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Museo J. Paul Getty

2018-08-03T15:16:36Z

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{{Ficha de museo
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El Museo J. Paul Getty (en inglés, J. Paul Getty Museum) es un museo de arte en el estado de California (Estados Unidos). Es de origen privado y tiene dos sedes:
*El Getty Center en Los Ángeles;
*La Getty Villa en Malibú.
Posee arte desde la Antigüedad hasta el siglo XX y recibe unos 1.300.000 visitantes cada año. Es por tanto uno de los museos más visitados de Estados Unidos.
==Historia==
En 1974, el magnate de la industria petrolera J. Paul Getty abrió como museo un suntuoso palacio en Pacific Palisades, cerca de [[Malibú]]. Este edificio era una recreación de la Villa de los Papiros de la antigua Herculano, localidad del Imperio romano que resultó destruida por el volcán [[Vesubio]].
En 1997 el Museo J. Paul Getty cambió su ubicación a la actual, el Getty Center construido en el área de Brentwood ([[Los Ángeles]]) con un coste de mil millones de dólares. El museo originario de Pacific Palisades se reservó a las colecciones de arte griego y romano, y adoptó el nombre de Getty Villa, siendo reformado en 2006. El Getty Center alberga las restantes colecciones, así como centros de investigación, sala de conferencias y la sede administrativa del J. Paul Getty Trust, fideicomiso o fundación que gestiona tanto el museo como otras actividades (entre ellas, trabajos de investigación y restauración en diversos países).
El Getty Center o Centro Getty se encuentra en el 1200 de la calle Getty Center Drive del barrio de Brentwood de [[Los Ángeles]], [[California]] ([[Estados Unidos]]).
El Centro Getty funciona como un campus donde se encuentra la sede principal del Museo J. Paul Getty, la Fundación Getty, un Instituto de Investigación, un Instituto de Conservación y el Fideicomiso Getty, además de las instalaciones de un auditorio y varios jardines.
El nombre del centro alude al empresario y filántropo norteamericano Jean Paul Getty, quien aportó a un fideicomiso llamado J. Paul Getty Trust cuantiosos fondos, su colección privada de arte y una villa de estilo romano ubicada en la cotizada zona residencial de Pacific Palisades ([[Malibú]] y [[California]]). Este magnate había adquirido arte desde la década de 1930, si bien de manera informal, y fue a partir de la donación cuando su colección empezó a crecer de manera sistemática y alcanzó rango internacional.
En el citado palacio-museo se inauguró, en 1974, el Museo J. Paul Getty, que su web oficial denomina más coloquialmente Getty Villa. Alberga los fondos de arte grecorromano, en sintonía con su estilo arquitectónico inspirado en las villas antiguas de [[Pompeya]] y [[Herculano]].
La apertura del Centro Getty en [[Los Ángeles]], diseñado por [[Richard Meier]] e inaugurado en 1997, supuso el traslado de casi todas las colecciones artísticas, salvo las piezas griegas y romanas que permanecen en la citada villa de [[Malibú]].
El acceso al Centro Getty es gratuito, la única tarifa es la del estacionamiento para el público visitante que es de 10 dólares por automóvil.
==Política de adquisiciones==
La mayor parte del Centro Getty de [[Los Ángeles]] se destina al museo de arte, repartido en varios edificios denominados «pabellones».
El Museo Getty mantiene una política de adquisiciones muy intensa y agresiva gracias a que cuenta con una enorme dotación económica. La Fundación es titular de acciones petrolíferas y demás empresas aportadas por Jean Paul Getty, por las que recibe dividendos periódicamente; tan sólo las acciones que posee de la Getty Oil se valoraron en 660 millones de dólares en la década de 1980, y actualmente la dotación financiera de la institución se estima en 4.200 millones. De acuerdo a la legislación norteamericana, el Fideicomiso (o Fundación) está obligada a destinar gran parte de sus ingresos anuales a fines benéficos (becas, investigación, restauración, etc.), y se entiende que la compra de obras de arte está entre dichos fines altruistas, al enriquecer el museo (que es de acceso gratuito).
Getty es un nombre temido por los demás museos y coleccionistas ya que se considera que su capacidad de compra es ilimitada. En 1988 se rumoreó que ofreció 300.000 millones de pesetas de entonces para la compra de la Colección Thyssen. A pesar de la desorbitada cifra, esta operación no llegó a culminarse ya que el barón Thyssen la rechazó y prefirió ubicar la colección en [[Madrid]].
Varios de los récords de precio en el mercado del arte se deben a compras efectuadas por el Museo Getty. La escasez de obras de primera categoría, especialmente en pintura antigua (especialidad del museo), obliga a desembolsar sumas muy elevadas, y en esta pugna el Getty tiene escasos rivales.
