo, cabezón. Dueño de un estilo muy particular, La Mona se ganó el clamor popular en cada presentación. En aquellos años, flaquito y con un peinado afro, más conocido como [[Carlitos Jiménez]], el joven cantante se contorneaba a lo Elvis, envuelto en trajes multicolores, aunque siempre en el género de la orquesta característica de la música cordobesa.

== Desempeño en el Cuarteto de Oro ==
El primer disco que grabó el [[Cuarteto de Oro]] se llamó Póngale la cadenita, y fue un rotundo fracaso en las ventas. Sin embargo, después grabaron “Cortate el pelo cabezón” con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo. Un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, “La gaita del lobizón” sería su éxito más importante. Con 26 LP grabados, Carlitos Jiménez se retiró del [[Cuarteto de Oro]] para armar su propio proyecto solista.

==Carrera como solista==
Como solista con un sonido renovado por la inclusión de percusión y vientos empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de [[Córdoba]]. Trabajó tres meses seguidos en el club Sargento Cabral. Editó un disco: Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: “La flaca la gasta”. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relevancia nacional.

En [[1988]] (a los 37 años de edad) tocó por primera vez en [[Buenos Aires]], en el Microestadio de Atlanta. Luego llenó el Luna Park. En [[1989]] tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En [[1999]] impuso los hits Beso a beso y Bum bum, con los que continuó teniendo vigencia a pesar de su larga carrera. A finales de [[julio]] de [[2000]], Jiménez se divorció de su esposa y representante Juana Delseri (que siguió trabajando como su mánager). Sus hijas Lorena y Natalia se dedican a diseñar su ropa. En sus 40 años de carrera lleva editados 78 compactos y ha vendido más de tres millones de copias.

==Giras internacionales==
A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países.
Estuvo en [[España]] donde en [[Cádiz]], [[Valencia]] y [[Madrid]] cantó el ritmo del cuartetazo. En agosto de [[1995]] fue de gira a [[Estados Unidos]]. Actuó tres días en [[Chicago]] y [[Houston]] y luego entre el 1 y el [[7 de septiembre]] de [ 995 presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? ante miles de argentinos en [[Nueva York]].

==Discografía==
'''Cuarteto Berna'''
*[[1967]] - Diez Monedas
*[[1968]] - Con ritmo de guarason
*[[1969]] - Caracoleando con Berna
*[[1970]] - Sensacional, Cuarteto Berna '70
*[[1971]] - ¡Azul quedó...!

'''Cuarteto de Oro'''

*[[1972]] - Póngale la cadenita
*[[1972]] - Otro del cuarteto de oro... Y hay más todavía!
*[[1973]] - Llego la hora de reir
*[[1974]] - El golpecito
*1974 - La gaita del Lobizón
*[[1975]] – Ñácate
*1975 - Patio de tango
*1975 - La gaita del fantasma
*[[1976]] - Los taximetristas
*1976 - Me juego la cabeza
*[[1977]] - Si!... El día del arquero
*1977 - La gaita de Bufalo Bill
*[[1978]] - Llegan los marcianos
*[[1979]] - La gaita de Superman
*1979 - La maratón del gordo
*[[1980]] - La gaita de Drácula
*1980 - La gaita del robot
*[[1981]] - Cuidado que te come el cuco
*1981 - Si se destapa la olla
*[[1982]] - Y no me lo contás
*1982 - Me quiero comer la gorra
*[[1983]] - Corran la bolilla
*1983 - Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar
*[[1984]] - Lo mejor del Cuarteto de Oro

'''Grabados como solista'''

*[[1984]] - Para toda América
*[[1985]] - De corazón
*1985 - Gracias a Dios
*[[1986]] - Por la Paz
*1986 - Carlitos Jimenez En Vivo
*[[1987]] - De punta a punta
*1987 - En vivo en el Estadio Atenas
*[[1988]] - Como la Mona
*1988 – Popularísimo
*[[1989]] – Vigencia
*1989 - Toda una vida
*[[1990]] – Mona
*1990 - En vivo '90
*[[1991]] - Va por ti
*1991 - En vivo '91
*[[1992]] - De pie
*1992 - La magia de La Mona
*[[1993]] – Buscavida
*1993 - El bailarín
*[[1994]] - Raza negra
*[[1995]] - El marginal
*1995 - Al pie del cañón
*[[1996]] - En la puerta del universo
*1996 - Ahora comienza la fiesta
*[[1997]] - El disco nº 60
*[[1998]] - La Mona y el hombre
*1998 - Beso a beso
*[[1999]] - El bum bum
*1999 - Bien ahí (La mona despide el siglo en vivo)
*[[2000]] - El agite
*2000 – Adrenalina
*[[2001]] - Al palo
*2001 - Cuarteto es la Mona
*[[2002]] - El vicio de la Mona
*[[2003]] - Selección Privada I
*2003 - De caravana CD 70
*[[2004]] - Selección privada II
*[[2005]] - Trilogía I
*[[2006]] - Carlitos Jimenez 40 años con la Música de Cuarteto
*2006 - Trilogía II
*[[2007]] - Trilogía III
*[[2008]] - Homenaje - Los amigos del mismo palo
*2008 - ¡Vuelvo a vivir... vuelvo a cantar!
*[[2009]] - La Mona una leyenda en pie
*[[2010]] – Genial
*2010 - La Mona sigue a full.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./la_mona_jimenez/index.php sarpanet.info] Consultado el [[7 de octubre]] de [[2012]].
*[www.cmj.com.ar/ cmj.com.ar] Consultado el 7 de octubre de 2012.

[[category:cantante]]

Tom Morello

2013-05-17T18:54:58Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha Persona
|nombre = Tom Morello
|nombre completo = Thomas Baptist Morello
|otros nombres = The Nightwatchman
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|familiares = Zach Mudie Morello (hermano)
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|premios =
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}}'''Tom Morello''', es un músico estadounidense que ha militado en diferentes bandas de [[rock]] y heavy, tocando la guitarra, su virtuosismo lo ha llevado a participar en diferentes festivales y en diferentes escenarios incluyendo a [[Cuba]].

==Biografía==

Tom Morello nació en [[Harlem]], [[Nueva York]], el [[30 de mayo]] de [[1964]], pero creció en [[Libertyville]], [[Illinois]]. Su madre, Mary Morello, de ascendencia italiana e irlandesa, es la fundadora junto con el hermano de Tom, Zach Mudie Morello de "Parents for Rock & Rap", una organización contra la censura en la música. Su padre, de nombre Ngethe Njoroge, fue un militar que estuvo en la batalla de Mau-Mau que liberaba a [[Kenya]] de órdenes británicas. Su educación política, dice él:
{{sistema:cita|"empezó el primer minuto que tuve piel café y entré a un jardín de infancia interracial".}} Esto hace referencia a un incidente en su infancia, en el que golpeó a una niña que le decía frases racistas.

También resulta ser un fanático de la [[ciencia-ficción]], debido a numerosas referencias que han salido a la luz a lo largo de los años, como el título del disco de "Lock Up", "Something bitchin' This Way Comes", que fue basado en la novela de Ray Bradbury "Something wicked this way comes"; siendo más joven estuvo en un grupo llamado "Electric Sheep", cuyo nombre fue tomado del título de la novela de Phillip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?". Finalmente, "Radio Free L.A." fue una adaptación del nombre de otra novela de Dick, escritor que usualmente expresaba desilusión y establecía el orden del universo, "Radio Free Albermuth".

==De su niñez==

Fue a una guardería en [[Libertyville]] donde una niña blanca le decía constantemente "negrata" y otras frases racistas, y aunque él no sabía que quería decir, cuando se lo contó a su madre, ella le enseñó información sobre [[Malcolm X]], y habló con él sobre los conflictos raciales en [[Estados Unidos]]. Al día siguiente, la niña le dijo las mismas cosas de nuevo, y el le contestó: "¡Cállate blanquita!" y le pegó un puñetazo en la cara. Vivió en Libertyville casi toda su vida. Estaba en el club de teatro del colegio y se interesaba en las políticas marxistas.

Mostró sus ideas políticas muy temprano. En [[1980]], en unas elecciones simuladas en la Libertyville High School, Morello realizó campaña por un ficticio candidato anarquista, llamado Hubie Maxwell, que en una institución mayormente republicana casi saca a [[Jimmy Carter]] del tercer lugar, aunque el ganador fue [[Ronald Reagan]]. Morello también escribió un artículo titulado: “Sudáfrica: el Racismo y Fascismo que soportamos” para el periódico alternativo del colegio, “The Student Pulse”.

===Consigue su primera guitarra eléctrica===

A la edad de 13 años consigue su primera [[guitarra]] eléctrica en Rigoni Music, Libertyville, una Kay, a pesar de querer otra de cuerpo sólido Ovation para la cual no tenía suficiente dinero. Tomó dos lecciones de [[guitarra]], con el fin de aprender a tocar Black Dog de [[Led Zeppelin]], pero solo le enseñaron la escala de Do. Decidió que tocar la guitarra era una pérdida de tiempo, por lo que la guardó en su armario y no volvió a tocar por un largo tiempo.

==Bandas que formó==

Morello se graduó en [[1982]], y empezó a asistir a la Universidad Harvard. Allí, a partir de [[1984]], se encargó de practicar cada día hasta ocho horas sin falta, sin importarle cuánto tuviera que estudiar. Formó una banda el mismo año llamada [[Electric Sheep]], con quien en el futuro sería el guitarrista de “Tool”, Adam Jones, en el bajo. Pocos de los integrantes podían realmente tocar un instrumento al principio, pero la banda le daba motivación a Morello para mejorar sus habilidades. Al mismo tiempo, el gusto musical de Morello iba en dirección al heavy metal, particularmente [[Kiss]], [[Alice Cooper]], [[Led Zeppelin]] y [[Black Sabbath]], pero después, su música fue influenciada por bandas de punk rock como [[The Clash]], [[The Sex Pistols]] y [[Devo]]. Como ejemplo de esto, en el primerísimo concierto de RATM, el [[23 de octubre]] de [[1991]], RATM tocó un cover de "Clampdown", una canción de The Clash. Se graduó en [[1986]] en Ciencias Políticas con honores. Luego, se trasladó a [[Los Ángeles]], que era donde tenía que ir quien quisiera formar una banda de rock.

===Consigue trabajo con el Senador de California===

Llegó sin nada, excepto un directorio de teléfonos de alumnos de Harvard. Empezó su carrera rockera, tocó en muchas bandas pero ninguna tuvo éxito. Empezó a dar clases de [[guitarra]] para poder vivir, hasta que consiguió trabajo como el secretario del senador de [[California]]. Fue despedido cuando una mujer llamó quejándose de que unos negros se estaban mudando a su vecindario, y él le dijo a la mujer que tal vez el problema no eran ellos, sino el hecho de que ella era racista. Luego formó un grupo llamado "Lock Up", donde tocaba la guitarra y hacía los coros.

==Forma nueva banda Lock Up==

Lock Up fue formado por el guitarrista Mike Livingston y el bajista Kevin Wood, que habían tocado juntos anteriormente en la banda “Ella and the Blacks”. El baterísta original fue Michael Lee, quien abandonó el grupo y fue sustituido por D.H. Peligro que anteriormente había tocado con “The Dead Kennedys” y más tarde con “Red Hot Chili Peppers”. Después de que Peligro se marchara, fue remplazado por Vince Ostertag.

Tras una discusión entre Livingston y Wood, ambos decidieron marcharse. Morello entró para sustituir a Livingston, y Chris Beebe asumió el papel de bajista, sustituyendo a Wood, para completar la alineación de la banda. En [[1989]] el grupo publicó su único álbum, “Something Bitchin' This Way Comes”, en Geffen Records, antes de separarse.

==Nueva agrupación==

En [[1989]] Tom Morello pensó en formar una nueva banda tras la separación de “Lock Up”. Tom quedó impresionado por el estilo rapeando de Zack de la Rocha, y le preguntó que si quería unirse al grupo. También había elegido para la batería a Brad Wilk, de su grupo “Lock Up”, donde Wilk había realizado sin éxito una audición para batería. La línea del grupo quedó completada cuando Zach convenció a su amigo de la infancia Tim Commerford, a tocar el bajo. Tras frecuentar el circuito de clubs de [[Los Ángeles]], [[Rage Against The Machine]] firmó un contrato con la discográfica Epic Records, en [[1992]]. Este mismo año, la banda saco a la luz su álbum de debut. Alcanzaron un gran éxito y publicaron más de tres discos. En agosto del [[2000]] en [[Los Ángeles]], en la Convención Nacional de Democracia, [[Rage Against The Machine]] actuó fuera del Staples Center ante una gran multitud de personas mientras la Convención tenía lugar dentro. Después de que varios miembros empezaron a lanzar piedras, el departamento de policía de Los Ángeles cortaron la electricidad y ordenaron al público a dispersarse, disparando pelotas de goma y spray de pimienta contra la multitud.

A finales del [[2000]] un disgustado de la Rocha abandona la banda. El [[13 de Septiembre]] de [[2000]], [[Rage Against the Machine]] actuó en su ultimo concierto, en el Grand Olympic Auditórium en [[Los Ángeles]], [[California]]. Después de que la banda se separara, su cuarto álbum, Renegades, fue una colección de covers de artistas como [[Bob Dylan]], [[MC5]], [[Bruce Springsteen]] y [[Cypress Hill]]. [[2003]]vio la salida de su último álbum, titulado Live at the Grand Olympic Auditorium, que registra los 2 últimos conciertos de la banda antes de su separación, el 12 y el [[13 de Septiembre]] de [[2000]] en el Grand Olympic Auditorium de [[Los Ángeles]]. Este álbum iba acompañado de un DVD de su último concierto e incluía previamente el inédito video clip del single Bombtrack.

Tras la separación, Morello, Wilk y Commerford, formaron [[Audioslave]] junto al cantante de Soundgarden, Chris Cornell, y publicaron tres discos y un DVD del concierto de la banda en Cuba. Zack de la Rocha comenzó a trabajar en un álbum en solitario con la colaboración de Dj Shadow, Company Flow y The Root´s Questlove, pero el proyecto fue abandonado. La grabación fue completada, pero el álbum probablemente nunca será publicado. Hasta ahora, solo una canción ha sido publicada: “We Want It All”, incluida en el disco Songs and Artist That Inspired Fahrenheit 9/11. En este disco también aparece una canción de The Nightwatchman, "No One Left".

==Nueva agrupación Audioslave==

Después de que de la Rocha abandonara [[Rage Against The Machine]], los compañeros de banda restantes empezaron a colaborar con el antiguo cantante de Soundgarden, Chris Cornell, recomendado por el productor Rick Rubin. Se rumoreó que este nuevo grupo se llamaría “The Civilian Project”, pero el nombre de [[Audioslave]] fue confirmado tras su primer álbum publicado.

La banda publicó su álbum debut, [[Audioslave]], el [[19 de noviembre]] de [[2002]]. Fue un éxito comercialmente y por parte de la crítica, logrando el triple disco de platino. La banda publicó su segundo álbum, Out of Exile, el [[24 de mayo]] de [[2005]]. Debutó con el número 1 en [[Billboard]], logrando el disco de platino. En el mismo año, publicaron un DVD sobre su viaje para tocar un concierto en [[Cuba]]. El tercer álbum de la banda, “Revelations”, fue publicado a finales de [[2006]].

El [[15 de febrero]] de [[2007]], [[Audioslave]] se separó como consecuencia de la salida de Cornell debido a conflictos con la banda.

===Se hace llamar The Nightwatchman===

Morello es menos conocido por su música folclórica, donde toco bajo el alias The Nightwatchman. Él ha explicado: The Nightwatchman es mi alter ego político. He estado escribiendo estas canciones y cantándolas con amigos algunas noches desde hace algún tiempo. Esta es la primera vez que he viajado con ellas. Cuando toco en noches de micrófono abierto, soy anunciado como The Nightwatchman. Allí habrá chicos quienes son fans de mi manejo con la guitarra eléctrica, y los verás allí rasgueando sus cabezas. Pero es algo que yo disfruto hacer. Lo veo como algo más allá de mi política. De nuevo, algunas de las canciones no son totalmente políticas. Esto me ayuda a crecer como un artista y un letrista. Una vez que te pinchas la vena, nunca sabes qué va a salir.

En noviembre de [[2003]], The Nightwatchman unió a los artistas Billy Bragg, Lester Chambers de los Chambers Brothers, Steve Earle, Jill Sobule, Boots Riley de The Coup y Mike Mills de R.E.M en la gira Tell us the Truth tour.

Una de sus muchas canciones, No One Left, que compara la secuela del [[11 de septiembre]] al de un ataque estadounidense sobre [[Irak]], aparece en el álbum “Songs and Artists that Inspired Fahrenheit 9/11”. Las canciones de The Nightwatchman "Until The End", "Road I Must Travel" y "Union Song" aparecieron en el album/DVD Axis of Justice: Concert Series Volume.

Morello, como The Nightwatchman, publicó su álbum debut en solitario, “One Man Revolution” el [[24 de abril]] de [[2007]].

The Nightwatchman se unió a la banda de Dave Matthews para su corta gira europea en mayo de [[2007]]. Aparte de abrir para la banda de Dave Matthews, invitaban a The Nightwatchman a un par de canciones cada noche. La última noche de Morello con Dave Matthews fue el [[30 de mayo]] de [[2007]], en el estadio de Wembley, en [[Londres]], en el cumpleaños de Tom.

Morello ha residido el Hotel Café en [[Los Ángeles]] desde noviembre de [[2007]], que ha destacado por los músicos que han residido en él, incluido Serj Tankian, Perry Farrell, Jon Foreman de Switchfoot, Shotter Jennings, Nuno Bettencourt, Queen V, Sen-Dog de Cypress Hill, Jill Sobule, Boots Riley, Alexi Murdoch, Wayne Kramer de MC 5 y otros.

El [[30 de septiembre]] de [[2008]] se publica el segundo y último álbum de estudio hasta la fecha de The Nightwatchman: The Fabled City. El [[10 de octubre]] de [[2008]], The Nightwatchman apareció en “The Late Late Show” con Craig Fergusin como músico invitado, promocionando su nuevo álbum.

==Se reúnen los miembros de Rage Against the Machine==

El [[29 de abril]] de [[2007]], Rage Against the Machine se reunió en el Coachella Music Festival. La banda tocó frente a la mayor cantidad de gente de todo el festival. El espectáculo estaba inicialmente pensado para ser un único concierto. Pero la banda toco en 7 espectáculos más en los [[Estados Unidos]] en [[2007]] (incluyendo su primer concierto fuera de festival en el Alpine Valley Music Theater en [[East Troy]], [[Wisconsin]]) y en enero de [[2008]], tocaron por primera vez fuera de [[Estados Unidos]] desde su reunión tomando parte del “Big Day Out Festival” en [[Australia]] y en [[Nueva Zelanda]]. En agosto de [[2008, encabezaron las noches del festival de Reading y de Leeds.

La banda ha seguido desde entonces la gira alrededor del mundo, encabezando muchos festivales en [[Europa]] y [[Estados Unidos]], incluidos [[Lollapalooza]] en [[Chicago]]. En [[2008]], la banda también tocó en concierto en [[Denver]], [[Colorado]] y [[Minneapolis]].

==Discografía==

'''Álbumes de estudio'''

*Something Bitchin' This Way Comes, [[1989]]

'''Rage Against the Machine'''

'''Álbumes de estudio'''

*Rage Against the Machine, [[1992]]
*Evil Empire, [[1996]]
*The Battle of Los Angeles, [[1999]]
*Renegades, [[2000]]

'''Singles'''

*Bombtrack, [[1992]]
*Killing in the Name, [[1993]]
*Bullet in the Head, 1993
*Freedom, [[1994]]
*Bulls on Parade, [[1995]]
*Tire Me, [[1996]]
*People of the Sun, 1996
*Down Rodeo, 1996
*No Shelter, [[1998]]
*Sleep Now in the Fire, [[1999]]
*Guerilla Radio, 1999
*Testify, [[2000]]
*Calm Like a Bomb, 2000
*The Ghost of Tom Joad, [[2001]]
*Renegades of Funk, [[2002]]
*How I Could Just Kill a Man, 2002
'''Álbumes en vivo'''
*Live & Rare, [[1998]]
*Live at the Grand Olympic Auditorium, [[2003]]

'''Audioslave'''

'''Álbumes de estudio'''

*Audioslave, [[2002]]
*Out of Exile, [[2005]]
*Revelations, [[2006]]

'''Singles'''

*Cochise, [[2002]]
*Like a Stone, [[2003]]
*Show Me How to Live, 2003
*I am the Highway, [[2004]]
*What You Are, 2004
*Be Yourself, [[2005]]
*Your Time has Come, [[2005]]
*Doesn't Remind Me, 2005
*Out of Exile, [[2006]]
*Original Fire, 2006
*Revelations, 2006

'''DVD'''

*Audioslave, [[2003]]
*Live in Cuba, [[2005]]

'''The Nightwatchman'''

'''Álbumes de estudio'''

*One Man Revolution, [[2007]]
*The Fabled City, [[2008]]
*World Wide Rebel Songs, [[2011]]

'''Sencillos'''

*The Road I must Travel, [[2007]]
*Union Town, [[2011]]

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./tom_morello/index.php tom Morello
*[http://www.sarpanet.info./musica.html musica]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Tom_Morello Tom_Morello]

[[category:Guitarristas]][[category:Músicos_de_heavy_metal]][[category:Músicos_de_rock]]

Archivo:Tom-Morello.jpg

2013-05-17T18:50:00Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Tino Casal

2013-05-17T18:41:13Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha Persona
|nombre = Tino Casal
|nombre completo = José Celestino Casal Álvarez.
|otros nombres =
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|descripción=
|fecha de nacimiento =[[11 de febrero]] de [[1950]]
|lugar de nacimiento = [[Oviedo]] [[ Asturias]] {{bandera2| España}}
|fecha de fallecimiento = [[22 de septiembre]] de [[1991]]
|lugar de fallecimiento = [[Madrid]] {{bandera2| España}}
|ocupación= cantante, compositor, productor, pintor, escultor
}}

'''Tino Casal''', fue un cantante y compositor español que supo combinar muy bien todas estas manifestaciones artísticas en las que se proyecto en la farándula, mostrando todas sus potencialidades.

