EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

William George Armstrong

2014-08-16T20:40:09Z

Irma jc:

{{Ficha de científico
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}}

'''William George Armstrong''', abogado e ingeniero, fundador efectivo de la Armstrong Whitworth
==Datos biográficos==
Nació en [[Newcastle upon Tyne]] ,[[Inglaterra]] a una milla del centro de la ciudad, en una zona rural. Su padre, también llamado William, era un comerciante de maíz en el muelle de[[ Newcastle]], que se convirtió en alcalde de Newcastle en 1850. Fue educado en escuelas privadas en Newcastle y Whickham , cerca de Gateshead , hasta que tenía dieciséis años, cuando fue enviado al Obispo de Auckland Grammar School. Mientras estuvo allí, a menudo visitado las obras de ingeniería cerca de Guillermo Ramshaw.
==Vida y obra==
Pasó cinco años en Londres estudiando derecho y regresó al Newcastle en 1833. En 1835 se convirtió en socio en el negocio Donkin y la empresa se convirtió en Donkin, estable y Armstrong. Armstrong se casó con Margaret Ramshaw en 1835, y construyeron una casa en Jesmond Dene , en el extremo este de Newcastle. Trabajó durante once años como abogado, pero durante su tiempo libre le mostró un gran interés en la ingeniería.
Armstrong fue responsable del desarrollo del acumulador hidráulico. Cuando la presión del agua no estaba disponible en el sitio para el uso de grúas hidráulicas, Armstrong construía torres de agua de alta para proporcionar un suministro de agua a presión. Después de pensarlo con mucho cuidado produjo el acumulador hidráulico, un cilindro de hierro fundido provisto de un émbolo de soportar un peso muy pesado. El émbolo lentamente se levantó, dibujo en el agua, hasta que la fuerza a la baja del peso fue suficiente para forzar el agua por debajo de ella en tuberías de gran presión.
Este invento tuvo gran connotación y aplicación en los años venideros y hasta la actualidad
==Muerte==
Muere el 27 de diciembre de 1900
==Fuentes==
*http://recuerdosinvorrables.blogspot.com/2010/11/nace-william-amstrong-inventor-del.html
[[Category:ingeniero]]
[[Category: abogado]]

Midge Ure

2014-08-16T20:37:20Z

Irma jc:

{{Ficha de artista musical
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'''Midge Ure''', músico escocés , importante contribuyente del Live Aid y Live 8 anterior líder de la banda de synthpop Ultravox.
==Datos biográficos==
Nació en [[Cambuslang]], [[Lanarkshire]], [[Gran Glasgow]], [[ Escocia]], el 10 de octubre de 1953 con el nombre de James Ure. Hijo de un humilde conductor de camión. De adolescente aprende a tocar la guitarra, y también, a los 15 años, deja la Rutherglen Academy, su escuela. En 1969, forma una banda llamada Stumble.
==Vida y obra==
En 1972, ingresa a Salvation, conformada por los hermanos Kevin y Jim McGinlay, en voz y bajo, respectivamente; uniéndose junto al teclista [[Billy McIsaac]] y el baterista [[Kenny Hyslop]]. Como en la banda había dos integrantes llamados Jim (diminutivo de James, nombre de Ure), [[Kevin McGinlay]] decide revertir el orden de las letras del nombre de Ure (de acuerdo a la pronunciación inglesa), llamándosele "Midge"; y así éste sería conocido desde ese entonces como Midge Ure. Salvation entonces, se volvió una banda muy popular en toda Escocia.
En abril de 1974, Kevin McGinlay dejó Salvation, entonces, Ure lo reemplazó sin dejar el puesto de guitarra, reduciéndose el grupo a cuarteto. En Noviembre de ese mismo año, Salvation cambia de nombre a Slik, firmando contrato con [[Bill Martin]] y [[Phil Coulter]], compositores de las canciones de Bay City Rollers. Ambos compondrían las canciones de la banda, entre las cuales se encontraban "Forever And Ever" y "Requiem", ambos lanzados como sencillos y éxitos en Europa a comienzos de 1976. La carrera de Slik estaba alcanzando el éxito, pero a finales de ese año, el punk estaba adquiriendo popularidad entre los críticos musicales y la juventud, quitando la popularidad a todas las bandas de otros géneros; por ese tiempo, el único álbum de Slik, fue lanzado, pero sin llegar a tener el éxito de los sencillos.
Con su popularidad reducida por el punk, Slik siguió lanzando sencillos, hasta comienzos de 1977, cuando Jim McGinlay deja la banda y es reemplazado por [[Russell Webb]].
En 1977, con el punk como género popular, Slik adoptó su estilo y cambió su nombre, llamándose PVC2. En Mayo de ese año, Ure es invitado a unirse a [[The Rich Kids]], banda formada por el bajista [[Glen Matlock]], luego de su separación de [[Sex Pistols]], junto con el guitarrista [[Steve New ]] y el baterista [[Rusty Egan]], pero dura poco tiempo y regresa a Escocia para dedicar más tiempo a PVC2, la cual sacó un sólo sencillo en agosto de 1977, Put You In The Picture. Luego, Ure se va a [[Londres]], y PVC2 cambia de nombre a Zones.
En Londres, en octubre de 1977, Ure se reúne con The Rich Kids. The Rich Kids sacarían solo 3 singles y un álbum, llamado Ghost Of Princes In Towers (1978). Para 1979 esta banda se separa, pero Ure tendría para ese año muchas cosas que hacer: contribuye con algunas canciones de The Skids, le tocaría reemplazar brevemente a Gary Moore en la guitarra para Thin Lizzy durante su gira norteamericana y japonesa, formaría parte de Visage (lo hizo desde 1978) e ingresaría a [[Ultravox]] en Noviembre de ese año para ser su líder, guitarrista y cantante.
Las raíces de su etapa en Ultravox tienen raíces en Visage, proyecto musical en el cual conoció a Billy Currie. Éste pertenecía a Ultravox, que carecía de cantante y guitarrista (John Foxx y Robin Simon, respectivamente), así que después de conocerse también con los demás miembros de esta banda, toma el lugar vacío de éstos dos puestos. Tomando raíces de los previos álbumes de Ultravox ("Ultravox!", "Ha! Ha! Ha!" y "Systems Of Romance"), y el uso mayor de los sintetizadores, Ure y los otros lanzan 5 álbumes exitosos: "Vienna", "Rage In Eden", "Quartet", "Monument" (en directo) y "Lament"; y uno que no lo fue, "U-Vox", lo cual causó su la disolución de la banda en 1987.
Ure afrontó serios problemas antes de la separación de Ultravox: ya no era tan apegado a Billy Currie como cuando lo fue al comienzo, era alcohólico, sugirió la partida del baterista Warren Cann en 1986 (según Billy Currie) y el poco éxito del álbum U-Vox de ese mismo año. Finalmente, Ure, junto a Chris Cross y Billy Currie, decidió poner fin a la banda en 1987.
En el año 1997, Mdge Ure saca el disco Breathe (compuesto por 11 canciones), en un principio el disco no vende lo esperado, pero enseguida una muy conocida marca de relojes (Swatch), se fija en el tirón que puede tener la canción Breathe para sus anuncios, seguido a esto el disco experimenta una de las mayores subidas en ventas del mercado internacional.
==Discografía==
===Slik===
* Slik (1976)
===PVC2===
*Put You In The Picture (sencillo)
===The Rich Kids===
*The Ghosts Of Princes In Towers
*The Skids
*Thin Lizzy
*Visage
*Ultravox
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Midge_Ure
*http://www.plasticosydecibelios.com/midge-ure-live-aid-acabo-ultravox/
[[Category:Músico]]

Archivo:220px-William george armstrong.jpg

2014-08-16T20:37:02Z

Irma jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
http://recuerdosinvorrables.blogspot.com/2010/11/nace-william-amstrong-inventor-del.html

Archivo:160px-Midge Ure 2004-10-26.jpg

2014-08-16T20:36:28Z

Irma jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Willis Haviland Carrier

2014-08-16T20:32:46Z

Irma jc:

{{Ficha de científico
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}}

'''Willis Haviland Carrier''', ingeniero estadounidense , conocido como el hombre que inventó el acondicionador de aire.
==Datos biográficos==
Nació el 26 de noviembre de 1876 en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]] Creció en una granja cerca de la costa del [[Lago Erie]], como el único niño en una extensa familia de adultos, incluyendo su abuelo y su tía abuela. Algunos lo describían como un solitario niño que se entretenía practicando juegos de su propia invención.
==Vida y obra==
Cursó estudios en la Cornell University, donde se graduó como ingeniero en el año 1901 Después de la universidad, trabajó para Buffalo Forge Company, compañía que fabricaba calentadores, sopladores y dispositivos de extracción y escape de aire, en su departamento de ingeniería de calefacción diseñaba sistemas de calefacción para secar la madera y el café.
Carrier pronto desarrolló un mejor modo de medir la capacidad de los sistemas de calefacción y fue nombrado director del departamento de ingeniería experimental de la compañía. En 1902, a los 25 años de edad, ideó su primera invención importante, un sistema para controlar el calor y la humedad para Sackett-Wilhelms, compañía litográfica y de publicaciones en Brooklyn. La firma no había podido fijar los colores en ocasiones debido a los efectos de calor y humedad en el papel y la tinta. Carrier recibió en 1906 una patente para su método. Él se puso a trabajar con ahínco en otras invenciones sobre refrigeración y control de humedad, y fue eventualmente hecho el jefe de una parte de la empresa nombrada Carrier Air Conditioning Company subsidiaria de Buffalo Forge en su honor.
Al comenzar la [[Primera Guerra Mundial]], la Buffalo Forge fue forzada a recortar gastos, y eliminó su división de aire acondicionado. Carrier, con seis colegas, invirtieron 32.600 dólares en su propia compañía, Carrier Engineering Corporation. Algunos de los primeros clientes de la compañía fueron el Madison Square Garden y los departamentos del senado de los Estados Unidos y la cámara de representantes.
Instaló el primer aire acondicionado doméstico en una casa en [[Minneapolis]], [[Minnesota]] en el año 1914. Carrier trasladó su compañía a Syracuse (Nueva York) en los años 1930, y la compañía llegó a ser una de las que más empleados tenían en Nueva York. En 1930, inauguró Tokyo Carrier en [[Japón]], país que en la actualidad es el mayor mercado de aire acondicionado del mundo.

La compañía fue pionera en el diseño y fabricación de máquinas de refrigeración para espacios grandes. Aumentando la producción industrial en los meses del verano, el aire acondicionado revolucionó la vida americana. La introducción del aire acondicionado residencial en los años 1920 ayudó al comienzo de la gran migración a las zonas cálidas del sur. En el año 2000 Carrier Corporation tenía ventas de más de 8 mil millones de dólares y daba empleo a unas 45.000 personas.
Carrier fue el inventor del aire acondicionado entre otras 80 patentes. Dominó el mercado del aire acondicionado con su compañía Carrier Corporation entre los años 1915-1948.
==Muerte==
Willis Haviland Carrier falleció en Nueva York el 9 de octubre de 1950.
==Fuentes==
*http://www.cancunissimo.com/san-willis-haviland-carrier/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Willis_Haviland_Carrier
*http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/5619/Willis%20Haviland%20Carrier%20-%20Willis%20Carrier
[[Category:ingeniero]]

Tira de prensa

2014-08-16T20:32:32Z

Irma jc:

{{Definición
|nombre= Tira de prensa
|imagen=Tiradeprensa.jpg
|tamaño=
|concepto= Historieta publicada periódicamente (generalmente diaria o semanalmente) en diarios , revistas y más recientemente páginas de Internet.
}}
'''Tira de prensa''', también llamada tira cómica o simplemente tira es una historieta publicada periódicamente (generalmente diaria o semanalmente) en diarios , revistas y más recientemente páginas de Internet.

==Tipos de tiras==
Las tiras son protagonizadas, generalmente, por personajes fijos. Pueden ser obra exclusiva de un dibujante o resultado de su colaboración de un guionista e incluso todo un equipo de trabajo. Habitualmente, se distinguen dos tipos de tiras de prensa con diferente periodicidad:
* Las tiras diarias (en inglés, daily strip) que se desarrollan en unas pocas viñetas (normalmente entre tres y cuatro), alineadas horizontalmente y suelen estar dibujadas en blanco y negro debido al ritmo de publicación, aunque hoy en día podemos encontrarnos con tiras a todo color editadas diariamente.
* Las tiras dominicales (en inglés, sunday strip), que suelen ocupar toda la página y a color.
==Orígenes==
El modelo de la revista británica Punch (1841) fue imitado en todo el mundo, dando lugar en [[Estados Unidos]], a Puck (1871), Life y Judge, verdaderos campos de prueba del cómic de prensa en los que comenzaron, entre otros, [[Richard Felton Outcault]] y [[George Herriman]]. En esta época dorada de la prensa estadounidense, los dos principales editores del país, [[William Randolph Hearst]] y su rival [[Joseph Pulitzer]], decidieron usar la historieta como una manera de vender sus periódicos a una población emigrante que no entendía muy bien el inglés pero sí podía «ver» a las historietas. Surgen pronto series con personajes fijos, como Little Bear, de[[ James Swinnerton]] en 1892. Al año siguiente, se incorpora el color en el suplemento dominical del New York World de Pulitzer
Inicialmente los funnies, como es conocido el cómic de prensa estadounidense, comenzaron como pequeños gags episódicos de una viñeta y mantuvieron su carácter auto-conclusivo, aun cuando se fragmentaron en tiras tras The Yellow Kid. El personaje o protagonistas que normalmente daban título a la serie también le darían continuidad. Esta importancia de los personajes hizo que los editores intentaran robárselos unos a otros hasta que los tribunales arbitraron una solución que obligaba a una serie y a sus personajes a cambiar de título si cambiaban de periódico. Desde marzo de 1897, de la mano de Hearst, las tiras se recopilaron, apareciendo al menos 70 recopilaciones sólo entre 1900 y 1909. En 1914, fundó también la primera agencia syndicate: el Kings Features Syndicate , al que pronto copiarían sus rivales con el United Features Syndicate y otros. El syndicate es una agencia para la distribución de las tiras entre los periódicos de un mismo editor y para su publicación en periódicos extranjeros. En una frase: los syndicates son las editoriales exclusivas de los cómics de prensa.

Además de la ya mencionada The Yellow Kid (1894) de Outcault, las series germinales de la historieta de prensa estadounidense fueron Little Jimmy (1904) de James Swinnerton, sobre un niño que siempre pierde sus encargos tras haber sido enviado a la tienda, y Katzenjamer Kids (1912) de Rudolph Dirks cuya pareja protagonista son un par de pícaros, rubio y moreno, inspirados en Max y Moritz de Wilhelm Busch.

A partir de The Yellow Kid, todos los recursos técnicos de impresión de los diarios se optimizan para obtención de la mayor exuberancia en sus populares páginas de historieta. Al formato sábana de los diarios estadounidenses, que permitía historietas de una o media página, se incorpora el color. El cenit se alcanza poco después con los suplementos dominicales de «sólo» historietas, cambiando su pauta periódica. Esto permitió el surgimiento de series arriesgadas que exploraban las posibilidades cromáticas, rítmicas y esquemáticas de la página y que hoy figuran como los mejores clásicos del cómic de prensa. Estas son Little Nemo in Slumberland (1905) de Winsor McCay y Krazy Kat (1907) de George Herriman.

Probablemente el más importante de los dos fue Winsor McCay que estableció, anticipándose al cine, el moderno lenguaje visual de planos y raccords, además de destacar como notable pionero de los dibujos animados. Tan sólo cinco años después de La interpretación de los sueños de Freud , su emblemática serie Little Nemo relata el mundo onírico de un niño e incorpora al cómic la estética modernista del art decó. Little Nemo llevó la imaginación gráfica y narrativa de McCay al límite con metamorfosis, cambios de tamaño y estado del personaje que, en cierto modo, prefigurarían el surrealismo.

Por su parte, Krazy Kat de [[George Herriman]] repite una trama constantemente: Krazy Kat, enamorado/a del ratón Ignatz, es constantemente rechazado/a por este mediante adoquinazos que él/ella interpreta como signos de amor y que un perro comisario, enamorado de Krazy Kat, aprovecha para encerrar a Ignatz en la cárcel. Por su inversión sistemática del orden lógico y racional de los acontecimientos; su gusto por la sonoridad, imprecisión y mestizaje del lenguaje oral popular y, en suma, su carácter absurdo, primitivo e infantil; el dadaísmo, que por entonces estudiaba la cultura popular estadounidense bajo la óptica de folclore contemporáneo, sacralizó a Krazy Kat como «puro humor dadá estadounidense».

Otras series vanguardistas que vale la pena mencionar son The Upside Downs (1903) de Gustave Veerbeek , organizada en páginas que componían la historia primero del derecho para continuarse del revés al invertir la página, y Kinder Kids y Wee Willis Winkies World (1906) del pintor, miembro fundador y profesor de la Escuela de la Bauhaus Lyonel Feininger en las que inauguraría el uso no-naturalista del color e incorporaría al cómic la antropomorfización de los personajes no humanos.

No obstante, las tiras más populares de la época tenían un registro temático restringido. Oscilaban entre el humor físico del slapstick y el tratamiento de los problemas de adaptación a la modernidad y liberalidad de costumbres por un grupo de personajes. El grupo podía ser una familia o una pareja, siempre polarizada entre un padre y sus hijos o esposa o entre dos compañeros de diferente carácter. Destacan Mutt and Jeff de Bud Fischer (1907), que logró el triunfo de la serie diaria tras el intento fallido de [[Clare Briggs] en 1904[4] ; Polly and her pals (1912) de Cliff Sterret ; Bringing up father (1913) de George McManus; Gasoline Alley (1918) de Frank King ; Thimble Theater (1919) en la que Segar crearía a Popeye; Little Orphan Annie (1924) de Harold Gray ; The Bungle Family (1924) de H. J. Tuthill y Blondie (1930) de Chic Young . También se publican "girl strips", como Tillie the Toiler, de Westover, en 1921, y la primera tira mexicana importante: Don Catarino y su apreciable familia, seguida en 1927 por El señor Pestaña y Mamerto y sus conocencias.
==Desarrollo==
La experiencia moderna se truncaría con la depresión de 1929 que empujaría a una renovación del cómic de prensa. Se acabaron el comentario sociológico, ahora peligroso, y los excesos artísticos, ahora demasiado caros, en favor del puro entretenimiento. A pesar de la existencia de notables series de comedia como Li’l Abner (1934) de Al Capp, los siguientes años estarían marcados por las tiras de aventuras. Tras el éxito comercial de Wash Tubbs (1924) de Roy Crane , que introdujo el plano general, Tim Tyler’s Luck (1928) de Lyman Young , Buck Rogers (1929) de Dick Calkins, Dick Tracy (1931) de Chester Gould y Brick Bradford (1933) de William Ritt y Clarence Gritt; este género se apuntalaría en 1934.
Ese año, la editorial King Features Syndicate contrató como ilustrador al joven Alex Raymond para que hiciese dos series dominicales: Flash Gordon y Jungle Jim, y una cotidiana: Secret Agent X-9 (con guiones del escritor Dashiell Hammett). Tanto Raymond como el Harold Foster de Tarzán (1929) y Príncipe Valiente (Prince Valiant, 1937) definirían la nueva estética de las tiras de aventuras: pictorialista, magistral y minuciosa; elegante y, sobre todo, atmosférica. Se recuperó, por tanto, el valor seguro del realismo en detrimento del grafismo más vanguardista de los años veinte.
También en 1934, el periódico Chicago Tribune y la editorial NY Syndicate empezaría a distribuir la más importante tira de aventuras: Terry y los piratas (Terry and the Pirates) de Milton Caniff. Caniff adoptó el nuevo lenguaje del cine tomando muchos de sus recursos como el plano estadounidense e imitaciones del plano-secuencia. Pero, lo que es más importante, sustituyó definitivamente lo episódico por la serie de continuidad, siendo el reto del suspense al final de tira o página fundamental para mantener el clímax. Y llevó esta lógica al extremo: las tiras diarias se conectaban entre sí y con el dominical pero, además, la serie se podía leer sólo con las páginas dominicales o, también, sólo con las diarias: una proeza mandato de su editorial syndicate. De tal modo, el instinto de repetición característico de la primera época (podríamos decir fordista) se vio sustituido por la continuidad narrativa como nueva política cuyo objetivo final no era otro que fidelizar lectores.
Lee Falk continuaría el género aventurero como guionista de The Phantom en 1936 y Mandrake the magician en 1939. Pero ese mismo año el cómic de prensa sufría un duro golpe: el nacimiento de los comic-books de superhéroes. Los superhéroes tenían esquemas narrativos muy parecidos a las tiras de aventuras: historia entre la realidad y la ficción, en forma de serie continua, basada en un protagonista carismático con doble identidad, máscara/disfraz o complementos. Bien visto, lo único que añadieron los superhéroes fueron los superpoderes. Pero desde el punto de vista industrial acabarían con la edad de oro de los cómics de prensa estadounidenses.
En Japón, por su parte, destaca la tira cómica Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama .
Tras la guerra, se impone la llamada daily strip (‘tira diaria’), que ocupa uno de los fragmentos horizontales de una página de contenido heterogéneo y puede ser, dependiendo del género, una narración completa o serial. También había publicaciones de página completa los domingos, aunque los autores eran diferentes. Esto impuso una limitación espacial a diálogos y acción, perjudicando a los cómics más realistas, como Johnny Hazzard (1944) de Frank Robbins y Rip Kirby (1946) de Alex Raymond; en los años venideros las tiras más importantes adoptarían predominantemente protagonistas orientados a la infancia, aunque con una fuerte carga intelectual, como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller, Barnaby (1942) de Crockett Johnson , Memín Pinguín (1945) de Yolanda Vargas Dulché, Pogo (1948) de Walt Kelly , B.C. y Peanuts (1950) de Charles Schulz , con su mundialmente famoso Snoopy.
En Argentina, por su parte, destaca Gillermo Divito , creador y director de la revista Rico Tipo (1944), para la que creará personajes como El otro yo del doctor Merengue , Pochita Morfoni, Fúlmine, y El abuelo , entre otras creaciones. En Japón, encontramos a autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74). En Chile, Pepe Antártico (1947).
En 1950, Mort Walker inicia su prolífica producción con Beetle Bailey , a la que seguiría Hi and Lois, también un éxito. Sigue habiendo series más tradicionales, como Daniel el Travieso (1951). Johnny Hart realiza series como B. C (1958) o El mago de Id (1964).
Mafalda, creada por Quino en 1964, logra una gran popularidad en Latinoamérica en general, España, Italia, Francia y otros países europeos, aunque también pueden destacarse a otros autores argentinos como Lino Palacio.
En 1968, Garry Troudeau inicia " Doonesbury " y Mort Walker, Boner's Ark.
En 1970, Mell Lazarus crea "Momma".
En 1973, Dick Browne crea Olafo el vikingo; Isidoro.
Antes de dedicarse a los dibujos animados, Matt Groening crea La vida en el Infierno que simulaba la mala experiencia de vida en Los Ángeles. La historieta llegó a estar presente en más de 200 periódicos en Estados Unidos y Canadá, y trataba de las aventuras de conejos antropomórficos y amantes homosexuales en Los Ángeles. En la historieta se satirizaba el amor, el trabajo y el sexo. Don Wilder y Brant Parker lanzan en 1980 “Goosemyer”.
Garfield (1978), de Jim Davis se burla de dueños de mascotas y de su relación con los animales domésticos, retratando a la mascota como el verdadero amo de la casa. Garfield también apela a su manera a problemas muy humanos, como las dietas, el odio a los lunes, la apatía, el fastidio, en contadas ocasiones se le atribuyo enemistar a los perros y gatos, el maltrato permanente a los ancianos, etc. Este año también se inicia " The Far Side ", de Gary Larson.
El 18 de noviembre de 1985, Bill Watterson inicia Calvin y Hobbes (1985) de Bill Watterson, una de las series más populares de los últimos tiempos, que ha recuperado elementos del humor físico de la ya extinta época dorada de las tiras de prensa. Watterson está acreditado como el primer dibujante moderno en recuperar el dominical, con el que sus tiras se acercaron más a las de los años 20 y 30.
FoxTrot (1988) y Dilbert (1989) de Scott Adams se desarrollan en el contexto de lo cotidiano para millones de empleados: políticas de oficina, jefes sin idea de lo que hacen, compañeros de trabajo molestos, asignaturas sin sentido, juntas eternas. El mismo tipo de cosas que la gente odia en su trabajo diario son las que provocan las carcajadas en Dilbert.
Desde mediados de los 90, se produce un auge de las mismas en internet, ya que se muestra como el formato "más adecuado para la pantalla".[5] "
Zits (1997) escrita por Jerry Scott e ilustrada por Jim Borgman, relata la vida de Jeremy Duncan, un adolescente de quince años en su primer curso en la High School . Jeremy trata de equilibrar su vida pasando el tiempo con sus amigos (sobre todo con su mejor amigo, Hector García), intentado analizar su torpe relación con su novia periódica (se unen y se separan con inusitada rapidez), luchando con los deberes, ensayando para ser un futuro dios del Rock , y tolerando a sus ridículos padres (según su punto de vista). La tira destaca por tener una variedad de personajes principales bien definidos y estructurados, que complementan la dura vida del adolescente Jeremy.
Desde el inicio de las tiras a la actualidad han pasado por numerosos éxitos y hoy en día continúan siendo de la preferencia del público de amplia parte del mundo.
==Fuentes==
Wikipedia