Entre las compras más llamativas del Getty, destaca el cuadro Los lirios de Van Gogh, récord de precio en 1987 y que su comprador inicial, Alan Bond, tuvo de revender al Getty al sufrir un revés económico que le impidió completar el pago. El museo adquirió en 1996 la [[Sagrada Familia]] de [[Fra Bartolommeo]] por más de 2.000 millones de pesetas de la época y también adquirió en 1989 El alabardero de [[Pontormo]] por 35,2 millones de dólares de la época (récord absoluto de pintura antigua entonces). En el año 2000 pagó unos mil millones de pesetas de la época (6 millones de euros) por un [[Cristo crucificado]] de [[El Greco]], y en 2004 sumó el Retrato del marqués del Vasto, de Tiziano. Esta notable pintura, una de las últimas seguras de Tiziano que subsistían en el mercado, fue adquirida mediante un acuerdo privado (no en subasta) por una cifra próxima a los 70 millones de dólares.
Entre sus últimas adquisiciones, la web del museo cita pinturas de Orazio Gentileschi, Watteau, Pietro Longhi y Paul Gauguin, un pequeño autorretrato pintado sobre cobre por [[Rembrandt]] en su juventud, un retrato al pastel de Rosalba Carriera, así como un importante paisaje de Roma pintado por Turner, el Retrato de Madame Brunet de Manet, un busto del papa Paulo V esculpido por Bernini y una escultura de bronce atribuida a Francesco Primaticcio. En 2017 el museo ha adquirido numerosas obras: un importante cuadro de Parmigianino por 24,5 millones de libras esterlinas, otro de Watteau (La surprise) y 16 dibujos de maestros como [[Miguel Ángel]], [[Andrea del Sarto]], [[Francisco de Goya]] y [[Edgar Degas]]
Esta intensa actividad compradora se ha visto enturbiada por noticias escandalosas, especialmente en la sección de Arqueología, al desvelarse que el museo había sumado piezas de procedencia falseada, en realidad robadas o exportadas de Italia ilegalmente. La institución se vio obligada a negociar con el gobierno italiano la devolución de algunas piezas.
==Colección de pintura==
Los fondos de pintura son los más conocidos del Centro Getty. Suman unas 450 obras y se centran en [[Europa]], en un periodo que arranca en el siglo XIV en [[Italia]] y termina a principios del siglo XX con James Ensor y Edvard Munch. Salvo en la sección de fotografía, no se incluye a artistas posteriores como [[Picasso]], ya que hasta ahora el museo ha optado por no adentrarse en el cubismo y demás corrientes vanguardistas, y se detiene (con contadas excepciones) en el año 1900.
===Pintura italiana===
Es posiblemente la sección más ilustre, por la relevancia de los autores y la calidad de las obras. Se inicia con un San Lucas de Simone Martini, perteneciente a un políptico del que también procede el San Pedro de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Prosigue con un tríptico de Bernardo Daddi, La Coronación de la Virgen de Gentile da Fabriano, un raro San Andrés de Masaccio y la Cacería de patos de Vittore Carpaccio, identificada como la parte superior de las famosas Dos cortesanas del Museo Correr de Venecia.
El siglo XVI cuenta con ejemplos como La Epifanía de Andrea Mantegna (récord de precio en 1985), Sagrada Familia de Fra Bartolomeo, otra obra del mismo tema pintada por Giulio Romano, Cabeza de Cristo de Correggio, La Virgen y el Niño con san Juan Bautista y santa Catalina de Parmigianino, Retrato del papa Clemente VII de Sebastiano del Piombo, el famoso Pastor de Giovanni Girolamo Savoldo y dos inusuales obras de Dosso Dossi: una escena mitológica identificada con dudas como Eco y Pan, y una Alegoría de la Fortuna. Pontormo ostenta especial protagonismo con el ya citado Alabardero, personaje cuya identidad es discutida. Veronés cuenta con un raro Retrato masculino de cuerpo entero, y de Tiziano se muestra una versión del Venus y Adonis del [[Museo del Prado]]. Aunque el museo insiste en asignarla al maestro, es seguramente repetición tardía realizada por ayudantes. De todas formas, la presencia de este artista ha mejorado con el Retrato del marqués del Vasto.
En el repertorio del siglo XVII sobresalen el Retrato del papa Gregorio XV de Guercino, Caída camino del Calvario, pintura sobre cobre de Domenichino, y dos importantes lienzos de Orazio Gentileschi: Lot y sus hijas y Dánae. Esta última obra fue adquirida en subasta en enero de 2016 por más de 30 millones de dólares. Del siglo XVIII hay que mencionar una Vista de Venecia con Santa Maria della Salute, de Bernardo Bellotto, y El sacrificio de Polixena de Giambattista Pittoni.
===Los Países Bajos===
Por tal se entienden las escuelas flamenca y holandesa. Este apartado cuenta con La Anunciación de Dieric Bouts, Entrada de los animales en el arca de Noé de Jan Brueghel de Velours, [[Marte]] y [[Venus]] sorprendidos por Vulcano de Joachim Wtewael, y ya dentro del pleno Barroco, hay que mencionar dos retratos de Van Dyck: Agostino Pallavicini, imponente retrato de cuerpo entero de su etapa genovesa, y Retrato de Thomas Howard, Lord Arundel, el famoso coleccionista de arte, pintado por Van Dyck en su breve primera estancia en Londres.