==Biografía==

Nació el [[11 de febrero]] de [[1950]] en [[Oviedo]], [[Asturias]], [[1991]] Compositor y cantante español de música Pop. Figura controvertida, Tino Casal no cesó nunca de ir más allá de lo convencional. Luchó por una estética barroca, sobrecargada, en la que creyó desde el principio y jugó con una imagen ambigua a medio camino entre el glam y las drag queens. Pero, sobre todas esas características, prevaleció su enorme ingenio.

Antes de ser famoso formó parte de Los Archiduques, uno de los grupos asturianos más importantes de la década de los sesenta y setenta. Actuaba con una especie de orquesta-conjunto con la que recorrió todo el principado, amenizando veladas juveniles. Con este grupo grabó varios discos; destacan temas como Lamento de gaitas o Si mi padre fuera rey. Con la experiencia y las tablas adquiridas se dedicó a producir a una de sus bandas preferidas, Obús, pionera del heavy español, respetando siempre las ideas del grupo.

===Carrera en solitario===

Tras varios intentos de debutar en solitario como cantante melódico, en [[1981]], de la mano del productor Julián Ruiz, Tino Casal lanzó uno de los discos más originales del pop español, Neocasal. El single Champú de huevo tuvo por su lado una extraordinaria acogida: fue número uno de ventas en [[España]] y su éxito permitió a Casal desarrollar sus ideas innovadoras. Casal y Ruiz intentaban introducir en [[España]] la corriente entonces dominante de los Nuevos Románticos, aderezados con cierta estética glam en la música y toques punkies en los diseños de ropa e imagen y de portada de los discos.

====Accidente que detiene su carrera====

Tino Casal potenció el culto a la estética cuidando cada detalle con mimo y con un perfeccionismo a veces hilarante. El resultado más sobresaliente fue el single Embrujada, apoyado promocionalmente en un vídeo espectacular y en un diseño impactante. El tema se incluyó en su segundo elepé, Etiqueta negra ([[1983]]). Su éxito se prolongó con Hielo rojo ([[1984]]), pero en pleno triunfo sufrió un accidente que se complicó con una enfermedad y lo obligó a retirarse durante tres años.

=====Recuperación y éxito=====

Ya recuperado, y de nuevo con el apoyo en la producción de Julian Ruiz, en [[1988]] editó Lágrimas de cocodrilo, disco que incluía una excelente versión del clásico Eloise de Barry Ryan y con el que volvió a los primeros puestos de las listas de ventas. En [[1990]] publicó el que iba a ser su último disco, Histeria.

===Discografía===

'''Tino Casal'''

*Olvidar, Recordar/Dam, Dam (1977)
*Emborráchate/Besos, Caricias (1978)

'''Como Casal'''

*Neocasal (1981)
*Etiqueta Negra (1983)
*Hielo Rojo (1984)
*Lágrimas de Cocodrilo (1987)
*Histeria (1990).

==Muerte==

Un domingo de otoño, el [[22 de septiembre]] de [[1991]], Tino Casal sufrió un accidente automovilístico en Aravacaen el que perdió la vida. Por pura coincidencia, al día siguiente se publicó, siguiendo el calendario previsto, su colección de Grandes éxitos, disco que repasaba sus mejores canciones. Su figura fue llorada; dejaba un hueco esteticista que no sería ocupado por nadie durante las décadas siguientes. Muchos músicos le han rendido homenaje desde entonces, versionando sus canciones o dando a conocer temas inéditos suyos.

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./tino_casal/index.php sarpanet.info./tino_casal/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Archivo:Tino+Casal+tino casal 300.jpg

2013-05-17T18:38:18Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Glenn Miller

2013-05-17T18:32:19Z

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<div align="justify">
{{Ficha Persona
|nombre = Glenn Miller
|nombre completo = Glenn Miller
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|fecha de nacimiento =[[1 de marzo]] de [[1904]]
|lugar de nacimiento = [[Clarinda]] [[Iowa]] {{bandera2| Estados Unidos}}
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|ocupación= Director de Orquesta.
}}
'''Glenn Miller'''. Fue un director de orquesta que desde joven alcanzo la fama, después de intentos fallidos con algunas bandas que posteriormente dejó en el camino para formar su propia gran banda a la cual le dio gran fama, tan asi que en todos los casinos de los [[Estados Unidos]] se bailaba su [[música]].

==Síntesis biográfica==
Glenn Miller, nació el [[1 de marzo]] de [[1904]] en [[Clarinda]], una pequeña localidad del Estado de [[Iowa]]. Pasó su infancia en [[Nebraska]] y [[Oklahoma]] hasta que su familia se instaló definitivamente en [[Colorado]], donde con doce años empieza a estudiar el trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. En [[1926]], siendo aún universitario, se convierte en trombonista profesional y se une a la banda del celebre baterista, [[Ben Pollack]], en una gira por [[California]]. En esa banda el clarinetista era el mas tarde proclamado "rey del swing", [[Benny Goodman]].

===La gran banda===
En [[1928]], la orquesta llega a [[New York]] y Miller decide dejarla para tocar por su cuenta en clubes, programas de radio y espectáculos musicales, hasta bien entrado el año [[1932]]. En [[1935]], Ray Noble, director británico de orquesta le encarga organizar una banda de swing. Durante dos años alterna la dirección de la orquesta y las actuaciones en pequeños locales, hasta que en [[1938]] decide formar su propia bigband tras varios intentos frustrados. Su primer gran éxito fue "Moonlight Serenade" y un contrato en el Casino de Glen Island en [[New Rochelle]], en [[New York]], le abre las puertas a una carrera triunfal que se mantendrá hasta el final de su carrera. Al mismo tiempo que la orquesta triunfa en las salas de bailes, la banda adquiere una popularidad tremenda en los [[Estados Unidos]] debido a la emisión de sus actuaciones por un programa radiofónico que es escuchado de costa a costa en los Estados Unidos, y que es patrocinado por la marca de cigarrillos, [[Chesterfield]].

===La banda militar===
La orquesta, ya con un sonido novedoso el famoso sonido Miller está ya completa con sus grandes instrumentistas y el contrato que firma con la RCA donde a lo largo de tres años y medio grabará mas de doscientas cincuenta temas la confirman como uno de las grandes bandas de swing de la época. En julio de [[1942]], terminan las grabaciones para RCA debido a la huelga de grabaciones decretada por la Federación Americana de Músicos e impuesta obligatoriamente a todos sus asociados. Dicha huelga duró dos largos años y su finalización coincidió con el comienzo de la II Guerra Mundial. A pesar de que por su edad no estaba obligado, decide alistarse y el Ejercito americano le da la graduación de Capitán primero y Comandante después. En el ejercito, Miller reúne a excelentes músicos también reclutados y consigue formar una de las mas grandes y mejores orquestas militares de toda la historia.

===Muerteen accidente aéreo===
Considerado como un héroe nacional por la ferviente actitud patriótica de los americanos, la "[[Glenn Miller Army Air Force Band]]", es enviada a [[Inglaterra]] para animar a las tropas norteamericanas en el combate. El [[15 de diciembre]] de [[1944]] su avioneta no llega a [[París]] y nunca se encontraron los restos de la misma. Allí comenzó la leyenda. La discografía de Glenn Miller, es todo un patrimonio musical de primer orden y su localización es fácil para el aficionado dado que todas las grabaciones a su nombre como líder de su orquesta están publicados por el sello RCA y disponibles desde hace años. En [[España]] esos discos fueron editados integralmente en una colección de 17 Lp's bajo el nombre genérico de "The Legendary Glenn Miller".

==Filmografía==
*In the Mood
*Moonlight Serenade
*Tuxedo Junction
*Little Brown Jug
*American Patrol
*Chattanooga Choo Choo
*Pennsylvania 6-5000
*A String of Pearls.

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./glenn_miller/index.php sarpanet.info./glenn_miller/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[Categoría:Director de Orquesta o Agrupación musical]]

Archivo:Glenn-Miller.jpg

2013-05-17T18:32:03Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Georges Auric

2013-05-17T18:28:45Z

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{{Ficha Persona
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|lugar de fallecimiento = [[París]] {{bandera2| Francia}}
|ocupación= compositor
}}
<div align="justify">
'''Georges Auric''', es un compositor prodigio, pues de muy temprana edad tenia composiciones publicadas, además de haber orquestado y escrito musica para ballets y otras obras para el teatro.

==Biografía==

Georges Auric, nació en [[Lodève]], [[Hérault]], [[Languedoc-Roussillon]], el [[15 de febrero]] de [[1899]], fue un compositor francés. Fue un niño prodigio y a los quince años ya tenía su primera composición publicada. Antes de los 20 años ya había orquestado y escrito música incidental para varios ballets y obras de teatro.

===Fue integrante del grupo Los Seis===

Mientras estudiaba en el Conservatorio de [[París]] en [[1920]], formo parte del grupo de Erik Satie y Jean Cocteau, conocido como «Los Seis» [[Les Six]]. Su participación le permitió escribir poesía y otros textos como canciones y musicales.

===Escribió para el cine===

Cuando Cocteau comenzó a hacer películas, el empezó a escribir sus partituras a principio de los 30's. Escribió bandas sonoras para muchísimas películas francesas e inglesas, y su éxito le permitió escribir incluso para Hollywood. Varias veces, las obras de Auric estuvieron muy arriba del hit parade, especialmente con The Song from Moulin Rouge. Además, como actor ha participado en las películas: Entr'acte ([[1924]]) y Les Mystères du château de Dé ([[1929]])

==Dejó el cine para ocupar otros cargos==

En [[1962]] dejó la industria cinematográfica y se hizo cargo de la Opéra Nacional de [[Paris]]. Fue presidente de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM) desde[[1954]] a [[1978]] y administrador de la Réunion des théâtres lyriques nationaux desde [[1962]] a [[1968]]. Auric continuó escribiendo música de cámara, especialmente para vientos, justo hasta su muerte el [[23 de julio]] de [[1983]] en [[París]].

Compuso dos ballets para Diaghilev, Les Fâcheux et Les Matelots, y Phèdre. A la vez, escribió música de películas tan famosas como Sang d'un poète ([[1930]]), La Belle et la Bête ([[1946]]) y Orphée ([[1950]]), todas de Cocteau, Moulin Rouge ([[1953]]), de John Huston, Notre-Dame de [[Paris]] de Jean Delannoy, La Grande Vadrouille de Gérard Oury, o Passport To Pimlico ([[1948]]), The Lavender Hill Mob ([[1951]]), Roman Holiday ([[1953]]), Le Salaire de la Peur ([[1953]]), Rififi ([[1956]]), Bonjour Tristesse ([[1958]]), y Therese and Isabelle ([[1968]]).

==Filmografía==

*1932 - Viva la Libertad
*1945 - César y Cleopatra
*1945 - Al morir la noche
*1946 - Bella y la Bestia, La
*1948 - Les Parents Terribles
*1949 – Orfeo
*1949 - Pasaporte Para Pimlico
*1952 - Moulin Rouge
*1952 - Oro en Barras
*1953 - Vacaciones en Roma
*1953 - Salario del Miedo, El
*1955 - Lola Montes
*1955 – Rififí
*1956 - Misterio de Picasso, El
*1956 - Nuestra Señora de París
*1957 - Espías, Los
*1957 - Buenos Días Tristeza
*1959 - Testamento de Orfeo, El
*1961 – Suspense
*1961 - No me digas adiós
*1964 - Tomás el impostor
*1966 - Gran Juerga, La.

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./georges_auric/index.php sarpanet.info./georges_auric/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:compositor]]

Archivo:Georges auric.jpg

2013-05-17T18:27:47Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Dimebag Darrell

2013-05-16T19:33:16Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Dimebag Darrell
|nombre completo = Darrell Lance Abbott.
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|fecha de nacimiento =[[20 de agosto]] de [[1966]]
|lugar de nacimiento = [[Dallas]] [[Texas]] {{bandera2| Estados Unidos}}
|fecha de fallecimiento = [[8 de diciembre]] de [[2004]]
|lugar de fallecimiento = [[Columbus]] {{bandera2| Estados Unidos}}
|ocupación= guitarrista
}}
<div align=justify>
'''Dimebag Darrell''', fue un guitarrista norteamericano que en sus comienzos le gusto la batería, pero después de rivalizar con su hermano se dio cuenta que lo suyo era la guitarra y así fue; pues gano varios premios en festivales de guitarra

==Síntesis biográfica==
Darrell Lance Abbott nació el [[20 de agosto]] de [[1966]] en [[Dallas]], [[Texas]]
La familia Abbott era una familia de músicos. Papa Jerry Abbott. era un músico de Country Western y su hijo mayor, Vinnie, tocaba la tuba. Aconsejado por su padre Vinnie comenzó a tocar batería ya que "nunca tendría éxito con la tuba". El más pequeño del hogar, Darrell, también comenzó a tocar ese instrumento pero su hermano mayor no lo dejaba por mucho tiempo y debió elegir otro : la [[guitarra]].

Su padre Jerry, tenía un estudio de grabaciones en [[Pantego]], [[Texas]], donde Darrell había visto tocar a muchos guitarristas de blues, iniciando su pasión por la guitarra, aunque, en un principio, al ver a su hermano Vincent con la batería, le atrajo más ésta. Más tarde acabaría tocando la guitarra (como bien especifica su hermano Vinnie Paul en una entrevista realizada tras la muerte de Dimebag Darrell). A una edad temprana, Abbott empezó a participar en competiciones estatales de guitarra, y a la edad de 16 años ya se le había prohibido tomar parte en dichas competiciones porque había ganado demasiadas veces. Sin embargo, esto no fue impedimento para que Darrell continuara con su camino del Metal.

===Forman la banda Pantera===

En plena década del 80', los hermanos Abbott formaron [[Pantera]], un grupo con un sonido netamente glam rock, muy parecido al sonido de [[Kiss]] y de [[Aerosmith]]. La formación de esos años era Dimebag en guitarra, Vinnie Paul en batería, Rex en el bajo y Terry Glaze en las voces. Por esos años lanzaron 2 discos, que para [[Pantera]] están totalmente olvidados, “Metal Magic”; y “The Night”. A pesar de tener un sonido glam, había algo que no los encasillaba totalmente en ese sonido, porque en su música había algo del thrash metal americano de esos años.

===Rechaza trabajar con Megadeth===

En [[1986]] Terry Glaze es despedido, y en su reemplazo entra Phil Anselmo, lo cual causa una radical transformación de su sonido. La entrada de Anselmo separa la historia de Pantera ( 80' y 90'). La transformación sucede cuando Dimebag rechaza una propuesta de [[Megadeth]] de ser su nueva guitarra solista ( luego entraría Marty Friedman) porque quería dedicarse exclusivamente a desarrollar el nuevo sonido de su grupo.

Todo este trabajo se traduce en el espectacular disco " Cowboys from Hell", de [[1990]]. Este disco es una especie de power-thrash metal netamente americano. No es el típico thrash metal al estilo de [[Exodus]] o [[Testament]], aunque le sobra agresividad. La espectacular guitarra de Dimebag es un gran factor del gran sonido que consiguió la banda, además ayudado por la sólida batería de Vinnie Paul y la voz de Anselmo, la cual es bastante versátil.

===Firman nuevo sello y hacen gira===

Después del lanzamiento de "Cowboys from Hell" firman con el sello Atlantic, y luego hacen una gran gira con Skid Row. Ya estaban preparados para su segundo ataque. En [[1992]] salió el espectacular "Vulgar Display of Power", el disco más sólido de su carrera para la mayoría. Siguieron desarrollando lo que habían estado haciendo el "Cowboys from Hell". Guitarras pesadísimas y rápidas, la batería muy chacal, y la voz muy agresiva, gran trabajo de Phil Anselmo. La guitarra de Dimebag tan maravillosa como siempre.

A ése disco le siguió "Far Beyond Driven" de [[1994]]. No pudo alcanzar la perfección de "Vulgar Display of Power", pero también tiene grandes temas como "I'm Broken" y "5 minutes alone". Ya en ese tiempo '''Pantera''' se hizo muy conocido por estos singles. Eran el símbolo del nuevo poder de heavy metal.

===Lanzan cuarto disco===

Dos años después lanzan su cuarto disco, “The Great Southern Trendkill”. Si bien Great Southern Trendkill poseía los típicos elementos de honestidad brutal y thrash salvaje, y técnicamente estaba bien ejecutado, era un tanto descontrolado en sus texturas, siendo considerado como el más psicótico de los discos grabados por el cuarteto.

En el intertanto, Dimebag había grabado guitarras en el disco Stomp de [[Ántrax]], también en [[1999]], Dimebag, su hermano Vinnie y el bajista de Pantera, Rex Brown, se juntaron con el vocalista de country David Allan Coe para iniciar el proyecto '''Rebel Meets Rebel'''. La formación sólo grabó un disco, que fue publicado en el año [[2006]], en el que se combinan heavy metal y country. En el [[2000]], Pantera lanzó su quinto disco de estudio llamado "Reinventing the Steel". Es un gran disco, muestra de que esta banda todavía tiene mucho que mostrar y que hacer.

===Se rompe Pantera y nace Damageplan===

Después de que Pantera se separase, Darrell y su hermano Vinnie Paul decidieron continuar su carrera musical con una nueva banda, [[Damageplan]], con Patrick Lachman (vocalista) y Bob Zilla (bajista). Su primer álbum, “New Found Power”, llegó al puesto 37 de los tops musicales estadounidenses en el [[2004]]. Poco antes de su muerte, Darrell fue al estudio con una banda llamada [[Premenishen]], formada por dos primas suyas: Heather Manly como bajista y April Adkission como guitarrista. Darrel contribuyó tocando un solo en una canción titulada "Eyes of the South."

===Muerte de Dimebag===

Dimebag fue asesinado mientras actuaba el [[8 de diciembre]] del [[2004]] en un concierto de Damageplan en el club nocturno Alrosa Villa en [[Columbus]], [[Ohio]]. Nathan Gale, de 25 años de edad, de [[Marysville]], entró al club nocturno alrededor de las diez de la noche, justo después de que el concierto empezase. Gale escaló una cerca de casi tres metros de altura y fue perseguido por los guardias de seguridad hacia el edificio. Anteriormente había estado intentando entrar en el local del concierto sin pagar, intentando encontrarse a alguno de los miembros de [[Damageplan]]. Entró por el lado izquierdo del escenario y procedió a correr al lado derecho donde se encontraba Dimebag. Gale tomó a éste por el hombro y le disparó a quemarropa dos veces en la cabeza con una pistola Beretta, recibiendo un total de seis heridas de bala y causándole la muerte casi instantáneamente a los 38 años de edad.

====Otras personas fueron asesinadas====

Otras tres personas fueron asesinados en el tiroteo: el fan Nathan Bray, de 23 años de edad, de [[Columbus]]; un empleado del club, Erin Halk, de 29 años de edad, del noroeste de [[Columbus]]; y el guardia de seguridad de [[Damageplan]], Jeff "Mayhem" Thompson, de 40 años de edad, de [[Texas]]. El técnico de batería de la banda, John Brooks, y el manager del tour, Chris Paluska, también fueron heridos.

Según la policía, Gale realizó un total de 15 disparos, dándole tiempo a recargar su arma una vez, manteniéndose en silencio durante el tiroteo (aunque algunas fuentes indican que hizo comentarios desacreditantes de la ruptura de Pantera). Cuando guardias de seguridad y parte del público comenzaron a subir al escenario para intentar detenerlo, Gale les disparó, matando así a Halk y Thompson e hiriendo a Paluska. Gale luego tomó a Brooks como rehén después de que éste intentase tirarlo al suelo. Cuando el rehén se movió, el policía de [[Columbus]], James D. Niggemeyer, el primer oficial de policía que apareció en la escena del crimen, disparó a Gale en la nuca con una escopeta calibre 12, matándolo de esta manera.