[[Category:Literatura]]
[[Category:Periodismo]]

Archivo:Tiradeprensa.jpg

2014-08-16T20:32:00Z

Irma jc: Tira de prensa

== Sumario ==
Tira de prensa
== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Archivo:Willis Carrier 1915.jpg

2014-08-16T20:31:42Z

Irma jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Sofía Bozán

2014-08-16T20:30:35Z

Irma jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = Sofía Bozán,
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|tamaño =
|descripción =
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|nacimiento = [[5 de noviembre]] de [[1905]]
|lugar_nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
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|premio(s) =
|relacionados =
|firma =
|url =
|url2 =
|imdb =
|firma =
}}

'''Sofía Bozán''', conocida como "La Negra Bozán", actriz argentina de vodevil, teatro, cine y cantante de tango entre 1925 y 1958. Fue una auténtica estrella porteña desaparecida en plena carrera.
==Datos biográficos==
Nació en [[Buenos Aires]], [[Argentina]], el 5 de noviembre de 1905. Se recibió de Profesora de Corte y Confección a los 12 años.
==Vida y obra==
Sofía se inició en teatro formando parte del coro en la compañía Vittone-Pomar, en la revista de [[Manuel Romero]] "Los pronósticos de 1922" en el [[Teatro Opera]], donde trabajaba su prima hermana, Olinda Bozán. Luego pasó a la compañía Muiño-Alippi trabajando en algunos sainetes como actriz realizando pequeños papeles y en la Revista como bailarina hasta que le llegó su oportunidad como cancionista .
Debutó como cancionista con el tango "Canillita", con letra de [[Antonio Botta]] y música de [[Tomás De Bassi]], Sofía se quedó con Alippi cuando la compañía se separó. Luego vinieron otros éxitos, como Que calamidad con música de [[Bernardino Terés]] y letra de [[Pascual Contursi]] en la Revista "Señorita Revista", “Un tropezón” con letra de [[Luis Bayón Herrera]] y música de [[Raúl de los Hoyos]] en la Revista "Estampas iluminadas" en el [[Teatro Sarmiento]] , “Yira Yira” con letra y música de [[Enrique Santos Discépolo]] en la Revista "¿Qué hacemos con el estadio? en el Teatro Sarmiento, “Cambalache” con letra y música de [[Enrique Santos Discépolo]] en la Revista "Esmeralda al cuatrocientos" en el [[Teatro Maipo]].

En 1931 protagonizó junto a [[Carlos Gardel]] la película "Luces de Buenos Aires". Actuó en varios teatros porteños realizando la mayoría de sus éxitos en el [[Teatro Sarmiento]] y en el [[Teatro Maipo]] donde actuó y cantó por más de 20 años. Se le otorgaron los títulos de: "La Bozán", "El alma del Maipo" y "La Reina de la Noche Porteña" entre otros.
Trabajó en radio, televisión y grabó discos, pero el fuerte de Sofía era el teatro de revistas, un género bastante particular que necesitaba una persona especial que se desempeñara con soltura en el escenario y soportara la agresividad que imponía el contacto directo con la gente.
Fue una mujer adelantada a su tiempo y le gusto transgredir aunque sin proponérselo. Era algo que hacia naturalmente. Así opinaba en un reportaje para la revista "La canción moderna" en 1928. Sobre el arrabal: "Para mi es mi cuna y también la del tango, quizás por eso es tan grande la sugestión que sobre mi ejerce el tango, el amante más fiel que supe encontrar". De los hombres: "Delante de ustedes no contesto nada, si fuera una mujer la que me hiciera la pregunta le contestaría: me gustan una barbaridad". Era un tiempo en que el Tango recién empezaba a ser aceptado socialmente y esas palabras eran todo un atrevimiento, que solo se le toleraba a ella.
Alrededor de 1930 su figura era tan popular que llegó a rivalizar con éxito con su amigo Carlos Gardel, quién en su momento llego a definirla como "Mi equivalente en mujer".

Filmó varias películas. Los primeros cortos cantados, junto a José Bohr, con la misma cámara que fueran filmados los cortos de Carlos Gardel, "Luces de Buenos Aires", "Loco lindo", "Goal!", "Elvira Fernández", "Los muchachos se divierten", "Arriba el telón", entre otros. Realizó presentaciones en distintas radios entre las que pueden mencionarse Radio Prieto y Radio Belgrano en 1939. En televisión se presentó en "Petit Café" cantando muchas canciones de su repertorio. En "Tropicana Club" que tenía como consigna "llevar el Maipo a las casas", donde presentó algunos cuadros revisteriles y un programa especial dedicado a la Calle Corrientes llamado "Corrientes está de fiesta".

Sofía representó en la Revista Porteña, una "vedette" de la canción criolla, aunque como bien dice Jorge Palacio "Faruk" en un artículo sobre ella, la define como una cancionista atípica, mezcla rara de "vedette, cómica, partenaire, actriz". Bailaba muy bien el tango y la milonga hecho que ha quedado plasmado en muchas de sus películas. Trabajó junto a los grandes capocómicos de la Argentina: [[Pepe Arias]], con quién realizó muchas temporadas en los primeros años; [[Luis Sandrini]], [[Alberto Anchart]], [[Carlos Castro]] (Castrito), [[Dringue Farias]], [[Marcos Caplán]], [[Vicente Rubino]] y [[Gogo Andreu]].
==Muerte==
Falleció en Buenos Aires el 9 de Julio de 1958.
==Fuentes==
*http://www.tangoreporter.com/nota-sofia.html
*http://www.todotango.com/creadores/ficha/148/Sofia-Bozan/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Sof%C3%ADa_Boz%C3%A1n
[[Category:Cantante]]
[[Category:Actriz]]

Archivo:Sofia Bozán.jpg

2014-08-16T20:30:04Z

Irma jc: Sofía Bozán cantante y actriz argentina

== Sumario ==
Sofía Bozán cantante y actriz argentina
== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Ray Conniff

2014-08-16T20:28:53Z

Irma jc:

{{Ficha de artista musical
|nombre = Ray Conniff
|imagen =Ray_Conniff.jpg
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|nombre real = Joseph Raymond Conniff
|nacimiento = [[6 de noviembre]] de [[1916]]
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|ocupación =Músico , director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista
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}}

Joseph Raymond Conniff , conocido como '''Ray Conniff''', destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.
==Datos biográficos==
Nació en [[Attleboro]], [[Massachusetts]], [[Estados Unidos]], el 6 de noviembre de 1916. Hijo de padre trombonista, y de madre pianista. Recibió una educación musical en el seno de su hogar.
==Vida y obra==
En 1938 toca en [[Nueva York]] con la orquesta de [[Bunny Berigan]], debutando como trombonista y posteriormente en [[Bob Crosby]], [[Artie Shaw]] y [[Glen Gray]]. Durante la [[II Guerra Mundial]] trabajó en la Radio de las Fuerzas Armadas y después de acabada la guerra trabajó con [[Harry James]]. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la discográfica Columbia..
Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música. Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como [[Simon & Garfunkel]], [[Burt Bacharach]], [[The Beatles]] y [[The Carpenters]], entre muchos otros.
Fue arreglista y acompañó a cantantes como [[Johnnie Ray]], [[Marty Robbins]], [[Johnny Mathis]], [[Frankie Laine]], [[Guy Mitchell]]. Formó su propia orquesta y coros, consiguiendo desde entonces numerosos éxitos. Su primer álbum instrumental, S'wonderful, grabado en 1957 se convirtió en un éxito.
Su álbum debut, 's Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.
Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), "Lara's theme", una composición de [[Maurice Jarre]] que Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título "Somewhere my love" y por la que obtuvo un [[Premio Grammy]] en 1966.
En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a [[Frank Sinatra]] titulado My way.
Su afición por la música latinoaméricana le llevó a incluir grandes clásicos como "Bésame mucho", "El día que me quieras", "Frenesí", "Aquellos ojos verdes", "Brasil", "Aquarela do Brasil", "El Cóndor Pasa", "Caballo Viejo", entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el [[Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar]]. También grabó varios éxitos del famoso cantautor [[Camilo Sesto]] en los años 1980 y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en [[Viña del Mar]].
== Discografía==
* "'s Wonderful" (1956)
* "Dance the Bop!" (1957)
* "'s Marvelous" (1957)
* "'s Awful Nice" (1958)
* "Concert in Rhythm, Vol.1" (1958)
* "Broadway in Rhythm" (1958)
* "Hollywood in Rhythm" (1958)
* "It's The Talk of the Town" (1959)
* "Conniff Meets Butterfield" (1959)
* "Christmas with Conniff" (1959)
* "Concert in Rhythm, Vol.2" (1959)
* "Young at Heart" (1960)
* "Say It with Music (A Touch of Latin)" (1960)
* "Memories Are Made of This" (1960)
* "Somebody Loves Me" (1961)
* "'S Continental" (1961)
* "So Much in Love" (1962)
* "Rhapsody in Rhythm" (1962)
* "We Wish You a Merry Christmas" (1962)
* "The Happy Beat" (1962)
* "You Make Me Feel So Young" (1963)
* "Speak to Me of Love" (1963)
* "Friendly Persuasion" (1964)
* "Invisible Tears" (1964)
* "Love Affair" (1965)
* "Music From 'Mary Poppins', 'The Sound of Music', 'My Fair Lady' & Other Great Movie Themes" (1965)
* "Here We Come A-Caroling" (1965)
* "Happiness Is" (1965)
* "Ray Conniff's World of Hits" (1966)
* "En Español" (1966)
* "This Is My Song" (1967)
* "Ray Conniff's Hawaiian Album" (1967)
* "It Must Be Him" (1967, gold álbum)
* "Honey" (1968, gold álbum)
* "Turn Around Look at Me" (1968)
* "I Love How You Love Me" (1968)
* "Live Europa Tournee 1969/Concert in Stereo" (1969)
* "Jean" (1969)
* "Concert In Stereo: Live At 'The Sahara Tahoe'" (1969)
* "Bridge Over Troubled Water" (1970)
* "We've Only Just Begun" (1970)
* "Love Story" (1970)
* "Great Contemporary Instrumental Hits" (1971)
* "I'd Like to Teach the World to Sing" (1971)
* "Love Theme from "The Godfather" (1972)
* "Alone Again (Naturally)" (1972)
* "I Can See Clearly Now" (1972)
* "Ray Conniff in Britain" (1973)
* "You Are the Sunshine of My Life" (1973)
* "Harmony" (1973)
* "The Way We Were" (1973)
* "The Happy Sound of Ray Conniff" (1974)
* "Ray Conniff In Moscow" (1974)
* "Laughter in the Rain" (1975)
* "Another Somebody Done Somebody Wrong Song" (1975)
* "Love Will Keep Us Together" (1975)
* "I Write the Songs" (1975)
* "Live in Japan" (1975)
* "Send in the Clowns" (1976)
* "Theme from 'SWAT' and Other TV Themes" (1976)
* "After the Lovin'" (1976)
* "Éxitos Latinos" (1977)
* "Ray Conniff Plays the Bee Gees and Other Great Hits" (1978)
* "I Will Survive" (1979)
* "The Perfect '10' Classics" (1980)
* "Exclusivamente Latino" (1980)
* "Siempre Latino" (1981)
* "The Nashville Connection" (1982)
* "Musik für Millionen" (1982)
* "Amor Amor" (1982)
* "Fantástico" (1983)
* "Supersónico" (1984)
* "Campeones" (1985)
* "Say You Say Me" (1986)
* "30th Anniversary Edition" (1986)
* "Always in My Heart" (1987)
* "Interpreta 16 Éxitos De Manuel Alejandro" (1988)
* "Ray Conniff Plays Broadway" (1990)
* "'S Always Conniff" (1991)
* "Latinísimo" (1993)
* "40th Anniversary" (1995)
* "Live in Río (aka Mi Historia)" (1997)
* "I Love Movies" (1997)
* "My Way" (1998)
* "'S Country" (1999)
* "'S Christmas" (1999)
* "Do Ray Para O Rei" (2000).
==Muerte==
Murió en [[Escondido]], [[California]], el 12 de octubre de 2002 ,como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en [[Los Ángeles]], [[California]].
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Conniff
* buscabiografias.com
[[Category:Músico]]

Archivo:Ray Conniff.jpg

2014-08-16T20:26:45Z

Irma jc: Ray Conniff

== Sumario ==
Ray Conniff
== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Chester Gould

2014-08-16T20:13:44Z

Irma jc:

{{Ficha de actor
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}}

'''Chester Gould''', historietista estadounidense, creador de tiras cómicas. Famoso por su obre Dick Tracy, famosa hasta la actualidad.

==Datos biográficos==

Nació el 20 de noviembre de 1900 en [[Oklahoma]]., [[Estados Unidos]], en el seno de una familia de antiguos colonos.2 En 1921 se trasladó a [[Chicago]], graduándose dos años después en la Northwestern University School of Continuing Studies.
==Vida y obra==

Trabajó en el Chicago American donde anima las series de Radio Lane y Fillum Fables.
Hace varios intentos de historietas y son rechazadas por , Joseph Medill Patterson, editor del Chicago Tribune y New York News Syndicate
En el año 1931 crea la serie policíaca Dick Tracy un policía incorruptible capaz de eliminar la maldad de la ciudad con los métodos más expeditivos. Dick Tracy fue publicado en formato "daily strip" o "tira diaria", y como "sunday page" o "página dominical", esta última a color La historieta se comenzò a publicar el 12 de octubre de 1931
. En 1977 confía su héroe a su asistente Dick Fletcher mientras cede a Max Collins la continuación del guión.
==Muerte==

Chester Gould falleció el 11 de mayo de 1985 en Woodstock (Estados Unidos).
==Fuentes==
*http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8137/Chester%20Gould
*http://es.wikipedia.org/wiki/Chester_Gould
*http://chiquirritipis.blogspot.com/2008/04/chester-gould-y-dick-tracy.html
[[Category:Director_de_cine]]

Chester Gould

2014-08-16T20:13:11Z

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'''Chester Gould''', historietista estadounidense, creador de tiras cómicas. Famoso por su obre Dick Tracy, famosa hasta la actualidad.

==Datos biográficos==

Nació el 20 de noviembre de 1900 en [[Oklahoma]]., [[Estados Unidos]], en el seno de una familia de antiguos colonos.2 En 1921 se trasladó a [[Chicago]], graduándose dos años después en la Northwestern University School of Continuing Studies.
==Vida y obra==

Trabajó en el Chicago American donde anima las series de Radio Lane y Fillum Fables.
Hace varios intentos de historietas y son rechazadas por , Joseph Medill Patterson, editor del Chicago Tribune y New York News Syndicate
En el año 1931 crea la serie policíaca Dick Tracy un policía incorruptible capaz de eliminar la maldad de la ciudad con los métodos más expeditivos. Dick Tracy fue publicado en formato "daily strip" o "tira diaria", y como "sunday page" o "página dominical", esta última a color La historieta se comenzò a publicar el 12 de octubre de 1931
. En 1977 confía su héroe a su asistente Dick Fletcher mientras cede a Max Collins la continuación del guión.
==Muerte==

Chester Gould falleció el 11 de mayo de 1985 en Woodstock (Estados Unidos).
==Fuentes==
*http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8137/Chester%20Gould
*http://es.wikipedia.org/wiki/Chester_Gould
*http://chiquirritipis.blogspot.com/2008/04/chester-gould-y-dick-tracy.html
[[Category:Director_de_cine]]

Zalman King

2014-08-16T19:58:32Z

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'''Zalman King''', director de cine estadounidense, considerado como un símbolo del cine erótico.
==Datos biográficos==
Nació en [[Trenton]], [[Nueva Jersey]], [[Estados Unidos]] el 23 mayo de 1942.

==Vida y obra==
Hace su debut trabajando como actor a principios de los años 70 y se dedicó a la realización de películas en la década siguiente. Como actor debutó en THE SKI BUM (1971) y frecuentemente representó idealistas frustrados como en YOU'VE GOT TO WALK IT LIKE YOU TALK IT OR YOU'LL LOSE THAT BEAT (1971); también trabajó en algunas películas de terror como BLUE SUNSHINE (1976) y GALAXY OF TERROR (1981).
King fue el director de cintas eróticas como "Two moon junction" (1988), "Wild orchid" (1989) o "Red shoe diaries" (1992), protagonizadas por Sherilyn Fenn, Jacqueline Bisset y David Duchovny, respectivamente.
Ganó notoriedad, no obstante, por su video sin cortes y la versión europea de sus controvertidas fantasías eróticas, NUEVE SEMANAS Y MEDIA (1986) y ORQUÍDEA SALVAJE (1990) en las que colaboró su esposa, [[Patricia Louisiana Knop ]]como guionista. Con “Nueve Semanas y Media” , dirigido por [[Adrian Lyne]] y cuyo estreno fue en los Estados Unidos el 21 de febrero de 1986 entre tibias críticas ,apenas consiguió 7 millones de dólares en la taquilla estadounidense. Sin embargo, fue en el mercado del video donde encontró su público y adquirió la categoría de culto. Tan fría resultó su acogida en las salas que incluso consiguió tres candidaturas a los premios Razzie, los anti-Oscar, incluido el de peor guión, en el que colaboró King con su esposa, Patricia Louisianna Knop, algo que repitió en más ocasiones durante su carrera. El éxito de la película en los videoclubs propició que se rodarán dos secuelas años después: "Another 9 1/2 weeks" (1997) y "The first 9 1/2 weeks" (1998).
"Red shoe diaries" se convirtió poco después de su estreno en una serie de televisión del canal Showtime.
King comenzó en [[Hollywood]] con pequeños papeles en series de televisión durante la década de 1960 y se hizo con una candidatura a los [[Globos de Oro]] por la serie "The young lawyers".
En la recta final de su carrera se centró en documentales sobre músicos como [[Willie Nelson]] o [[Dale Watson]].
==Algunos filmes==
*1995 MONTE DE VENUS
*1993 ZAPATOS ROJOS
*1992 PIERNAS DE TERCIOPELO
*1990 ORQUIDEA SALVAJE
*1988 SEDUCCION DE DOS LUNAS

==Muerte==
Muere el 3 de febrero de 2012, en [[Santa Mónica]], [[ California]], [[Estados Unidos]], a los 69 años tras una larga batalla contra el cáncer

==Fuentes==
*http://www.rpp.com.pe/2012-02-03-muere-zalman-king-productor-de-la-pelicula-nueve-semanas-y-media-noticia_447643.html
*http://www.imdb.com/name/nm0455394/
* http://www.divxonline.info/director/biografia/435/Zalman-King/
[[Category:Director_de_cine]]
[[Category:Actor]]

Jean Francois Fernel

2014-08-16T19:39:04Z

Irma jc:

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}}

'''Jean Francois Fernel''' , conocido como “El Galeno moderno”, médico, matemático y astrónomo francés. Introdujo el termino fisiología para el estudio de las funciones corporales y fue pionero en la descripción del canal vertebral.
==Datos biográficos==
Nació en 1497 en [[Montdidier]], [[Francia]]. Estudió en [[París]] matemática y astronomía.
==Vida y obra==
A muy temprana edad logró publicar en un breve tratado la posición de un grado meridional, ganándose un lugar en los círculos intelectuales de su época. Es la primera medida moderna del grado de longitud terrestre. Encontró que la longitud de 1º de meridiano era de 56,746 toesas. Considerando que 1 toesa=1.968 m se concluye que erró por defecto en 324 toesas. Por ese entonces en [[Italia]], [[Leonardo da Vinci]] realizaba estudios anatómicos con cuerpos; sin embargo su interés no dejó de ser meramente estético para perfeccionar sus obras artísticas. Fernel se doctoró como médico y comenzó a dar clases en la facultad siguiendo los pasos del humanismo europeo y teniendo siempre a Galeno como su modelo. Jean Fernel organizó todo el conocimiento científico heredado del mundo clásico, árabe y bizantino. En textos como Universia Medicinae hizo un compedio de grupos de saberes de las disciplinas médicas.
La fisiología clásica, desde Hipócrates, definía la fisiología como el estudio de los movimientos de los seres vivos. Fernel con su tratado De las partes naturales, dió a los médicos una nueva visión del cuerpo llegando a descubrir el canal que lleva a la médula espinal.
Fernel sobre todo contribuyó de un modo importante a la medicina. Introdujo en el léxico médico el término "fisiología" para describir el estudio de las funciones corporales. Fue el pionero en la descripción del canal vertebral.
Representa el deseo de renovación que hubo en su siglo. Aun dentro del cuadro teórico de Galeno y del viejo humoralismo, lo atempera con la busca de localizaciones precisas de los productos elaborados por cada parte corporal y sobre todo por sus conocimientos basados en las disecciones. Era un hombre práctico y un gran observador, pero estaba enriquecido con un soporte lógico implazable; buscó las causas ocultas (De abditis rerum causis) y llegó así a ofrecer una síntesis de calidad recogiendo toda la medicina tradicional: Medicina, su obra capital, está dividida en 'Physiologia', 'Pathologia' y 'Therapeutica'.
Por su gran erudición y por la habilidad con que hizo revivir el estudio de la medicina antigua (la griega) logró gran reputación y alcanzó una buena posición económica. Fue nombrado médico de corte de [[Enrique II]] de Francia.
Antes de morir en 1558, Jean Fernel dejó un legado importante en sus textos sobre fisiología, entendiendo el cuerpo en sentido cosmológico del mismo modo que hoy se explora el espacio exterior. Fue el primer médico en describir y definir patologías como la apendicitis así como el primero en hablar del proceso del movimiento peristáltico, crucial en los procesos digestivos.