Rubens cuenta con una Piedad y una Cacería del jabalí de Calidonia, aunque queda eclipsado por Rembrandt, con cinco pinturas: Autorretrato riendo (pintura sobre cobre autentificada hace pocos años, y adquirida en 2013), Hombre viejo con atuendo militar (1630), El rapto de Europa (1632), Daniel y Ciro ante la estatua de Baal (1633) y un San Bartolomé de su última época (1661). De estas cinco obras, la segunda y la tercera fueron adquiridas por el museo en el mismo año (1995), lo que demuestra su poderío económico. Ambas se incluyeron en la antológica sobre Rembrandt organizada por el Museo del Prado en 2008. La colección incluye además ejemplos de Jacob van Ruysdael (El molino de agua), Gerrit van Honthorst (Grupo musical en un balcón), Paulus Potter, Jan Steen (Lección de dibujo) y Philips Koninck.
===Pintura francesa===
Cuenta con un repertorio cronológicamente muy amplio, pues el museo engloba también en esta sección las obras impresionistas y posteriores. Hay que mencionar la famosa Pelea entre músicos de Georges de La Tour, Venus y Adonis de Simon Vouet, y especialmente la Sagrada Familia de Nicolas Poussin, llamada «de las once figuras». Al igual que un pastel de Degas, el museo la posee en co-propiedad con el Museo Norton Simon de Pasadena.
Los fondos franceses del siglo XVIII y del XIX hasta el realismo, incluyen a Watteau (Los comediantes italianos y la escena de galanteo La surprise), Jean-François de Troy (Nobles antes de una fiesta), Jean-Baptiste Greuze (La lavandera), Maurice Quentin de La Tour (Retrato de Gabriel Bernard de Rieux, obra al pastel de dos metros de altura), Jacques-Louis David (Telémaco se despide de Eucaris) y William-Adolphe Bouguereau (Muchacha defendiéndose de Cupido). Mención aparte merece Jean-François Millet, con el Campesino con azada que suscitó escándalo en el Salón de París de 1863, y Théodore Géricault, con Los tres amantes, escena de trío sexual casi pornográfica.
===Arte español y británico===
Ambas escuelas cuentan con un muestrario más limitado, aunque destacan El Greco (Cristo crucificado), Luisa Roldán (San Ginés de la Jara, estatua policromada) y Goya con una escena taurina de 1824 (La suerte de varas). De las obras británicas, se pueden citar un retrato de Thomas Gainsborough que muestra a James Christie, el fundador de la firma de subastas Christie's, y el gran cuadro La primavera, de Lawrence Alma-Tadema. Hito clave en esta sección ha sido la compra en subasta (julio 2010) del importante paisaje de Turner Campo Vaccino en Roma (1838); el precio pagado ha ascendido a 35,7 millones de euros.
===Del Impresionismo al siglo XX===
El repertorio impresionista y posterior merece un apartado aparte. Cuenta con ejemplos de máxima valoración en las subastas, como Almiares de Claude Monet, La calle Mosnier con banderas de Manet (récord de precio en su momento), Bodegón con manzanas de Cézanne, Los lirios de Van Gogh, que recalaron en el museo tras su rocambolesca venta al magnate Alan Bond, Arii Matamoe de Paul Gauguin, El rapto de Deyanira de Gustave Moreau, Noche estrellada de Edvard Munch y la famosa Entrada de Cristo en Bruselas, de James Ensor.
==Dibujos y otras colecciones==
Junto con la pintura y la escultura, especialidades del museo, se custodian fondos de dibujos: de Rembrandt hay una decena, y hay ejemplos de Leonardo da Vinci, Giambattista Tiepolo, Fragonard, Gustav Klimt y Rodin. En fecha reciente se ha sumado un Retrato de joven presumiblemente dibujado por Piero del Pollaiuolo, y en 2017 el museo ha negociado la compra de dibujos acaso más importante de su historia: 16 ejemplos procedentes de un coleccionista británico, que van desde un cartón de Lorenzo di Credi hasta un dibujo y un pastel de Edgar Degas, pasando por Miguel Ángel (Mujer llorando, hallada en 2000 en Castle Howard), Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto (Cabeza de san José), Sebastiano del Piombo (Estudio para el Cristo portando la cruz), Parmigianino, Domenico Beccafumi, Giovanni Girolamo Savoldo, Federico Barocci, Rubens, Aelbert Cuyp, Giandomenico Tiepolo y Goya (El cazador de águilas).
También se recopilan manuscritos, miniaturas y piezas de artes decorativas. En algunas salas del museo se recrean estilos decorativos del pasado, con muebles, cerámicas, etc.
==Los pabellones==
Los segundos niveles están destinados para la pintura, en tanto los primeros niveles lo están para exhibiciones cambiantes.