===Una enfermera y un fan brindaron ayuda===

Durante la masacre, la enfermera y fan, Mindy Reece, de 28 años de edad, acudió a salvar a Abbott. Ella y otro asistente al concierto realizaron una reanimación cardiopulmonar a Darrell hasta que los médicos llegaron. De acuerdo con algunas fuentes, la víctima Nathan Bray también estaba intentando ayudar a Abbott cuando fue asesinado.

La masacre ocurrió en el 24º aniversario del asesinato de [[John Lennon]], aunque no hay evidencias de que esto fuese un factor influyente en los actos de Gale.

===Discografía===

'''Anthrax'''

*Stomp 442 (1995) Kingsize (Guitar Solo) and Riding Shotgun (Guitar Solo)
*Volume 8: The Threat Is Real (1998) Inside Out (Guitar Solo) and Born Again Idiot (Guitar Solo)
*Inside Out (EP) (1998) Inside Out (Guitar Solo)
*We've Come for You All (2003) Strap It On (Guitar Solo) and Cadillac Rock Box (Spoken Word Intro & Guitar Solo)

'''Damageplan'''

*Devastation Sampler (2003)
*New Found Power (2004)

'''Under his name'''

*Supercop Soundtrack (1996) Caged In A Rage (Lead Vocals & Guitars)
*Guitar World Presents: Dimebag Darrell's Riffer Madness Book (2003) (Co-author With Nick Bowcott)
*DimeVision Vol.1: That's the Fun I Have DVD (2006) *Footage compiled posthumously By Vinnie Paul Abbott
*Metal Hammer CD May 2010 (2010) Dime's Blackout Society (Lead Vocals & Guitars)
*Previously Unreleased track by Dimebag released on the free CD with May 2010's issue of Metal Hammer Magazine

'''With Doug Pinnick'''

*No Album (?) Born Under A Bad Sign [Cream Cover] (Lead Guitar)

'''With Throbbin' Donnie Rodd'''

*No Album (?) Country Western Transvestite Whore (Lead Vocals & Guitar)

'''With Vinnie Paul'''
*Spacewalk: A Tribute To Ace Frehley (1996) Fractured Mirror [Ace Frehley Cover] (Lead Guitars)
*Return Of The Comet: A Tribute To Ace Frehley (1997) Snowblind [Ace Frehley Cover] (Lead Vocals & Guitars).

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./dimebag_darrell/index.php/ Dimebag Darrell]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html/ Música de Dimebag Darrell]

[[category:Guitarristas]]

Archivo:Dimebag.jpeg

2013-05-16T19:32:38Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Denisse Guerrero

2013-05-16T18:30:42Z

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{{Ficha de artista musical
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}}
<div align="justify">
'''Denisse Guerrero''', es una cantante de música electropop de origen mexicano que ha tenido éxito por la naturalidad de sus temas musicales; es la vocalista del grupo [[Belanova]]; además de fundadora.

==Biografía==

Denisse Guerrero nacida el [[8 de agosto]], [[1980]], [[Los Mochis]], [[Sinaloa]], [[México]] es la vocalista de la banda mexicana de electropop [[Belanova]].

En [[1998]] al terminar el bachillerato viajó a la ciudad de [[Guadalajara]], [[Jalisco]] a continuar sus estudios. En esta ciudad conoció a Edgar Huerta y a Ricardo Arreola.

==Inicio del grupo==

El inicio de este grupo se remonta hacia abril del año [[2000]] en la ciudad de [[Guadalajara]], [[Jalisco]]. Denisse Guerrero y Edgar Huerta estudiaban juntos, por su lado Edgar y Ricardo Arreola tocaban covers en un bar. Se volvieron amigos, unieron sus ideas y gusto por la música dando vida así al grupo que lleva por nombre [[Belanova]].

==Hacen contrato==

Fue en el año [[2003]] cuando firmaron con [Virus Records], un sello discográfico mexicano especializado en música electrónica. Bajo el management de Fernando Gallegos Su primer álbum se tituló “Cocktail” y salió al mercado en el [[2003]]. El primer sencillo del álbum fue Tus Ojos, el cual se volvió popular gracias a una campaña publicitaria de Mitsubishi. Con Cocktail realizaron una pequeña gira por la república mexicana que finalizó en [[2004]] A partir de ese momento, ahora bajo el management de Alex Enriquez, deciden ir a grabar a [[Buenos Aires]], [[Argentina]] en Mondomix con el productor musical Cachorro López. En [[2005]] lanzaron al mercado su segunda producción titulada Dulce Beat, con la que se dieron a conocer en [[Latinoamérica]] y [[Estados Unidos]]. El primer sencillo fue Me Pregunto, seguido de Por Ti, Rosa Pastel y, finalmente, Niño, cuyo video se desprende del álbum de [[2006]] Dulce Beat Live. En el [[2007]] lanzaron Fantasía Pop, grabado en [[Argentina]] y co-producido por Cachorro López, del que han sonado los éxitos: Baila Mi Corazón, Cada Que..., One, two, three, go! (1, 2, 3, go!) y Paso el tiempo. Denisse Guerrero afirma que Fantasía Pop es diferente a sus anteriores trabajos, ya que no son los mismos que eran antes, es un disco más orgánico, basado en ritmos rock,Glam rock dance, pop y new wave..

===Su música tiene influencias===

Su música en general tiene marcadas influencias de bossa nova, jazz, house y electro.
El video “Por Ti” tiene el récord de más semanas en el Top 20 de MTV Latinoamérica, el cual comparten con el video "Helena" de My Chemical Romance con 28 semanas cada uno.

“Es natural, espontáneo… De sonido ligero y fresco... [[Belanova]] propone al mundo música llena de ideas y melodías que la gente puede sentir, cantar y, por supuesto, bailar”, dice Edgar Huerta.

[[Belanova]], es un grupo que sabe hacer canciones que suenan naturales porque ellos son naturales. Canciones con calidad y buen gusto que podemos encontrar en temas como “Suele pasar”, “Aún así te vas”, “Me Pregunto”, “Rosa Pastel” y ahora “Baila Mi Corazón”, sólo por mencionar algunos.

==Discografía==

*Suele Pasar (sencillo) 2003
*Cocktail (2003)
*Dulce Beat (2005)
*Dulce Beat 2.0 (2006)
*Dulce Beat Live (2006)
*Fantasía Pop (2007)
*Fantasía Pop Deluxe Edition (2008)
*Tour Fantasía Pop (2008)

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info/denisse_guerrero/ sarpanet.info/denisse_guerrero/]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Archivo:Denisseguerrero.jpeg

2013-05-16T18:26:51Z

Heriberto05012cfg jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Lou Reed

2013-05-16T17:59:01Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Desarrollo}}

{{Ficha Persona
|nombre = Lou Reed
|nombre completo = Lewis Allen Reed
|otros nombres = El padre del rock independiente
|imagen= Lou_Reed.jpg
|descripción=
|fecha de nacimiento =[[2 de marzo]] de [[1942]]
|lugar de nacimiento = [[Nueva York]] [[Estados Unidos]]{{bandera2| Estados Unidos}}
|ocupación= cantante y escritor de rock
}}

'''Lou Reed''', es un cantante y escritor norteamericano de musica rock, también conocido en la farándula como el padre del rock independiente, es el rock propio, en carne y hueso.

==Comienzos==

Lewis Allen Reed nació el [[2 de marzo]] de[[1942]] en la ciudad de [[Nueva York]]. Considerado como el padre del rock independiente, es un cantante y escritor de canciones tan míticas como Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.

==Crea la banda The Velvet Underground==

Reed era un fan indiscutible del rock y el rythm and blues, y tocó en varias bandas durante su época universitaria en la Universidad de [[Syracuse]], donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Al finalizar la etapa universitaria, Lou Reed se trasladó de nuevo a la ciudad de [[Nueva York]] y allí fundó junto a John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker el mítico grupo The Velvet Underground. Se trató de un conjunto musical que se deshizo en [[1970]]. Su trayectoria no fue extensa ni sus éxitos numerosos, pero su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground ha sido muy respetada.

==Comienza carrera en solitario==

En [[1972]] Reed comenzó su carrera en solitario y lanzó el álbum de glam rock "Transformer", producido por [[David Bowie]]. A continuación publicó "Berlin", con canciones tan trágicas como conocidas como son Caroline Says o Sad Song. El artista se adelantó a su tiempo con la elección de estos temas ya que la música popular no se pondría a su altura hasta la aparición del movimiento punk a finales de los años 70, pero incluso entonces sus temas eran únicos ya que Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes e incluso sórdidas sobre las que otros letristas ni siquiera trataban. Un buen ejemplo de ello lo constituyen canciones tan conocidas como Walk on The Wild Side o Perfect Day (incluida en la BSO de la película Trainspotting).

===Rompe con la discográfica===

El doble álbum de estudio "Metal Machina Music" llegó en [[1975]] cargado de distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Mientras que su discográfica le presionaba para que grabara otro álbum al estilo de "Transformer", Lou decidió romper con ellos grabando, intencionadamente, uno de los discos más insoportables de la historia. A pesar de que el artista lo defiende como un álbum serio, y críticos de música lo presentan como un álbum genial, lo cierto es que Reed admite incluso que las notas internas de los instrumentos empleados son ficticias y paródicas.

===Regresa con mas fuerza===

Tras una época de excesos, Lou Reed volvió con más fuerza que nunca. El principio de la década de los 80 supuso un comienzo, tanto en su vida profesional como en la privada, para llevar a cabo proyectos serios y admirados. Su siguiente trabajo fue "The Blue Mask" ([[1982]]), un álbum aclamado por fans y crítica. Más tarde llegaría "New York" ([[1989]]), un álbum cargado de crítica y rabia contra los problemas políticos de su ciudad.

==Homenaje a su productor==

Cuando [[Andy Warhol]], anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de antaño John Cale en "Songs For Drella". Se trató de una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en [[1968]]. En [[1990]] se reúne con John Cale para grabar un disco tributo al recién fallecido Andy Warhol al que titula "Songs for Drella", una colección de historias de la vida del artista. Ese mismo año los cuatro miembros originales de Velvet Underground se reúnen para tocar Heroin a las afueras de [[París]] en una exhibición dedicada a Warhol.

==Publica álbumes recopilatorios==

Lou publica "Walk on the wild side and other hits", un álbum donde recopila otros éxitos. En [[1992]] edita "Magic & loss", un cd que gira en torno a la muerte, historias de los que se van y los que se quedan, otro álbum conceptual, más melancólico pero igual de preciosista que el anterior. Un año más tarde sale a la venta una caja de tres cds llamada "Between Thought and Expresión", la mejor colección de su trabajo hasta entonces. También publica Rock and Roll Diary: [[1967]]-[[1980]] donde se incluyen canciones de su época con The Velvet Underground. En [[1994]], hay una reunión de Velvet Underground para una gira europea que se graba y se publica con el nombre de "Live MCMXCIII".

En [[1996]] tras tres años de ausencia regresa con "Set the Twilight Reeling", historias que abarcan, según Reed, las etapas de la vida del ser humano. Nuevamente se publica otro recopilatorio, "Different times: Lou Reed in the 70's". En [[1998]] publica "Perfect Night", un disco acústico grabado en [[1997]] en un festival de [[Londres]]. En [[1999]], Arista presenta "Lou Reed: The Definitive Collection", una recopilación de su trabajo durante 25 años. En el [[2000]] inicia la década con buen álbum bajo el brazo, "Ecstasy".

==Toma nuevamente su lugar==

Un álbum que le devuelve su lugar como leyenda del rock, con guitarras brillantes y letras geniales que se convierten en canciones redondas. Su trabajo para el [[2003]] es "The Raven", quizá su disco conceptual más arriesgado hasta ahora, que vuelve a enfrentar las opiniones de la crítica y el público.. El disco está compuesto junto a su esposa Laurie Anderson, poetisa y gira entorno a los textos del escritor maldito americano [[Edgar Allan Poe]]. Lo único que queda claro, es que por más de 30 años, Lou Reed ha sabido mezclar la ficción con la realidad, y ha sabido retratar mejor que nadie el rostro de la gran manzana y la decadencia de la cultura norteamericana.

==Discografía==
===Álbumes===

*Lou Reed ([[1972]])
*Transformer (1972)
*Berlin ([[1973]])
*Sally Can't Dance ([[1974]])
*Metal Machine Music ([[1975]])
*Coney Island Baby ([[1976]])
*Rock 'n' Roll Heart (1976)
*Street Hassle ([[1978]])
*The Bells ([[1979]])
*Growing Up in Public ([[1980]])
*The Blue Mask ([[1982]])
*Legendary Hearts ([[1983]])
*New Sensations ([[1984]])
*Mistrial ([[1986]])
*New York ([[1989]])
*Magic and Loss ([[1992]])
*Set the Twilight Reeling (1996)
*Ecstasy (2000)
*The Raven (2003)

'''Solitario'''

*Rock n Roll Animal (1974)
*Lou Reed Live (1975)
*Live: Take No Prisoners (1978)
*Live in Italy (1984)
*Live in Concert (A re-issue of the above álbum) (1996)
*Perfect Night: Live in London (1998)
*American Poet (2001)
*Animal Serenade (2004).

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./lou_reed/index.php sarpanet.info./lou_reed/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Ely Guerra

2013-05-13T20:42:05Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = Ely Guerra
|imagen =Ely-guerra-9.jpg
|tamaño =
|descripción =
|nombre real = Elizabeth Guerra Vázquez
|nacimiento =[[13 de febrero]] de [[1972]]
|lugar_nacimiento = [[Monterrey]], [[Nuevo León]], {{Bandera|México}}
|muerte =
|lugar_muerte =
|padre = [[Alberto Guerra]]
|madre =[[Gloria Vázquez]]
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|voz =
|ocupación = [[Cantante]]
|estilo = Rock mexicano
|tiempo = [[1992]]-presente
|discográfica = [[BMG]] [[EMI]]
|premio(s) =
}}

'''Ely Guerra''', es una cantante mexicana que sabe mezclar bien los sonidos como bossa nova, la samba y la musica cubana; además que posee una magnifica voz que complementa su éxito musical.

==Síntesis Biográfica==

Nacida en la ciudad de [[Monterrey]] pero emigrada a [[Guadalajara]] por el trabajo de su padre, Alberto Guerra, técnico de fútbol, en sus inicios Ely se enfrentó contra todo por hacer escuchar su música. A sus canciones le integró su influencia materna por el sonido brasileño del bossa nova y la samba, que fueron sus aliados en su vocación artística.

==Graba primer disco==

Ely estudió en la escuela de artes The Evergreen State College, en [[Olimpia]], [[Washington]]. A su regreso, en [[1992]], grabó su primer disco, llamado Ely Guerra, aunque no tuvo mucho éxito a pesar del sencillo “Júrame”, y así redefinió su ruta musical.

Para su segundo álbum, Ely cambió de casa discográfica y se recreó a sí misma en [[1997]] con Pa’ morirse de amor, que incluye sus memorables canciones “Ángel de fuego” y “Peligro”. Este disco le dio la oportunidad de participar en la genérica gira de cantautoras De diva voz, al lado de Julieta Venegas y Aurora y La Academia.

===Tercer disco===

En [[1999]] denotó creatividad lírica y musical trayendo su tercer y más maduro álbum, Lotofire, que germinó durante seis meses de trabajo conjunto con el productor Andrés Levin. El disco contiene 10 canciones, las cuales suenan a pop-rock con un toque de música alternativa.

Ely se enfoca en temas tan diversos como el predicamento de las comunidades tarahumaras, las relaciones de pareja, la soledad, la esperanza y su personal cosmovisión, dándole así a Lotofire una sutil y seductora provocación a escuchar esa parte del alma que flota sola y que así se ofrece. "Tengo frío" fue su tema punta de lanza.

===Colabora en la banda sonora de películas===

Participó en la música de la película Amores perros ([[2000]]) creando la letra, composición y arreglos para la banda sonora, además de colaborar junto con Control Machete en otra de las piezas.

La mayoría de sus composiciones pueden describirse como una mezcla de sus raíces mexicanas con la trova cubana y la música brasileña, todo ello aderezado por una impresionante capacidad vocal, sumamente directa y plena de contenidos inteligentes que, entre otras cosas, dignifican con un gran carácter el trabajo de la mujer.

Durante [[2000]] había participado en el primer festival Rock en [[México]], con Bunbury y Juan Perro. El Latin Alternative Music Conference (LAMC), en su segunda emisión, presentó de manera especial dos conciertos de Ely Guerra, para promoverla en la costa este de [[Estados Unidos]]. También tuvo una presentación estelar en el Festival Latino de [[Queens]], en el hermoso teatro de ese barrio, así como en el Festival de World Music de [[Chicago]].

==Tributo a los Tigres del Norte==

De la calle ([[2001]]) fue otra de las películas en las que Ely participa con apoyo a la música incidental, así como con el tema central de la película, que ella escribió y arregló. También realizó tributos para uno de los grupos con más arraigo popular en [[México]], [[Los Tigres del Norte]] ([[2001]]). Aquí Ely escogió “La tumba falsa”, y junto con [[Café Tacvba]], [[Maldita Vecindad]], [[Molotov]] y más elaboró este cálido homenaje.

El grupo chileno [[La Ley]] invitó a Ely a participar en la grabación de “El duelo” para su MTV unplugged, que sería hasta un sencillo exitoso en la radio y el canal de vídeos. También ha fusionado su talento con músicos como Fratta (Acústico desliz y Un mundo, una esperanza) y José Fors (Fórseps 02).

==El cuarto álbum en solitario==

El cuarto material como solista se va haciendo esperar, pues se lanza a experimentar con nuevos sonidos y proyecciones musicales, haciendo una Sweet & sour llena de melancolía, ternura y ardiente sensualidad, y, por el otro lado, Hot y spicy, que muestra el lado coqueto, seductor y apasionado de Ely.

Sweet & sour, hot y spicy sale al mercado en septiembre de [[2004]], y es un disco sensual que envuelve entre los sonidos tenues y estruendosos, acompañados por una hermosísima voz sin importar su cabellera afro, hecha sólo por gusto. “Ojos claros, labios rosas” es el nuevo éxito de la intérprete, con un video que persigue un propósito dirigido por Rogelio Sikander.

Este Sweet & sour, hot y spicy contó con la colaboración de cinco destacados músicos: Toy Hernández, Sacha Triujeque, Daniel Goldaracena ,Thom Russo y Emmanuel del Real. La banda de Ely, a la que denomina cariñosamente “[[Los Elysguerras]]”, la forman Hernán Hecht (batería), Ezequiel Jaime Netri (bajo), Nicolás Santella (teclados) y Pancho Lelo de Larrea (guitarra).

==Discografía==

*Ely Guerra ([[1995]])
*Pa' Morirse de Amor ([[1997]])
*Lotofire ([[1999]])
*Sweet & Sour, Hot y Spicy ([[2004]])
*Teatro Metropólitan ([[2007]])
*Hombre Invisible ([[2009]])

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info/ely_guerra/ Biografía ]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html Música]
*[http://www.sarpanet.info./ Eli Guerra]

[[category:Cantante]]

Ely Guerra

2013-05-13T20:39:07Z

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{{Ficha de artista musical
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|nombre real = Elizabeth Guerra Vázquez
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|voz =
|ocupación = [[Cantante]]
|estilo = Rock mexicano
|tiempo = [[1992]]-presente
|discográfica = [[BMG]] [[EMI]]
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}}

'''Ely Guerra''', es una cantante mexicana que sabe mezclar bien los sonidos como bossa nova, la samba y la musica cubana; además que posee una magnifica voz que complementa su éxito musical.

==Sítesis Biográfica==

Nacida en la ciudad de [[Monterrey]] pero emigrada a [[Guadalajara]] por el trabajo de su padre, Alberto Guerra, técnico de fútbol, en sus inicios Ely se enfrentó contra todo por hacer escuchar su música. A sus canciones le integró su influencia materna por el sonido brasileño del bossa nova y la samba, que fueron sus aliados en su vocación artística.

==Graba primer disco==

Ely estudió en la escuela de artes The Evergreen State College, en [[Olimpia]], [[Washington]]. A su regreso, en [[1992]], grabó su primer disco, llamado Ely Guerra, aunque no tuvo mucho éxito a pesar del sencillo “Júrame”, y así redefinió su ruta musical.

Para su segundo álbum, Ely cambió de casa discográfica y se recreó a sí misma en [[1997]] con Pa’ morirse de amor, que incluye sus memorables canciones “Ángel de fuego” y “Peligro”. Este disco le dio la oportunidad de participar en la genérica gira de cantautoras De diva voz, al lado de Julieta Venegas y Aurora y La Academia.