La suma de conocimientos científicos y la visión del hombre como parte de un todo dentro del universo, permitió que la medicina medieval diera el paso a la edad moderna descubriendo el cuerpo humano.
==Obras==
*De proportionibus (1528), 2 partes
*Cosmotheoria (1528), 2 partes
*De naturali parte medicinae (1542), 7 partes
*De vacuandi ratione (1545)
*De abditis rerum causis (1548), 2 partes
*Medicina, ad Henricum II, Galliarum regem christianissimum (1554)
*Thierapeutices universalis (1569), 7 partes
*Febrium curandarum methodus generalis (1577)
*De luis venereæ curatione perfectissima liber (1579)
*Consiliorum medicinalium liber (1582)
*Consilium pro epileptico scriptum (1581)
*Pathologiæ, archiatri clarissimi (1587), 7 partes
*Pharmacia Joannis Fernelii cum Guilel. Planti et Franc. Saguyeri scholiis, in usum harmacopoearum (1605)
*De arthritidis praeservatione et curatione clarorum doctissimorumque nostrae aetatis medicorum consilia (1602)
==Homenaje==
Un cráter lunar, el Fernelius, lleva su nombre como homenaje a su persona.
==Muerte==
Murió en 1558
==Fuentes==
*http://www.infomed.sld.cu/verpost.php?pagina=1&blog=http://articulos.sld.cu/editorhome/&post_id=16574&c=1054&tipo=2&idblog=60&p=1&n=z
*http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=fernel-jean
*http://curiosidades.batanga.com/4625/jean-fernel-el-padre-de-la-fisiologia-moderna
*http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Francois_Fernel
[[Category: Científicos]]
[[Category: matemático]]

Jean Francois Fernel

2014-08-16T19:38:12Z

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Willis Haviland Carrier

2014-08-16T18:37:42Z

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'''Willis Haviland Carrier''', ingeniero estadounidense , conocido como el hombre que inventó el acondicionador de aire.
==Datos biográficos==
Nació el 26 de noviembre de 1876 en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]] Creció en una granja cerca de la costa del [[Lago Erie]], como el único niño en una extensa familia de adultos, incluyendo su abuelo y su tía abuela. Algunos lo describían como un solitario niño que se entretenía practicando juegos de su propia invención.
==Vida y obra==
Cursó estudios en la Cornell University, donde se graduó como ingeniero en el año 1901 Después de la universidad, trabajó para Buffalo Forge Company, compañía que fabricaba calentadores, sopladores y dispositivos de extracción y escape de aire, en su departamento de ingeniería de calefacción diseñaba sistemas de calefacción para secar la madera y el café.
Carrier pronto desarrolló un mejor modo de medir la capacidad de los sistemas de calefacción y fue nombrado director del departamento de ingeniería experimental de la compañía. En 1902, a los 25 años de edad, ideó su primera invención importante, un sistema para controlar el calor y la humedad para Sackett-Wilhelms, compañía litográfica y de publicaciones en Brooklyn. La firma no había podido fijar los colores en ocasiones debido a los efectos de calor y humedad en el papel y la tinta. Carrier recibió en 1906 una patente para su método. Él se puso a trabajar con ahínco en otras invenciones sobre refrigeración y control de humedad, y fue eventualmente hecho el jefe de una parte de la empresa nombrada Carrier Air Conditioning Company subsidiaria de Buffalo Forge en su honor.
Al comenzar la [[Primera Guerra Mundial]], la Buffalo Forge fue forzada a recortar gastos, y eliminó su división de aire acondicionado. Carrier, con seis colegas, invirtieron 32.600 dólares en su propia compañía, Carrier Engineering Corporation. Algunos de los primeros clientes de la compañía fueron el Madison Square Garden y los departamentos del senado de los Estados Unidos y la cámara de representantes.
Instaló el primer aire acondicionado doméstico en una casa en [[Minneapolis]], [[Minnesota]] en el año 1914. Carrier trasladó su compañía a Syracuse (Nueva York) en los años 1930, y la compañía llegó a ser una de las que más empleados tenían en Nueva York. En 1930, inauguró Tokyo Carrier en [[Japón]], país que en la actualidad es el mayor mercado de aire acondicionado del mundo.

La compañía fue pionera en el diseño y fabricación de máquinas de refrigeración para espacios grandes. Aumentando la producción industrial en los meses del verano, el aire acondicionado revolucionó la vida americana. La introducción del aire acondicionado residencial en los años 1920 ayudó al comienzo de la gran migración a las zonas cálidas del sur. En el año 2000 Carrier Corporation tenía ventas de más de 8 mil millones de dólares y daba empleo a unas 45.000 personas.
Carrier fue el inventor del aire acondicionado entre otras 80 patentes. Dominó el mercado del aire acondicionado con su compañía Carrier Corporation entre los años 1915-1948.
==Muerte==
Willis Haviland Carrier falleció en Nueva York el 9 de octubre de 1950.
==Fuentes==
*http://www.cancunissimo.com/san-willis-haviland-carrier/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Willis_Haviland_Carrier
*http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/5619/Willis%20Haviland%20Carrier%20-%20Willis%20Carrier
[[Category:ingeniero]]

William George Armstrong

2014-08-16T18:22:31Z

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'''William George Armstrong''', abogado e ingeniero, fundador efectivo de la Armstrong Whitworth
==Datos biográficos==
Nació en [[Newcastle upon Tyne]] ,[[Inglaterra]] a una milla del centro de la ciudad, en una zona rural. Su padre, también llamado William, era un comerciante de maíz en el muelle de[[ Newcastle]], que se convirtió en alcalde de Newcastle en 1850. Fue educado en escuelas privadas en Newcastle y Whickham , cerca de Gateshead , hasta que tenía dieciséis años, cuando fue enviado al Obispo de Auckland Grammar School. Mientras estuvo allí, a menudo visitado las obras de ingeniería cerca de Guillermo Ramshaw.
==Vida y obra==
Pasó cinco años en Londres estudiando derecho y regresó al Newcastle en 1833. En 1835 se convirtió en socio en el negocio Donkin y la empresa se convirtió en Donkin, estable y Armstrong. Armstrong se casó con Margaret Ramshaw en 1835, y construyeron una casa en Jesmond Dene , en el extremo este de Newcastle. Trabajó durante once años como abogado, pero durante su tiempo libre le mostró un gran interés en la ingeniería.
Armstrong fue responsable del desarrollo del acumulador hidráulico. Cuando la presión del agua no estaba disponible en el sitio para el uso de grúas hidráulicas, Armstrong construía torres de agua de alta para proporcionar un suministro de agua a presión. Después de pensarlo con mucho cuidado produjo el acumulador hidráulico, un cilindro de hierro fundido provisto de un émbolo de soportar un peso muy pesado. El émbolo lentamente se levantó, dibujo en el agua, hasta que la fuerza a la baja del peso fue suficiente para forzar el agua por debajo de ella en tuberías de gran presión.
Este invento tuvo gran connotación y aplicación en los años venideros y hasta la actualidad
==Muerte==
Muere el 27 de diciembre de 1900
==Fuentes==
*http://recuerdosinvorrables.blogspot.com/2010/11/nace-william-amstrong-inventor-del.html
[[Category:ingeniero]]
[[Category: abogado]]

Tira de prensa

2014-08-16T18:15:55Z

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'''Tira de prensa''', también llamada tira cómica o simplemente tira es una historieta publicada periódicamente (generalmente diaria o semanalmente) en diarios , revistas y más recientemente páginas de Internet.

==Tipos de tiras==
Las tiras son protagonizadas, generalmente, por personajes fijos. Pueden ser obra exclusiva de un dibujante o resultado de su colaboración de un guionista e incluso todo un equipo de trabajo. Habitualmente, se distinguen dos tipos de tiras de prensa con diferente periodicidad:
* Las tiras diarias (en inglés, daily strip) que se desarrollan en unas pocas viñetas (normalmente entre tres y cuatro), alineadas horizontalmente y suelen estar dibujadas en blanco y negro debido al ritmo de publicación, aunque hoy en día podemos encontrarnos con tiras a todo color editadas diariamente.
* Las tiras dominicales (en inglés, sunday strip), que suelen ocupar toda la página y a color.
==Orígenes==
El modelo de la revista británica Punch (1841) fue imitado en todo el mundo, dando lugar en [[Estados Unidos]], a Puck (1871), Life y Judge, verdaderos campos de prueba del cómic de prensa en los que comenzaron, entre otros, [[Richard Felton Outcault]] y [[George Herriman]]. En esta época dorada de la prensa estadounidense, los dos principales editores del país, [[William Randolph Hearst]] y su rival [[Joseph Pulitzer]], decidieron usar la historieta como una manera de vender sus periódicos a una población emigrante que no entendía muy bien el inglés pero sí podía «ver» a las historietas. Surgen pronto series con personajes fijos, como Little Bear, de[[ James Swinnerton]] en 1892. Al año siguiente, se incorpora el color en el suplemento dominical del New York World de Pulitzer
Inicialmente los funnies, como es conocido el cómic de prensa estadounidense, comenzaron como pequeños gags episódicos de una viñeta y mantuvieron su carácter auto-conclusivo, aun cuando se fragmentaron en tiras tras The Yellow Kid. El personaje o protagonistas que normalmente daban título a la serie también le darían continuidad. Esta importancia de los personajes hizo que los editores intentaran robárselos unos a otros hasta que los tribunales arbitraron una solución que obligaba a una serie y a sus personajes a cambiar de título si cambiaban de periódico. Desde marzo de 1897, de la mano de Hearst, las tiras se recopilaron, apareciendo al menos 70 recopilaciones sólo entre 1900 y 1909. En 1914, fundó también la primera agencia syndicate: el Kings Features Syndicate , al que pronto copiarían sus rivales con el United Features Syndicate y otros. El syndicate es una agencia para la distribución de las tiras entre los periódicos de un mismo editor y para su publicación en periódicos extranjeros. En una frase: los syndicates son las editoriales exclusivas de los cómics de prensa.

Además de la ya mencionada The Yellow Kid (1894) de Outcault, las series germinales de la historieta de prensa estadounidense fueron Little Jimmy (1904) de James Swinnerton, sobre un niño que siempre pierde sus encargos tras haber sido enviado a la tienda, y Katzenjamer Kids (1912) de Rudolph Dirks cuya pareja protagonista son un par de pícaros, rubio y moreno, inspirados en Max y Moritz de Wilhelm Busch.

A partir de The Yellow Kid, todos los recursos técnicos de impresión de los diarios se optimizan para obtención de la mayor exuberancia en sus populares páginas de historieta. Al formato sábana de los diarios estadounidenses, que permitía historietas de una o media página, se incorpora el color. El cenit se alcanza poco después con los suplementos dominicales de «sólo» historietas, cambiando su pauta periódica. Esto permitió el surgimiento de series arriesgadas que exploraban las posibilidades cromáticas, rítmicas y esquemáticas de la página y que hoy figuran como los mejores clásicos del cómic de prensa. Estas son Little Nemo in Slumberland (1905) de Winsor McCay y Krazy Kat (1907) de George Herriman.

Probablemente el más importante de los dos fue Winsor McCay que estableció, anticipándose al cine, el moderno lenguaje visual de planos y raccords, además de destacar como notable pionero de los dibujos animados. Tan sólo cinco años después de La interpretación de los sueños de Freud , su emblemática serie Little Nemo relata el mundo onírico de un niño e incorpora al cómic la estética modernista del art decó. Little Nemo llevó la imaginación gráfica y narrativa de McCay al límite con metamorfosis, cambios de tamaño y estado del personaje que, en cierto modo, prefigurarían el surrealismo.

Por su parte, Krazy Kat de [[George Herriman]] repite una trama constantemente: Krazy Kat, enamorado/a del ratón Ignatz, es constantemente rechazado/a por este mediante adoquinazos que él/ella interpreta como signos de amor y que un perro comisario, enamorado de Krazy Kat, aprovecha para encerrar a Ignatz en la cárcel. Por su inversión sistemática del orden lógico y racional de los acontecimientos; su gusto por la sonoridad, imprecisión y mestizaje del lenguaje oral popular y, en suma, su carácter absurdo, primitivo e infantil; el dadaísmo, que por entonces estudiaba la cultura popular estadounidense bajo la óptica de folclore contemporáneo, sacralizó a Krazy Kat como «puro humor dadá estadounidense».

Otras series vanguardistas que vale la pena mencionar son The Upside Downs (1903) de Gustave Veerbeek , organizada en páginas que componían la historia primero del derecho para continuarse del revés al invertir la página, y Kinder Kids y Wee Willis Winkies World (1906) del pintor, miembro fundador y profesor de la Escuela de la Bauhaus Lyonel Feininger en las que inauguraría el uso no-naturalista del color e incorporaría al cómic la antropomorfización de los personajes no humanos.

No obstante, las tiras más populares de la época tenían un registro temático restringido. Oscilaban entre el humor físico del slapstick y el tratamiento de los problemas de adaptación a la modernidad y liberalidad de costumbres por un grupo de personajes. El grupo podía ser una familia o una pareja, siempre polarizada entre un padre y sus hijos o esposa o entre dos compañeros de diferente carácter. Destacan Mutt and Jeff de Bud Fischer (1907), que logró el triunfo de la serie diaria tras el intento fallido de [[Clare Briggs] en 1904[4] ; Polly and her pals (1912) de Cliff Sterret ; Bringing up father (1913) de George McManus; Gasoline Alley (1918) de Frank King ; Thimble Theater (1919) en la que Segar crearía a Popeye; Little Orphan Annie (1924) de Harold Gray ; The Bungle Family (1924) de H. J. Tuthill y Blondie (1930) de Chic Young . También se publican "girl strips", como Tillie the Toiler, de Westover, en 1921, y la primera tira mexicana importante: Don Catarino y su apreciable familia, seguida en 1927 por El señor Pestaña y Mamerto y sus conocencias.
==Desarrollo==
La experiencia moderna se truncaría con la depresión de 1929 que empujaría a una renovación del cómic de prensa. Se acabaron el comentario sociológico, ahora peligroso, y los excesos artísticos, ahora demasiado caros, en favor del puro entretenimiento. A pesar de la existencia de notables series de comedia como Li’l Abner (1934) de Al Capp, los siguientes años estarían marcados por las tiras de aventuras. Tras el éxito comercial de Wash Tubbs (1924) de Roy Crane , que introdujo el plano general, Tim Tyler’s Luck (1928) de Lyman Young , Buck Rogers (1929) de Dick Calkins, Dick Tracy (1931) de Chester Gould y Brick Bradford (1933) de William Ritt y Clarence Gritt; este género se apuntalaría en 1934.
Ese año, la editorial King Features Syndicate contrató como ilustrador al joven Alex Raymond para que hiciese dos series dominicales: Flash Gordon y Jungle Jim, y una cotidiana: Secret Agent X-9 (con guiones del escritor Dashiell Hammett). Tanto Raymond como el Harold Foster de Tarzán (1929) y Príncipe Valiente (Prince Valiant, 1937) definirían la nueva estética de las tiras de aventuras: pictorialista, magistral y minuciosa; elegante y, sobre todo, atmosférica. Se recuperó, por tanto, el valor seguro del realismo en detrimento del grafismo más vanguardista de los años veinte.
También en 1934, el periódico Chicago Tribune y la editorial NY Syndicate empezaría a distribuir la más importante tira de aventuras: Terry y los piratas (Terry and the Pirates) de Milton Caniff. Caniff adoptó el nuevo lenguaje del cine tomando muchos de sus recursos como el plano estadounidense e imitaciones del plano-secuencia. Pero, lo que es más importante, sustituyó definitivamente lo episódico por la serie de continuidad, siendo el reto del suspense al final de tira o página fundamental para mantener el clímax. Y llevó esta lógica al extremo: las tiras diarias se conectaban entre sí y con el dominical pero, además, la serie se podía leer sólo con las páginas dominicales o, también, sólo con las diarias: una proeza mandato de su editorial syndicate. De tal modo, el instinto de repetición característico de la primera época (podríamos decir fordista) se vio sustituido por la continuidad narrativa como nueva política cuyo objetivo final no era otro que fidelizar lectores.
Lee Falk continuaría el género aventurero como guionista de The Phantom en 1936 y Mandrake the magician en 1939. Pero ese mismo año el cómic de prensa sufría un duro golpe: el nacimiento de los comic-books de superhéroes. Los superhéroes tenían esquemas narrativos muy parecidos a las tiras de aventuras: historia entre la realidad y la ficción, en forma de serie continua, basada en un protagonista carismático con doble identidad, máscara/disfraz o complementos. Bien visto, lo único que añadieron los superhéroes fueron los superpoderes. Pero desde el punto de vista industrial acabarían con la edad de oro de los cómics de prensa estadounidenses.
En Japón, por su parte, destaca la tira cómica Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama .
Tras la guerra, se impone la llamada daily strip (‘tira diaria’), que ocupa uno de los fragmentos horizontales de una página de contenido heterogéneo y puede ser, dependiendo del género, una narración completa o serial. También había publicaciones de página completa los domingos, aunque los autores eran diferentes. Esto impuso una limitación espacial a diálogos y acción, perjudicando a los cómics más realistas, como Johnny Hazzard (1944) de Frank Robbins y Rip Kirby (1946) de Alex Raymond; en los años venideros las tiras más importantes adoptarían predominantemente protagonistas orientados a la infancia, aunque con una fuerte carga intelectual, como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller, Barnaby (1942) de Crockett Johnson , Memín Pinguín (1945) de Yolanda Vargas Dulché, Pogo (1948) de Walt Kelly , B.C. y Peanuts (1950) de Charles Schulz , con su mundialmente famoso Snoopy.
En Argentina, por su parte, destaca Gillermo Divito , creador y director de la revista Rico Tipo (1944), para la que creará personajes como El otro yo del doctor Merengue , Pochita Morfoni, Fúlmine, y El abuelo , entre otras creaciones. En Japón, encontramos a autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74). En Chile, Pepe Antártico (1947).
En 1950, Mort Walker inicia su prolífica producción con Beetle Bailey , a la que seguiría Hi and Lois, también un éxito. Sigue habiendo series más tradicionales, como Daniel el Travieso (1951). Johnny Hart realiza series como B. C (1958) o El mago de Id (1964).
Mafalda, creada por Quino en 1964, logra una gran popularidad en Latinoamérica en general, España, Italia, Francia y otros países europeos, aunque también pueden destacarse a otros autores argentinos como Lino Palacio.
En 1968, Garry Troudeau inicia " Doonesbury " y Mort Walker, Boner's Ark.
En 1970, Mell Lazarus crea "Momma".
En 1973, Dick Browne crea Olafo el vikingo; Isidoro.
Antes de dedicarse a los dibujos animados, Matt Groening crea La vida en el Infierno que simulaba la mala experiencia de vida en Los Ángeles. La historieta llegó a estar presente en más de 200 periódicos en Estados Unidos y Canadá, y trataba de las aventuras de conejos antropomórficos y amantes homosexuales en Los Ángeles. En la historieta se satirizaba el amor, el trabajo y el sexo. Don Wilder y Brant Parker lanzan en 1980 “Goosemyer”.
Garfield (1978), de Jim Davis se burla de dueños de mascotas y de su relación con los animales domésticos, retratando a la mascota como el verdadero amo de la casa. Garfield también apela a su manera a problemas muy humanos, como las dietas, el odio a los lunes, la apatía, el fastidio, en contadas ocasiones se le atribuyo enemistar a los perros y gatos, el maltrato permanente a los ancianos, etc. Este año también se inicia " The Far Side ", de Gary Larson.
El 18 de noviembre de 1985, Bill Watterson inicia Calvin y Hobbes (1985) de Bill Watterson, una de las series más populares de los últimos tiempos, que ha recuperado elementos del humor físico de la ya extinta época dorada de las tiras de prensa. Watterson está acreditado como el primer dibujante moderno en recuperar el dominical, con el que sus tiras se acercaron más a las de los años 20 y 30.
FoxTrot (1988) y Dilbert (1989) de Scott Adams se desarrollan en el contexto de lo cotidiano para millones de empleados: políticas de oficina, jefes sin idea de lo que hacen, compañeros de trabajo molestos, asignaturas sin sentido, juntas eternas. El mismo tipo de cosas que la gente odia en su trabajo diario son las que provocan las carcajadas en Dilbert.
Desde mediados de los 90, se produce un auge de las mismas en internet, ya que se muestra como el formato "más adecuado para la pantalla".[5] "
Zits (1997) escrita por Jerry Scott e ilustrada por Jim Borgman, relata la vida de Jeremy Duncan, un adolescente de quince años en su primer curso en la High School . Jeremy trata de equilibrar su vida pasando el tiempo con sus amigos (sobre todo con su mejor amigo, Hector García), intentado analizar su torpe relación con su novia periódica (se unen y se separan con inusitada rapidez), luchando con los deberes, ensayando para ser un futuro dios del Rock , y tolerando a sus ridículos padres (según su punto de vista). La tira destaca por tener una variedad de personajes principales bien definidos y estructurados, que complementan la dura vida del adolescente Jeremy.
Desde el inicio de las tiras a la actualidad han pasado por numerosos éxitos y hoy en día continúan siendo de la preferencia del público de amplia parte del mundo.
==Fuentes==
Wikipedia

[[Category:Literatura]]
[[Category:Periodismo]]

Sofía Bozán

2014-08-16T18:12:26Z

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'''Sofía Bozán''', conocida como "La Negra Bozán", actriz argentina de vodevil, teatro, cine y cantante de tango entre 1925 y 1958. Fue una auténtica estrella porteña desaparecida en plena carrera.
==Datos biográficos==
Nació en [[Buenos Aires]], [[Argentina]], el 5 de noviembre de 1905. Se recibió de Profesora de Corte y Confección a los 12 años.
==Vida y obra==
Sofía se inició en teatro formando parte del coro en la compañía Vittone-Pomar, en la revista de [[Manuel Romero]] "Los pronósticos de 1922" en el [[Teatro Opera]], donde trabajaba su prima hermana, Olinda Bozán. Luego pasó a la compañía Muiño-Alippi trabajando en algunos sainetes como actriz realizando pequeños papeles y en la Revista como bailarina hasta que le llegó su oportunidad como cancionista .
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En 1931 protagonizó junto a [[Carlos Gardel]] la película "Luces de Buenos Aires". Actuó en varios teatros porteños realizando la mayoría de sus éxitos en el [[Teatro Sarmiento]] y en el [[Teatro Maipo]] donde actuó y cantó por más de 20 años. Se le otorgaron los títulos de: "La Bozán", "El alma del Maipo" y "La Reina de la Noche Porteña" entre otros.
Trabajó en radio, televisión y grabó discos, pero el fuerte de Sofía era el teatro de revistas, un género bastante particular que necesitaba una persona especial que se desempeñara con soltura en el escenario y soportara la agresividad que imponía el contacto directo con la gente.
Fue una mujer adelantada a su tiempo y le gusto transgredir aunque sin proponérselo. Era algo que hacia naturalmente. Así opinaba en un reportaje para la revista "La canción moderna" en 1928. Sobre el arrabal: "Para mi es mi cuna y también la del tango, quizás por eso es tan grande la sugestión que sobre mi ejerce el tango, el amante más fiel que supe encontrar". De los hombres: "Delante de ustedes no contesto nada, si fuera una mujer la que me hiciera la pregunta le contestaría: me gustan una barbaridad". Era un tiempo en que el Tango recién empezaba a ser aceptado socialmente y esas palabras eran todo un atrevimiento, que solo se le toleraba a ella.
Alrededor de 1930 su figura era tan popular que llegó a rivalizar con éxito con su amigo Carlos Gardel, quién en su momento llego a definirla como "Mi equivalente en mujer".