* El pabellón Norte esta destinados al arte antes de 1600, en el primer nivel se exhibe arte antiguo, escultura, arte decorativo y manuscritos.
* El Pabellón Este al arte del período comprendido entre 1600 y 1800, en el primer nivel se exhibe escultura, dibujo y se ubica la Sala Familiar.
* El Pabellón Sur al arte del mismo período comprendido entre 1600 y 1800 en el primer nivel se exhibe arte decorativo.
* El Pabellón Oeste al arte del período posterior a 1800, este cuenta además con una terraza donde se encuentra el Centro para la Fotografía y en el primer nivel se exhibe escultura, arte decorativo.
* El Pabellón de Exhibiciones contiene exhibiciones huéspedes cambiantes.
==La arquitectura==
El folleto con el que se recibe a los visitantes dice en su primer párrafo: «El Getty Center es un lugar donde se puede apreciar y disfrutar del arte en un ambiente único caracterizado por una arquitectura asombrosa, tranquilos jardines y vistas excepcionales».
Fue inaugurado en 1997; su construcción costó unos mil millones de dólares y le corresponde al arquitecto norteamericano [[Richard Meier]] el crédito por el diseño y ejecución de esta obra monumental; en primer lugar destaca el enclave en que fue construida, una ladera con vistas al centro de [[Los Ángeles]] y a la playa.
Tiene dos estaciones de tranvía que trasladan a los visitantes del estacionamiento a la Arrival Square, desde donde se puede ir al Auditorio, a dos de los edificios donde se encuentran las oficinas relacionadas con las instituciones antes mencionadas, al restaurante y cafetería, al Instituto de Investigación y a la sala principal del museo, que en sí misma es un edificio de dos niveles donde se encuentran la librería, los servicios de información en general en diferentes idiomas y un local donde se puede acceder a los servicios de explicación detallada de una buena parte de las obras en exposición.
El museo cuenta con cuatro pabellones denominados conforme a los cuatro puntos cardinales: [[Norte]], [[Sur]], [[Este]] y [[Oeste]]; cada uno cuenta con dos niveles donde se exhiben diferentes exposiciones; se encuentran interconectados entre sí por pasillos y pasarelas con grandes ventanales con vistas del entorno.
==Colección botánica==
Todos los edificios antes mencionados, así como el pabellón de exhibiciones, rodean a la Plaza Principal, donde se encuentran dos estanques; al Sur se encuentra un promontorio destinado a un jardín de cactáceas y un impresionante conjunto de escaleras conduce desde la plaza principal al Jardín central.
El Jardín central, creado por el renombrado diseñador paisajista Robert Irwin, se encuentra en el corazón del Getty Center. Son 134.000 pies cuadrados construidos sobre un barranco natural, con una calzada arbolada. Alberga unas 500 accesiones de plantas.
Datos
* El centro tiene 164, 648 pies cuadrados de vidrio exterior.
* Tiene 339 millas de cables eléctricos.
* 40,000 paneles de aluminio esmaltados.
* Los exteriores están embellecidos con 16,000 toneladas de mármol travertino.
* El travertino utilizado cubre 1,000,000 de pies cuadrados.
* El travertino fue extraído de Bagni di Tivoli, Italia, es decir el mismo travertino con el que construyó el [[Coliseo]], la [[Fontana de Trevi]] y la columnata de la [[Basílica de San Pedro]].
* Se necesitaron 100 viajes a través del [[Océano Atlántico]] para trasladar el travertino de [[Europa]] a [[América]].
* Cada bloque de travertino pesa 280 libras.
==El estacionamiento==
Los visitantes llegan en su gran mayoría en automóviles, pero también lo hacen en autobuses, que se alojan en un estacionamiento subterráneo de 7 pisos, el cual cuenta con un sistema de aire acondicionado que garantiza a los visitantes calidad de aire, también se dispone de cuatro elevadores cada uno con capacidad de 30 personas que viajan a gran velocidad y no producen ningún ruido.
==El tranvía (Tram)==
Desde el punto en que los elevadores dejan a los visitantes, estos ingresan a una sala de espera del tranvía que los traslada en viajes de aproximadamente 90 pasajeros hasta la Arrival Square; cada tranvía tiene tres vagones, la operación es eléctrica y no existe fricción entre los vagones y el suelo pues entre ambos se forma un cojín de aire. La Arrival Square se encuentra a 881 pies sobre el nivel del mar.