===Tercer disco===

En [[1999]] denotó creatividad lírica y musical trayendo su tercer y más maduro álbum, Lotofire, que germinó durante seis meses de trabajo conjunto con el productor Andrés Levin. El disco contiene 10 canciones, las cuales suenan a pop-rock con un toque de música alternativa.

Ely se enfoca en temas tan diversos como el predicamento de las comunidades tarahumaras, las relaciones de pareja, la soledad, la esperanza y su personal cosmovisión, dándole así a Lotofire una sutil y seductora provocación a escuchar esa parte del alma que flota sola y que así se ofrece. "Tengo frío" fue su tema punta de lanza.

===Colabora en la banda sonora de películas===

Participó en la música de la película Amores perros ([[2000]]) creando la letra, composición y arreglos para la banda sonora, además de colaborar junto con Control Machete en otra de las piezas.

La mayoría de sus composiciones pueden describirse como una mezcla de sus raíces mexicanas con la trova cubana y la música brasileña, todo ello aderezado por una impresionante capacidad vocal, sumamente directa y plena de contenidos inteligentes que, entre otras cosas, dignifican con un gran carácter el trabajo de la mujer.

Durante [[2000]] había participado en el primer festival Rock en [[México]], con Bunbury y Juan Perro. El Latin Alternative Music Conference (LAMC), en su segunda emisión, presentó de manera especial dos conciertos de Ely Guerra, para promoverla en la costa este de [[Estados Unidos]]. También tuvo una presentación estelar en el Festival Latino de [[Queens]], en el hermoso teatro de ese barrio, así como en el Festival de World Music de [[Chicago]].

==Tributo a los Tigres del Norte==

De la calle ([[2001]]) fue otra de las películas en las que Ely participa con apoyo a la música incidental, así como con el tema central de la película, que ella escribió y arregló. También realizó tributos para uno de los grupos con más arraigo popular en [[México]], [[Los Tigres del Norte]] ([[2001]]). Aquí Ely escogió “La tumba falsa”, y junto con [[Café Tacvba]], [[Maldita Vecindad]], [[Molotov]] y más elaboró este cálido homenaje.

El grupo chileno [[La Ley]] invitó a Ely a participar en la grabación de “El duelo” para su MTV unplugged, que sería hasta un sencillo exitoso en la radio y el canal de vídeos. También ha fusionado su talento con músicos como Fratta (Acústico desliz y Un mundo, una esperanza) y José Fors (Fórseps 02).

==El cuarto álbum en solitario==

El cuarto material como solista se va haciendo esperar, pues se lanza a experimentar con nuevos sonidos y proyecciones musicales, haciendo una Sweet & sour llena de melancolía, ternura y ardiente sensualidad, y, por el otro lado, Hot y spicy, que muestra el lado coqueto, seductor y apasionado de Ely.

Sweet & sour, hot y spicy sale al mercado en septiembre de [[2004]], y es un disco sensual que envuelve entre los sonidos tenues y estruendosos, acompañados por una hermosísima voz sin importar su cabellera afro, hecha sólo por gusto. “Ojos claros, labios rosas” es el nuevo éxito de la intérprete, con un video que persigue un propósito dirigido por Rogelio Sikander.

Este Sweet & sour, hot y spicy contó con la colaboración de cinco destacados músicos: Toy Hernández, Sacha Triujeque, Daniel Goldaracena ,Thom Russo y Emmanuel del Real. La banda de Ely, a la que denomina cariñosamente “[[Los Elysguerras]]”, la forman Hernán Hecht (batería), Ezequiel Jaime Netri (bajo), Nicolás Santella (teclados) y Pancho Lelo de Larrea (guitarra).

==Discografía==

*Ely Guerra ([[1995]])
*Pa' Morirse de Amor ([[1997]])
*Lotofire ([[1999]])
*Sweet & Sour, Hot y Spicy ([[2004]])
*Teatro Metropólitan ([[2007]])
*Hombre Invisible ([[2009]])

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info/ely_guerra/ Biografía ]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html Música]
*[http://www.sarpanet.info./ Eli Guerra]

[[category:Cantante]]

Archivo:Ely-guerra-9.jpg

2013-05-13T20:36:45Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Dee Dee Ramone

2013-05-10T14:35:58Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha Persona
|nombre = Dee Dee Ramone
|nombre completo = Douglas Glenn Colvin
|otros nombres =
|imagen=Joey-ramone.jpg
|descripción=
|fecha de nacimiento =[[18 de septiembre]] de [[1952]]
|lugar de nacimiento = [[Virginia]] [[Estados Unidos]] {{bandera2| Estados Unidos}}
|fecha de fallecimiento = [[5 de junio]] de [[2002]]
|lugar de fallecimiento = [[Los Angeles]] {{bandera2| Estados Unidos}}
|ocupación= co-fundador y bajista del grupo de punk Ramones
}}

'''Dee Dee Ramone''' fue uno de los músicos mas prominentes de su [[tiempo]] y un artista bastante completo, pues también se afilio a otras [[arte]]s como la [[pintura]] ,además de incursionar como escritor , siendo muy activo en esta última .Su adicción a las drogas acabo con su vida tronchando éxitos futuros.

==Síntesis biográfica==

Dee Dee Ramone nació el [[18 de Septiembre]] del año [[1952]] en [[Virginia]], [[Estados Unidos]].
Es famoso por ser el bajista de la banda de punk mas grande del mundo, [[The Ramones]].

===Formación de la banda===

En el año [[1974]] se formó la banda, la cual la integraban: Joey Ramone, Johnny Ramone, Dee Dee y Marky. Esta banda cosechó muchos éxitos en el ámbito del rock.

====Dee Dee escribió muchas de las canciones de la banda====

Dee dee escribió varias de las canciones de la banda, tales como: "Blitzkrieg Bop", "I Wanna Be Your Boyfriend", "I Remember You", "Swallow My Pride" y "Sheena Is a Punk Rocker", entre otras.

Siempre fue reconocido por ser el mas enérgico de los Ramones arriba del escenario, además de ser uno de los mejores compositores, y el que más temas hacía mientras estaba en la banda. También cuando ya no lo estaba.

===Se hace llamar Dee Dee King===

En el año [[1989]] decide dar un paso al costado después de grabar el disco "Brain Drain". Ese mismo año lanza al mercado un disco de Rap, en el cual se hace llamar "Dee Dee King".

===Emprende carrera en solitario===

Después de un tiempo emprendió una carrera como solista y, en [[2001]], formó junto a su novia Bárbara Zampini y a Marky Ramone una banda tributo a Ramones llamada "[[The Ramainz]]", banda que no tuvo mucho éxito y se disolvió al poco tiempo.

Como solista también grabó algunos discos como: "Standing in the Spotlight", "I Hate Freaks Like You", "Zonked, Hop Around" y "Greatest & Latest" entre otros.

====Se proyecto hacia otras manifestaciones artísticas====

Además de la música, se interesó en otros tipos de arte, pues fue activo como pintor y escritor. Dee Dee Ramone conoció la pintura a través de su amigo Paul Kostabi, con quien creó una serie de trabajos en equipo.

===Muerte por sobredosis===
Dee Dee tuvo muchos problemas en su vida personal, también presentaba trastorno Bipolar y adicción a las drogas, que terminó matándolo el [[5 de Junio]] del año [[2002]] en [[Los Ángeles]], debido a una sobredosis de [[heroína]].

===Discografía===

'''Álbumes con Ramones'''
*Ramones (1976)
*Leave Home (1977)
*Rocket to Russia (1977)
*Road to Ruin (1978)
*End of the Century (1980)
*Pleasant Dreams (1981)
*Subterranean Jungle (1983)
*Too Tough to Die (1984)
*Animal Boy (1986)
*Halfway to Sanity (1987)
*Brain Drain (1989)

'''Sencillos con Ramones'''

*"Blitzkrieg Bop" (1976)
*"I Wanna Be Your Boyfriend" (1976)
*"I Remember You" (1977)
*"Swallow My Pride" (1977)
*"Sheena Is a Punk Rocker" (1977)
*"Rockaway Beach" (1977)
*"Do You Wanna Dance?" (1978)
*"Don't Come Close" (1978)
*"Needles and Pins" (1978)
*"She's the One" (1979)
*"Rock 'n' Roll High School" (1979)
*"Baby, I Love You" (1980)
*"Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?" (1980)
*"We Want the Airwaves" (1981)
*"She's a Sensation" (1981)
*"Psycho Therapy" (1983)
*"Time Has Come Today" (1983)
*"Howling at the Moon (Sha-La-La)" (1984)
*"Chasing the Night" (1985)
*"My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg)" (1985)
*"Somebody Put Something in My Drink" (1986)
*"Something to Believe In" (1986)
*"Crummy Stuff" (1986)
*"A Real Cool Time" (1987)
*"I Wanna Live" (1987)
*"Pet Sematary" (1989)

'''Álbumes como solista'''

*Standing in the Spotlight (1989) (usando el nombre Dee Dee King)
*"Dee Dee Ramone I.C.L.C. 4 Song EP" (1994)
*Dee Dee Ramone I.C.L.C. I Hate Freaks Like You (1994)
*Zonked (1997)
*Hop Around (2000)
*Greatest & Latest (2000)
*Too Tough To Die Live in NYC (2003)
*I (still) Hate Creeps Like You (2007)

'''Singles como solista'''

*"Funky Man" (1987) (con el nombre de Dee Dee King)
*"What About Me?" (1993)
*"Chinese Bitch" (1994)
*"Do The Bikini Dance" (2002)
*"Bikini Bandits" (2002) tema de Bikini Bandits Experience
*Dee Dee Ramone / Terrorgruppe split single (2002)
*"Born To Lose" (2002)
*"Dee Dee Ramone" (2002).

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./dee_dee_ramone/ Dee Dee Ramone]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html Música de Dee Dee Ramone]
[[Category:Bajistas]]

Archivo:Joey-ramone.jpg

2013-05-10T14:34:09Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Joe Perry

2013-05-10T14:03:36Z

Heriberto05012cfg jc:

<div align="justify">
{{Ficha Persona
|nombre = Joe Perry
|nombre completo = Anthony Joseph Pereira.
|otros nombres =
|imagen=Joe-perry-300x350.jpg
|descripción=
|fecha de nacimiento =[[10 de septiembre]] de [[1950]]
|lugar de nacimiento = [[Lawrence]] [[Massachusetts]]{{bandera2| Estados Unidos}}
|ocupación= guitarrista.
}}

'''Joe Perry.''' Guitarrista de rock duro de origen portugués e italiano que milita en la banda de hard rock Aerosmith.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[10 de septiembre]] de [[1950]] en [[Lawrence]], [[Massachusetts]]. Es hijo de padres inmigrantes italianos y portugueses. Al llegar a [[Estados Unidos]] su abuelo cambió el apellido de Pereira a Perry. Perry y su hermana menor Ann-Marie crecieron en el pequeño pueblo de [[Hopedale]] en [[Massachusetts]], donde su padre era contador y su madre era maestra de gimnasia en un colegio. Después, ella se retiró a [[Arizona]] cuando su esposo murió en [[1975]].

==Inicios==
Comenzó tocando en bares junto a “Tom Hamilton”. Para pagar los gastos trabajaba en una heladería, llamada “The Anchorage”, donde conoció a [[Steven Tyler]] unos años después. Al ingresar en [[Aerosmith]], se hizo adicto a las drogas junto con [[Steven Tyler]]. Los demás compartían la adicción pero en menor medida. Más tarde y tras un proceso de desintoxicación pudo dejarlas.

==Trayectoria==

Siendo el guitarrista principal de [[Aerosmith]] se separó del grupo por problemas con las drogas. Desde el año [[1979]] hasta el año [[1984]], y junto a su compañero [[Brad Whitford]], formó un grupo bajo el nombre de The Joe Perry Project que tuvo escasa popularidad y éxito. A mitad de los ochenta se reencontró con sus ex compañeros de [[Aerosmith]].

Es considerado por buena parte de la crítica como uno de los mejores guitarristas de Rock del mundo. Ha tocado con celebridades como [[Bon Jovi]], [[Guns N' Roses]], [[Poison]], [[AC/DC]],[[Kiss|KISS]], [[Bob Marley]], [[The Beatles]], [[Nudox Mick Jagger]], [[Run DMC]], [[Van Halen]] entre otros , Joe Perry , quedo en el puesto 48 en Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

==Discografía==

'''Aerosmith'''

*Aerosmith [[1973]]
*Get Your Wings [[1974]]
*Toys In The Attic [[1975]]
*Rocks [[1976]]
*Draw The Line [[1977]]
*Live! Bootleg (En directo) [[1978]]
*Night In The Ruts [[1979]]
*Greatest Hits (Recopilatorio) [[1980]]
*Done With Mirrors [[1985]]
*Classics Live (En directo) [[1986]]
*Classics Live II (En directo) 1986
*Permanent Vacation [[1987]]
*Gems (Recopilatorio) [[1988]]
*Pump [[1989]]
*Pandora's Box [[1991]]
*Get A Grip [[1993]]
*Big Ones (Recopilatorio) [[1994]]
*Nine Lives [[1997]]
*A Little South Of Sanity (En directo) [[1998]]
*Just Push Play [[2001]]
*Young Lust: The Aerosmith Anthology (Recopilatorio) 2001
*O, Yeah! Ultimate Aerosmith Hits (Recopilatorio) [[2002]]
*Honkin' On Bobo [[2004]]
*Rockin' The Joint (En directo) [[2005]]
*Devil's Got a New Disguise (Recopilatorio) [[2006]]

'''Joe Perry Project'''

*Let the Music Do the Talking ([[1980]])
*I've Got the Rock'n'Rolls Again ([[1981]])
*Once a Rocker, Always a Rocker ([[1983]])
*The Music Still Does the Talking: The Best of the Joe Perry Project ([[1999]])

'''Solitario'''

*Joe Perry ([[2005]])
*Have guitar, will travel ([[2009]]).

==Fuentes==

*Biografia de Joe Perry. Disponible en:[http://www.sarpanet.info./joe_perry/index.php Sarpanet]. Consultado el 27 de abril de 2012

[[category:Cantantes_por_género]]

Archivo:Joe-perry-300x350.jpg

2013-05-10T14:02:43Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

John Petrucci

2013-05-10T13:22:53Z

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<div align="justify">
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|ocupación= Guitarrista
}}
'''John Petrucci.''' Es un guitarrista que ha formado parte de varias bandas de rock como Dream Theater de la cual es miembro fundador, es un guitarrista de gran habilidad por eso esta nombrado como uno de los mejores y mas importantes guitarristas del mundo.

==Síntesis biográfica==

John Petrucci es un guitarrista, integrante de bandas como Dream Theater (uno de los miembros fundadores) y Liquid Tension Experiment. Nacido el [[12 de julio]] de [[1967]], Petrucci se crió en un ambiente familiar de músicos en [[Long Island]], [[New York]]. Aunque sus padres no son músicos, su hermana mayor tocaba el piano y órgano eléctrico, su hermano toca el bajo y su hermana menor toca el clarinete.

==Inicios==

Aunque su hermana influyó en sus intereses musicales hasta cierto punto, John dice que empezó a tocar la guitarra eléctrica porque todos los muchachos del vecindario tocaban y le parecía algo divertido. Estudió en la escuela de música contemporánea de Berklee en [[Boston]], donde junto a su compañero de secundaria John Myung, conocen a Mike Portnoy y fundan lo que hoy es [[Dream Theater]].

John empezó a tomar clases de guitarra a los 12 años y de ahí ha surgido como uno de los guitarristas más importantes del mundo, en el marco del éxito de su banda Dream Theater, ha logrado el reconocimiento y respeto de muchos músicos en el mundo debido a su notable habilidad para componer estructuras musicales extremadamente complejas y bellas, prueba de esto por ejemplo es su incorporación en la gira G3 junto a [[Joe Satriani]] y [[Steve Vai]].

==Logros obtenidos==

Actualmente John contribuye a la revista “Guitar World Magazine” con una columna mensual y también contribuyó con la escritura de las partituras para los libros de «Images and Words» y «Awake» (dos discos de Dream Theater). Tiene también un video a la venta. Los guitarristas que más han influido en el estilo de John han sido Steve Vai, Al Di Meola, Alex Lifeson (del grupo [[Rush]]), Steve Howe (del grupo [[Yes]]), ALAN HOLDSWORTH y el legendario [[Stevie Ray Vaughan]]. Sin embargo su máxima influencia, y la que el cita siempre como su guitarrista favorito cuando se le pregunta, es [[Steve Morse]].

===Experimenta con guitarra de 7 cuerdas===

Empezó a experimentar con una guitarra de 7 cuerdas para el disco «Awake», lo cual, él cree, le dio al disco un toque más pesado y ha contribuido en la manera de componer y potenciar las posibilidades de este instrumento. Escribe activamente en su casa con su «four track studio» (consola de 4 canales) y siempre lleva con él un secuenciador a todas sus giras.

==Primer disco en solitario==

En [[2005]] saca su primer disco en solitario: «Suspended Animation», siendo todo un éxito de crítica dentro del mundo de la guitarra y del rock progresivo.

==Discografía==

*Various Artists - "Guitar Battle" ([[1988]])
*Dream Theater - "When Dream And Day Unite" ([[1989]])
*Dream Theater - "Images & Words" ([[1992]])
*Dream Theater - "Live At The Marquee" ([[1993]])
*Dream Theater - "Awake" ([[1994]])
*Dream Theater - "A Change Of Seasons" ([[1995]])
*Working Man - "Rush Tribute" ([[1996]])
*Dragon Attack - "A Tribute To Queen" ([[1997]])
*Dream Theater - "Falling Into infinity" (1997)
*Liquid Tension Experiment ([[1998]])
*Explorer's Club - "Age Of Impact" (1998)
*Dream Theater - "Once in a LIVEtime" (1998)
*Jon Finn Group - "Wicked" (1998)
*Liquid Tension Experiment 2 ([[1999]])
*Dream Theater - "Scenes From a Memory" (1999)
*An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess ([[2000]])
*Jordan Rudess - "Feeding The Wheel" ([[2001]])
*Dream Theater - "Live Scenes From New York" (2001)
*Dream Theater - "Six Degrees Of Inner Turbulence" ([[2002]])
*Dream Theater - "Train of Thought" ([[2003]])
*Dream Theater - "Live At Budokan" ([[2004]])
*John Petrucci - "Suspended Animation" ([[2005]])
*Dream Theater - "Octavarium" (2005)
*G3 - "Live in Tokyo" (2005)
*Derek Sherinian - "Blood Of The Snake" ([[2006]])
*Dream Theater - "Score" (2006)
*Marty Friedman - "Loudspeaker" (2006)
*Dream Theater - "Systematic Chaos" ([[2007]])

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./john_petrucci/index.php sarpanet.info./john_petrucci/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:Guitarristas]]

Archivo:John-petrucci.jpg

2013-05-10T13:22:33Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Jim Croce

2013-05-09T18:18:01Z

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'''<div align="justify">'''
{{Ficha Persona
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|ocupación= Cantante
}}

'''Jim Croce.''' Es un compositor y cantante nacido en Pensilvania que cultivaba el folk rock rápidamente se gano la fama pues sus temas llevaban grabados las vivencias de los camioneros que muchos de ellos fueron sus compañeros. Jim compartía la composición musical con el manejo de un camión lo cual le permitió vivir en carne propia lo que sucedía a los camioneros de aquellos tiempos.

==Síntesis biográfica==

Nació el [[10 de enero]] de [[1943]] en [[South Philadelphia]], [[Pennsylvania]]. Fue cantante y compositor de folk rock. Grabó para Capitol y ABC Records entre [[1960]] y [[1973]]. Se graduó en la Upper Darby High School localizada en [[Drexel Hill]], [[Pennsylvania]] en [[1960]]. Tras graduarse, Croce acudió durante un año a la Malvern Preparatory School, en [[Malvern]], Pennsylvania. De allí marcharía a estudiar a la Universidad Villanova. Durante su etapa universitaria Croce fue miembro de los “Villanova Singers” y de los “Villanova Spires” y ejerció como disc-jockey en la radio universitaria WXVU.

==Forma dúo==

A principios de los ‘60, asiste a la universidad de [[Villanova]], [[Pennsylvania]]. Allí también conoce a Ingrid Jacobson, con quien forma un dúo, el cual en sus primeras presentaciones incluye en su repertorio composiciones de Ian & Sylvia, Gordon Lightfoot, Joan Baez y Woody Guthrie. También se dedica a componer: «Age», «Hey Tomorrow» y «Spin Spin Spin» pertenecen a este periodo. Ingrid se transformará con el tiempo en la esposa de Jim.

Al mismo tiempo, Jim canta en el bar llamado Riddle Paddock. Allí, madura como cantante y compositor al explorar en estilos como: blues, country, rock ‘n roll y folk. Se dice que en esta época llegó a manejar un repertorio que rondaba las 3000 canciones.