Filmó varias películas. Los primeros cortos cantados, junto a José Bohr, con la misma cámara que fueran filmados los cortos de Carlos Gardel, "Luces de Buenos Aires", "Loco lindo", "Goal!", "Elvira Fernández", "Los muchachos se divierten", "Arriba el telón", entre otros. Realizó presentaciones en distintas radios entre las que pueden mencionarse Radio Prieto y Radio Belgrano en 1939. En televisión se presentó en "Petit Café" cantando muchas canciones de su repertorio. En "Tropicana Club" que tenía como consigna "llevar el Maipo a las casas", donde presentó algunos cuadros revisteriles y un programa especial dedicado a la Calle Corrientes llamado "Corrientes está de fiesta".

Sofía representó en la Revista Porteña, una "vedette" de la canción criolla, aunque como bien dice Jorge Palacio "Faruk" en un artículo sobre ella, la define como una cancionista atípica, mezcla rara de "vedette, cómica, partenaire, actriz". Bailaba muy bien el tango y la milonga hecho que ha quedado plasmado en muchas de sus películas. Trabajó junto a los grandes capocómicos de la Argentina: [[Pepe Arias]], con quién realizó muchas temporadas en los primeros años; [[Luis Sandrini]], [[Alberto Anchart]], [[Carlos Castro]] (Castrito), [[Dringue Farias]], [[Marcos Caplán]], [[Vicente Rubino]] y [[Gogo Andreu]].
==Muerte==
Falleció en Buenos Aires el 9 de Julio de 1958.
==Fuentes==
*http://www.tangoreporter.com/nota-sofia.html
*http://www.todotango.com/creadores/ficha/148/Sofia-Bozan/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Sof%C3%ADa_Boz%C3%A1n
[[Category:Cantante]]
[[Category:Actriz]]

Sofía Bozán

2014-08-16T18:10:45Z

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'''Sofía Bozán''', conocida como "La Negra Bozán", actriz argentina de vodevil, teatro, cine y cantante de tango entre 1925 y 1958. Fue una auténtica estrella porteña desaparecida en plena carrera.
==Datos biográficos==
Nació en [[Buenos Aires]], [[Argentina]], el 5 de noviembre de 1905. Se recibió de Profesora de Corte y Confección a los 12 años.
==Vida y obra==
Sofía se inició en teatro formando parte del coro en la compañía Vittone-Pomar, en la revista de Manuel Romero "Los pronósticos de 1922" en el Teatro Opera, donde trabajaba su prima hermana, Olinda Bozán. Luego pasó a la compañía Muiño-Alippi trabajando en algunos sainetes como actriz realizando pequeños papeles y en la Revista como bailarina hasta que le llegó su oportunidad como cancionista . Debutó como cancionista con el tango Canillita, con letra de [[Antonio Botta]] y música de [[Tomás De Bassi]], Sofía se quedó con Alippi cuando la compañía se separó. Luego vinieron otros éxitos, como Que calamidad con música de [[Bernardino Terés]] y letra de [[Pascual Contursi]] en la Revista "Señorita Revista", “Un tropezón” con letra de [[Luis Bayón Herrera]] y música de [[Raúl de los Hoyos]] en la Revista "Estampas iluminadas" en el [[Teatro Sarmiento]] , “Yira Yira” con letra y música de [[Enrique Santos Discépolo]] en la Revista "¿Qué hacemos con el estadio? en el Teatro Sarmiento, “Cambalache” con letra y música de Enrique Santos Discépolo en la Revista "Esmeralda al cuatrocientos" en el [[Teatro Maipo]].
En 1931 protagonizó junto a [[Carlos Gardel]] la película "Luces de Buenos Aires". Actuó en varios teatros porteños realizando la mayoría de sus éxitos en el [[Teatro Sarmiento]] y en el [[Teatro Maipo]] donde actuó y cantó por más de 20 años. Se le otorgaron los títulos de: "La Bozán", "El alma del Maipo" y "La Reina de la Noche Porteña" entre otros.
Trabajó en radio, televisión y grabó discos, pero el fuerte de Sofía era el teatro de revistas, un género bastante particular que necesitaba una persona especial que se desempeñara con soltura en el escenario y soportara la agresividad que imponía el contacto directo con la gente.
Fue una mujer adelantada a su tiempo y le gusto transgredir aunque sin proponérselo. Era algo que hacia naturalmente. Así opinaba en un reportaje para la revista "La canción moderna" en 1928. Sobre el arrabal: "Para mi es mi cuna y también la del tango, quizás por eso es tan grande la sugestión que sobre mi ejerce el tango, el amante más fiel que supe encontrar". De los hombres: "Delante de ustedes no contesto nada, si fuera una mujer la que me hiciera la pregunta le contestaría: me gustan una barbaridad". Era un tiempo en que el Tango recién empezaba a ser aceptado socialmente y esas palabras eran todo un atrevimiento, que solo se le toleraba a ella.
Alrededor de 1930 su figura era tan popular que llegó a rivalizar con éxito con su amigo Carlos Gardel, quién en su momento llego a definirla como "Mi equivalente en mujer".
Filmó varias películas. Los primeros cortos cantados, junto a José Bohr, con la misma cámara que fueran filmados los cortos de Carlos Gardel, "Luces de Buenos Aires", "Loco lindo", "Goal!", "Elvira Fernández", "Los muchachos se divierten", "Arriba el telón", entre otros. Realizó presentaciones en distintas radios entre las que pueden mencionarse Radio Prieto y Radio Belgrano en 1939. En televisión se presentó en "Petit Café" cantando muchas canciones de su repertorio. En "Tropicana Club" que tenía como consigna "llevar el Maipo a las casas", donde presentó algunos cuadros revisteriles y un programa especial dedicado a la Calle Corrientes llamado "Corrientes está de fiesta".
Sofía representó en la Revista Porteña, una "vedette" de la canción criolla, aunque como bien dice Jorge Palacio "Faruk" en un artículo sobre ella, la define como una cancionista atípica, mezcla rara de "vedette, cómica, partenaire, actriz". Bailaba muy bien el tango y la milonga hecho que ha quedado plasmado en muchas de sus películas. Trabajó junto a los grandes capocómicos de la Argentina: [[Pepe Arias]], con quién realizó muchas temporadas en los primeros años; [[Luis Sandrini]], [[Alberto Anchart]], [[Carlos Castro]] (Castrito), [[Dringue Farias]], [[Marcos Caplán]], [[Vicente Rubino]] y [[Gogo Andreu]].
==Muerte==
Falleció en Buenos Aires el 9 de Julio de 1958.
==Fuentes==
*http://www.tangoreporter.com/nota-sofia.html
*http://www.todotango.com/creadores/ficha/148/Sofia-Bozan/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Sof%C3%ADa_Boz%C3%A1n
[[Category:Cantante]]
[[Category:Actriz]]

Ray Conniff

2014-08-16T18:01:58Z

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Joseph Raymond Conniff , conocido como '''Ray Conniff''', destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.
==Datos biográficos==
Nació en [[Attleboro]], [[Massachusetts]], [[Estados Unidos]], el 6 de noviembre de 1916. Hijo de padre trombonista, y de madre pianista. Recibió una educación musical en el seno de su hogar.
==Vida y obra==
En 1938 toca en [[Nueva York]] con la orquesta de [[Bunny Berigan]], debutando como trombonista y posteriormente en [[Bob Crosby]], [[Artie Shaw]] y [[Glen Gray]]. Durante la [[II Guerra Mundial]] trabajó en la Radio de las Fuerzas Armadas y después de acabada la guerra trabajó con [[Harry James]]. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la discográfica Columbia..
Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música. Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como [[Simon & Garfunkel]], [[Burt Bacharach]], [[The Beatles]] y [[The Carpenters]], entre muchos otros.
Fue arreglista y acompañó a cantantes como [[Johnnie Ray]], [[Marty Robbins]], [[Johnny Mathis]], [[Frankie Laine]], [[Guy Mitchell]]. Formó su propia orquesta y coros, consiguiendo desde entonces numerosos éxitos. Su primer álbum instrumental, S'wonderful, grabado en 1957 se convirtió en un éxito.
Su álbum debut, 's Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.
Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), "Lara's theme", una composición de [[Maurice Jarre]] que Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título "Somewhere my love" y por la que obtuvo un [[Premio Grammy]] en 1966.
En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a [[Frank Sinatra]] titulado My way.
Su afición por la música latinoaméricana le llevó a incluir grandes clásicos como "Bésame mucho", "El día que me quieras", "Frenesí", "Aquellos ojos verdes", "Brasil", "Aquarela do Brasil", "El Cóndor Pasa", "Caballo Viejo", entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el [[Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar]]. También grabó varios éxitos del famoso cantautor [[Camilo Sesto]] en los años 1980 y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en [[Viña del Mar]].
== Discografía==
* "'s Wonderful" (1956)
* "Dance the Bop!" (1957)
* "'s Marvelous" (1957)
* "'s Awful Nice" (1958)
* "Concert in Rhythm, Vol.1" (1958)
* "Broadway in Rhythm" (1958)
* "Hollywood in Rhythm" (1958)
* "It's The Talk of the Town" (1959)
* "Conniff Meets Butterfield" (1959)
* "Christmas with Conniff" (1959)
* "Concert in Rhythm, Vol.2" (1959)
* "Young at Heart" (1960)
* "Say It with Music (A Touch of Latin)" (1960)
* "Memories Are Made of This" (1960)
* "Somebody Loves Me" (1961)
* "'S Continental" (1961)
* "So Much in Love" (1962)
* "Rhapsody in Rhythm" (1962)
* "We Wish You a Merry Christmas" (1962)
* "The Happy Beat" (1962)
* "You Make Me Feel So Young" (1963)
* "Speak to Me of Love" (1963)
* "Friendly Persuasion" (1964)
* "Invisible Tears" (1964)
* "Love Affair" (1965)
* "Music From 'Mary Poppins', 'The Sound of Music', 'My Fair Lady' & Other Great Movie Themes" (1965)
* "Here We Come A-Caroling" (1965)
* "Happiness Is" (1965)
* "Ray Conniff's World of Hits" (1966)
* "En Español" (1966)
* "This Is My Song" (1967)
* "Ray Conniff's Hawaiian Album" (1967)
* "It Must Be Him" (1967, gold álbum)
* "Honey" (1968, gold álbum)
* "Turn Around Look at Me" (1968)
* "I Love How You Love Me" (1968)
* "Live Europa Tournee 1969/Concert in Stereo" (1969)
* "Jean" (1969)
* "Concert In Stereo: Live At 'The Sahara Tahoe'" (1969)
* "Bridge Over Troubled Water" (1970)
* "We've Only Just Begun" (1970)
* "Love Story" (1970)
* "Great Contemporary Instrumental Hits" (1971)
* "I'd Like to Teach the World to Sing" (1971)
* "Love Theme from "The Godfather" (1972)
* "Alone Again (Naturally)" (1972)
* "I Can See Clearly Now" (1972)
* "Ray Conniff in Britain" (1973)
* "You Are the Sunshine of My Life" (1973)
* "Harmony" (1973)
* "The Way We Were" (1973)
* "The Happy Sound of Ray Conniff" (1974)
* "Ray Conniff In Moscow" (1974)
* "Laughter in the Rain" (1975)
* "Another Somebody Done Somebody Wrong Song" (1975)
* "Love Will Keep Us Together" (1975)
* "I Write the Songs" (1975)
* "Live in Japan" (1975)
* "Send in the Clowns" (1976)
* "Theme from 'SWAT' and Other TV Themes" (1976)
* "After the Lovin'" (1976)
* "Éxitos Latinos" (1977)
* "Ray Conniff Plays the Bee Gees and Other Great Hits" (1978)
* "I Will Survive" (1979)
* "The Perfect '10' Classics" (1980)
* "Exclusivamente Latino" (1980)
* "Siempre Latino" (1981)
* "The Nashville Connection" (1982)
* "Musik für Millionen" (1982)
* "Amor Amor" (1982)
* "Fantástico" (1983)
* "Supersónico" (1984)
* "Campeones" (1985)
* "Say You Say Me" (1986)
* "30th Anniversary Edition" (1986)
* "Always in My Heart" (1987)
* "Interpreta 16 Éxitos De Manuel Alejandro" (1988)
* "Ray Conniff Plays Broadway" (1990)
* "'S Always Conniff" (1991)
* "Latinísimo" (1993)
* "40th Anniversary" (1995)
* "Live in Río (aka Mi Historia)" (1997)
* "I Love Movies" (1997)
* "My Way" (1998)
* "'S Country" (1999)
* "'S Christmas" (1999)
* "Do Ray Para O Rei" (2000).
==Muerte==
Murió en [[Escondido]], [[California]], el 12 de octubre de 2002 ,como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en [[Los Ángeles]], [[California]].
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Conniff
* buscabiografias.com
[[Category:Músico]]

Midge Ure

2014-08-16T17:53:27Z

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'''Midge Ure''', músico escocés , importante contribuyente del Live Aid y Live 8 anterior líder de la banda de synthpop Ultravox.
==Datos biográficos==
Nació en [[Cambuslang]], [[Lanarkshire]], [[Gran Glasgow]], [[ Escocia]], el 10 de octubre de 1953 con el nombre de James Ure. Hijo de un humilde conductor de camión. De adolescente aprende a tocar la guitarra, y también, a los 15 años, deja la Rutherglen Academy, su escuela. En 1969, forma una banda llamada Stumble.
==Vida y obra==
En 1972, ingresa a Salvation, conformada por los hermanos Kevin y Jim McGinlay, en voz y bajo, respectivamente; uniéndose junto al teclista [[Billy McIsaac]] y el baterista [[Kenny Hyslop]]. Como en la banda había dos integrantes llamados Jim (diminutivo de James, nombre de Ure), [[Kevin McGinlay]] decide revertir el orden de las letras del nombre de Ure (de acuerdo a la pronunciación inglesa), llamándosele "Midge"; y así éste sería conocido desde ese entonces como Midge Ure. Salvation entonces, se volvió una banda muy popular en toda Escocia.
En abril de 1974, Kevin McGinlay dejó Salvation, entonces, Ure lo reemplazó sin dejar el puesto de guitarra, reduciéndose el grupo a cuarteto. En Noviembre de ese mismo año, Salvation cambia de nombre a Slik, firmando contrato con [[Bill Martin]] y [[Phil Coulter]], compositores de las canciones de Bay City Rollers. Ambos compondrían las canciones de la banda, entre las cuales se encontraban "Forever And Ever" y "Requiem", ambos lanzados como sencillos y éxitos en Europa a comienzos de 1976. La carrera de Slik estaba alcanzando el éxito, pero a finales de ese año, el punk estaba adquiriendo popularidad entre los críticos musicales y la juventud, quitando la popularidad a todas las bandas de otros géneros; por ese tiempo, el único álbum de Slik, fue lanzado, pero sin llegar a tener el éxito de los sencillos.
Con su popularidad reducida por el punk, Slik siguió lanzando sencillos, hasta comienzos de 1977, cuando Jim McGinlay deja la banda y es reemplazado por [[Russell Webb]].
En 1977, con el punk como género popular, Slik adoptó su estilo y cambió su nombre, llamándose PVC2. En Mayo de ese año, Ure es invitado a unirse a [[The Rich Kids]], banda formada por el bajista [[Glen Matlock]], luego de su separación de [[Sex Pistols]], junto con el guitarrista [[Steve New ]] y el baterista [[Rusty Egan]], pero dura poco tiempo y regresa a Escocia para dedicar más tiempo a PVC2, la cual sacó un sólo sencillo en agosto de 1977, Put You In The Picture. Luego, Ure se va a [[Londres]], y PVC2 cambia de nombre a Zones.
En Londres, en octubre de 1977, Ure se reúne con The Rich Kids. The Rich Kids sacarían solo 3 singles y un álbum, llamado Ghost Of Princes In Towers (1978). Para 1979 esta banda se separa, pero Ure tendría para ese año muchas cosas que hacer: contribuye con algunas canciones de The Skids, le tocaría reemplazar brevemente a Gary Moore en la guitarra para Thin Lizzy durante su gira norteamericana y japonesa, formaría parte de Visage (lo hizo desde 1978) e ingresaría a [[Ultravox]] en Noviembre de ese año para ser su líder, guitarrista y cantante.
Las raíces de su etapa en Ultravox tienen raíces en Visage, proyecto musical en el cual conoció a Billy Currie. Éste pertenecía a Ultravox, que carecía de cantante y guitarrista (John Foxx y Robin Simon, respectivamente), así que después de conocerse también con los demás miembros de esta banda, toma el lugar vacío de éstos dos puestos. Tomando raíces de los previos álbumes de Ultravox ("Ultravox!", "Ha! Ha! Ha!" y "Systems Of Romance"), y el uso mayor de los sintetizadores, Ure y los otros lanzan 5 álbumes exitosos: "Vienna", "Rage In Eden", "Quartet", "Monument" (en directo) y "Lament"; y uno que no lo fue, "U-Vox", lo cual causó su la disolución de la banda en 1987.
Ure afrontó serios problemas antes de la separación de Ultravox: ya no era tan apegado a Billy Currie como cuando lo fue al comienzo, era alcohólico, sugirió la partida del baterista Warren Cann en 1986 (según Billy Currie) y el poco éxito del álbum U-Vox de ese mismo año. Finalmente, Ure, junto a Chris Cross y Billy Currie, decidió poner fin a la banda en 1987.
En el año 1997, Mdge Ure saca el disco Breathe (compuesto por 11 canciones), en un principio el disco no vende lo esperado, pero enseguida una muy conocida marca de relojes (Swatch), se fija en el tirón que puede tener la canción Breathe para sus anuncios, seguido a esto el disco experimenta una de las mayores subidas en ventas del mercado internacional.
==Discografía==
===Slik===
* Slik (1976)
===PVC2===
*Put You In The Picture (sencillo)
===The Rich Kids===
*The Ghosts Of Princes In Towers
*The Skids
*Thin Lizzy
*Visage
*Ultravox
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Midge_Ure
*http://www.plasticosydecibelios.com/midge-ure-live-aid-acabo-ultravox/
[[Category:Músico]]

Tricología

2014-08-16T17:46:59Z

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La '''Tricología''' , ciencia que estudia al cabello y que reúne al conjunto de técnicas y tratamientos que mejoran la salud del cuero cabelludo y del cabello.
==Etiología==
La palabra Tricología proviene de la conjunción de los vocablos griegos “Trichós” (Pelo) y “Logos” (Tratado ó Estudio).
==Surgimiento==
Para ingresar al estudio del cabello, hay que remontarse a la historia del mismo, que tan importante era para cada una de las culturas de la humanidad:
===Los Egipcios: “Símbolo de estatus social”===
En el Egipto antiguo, en el 1500 antes de Cristo, la apariencia externa expresaba la estatus social de la persona, el rol en la sociedad y la posición política. Las pelucas jugaban un papel importante en esto: estas eran hechas artesanalmente con gran destreza y a menudo eran rociadas con polvo de oro.
===Los Celtas:”Símbolo de fuerza”====
En el siglo octavo antes de Cristo, los celtas pre-románicos en el norte de Europa llevaban el cabello largo. En un hombre esto era la expresión de su fuerza, en una mujer era la expresión de su fertilidad. Hombres y mujeres llevaban mechones ornamentados o trenzaban su cabello y utilizaban joyería para mantener juntos los extremos de sus cabellos.
===La Biblia: “Símbolo de fuerza varonil”===
La idea de la longitud del cabello como un símbolo de la fuerza varonil también es mencionada en la Biblia, en la historia de Sansón y Dalila. Sansón era el líder de los israelitas y había sido escogido por Dios. Su larga cabellera, la cual nunca cortaba, le daba sus poderes sobrehumanos. La única persona que conocía su secreto era Dalila. Sin embargo, ella espiaba para el enemigo y lo traicionó. Una noche ella cortó su cabello y así lo despojó de su fuerza. Esta era la única forma en la cual él podía ser capturado por sus enemigos.
===Los Griegos: “Actitud”===
En el periodo Griego clásico (de 500 – 400 antes de Cristo) el cabello rizado no sólo era la moda del día, sino que también representaba una actitud hacia la vida. Los rizos eran la metáfora de la turbulencia, el cambio, la libertad y el disfrute de la vida. La palabra de griego antiguo “oulos” está relacionada con la intriga, y la palabra en alemán “locken” todavía tiene dos significados: rizar y tentar a alguien.
===Medusa:”Símbolo de peligro”===
El cabello también puede ser una maldición. Medusa, una figura de la mitología griega, era una mujer hermosa, quien fue seducida por Poseidón en uno de los templos de Atenea. Ella convirtió a Medusa en una Gorgona y su característica más bella, los rizos, los convirtió en serpientes. Todos los hombres que la veían se convertían en piedra.
===Punk:”Símbolo de Oposición===
El movimiento de protesta punk utiliza el cabello como un símbolo de desaprobación del “estilo de vida burgués” al llevar un corte de cabello provocador y el cabello pintado de manera chocante.
===Los 60: “Signo de Liberación”===
Una forma diferente de objeción podía verse en el estilo de peinado de las mujeres en los años sesenta.
La liberación femenina fue expresada en un peinado simple, recto y corto, el cual resaltaba la igualdad con el hombre sin descuidar los atributos femeninos.
El musical revolucionario “cabello”, realizado por primera vez en Nueva York en 1967, cuestionó los estándares de moralidad, sexualidad, racismo, violencia y aceptación socia
===La Actualidad:”Símbolo de poder, juventud, vitalidad y salud”===
Hoy en día la importancia de un cabello saludable no ha cambiado. La pérdida del cabello o el daño del cabello no sólo son considerados como un problema médico, sino que también pueden alterar severamente el equilibrio mental y el bienestar general de la persona.
==Objetivos de la Tricología==
La tricología en ciencia de vanguardia en el mundo, se especializa en el estudio del pelo y sus alteraciones (tricopatías), focaliza su atención en la investigación, técnicas de diagnóstico, higiene, prevención, corrección y tratamiento específico.
Su acción está especialmente orientada a compensar las necesidades del cuero cabelludo y del cabello para recuperar su salud y belleza.
La Tricología se ocupa del ciclo de vida, crecimiento y caída del cabello y de afecciones tales como caspa, seborrea, resequedad, envejecimiento prematuro, alteraciones estructurales y daños, todas afecciones que, verdaderamente, pueden ser tratadas con procedimientos tricológicos. Asimismo, estudia la funcionalidad de la química, la física y la cosmética en relación al cabello, con fines de prevención o para el mejoramiento de su estado y belleza.
==Otra rama de la Tricología==
===Tricología Forense===
Es el estudio comparativo de los caracteres macro-microscópico de las formas, estructuras y biometría de los pelos y cabellos humanos, así como de los pelos de animales, relacionados de alguna manera con un hecho delictuoso.
Son numerosos los ejemplos de casos criminales que han sido resueltos gracias a fibras de cabellos encontrados en la escena del crimen, por lo que la ciencia forense actual se ha volcado al estudio de esta matriz aplicando las más recientes técnicas y conocimientos con el fin de obtener el máximo de información posible buscando potenciales evidencias para ser empleadas en los juicios criminales. Sin embargo para que la ciencia forense llegase a usar una fibra de pelo como una importante y fuerte evidencia en un juicio, se debió primero conocer su morfología y como aplicar las diferentes metodologías analíticas que hasta ese momento existían para otras muestras de origen biológico tales como la sangre o la orina.
==Fuentes==
*http://www.cabelloysalud.com/es/tricologia
*http://institutodelcabelloargentina.blogspot.com/p/que-es-la-tricologia.html
*http://www.mistijeras.com.ar/tricologia
*http://www.buenastareas.com/ensayos/Tricolog%C3%ADa-Forense/938490.html
[[Category:Ciencias_Biológicas]]