==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_J._Paul_Getty
*https://es.wikipedia.org/wiki/Getty_Center
*http://www.elvigia.net/general/2015/5/24/museo-paul-getty-198608.html
*https://www.klm.com/destinations/es/es/article/the-getty-center-the-museum-as-a-work-of-art
*http://www.fundaciongoyaenaragon.es/goya/goya-en-el-mundo/goya-en-el-mundo/goya-en-america/los-angeles-the-j-paul-getty-museum/
*http://www.viajeros.com/destinos/los-angeles/3-que-hacer/museo-j-paul-getty-los-angeles
*https://moovitapp.com/index/es-419/transporte_p%C3%BAblico-J__Paul_Getty_Museum-Los_Angeles_CA-efsite_427ff980f964a520c7211fe3-302

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The National Gallery

2018-07-05T20:02:57Z

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{{Ficha de museo
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| tipo = Museo de arte
| colecciones = Pintura europea del siglo XIII hasta los años 1900
| obras = 2300

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| director = Gabriel Finaldi
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La Galería Nacional es el principal museo de arte de [[Londres]], situado en el límite norte de la plaza [[Trafalgar Square]] perteneciente al municipio de [[Westminster]], en el centro del Gran [[Londres]]. Inaugurada en 1824, tiene una colección de más de 2300 pinturas, mayormente europeas, de un amplio periodo histórico entre 1250 y 1900. Por su contenido es una pinacoteca y no un museo generalista, pues no exhibe esculturas ni otras artes, las cuales se muestran en otros importantes museos de la capital. Las esculturas y artes decorativas están en el Victoria and Albert Museum; el Museo Británico alberga arqueología y dibujos, principalmente; y el arte posterior a 1900 se exhibe en Tate Modern. Algunas pinturas de autores británicos se exhiben en la Galería Nacional, pero la Colección Nacional de Arte Británico se concentra principalmente en el museo Tate Britain, específicamente dedicado al arte del país.
La Galería Nacional es una exempt charity (entidad sin ánimo de lucro) y un departamento público del Departamento de Cultura, Media y Deporte. Su colección pertenece al pueblo inglés y el acceso es gratuito, si bien para algunas exposiciones temporales sí se requiere el pago de una entrada. La Galería Nacional se considera como uno de los museos de arte más visitados del mundo después del [[Museo del Louvre]] de [[París]], el [[British Museum]] en [[Londres]], y el [[Metropolitan Museum of Art]] de [[Nueva York]].
A diferencia de museos comparables en el continente europeo, como el [[Louvre]] parisino o el Prado de [[Madrid]], la Galería Nacional no se formó nacionalizando una colección real de arte. La colección de los monarcas ingleses subsiste a día de hoy como ente independiente (Royal Collection). La Galería Nacional se creó con una finalidad didáctica, para hacer accesible el arte a todas las clases sociales, y dio sus primeros pasos en 1824 cuando el gobierno británico compró 38 pinturas de los herederos de John Julius Angerstein, un corredor de seguros y patrono de las artes. Después de esta compra fundacional, la galería se enriqueció principalmente con adquisiciones efectuadas por sus primeros directores (destaca [[Sir Charles Lock Eastlake]]) y por donaciones privadas, las cuales incluyen alrededor de dos tercios de la colección. El repertorio actual es pequeño en cifras comparado con muchos museos nacionales europeos, pero es enciclopédico en alcance; muchos de los mayores logros de la pintura occidental "desde Giotto hasta Cézanne" se hallan representados con importantes ejemplos. Se solía decir que este museo era uno de los pocos con rango nacional que tiene expuestas todas sus obras, dada su alta calidad pero actualmente no ocurre así: el museo sí posee obras almacenadas, debido al constante crecimiento numérico de la colección y a una exhibición de los cuadros más holgada.
El actual edificio de la Galería Nacional, fue diseñado por [[William Wilkins]] entre 1832 y 1838. Solo la fachada en [[Trafalgar Square]] permanece esencialmente sin cambios desde su origen, pues el edificio se ha ido expandiendo por sus fachadas a lo largo de la historia. El edificio primitivo de Wilkins fue muchas veces criticado por su diseño impersonal y por su falta de espacio; el segundo problema se alivió con el establecimiento de la Tate Gallery para el arte británico en 1897. Con todo, el museo siguió requiriendo más espacio y a finales del siglo XX sumó el ala Sainsbury, una extensión en el lado oeste del museo diseñada por [[Robert Venturi]] y [[Denise Scott Brown]] que es un notable ejemplo de la arquitectura Posmodernista en [[Inglaterra]].
==Historia==
===La demanda de la Galería Nacional===
El final del siglo XVIII vio la nacionalización de las colecciones reales de media [[Europa]]. La colección real de Bavaria fue abierta al público en 1779 (es la actual Alte Pinakothek de [[Múnich]]); la de los Médicis en [[Florencia]] en 1789 (Galería de los Uffizi); y el museo francés del [[Louvre]] fue inaugurado con la colección real francesa en 1793. En [[España]], el [[Museo del Prado]] abrió sus puertas en 1819. Por el contrario, [[Gran Bretaña]] no secundó el modelo continental y la colección real británica permanece en posesión de los soberanos hoy en día. Sin embargo, la alarma social ante la dispersión de importantes colecciones privadas (que en su mayor parte salieron del país) y el deseo de instruir al público general hicieron patente la necesidad de crear un gran museo gratuito y de perfil didáctico, con ejemplos representativos de los estilos entonces más valorados.