===Graban primer disco===

En [[1968]] Jim e Ingrid deben mudarse a [[Nueva York]], pués allí grabarán su primer disco: «Jim & Ingrid Croce». Durante los próximos dos años recorrerán el país en gira promocional, tocando en pequeños clubs y conciertos. Esto haría que ambos se desilusionaran de la industria discográfica y de [[Nueva York]]. Venden todo y regresan a [[Pennsylvania]], donde Jim se dedica a manejar camiones y a la construcción. Esta es la experiencia definitiva en su carrera musical, mientras maneja, compone canciones acerca de sus compañeros camioneros y las toca en los locales a lo largo del camino.

En [[1970]], un amigo de universidad le presenta a Maury Muehleisen, guitarrista y pianista clásico, quién en un principio será sólo la segunda guitarra de Croce, pero con sus conocimientos musicales y consejos inspirará el trabajo de Jim. Muehleisen morirá en el mismo accidente aéreo.

==Firma contrato para grabar==

En [[1972]], Croce firmó un contrato para grabar tres discos con ABC Records. «You Don’t Mess Around with Jim» de 1972 contiene los singles «You Don’t Mess Around with Jim», «Operator (That’s Not The Way It Feels)» y «Time in a Bottle» (en memoria de su hijo, A. J. Croce) ayudan al álbum a alcanzar el #1 en las listas de [[1974]]. El single, «Bad, Bad Leroy Brown», del disco «Life & Times» se convierte en el hit #1 en el verano de [[1973]], vendiendo 2.000.000 de copias. Producto del éxito de este single, el dúo debe cumplir con una apretada agenda.

===Homenaje póstumo===

En [[1976]] y de forma póstuma se convertiría en el primer estudiante en ser incluido en el Wall of Fame de la Upper Darby High School.

==Discografía==

*Facets ([[1966]])
*Jim & Ingrid Croce ([[1969]])
*You Don't Mess Around With Jim (May [[1972]])
*Life And Times (January [[1973]])
*I Got A Name (December 1973)
*Photographs And Memories ([[1984]])
*Down the Highway ([[1975]])
*The Faces I've Been (1975)
*Time in a Bottle: Jim Croce's Greatest Love Songs (1975)
*The 50th Anniversary Collection ([[1992]])
*The Final Tour ([[1993]])
*VH1 Behind the Music: The Jim Croce Collection August [[2001]]
*Americana ([[2003]])
*Definitive Jim CD ([[1996]])([[2004]])
*Jim Croce Classic Hits (2004)
*Jim Croce: Have You Heard CD ([[2006]])

==Muere en trágico accidente==

Después de un concierto en [[Natchitoches]], [[Louisiana]], abordan una pequeña aeronave comercial hacia [[Sherman]], [[Texas]], el sobrepeso impide que el avión se eleve, estrellándose contra un árbol al final de la pista de aterrizaje, a las 10:45 (EDT) del [[20 de septiembre]] de [[1973]].

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./jim_croce/index.php sarpanet.info./jim_croce/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Archivo:Operator Jim Croce.jpg

2013-05-09T18:15:07Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Jean Absil

2013-05-09T15:58:50Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Desarrollo}}

'''<div align="justify">'''
{{Ficha Persona
|nombre = Jean Absil
|nombre completo = Jean Absil
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|ocupación= compositor
}}

'''Jean Absil.''' Fue compositor de música de cámara y rapsodias de origen belga. El cultivar este genero musical le permitió gran fama al obtener varios premios que le permitieron viajar y demostrar la valía de sus trabajos.

==Síntesis biográfica==

Jean Absil, nació en [[Bonsecours]], [[Hainaut]], el [[23 de octubre]] de [[1893]] , fue un compositor belga. A pesar de su temprano interés por Richard Strauss y Wagner, se convirtió en amante de las formas de música de cámara, escribiendo numerosas obras de cámara, a menudo emplean un lenguaje polimodal y polifónico. A lo largo de su vida, había muchos profesores que le ayudaron a desarrollar su arte, incluyendo Alphonse Oeyen, la armonía, órgano y piano, Paul Gilson, para la composición; Desmet, para órgano; Edouard Samuel, de la armonía práctica, Martin Lunssens, por escrito la armonía; Paulin Marchand, de contrapunto, y Léon Du Bois de fuga.

==Premios==

Estos estudios se llevaron a cabo en varias instituciones, incluida la de San Grégoire Escuela y el Conservatorio de Bruselas.

Absil gano muchos premios durante sus estudios y carrera entre ellos:
*Premio Agniez ([[1921]])
*El belga Premio de [[Roma]] ([[1922]])
*Premio de Rubens ([[1934]])

El último premio le permitió visitar [[París]]. En París, Absil, mostró un gran interés en evitar que la música de Milhaud desapareciera, se reunió una serie de compositores destacados, como Honegger, Ibert, Milhaud, y Schmitt para darle difusion..

==Logros obtenidos==

A pesar de la carga de sus funciones administrativas como director de la Academia de Música en [[Etterbek]], cargo que aceptó en [[1921]], continuó componiendo, el establecimiento de una buena reputación con obras como La Mort de Tintagiles, op. 3 ([[1923]] - [[1926]]), y la Rapsodia flamenca, op. 4 ([[1928]]). Más tarde, en la década de [[1930]], fue profesor en el Conservatorio de [[Bruselas]].

==La mayor parte de sus composiciones==

Durante su estancia en [[Francia]], y poco después, se produce la mayor parte de sus composiciones vocales, los textos normativos por Brohée, Maeterlinck, Beerblock, Cocteau, Morgenstern, y Klingsor. Finalmente, se le ofreció un puesto en la “Chapelle Musicale Reine” en la década de [[1930]], donde permaneció hasta [[1959]]. Ha reunido sus investigaciones sobre la politonidad y la atonalidad en un breve estudio, Postulados de la música contemporánea prolongado por Darius Milhaud.

Absil enseñó durante muchos años en el “Conservatorio de Bruselas”, donde había estudiado anteriormente. Su estilo inicialmente convencional desarrollado en un lenguaje musical más contemporáneo a través del contacto en [[París]] con compositores como Honegger y Milhaud.
Absil, fallece en [[Bruselas]] el [[2 de febrero]] de [[1974]]

===Su obra mas conocida===

Su obra más conocida sigue siendo la flamenca Rhapsodie temprana. Dejó una variada cantidad de música orquestal, incluidos los conciertos y rapsodias que los materiales de uso popular de otros países. Se produjo un cuerpo igualmente variado de música de cámara, obras para piano y composiciones para guitarra, para el teatro, la música incidental, ballet y una ópera.

==Obras==

'''Música instrumental'''

*3 Impromptus, ([[1932]]), piano.
*La mort de Tintagiles, ([[1923]]-26), para orquesta.
*2º Symponie, ([[1936]]), para gran orquesta.
*Concertos pour piano, op.30 ([[1937]])
*Sonnatine, (1937), piano.
*Marines, ([[1939]]), piano.
*Rhapsodie roumaine, ([[1943]]), para violín y orquesta.
*Le Zodiaque, ([[1949]]), sinfonía concertante.
*Symphonie en re menor, ([[1967]]).
*Quatuor pour clarinettes, op. 132, ([[1968]])
*Sonate 1970, ([[1970]]).
*Poésie et vélocité, ([[1972]])
*Symphonie nº 5, op. 148, ([[1976]]).
*Lemoine 3e et 4e quatuors à cordes, ([[1935]] y [[1941]]).
*Lemoine, para orquesta.
*Symphonie en re menor ([[1967]])
*3 Concertos pour piano, op. 30 ([[1937]])
(otras obras, no mencionadas, han aparecido en Bruselas en el Cebedem).

'''Música vocal'''

*Les Bénédictions, ([[1941]]), cantata, inédita.
*Chant du Mort, ([[1943]]), cantata según el folclore rumano, inédita.
*Zoo, ([[1944]]), 7 obras para cuarteto vocal.
*Le bestiaire, (1944), para cuarteto vocal.
*Thréne pour le Vendredi Saint, ([[1945]]), cantata, inédita.
*Chansons plaisantes, ([[1955]]-[[1956]]), para dos voces de niño y orquesta.

'''Música teatral'''

*Peau d’Ane, ([[1937]]), inédita.
*Le chapeau chinois, ([[1944]]), comedia lírica, inédita.
*Les Voix de la mer, ([[1951]]), ópera, inédita.

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./jean_absil/index.php sarpanet.info./jean_absil/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:compositor]]

Archivo:ABSIL Jean 2.GIF

2013-05-09T15:56:44Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Patxi Andión

2013-05-09T15:19:21Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Patxi Andion
|nombre completo = Francisco Andión y González
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|fecha de nacimiento =[[6 de octubre]] de [[1947]]
|lugar de nacimiento = [[Madrid]] [[España]] {{bandera2| España}}
|ocupación= cantautor, músico y actor.
}}

'''Patxi Andión'''. Es un cantautor, musico y actor español que goza de gran fama en los medios de difusión española, pues cuenta en su haber con muchas obras ya sean de cine, así como canciones de su propia autoría; lo cual le permite ser un artista muy completo y versátil.

==Biografía==
Patxi Jose Andión González nació en [[Madrid]] el [[6 de octubre]] de [[1947]] y aunque sus raíces vascas (Su origen paterno navarro y alavés el materno) marcarían su vida, la educación que recibió en la capital influyó poderosamente en mantener un espíritu universalista. Su interés por la música comenzó en el seno de su familia. Su madre cantaba extraordinariamente bien y poseía una voz excepcional. Fue tentada varias veces para iniciar carrera profesional, pero ella nunca quiso que su condición artística saliera del ámbito personal y familiar. Su abuela materna fue soprano en compañías aficionadas habiendo actuado en el Teatro Real de Madrid, el Rojas de Toledo o el Liceo de Barcelona, entre otros.

==Inicios==
Patxi se estrenó en público a los cinco años, en Radio Madrid (Cadena SER) interpretando el papel del niño Jesús en una obra de radio teatro y cantando una canción de moda entonces, ?La Fuente del Avellano?. En la adolescencia tocó en grupos de rock como “Los Camperos”, “Los Silvers” o “Los Dingos”. Ya en esa altura poseía el vozarrón que más tarde le haría inconfundible, pero en aquellos tiempos de voces edulcoradas, significó una limitación ya que no le dejaban cantar en el grupo por tener ?voz de negro?, y hasta la popularización de los discos de [[Ray Charles]] y otros como el, no le dejaron el micrófono.

«Tocábamos clásicos como La Plaga, El Rock de la Cárcel o Popotitos. Aquello era divertidísimo. Me acuerdo de las primeras actuaciones. Aún llevaba pantalones cortos y me cambiaba de ropa en cualquier lugar para salir al escenario. » Cuenta.

==Comienza componer==
Pronto comienza a componer desde su inquietud cultural, social y política. Lo que más tarde se definiría como canción de autor. Tal vez como el mismo dice, por el ansia «de estar comprometido con la única cosa con la que se puede uno comprometer: La duda».

===En el exilio===
El Padre de Patxi, republicano de izquierdas sufrió cárcel durante años y en ese ambiente, es donde se empieza a forjar la conciencia social y política de Patxi que se desarrolla más tarde en el entorno de una organización revolucionaria de izquierdas que luchó contra el franquismo, el FRAP. A consecuencia de esta militancia, varias veces está a punto de ser detenido por la policía política del régimen y después de una redada en la que caen varios militantes, decide pasar la frontera a [[Francia]], donde ayudado por los servicios de acogida de los españoles exiliados, comienza un exilio en Francia que le marcará para toda su vida.

Su experiencia en [[Francia]] con apenas 19 años, fue trascendental pues fue testigo del revolucionario Mayo del 68 parisiense. Allí, comienza una vida bohemia donde comienza a cantar en Caves del barrio latino. Entre tantas direcciones de acogida, vivió en la rue Gay Lussac, que fue de las primeras en ser cortada por la famosa revuelta estudiantil. Según el mismo, fue una experiencia inolvidable en todos los sentidos. Vivía, como sus compañeros de exilio, en la más absoluta de las indigencias. Plagado de ladillas y blenorragia. La más baja de las bohemias. ?Un día, haciendo tiempo para acostarme en la casa en la que las camas eran ocupadas por riguroso orden de ocho horas, pasé por la rue Monsieur Le Prince y me paré en un lugar llamado La Candelaria (Música Latinoamericana y española) anunciaba en la puerta. El dueño resultó ser de [[San Sebastián]] y vasco parlante por lo que la relación se estableció rápidamente. Empecé tocando los bongos para su pase de música latinoamericana y un día que me oyó cantar me contrató. Hacía tres sesiones diarias y me pagaban 25 francos lo que me daba para dormir, pero no para comer?.

Poco a poco va introduciéndose en los ambientes de izquierda y comienza a cantar en célebres Caves como L'Escale o La Contrescarpe. La idea del exilio permanente le hace promover una investigación para conocer las consecuencias de su hipotética vuelta a [[Madrid]]. A La Candelaria llega Félix Vitrie, el gran empresario promotor de Georges Brassens y propietario del mítico teatro Bobino, donde cantan las grandes figuras de la Chanson. Propone a Patxi actuar en él como vedette americain del programa de Brassens. Lugar que el año anterior había ocupado Serge Reggiani. Y una prueba seleccionada con discos Barclays. Pero Patxi ya tenía decidido volver a [[España]] para cumplir el servicio militar.

==Agradable reencuentro==
En [[Madrid]], se reencuentra con [[Luís Eduardo Aute]] con quien había compartido estudio en sus comienzos. Aute grababa para RCA y le presenta a [[Mari Trini]]. Cantautora recién llegada, como él, de [[Francia]], para la que comienza a componer canciones. Un día, grabando una maqueta para ella en los estudios de RCA en la Torre de Madrid, su voz llama la atención de “Gil Beltrán”, director general de la compañía. Le propone grabar pero en medio de las negociaciones se cruza la gestión de un amigo de la familia.

“Manolo Escobar”, que había sido cantante del grupo Los Sonor quien le consigue una entrevista con Carlos Guitart, director artístico de Movieplay que le contrata para grabar su primer disco. Era una apuesta difícil. La voz ronca de Patxi y sus textos duros chocaban con un público habituado a los intérpretes de canción melódica o modos más convencionales como el propio Aute o Serrat. Además, Patxi trataba de temas poco comunes para aquella época, temas difíciles, espinosos. El primer disco que editó fue un single con dos canciones. Una, salió editada ya prohibida para su difusión pública (La Jacinta) y la otra (Canto) siguió el mismo camino a los quince días. A pesar de ello, su irrupción en el medio profesional fue impactante.

==Primer disco==
Poco después salió su primer LP: Retratos. Una colección de canciones sobre personajes que no eran extraños a la realidad de aquellos días pero que no estando acordes con la realidad oficial eran poco rentables lo que vuelve a ponerle frente a la censura. Constante de su quehacer artístico hasta la llegada de la democracia ya en los años ochenta. En la portada del disco un texto avisa que tres de las canciones son consideradas impropias para pasar por la radio. Son las dos anteriormente referidas pertenecientes a su primer single y Los Decorados. Lo curioso es que, por ejemplo, Canto, cargaba la culpa de tener un verso tan poco ortodoxo como: Canto a la madre que me parió y La Jacinta era la historia de una prostituta. En Rogelio se cuenta la historia de dos viejos compañeros de fatigas a los que la vida, la posición económica y social han separado irreconciliablemente. En El Pipo se ocupa de algo tan despreciable como un perro vagabundo, mientras que en A quien corresponda envía una carta acusatoria.

===Censura y los intereses económicos===
Pero la censura, no solo llegaba del poder político. También los intereses económicos deseaban un Patxi que fuese un poco menos Patxi, para que fuese más fácil, venderlo, enseñarlo, hacerle mejor producto. Aunque eso, era del todo imposible. Quizá por esa conducta auto impuesta a la hora de escribir canciones, de seguir el rumbo de su vida y su carrera, su legado no es tan del dominio público como el de otros colegas, quizá con menores méritos. «Nunca he hecho esto a propósito. Cuando escribí por ejemplo Mi Niñez tan solo lo hice pensando en como había sido mi infancia y en como huí de ella. Por eso cuando esa canción fue enviada a la radio para su difusión. El director de la cadena más importante dijo que la haría número 1 si se le quitaba la palabra ?coño?, naturalmente solo respondí que como toda obra artística, era lo que sentía que tenía que ser. Y punto.»

===Etapa de mayor actividad musical===
Entre esos dos temas: Canto (incluido en su LP de estreno) y Mi Niñez, editado en [[1978]] el que hacía parte del Cancionero Prohibido, un excelente disco, vetado por la mayoría de las cadenas comerciales, Patxi vivió su etapa de mayor actividad musical, durante la cual editó un total de diez discos. Posiblemente, fue el siguiente LP y el último con la compañía Movieplay y Once Canciones Entre Paréntesis, que tuvo verdaderamente su primera gran repercusión comercial debido a temas tan difíciles de olvidar como Samaritana o Veinte Aniversario. Una canción inicialmente compuesta para [[Massiel]]. Entretanto, realiza sus primeros viajes a América, dando conciertos memorables en [[Argentina]], [[Uruguay]], [[Chile]] y [[México]].

==Mayor éxito==
En [[1973]], llega a las tiendas A Donde El agua, que incluiría su mayor éxito popular: Una Dos y Tres. Según el mismo confiesa, es con el calor del éxito popular donde comienza a producirse un cierto sentimiento de vacío, de desilusión. Son demasiados obstáculos, demasiada incomprensión ¿y para qué? «No estaba dispuesto a entrar en ese círculo vicioso de discotecas y recitales en sitios absurdos que te van consumiendo poco a poco. Tenía que encontrar una salida. No había comenzado en la música para eso. Los demás podrían hacer lo que quisieran pero la acomodación no estaba en su credo. Al principio, las vías de escape son musicales. En Joxe maría Iparaguirre, patxi Andión recorre la marca dejada por la cultura vasca en su tradición familiar grabando la obra del famoso cantautor vasco del siglo XIX. Como el mismo, un hombre a contratiempo.

==Incursiona en el cine==
En Como El Viento Norte ahonda en su vocación poética produciendo temas de trascendencia universal como Padre. Patxi es un hombre de temperamento renacentista abierto, desprejuiciado y curioso. Preocupado por su mejora personal sin cortapisa de ninguna clase. Por eso, a mediados de los 70, aprovecha la oportunidad e inicia una nueva aventura, con su incursión en el mundo del cine. Al principio conjuga ambas facetas: En su primera película como protagonista El Libro del Buen Amor reparte el protagonismo como actor con la dedicación de la composición de la banda sonora del filme, para la cual adapta varios poemas del Arcipreste de Hita. Una experiencia que repetirá, aunque con menor intensidad en el futuro y que había comenzado adaptando el poema Che, Che, Che del poeta José Agustín Goytisolo para el cortometraje del mismo título del cineasta Javier Aguirre a finales de los años sesenta. A partir de ahí y durante veinte años se dedica alternativamente a ambos papeles.

Por un lado su carrera de actor le granjea una popularidad creciente inclusive entre las personas para las cuales solo había sido !Un peludo que protesta y grita!. Mientras, graba y publica los discos, Viaje de ida, Arquitectura y Amor Primero, en los que da rienda suelta a una manera de componer cada vez más personal y exigente, a pesar de ello, consigue éxitos rotundos como la canción Amor Primero, en cuya grabación colabora con él el grupo [[Mocedades]] y en la que la mezcla de la dulce voz de '''Amaya''' y la ronca de Patxi es una maravilla que le hace ser número 1 de ventas en [[España]] y varios países de América. Aun así, la exigencia literaria y el inconformismo musical, unidos a su irreductible compromiso social le hacen ir a contracorriente. Para otros habría sido muy fácil adaptarse al gusto del momento y aprovechar su reconocimiento general para vender discos. Él, una vez más elige el camino difícil y sigue adelante al margen de las conveniencias sociales y comerciales.

==Compone y actúa en el cine, teatro y la televisión==
Quizá, el auge de su popularidad llegó con algo tan poco relacionado con su carrera como su matrimonio y posterior divorcio 14 meses después con Amparo Muñoz, Mis Universo y a quien conoció en el rodaje de la película La otra alcoba, de Eloy de la Iglesia. A consecuencia de ello, su nombre empezó a aparecer más en las columnas de sociedad que en las secciones culturales. Parecía que algunos no le perdonaran el haberse casado con una mujer que no era de su entorno y ello le enfrentó con los ambientes donde había sido adorado. Pero quien haya seguido la carrera de este cantautor imprescindible sabe que como el mismo dice en su texto Biografía interior: !Nunca estoy donde se me espera ni hago lo que se espera que haga!.