Donald Byrd

2014-08-16T17:17:09Z

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'''Donald Byrd''', trompetista y educador estadounidense de jazz y jazz funk. Considerado junto a Lee Morgan, Freddie Hubbard o Clifford Brown, uno de los más importantes trompetistas de jazz de la historia.
==Datos biográficos==
Donald Byrd, cuyo verdadero nombre era Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II, nació el 9 de diciembre de 1932 en [[Detroit]], [[Míchigan]], [[Estados Unidos]] . Hijo de un músico amateur y desde muy temprano comenzó a tocar la trompeta..
==Vida y obra==
Byrd era ya un trompetista solvente al finalizar su High School -había tocado con Lionel Hampton-, pero tuvo que interrumpir sus estudios musicales en la Wayne State University para hacer el servicio militar, durante el cual formó parte de la banda de la Fuerza Aérea. A su vuelta, Byrd ingresa en la Manhattan School of Music de [[Nueva York]], al tiempo que se convierte en el trompetista favorito de los ingenieros del prestigioso sello Prestige, de 1956 a 1958, período en el que, además, graba para Riverside Records y Blue Note.
Consagrado como un brillante instrumentista, colaboró a partir de entonces con numerosos y estupendos músicos, entre los que cabe citar a: Art Taylor, Lou Donaldson, Sonny Rollins, Lionel Hampton o el mismísimo, John Coltrane. Con este curriculum, era evidente que no pasaría mucho tiempo antes de que decidiera independizarse musicalmente hablando y formara su propio grupo. En 1958 firma con [[Blue Note Records]], y desde ese año hasta 1961 lidera un proyecto común junto a [[Pepper Adams]], un quinteto que graba “At The Half Note Café”, un disco en directo en dos volúmenes, editados por Blue Note.
En 1963 viaja a [[Europa]] para estudiar composición. A su vuelta a Estados Unidos focaliza su carrera en su actividad como educador, trabajando en el instituto Rutgers, el Hampton Institute, la Howard University, y (tras licenciarse en derecho en 1976), en la North Carolina Central University. Al mismo tiempo, Byrd sigue grabando: en 1963 había registrado A New Perspective, un disco clásico que incluía el hit "Cristo Redentor" y que incorporaba como novedad arreglos de coros de gospel. . En esa época comienza su interés por el estudio de la música africana, inspirado en parte por los movimientos de reivindicación de la época, y observa con atención el viraje que estaba sufriendo la música de Miles Davis, en busca de una nueva audiencia más joven. En 1966, tras doctorarse en música, y dada su experiencia, pasó a presidir el Departamento de música negra de la Universidad de Howard, en Washington. Uno de su álbumes más exitosos de venta y su primer gran éxito acogido no obstante con frialdad en los cenáculos jazzisticos por sus galanteos con el soul y el pop - fue el titulado: "Black Byrd" para el sello, Blue Note. Hasta 1967 Byrd edita un buen número de álbumes con Blue Note Records, pero entonces comienza a distanciarse del jazz acústico con giros bop típico de la Costa Este a dirigir su atención al sonido más funky de la Costa Oeste, que estaba siendo popularizado por The Crusaders
En 1969 graba Fancy Free, con piano eléctrico y guitarras, y a partir de 1970 su música se torna decididamente más comercial. Desde "Black Byrd" (1972) los hermanos Larry y Fonce Mizell se encargan de la producción, composición y otras tareas de apoyo en los álbumes de Byrd. El disco fue rechazado por buena parte de la comunidad de críticos, pero a pesar de ello resultó un éxito, siendo el álbum más vendido en la historia de la Blue Note. A raíz de ello, Byrd forma un grupo con sus mejores estudiantes de la Howard University, al que bautiza precisamente como [[ the Blackbyrds]], y con el que edita diversos trabajos a lo largo de la década del los 70 con toda la influencia del funk y adornado con preciosos arreglos de cuerdas. Antes de dejar Blue Note Records en 1978, Byrd estaba publicando una serie de álbumes fuertemente influenciados por la música de baile de bandas como Earth Wind & Fire, The Ohio Players o the Brothers Johnson.
Tras la ruptura con Blue Note Records y con los hermanos Mizell, Byrd firma con [[Elektra Records]] para continuar editando una serie de álbumes menores en el período 1978-1983. Pasa unos años alejado de los estudios de grabación, en parte por problemas de salud, en parte por su dedicación a la enseñanza, pero a finales de la década vuelve al hard bop de sus inicios en diferentes sesiones para Landmark Records. Participa en el proyecto "Jazzmatazz" de Guru, y con la llegada del movimiento "jazz-rap" y del acid jazz británico, sus álbumes de los 70 conocen un nuevo período de esplendor. Mientras tanto, Byrd continuó dedicado a sus tareas como educador hasta su muerte.
==Discografía==
===Como líder===
*Off to the Races (1958), Blue Note
*Byrd in Hand (1959), Blue Note
*Fuego (1959), Blue Note
*Byrd in Flight (1960), Blue Note
*At the Half Note Cafe (1960), Blue Note
*Motor City Scene - with Pepper Adams (1960), Bethlehem Records
*Chant (1961), Blue Note
*The Cat Walk (1961), Blue Note
*Royal Flush (1961), Blue Note
*Free Form (1961), Blue Note
*A New Perspective (1963), Blue Note
*Up with Donald Byrd (1964), Verve Records|Verve
*I'm Tryin' to Get Home (1964), Blue Note
*Mustang! (1966), Blue Note
*Blackjack (1967), Blue Note
*Slow Drag (1967), Blue Note
*The Creeper (1967), Blue Note
*Fancy Free (1969) Blue Note
*Electric Byrd (1969-70), Blue Note
*Kofi (1969), Blue Note
*Ethiopian Knights (1971), Blue Note
*Black Byrd (1972), Blue Note
*Street Lady (1973), Blue Note
* Stepping into Tomorrow (1974), Blue Note
* Places and Spaces (1975), Blue Note
* Caricatures (1976), Blue Note
* Thank You... for F.U.M.L. (Funking Up My Life) (1978), Elektra
* Love Byrd (1981), Elektra
* Words, Sounds, Colors and Shapes (1983) Landmark
* Harlem Blues (1987), Landmark
* Getting Down to Business (1989), Landmark
* A City Called Heaven (1991), Landmark
* Touchstone (2000)
* The Transition Sessions (2002)
===Como sideman===
* 1955 Kenny Clarke - Bohemia After Dark
* 1955 Cannonball Adderley - Discoveries
*1955 Oscar Pettiford - Another One
* 1955 Hank Jones - Quartet-Quintet
* 1955 Hank Jones - Bluebird - un tema
* 1955 Ernie Wilkins - Top Brass
* 1956 George Wallington - Jazz for the Carriage Trade
* 1956 Jackie McLean - Lights Out!
* 1956 Hank Mobley - The Jazz Message of Hank Mobley
* 1956 Kenny Clarke - Klook's Clique
* 1956 Art Blakey - The Jazz Messengers
* 1956 Rita Reys - The Cool Voice of Rita Reys
* 1956 Elmo Hope - Informal Jazz
* 1956 Phil Woods - Pairing Off
* 1956 Jackie McLean - 4, 5 and 6
* 1956 Gene Ammons - Jammin' with Gene
* 1956 Horace Silver - Silver's Blue
* 1956 Hank Mobley - Mobley's Message
* 1956 Hank Mobley - Jazz Message #2
* 1956 Art Farmer - 2 Trumpets
* 1956 Paul Chambers - Whims of Chambers
* 1956 Phil Woods/Donald Byrd - The Young Bloods
* 1956 Horace Silver - 6 Pieces of Silver
* 1956 Hank Mobley - Hank Mobley Sextet
* 1956 Doug Watkins - Watkins at Large
* 1956 Sonny Rollins - Sonny Rollins, Vol. 1
* 1956 Kenny Burrell - All Night Long
* 1957 Kenny Burrell - All Day Long
* 1957 Gigi Gryce/Donald Byrd - Jazz Lab
* 1957 Art Farmer/Donald Byrd/Idrees Sulieman - Three Trumpets
* 1957 Lou Donaldson - Wailing with Lou
* 1957 Jimmy Smith - A Date with Jimmy Smith Volume One
* 1957 Art Taylor - Taylor Wailer's
* 1957 Gigi Gryce - Gigi Gryce and The Jazz Lab Quintet
* 1957 George Wallington - The New York Scene
* 1957 VVAA - American Jazzmen Play Andre Hodeir's Essais
* 1957 Kenny Burrell/Jimmy Raney - 2 Guitars
* 1957 Kenny Drew - This is New
* 1957 Hank Mobley – Hank
* 1957 Paul Chambers - Paul Chambers Quintet
* 1957 The Gigi Gryce/Donald Byrd Jazz Lab - At Newport -
* 1957 Gigi Gryce/Donald Byrd - New Formulas from the Jazz Lab
* 1957 Gigi Gryce/Donald Byrd - Modern Jazz Perspective
* 1957 Sonny Clark - Sonny's Crib
* 1957 John Jenkins - Star Eyes
* 1957 Oscar Pettiford - Winner's Circle
* 1957 George Wallington - Jazz at Hotchkiss
* 1957 Red Garland - All Mornin' Long
* 1957 Red Garland - Soul Junction
* 1957 Red Garland - High Pressure
* 1957 Lou Donaldson - Lou Takes Off
* 1958 John Coltrane - Lush Life - un tema
* 1958 John Coltrane - The Believer - dos temas
* 1958 John Coltrane - The Last Trane - dos temas
* 1958 Johnny Griffin - Johnny Griffin Sextet
* 1958 Pepper Adams - 10 to 4 at the 5 Spot
* 1958 John Coltrane - Black Pearls
* 1958 Michel Legrand - Legrand Jazz
* 1958 Dizzy Reece - Blues in Trinity
* 1958 Art Blakey - Holiday for Skins
* 1958 Jim Timmens - Gilbert and Sullivan Revisited
* 1959 Jackie McLean - Jackie's Bag
* 1959 Thelonious Monk - The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall
* 1959 Chris Connor - Ballads of the Sad Cafe
* 1959 Sonny Clark - My Conception
* 1959 Manny Albam/Teo Macero - Something New, Something Blue
* 1959 Jackie McLean - Vertigo
* 1959 Jackie McLean - New Soil
* 1959 Walter Davis Jr. - Davis Cup
* 1961 Pepper Adams - Out of This World
* 1962 Duke Pearson - Hush!
* 1963 Hank Mobley - No Room for Squares
* 1963 Hank Mobley - Straight No Filter - editado en 1986
* 1963 Hank Mobley - The Turnaround
* 1963 Jimmy Heath - Swamp Seed
* 1963 Herbie Hancock - My Point of View
* 1964 Dexter Gordon - One Flight Up
* 1964 Cal Tjader - Soul Sauce
* 1964 Duke Pearson - Wahoo!
* 1965 Dexter Gordon - Ladybird
* 1965 Wes Montgomery - Goin' Out of My Head
* 1967 Stanley Turrentine - A Bluish Bag
* 1967 Sam Rivers - Dimensions & Extensions
* 1967 Hank Mobley - Far Away Lands
* 1977 Gene Harris - Tone Tantrums
* 1978 Sonny Rollins - Don't Stop the Carnival (album)|Don't Stop the Carnival
* 1993 Guru - Jazzmatazz, Vol. 1
* 1995 Guru - Guru's Jazzmatazz, Vol. 2: The New Reality
==Muerte==
Muere el 3 de febrero de 2013.
La influencia de Byrd ha trascendido el mundo del jazz y ha llegado hasta la música pop, ya que ha sido sampleado por artistas de hip-hop como Public Enemy o Nas.
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Donald_Byrd
*http://cultura.elpais.com/cultura/2013/02/10/actualidad/1360454994_269541.html
*http://www.apoloybaco.com/donaldbyrdbiografia.htm
*http://www.lavanguardia.com/musica/20130208/54366502465/muere-donald-byrd-jazz.html
[[Category:Músico]]

Donald Byrd

2014-08-16T17:17:06Z

Irma jc: Página creada con '{{Ficha de artista musical |nombre = Donald Byrd |imagen = |tamaño = |descripción = |nombre real = Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd I...'

Archivo:Koneru-humpy.jpg

2014-08-16T16:38:02Z

Irma jc: Humpy koneru, ajedrecista indu

== Sumario ==
Humpy koneru, ajedrecista indu
== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Humpy Koneru

2014-08-16T16:36:49Z

Irma jc: Página creada con ' {{Ficha Persona |nombre = Humpy Koneru |nombre completo = |otros nombres = |imagen = koneru-humpy.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = [...'

{{Ficha Persona
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}}

'''Humpy Koneru''', famosa ajedrecista hindú, catalogada por la FIDE como una de las mejores jugadoras de ajedrez a nivel mundial. En 1006 cupo el segundo lugar a nivel mundial con un puntaje de 2622, lo que la convirtió en la segunda mujer en superar los 2600 puntos de ELO.
==Datos biográficos==
Nació en [[Vijayawada]], [[Andhra Pradesh]], [[India]], el 31 de marzo de 1987 y desde temprana edad se destaca en este deporte.
==Vida y obra==
Con tan solo 15 años ganó el campeonato mundial juvenil femenino de ajedrez del año 2001 y en el 2002 alcanzó el record mundial al ser la mujer más joven que consigue el título de Gran Maestro.
No corrió con igual suerte, en los campeonatos siguientes, en el 2006 la ajedrecista fue eliminada en la segunda ronda y en el 2008 a pesar de haber sido la favorita, la china Hou Yifan con tan solo 14 años puso fin a su campeonato, muchos se cuestionaron los porque? de esta pérdida de Koneru Humpy ante dicha rival, incluso una analista llamada [[Manisha Mohite]] realizó un artículo, para el periódico indio “Sifi” donde expresa diferentes argumentos de cómo una estrella del ajedrez podía perder un campeonato de esta manera siendo ella la favorita.Todos tenían diferentes opiniones, tras la eliminación de dicha jugadora de ajedrez, incluso se decía que no aguantaba la presión, tal vez por tener a su padre como único entrenador, entre otras. Lo que sí vale hacer contar fue que la nación hindú tenía sus ojos encima de la campeona, siendo el deseo de todos verla coronada y tras la eliminación la nación quedo decepcionada. Los jugadores de alto rendimiento también declararon, haciendo ver que tan solo pudo haber sido un mal día como jugadora.
Ciertamente no se debe pasar por alto que dicha ajedrecista con 22 años de edad, fue la segunda mujer en pasar la barrera de los 2600 puntos y que se debe reconocer su talento para desempeñar con altura el juego, y ese día solo las cosas no estaban a su favor, y aun así ofreció muy buen juego y para la china [[Hou Yifan]] no fue fácil la batalla a ganar frente a tan buena jugadora del ajedrez.
Si en realidad Humpy se exige a sí misma en los campeonatos dar lo mejor de sí, algo que hace notar su entrega y profesionalismo ante el ajedrez, esto no fue algo que le ayudara en dichos campeonatos en los que fue eliminada.
Humpy desde su inicio hasta la fecha consta de un solo entrenador: su padre Ashok, y continuará siéndolo, de hecho el entrenador de Anand: Elizbar Ubilava, cuando ganó las eliminatorias del 2000 planteó:
"Los lazos emocionales entre el entrenador y el jugador son de una importancia crucial y todo ha funcionado maravillosamente para Humpy y su padre. Humpy tiene el material para ser Campeona del Mundo".
==Fuentes==
http://es.chessbase.com/post/la-corona-mundial-nuevamente-se-le-escap-a-humpy
http://es.wikipedia.org/wiki/Humpy_Koneru

[[Category:Ajedrez]]

Alfred Henry Maurer

2014-08-16T15:51:19Z

Irma jc:

{{Ficha Persona
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}}

'''Alfred Henry Maurer''' , pintor modernista estadounidense. Exhibió sus obras en círculos vanguardistas internacionalmente y en la ciudad de [[Nueva York]] a principios del [[siglo XX]]
==Datos biográficos==
Nació el 21 de abril de 1868 en la ciudad de [[Nueva York]], [[Estados Unidos]]. Hijo del alemán [[Louis Maurer]], un litógrafo. A los dieciséis años de edad, Maurer abandonó sus estudios para trabajar en el estudio litográfico de su padre.
==Vida y obra==
En 1897, después de estudiar con el escultor [[John Quincy Adams Ward]] y el pintor [[William Merritt Chase]], Maurer partió a [[París]] y permaneció allí durante los siguientes cuatro años. Se unió a un círculo de artistas estadounidenses y franceses y se dedicó al realismo.
En un viaje breve a Nueva York, Maurer creó lo que sería, para muchos, su obra más famosa: "An Arrangement". Su modelo fue una vecina y completó la obra (sobre un pedazo prestado de cartón) en unas pocas horas. Su pintura An Arrangement obtuvo el primer premio en la Exhibición Internacional Carnegie en 1901. Otros premios que recibió incluyen al Inness Jr. del Club Salmagundi en 1900 y una medalla de bronce en la Exposición Panamericana en [[Buffalo]], Nueva York en 1901. En 1905 obtuvo la tercera medalla en la Exposición Liege en [[Bélgica]] y una medalla de oro en la Exposición Internacional de [[Múnich]].
A los treinta y seis años de edad, en [[París]], desviándose de lo que todos (incluido él mismo) consideraban estilos de pintura "aceptables", Maurer cambió sus métodos bruscamente y desde ese momento en adelante pintó únicamente con cubismo y fauvismo, obteniendo más tarde su reputación internacional. En 1909, siendo ya un importante pintor vanguardista estadounidense, realizó una exhibición doble junto a [[John Marin]] en la ciudad de Nueva York en la Galería 291. Cuatro de sus obras fueron incluidas en el Armory Show de 1913.
Regresó a la casa de su padre poco tiempo antes de la [[Primera Guerra Mundial]] sólo para que éste le negase su apoyo. Durante los diecisiete años siguientes Maurer se dedicó a pintar en el desván de su padre y no logró aclamación por parte de la crítica. Como modernista, hizo amistad con muchos artistas vanguardistas estadounidenses como [[Arthur Dove]], [[Marsden Hartley]], [[John Marin]] y otros durante el siglo XX. Participó en importantes exhibiciones en la Galería Anderson y en otras. También exhibió sus pinturas de manera regular en la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York y fue elegido director en 1919. En 1924 el representante neoyorquino [[Erhard Weyle]] compró los contenidos del estudio de Maurer y representó al artista durante el resto de su carrera.
Es extremadamente difícil en la actualidad adquirir o apreciar una de las obras de Maurer, ya que la mayor parte de su trabajo todavía se encuentra bajo el dominio privado.
Varias semanas después del fallecimiento de su padre, Maurer se dedicó a hacer pequeños trabajos para sobrevivir.
==Muerte==
Muere el 4 de agosto de 1932, a los 64 años. Al momento de su muerte, el Museo Memorial Hall en Filadelfia, la Phillips Memorial Gallery en Washington, DC., la Barnes Collection en Merion, y el Whitney Museum of American Art en Nueva York albergaban ejemplos de sus obras.
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Maurer
* «A.H. Maurer, Artist, Suicide by Hanging». New York Times. August 5, 1932.
[[Category:Pintor]]

Alfred Henry Maurer

2014-08-16T15:49:17Z

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Alfred Henry Maurer , pintor modernista estadounidense. Exhibió sus obras en círculos vanguardistas internacionalmente y en la ciudad de [[Nueva York]] a principios del [[siglo XX]]
==Datos biográficos==
Nació el 21 de abril de 1868 en la ciudad de [[Nueva York]], [[Estados Unidos]]. Hijo del alemán [[Louis Maurer]], un litógrafo. A los dieciséis años de edad, Maurer abandonó sus estudios para trabajar en el estudio litográfico de su padre.
==Vida y obra==
En 1897, después de estudiar con el escultor [[John Quincy Adams Ward]] y el pintor [[William Merritt Chase]], Maurer partió a [[París]] y permaneció allí durante los siguientes cuatro años. Se unió a un círculo de artistas estadounidenses y franceses y se dedicó al realismo.
En un viaje breve a Nueva York, Maurer creó lo que sería, para muchos, su obra más famosa: "An Arrangement". Su modelo fue una vecina y completó la obra (sobre un pedazo prestado de cartón) en unas pocas horas. Su pintura An Arrangement obtuvo el primer premio en la Exhibición Internacional Carnegie en 1901. Otros premios que recibió incluyen al Inness Jr. del Club Salmagundi en 1900 y una medalla de bronce en la Exposición Panamericana en [[Buffalo]], Nueva York en 1901. En 1905 obtuvo la tercera medalla en la Exposición Liege en [[Bélgica]] y una medalla de oro en la Exposición Internacional de [[Múnich]].
A los treinta y seis años de edad, en [[París]], desviándose de lo que todos (incluido él mismo) consideraban estilos de pintura "aceptables", Maurer cambió sus métodos bruscamente y desde ese momento en adelante pintó únicamente con cubismo y fauvismo, obteniendo más tarde su reputación internacional. En 1909, siendo ya un importante pintor vanguardista estadounidense, realizó una exhibición doble junto a [[John Marin]] en la ciudad de Nueva York en la Galería 291. Cuatro de sus obras fueron incluidas en el Armory Show de 1913.
Regresó a la casa de su padre poco tiempo antes de la [[Primera Guerra Mundial]] sólo para que éste le negase su apoyo. Durante los diecisiete años siguientes Maurer se dedicó a pintar en el desván de su padre y no logró aclamación por parte de la crítica. Como modernista, hizo amistad con muchos artistas vanguardistas estadounidenses como [[Arthur Dove]], [[Marsden Hartley]], [[John Marin]] y otros durante el siglo XX. Participó en importantes exhibiciones en la Galería Anderson y en otras. También exhibió sus pinturas de manera regular en la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York y fue elegido director en 1919. En 1924 el representante neoyorquino [[Erhard Weyle]] compró los contenidos del estudio de Maurer y representó al artista durante el resto de su carrera.
Es extremadamente difícil en la actualidad adquirir o apreciar una de las obras de Maurer, ya que la mayor parte de su trabajo todavía se encuentra bajo el dominio privado.
Varias semanas después del fallecimiento de su padre, Maurer se dedicó a hacer pequeños trabajos para sobrevivir.
==Muerte==
Muere el 4 de agosto de 1932, a los 64 años. Al momento de su muerte, el Museo Memorial Hall en Filadelfia, la Phillips Memorial Gallery en Washington, DC., la Barnes Collection en Merion, y el Whitney Museum of American Art en Nueva York albergaban ejemplos de sus obras.
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Maurer
* «A.H. Maurer, Artist, Suicide by Hanging». New York Times. August 5, 1932.
[[Category:Pintor]]

Alfred Henry Sturtevant

2014-08-16T15:45:37Z

Irma jc: Página creada con ' {{Ficha de científico |nombre = Alfred Henry Sturtevant |imagen = |tamaño = |descripción = |fecha_de_nacimien...'