En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de categoría internacional, que los descendientes del político [[Sir Robert Walpole]] pusieron en venta. El parlamentario John Wilkes propuso ante el gobierno la compra de este "incalculable tesoro" y sugirió que fuera alojado en "una galería noble... que debía ser construida en un jardín espacioso del Museo Británico" No se tomó ninguna medida pese a la apelación de Wilkes, y veinte años después la colección Walpole fue comprada en su totalidad por [[Catalina la Grande]]; ahora se conserva en el [[Hermitage]] de [[San Petersburgo]].
Un plan para adquirir 150 pinturas de la Colección Orleans de [[París]] (la cual fue traída a [[Londres]] para venderse en 1798) fracasó, a pesar del interés del Rey y el primer ministro, William Pitt el Joven. La Galería Nacional exhibe actualmente veinticinco pinturas procedentes de esta colección, incluyendo la primera de su inventario ("NG1"; La resurrección de Lázaro, de Sebastiano del Piombo), pero llegaron años después y por cauces diversos. En 1799 el comerciante Noel Desenfans ofreció una colección completa al gobierno británico; él y su socio Sir Francis Bourgeois la habían reunido por encargo del rey de [[Polonia]], pero no pudo culminar la venta pues Polonia fue disuelta como país tras abolirse su independencia en 1795. Esta colección fue ofrecida en donación a las autoridades británicas, que la rechazaron, y Bourgeois la legó en su testamento a su antigua escuela, Dulwich College, junto con 2.000 libras (cantidad entonces considerable) para la construcción de una sede. La colección se abrió en 1817 como la primera pinacoteca pública de Inglaterra: la Dulwich Picture Gallery. También el comerciante escocés William Buchanan y otro coleccionista, Joseph Count Truchsess, formaron colecciones de arte como base para una futura colección nacional, pero sus ofertas respectivas (hechas el mismo año, 1803) fueron rechazadas.
Tras la venta de la colección Walpole, artistas como James Barry y John Flaxman reclamaron el establecimiento de una Galería Nacional. Argumentaron que una escuela británica de grandes pintores solo podía florecer si los artistas jóvenes conocían el canon europeo de pintura, los grandes estilos del pasado. El Instituto Británico , fue fundado en 1805 por un grupo de aficionados británicos, trató de corregir esta situación: algunos socios prestaron obras para exhibiciones que cambiaban cada año, y una escuela de arte se celebraba en los meses de verano. Sin embargo, como las pinturas prestadas eran muchas veces mediocres, algunos artistas criticaron la institución y la vieron como una manera oportunista de que la nobleza expusiera sus viejos cuadros para subir el valor de estos. Uno de los miembros fundadores de la institución, Sir George Beaumont, Bt, jugaría más tarde un rol clave en la fundación de la Galería Nacional, ofreciendo como regalo 16 pinturas.
En 1823 otra gran colección de arte salió al mercado: la del recientemente fallecido John Julius Angerstein. Angerstein era un banquero nacido en [[Rusia]] residente en Londres; su colección constaba de 38 pinturas, incluyendo obras de Rafael y la serie de cuadros Casamiento a la moda de Hogarth. El 1 de julio de 1823 George Agar Ellis, un político liberal, propuso a la Cámara de los Comunes (House of Commons) que comprara la colección. La idea fue respaldada por la oferta de donación de los 16 cuadros de Beaumont, la cual marcaba dos condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que ambas se expusieran en un edificio adecuado. El inesperado cobro de una deuda pagada por Austria dotó al gobierno de dinero para comprar finalmente la colección por 57,000 libras.
===Fundación e inicios===
La Galería Nacional se abrió al público el 10 de mayo de 1824, tomando como sede la antigua casa de Angerstein en el número 100 de la calle Pall Mall. A las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 las donadas de la colección Beaumont, y en 1831 se sumó el legado de 35 pinturas del reverendo William Holwell Carr. Inicialmente el experto encargado de la conservación de las pinturas, William Seguier, llevó él solo toda la tarea de gestionar el museo, pero en julio de 1824 parte de su responsabilidad recayó en el recién creado Board of Trustees (grupo de fideicomisarios o patronato).
La Galería Nacional en Pall Mall estaba frecuentemente abarrotada de público, las salas eran calurosas y su diminuto tamaño en comparación con el Louvre de París era una causa de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, ahora un patrono de la galería, valoraba el recinto por estar "en la misma arteria de Londres", en un lugar muy céntrico; esto era visto como necesario para la Galería para cumplir su propósito social. Un derrumbamiento en el edificio causó que la Galería se mudara brevemente al número 105 de Pall Mall, un lugar que el novelista Anthony Trollope describe como "lúgubre, sin brillo, angosto, mal adaptado para la exhibición de los tesoros que poseía". Posteriormente este bloque fue demolido para abrir un camino a la Terraza Carlton House.