Patxi Andión es una artista fuera de lo común que solo atiende a mantener rabiosamente su libertad creativa y de conciencia. Patxi pasa cuatro años sin editar discos y su presencia en el cine, que parece un medio del cual ya ha aprovechado lo que le interesa, disminuye. En ese momento en su incansable capacidad por aprender y experimentar, comienza su aventura de dos años y ocho meses como Che en la ópera Evita, que es un éxito atronador y en la que es nombrado por un grupo de cinco periódicos norteamericanos entre los que están el New York Times o el Chicago Tribune como mejor Che del mundo. En lo que respecta a su producción musical al término de su experiencia en la comedia musical, publica El Balcón Abierto, un álbum con el que parece ir cerrando un ciclo de composición. En la televisión protagoniza series como Página de Sucesos, o Brigada Central, aunque da la sensación que es un camino agotado para el.

==Después de un Doctorado en Sociología==
Durante su época en Evita logra el Doctorado en Sociología por la Universidad Pontificia de [[Salamanca]], otra paradoja en él, agnóstico declarado. Es invitado a dar un seminario en la Universidad Complutense y con ello inicia el camino docente e investigador que le unirá para siempre a la Universidad. Primero como profesor en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de [[Madrid]], después como Decano Comisario de la Universidad Camilo José Cela y desde [[1999]] como Profesor Titular Numerario en el departamento de arte de la prestigiosa Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha en el campus de Cuenca. Durante sus primeros años en la Universidad, entre [[1986]] y [[1996]] apenas se le oye cantar en algunos lugares escogidos y solo cuando él lo acepta, limitando el aforo a 100 personas.

Deja de editar discos aunque es público que sigue componiendo y escribiendo canciones que se niega a enseñar a los demás. Es un tiempo en el que parece que su obra mira hacia su interior más que nunca. El mismo asegura a finales de los ochenta: «Yo cante en una época en la que consideraba necesario hacerlo para decir ciertas cosas que de otro modo no tenían la capacidad de ser escuchadas por el gran público, pero eso ahora tiene menos sentido. No me siento en la obligación de hacerlo. La gente tiene un acceso cultural y social completo, además, quiero educar a mis hijos, verles dormir y llevarles al colegio».

¿Será que se convirtió definitivamente en un ciudadano corriente aquel que un crítico portugués una vez definió como o homem que canta como um guerreiro? ¿Había llegado el momento que el mismo había vaticinado? Diciendo: ?El instante en que mi obra se diluirá en la gente como sangre mestiza en tanta sangre. Cada vez más tenue. Hecha de todos. Olvidado su nombre?. Tal vez no haya nada malo en esa actitud tan ambiciosa de actividad, el problema reside en el hecho de que su obra, una de las más interesantes y trascendentales de la canción de autor en [[España de los últimos treinta años queda escondida detrás de esas otras actividades. Quizá como algún crítico ha apuntado, un objetivo buscado por el mismo autor a quien el exceso de luz siempre incomodó.

Sin embargo, puede que esa misma conciencia de ver su obra a salvo de los grandes vaivenes de la popularidad es lo que le empuja a intensificar de nuevo su compromiso con la música, eso y la aparición de una nueva generación de cantautores, en la que algunos de ellos, muestran su orgullo de seguir la estela inconfundible de la obra de Patxi Andión. Lo cierto es que su obra, revisada por la nueva generación adquiere una importancia incomparable. Y se le reconoce su empeño en no dejar de reflexionar sobre ciertas cosas.

==Edita otro disco==
En [[1999]], edita Nunca nadie, un disco con dos canciones inéditas y varias de sus grandes canciones revisadas, musical y poéticamente. Las graba con la Banda de Jazz acústico con la que actuaba, acompañado por grandes instrumentistas que graban sus propios discos y no actúan para nadie, solo ellos mismos al frente de sus propias formaciones, como Antonio Serrano, Miguel Ángel Chastang o Guillermo Mc Guill.

Parece que es un camino que le anima a seguir y de nuevo es [[Portugal]] donde vuelve a reaparecer con un concierto multitudinario en el Colisseu dos Recreios en Porto. Portugal es un país con el que el cantautor mantuvo desde siempre una relación muy especial, seguramente desde sus dos primeros conciertos, frustrados, en los que fue expulsado del país por la policía política portuguesa y como el mismo ha dicho en repetidas ocasiones. ?Me sacaron de Portugal, pero me le dejaron dentro para siempre?. Patxi habla la lengua portuguesa con bastante fluidez y se siente muy unido a la cultura, la historia y sobre todo a la gente de Portugal.

Patxi nunca estuvo atento a los plazos de edición de discos que sus compañías de discos le obligaban por contrato, es lógico, ninguno de sus disco pudiera haberse hecho con el nivel de exigencia que siempre se impuso él mismo, en uno o dos años. Siempre precisó de cuatro o cinco años para tener las canciones precisas. Ahora, cuando se cumplen mas de 40 años de su primer registro discográfico Retratos, preparo un disco que se llamó Porvenir en el que estarian incluidas algunas de la treintena de canciones compuesta en los últimos cinco años. Son canciones muy elaboradas, llenas de lirismo y compromiso social, alguna de ellas, sin duda, será otro monumento público de la canción de autor.

==Filmografía==
*Retratos. ([[1969]])
*Once canciones entre paréntesis. ([[1971]])
*Palabra por palabra. ([[1972]])
*Posiblemente. ([[1972]])
*A donde el agua. ([[1973]])
*José María Iparraguirre Patxi Andion'en era. ([[1973]])
*Como el viento del norte. ([[1974]])
*El libro de buen amor. ([[1975]])
*Viaje de ida. ([[1976]])
*Cancionero prohibido. ([[1978]])
*Arquitectura. ([[1979]])
*Evita (musical). ([[1981]])
*Amor primero. ([[1983]])
*El balcón abierto.([[1986]])
*Nunca, nadie. ([[1998]]).

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./patxi_andion/index.php sarpanet.info./patxi_andion/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category: actor]]

Archivo:Patxi-Andion.jpg

2013-05-09T15:16:53Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Pasquale Anfossi

2013-05-09T14:15:09Z

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{{Ficha Persona
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|lugar de nacimiento = [[Taggia]] [[ Liguria]] {{bandera2| Italia}}
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}}

'''Pasquale Anfossi'''. Es un compositor italiano que escribió mas de 80 óperas, también se dedico a obras para la iglesia, mostró su obra en varias ciudades de gran tradición en estos géneros como [[Venecia]], [[Londres]] y [[Roma]].

==Biografía==
Bonifacio Domenico Pasquale Anfossi, fue un compositor italiano de óperas nacido en [[Taggia]], [[Liguria]]; el [[5 de abril]] de [[1727]]. Estudió con Niccolo Piccinni y Antonio Sacchini. Trabajó principalmente en [[Londres]], [[Venecia]] y [[Roma]]. Escribió mas de 80 óperas, tanto serias como buffas. También se dedicó intensamente a obras para iglesia, especialmente oratorios durante sus últimos años.

==Comienzos==
En sus primeros años como músico, su objetivo era ser violinista para lo cual estudió en el Conservatorio Loreto de [[Napoles]] entre [[1744]] y [[1752]]. Para ganarse la vida tocó luego en orquestas de óperas durante 10 años.

===Primera obra===
Dedicado luego a la composición su primer obra fue la ópera buffa La Serva Spiritosa . Fue durante el Carnaval romano de [[1763]], pero en esos tiempos no fue categórica su autoría.Siguió un drama giocoso:L'incognita perseguitata ([[1773]]).

Para [[1782]] ya había escrito alrededor de 30 óperas, solo presentadas en [[Venecia]] y [[Roma]]. Su primer aparición en [[Londres]] fue con Il trionfo della costanza en [[1782]]. Allí fue contratado como director musical hasta [[1786]]. En esa etapa pudo presentar cinco de sus propias óperas y versiones de obras de otros compositores. Por ejemplo, el Orfeo de Gluck complementado con música de '''Johann Christian Bach''' y '''Haendel'''.

==Vuelve a Italia==
Anfossi volvió a [[Italia]] y se ganó el afecto del público en [[1787]] con la farsa Le pazzie de' gelosi . Después de casi 20 años dedicado a la ópera, en [[1789]] se dedica solamente a la música para iglesia. Nombrado Maestro di Capella de San Giovanni en [[Laterano]], mantiene el cargo hasta su muerte.

==Fallece==
Muere en [[Roma]], [[Italia]] en febrero del año [[1797]]. Se cree que escribió alrededor de 80 óperas y 20 oratorios (en latín e italiano). Su primeras obras estan lógicamente relacionadas con los estilos de sus maestros Piccinni y Sacchini, con armonias diatónicas extremadamente melódicas. A medida que pasaron los años, su orquestación ganó en color, sobretodo con el agregado de los vientos.

Hasta los mediados de 1770, sus óperas buffas estaban llenas de airas al viejo estilo da capo. Incoporó largos finales y momentos de gran melancolia. Mucho le criticaron la falta de originalidad como tenían sus contemporáneos Cimarosa y Paisiello. Como compositor de óperas, estuvo olvidado durante mucho tiempo, eclipsado por Salieri, Rossini y Mozart. Sin embargo, Goetthe fue el encargado de escribir la letra para la obra que TodOpera presenta:La maga Circe adaptando el libreto junto a Christian August Vulpius.

==Obras==
*La serva spiritosa - Rome, Teatro Capranica (1763)
*Lo sposo di tre e marito di nessuna, in collaboration with Pietro Guglielmi - Naples, Teatro Nuovo sopra Toledo (1763)
*Il finto medico - Naples, Teatro Nuovo sopra Toledo (1764)
*Fiammetta generosa in collaboration with Niccolò Piccinni - Naples, Teatro dei Fiorentini (1766)
*I matrimoni per dispetto - Naples, Teatro Nuovo sopra Toledo (1767)
*La clemenza di Tito - Rome, Teatro Della Torre Argentina (1769)
*Cajo Mario - Venice, Teatro S. Benedetto (1770)
*Armida - Turin, Teatro Regio (1770)
*Quinto Fabio - Rome, Teatro delle Dame (1771)
*Lucio Papirio - Rome, Teatro delle Dame (1771)
*I visionari - Rome, Teatro delle Dame (1771)
*Il barone di Rocca Antica in collaboration with Carlo Franchi - Rome, Teatro delle Dame (1771)
*Nitteti - Naples, Teatro San Carlo (1771)
*Alessandro nelle Indie - Rome, Teatro Della Torre Argentina (1772)
*L'amante confuso - Naples,Teatro dei Fiorentini (1772)
*La Giannetta, ossia l'incognita perseguitata (also known as Matilde ritrovata) - Rome, Teatro delle Dame (1773)
*Antigono - Venice, Teatro S. Benedetto (1773)
*Demofoonte - Rome, Teatro Della Torre Argentina (1773)
*Lucio Silla - Venice, Teatro Grimani di S. Samuele (1774)
*La finta giardiniera - Rome, Teatro delle Dame (1774)
*Olimpiade - Venice, Teatro San Benedetto (1774)
*Il geloso in cimento o la vedova bizzarra - Vienna, Burgtheater (1774)
*La contadina incivilita - Venice, Teatro San Moisè (1775)
*Didone abbandonata - Venice, Teatro San Moisè (1775)
*L'avaro - Venice, Teatro San Moisè (1775)
*La vera costanza - Rome, Teatro delle Dame (1776)
*Montezuma - Reggio Emilia, Teatro Antico detto il Monte di pietà (1776)
*L'americana in Olanda - Venice, Teatro Grimani di S. Samuele (1776)
*La donna instabile - Vienna, Burgtheater (1776)
*Isabella e Rodrigo, o la costanza in amore - Venice, Teatro Grimani di S. Samuele (1776)
*Il principe di Lagonegro, ossia l'innocente premiata - Florence, Teatro degli Infuocati in Via del Cocomero (1777)
*La fedeltà nelle angustie - Florence, Teatro degli Immobili in Via della Pergola (1777)
*Il curioso indiscreto - Rome, Teatro delle Dame (1777)
*Gengis-Kan - Turin, Teatro Regio (1777)
*Adriano in Siria - Padua, Teatro Nuovo (1777)
*Lo sposo disperato - (also known as "Lo Zotico incivilito") Venice, Teatro San Moisè (1777)
*La vaga frascatana contrastata dagli amori umiliati - Ravenna, Teatro Nobile (1777)
*Ezio- Venice, Teatro San Moisè (1778)
*Orlando Paladino - Vienna, Hoftheater (1778)
*Il controgenio - Rome, Teatro Valle (1778)
*La forza delle donne - Venice, Teatro San Moisè (1778)
*Azor Re di Kibinga - Venice, Teatro San Moisè (1779)
*Cleopatra - Milan, Teatro alla Scala (1779)
*Il matrimonio per inganno - Florence, Teatro degli Infuocati in Via del Cocomero ( (1779)
*Le gelosie villane - Casale Monferrato, Teatro Secchi (1779)
*Amor costante - Rome, Teatro Capranica (1779)
*Tito nelle Gallie - Rome, Teatro delle Dame (1780)
*La finta cingara per amore (first act by C. Franchi, second act by Anfossi) - Venice, Teatro S. Giovanni Cristomo (1780)
*I viaggiatori felici - Venice, Teatro Grimani di S. Samuele (1780)
*La vedova scaltra - Rovigo, Teatro Roncale (1780)
*Lo sposo per equivoco - Rome, Teatro Capranica (1781)
*L'infante di Zamora - Paris, Menus Plaisir per conto dell'Opera (1781)
*I vecchi burlati - London, Haymarket (1781)
*Gli amanti canuti - Venice, Teatro San Moisè (1781)
*L'imbroglio delle tre spose- Florence, Teatro Degli Immobili in Via della Pergola (1781)
*Il trionfo di Arianna- Venice, Teatro San Moisè (1781)
*Zemira- Venice, Teatro S. Benedetto (1781)
*Il disprezzo- Venice, Teatro Grimiani di S. Samuele (1782)
*La finta ammalata - Parma, Teatro di Corte (1782)
*Il trionfo della costanza - London, Theatre ? (1782)
*Le gelosie fortunate - Turin, Teatro Carignano (1783)
*Chi cerca trova - Florence, Teatro degli Infuocati in Via del Cocomero (1783)
*Gli sposi in commedia - Piacenza, Teatro Ducale (1784)
*Il cavaliere per amore - Berlin, Königliches Theater (1784)
*Issipile - London, Haymarket (1784)
*Le due gemelle - London, Haymarket (1784)
*La pazza per amore - Correggio, Teatro pubblico (1785)
*L'inglese in Italia - London, Haymarket (1786)
*Le pazzie de' gelosi - Rome, Teatro Valle (1786)
*Creso - Rome, Teatro di Torre Argentina (1786)
*Sedecia - Florence, Teatro degli Immobili in Via della Pergola (1787)
*La vilanella di spirito - (dubious – 1787)
*L'orfanella americana - Venice, Teatro San Moisè (1787)
*Erifile - Lucca, Teatro Pubblico (1787)
*Artaserse - Rome, Teatro delle Dame (1788)
*I matrimoni per fanatismo - Naples, Teatro del Fondo della Separazione di Lucri (1788)
*La maga Circe - Rome Teatro Valle (1788)
*La gazzetta, ossia il baggiano burlato - Rome, Teatro Valle (1789)
*L'antiquario - Paris, Feydeau (1789)
*Zenobia in Palmira - Venice, Teatro San Benedetto (1789)
*Gli artigiani - Dresden, Electoral Court Theatre (1793)
*L'amor artigiano - Pavia, Teatro De'Quattro Signori Compadroni attuale Fraschini (1797).

==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./pasquale_anfossi/index.php sarpanet.info./pasquale_anfossi/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:compositor]]

Archivo:Pasquale anfossi001.jpg

2013-05-09T14:05:19Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Stuart Adamson

2013-05-09T13:45:13Z

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{{Ficha Persona
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|nombre completo = Stuart Adamson
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|descripción=Músico escocés destacado por su estilo de tocar la guitarra y fundar famosas bandas de rock.
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|fecha de fallecimiento = [[16 de diciembre]] de [[2001]]
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|ocupación= Músico (guitarrista)
}}
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'''Stuart Adamson'''. Guitarrista de origen inglés, pero muy identificado con Escocia, tierra de sus padres y donde pasó la mayor parte de su juventud. Fue muy destacado por su estilo de tocar guitarra. Alcanzó gran fama en las bandas de rock que fundó: The Skids, Big Country y The Raphaels.

==Datos biográficos==

Sus padres eran naturales de [[Escocia]]. Su padre, que trabajaba en la industria de la pesca (ingeniero) le animó a leer y aprender sobre el mundo exterior, que se manifestaría años más tarde como referencias literarias y políticas en las letras de las canciones de su país y en sus bandas de renombre internacional.

Adamson aprendió a amar la música cuando era un niño al escuchar a su padre y otros escoceses de la clase obrera, desarrollando así los valores que más tarde ayudaría a atraer a muchos fieles seguidores.

Se casó dos veces y tuvo dos hijos de su primer matrimonio.

=== Muerte ===

El [[16 de diciembre]] de [[2001]] fue encontrado muerto, después de cometer suicidio por ahorcamiento en una habitación en el Best Western Plaza Hotel en Honolulu, [[Hawaii]]. En el momento de la muerte tenía alto contenido de alcohol en sangre.

==Bandas de rock==

=== The Skids ===

En el colegio conoce a Bill Simpson, con quien forma la banda Tattoo. Luego conoce a Mike Baillie, quien sería baterista de Skids al reemplazar a sus dos anteriores.

En [[1977]] surgió el punk rock como boga juvenil, y después de ver a The Damned tocando en una gira, Adamson decide, junto con su compañero y amigo de escuela Bill Simpson, formar una banda. The Skids se completó con el ingreso del cantante Richard Jobson y del baterista Tom Kellichan.

===Big Country===

En [[1980]] las tensiones con Jobson hace que haya una ruptura entre su relación y decide separarse de los Skids. Tenía otras proposiciones musicales, de esta forma en [[1982]] forma Big Country, banda con la cual alcanzaría una gran fama. El punk ya no estaba en su mente, formaría un nuevo género, que le hizo ser a él y sus compañeros de Big Country como una de las agrupaciones rockeras más emblemáticas de la década de los años ochenta.

Ya que Stuart Adamson había muerto para las reuniones de The Skids tanto del [[2003]] y [[2007]], Bruce Watson, guitarrista de Big Country junto con él, fue el que tomaría su lugar de ese entonces en adelante.

===The Raphaels===

The Raphaels fue un grupo de música country alternativo, liderado por Stuart Adamson. El dúo también fue integrado por el compositor de Nashville Marcus Hummon. El dúo nunca viajó, sin embargo, su álbum debut, “Supernatural”, fue lanzado el [[14 de agosto]] de [[2001]] a través de Track Records.

==Discografía==

'''Skids'''

*Scared to Dance
*Days in Europa
*The Absolute Game

'''Big Country'''

*The Crossing
*Steeltown
*The Seer
*Peace in Our Time
*No Place Like Home
*The Buffalo Skinners
*Why the Long Face?
*Driving to Damascus

'''The Raphaels'''

*Supernatural

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info/stuart_adamson/index.php Biografía de Stuart Adamson. Todo y más es SARPANET]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Stuart_Adamson Stuart Adamson]
*[http://translate.google.com.cu/translate?hl=es&sl=en&u=http://www.allmusic.com/artist/adamson-p50483&ei=B-m7T5zPGZPgggewloy4Cg&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=11&ved=0CJsBEO4BMAo&prev=/search%3Fq%3DStuart%2BAdamson%26hl%3Des%26prmd%3Dimvnso Stuart Adamson. Biografía]

[[category:Músico]] [[category:Guitarristas]]

Archivo:Stuartadamson1.jpeg

2013-05-09T13:40:31Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Soraya Raquel Lamilla Cuevas

2013-05-09T13:25:50Z

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{{Ficha Persona
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|ocupación= Cantautora, activista, compositora, productora, arreglista, poeta
}}

'''Soraya''', cantautora norteña de origen Colombiano cuyo nombre es Soraya Raquel Lamilla Cuevas que aunque su carrera fue corta; pues fue truncada por el cáncer, fue amplia porque en sus años de vida artística sus discos gustaron a su publico y a la critica, así que fue una carrera exitosa y saboreada por los éxitos y por los premios que recibió en vida.

==Síntesis biográfica==

Cantautora y productora colombiano-estadounidense. Fue una estrella de la música hispana en los [[Estados Unidos]], habiendo alcanzado dos números uno en el [[Billboard Latino]] y sendos premios Grammy Latinos en las categorías de Mejor Cantautor [[2004]] y Cantante Femenina Más Popular [[2005]] por su álbum ''El Otro Lado de Mí''. Tuvo a su cargo también el show de apertura de los premios Billboard Latin Music. Su carrera abarcó diez años de producción, durante los cuales lanzó al mercado cinco discos, cada uno producidos simultáneamente en español e inglés.