{{Ficha de científico
|nombre = Alfred Henry Sturtevant
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|fecha_de_nacimiento =[[ 21 de noviembre]] de [[1891]]
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|fecha_de_fallecimiento = 5 de abril de 1970
|lugar_de_fallecimiento = [[Pasadena]], [[California]], [[Estados Unidos]]
|campos = genética
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|hijos = William C. Sturtevant
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|nacionalidad = estadounidense
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|alma_mater = Universidad de Columbia
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|abreviatura_zoo =
|influenciado_por =
|influyó_en =
|sociedades =
|premios = Medalla Nacional de Ciencia en Ciencias Biológicas
|firma =
|notas =
}}

'''Alfred Henry Sturtevant''' genetista estadounidense, creador del primer mapa genético de un cromosoma en 1913. Al observar el desarrollo de las moscas en el que la división celular temprana produce dos genomas diferentes, midió la distancia embrionaria entre los órganos en una unidad que se llama la sturt en su honor. En 1967, Sturtevant recibió la Medalla Nacional de la Ciencia.
==Datos biográficos==
Nace en [[Jacksonville]], [[Illinois]], [[Estados Unidos]], el 21 de noviembre de 1891, el más pequeño de los 6 hijos de Harriet Sturtevant. Su abuelo Julian M. Sturtevant, un graduado de la [[Universidad de Yale]], fundada Illinois College, donde su padre enseñaba matemáticas. Cuando solo tenia 7 años su padre renunció a su trabajo docente y la familia se trasladó a Alabama para perseguir la agricultura. Sturtevant asistió a una escuela de una sola habitación hasta entrar en la escuela secundaria en Mobile. En 1908, se matriculó en la Universidad de Columbia. Durante este tiempo, él vivía con su hermano Edgar, un lingüista, que enseñó en las inmediaciones. Edgar Alfred enseñó acerca de becas y la investigación.
==Vida y obra==
Cuando era niño, Sturtevant había creado genealogías de sus padres caballos. Mientras que en la universidad, leyó sobre Mendelism, que despertó el interés Sturtevants porque podría explicar las características expresadas en los pedigríes de caballos. Él persiguió aún más su interés por la genética bajo la tutela de [[Thomas Hunt Morgan]], quien le animó a publicar un documento de sus genealogías se muestra a través de la genética mendeliana. En 1914, Sturtevant completó su tesis doctoral bajo Morgan también.
Después de obtener su doctorado, Sturtevant se quedó en Colombia como un investigador de la investigación para el Instituto Carnegie de Washington. Se unió al equipo de investigación de Morgan en la "sala de mosca", en el que se están realizando grandes avances en el estudio de la genética a través de estudios de la mosca de la fruta Drosophila. En 1922, se casó con Phoebe Curtis Reed, y posteriormente la pareja tuvo tres hijos, el mayor de los cuales fue William C. Sturtevant.
En 1928, la Sturtevant se traslada a [[Pasadena]] para trabajar en el [[Instituto de Tecnología de California]], donde se convierte en profesor de Genética y permanece el resto de su carrera, a excepción de un año, cuando es invitado a enseñar en [[Europa]]. Él enseña un curso de licenciatura en genética en [[Caltech]] y escribe un libro de texto con [[George Beadle]]. Se convierte en el líder de un nuevo grupo de investigación genética en Caltech, cuyos miembros incluían George W. Beadle, [[Theodosius Dobzhansky]], [[Sterling Emerson]], y [[Jack Schultz]]. Es elegido miembro de la [[Academia Americana de Artes y Ciencias]] en 1949. Sturtevant es galardonado con el premio [[John J. Carty]] de la Academia Nacional de Ciencias en 1965. En 1967, recibe la Medalla Nacional de Ciencias por su trabajo desde hace mucho tiempo en la genética de la Drosophila y otros organismos.

Sturtevant se interesa en [[taxonomía]] y [[genética]]. Ama resolver todo tipo de puzzles y ve la genética como un rompecabezas para él descifrar.
==Importancia de su obra==
Sturtevant hizo notables descubrimientos entre los más relevantes se encuentra el principio de mapeo genético, el primer defecto genético reparable, el principio de la suerte de cartografía subyacente, los fenómenos de sobrecruzamiento desigual, y el efecto de la posición. Sus principales contribuciones a la ciencia incluyen el análisis de los grupos de ligamiento genético "," que se convirtió en método clásico de mapeo de cromosomas que todavía utilizamos hoy en día. En 1913, se determinó que los genes se organizan en cromosomas de forma lineal, como las cuentas de un collar. También mostró que el gen para cualquier rasgo específico estaba en una ubicación fija.
En su obra entre 1915 y 1928, Sturtevant determinó que los genes de Drosophila están dispuestos en orden lineal. En 1920, publicó una serie de tres artículos bajo el título "Los estudios genéticos en Drosophila simulans", lo que "demuestra que dos especies estrechamente relacionadas tenían mutaciones recién recurrentes que fueron alélica y por lo tanto probablemente idéntico". Su trabajo también ayudó a determinar la función genética en la selección y el desarrollo sexual y se muestra la importancia de cromosómica entrecruzamiento de mutaciones.
Una de las contribuciones principales Sturtevants fue su introducción al concepto de que la frecuencia de entrecruzamiento entre dos genes podría ayudar a determinar su proximidad en un mapa genético lineal. Sus experimentos determinaron que la frecuencia de doble entrecruzamiento se puede utilizar para deducir el orden de genes. Demostró este concepto mediante la construcción de cruces de tres genes segregan, llamados "cruces de tres factores". Se encontró que el uso de tres genes en lugar de dos proporcionaron información más precisa acerca de la orden de genes en el cromosoma. Con este sistema, Sturtevant descubrió que doble entrecruzamiento se produce a la frecuencia de igual o menos que el producto de dos de un solo cruce sobre frecuencias. También supuso que el sobrecruzamiento desigual fue, posiblemente, una fuerza principal de la evolución.
La obra de Sturtevant en el genoma de Drosophila activado ,genetistas más cromosomas del mapa de los organismos superiores, incluidos los seres humanos. Su ex-Caltech investigación socio [[George Beadle]] dijo que la genética bioquímica moderna proviene directamente del trabajo de Sturtevants.
==Algunas publicaciones==
*La disposición lineal de seis factores ligados al sexo en Drosophila, como se muestra por su modo de asociación. Revista de Zoología Experimental, 14: 43-59, 1913
*Las especies norteamericanas de Drosophila. Instituto Carnegie de Washington, 1921.
*Una historia de la genética. Cold Spring Harbor Laboratory Press. 2001 - Edición en línea electrónica
==Muerte==
Disfrutó de una larga y próspera carrera en la genética hasta su muerte el 5 de abril de 1970. Murió en Pasadena, California, a la edad de 78 años.
==Fuentes==
* http://centrodeartigos.com/articulos-utiles/article_119329.html
*http://bancodemoscas.fciencias.unam.mx/Sturtevant.html
* http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Henry_Sturtevant
[[Category:Científicos]]

Johann Carl Fuhlrott

2014-06-28T18:04:22Z

Irma jc: Página creada con ' {{Ficha de científico |nombre = Johann Carl Fuhlrott |imagen = JohannKarl.jpg‎ |tamaño = |descripción = |fecha...'

{{Ficha de científico
|nombre = Johann Carl Fuhlrott
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|premios =
|firma =
|notas =
}}

'''Johann Carl Fuhlrott''', investigador alemán, famoso por el descubrimiento del [[hombre Neandertal]]. Se le considera el padre de la [[Paleoantropología]]
==Datos biográficos==
Nació el 31 de diciembre de 1803, [[Leinefelde-Worbis]], [[Alemania]]. Estudió ciencias naturales en la [[Universidad de Bonn]], principalmente paleontología y zoología, mineralogía y botánica. Tras la licenciatura hizo el doctorado en la [[Universidad de Münster ]](Alemania).
==Vida y obra==
Fuhlrott trabaja primero de profesor en un gymnasium de [[Heiligenstadt]] y en 1835 es nombrado catedrático de Historia natural en la [[Universidad de Tubinga]]. En el año 1856, trabajadores de una cantera de minerales del cercano pueblo de Mettmann le mostraron unos huesos extraños que habían encontrado en una cueva y que pensaban que pertenecerían a algo parecido a un oso. Fuhlrott los identificó como humanos, y desde el principio pensó que eran muy antiguos. Reconoció en ellos algunas diferencias con los huesos comunes de los humanos, por lo que decidió mostrárselos a [[Hermann Schaaffhausen]], profesor de anatomía de la Universidad de Bonn.
Tras un estudio, en 1857 daban a conocer su hallazgo a la comunidad científica. Según dijeron a sus contemporáneos, estos huesos representaban a unos individuos humanos de una raza ligeramente diferente a la actual. Sus ideas no estuvieron exentas de polémica, ya que contradecían directamente las interpretaciones literales de la Biblia. [[Rudolf Virchow]], eminente médico de la época, consideró al Hombre de Neandertal como un idiota raquítico y artrítico. Además, la teoría de la evolución de [[Charles Darwin]] todavía no había sido publicada.
Hoy en día se les considera a ambos como los padres de la Paleoantropología. El término "Neandertal" responde al lugar donde fueron encontrados los huesos, el valle (en alemán tal) de Neander.
==Muerte==
Murió el 16 de octubre de 1877, en [[Elberfeld]], [[Wuppertal]]
==Fuentes==
*http://www.canaldeciencias.com/paleoantropolog%C3%ADa-principios/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Carl_Fuhlrott
[[Category: Paleoantropología]]
[[Category: Científico]]

Archivo:JohannKarl.jpg

2014-06-28T18:01:12Z

Irma jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
http://www.canaldeciencias.com/paleoantropolog%C3%ADa-principios/

Bill Tillman

2014-06-28T17:52:57Z

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{{Ficha de artista musical
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'''Bill Tillman''', saxofonista, flautista y un multiinstrumentista estadounidense, conocido por haber sido miembro del grupo de jazz rock, Blood, Sweat & Tears.
==Datos biográficos==
Comenzó a tocar el piano a los cinco años. A los 10 ya tocaba el saxofón tenor, la guitarra acústica y la eléctrica más el bajo eléctrico. A los 12 años, añadió el clarinete y el saxo alto. En la escuela tocó en numerosas bandas de rock and roll como los C. L. & The Pictures que estuvieron activos de 1960 a 1966 y que interpretaban varios temas de pop, Doo-Wop como "I'm Sorry" y con toques Soul como este "I'm Asking Forgiveness" para discográficas como Dunes,Sabra,Cadette, Kirk y Monument Records. Bill estuvo con ellos en 1963 con Charlie Broyles, Trent Poole, C. L. Weldon, Leroy Rodriguez, y Harold Fulton.
Se lo rifaron 10 universidades por su gran talento musical y él se decidió por la del Norte de Texas.
==Vida y obra==
Con 21 años se fue de gira por los Estados Unidos tocando con los Coasters y después estuvo actuando con [[Chuck Berry]] y [[Bo Didley]]. En 1965 comenzó a desarrollar su carrera profesional como músico, tocando con diversas bandas y acompañando a artistas como [[Roy Orbison]], Chuck Berry o Gladys Knight & The Pips. En 1974 entró en [[Blood, Sweat & Tears]], en sustitución de [[Lou Marin]]i, permaneciendo con la banda hasta 1978. En este periodo grabó con ellos 5 discos, integrando la sección de metales con [[Tony Klatka]], [[Forrest Buchtel]] (o Joe Giorgiani) y [[ Dave Bargeron]]. Los resultados comerciales bajaron ya con el álbum de 1974, “Mirror Image”, en el que ya tocaba Bill Tillman, en 1975 solo destacaron por unas cuantas versiones y su siguiente disco “More than Ever” (1976), está considerado como de los menos interesantes de su carrera. Sin embargo, la banda funcionaba muy bien en directo y el álbum que sacaron en 1977 con varias actuaciones de 1975 por festivales de jazz y con el nombre de “In Concert”, que en los Estados Unidos se llamó “Live and Improvised”, fue muy bien acogido. También se recordará esa época por su actuación en los Juegos Olímpicos de 1976 o en el Festival de Jazz de Newport. En esa época coincudió con el bajista Jaco Pastorius que estuvo en la banda los años 1975 y 1976. Durante una gira, el saxofonista [[Gregory Herbert]] que substituyó en 1977 a Bill Tillman murió por sobredosis de drogas el 31 de enero de 1978. Los músicos optaron por regresar a sus casas donde aparcaron el proyecto durante un período importante de tiempo.
Tras abandonar la banda, formó parte de la "Duke Ellington Big Band", dirigida por [[Mercer Ellington]]. Bill decidió volver a [[Dallas]] para estar más cerca de su familia y se incorporó, como solista, en la [[Orquesta Sinfónica de Dallas]]. A comienzo de los años 1990, grabó con diversos artistas, entre ellos [[Tom Barabas]] y [[Dony McGuire]]. También trabajó con la "Dallas Jazz Orchestra", con quienes grabó en 1999.
Tillman fundó su propia compañía de management, "The Bill Tillman Entertainment Company Inc", para producir sus propias orquestas de baile y llevar a otras bandas. Simultaneaba su trabajo empresarial, con actuaciones de bailes con conciertos de jazz rock.
==Muerte==
Murió el 15 de agosto de 2012, en Plano 2012 a raíz de las heridas producidas tras una caída.
==Fuentes==
http://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Tillman
http://magicpopcat.blogspot.com/2012/08/muere-el-saxofonista-bill-tillman.html
[[Category: Músico]]

Paleoantropología

2014-06-28T17:31:32Z

Irma jc:

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}}

'''Paleoantropología''', rama de la antropología física y de la paleobiología que se ocupa del estudio de la evolución humana y su registro fósil, en otras palabras de los homínidos antiguos
==Etiología del nombre==
La paleoantropología (del griego, paleos, "antiguo";, anthropos, "ser humano"; y, logos, "conocimiento"
==En qué consiste==
La paleoantropología es la rama de la antropología biológica que se ocupa del estudio de la evolución humana y sus antepasados fósiles, o sea de los homínidos antiguos.
Esta ciencia trabaja principalmente con fósiles que se rastrean hasta varios millones de años, por lo que está estrechamente vinculada también a la paleontología, la geología, la paleoecología, la biología, la genética y la primatología. Otro vínculo estrecho es el que tiene con otra de las ramas de la antropología, que es la arqueología. Esta pone énfasis en los aspectos culturales.
La paleoantropología busca analizar e interpretar los datos del pasado humano con el objetivo de explicar el surgimiento del hombre y los cambios que se produjeron en su historia evolutiva.
Las evidencias que se manejan son principalmente fósiles de huesos, pero también herramientas líticas o huellas
==Historia==
El comienzo de la paleoantropología está unido al de la historia del Hombre de Neandertal, cuando en agosto de 1856 fue descubierto el espécimen que luego sería conocido como Neanderthal 1. El lugar fue la [[cueva Feldhofer]] en el valle del [[río Neander]], en [[Alemania]]. Fue bautizado como Hombre de Neanderthal porque así se dice "valle del Neander" en alemán.
Los restos óseos fueron encontrados en una cantera cercana a la ciudad de [[Düsseldorf]]. Esos huesos fósiles eran un casquete craneal, dos fémures, los tres huesos del brazo derecho, dos del brazo izquierdo, parte del hueso ilíaco izquierdo, y fragmentos de la escápula y costillas. Encontrados por los trabajadores de la cantera, fueron dejados a un lado para que los viese un profesor local, naturalista amateur, llamado [[Johann Karl Fuhlrott]]. Él sospechó enseguida que esos huesos representaban piezas importantes del pasado de la humanidad, aunque no preveía que serían los primeros restos de homínidos en un estado evolutivo anterior. El libro El origen de las especies, de [[Charles Darwin]] no había sido publicado todavía, saldría en 1859.
Fuhlrott envió una descripción del material al anatomista [[Hermann Schaaffhausen]] y el descubrimiento fue anunciado conjuntamente en 1857. Así comenzó el estudio de los homínidos fósiles y sus antepasados. Luego vendría la búsqueda sin fin del fantasma del eslabón perdido.
==Principios==
Se encuadra dentro de las Ciencias Naturales, posee un cuerpo de doctrina propio y comparte fundamentos y métodos con la Geología y la Biología, con las que se integra estrechamente. Entre sus objetivos están, además de la reconstrucción de los seres vivos pretéritos, el estudio de su origen, de sus cambios en el tiempo (evolución y filogenia), de las relaciones entre ellos y con su entorno (paleoecología, evolución de la biosfera), de su distribución espacial y migraciones (paleobiogeografía), de las extinciones, de los procesos de fosilización (tafonomía) o de la correlación y datación de las rocas que los contienen (bioestratigrafía).
La Paleontología permite entender la actual composición (biodiversidad) y distribución de los seres vivos sobre la Tierra (biogeografía) -antes de la intervención humana-, ha aportado pruebas indispensables para la solución de dos de las más grandes controversias científicas del pasado siglo, la evolución de los seres vivos y la deriva de los continentes, y, de cara a nuestro futuro, ofrece herramientas para el análisis de cómo los cambios climáticos pueden afectar al conjunto de la biosfera.
La finalidad primordial de la Paleontología es la reconstrucción de los fósiles, no sólo de sus partes esqueléticas, sino también las partes orgánicas desaparecidas, restituyendo a los seres fosilizados, el aspecto que tuvieron en vida, sus actitudes, etc. Para ello se vale de los mismos principios ya establecidos: actualismo, anatomía comparada, correlación orgánica y correlación funcional.
=== Actualismo biológico===
Es imprescindible para poder interpretar los fósiles como seres vivos, aceptando a priori que se regían por las mismas leyes físicas y biológicas, y tenían las mismas necesidades que los actuales. Permite este principio, por ejemplo, afirmar que los peces del Silúrico tenían branquias, porque las tienen los peces actuales (aunque no sean los mismos); y que los dinosaurios ponían huevos, como los cocodrilos, lo cual se ha visto posteriormente corroborado al encontrarse fósiles de huevos, y nidos, conservados en algunos yacimientos.
=== Anatomía comparada===
Permite colocar al fósil en el sitio que le corresponde del cuadro general de los seres vivos, obteniendo así el punto de referencia necesario para poder aplicar el principio de la correlación orgánica, que nos permite reconstruir un animal completo, aunque no tengamos de él más que una pequeña parte, añadiéndole las partes que faltan.
=== Principio de correlación orgánica===
Postulado por Cuvier. Cada ser orgánico forma un conjunto cuyas partes se complementan, determinando todas las demás y por tanto puede ser reconocido por un fragmento cualquiera, bastando en último término un trozo de hueso para identificarlo.
=== Correlación funcional===
Conocida mejor como morfología funcional, es la parte de la Paleontología que trata de las relaciones entre la forma y la función, es decir: que intenta relacionar las estructuras observadas en los fósiles con la función que realizarán en el organismo cuando estaba vivo. Para ello utiliza diversos métodos o líneas de análisis.

==Fuentes==
http://neanderthalis.blogspot.com/2007/11/fichas-qu-es-la-paleoantropologa.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Paleoantropolog%C3%ADa
http://www.canaldeciencias.com/paleoantropolog%C3%ADa-principios/
[[Category: Paleoantropología]]
[[Category: Ciencias_forenses]]

Paleoantropología

2014-06-28T17:28:59Z

Irma jc: Página creada con ' {{Definición |nombre= Paleoantropología |imagen= paleoantrop.jpg |tamaño= |concepto= Rama de la antropología física y de la paleobiología que se ocupa del estudio de la e...'