En 1832 empezó la construcción del actual edificio (diseñado por William Wilkins) en el sitio de las antiguas Caballerizas Reales en Charing Cross, en un área que había sido transformada en la década de 1820 en Trafalgar Square. La ubicación era estratégica, entre la zona adinerada de West End y las parcelas más pobres al este. En la década de 1850 se debatió la oportunidad de mudar el museo a South Kensington, pero tal propuesta no prosperó. En Trafalgar Square la colección podía ser visitada por personas de todas las clases sociales en un lugar muy transitado, lo que restó importancia a otras cuestiones, como la contaminación del centro de Londres o los defectos del edificio de Wilkins. De acuerdo con la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia (o acumulación) de los cuadros no es el propósito final de la colección, sino solo el medio para dar a las personas un disfrute ennoblecedor".
De 1837 hasta 1868 la Academia Real estaba albergada en el ala este del edificio.
===Crecimiento bajo Eastlake y sus sucesores===
En esa época las pinturas de los siglos XV y XVI acaparaban el interés de la National Gallery, y durante los primeros 30 años del museo las adquisiciones hechas por el patronato (Board of Trustees) fueron principalmente obras del alto renacimiento, un criterio que descartaba las pinturas de otras épocas y estilos. Este gusto conservador causó que se desaprovechasen varias oportunidades de compra, y la gestión de la galería cayó después en completo desorden, con ninguna adquisición entre 1847 y 1850. Un informe crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 reclamó el nombramiento de un director, con autoridad superior a la de los patronos. Muchos creyeron que el cargo de director se daría al historiador de arte Gustav Friedrich Waagen, a quien la Galería consultaba sobre cuestiones técnicas como la luz y la presentación de la colección. Sin embargo, el hombre preferido por la reina Victoria, su marido el príncipe Alberto y el primer ministro, Lord Russell, era el conservador de las pinturas del museo: Sir Charles Lock Eastlake, quien era presidente de la Royal Academy, había jugado un rol esencial en la fundación de la Arundel Society y conocía a la mayoría de los expertos en arte de Londres.
El nuevo director admiraba a los pintores primitivos del norte de Italia, de la época medieval, un tipo de arte que había sido ignorado por la Galería pero empezaba a ganar estimación lentamente gracias al interés de los entendidos. Eastlake hizo tours anuales por el continente y por Italia particularmente, buscando pinturas apropiadas para la Galería. Así, compró 148 obras en el extranjero y 46 en Inglaterra, de las cuales muchas eran trabajos esenciales como una de las tres tablas de la Batalla de San Romano de Paolo Uccello. Eastlake también reunió para sí mismo una colección distinta durante su período como director, que consistía en pinturas que sabía que no interesaban a los patronos del museo. Su última meta, sin embargo, era que estas entraran a la National Gallery; ello fue hecho realidad tras su muerte por su viuda Lady Eastlake y su amigo y sucesor en el museo, William Boxall.
La falta de espacio en la National Gallery siguió siendo un grave problema en este periodo. En 1845, un extenso legado de pinturas británicas fue efectuado por Robert Vernon; la cual no había suficiente espacio en el edificio de Wilkins así que fueron expuestas primero en la casa del propio Vernon en el número 50 de Pall Mall y después en la Marlborough House. La Galería entró en un estado aún más apurado por su siguiente gran donación: el pintor J. M. W. Turner iba a legar el contenido entero de su estudio, exceptuando algunas obras sin terminar, a la nación después de su muerte, acaecida en 1851. Las primeras 20 de estas fueron expuestas en Marlborough House en 1856. El testamento de Turner estipuló que dos de sus pinturas debían ser expuestas a lado de las de su admirado Claudio de Lorena una condición que aún se cumple en la sala 15 de la Galería. Pero el legado Turner no ha sido expuesto adecuadamente en su totalidad; hoy sus obras están divididas entre Trafalgar Square y la Clore Gallery, una pequeña extensión construida a la Tate Gallery completada en 1985.
El tercer director del museo, Sir Frederick William Burton, abrió en el repertorio la sección del arte del siglo XVIII y obtuvo varias compras sobresalientes de las colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim, la Madona de los Ansidei de Rafael y el retrato de Van Dyck Carlos I a caballo, con un pago récord de 87,500 libras, llevó a la Galería al final de su "época oro de adquisiciones", pues el presupuesto anual de compras fue suspendido para varios años. Cuando la Galería compró Los embajadores de Holbein al 5º Earl of Radnor en 1890, lo hizo con la ayuda de donativos particulares por primera vez en su historia. En 1897 la formación de la Galería Nacional del Arte Británico, conocida informalmente desde el inicio en su historia como la Galería Tate, permitió que algunas obras británicas se cambiasen de museo, siguiendo el precedente impuesto por la colección de Vernon y el legado de Turner. Obras de artistas nacidos después de 1790 fueron llevadas a la nueva galería ubicada en Millbank, lo que permitió que pintores anteriores como Hogarth, Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.