Nació el [[11 de marzo]] de [[1969]] en [[Point Pleasant]], [[Nueva Jersey]], un año después de que su familia (sus padres y su hermano mayor) se mudan desde [[Colombia]] a los [[Estados Unidos]]. Posteriormente su familia fue forzada a regresar a Colombia, pero a la edad de ocho años regresó con ella a Nueva Jersey. El nombre Soraya es muy común en el Medio Oriente. La rama materna de su familia es de origen cristiano libanés que emigraron desde el [[Líbano]] hasta Colombia. La madre de Soraya, Yamila Cuevas Gharib, fue ama de casa en Colombia, pero tuvo, al igual que su esposo, que trabajar muy duro una vez asentados en los [[Estados Unidos]].

El padre de Soraya tuvo que trabajar en tres o cuatro lugares con el fin de cumplir con los gastos de su hogar, a diferencia de cuando se encontraba en Colombia, trabajando para una empresa exportadora. Mientras crecía, no se le permitió a Soraya hablar en inglés dentro de su casa, a instancias de su madre, para que conservara el dominio del idioma español. Si bien su padre había aprendido inglés mucho antes de emigrar a los Estados Unidos para mejorar la calidad de vida de su familia, su madre prefirió siempre hablar español, a pesar de que también dominaba el inglés, y siempre inculcó eso en su hija.

==Inicios en la musica==

Soraya sólo tenía doce años de edad cuando por primera vez le fue diagnosticado el cáncer de seno a su mamá. Luego de una leve recuperación, tuvo una recaída cuando Soraya tenía dieciocho, hasta que falleció cuando Soraya tenía veintidós. En una entrevista, Soraya misma afirmó que el padecimiento de su madre cultivó su sentido de responsabilidad, y que se vio forzada por las circunstancias a ser más madura que las personas de su edad, debido a que tuvo el deber de acompañar a su madre en su enfermedad y de realizar los quehaceres del hogar. Así, Soraya fue con su madre al hospital cuando era necesario e investigó con ella sobre el cáncer de seno, llegando incluso a participar junto a ella en la Carrera por la Cura. Soraya se interesó por primera vez en la música a la edad de cinco años, mientras escuchaba a su tío tocando en Colombia. Su tío tocaba música colombiana con el tiple, una especie de guitarra con cuerdas triples.

==Primera presentación en público==

Al ver su interés, sus padres le compraron una guitarra, con la cual aprendió sola a tocar ese mismo año. A la edad de nueve años, pasó a dominar el violín clásico y su primera presentación musical en público fue como violinista en el Carnegie Hall, sito en [[Nueva York]]. Cuando era estudiante de secundaria, empezó a escribir sus propias canciones en español e inglés. Soraya asistió a la Universidad Rutgers en [[Nueva Jersey]], y allí estudió literatura inglesa, filosofía francesa y estudios de la mujer. Cuando era estudiante, acostumbraba presentarse en las cafeterías circundantes al campus de la universidad. Soraya obtuvo un contrato de grabación con Polygram Latino Island Records en [[1996]]. Su primer álbum, llamado On Nights Like This-En Esta Noche, recibió una aclamación positiva de la crítica y le permitió hacer giras con otro músicos conocidos como [[Natalie Merchant]], [[Zucchero]], [[Sting]], [[Michael Bolton]] y [[Alanis Morissette]]. Esta canción está dedicada al dolor y sufrimiento que vivió al lado de su madre a causa del cáncer.

===Pega hits en la lista de la Billboard===

Cuatro de sus canciones subieron al tope de las listas en los mercados Latinoamericano y el mercado de hispanos en los [[Estados Unidos]], y su disco sencillo Suddenly-De Repente dominó el listado Billboard en categoría Pop Latino. Su segundo álbum, Wall of Smiles-Torre de Marfil, escrito junto con su ídolo [[Carole King]] y que salió al mercado a finales de [[1997]], le ayudó a obtener reconocimiento mundial. A principios del mes de junio del año [[2000]], a dos semanas de salir al mercado su nuevo álbum Cuerpo y Alma - I'm Yours y con un Tour completo de fechas para la promoción del disco surge la desafortunada noticia de que ha sido diagnósticada con cáncer de seno en etapa III.

==Se aleja de los escenarios==

La noticia la confirma la propia Soraya en un video. Del álbum Cuerpo y Alma- I'm Yours destacan con fuerza singles como Cuerpo y Alma y En dónde estás. Soraya dedicó los siguientes dos años a su tratamiento, tiempo en el cual siguió componiendo y también compartiendo su misión de lucha contra el cáncer de seno, a través de actividades y charlas bajo el alero de Fundaciones como Susan G. Komen.

==Regresa exitosamente==

Ya a fines del año [[2002]], Soraya anunciaba a través de su sitio web (soraya.com) que se encontraba ultimando la grabación de lo que sería su regreso musical. Fue así como en marzo del año [[2003]] ve la luz un álbum intimo pero lleno de fuerzas, es el regreso tan esperado. La producción se titula Soraya, cuyo primer single es Casi, un canto a la vida como la mismísima Soraya lo define. Este regreso lleno de éxitos y alabanzas de la crítica especializada, se corona con actuaciones tan memorables como su participación en el Festival de Viña del Mar en donde es ovacionada por el publico que le entrega merecidamente la Antorcha de Plata .

===Disco con fusión de ritmos===

Además es reconocida por sus Pares con el Premio Grammy Latino [[2004]], en la categoría Mejor Álbum Cantautor. A fines de ese mismo año ya comienza la grabación su nueva placa “El Otro lado de Mi” que finalmente sería lanzado en marzo del [[2005]]. En esta nueva entrega Soraya explora los ritmos colombianos fusionados con el pop-rock-country, tan característico de ella. De éste compilatorio se extraen éxitos como Llévame / Leadme y la balada y último single Como Sería. Nuevamente con esta producción Soraya conquista al publico y a la crítica, es ovacionada en los Billboard Latinos donde está a cargo de abrir el espectáculo junto con Alek Sintek y nuevamente es nominada a los Grammys Latinos en la Categoría Mejor Álbum Femenino. También hace realidad un gran anhelo de sus fans, el ir de gira y presentarse en vivo tanto en [[Argentina]] como [[Chile]], cuyas presentaciones son un éxito a tablero vuelto y con excelentes comentarios de la calidad y entrega de Soraya.

Entre algunas actuaciones especiales de Soraya se encuentra la grabación de Véngase pa' acá, un tema autóctono colombiano de navidad junto a [[José Feliciano]] como parte de En mi país un especial musical auspiciado por el Banco Popular de [[Puerto Rico]], país que visitó frecuentemente, tanto por su carrera artística como por su activismo contra el cáncer Durante su carrera destacan el haber colaborado con composiciones musicales para artistas tan variados como: Riuchi Sakamoto ("Tango"); Alek Syntek ("Salva mi corazón"); Erkan Aki (tenor alemán "What are we waiting for"); Andy Madadian ("Cerca del corazón"); Gary Burr ("Until I'm Loving you"); Myriam Hernández("Huellas");Daniela Castillo ("Estés Donde Estés- Envia tu amor"), Ricky Martín en febrero de [[2005]] ("Déjate Llevar"/"It's All Right"); Ha Ash ("Que hago yo", "Me entrego a tí"),por nombrar sólo algunos destacados artistas.

==Muere víctima del cáncer de mama==

Sin dejar de trabajar hasta sus últimos momentos estuvo componiendo y luchando contra el cáncer de mama que puso fin a su lucha el [[10 de mayo]] de [[2006]] en [[Miami]].

==Discografía==

'''En esta noche''' (1996)

*De repente
*Quédate
*Amor en tus ojos
*Avalancha
*Calma antes de la tormenta
*Las ruinas en mi mente
*Debo saber
*Razón para creer
*Pueblito viejo
*En esta noche
*Suddenly (De Repente)

'''Torre de marfil''' (1997)

*Si te vas
*El cruce
*Lejos de aquí
*París, Cali, Milán
*Torre de marfil
*Es un amor
*¿Será el final?
*Dulce amor
*Mi dolor
*Cosas en la vida
*Oropel
*So Far Away (Lejos de Aquí)

'''Cuerpo y alma''' (2000)

*Cuerpo y alma
*Algo tan mío
*¿En dónde estás?
*Half
*¿When Did I Say That?
*Tu amor, mi amor
*You And I
*Need To Be Found
*Después de amar así
*La misma historia
*Amigo mío
*Dance of The Waiting

'''Soraya''' (2003)

*Casi
*Sólo por ti
*Ser amado
*Miento
*Sin explicación
*A tu lado
*Espejo
*Porque te quiero
*Prisionera
*Náufrago
*Casi (acústico)
*Lie For You

'''El otro lado de mí''' (2005)

*Ser
*Llévame
*¿Cómo sería?
*Sin tu amor
*El otro lado de mí
*Un segundo lento
*La promesa
*Alma de la calle
*Un mundo sin prisa
*Tiempo
*Gotas de perdón
*Lead Me (versión de Llévame en inglés).

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./soraya/index.php sarpanet.info./soraya/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:cantante]]

Archivo:Soraya 1.JPG

2013-05-09T13:23:47Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Slash11.jpg

2013-05-09T13:07:29Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Charly García

2013-05-06T20:27:34Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha Persona
|nombre = Charly García
|nombre completo = Carlos Alberto García Moreno
|otros nombres =
|imagen= Charly-garcía-2009.jpg
|descripción= Compositor y productor de musica rock de origen argentino.
|fecha de nacimiento =[[23 de octubre]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]] [[Argentina ]] {{bandera2| Argentina}}
|ocupación= Músico, compositor y productor de rock
}}
'''Charly García'''. Compositor y productor de [[música]] [[rock]] de origen Argentino que ha hecho historia dentro de la música y ha tomado gran fama por la calidad de su música y la excentricidad de sus conciertos.

==Síntesis biográfica==

=== Nace ===

El músico argentino de nombre Carlos Alberto García Moreno, más conocido como Charly García, nació el día [[23 de octubre]] de [[1951]]. Este hombre ha pertenecido a una familia rica que con los tiempos por los que pasaba su país ha sufrido algunos cambios, y así fue que cuando su madre debido a la falta de dinero en la casa comienza a trabajar. Carmen Moreno, su madre, comenzó a trabajar como productora de show musicales para radio, especialmente de música folclórica, aquí es donde Charly comienza a sentir la música más cercana.

La familia continuó con una situación realmente desagradable y los padres de Carlos deciden realizar un viaje debido a la situación política familiar dejando al pequeño Carlos solo, y en este momento el niño sufre un ataque nervioso y amanece con la mitad de su rostro extremadamente blanca, y es en el día de hoy que Charly García muestra un particular bigote bicolor.

===Otras etapas ===

Al poco tiempo, Charly comienza a mostrar su talento musical con un piano de juguete que le regala su madre, y allí mismo su propia madre lo anota en una escuela de enseñanza de música de su barrio, el conservatorio Thibaud Piazzini. Aquí mismo a la edad de doce años egresa con el título de profesor de música.

===Su vida===

El músico desde sus comienzos ha sido una figura que ha generado polémica tanto en el ámbito nacional como internacional, ha sido criticado por sus repentinos cambios de humor en medio de los recitales, su cercanía y relación con la drogadicción y sus polémicas frases sobre sí mismo y sobre otros personajes conocidos. Charly ha sido en varias ocasiones protagonista de incidentes, tal es así que ha sido internado numerables veces en clínicas psiquiatricas y ha sido dado de alta en el ejercito debido a una sobredosis de anfetaminas, ha probado el vértigo al lanzarse en una ocasión de una ventana en un noveno piso hacia una piscina.

==Debut discográfico==

Su debut discográfico se ha producido en el año [[1972]], cuando García participa del primer disco de Raúl Porchetto, titulado “Cristo Rock”. En su carrera musical y trayectoria remarcada en ala historia de la música, Charly García resalta como uno de los más reconocidos tecladistas, compositores y productores latinoamericanos de rock.

Profundizando en su vida, el joven mientras cursaba la escuela secundaria conoce a Carlos Alberto «Nito» Mestre, con quien crea “[[Sui Generis]]”, banda musical que al estilo folk norteamericano, acompañados por el éxito graban tres discos: “Vida” en [[1972]], “Confesiones de Invierno” al año siguiente y “Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones”. Debido a varias crisis que ha sufrido el dúo, las cuales no han llegando a ser peleas, se separa en [[1975]] despidiéndose con un recital impecable, en el cual se registra un álbum doble llamado “Adiós Sui Generis”.

Al año siguiente, Charly graba un disco con “PorSuiGieco”, junto con [[Raúl Porchetto]], [[León Gieco]], (Nito Mestre) y (María Rosa Yorio), los lideres del rock.

El siguiente trabajo musical en su increíble trayectoria se ha llamado “La Máquina de Hacer Pájaros” una banda novedosa con un estilo del rock sinfónico. Este grupo ha presentado dos discos llamados “La Máquina de Hacer Pájaros” el cual se editó en [[1976]] y “Películas” en el año [[1977]].

==Nueva banda==

Al poco tiempo, llega “Serú Girán” una de las bandas claves en el Rock Nacional. Esta agrupación que ha liderado García ha marcado con su estilo tan particular, editando cinco discos llamados “Serú Girán”, el cual llega en [[1978]], “La Grasa de las Capitales” al año siguiente, “Bicicleta” en el año [[1980]], “Peperina” continuando y por ultimo “No llores por mí, Argentina” en el año [[1982]].

==Trabajo en solitario==

Es en este mismo año, [[1982]] que Charly da sus primeros pasos como artista solista, y su primer encargo ha sido de parte de Raúl de la Torre, quien le encarga la banda de sonido de su película “Pubis Angelical”, y al mismo tiempo García graba “Yendo de la Cama al Living”, el cual ha sido aceptado con gran éxito y gracias a la difusión de los medios de comunicación. Este material ha sido presentado en un imponente recital para 25.000 personas en el estadio de Ferrocarril Oeste, en el cual Charly llega al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de “No bombardeen Buenos Aires”.

En [[1983]] llega “Clics Modernos”, el cual muestra un estilo más pop-rock, el cual ha sido presentado esta vez en el estadio Luna Park en [[Buenos Aires]], acompañado por Pablo Guyot, Alfredo Toth, Willy Iturri, Daniel Melingo, Fabiana Cantilo y un joven rosarino en los teclados: [[Fito Páez]].

Al año siguiente, luego del disco poco entendido por la gente debido a su nuevo estilo, sale a la luz “Piano Bar”, un álbum que solo se define como rockero al desprender “Demoliendo Hoteles” y “Raros peinados nuevos” elevándolos a sus máximos logros.

==Nuevos discos en solitario==

“Tango” llega en [[1986]], disco grabado junto a Pedro Aznar, con quien lo ha presentado en la discoteca Paladium. Ha sido un material de corta difusión. Acto seguido en [[1987]] sale al mercado “Parte de la Religión”, disco considerado por muchos como el mejor disco solista. Ha sido grabado e interpretado casi en su totalidad por él, alterna un rock fuerte con estribillos melódicos, siendo uno de los más prolijos y compactos.

==Finaliza gira internacional==

En el mes de octubre de [[1988]], Charly cierra la gira de Amnesty International, en la que ha deambulado por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. En ese evento, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River Plate para aplaudir a grandes músicos internacionales, como [[Peter Gabriel]], [[Sting]] y [[Bruce Springsteen]], acompañados por [[Tracy Chapman]] y [[Youssou N'Dour]]. En esta gran ocasión han figurado como representantes locales, León Gieco y Charly, quien arremetió con “Demoliendo Hoteles”, “Nos Siguen Pegando Abajo”, “Los Dinosaurios” y “La Ruta del Tentempié”. Y en este mismo año compone la banda de sonido de la película “Lo Que Vendrá”, filme de Gustavo Mosquera, y ha formado parte de “Cómo Conseguir Chicas”, su nuevo trabajo de recopilaciones de [[1989]].

En el comienzo de la década del 90, sale a la luz el tan ansiado material de nombre “Filosofía Barata y Zapatos de Goma”, disco que incluía una versión del “Himno Nacional Argentino”, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales. Este disco ha mostrado claramente la influencia de Prince en el estilo de García. Al año siguiente Charly se presenta ante 26.000 personas un recital Despedida del Año. Aquí García ingresa al escenario dentro de una ambulancia, burlándose de su internación en una clínica, a mediados de ese año. La banda de músicos en ese evento ha sido la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada como “Los Enfermeros”.

Más adelante, definiendo su formación musical se solía presentar con una banda formada por tres músicos chilenos, Kiushe Hayashida en guitarra y coros, Tonio Silva Peña en batería y Carlos González en bajo, él mismo en teclados, guitarra y voz, y un trío de cuerdas formado por Alejandro Terán en la guitarra, Javier Weintraub en el violín y Julián Gándara en el cello.

==Emprende gira nacional==

Es en el año [[2004]] que el músico argentino Charly García emprende una gira por todo el país, a la que llama “La Venganza”, cuyo show duraba tres horas incluyendo temas de todas las épocas, y éste ha sido visto por un público heterogéneo en cuanto a edades.

==Concierto con innovación==

En el año [[2006]] el músico se encuentra presentando “Kill Gill”, su última producción discográfica, en donde decide innovar con “concierto para auriculares”, en el cual la música puede ser apreciada en frecuencia FM. Este hecho exige que los fanáticos del músico tengan consigo un radio, y prepara para más adelante la idea de desarrollar música bajo el agua.

==Discografía==

*(1972) Vida
*(1973) Confesiones de Invierno
*(1974) Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones
*(1975) Adiós Sui Géneris, Parte I & Parte II (vivo)
*(1976) Porsuigieco
*(1976) La máquina de hacer pájaros
*(1977) Películas
*(1978) Serú Girán
*(1979) La grasa de las capitales
*(1980) Bicicleta
*(1980) Música del alma
*(1981) Peperina
*(1982) No llores por mí, Argentina
*(1982) Yendo de la cama al living + Pubis angelical
*(1983) Clics modernos
*(1984) Piano bar
*(1984) Terapia intensiva
*(1985) Tango
*(1987) Parte de la religión
*(1988) Lo que vendrá
*(1989) Cómo conseguir chicas
*(1990) Filosofía barata y zapatos de goma
*(1991) Tango 4
*(1992) Serú 92
*(1993) En vivo I & II
*(1993) Adiós Sui Géneris Volumen III
*(1993) Radio Pinti
*(1994) La hija de la lágrima
*(1995) Estaba en llamas cuando me acosté
*(1995) Hello! MTV Unplugged
*(1996) Say No More
*(1997) Alta fidelidad
*(1998) El aguante
*(1999) Demasiado ego
*(1999) Charly & Charly en Olivos
*(2000) Sinfonías para adolescentes
*(2000) Yo no quiero volverme tan loco
*(2001) Si - Detrás de las paredes
*(2002) Influencia
*(2003) Rock and Roll Yo
*(2006) Kill Gil.

==Fuentes==

*[http://www.sarpanet.info./charly_garcia/index.php sarpanet.info./charly_garcia/index.php]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html sarpanet.info./musica.html]
*[http://www.sarpanet.info./ sarpanet.info./]

[[category:Compositor]][[category:Músico]]

Thom Yorke

2013-05-06T20:06:15Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = Thom Yorke
|imagen =300px-Thom_Yorke.jpg
|tamaño =
|descripción = Cantante principal del grupo [[Radiohead]].
|nombre real = Thomas Edward Yorke
|nacimiento = [[7 de octubre]] de [[1968]]
|lugar_nacimiento = Wellingborough, Northamptonshire, {{bandera2| Inglaterra}}
|muerte =
|lugar_muerte =
|padre =
|madre =
|cónyuge = Rachel
|hijos = Noah y Agnes Yorke
|voz =Posee una gran facilidad para el ''falsetto''. Según diversas fuentes tiene un rango de 4 octavas, y su voz ocupo el lugar 66° de los mejores cantantes de la historia de la revista [[Rolling Stones]].
|ocupación = Cantante
|alias =
|estilo = [[Rock Alternativo]], Art rock, [[Música electrónica]].
|instrumento =[[Voz]], [[guitarra]], [[piano]], órgano, [[batería]].
|tiempo =[[1978]]-?
|discográfica = XL Records, EMI, Parlophone.
|relacionados =[[Radiohead]], Atoms For Peace.
|firma =
|url =
|url2 =
|imdb =
|firma =
}}'''Thom Yorke'''. Cantante principal y compositor del famoso grupo [[Radiohead]]. Se destaca por sus interpretaciones vocales y musicales.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[7 de octubre]] de [[1968]] en Wellingborough, Northamptonshire ([[Inglaterra]]).
Nacido con el ojo izquierdo paralizado, Yorke pasó la mayor parte de sus primeros cinco años de vida en salones de operaciones. Al final su visión quedó dañada y su ojo izquierdo vago.

Su familia se instaló en [[Oxfordshire]], donde el padre de Yorke trabajaba como vendedor de equipos y productos químicos, puesto que le obligaba a realizar constantes viajes por el país.

Tras ver a [[Brian May]], guitarrista de [[Queen]] actuar en televisión, Yorke decidió ser músico. Tuvo su primera [[guitarra]] contando apenas siete años, uniéndose a su primera banda musical a los diez, mientras estudiaba en un colegio privado para chicos en Abingdon. Fue precisamente en este lugar donde conocería a sus futuros compañeros de [[Radiohead]]: Ed O'Brien, Phil Selway, Colin Greenwood y al hermano pequeño de Colin, Jonny.