Newgrange (yacimiento arqueológico en Irlanda)

2014-06-28T16:49:16Z

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{{Localidad
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|nombre completo = Complejo arqueológico integrado por un conjunto de túmulos y sepulcros del neolítico, en el valle del río Boyne
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'''Newgrange''', complejo arqueológico integrado por un conjunto de túmulos y sepulcros del neolítico, en el valle del río Boyne (Irlanda). Los restos de Newgrange, cercanos a los yacimientos de Knowth y Dowth, suponen un extraordinario ejemplo de tumbas de corredor.
==Ubicación==
Está situado en 53°41′39.4″N 6°28′36.6″O? / ?53.694278, -6.476833, es uno de los pasajes funerarios del complejo Brú na Bóinne en el Condado de Meath y el yacimiento arqueológico más famoso de [[Irlanda]].
==Etiología del nombre==
Newgrange en irlandés significa «cueva del Sol»
==Surgimiento==
Es un cementerio prehistórico irlandés del condado de [[Meath]] que fue construido hace unos 5.000 años, aproximadamente entre 3300-2900 a. C, en la [[Edad del Bronce]], y que, por lo tanto, es más antiguo que las [[pirámides de Giza]] o que [[Stonehenge]]. Newgrange es uno de los primeros yacimientos arqueológicos donde se ha podido constatar una cultura prehistórica con conocimientos de astronomía.
==Características==
Newgrange es una edificación megalítica, fue construida con grandes bloques de piedra enteros y sin labrar. Los megalitos formaban un círculo de unos 70 metros de diámetro. Se calcula que sólo la edificación de ese círculo megalítico debió de llevar al menos 20 años, suponiendo que un gran contingente de personas (se habla de unos 300 hombres) interviniera en la construcción del monumento funerario. Ocupa una superficie de 4.047 m², a una altura de 12 metros .
Newgrange fue excavada y restaurada en su mayoría entre 1962 y 1975 bajo la supervisión del profesor Michael J O'Kelly, del Departamento de Arqueología de la University College Cork . Consiste en enorme montículo hecho de piedra tallada por el hombre y turba en el interior de un círculo de 97 grandes guardacantones coronado por un muro inclinado hacia adentro de cuarzo blanco y granito. La mayoría de las piedras proceden de las inmediaciones de la construcción, aunque las piedras de granito y cuarzo de la fachada fueron transportadas desde lugares más lejanos, seguramente desde Wicklow y la bahía de Dundalk, respectivamente.
El muro exterior fue revestido con cuarcita (una roca granular) cuando estuvo terminado. Esa capa de cuarcita sufrió un notable deterioro con el paso de los milenios, aunque fue reproducida poco después de haber desenterrado la tumba prehistórica. En Newgrange hay un pasadizo de unos 17 metros de largo. Sobre la entrada, que se debía de cerrar con una losa, hay una estrecha abertura de unos 10 cm. de alto. Aproximadamente una semana antes y una semana después del solsticio de invierno, el 21 de diciembre, los rayos de sol pasan exactamente por ese hueco, recorren el pasadizo y van a dar a un bloque de piedra decorado con espirales.
La construcción de Newgrange sabe aprovechar el más vitalizador de todos los elementos, el Sol. Sobre la entrada, que debía estar sellada con una piedra, hay una pequeña abertura con espirales dobles y losanges tallados en el "techo", así como puertas de piedra que podían abrirse y cerrarse. La estructura está orientada de modo tal que, en el amanecer del día del solsticio de invierno, el sol naciente penetra en el interior de la tumba por dicha abertura, cuyas puertas deberían quedar abiertas de antemano. Los rayos de sol recorren la totalidad de la galería hasta el corazón de la cámara
Por las dimensiones de la piedra y los huesos hallados en Newgrange, durante mucho tiempo se creyó que ese megalito había sido un altar destinado a los sacrificios humanos. Sin embargo, la hipótesis más aceptada en la actualidad es que los muertos eran incinerados en el exterior del recinto y sus restos, sepultados en Newgrange.
==Símbolos==
Muchas de las piedras de Newgrange que no forman parte del muro exterior están decoradas con espirales. Se desconoce su significado preciso, pero se supone que simbolizaban una divinidad. Por una parte, eso explicaría su abundancia; pero, por otra, también daría un nuevo significado al recorrido del Sol, que finaliza en una piedra adornada con espirales, en el supuesto de que el pueblo que levantó Newgrange venerara al Sol como divinidad autónoma, como ocurría en muchas otras civilizaciones. Sería lógico que así fuera, ya que el recinto está orientado de acuerdo a los movimientos del Sol. Eso presupondría que sus creadores poseían conocimientos de astronomía.
Es cierto que existen otras tumbas de la misma época en Escocia e Irlanda, algunas incluso con una arquitectura más avanzada, pero sólo aquí la orientación del recinto respecto al Sol y sus movimientos es tan precisa que hace posible el fenómeno de la incidencia del rayo de sol. Sin duda, el Sol debía de tener un significado muy especial para los constructores del complejo, tal vez el rango de divinidad. Después de haber establecido la antigüedad del túmulo funerario, las investigaciones de Newgrange se han basado en su mayor parte en suposiciones, ya que no se sabe qué cultura pudo ser la responsable de la construcción del recinto. No se han podido encontrar suficientes vestigios útiles acerca de la naturaleza ni el paradero de aquella civilización, ni en el interior de la tumba ni en los alrededores.
Lo que de inmediato atrae la atención del visitante curioso es la abundancia de tallas en la roca. La piedra de la entrada está cubierta de espirales, y más de una docena de las verticales de la galería muestran trazas de decoración. También hay tallas en diversas piedras del suelo y de la bóveda, incluso en tramos de la superficie no apreciables desde abajo. La mejor de las tallas del interior es una triple espiral en el sector inferior de una de las piedras verticales. En el exterior, muchas de las piedras del encintado están decoradas, y algunas, en las partes que quedan ocultas. Además de las espirales, abundan en Newgrange los losanges, los trazados en zigzag y los círculos. Pero, extrañamente, estos símbolos no coinciden con los de otras galerías funerarias de Irlanda.
Newgrange es un hoy un yacimiento abierto al público. La trayectoria del Sol durante el solsticio de invierno se imita con medios artificiales para deleite de los asistentes. Los megalitos Los monumentos megalíticos datan de entre el Neolítico y la Edad del Bronce, lo que equivale al periodo comprendido entre los años 5OOO - 1OOO a.C. Además de piedras aisladas, también se han conservado estructuras elementales, como Stonehenge , o construcciones íntegras. Los monumentos megalíticos se localizan principalmente en [[ Europa]], si bien el fenómeno no es exclusivo de este continente. En el norte de [[África]], [[Sudamérica]], la [[isla de Pascua]] y algunos países asiáticos también se han descubierto construcciones megalíticas. Hasta el momento no se ha podido esclarecer por qué esas estructuras y edificios proliferaron en todo el mundo precisamente durante el mismo periodo.
==Curiosidades==
El milagro más grande, es que todos los años, el día del invierno, la luz del sol entra en las tumbas, durante unos minutos nada más. Se cree que ellos pensaban así que el sol, un poder más fuerte que ellos, se llevaba las almas de los muertos, asegurando para los años avenir una buena cosecha. El solsticio de invierno en Newgrange es un evento único, que atrae gente de toda índole que quieren observar este espectáculo único, por eso cada año son cientos las personas que vienen a disfrutar de este espectáculo, exactamente tal y como probablemente hacían hace 5000 años.

==Fuentes==
*http://www.portalplanetasedna.com.ar/newgrange.htm
*http://es.wikipedia.org/wiki/Newgrange
*http://www.minube.com/rincon/newgrange--a21206
* http://ireland.costasur.com/es/newgrange.html
[[Category:Historia_de_Irlanda]]
[[Category:Geografía regional]]

Archivo:300px-Newgrange.JPG

2014-06-28T16:47:45Z

Irma jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
libre
== Fuente: ==
wikipedia

Marvin Hamlisch

2014-06-28T16:22:11Z

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'''Marvin Hamlisch''', compositor, director y pianista estadounidense, uno de los once artistas que ganó los cuatro premios fundamentales del espectáculo estadounidense: Grammy, Emmy, Tony y Oscar.
==Datos biográficos==
Nació en [[Nueva York]], [[Estados Unidos]], el 2 de junio de 1944. Hijo de inmigrantes vieneses judios, fue un niño prodigio y aceptado a los siete años en la Juilliard School of Music.
==Vida y obra==
Se inició como pianista de [[Barbra Streisand]] en Funny Girl y arreglando las composiciones de cantantes de la época y posteriormente colabora con [[Quincy Jones]] y [[Liza Minnelli]]. Empezó a componer y a dedicarse a [[Broadway]] con el estreno de varios musicales, siendo los más conocidos A Chorus Line y Smile.
Fue el único compositor que ganó, en una misma ceremonia de entrega de Oscars, los tres dedicados a la música: mejor banda sonora original, banda sonora adaptada y mejor canción, en 1973.
Colaboró con [[Woody Allen]], Barbra Streisand e incluso en la serie de películas de [[James Bond]]. Obtuvo 2 Premio Oscar, en el apartado de la mejor música, con Tal como éramos (1973) por la mejor banda sonora original y El golpe(1973) por la mejor música adaptada. También fue nominado en 2 ocasiones más por La espía que me amó (1977) y La decisión de Sophie (1982).
También destacó con sus canciones en películas, colaborando entre otros con Alan y [[Marilyn Bergman]], Barbra Streisand, [[Johnny Mercer]], [[Carole Bayer Sanger]] o [[Bryan Adams]]. Gracias a esta colaboración recibió también numerosas nominaciones, exactamente ocho, a la mejor canción en las películas: Señor Kotcher (1971), Tal como éramos (1973), La espía que me amó (1977), El próximo año, a la misma hora (1978), Castillos de hielo (1979), A Chorus Line (1985), Shirley Valentine (1989) y El amor tiene dos caras (1996), obteniéndolo únicamente con Tal como éramos (1973).
Estuvo casado con la cantante [[Carole Bayer Sager]].
==Principales obras==
*1968 - El nadador
*1969 - Toma el dinero y corre
*1971 - Señor Kotcher (Canción nominada al Oscar)
*1971 - La primera ametralladora del Oeste
*1971 – Bananas
*1972 - Ciudad dorada
*1972 - Guerra entre hombres y mujeres
*1973 - Tal como éramos (Oscar a la mejor banda sonora original y a la canción)
*1973 - El golpe (Oscar a la mejor adaptación musical)(Música de Scott Joplin)
*1973 - Salvad al tigre #Con Goodman & Mundy
*1975 - El prisionero de la Segunda Avenida
*1977 - La espía que me amó (nominado al Oscar y canción nominada al Oscar)
*1978 - El próximo año a la misma hora (Canción nominada al Oscar)
*1979 - Castillos de hielo (Canción nominada al Oscar)
*1979 - Capítulo dos
*1980 - Gente corriente (adapatción musical)
*1981 - Dinero caído del cielo (adapatción musical) # Con Billy May
*1982 - La decisión de Sophie (nominado al Oscar)
*1983 - Nunca digas nunca jamás
*1985 - D.A.R.Y.L.
*1985 - A Chorus Line (Canción nominada al Oscar)
*1987 - Tres hombres y un bebé
*1988 - Espías sin identidad
*1989 - El asesino del calendario
*1989 - Expertos
*1989 - Shirley Valentine (Canción nominada al Oscar)
*1991 - Frankie y Johnny
*1996 - El amor tiene dos caras (Canción nominada al Oscar)
==Muerte==
Muere en [[ Los Ángeles]] , [[Estados Unidos]], el 6 de agosto de 2012
==Fuentes==
* http://es.wikipedia.org/wiki/Marvin_Hamslisch
[[Category:Compositor]]
[[Category: Pianistas]]

Literatura romana

2014-06-28T15:59:00Z

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'''Literatura romana''', literatura que se inicia en latín (de aquí que sea llamada también literatura latina). Se extiende por espacio de ocho siglos y se divide en tres épocas, principalmente: la republicana, la imperial y la paleo-cristiana.

==Surgimiento==
El pueblo romano creció y se desarrolló desde la ciudad de [[Roma]] hasta formar uno de los mayores imperios conocidos por la historia. En su devenir, que abarca aproximadamente desde el siglo VII a.C. hasta el siglo V d.C. (si bien el Imperio Romano de Oriente se mantuvo activo durante diez siglos más), los romanos entraron en contacto con muchas otras culturas, pero una de ellas los marcó como ninguna otra: la griega.
Roma no se distinguió por su originalidad, sino por su enorme capacidad para asimilar e imitar las tecnologías, organizaciones y pensamientos de otros, en el campo del arte y de la literatura su modelo fue sin duda el griego. La literatura griega se erigió así en los cimientos de la literatura romana, si bien ésta la renovó en algunas aspectos y la presentó a la historia en su forma final.
Aunque la literatura romana tomó muchas ideas e imitó el estilo griego, escribió sus obras en su propia lengua, el [[latín]], lengua muerta en la actualidad pero que tuvo una enorme vigencia histórica durante la [[Edad Antigua]] y [[Medieval]]. Y si hubo influencia griega en la literatura romana, también existe una literatura romana previa al encuentro con los griegos y por lo tanto libre de esa potente influencia. Los historiadores tienden a dividir así la literatura romana en indígena (que es aquella previa a la influencia griega) y la imitada (que es la posterior a esa influencia y comprende tanto copias o traducciones del griego como obras originales con marcada influencia de los autores griegos).
La época dorada de la literatura romana se vivió en el siglo I a.C, y particularmente en la convulsa etapa de las guerras civiles y la instauración del Imperio bajo Augusto.
==Características==
*La tradición Griega está presente en todas las manifestaciones literarias latinas.
*El arte y la literatura son instrumentos ideológicos al servicio del imperio romano.
*La literatura latina incluyó géneros ya existentes y aportó novedades esenciales como la fábula, la retórica y la oratoria.

===Géneros predominantes===
*La poesía épica latina
*Obras histórico-sociales
*Comedias
*Dramas
*Sátiras dramáticas

==Fuentes==

*http://lengua.laguia2000.com/literatura/literatura-romana
*http://literaturaromani.blogspot.com.es/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Literatura_romana
[[Category: Historia_de_la_literatura]]
[[Category: Historia_de_Italia]]

Archivo:LiteraturaRomana.jpg

2014-06-28T15:58:11Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==
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== Fuente: ==
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Literatura romana

2014-06-28T15:57:45Z

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'''Literatura romana''', literatura que se inicia en latín (de aquí que sea llamada también literatura latina). Se extiende por espacio de ocho siglos y se divide en tres épocas, principalmente: la republicana, la imperial y la paleo-cristiana.

==Surgimiento==
El pueblo romano creció y se desarrolló desde la ciudad de [[Roma]] hasta formar uno de los mayores imperios conocidos por la historia. En su devenir, que abarca aproximadamente desde el siglo VII a.C. hasta el siglo V d.C. (si bien el Imperio Romano de Oriente se mantuvo activo durante diez siglos más), los romanos entraron en contacto con muchas otras culturas, pero una de ellas los marcó como ninguna otra: la griega.
Roma no se distinguió por su originalidad, sino por su enorme capacidad para asimilar e imitar las tecnologías, organizaciones y pensamientos de otros, en el campo del arte y de la literatura su modelo fue sin duda el griego. La literatura griega se erigió así en los cimientos de la literatura romana, si bien ésta la renovó en algunas aspectos y la presentó a la historia en su forma final.
Aunque la literatura romana tomó muchas ideas e imitó el estilo griego, escribió sus obras en su propia lengua, el [[latín]], lengua muerta en la actualidad pero que tuvo una enorme vigencia histórica durante la [[Edad Antigua]] y [[Medieval]]. Y si hubo influencia griega en la literatura romana, también existe una literatura romana previa al encuentro con los griegos y por lo tanto libre de esa potente influencia. Los historiadores tienden a dividir así la literatura romana en indígena (que es aquella previa a la influencia griega) y la imitada (que es la posterior a esa influencia y comprende tanto copias o traducciones del griego como obras originales con marcada influencia de los autores griegos).
La época dorada de la literatura romana se vivió en el siglo I a.C, y particularmente en la convulsa etapa de las guerras civiles y la instauración del Imperio bajo Augusto.
==Características==
*La tradición Griega está presente en todas las manifestaciones literarias latinas.
*El arte y la literatura son instrumentos ideológicos al servicio del imperio romano.
*La literatura latina incluyó géneros ya existentes y aportó novedades esenciales como la fábula, la retórica y la oratoria.

===Géneros predominantes===
*La poesía épica latina
*Obras histórico-sociales
*Comedias
*Dramas
*Sátiras dramáticas

==Fuentes==

*http://lengua.laguia2000.com/literatura/literatura-romana
*http://literaturaromani.blogspot.com.es/
*http://es.wikipedia.org/wiki/Literatura_romana
[[Category: Historia_de_la_literatura]]
[[Category: Historia_de_Italia]]

Jean Simmons

2014-06-28T15:38:22Z

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|nombre de nacimiento = Jean Merilyn Simmons
|fecha de nacimiento = [[31 de enero]] de [[1929]]
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'''Jean Simmons''', actriz inglesa nominada en dos ocasiones al premio Oscar. Entre sus películas destacan Hamlet (la versión dirigida por Laurence Olivier), Espartaco de Stanley Kubrick y El fuego y la palabra.
==Datos biográficos==
Nació el 31 de enero de 1929, en el barrio de [[Crouch Hill]], en [[Londres]], [[Inglaterra]]. Desde niña quiso ser actriz y consiguió debutar en el cine en su adolescencia apareciendo en la película Give us the moon (1944), de[[ Val Guest]] y [[Caryl Brahms]] .
==Vida y obra==
Su fama en las islas británicas tampoco tardaría mucho en llegar ya que la figura de Jean Simmons se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de [[David Lean]], Cadenas rotas (Great Expectations, 1946). A partir de ese momento, las apariciones de Simmons se multiplicarían como en César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra, 1946) de [[Gabriel Pascal]] , Narciso negro (Black Narcissus, 1947) de [[Michael Powell]] y [[Emeric Pressburger]], y sobre todo, su interpretación de Ofelia en Hamlet (1948), la adaptación de la obra de [[ William Shakespeare]] dirigida y protagonizada por [[Laurence Olivier]]. Este papel le valió a Simmons una nominación para los Oscar de 1948 en el apartado de mejor actriz de reparto. Una estatuilla que no conseguiría, llevándosela [[Claire Trevor]] por su papel en Cayo Largo .

De todas maneras, esa nominación hizo de Jean Simmons una actriz atractiva para las superproducciones norteamericanas. En 1950, su popularidad aumentó aún más casándose con [[Stewart Granger]], actor especializado en el género. Este matrimonio duró hasta el 1960.
En la década de 1950, Simmons empezó a ser habitual en las producciones hollywodienses. Así, destaca sus participaciones en Androcles y el león (1952) de [[Chester Erskine]] , Cara de ángel (1953) de [[Otto Preminger]], La túnica sagrada (1953) de [[Henry Koster]] , Sinuhé, el egipcio (1954) de [[Michael Curtiz]], Desireé (1954) de [[Koster]] o Ellos y ellas (1955) de [[Joseph L. Mankiewicz]]. Destacan especialmente Horizontes de grandeza (1958) de [[William Wyler]] y Espartaco, de [[Stanley Kubrick]].
En 1960, Simmons se divorciaría de Granger y se casaría con el director [[Richard Brooks]]. Su esposo la dirigió en una de sus mejores películas: El fuego y la palabra (1960) y posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en Con los ojos cerrados , por el que Jean repetiría nominación al Oscar, ahora en la categoría de mejor actriz principal.
En la década de los 70, Simmons fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Así, los papeles de la actriz británica serían recordados en series como Norte y sur o El pájaro espino . La interpretación en esta última le valdría un [[premio Emmy]] . Todavía a principios del nuevo siglo, Simmons seguía trabajando esporádicamente, aportando su voz a películas de animación.
==Obras==
* Sports Day (1944)
* Give Us the Moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms .
* Mr. Emmanuel (1944)
* Kiss the Bride Goodbye (1945)
* Meet Sexton Blake (1945)
* The Way to the Stars (1945)
* César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra) (1946) de Gabriel Pascal
* Cadenas rotas (Great Expectations) (1946), de David Lean.
* The Woman in the Hall (1947)
* Uncle Silas (1947)
* Narciso negro (Black Narcissus) (1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger.
* Hungry Hill (1947)
* Hamlet (Hamlet) (1948), de Laurence Olivier.
* La isla perdida (The Blue Lagoon) (1949) de Frank Launder .
* Adán y...ella (Adam and Evelyne) (1949) de Harold French .
* Extraño suceso (So Long at the Fair) (1950), de Antony Darnborough y Terence Fisher.
* Coacción (Cage of Gold) (1950), de Basil Dearden .
* El torbellino de la vida (Trio) (1950), de Ken Annakin .
* Trágica obsesión (The Clouded Yellow) (1951), de Ralph Thomas .
* Androcles y el león (Androcles and the Lion) (1952) de Chester Erskine .
* Cara de ángel (Angel Face) (1953) de Otto Preminger.
* La reina virgen (Young Bess) (1953) de George Sidney
* Entre dos mujeres (Affair with a Stranger) (1953), de Roy Rowland .
* La túnica sagrada (The Robe) (1953) de Henry Koster .
* La actriz (The Actress) (1953), de George Cukor.
* She Couldn't Say No (1954)
* Sinuhé, el egipcio (The Egyptian) (1954) de Michael Curtiz.
* Demetrio y los gladiadores (Demetrius and the Gladiators) (1954), de Delmer Daves.
* Una bala en camino (A Bullet Is Waiting) (1954), de John Farrow.
* Desireé (Desireé) (1954) de Henry Koster.
* Pasos en la niebla (Footsteps in the Fog) (1955) de Arthur Lubin .
* Ellos y ellas (Guys and Dolls) (1955) de Joseph L. Mankiewicz.
* Hilda Crane (1956)
* This Could Be the Night (1957)
* Mujeres culpables (Until They Sail) (1957), de Robert Wise.
* Horizontes de grandeza (The Big Country) (1958), de William Wyler.
* Después de la oscuridad (Home Before Dark) (1958), de Mervyn LeRoy.
* Esta tierra es mía (This Earth Is Mine) (1959) de Henry King.
* El fuego y la palabra (Elmer Gantry) (1960), de Richard Brooks.
* Espartaco (Spartacus) (1960), de Stanley Kubrick.
* Página en blanco (The Grass Is Greener) (1960) de Stanley Donen.
* All the Way Home (1963)
* Vivir en la cumbre (Life at the Top) (1965), de Ted Kotcheff .
* La mujer sin rostro (Mister Buddwing) (1966), de Delbert Mann.
* El novio de mi mujer (Divorce American Style) (1967), de Bud Yorkin .
* Noche de titanes (Rough Night in Jericho) (1967),de Arnold Laven .
* Heidi (1968)
* Con los ojos cerrados (The Happy Ending) (1969), de Richard Brooks.
* El joven y la cuarentona (Say Hello to Yesterday) (1971),de Alvin Rakoff .
* Mr. Sycamore (1975)
* Dominique (Dominique) (1978), de Michael Anderson.
* La maldición de los Dain (The Dain Curse) (1978), de E.W. Swackhamer .
* Sensibilidad y sentido (Sensibility and Sense) (1978), de David Hugh Jones .
* Conducta confidencial (Yellow Pages) (1988), de James Kenelm Clarke .
* Reencuentros (Angel Falls) (1993), de Joyce Chopra .
* Donde reside el amor (How to Make an American Quilt), de Jocelyn Moorhouse .
* Con su propia ley (1998) (Her Own Rules) de Bobby Roth .
* Final Fantasy: La fuerza interior (2001) (Final Fantasy: The Spirits Within), de Hironobu Sakaguchi (voz).
* Jean Simmons: Rose of England (2004) (documental)
* El increíble castillo vagabundo (Hauru no ugoku shiro) (2004), de Hayao Miyazaki (voz).
==Muerte==
Muere el 22 de enero de 2010, en [[Santa Mónica]], [[California]], [[Estados Unidos]] , a los 80 años de edad.
==Fuentes==
* http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Simmons
[[Category:Actriz]]

Cuidados paliativos

2014-06-28T15:07:51Z

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}}
'''Cuidados paliativos''', cuidados que los equipos de salud brindan a las personas afectadas por enfermedades crónicas, avanzadas o progresivas como el cáncer u otras (patologías neurodegenerativas, insuficiencia renal, etc.), que están destinados a garantizar el alivio del dolor y del sufrimiento y una digna calidad de vida.
==Qué ofrecen==
Los cuidados paliativos son administrados por un equipo, que puede incluir terapeutas, médicos, enfermeras, trabajadores sociales, consejeros, ayudantes y familiares. El equipo trabaja mancomunadamente para brindarle al paciente y a la familia consuelo y apoyo. Ofrecen ayuda para aliviar los síntomas como el dolor de enfermedades mortales en sus etapas terminales.
Con los cuidados paliativos, se trata la mente y el cuerpo. Los servicios pueden abarcar:
*Control del dolor
*Tratamiento de los síntomas (como dificultad para respirar, estreñimiento o ansiedad)
*Atención psicologica que satisfaga sus necesidades afectivas
*Brindarle a la familia un descanso (llamado asistencia de relevo)
*Ayudarle al paciente y a la familia a saber qué esperar
*Ayudarle al paciente y a la familia a hacerle frente a la soledad y al miedo
*Ayudarle al paciente y a la familia a compartir sentimientos
*Ayudarle a la familia después de la pérdida (llamado atención durante el duelo)
==Beneficios de los cuidados paliativos==
Los cuidados paliativos suponen la atención integral de las personas en su realidad total: biológica y psicosocial a lo largo de todas las fases de la enfermedad oncológica u otra enfermedad terminal: desde la prevención y el diagnóstico hasta el tratamiento de los síntomas, comprendiendo también los cuidados del final de la vida.
En cada uno de esos diferentes momentos los cuidados paliativos pueden ayudar a aliviar el dolor, enfrentar problemas respiratorios, agotamiento, falta de apetito, dificultades para dormir, depresión, así como también a recibir apoyo y acompañamiento para garantizar el mayor bienestar y autonomía en las decisiones acerca de la salud y de la vida.
Dado que se orientan a brindar respuestas integrales a las personas afectadas por patologías oncológicas, degenerativas y otras, los cuidados paliativos requieren la conformación de equipos multidisciplinarios (integrados por médicos, enfermeros, psicólogos y trabajadores sociales), cuya labor esté basada en la garantía de derechos humanos esenciales: el alivio del dolor y del sufrimiento y la dignidad de las personas.
==Fuentes==
*http://www.msal.gov.ar/inc/index.php/acerca-del-cancer/cuidados-paliativos
*http://www.nhpco.org Notificación de salida, en Internet.
*http://www.cancer.gov/espanol/pdq/cuidados-medicos-apoyo/etapafinal/patient, en Internet.
[[Category:Medicina]]

Helen Gurley Brown

2014-06-28T14:11:33Z

Irma jc:

{{Ficha de escritor
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}}

'''Helen Gurley Brown''' , escritora, editora y empresaria estadounidense. Editora jefe de la [[Revista Cosmopolitan]] durante 32 años.

==Datos biográficos==
Nació en [[Green Forest]], [[Arkansas]], [[Estados Unidos]], el 18 de febrero de 1922.Su nombre al nacer era Helen Marie Gurley. Su madre era oriunda de Alpena, Arkansas y su padre fue nombrado Comisario de Arkansas Game y Fish Commission. La familia se mudó a [[Little Rock]], Arkansas, después que su padre ganó la elección a la legislatura del estado de Arkansas. Él murió en un accidente dentro de un ascensor, el 18 de junio de 1932.4 En el año 1937, ella junto a su hermana Mary, y su madre se mudaron a Los Ángeles, California. Unos meses después de mudarse, Mary contrajo la polio. Mientras Brown estuvo en California, asistió a la Secundaria John H. Francis Polytechnic. Después de graduarse, la familia se mudó a [[Warm Springs]], [[Georgia]]. Luego asistió por un semestre a la Universidad de la Mujer de Tex y mas tarde se trasladó a [[California]] para asistir a la Woodbury University. Se graduó en 1941. En 1947, Cleo y Mary se trasladaron a Osage, Arkansas, mientras que Brown se quedó en [[Los Ángeles]].
==Vida y obra==
Trabajó en la agencia William Morris Endeavor, Music Corporation of America, y las agencias de talento de Sam Jaffe, fue a trabajar como secretaria para la agencia de publicidad Foote, Cone & Belding. Su empleador reconoció sus habilidades para la escritura y la trasladó al departamento de redacción, donde avanzó rápidamente hasta convertirse en una de las mayores redactoras de anuncios pagados de la nación durante la década de 1960. En 1959 se casó con [[David Brown]], quien llegó a convertirse en el productor o coproductor de películas clásicas como El golpe, Tiburón, Cocoon, Paseando a Miss Daisy, entre otras películas.
A Helen Gurley Brown cabe atribuirle la transformación de “Cosmopolitan” en la revista femenina más influyente del mundo. Pero sería injusto ceñir al ámbito del periodismo los méritos de un personaje cuyas portadas ayudaron a moldear los contornos de la mujer moderna . Brown dirigió “Cosmopolitan” entre 1965 y 1997 y se convirtió en un personaje recurrente en las fiestas más exclusivas de [[Manhattan]], donde lució su silueta menuda casi hasta su muerte gracias a su disciplina estética y ciertos retoques quirúrgicos que admitía sin pudor.La dirección del grupo Hearst decidió relevarla de la revista a finales de los años 90, pero Brown nunca llegó a abandonar del todo la revista. Los responsables del grupo la veneraron como una leyenda del periodismo y la mantuvieron como supervisora de sus ediciones internacionales.
==Obras==
*Sex and the Single Girl (1962)
*Lessons In Love—LP Record on How To Love A Girl & How To Love A Man (1963) Crescendo Records, GNP #604
*Sex and the Office (1965)
*Outrageous Opinions of Helen Gurley Brown (1967)
*Helen Gurley Brown's Single Girl's Cookbook (1969)
*Sex and the New Single Girl (1970)
*Having It All (1982)
*The Late Show: A Semi Wild but Practical Guide for Women Over 50 (1993)
*The Writer's Rules: The Power of Positive Prose—How to Create It and Get It Published (1998)
*I'm Wild Again: Snippets from My Life and a Few Brazen Thoughts (2000)
==Premios==
*1985 Matrix Award from New York Women in Communications16
*1995: Henry Johnson Fisher Award from the Magazine Publishers of America16
*1996: American Society of Magazine Editors' Hall of Fame Award16
*1998 Editor of the Year by Advertising Age magazine17
==Muerte==
Murió el 13 de agosto de 2012 a los 90 años de edad en Nueva York, Estados Unidos.
==Fuentes==
*http://www.elmundo.es/elmundo/2012/08/13/comunicacion/1344890699.html
*http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_Gurley_Brown
*http://cultura.elpais.com/cultura/2012/08/14/actualidad/1344899459_575187.html
[[Category: Escritor]]

Helen Gurley Brown

2014-06-28T14:11:02Z

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}}

'''
Helen Gurley Brown''', escritora, editora y empresaria estadounidense. Editora jefe de la [[Revista Cosmopolitan]] durante 32 años.

==Datos biográficos==
Nació en [[Green Forest]], [[Arkansas]], [[Estados Unidos]], el 18 de febrero de 1922.Su nombre al nacer era Helen Marie Gurley. Su madre era oriunda de Alpena, Arkansas y su padre fue nombrado Comisario de Arkansas Game y Fish Commission. La familia se mudó a [[Little Rock]], Arkansas, después que su padre ganó la elección a la legislatura del estado de Arkansas. Él murió en un accidente dentro de un ascensor, el 18 de junio de 1932.4 En el año 1937, ella junto a su hermana Mary, y su madre se mudaron a Los Ángeles, California. Unos meses después de mudarse, Mary contrajo la polio. Mientras Brown estuvo en California, asistió a la Secundaria John H. Francis Polytechnic. Después de graduarse, la familia se mudó a [[Warm Springs]], [[Georgia]]. Luego asistió por un semestre a la Universidad de la Mujer de Tex y mas tarde se trasladó a [[California]] para asistir a la Woodbury University. Se graduó en 1941. En 1947, Cleo y Mary se trasladaron a Osage, Arkansas, mientras que Brown se quedó en [[Los Ángeles]].
==Vida y obra==
Trabajó en la agencia William Morris Endeavor, Music Corporation of America, y las agencias de talento de Sam Jaffe, fue a trabajar como secretaria para la agencia de publicidad Foote, Cone & Belding. Su empleador reconoció sus habilidades para la escritura y la trasladó al departamento de redacción, donde avanzó rápidamente hasta convertirse en una de las mayores redactoras de anuncios pagados de la nación durante la década de 1960. En 1959 se casó con [[David Brown]], quien llegó a convertirse en el productor o coproductor de películas clásicas como El golpe, Tiburón, Cocoon, Paseando a Miss Daisy, entre otras películas.
A Helen Gurley Brown cabe atribuirle la transformación de “Cosmopolitan” en la revista femenina más influyente del mundo. Pero sería injusto ceñir al ámbito del periodismo los méritos de un personaje cuyas portadas ayudaron a moldear los contornos de la mujer moderna . Brown dirigió “Cosmopolitan” entre 1965 y 1997 y se convirtió en un personaje recurrente en las fiestas más exclusivas de [[Manhattan]], donde lució su silueta menuda casi hasta su muerte gracias a su disciplina estética y ciertos retoques quirúrgicos que admitía sin pudor.La dirección del grupo Hearst decidió relevarla de la revista a finales de los años 90, pero Brown nunca llegó a abandonar del todo la revista. Los responsables del grupo la veneraron como una leyenda del periodismo y la mantuvieron como supervisora de sus ediciones internacionales.
==Obras==
*Sex and the Single Girl (1962)
*Lessons In Love—LP Record on How To Love A Girl & How To Love A Man (1963) Crescendo Records, GNP #604
*Sex and the Office (1965)
*Outrageous Opinions of Helen Gurley Brown (1967)
*Helen Gurley Brown's Single Girl's Cookbook (1969)
*Sex and the New Single Girl (1970)
*Having It All (1982)
*The Late Show: A Semi Wild but Practical Guide for Women Over 50 (1993)
*The Writer's Rules: The Power of Positive Prose—How to Create It and Get It Published (1998)
*I'm Wild Again: Snippets from My Life and a Few Brazen Thoughts (2000)
==Premios==
*1985 Matrix Award from New York Women in Communications16
*1995: Henry Johnson Fisher Award from the Magazine Publishers of America16
*1996: American Society of Magazine Editors' Hall of Fame Award16
*1998 Editor of the Year by Advertising Age magazine17
==Muerte==
Murió el 13 de agosto de 2012 a los 90 años de edad en Nueva York, Estados Unidos.
==Fuentes==
*http://www.elmundo.es/elmundo/2012/08/13/comunicacion/1344890699.html
*http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_Gurley_Brown
*http://cultura.elpais.com/cultura/2012/08/14/actualidad/1344899459_575187.html
[[Category: Escritor]]

Helen Gurley Brown

2014-06-28T14:09:59Z

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'''
Helen Gurley Brown''', escritora, editora y empresaria estadounidense. Editora jefe de la [[Revista Cosmopolitan]] durante 32 años.

==Datos biográficos==
Nació en [[Green Forest]], [[Arkansas]], [[Estados Unidos]], el 18 de febrero de 1922.Su nombre al nacer era Helen Marie Gurley. Su madre era oriunda de Alpena, Arkansas y su padre fue nombrado Comisario de Arkansas Game y Fish Commission. La familia se mudó a [[Little Rock]], Arkansas, después que su padre ganó la elección a la legislatura del estado de Arkansas. Él murió en un accidente dentro de un ascensor, el 18 de junio de 1932.4 En el año 1937, ella junto a su hermana Mary, y su madre se mudaron a Los Ángeles, California. Unos meses después de mudarse, Mary contrajo la polio. Mientras Brown estuvo en California, asistió a la Secundaria John H. Francis Polytechnic. Después de graduarse, la familia se mudó a [[Warm Springs]], [[Georgia]]. Luego asistió por un semestre a la Universidad de la Mujer de Tex y mas tarde se trasladó a [[California]] para asistir a la Woodbury University. Se graduó en 1941. En 1947, Cleo y Mary se trasladaron a Osage, Arkansas, mientras que Brown se quedó en [[Los Ángeles]].
==Vida y obra==
Trabajó en la agencia William Morris Endeavor, Music Corporation of America, y las agencias de talento de Sam Jaffe, fue a trabajar como secretaria para la agencia de publicidad Foote, Cone & Belding. Su empleador reconoció sus habilidades para la escritura y la trasladó al departamento de redacción, donde avanzó rápidamente hasta convertirse en una de las mayores redactoras de anuncios pagados de la nación durante la década de 1960. En 1959 se casó con [[David Brown]], quien llegó a convertirse en el productor o coproductor de películas clásicas como El golpe, Tiburón, Cocoon, Paseando a Miss Daisy, entre otras películas.
A Helen Gurley Brown cabe atribuirle la transformación de “Cosmopolitan” en la revista femenina más influyente del mundo. Pero sería injusto ceñir al ámbito del periodismo los méritos de un personaje cuyas portadas ayudaron a moldear los contornos de la mujer moderna . Brown dirigió “Cosmopolitan” entre 1965 y 1997 y se convirtió en un personaje recurrente en las fiestas más exclusivas de [[Manhattan]], donde lució su silueta menuda casi hasta su muerte gracias a su disciplina estética y ciertos retoques quirúrgicos que admitía sin pudor.La dirección del grupo Hearst decidió relevarla de la revista a finales de los años 90, pero Brown nunca llegó a abandonar del todo la revista. Los responsables del grupo la veneraron como una leyenda del periodismo y la mantuvieron como supervisora de sus ediciones internacionales.
==Obras==
*Sex and the Single Girl (1962)
*Lessons In Love—LP Record on How To Love A Girl & How To Love A Man (1963) Crescendo Records, GNP #604
*Sex and the Office (1965)
*Outrageous Opinions of Helen Gurley Brown (1967)
*Helen Gurley Brown's Single Girl's Cookbook (1969)
*Sex and the New Single Girl (1970)
*Having It All (1982)
*The Late Show: A Semi Wild but Practical Guide for Women Over 50 (1993)
*The Writer's Rules: The Power of Positive Prose—How to Create It and Get It Published (1998)
*I'm Wild Again: Snippets from My Life and a Few Brazen Thoughts (2000)
==Premios==
*1985 Matrix Award from New York Women in Communications16
*1995: Henry Johnson Fisher Award from the Magazine Publishers of America16
*1996: American Society of Magazine Editors' Hall of Fame Award16
*1998 Editor of the Year by Advertising Age magazine17
==Muerte==
Murió el 13 de agosto de 2012 a los 90 años de edad en Nueva York, Estados Unidos.
==Fuentes==
*http://www.elmundo.es/elmundo/2012/08/13/comunicacion/1344890699.html
*http://es.wikipedia.org/wiki/Helen_Gurley_Brown
*http://cultura.elpais.com/cultura/2012/08/14/actualidad/1344899459_575187.html
[[Category: Escritor]]

Dorothy C. Hodgkin

2014-06-28T13:41:02Z

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|premios = Premio Nobel de Química del año 1964
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}}
'''Dorothy C. Hodgkin''', científica egipcia, incursionó en la rama de la química. Pionera en la técnica de determinación de estructuras de sustancias de interés bioquímico mediante rayos X. Se le considera la fundadora de la ciencia de la cristalografía de proteínas. Galardonada con el Premio Nobel de Química del año 1964
==Datos biográficos==
Nació en [[El Cairo]], [[Egipto]] , el 12 de mayo de 1910. Su padre era un arqueólogo que trabajaba para el Ministerio de Educación en El Cairo y su madre, un artista consumada, era un experta en tejidos coptos.
==Vida y obra==
Se la considera la fundadora de la ciencia de la cristalografía de proteínas. Ella y su mentor, J.D. Bernal, fueron los primeros en aplicar con éxito la difracción de [[rayos X]] a los cristales de las sustancias biológicas, a partir de la [[pepsina]] en 1934.
Hizo de la [[insulina]] su proyecto de investigación primaria, iniciando sus investigaciones en 1934 cuando [[Robert Robinson]] le ofreció una muestra pequeña de insulina cristalina. La difracción de rayos X en la década de 1930 todavía no estaba suficientemente desarrollada, por lo que decidió mejorar la técnica cristalográfica, y consiguió determinar la estructura tridimensional de las siguientes biomoléculas:

*colesterol en 19373
*penicilina en 19454
*vitamina B12 en 1954
*suprasterol en 19615 6
*insulina en 19697
*Así como la de la lactoglobulina, ferritina y el virus del mosaico del tabaco.
Posteriormente, Hodgkin y sus colaboradores se encaminaron al calciferol o [[vitamina D2]], así como al antibiótico [[gramicidina]].
Las contribuciones de Hodgkin a la cristalografía incluye soluciones de las estructuras de colesterol, lactoglobulina, ferritina, el virus del mosaico del tabaco, la penicilina, la vitamina B-12, y la insulina , así como el desarrollo de métodos para la indización e intensidades de procesamiento de rayos-X. Después del trabajo con Bernal, estableció su propio laboratorio en [[Oxford]], donde trabajó con una voluntad y esfuerzos férreos.
Ella fue elegida como miembro de la Royal Society en 1947 después de publicar la estructura de la penicilina y fue galardonada con el [[Premio Nobel de Química]] en 1964 por la solución de [[vitamina B-12]]. La solución de la estructura de la insulina se produjo en 1969, después de muchos años de lucha. Hodgkin y sus colaboradores produjeron una solución más refinada en 1988, que llevó el máximo provecho de las técnicas computacionales y que ahora se puede reducir el tiempo de las soluciones de proteínas de años a meses o semanas.
==Reconocimientos==
En 1964 fue honrada con el Premio Nobel de Química por la determinación de la estructura de muchas sustancias biológicas mediante los rayos X, con lo que se convirtió en la tercera mujer en conseguir este galardón después de [[Marie Curie]] e [[Irène Joliot-Curie]].
==Muerte==
Murió en [[Shipston-on-Stour]], [[Inglaterra]], el 29 de julio de 1994

==Fuentes==
*http://www.portalplanetasedna.com.ar/diez_cientificas7.htm
* http://es.wikipedia.org/wiki/Dorothy_Crowfoot_Hodgkin
[[Category:Científicos]]
[[Category:Químico]]
[[Category:Premio_Nobel_de_Química]]

Domenico Modugno

2014-06-28T13:30:37Z

Irma jc:

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|fecha de nacimiento = [[9 de enero]] de [[1928]]
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|premios = Festival de Sanremo, Premio Grammy , Premio Tenco
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'''Domenico Modugno''', uno de los cantantes italianos más conocidos en la esfera internacional. Recibió el apodo de “Míster Volare” por una de sus mejores canciones, sobre todo en Norteamérica donde se hizo una gran estrella.
==Datos biográficos==
Nació el 9 de enero de 1928 en Polignano a Mare , Italia. En el pueblecito donde vivía no había muchas salidas para los jóvenes y por eso se fue al norte de Italia en 1947 en plena posguerra, con 19 años, a casa de unos parientes.
==Vida y obra==
Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de [[Roma]], apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Ilmante llorosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.
Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de [[Garinei e Giovannini ]], y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de [[Luigi Pirandello]]. En el cine interpretó Ilgiudiziouniversale de [[Vittorio De Sica]], mientras que de 1973 a 1976 fue MackieMesser en la Opera da tresoldi de [[KurtWeill]] y [[Bertolt Brecht]], dirigida por [[Giorgio Strehler]]. [[Pier Paolo Pasolini ]] usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas fundamentales.
Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciaobambina) (Llueve), Vecchiofrack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piangeil teléfono (Llora el teléfono / Le telephonepleure), Un calcio allacittà (Un puntapié a la ciudad), Lu piscispada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come haifatto (Como has hecho). DomenicoModugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.
==Participaciones en el Festival de San Remo==
* 1956 Musetto (como compositor, no como cantante)
* 1958 Nelbludipinto di blu (Volare)
* 1959 Piove (Ciao, ciaobambina)
* 1960 Libero
* 1962 Addio... addio...
* 1964 Che me ne importa a me
* 1966 Dio, come ti amo
* 1967 Sopra i tettiazzurri del miopazzoamore
* 1968 Ilpostomio (como cantante, no como compositor)
* 1971 Come stai?
* 1972 Un calcio allacittà
* 1974 Questa è la mia vita
==Canciones cantadas en castellano==
* 1955 Viejo frack o El hombre del frack (en italiano Vecchiofrack)
* 1958 En el cielo pintado de azul (en italiano Nelbludipinto di blu)
* 1959 Llueve (en italiano Piove o Ciaociaobambina)
* 1966 Dios, como te amo o Dios mío, como te quiero (en italiano Dio, come ti amo)
* 1968 En mi lugar (en italiano Ilpostomio)
* 1969 Recordando con ternura (en italiano Ricordando con tenerezza)
* 1969 Está llegando a mi alma (en italiano Mi seientratanell'anima)
* 1970 La distancia es como el viento (en italiano La lontananza)
* 1970 Te amo, amo a ti (en italiano Ti amo, amo te)
* 1970 Como has hecho (en italiano Come haifatto)
* 1971 ¿Cómo estás? (en italiano Come stai?)
* 1971 Amarga flor mía (en italiano Amaro fioremio)
* 1972 Un puntapié a la ciudad (en italiano Un calcio allacittà)
* 1973 Amarga tierra (en italiano Amara terramia)
* 1973 Sortilegio de luna (en italiano Sortilegio di luna)
* 1973 Mi caballo blanco (en italiano Cavallo bianco o Ilmiocavallobianco)
* 1975 El maestro del violín (en italiano Il maestro di violino)
* 1975 Llora el teléfono (en italiano Piangeil teléfono, en francés, versión original Le telephonepleure)
* 1975 Domingo (en italiano Domenica)
* 1976 El aniversario (en italiano L'anniversario)
* 1977 A casa volveremos juntos (en italiano A casa torneremoinsieme)
==Premios==
1958 Ganador del Festival di Sanremo con Nelbludipinto di blu
1958 Premio Grammy por Nelbludipinto di blu como disco del año
1958 Premio Grammy por Nelbludipinto di blu como canción del año
1959 Ganador del "Festival di Sanremo" con Piove
1962 Ganador del "Festival di Sanremo" con Addio... addio...
1964 Ganador del "Festival di Napoli" con Tu si' 'na cosa grande
1966 Ganador del "Festival di Sanremo" con Dio, come ti amo
1974 Ganador del Premio Tenco
==Muerte==
El 6 de agosto de 1994, cuando descansaba en su casa en la apartada isla sureña de Lampedusa, entre Malta y Túnez, , sufrió un ataque al corazón y murió a los 66 años de edad
==Fuentes==
*http://es.wikipedia.org/wiki/Domenico_Modugno
*http://www.fundacionjoseguillermocarrillo.com/sitio/muspopular_domenico_modugno.phpundo.
[[Category:Cantante]]