Años más tarde, Yorke iría a la Universidad de [[Exeter]], licenciándose en [[literatura]] inglesa y [[arte]]. Trabajó además como camillero en un hospital psiquiátrico.

=== Trayectoria artística ===
[[Radiohead]] se convirtió en uno de los grupos más exitosos del mundo, llegando a lo más alto de las listas en numerosos países. Por esto, las canciones de Yorke se convirtieron en sinónimo de la cultura de finales del siglo [[XX]]. Temas como la [[tecnología]], el existencialismo urbano, la [[enfermedad]] y el [[amor]] dominan sus letras. Thom usa el pseudónimo “Tchock” cuando realiza el arte para los álbumes.

Es muy amigo del cantante de R.E.M., [[Michael Stipe]], acudiendo ambos a conciertos del grupo del otro, ya que son fans mutuos. Thom ha confesado frecuentemente que Michael fue fuente de inspiración para un montón de sus canciones, además de ayudarle a salir de la depresión que padeció en el espacio de tiempo entre los álbumes ''OK Computer'' ([[1997]]) y ''Kid A'' ([[2000]]).
====Discografía====
Tanto Thom Yorke como los otros miembros de [[[[Radiohead]] reciben influencias de [[Elvis Costello]], [[R.E.M.]], [[Clinic]], [[PJ Harvey]], Bjork]], the [[Pixies]], [[DJ Shadow]], [[Pink Floyd]] y [[Talking Heads]].

En [[2006]], publica un álbum en solitario, que lleva por título ''The Eraser'' y que según Yorke iba dedicado a su hija Agnes, nacida en [[2004]]. Ya en [[2001]], había dedicado su álbum ''Amnesiac'' a su primogénito, Noah.

* '''[[1993]]''': ''Pablo Honey''. (Con Radiohead)
* '''[[1995]]''': ''The Bends''. (Con Radiohead)
* '''[[1997]]''': ''OK Computer''. (Con Radiohead)
* '''[[2000]]''': ''Kid A''. (Con Radiohead)
* '''[[2001]]''': ''Amnesiac''. (Con Radiohead)
* '''[[2003]]''': ''Hail to the Thief''. (Con Radiohead)
* '''[[2006]]'''. ''The Eraser''. (En solitario)
* '''[[2007]]''': ''In Rainbows''. (Con Radiohead)
* '''[[2011]]''': ''The King of Limbs''. (Con Radiohead)
===== Sencillos =====
'''The Eraser'''
* ''Black Swan''
* ''Harrowdown Hill''
* ''Analyse''
===== Otros =====
* ''Spitting Feathers EP'' ([[2006]])
* ''Feeling Pulled Apart By Horses'' / ''The Hollow Earth'' ([[2009]])
* ''Hearing Damage'' (2009) - (Banda sonora de la Película ''Luna Nueva'')

===Quehacer político===
Yorke ha destacado también por su campaña en actividades políticas como Fair Trade, movimientos pacifistas y Amnistía Internacional.

En el [[2005]] fue nombrado portavoz de la ONG "Amigos de la Tierra" para participar en su campaña destinada a reducir las secuelas del [[efecto invernadero]], denominada ''The Big Ask''.
==Fuentes==

* [http://www.sarpanet.info./thom_yorke/index.php Thom York (Sarpanet)]
* [http://es.wikipedia.org/wiki/Thom_Yorke Thom Yorke (Wikipedia)]

[[Category:cantante]]

Archivo:300px-Thom Yorke.jpg

2013-05-06T20:01:25Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Martha Argerich

2013-05-03T18:02:39Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = Martha
|imagen =Martha-argerich.jpg
|tamaño =
|descripción = Pianista argentina de música clásica, considerada una de los mayores exponentes de su generación y la posguerra. Especialmente célebre por sus interpretaciones de Frederic Chopin, Franz Liszt, Johann Sebastian Bach, Robert Schumann, Maurice Ravel y Serguéi Prokófiev.
|nombre real = Martha Argerich
|nacimiento = [[5 de junio]] de [[1941]]
|lugar_nacimiento =[[Buenos Aires]] {{bandera2| Argentina}}
|muerte =
|lugar_muerte =
|padre =
|madre =
|cónyuge = Robert Chen, Charles Dutoit, Stephen Kovacevich
|hijos = Lyda, Annie y Stephanie.
|voz =
|ocupación = Pianista
|alias =
|estilo = Clásico
|instrumento = Piano
|tiempo =
|discográfica =
|relacionados =
|firma =
|url =
|url2 =
|imdb =
|firma =
}}'''Martha Argerich.''' Excelente pianista de origen argentino que ha ganado su fama interpretando a los grandes virtuosos como [[Johann Sebastian Bach]], [[Ludwing Von Bethoven|Bethoven]] y otros grandes. Esto le ha permitido convertirse en jurado de varios concursos y festivales que han llevado su nombre en su honor.
==Síntesis biográfica==
Nació en [[Buenos Aires]], el [[5 de junio]] de [[1941]]. Desde los cinco años tomó clases de piano con Vecenzo Scaramuzza. En [[1955]] viajó a Europa con su familia, y recibió instrucción por parte de Friederich Gulda en [[Viena]]; entre sus maestros también se incluyen Nikita Magaloff y Stefan Askenase.
Luego de sus primeros premios en las competiciones de piano en [[Bolzano]] y [[Geneva]] en el año [[1957]], se embarcó en un programa intensivo de conciertos. Su victoria en el concurso [[Chopin]] en [[Warsaw]] en [[1965]] fue un paso decisivo en su trayectoria al reconocimiento mundial.
===Vida y matrimonio===
Martha Argerich ha contraído matrimonio tres veces: la primera con Robert Chen, padre de su hija mayor, Lyda. Desde [[1969]] a [[1973]] estuvo casada con el director de orquesta Charles Dutoit, que continúa haciendo grabaciones y conciertos con la pianista, y con quien tuvo a su segunda hija, Annie. Su tercer marido fue el pianista Stephen Kovacevich, padre de su tercera hija, Stephanie.
Uno de sus amigos más cercanos es el pianista brasileño Nelson Freire, que la acompaña frecuentemente en dúos de piano. Argerich reside habitualmente en Bruselas.
===Interpretación de virtuosos===
Alcanzó la fama con sus interpretaciones de las obras virtuosas para piano del siglo XIX y el siglo XX. Pero ella no se considera a sí misma como una especialista en los trabajos “virtuosa”. Su repertorio incluye desde [[Johann Sebastian Bach|Bach]] pasando por [[Beethoven]], [[Robert Schumann|Schumann]], [[Franz Liszt|Liszt]], [[Claude Debussy|Debussy]] y [[Maurice Ravel|Ravel]], incluyendo a Bartók. Trabajó como concertista con muchos famosos directores de orquesta. También ha adquirido gran importancia en la música de cámara desde, que a los 17 años, acompañó al violinista Joseph Szigeti, de dos generaciones más grande que ella.

===Giras===
Ha realizado giras por [[Europa]], [[América]] y [[Japón]] junto a Gidon Kremer y Mischa Maisky, también ha grabado gran parte de su repertorio para cuatro manos y dos pianos con los pianistas Nelson Freire, Stephen Bishop-Kovacevich, Nicolas Economou y Alexandre Rabinovitch. Se presentó en el festival Gidon Kremer en [[Lockenhaus]], en el festival de verano para piano en [[Munich]], el Festival [[Lucerna]] y el de [[Salzburgo]], donde dio, por ejemplo, un recital con Mischa Maisky en el año [[1993]].
Apareció con Claudio Abbado y la Filarmónica de [[Berlín]] en el año [[1992]] en el Concierto de Víspera de Año Nuevo presentando la obra Burleske de Strauss, y también en el Festival de Salzburgo en pascua del año [[1993]]. En [[1998]] vio el ansiado musical “Summit meeting” entre Martha Argerich, Mischa Maisky y Gidon Kremer. Durante la ocasión del concierto en memoria al empresario Reinhard Paulsen, los tres artistas viajaron juntos a [[Japón]], donde interpretaron tríos para piano de [[Shostakovich]] y [[Tchaikovsky]] (grabados por Deutsche Grammophon).
Martha Argerich ha contraído matrimonio tres veces: la primera con Robert Chen, padre de su hija mayor, Lyda. Desde 1969 a 1973 estuvo casada con el director de orquesta Charles Dutoit, que continúa haciendo grabaciones y conciertos con la pianista, y con quien tuvo a su segunda hija, Annie. Su tercer marido fue el pianista Stephen Kovacevich, padre de su tercera hija, Stephanie.
Uno de sus amigos más cercanos es el pianista brasileño Nelson Freire, que la acompaña frecuentemente en dúos de piano. Argerich reside habitualmente en Bruselas.

===Solista===
En el [[2000]] dio su primera aparición como solista en casi 20 años en el Carnegie Hall de [[Nueva York]]. La pianista tiene lazos cercanos con Deutsche Grammophon, que se remontan a [[1967]]. Ha grabado prolíficamente durante este periodo: trabajos de solos de Bach, Brahms, Chopin, Liszt y Schumann; grabaciones de los trabajos de concierto de Chopin, Liszt, Ravel y Prokofiev junto a Claudio Abbado, Beethoven junto a Giuseppe Sinopoli, y Le Noces de Stravinsky junto a Leonard Bernstein.
Se dedicó también a la música de cámara, y grabó trabajos de [[Robert Schumann|Schumann]] y [[Chopin]] junto a [[Mstislav Rostropóvich]], y sonatas tanto de Bach como de Beethoven nuevamente junto a Mischa Maisky. Además ha hecho numerosas grabaciones muy exitosas con otros músicos, entre ellas sonatas para violín de Schumann y trabajos de Bartók, Janácek y Messiaen y el concierto para violín y piano de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Orpheus. Sus grabaciones de las sonatas y melodías [[Serguei Prokofiev|Prokofiev]] recibieron el premio a la Academia de Grabaciones de Tokio, y el Diapasón de Oro en [[1992]], y el premio Edison al año siguiente. Una de sus más destacadas grabaciones fue la de las sonatas completas para violín de Beethoven, la cual fue concluida con el lanzamiento de las Sonatas opus 47 “Kreutzer” y opus 96 en el año [[1995]].

===Presidenta honorífica del jurado===
Tiene un interés muy compasivo en los jóvenes artistas. En septiembre de [[1999]] se llevó a cabo en [[Buenos Aires]], el primer Concurso Internacional de Piano, una competencia que no sólo llevaba su nombre sino de la cual era presidenta del jurado. En noviembre de ese mismo año tuvo lugar en [[Japón]] el segundo “Festival de Música Martha Argerich”, con conciertos y clases maestras dadas no sólo por Martha sino también por [[Mischa Maisky]] y [[Nelson Freire]], entre otros.
==Premios==
*[[1965]] - Premio internacional Competición de [[piano]] Frederick Chopin, primer premio.
*[[1989]] - Premio Konex de Platino, mejor pianista de la década (1980-1989).
*[[1999]] - Premio Konex de Brillante, personalidad más destacada de la música clásica de la década (1990-1999)
*[[2000]] - Premio [[Grammy]] al mejor solista instrumental con acompañamiento de Orquesta: Charles Dutoit (director), Martha Argerich y la Orquesta sinfónica de Montreal por Prokofiev: Concierto para piano n.º 1 y Concierto para piano n.º 3 y Bartók: Concierto para piano n.º 3'
*[[2005]] - Premio Grammy a la mejor interpretación de música de cámara: Martha Argerich y Mikhail Pletnev por Prokofiev (Arr. Pletnev): Cenicienta Suite para dos pianos y Ravel: Ma Mere L'Oye.
*Premio Asociación Japonesa de las Artes.
*[[2006]] - Premio Grammy al mejor solista instrumental con acompañamiento de Orquesta: Claudio Abbado (director), Martha Argerich y la Orquesta de Cámara Mahler por Beethoven: Conciertos para piano n.º 2 y 3.
==Discografía==
*Martha Argerich And Frie (2006)
*Artist Portrait (2005)
*Ludwig Van Beethoven/Rob (2005)
*Prokofiev: Cinderella Su (2004)
*Live From The Lugano Fes (2003)
*Klavierquintett/Andante (2002)
*Live From The Concertgeb (2001)
*Live From The Concertgeb (2000)
*The Legendary 1965 Recor (1999)
*Chamber Music (1995)
*Mendelssohn: Concerto (1989)
==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./martha_argerich/index.php/ Sarpanet]
*[http://mx.music.yahoo.com/ar-23994693-discography Martha Argerich]
*[http://www.elcomercio.com/cultura/Martha-Argerich-reina-piano-cumple_0_492550789.html/ El comercio]
*[http://www.pianored.com/martha-argerich.html/ Pianored]
[[Category:Música]] [[Category:Conciertos]]
[[Category:Pianistas]]

Archivo:Martha-argerich.jpg

2013-05-03T18:00:23Z

Heriberto05012cfg jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

John McLaughlin

2013-05-03T17:45:26Z

Heriberto05012cfg jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = John McLaughlin
|nombre completo = Mahavishnu John McLaughlin,
|imagen =John_mclauglin.jpg
|tamaño =
|descripción = McLaughlin es uno de los más grandes y más importantes músicos de estos tiempo. Nombrado por la revista Rolling Stone como el 49º mejor guitarrista de todos los tiempos en su artículo 100 Greatest Guitarists of All Time. El as de la guitarra.
|nombre real =
|nacimiento = [[4 de enero]] de [[1942]]
|lugar_nacimiento = [[Doncaster]] [[Yorkshire]] {{bandera2| Inglaterra}}
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|ocupación = Guitarrista de jazz fusión.
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|instrumento =Guitarra
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|relacionados =
|firma =
|url =
|url2 =
|imdb =
|firma =
}}<div align="justify">
'''John McLaughlin.''' Reconocido internacionalmente como uno de los mejores guitarristas de [[jazz]]-[[rock]] del mundo producto a sus improvisaciones y luego a la mezcla de sus interpretaciones con el rock y algo de música india que lo llevaron a ocupar lugares de honor dentro de la música.
==Síntesis biográfica==
Nació el [[4 de enero]] de [[1942]]). Proveniente de una familia de músicos (su madre era concertista de violín), De niño estudió violín y piano, pero se interesó más en la guitarra a partir de los once años de edad, explorando estilos como de [[flamenco]] y el jazz de Stéphane Grappelli. McLaughlin. Se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con Georgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en [[1963]]. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.
=== Mahavishnu Orchestra===
Reconocido como el grupo fusión predominante, la Mahavishnu Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa música entre el rock y el jazz. La historia de esta legendaria agrupación, que fue como una estrella fugaz en el inmenso firmamento engendrado del bing bang musical ocurrido a finales de los 60’s, y que brilló con una intensidad inusitada durante su breve existencia de 5 años, está estrechamente ligada a la de su líder y fundador.
Llegó a [[Estados Unidos]] procedente de [[Gran Bretaña]] a principios de [[1969]], siendo conocido solo en un selecto círculo de músicos y admiradores. A finales de ese año, era internacionalmente aclamado como intérprete. Al llegar se unió a un nuevo trío liderado por el prodigioso y talentoso ([[Miles Dewey Davis III|Miles Davis]] y el baterista [[Tony Williams]]). Su contribución como músico y coautor en la banda fue determinante en la creación de un nuevo mundo musical, donde se fusionaba la exigente improvisación del jazz con el Rock’n’Roll, terrenos donde ninguna otra banda se había adentrado. Los dos años siguientes fueron de actividad sísmica musical, en el que se produjeron dos álbumes: “In A Silent Way” y “Bitches Brew”. Con esa experiencia y conocimientos adquiridos a cuestas, y su talento inigualable, John Mc Laughlin formó en [[1971]] la [[Mahavishnu Orchestra]].
Era discípulo del gurú hindú [[Sri Chinmoy]], quien le antepuso el nombre de Mahavishnu. La primera formación, considerada la mejor de todas, estaba integrada además por Billy Cobham (batería y percusión), Jerry Goodman (violín), Jan Hammer (teclados) y Rick Laird (bajo).
===Grandes éxitos===
Al poco tiempo la banda estaba tocando en grandes escenarios y estadios, con las bandas de rock de teloneros, y una audiencia de jazz y rock que respondía con éxtasis y admiración a un virtuosismo desgarrador, ensambles vertiginosos, pasajes tranquilos y relajantes, y melodías atonales y en clave menor, tomadas en gran parte de la [[India]]. Esta formación grabó durante [[1971]]-[[1973]] tres intensos álbumes en estudio para la [[Columbia]], y uno de los más potentes álbumes en vivo de todos los tiempos: Between Nothingness And Eternity. En la última representación de la banda grabó el célebre álbum Inner Worlds, antes del colapso definitivo, motivado por el acercamiento cada vez mayor de McLaughlin a la religión hindú y a la guitarra acústica.
En [[1975]], formó con el violinista hindú Leo Shankar el quinteto acústico [[Shatki]], estableciendo conexiones entre estilos acústicos y música de influencia hindú. Posteriormente, aún en la onda acústica, incursionó en el world music, particularmente en el flamenco-jazz, con el más celebre trío de guitarra que haya existido, incluyendo a Al Di Meola (Return To Forever) y [[Paco De Lucía]].
===Renace Mahavishnu Orchestra===
Luego de girar y grabar con este trío, formó un dueto con la pianista [[Katia Labeque]] y grabó un disco solista en el que se reencontró con la guitarra eléctrica. En [[1984]], renació la legendaria Mahavishnu Orchestra, con Cobham, el saxofonista Bill Evans, el tecladista Michael Forman, el bajista Jonas Hellborg y el percusionista Danny Gottlieb, grabando el último álbum de la banda: Mahavishnu, editado por la [[Warner Brother]]. Este intento de revivir las glorias pasadas fracasó, debido al escenario de mediocridad musical que invadió la década de [[1980]] impidiendo el desarrollo de la música virtuosa. A partir de entonces, John McLaughlin se dedicó a sus trabajos solistas, entre ellos el John McLaughlin Trio, colaboraciones con músicos de Jazz, y más recientemente la reunión del trio McLaughlin-Di Meola-De Lucia.
Es completamente autodidacta, y además compone también líneas para piano, no sólo centra la composición en la guitarra. Esta considerado por la elite del Jazz como uno de los mejores guitarristas jazz-fusión de la historia y un gran divulgador de este estilo.
Ha compartido su talento con otros grandes de la guitarra, es una persona muy cordial que siempre ha gustado de participar en todo cuanto le han propuesto, principalmente jam sessions y temas conjuntos. Algunas de sus participaciones más reseñadas, aparte del famoso trío, son con [[Chick Korea]], [[Gilberto Gil]], [[Herbie Hancock]] o el mismisimo [[Eric Clapton]].
Al ser un estilo de música culta no es un guitarrista muy bien entendido para las nuevas generaciones y para la industria musical; su música pertenece a un ámbito de erudición y público exclusivo, etiqueta de la que McLaughlin siempre ha intentado huir:
"No hago música para las masas pero tampoco para los salones" Guitar Player [[2006]] marzo"
===Curiosidades===
*Es uno de los músicos más prolíficos de los últimos tiempos, entre composiciones, discos conjuntos y participaciones con otros músicos; John ha firmado más de 1500 canciones. Su discografía asciende a la friolera de 38 discos y cuatro DVD.
*Es el único guitarrista que ha conseguido "darle miedo" a Paco de Lucía en su propio terreno. Ambos han llegado a decir del otro que es el mejor guitarrista.
*Es uno de los precursores de la utilización de la guitarra midi y de sintetizadores aplicados a la guitarra; muchas veces en sus discos creemos estar escuchando un teclado y realmente es su guitarra.
*Posee algunas de las mejores guitarras de jazz del mundo; la más impactante es una gibson e-345 hecha a mano por la custom shop de esta marca, con el diapasón escalopeado en ébano (esto es muy, muy difícil de hacer; pues el ébano es muy poco moldeable)
*Tiene una velocidad de contrapúa de 15 notas por segundo. Su maestría con la guitarra le hace manejar igualmente bien tanto guitarras eléctricas, como acústica y clásicas.
*Con tan sólo 25 años ya era considerado uno de los mejores guitarristas de jazz del momento.
==Discografía==
Como guitarrista y compositor
*1969 Extrapolation
*1970 Devotion
*1980 The best of John Mclaughlin
*1996 September 24 This is jazz #17
*1997 October 21 The heart of things
*1999 October 18 The colletion
*2003 October 14 Thieves and poets
==Fuentes==
*[http://www.sarpanet.info./john_mclaughlin/index.php Sarpanet]
*[http://www.sarpanet.info./musica.html/ Música]
*[http://www.guitarristas.info/foros/biografia-john-mclaughlin-as-guitarra/36354 Guitarristas]
[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:John mclauglin.jpg

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