==Directores de la Galería Nacional==
* [[Sir Charles Lock Eastlake]] 1855–1865
* [[Sir William Boxall]] 1866–1874
* [[Sir Frederic William Burton]] 1874–1894
* [[Sir Edward Poynter]] 1894–1904
* [[Sir Charles Holroyd]] 1906–1916
* [[Sir Charles Holmes]] 1916–1928
* [[Sir Augustus Daniel]] 1929–1933
* [[Sir Kenneth Clark]] 1934–1945
* [[Sir Philip Hendy]] 1946–1967
* [[Sir Martin Davies]] 1968–1973
* [[Sir Michael Levey]] 1973–1986
* [[Neil MacGregor]] 1987–2002
* [[Charles Saumarez Smith]] 2002–2007
* [[Sir Nicholas Penny]] 2008–2015
* [[Gabriele Finaldi]] 2015–
==Principios del siglo XX==
La crisis agrícola que a principios del siglo XX afectó al Reino Unido causó que muchas familias aristócratas, terratenientes, viesen menguar sus ingresos y tuvieran que vender sus pinturas; pero los museos nacionales británicos no podían pagar los altos precios del mercado del arte, elevados por la demanda de los coleccionistas norteamericanos. Esto provocó la creación de la Fundación Nacional de Colecciones de Arte, una sociedad de donantes dedicada a detener el flujo de obras de arte fuera del país. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue [[La Venus del espejo]] (Rokeby Venus) de Velázquez en 1906, seguida del Retrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis que sufrieron las fortunas aristocráticas, la siguiente década quedó marcada por varios legados importantes de coleccionistas privados. En 1909 el industrial Ludwig Mond dio a la National Gallery 42 pinturas italianas renacentistas, incluyendo la Crucifixión Mond de Rafael. Otros legados importantes fueron los de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917; este último fue uno de los legados más controvertidos de la Galería porque incluía pinturas impresionistas, todavía entonces poco estimadas.
Un dramático incidente de protesta política sucedió en la Galería Nacional el 10 de marzo de 1914: la Venus del espejo de Velázquez fue acuchillada por Mary Richardson, una sufragista que con esta acción quiso protestar por el arresto de la activista feminista Emmeline Pankhurst el día anterior. Días después otra sufragista atacó cinco cuadros de Giovanni Bellini, causando que el museo cerrara hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial, cuando la asociación Women's Social and Political Union llamó a que cesasen los actos violentos como modo de llamar la atención por sus causas.
La recepción del arte impresionista en la Galería tuvo un inicio excepcionalmente tormentoso. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluyendo Los paraguas (1883) de Renoir, que se entregarían a la Galería Nacional tras su muerte, a menos que un edificio adecuado se construyese en [[Dublín]]. Aunque ansiosamente aceptados por el director Charles Holroyd, los cuadros fueron recibidos con extrema hostilidad por los miembros del patronato; Lord Redesdale escribió: "Yo espero escuchar antes una misa mormona en la Catedral de San Pablo, que ver la exhibición de las obras de los rebeldes del arte moderno francés en los recintos sagrados de Trafalgar Square". Tal vez como resultado de tales actitudes, Lane modificó su testamento con un codicilo de que las obras solo debían ir a Irlanda, pero crucialmente esto nunca se contempló. Lane murió a bordo del barco RMS Lusitania en 1915, y el destino de sus cuadros generó una disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección está ahora en permanente préstamo en la Hugh Lane Municipal Gallery de [[Dublín]] y otras obras rotan entre [[Londres]] y [[Dublín]] cada pocos años.
Hubo una colecta para la compra de pinturas modernistas establecida por Samuel Courtauld en 1923 compró Un baño en Asnieres de Seurat y otras notables obras modernas para la nación; en 1934 estas se transfirieron de la Galería Nacional a la Tate.
==Segunda Guerra Mundial==
Poco tiempo antes del inicio de la [[Segunda Guerra Mundial]], las pinturas fueron evacuadas a varias ubicaciones en [[Gales]], incluyendo Penrhyn Castle y los colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth. En 1940, mientras la Batalla de Francia bramaba, se buscó un almacén más seguro y hubo discusiones sobre trasladar las pinturas a [[Canadá]]. Esta idea fue firmemente negada por Winston Churchill, quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark, “entiérrelas en cuevas o sótanos, pero ninguna pintura debe dejar estas islas”. Una cantera de pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog en el Norte de [[Gales]], fue requisada para el uso de la Galería. Durante la reclusión de las pinturas en su nueva ubicación, el encargado (y futuro director) Martin Davies empezó a elaborar catálogos científicos sobre la colección, consultando la biblioteca del museo que también estaba guardada allí. La mudanza a Manod causó alteraciones a algunas obras, lo cual confirmó la importancia de conservarlas con una temperatura y humedad constante; algo que los expertos de la Galería habían supuesto pero no habían podido probar. Esto eventualmente resultó en la apertura de la primera galería equipada con aire acondicionado en 1949.
Durante el transcurso de la guerra, Myra Hess y otros músicos como Moura Lympany, dieron recitales en el museo vacío, para levantar la moral mientras que todas las salas de concierto de Londres estaban cerradas. Varias exhibiciones de arte fueron puestas en la Galería como complemento de los recitales. La primera fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizada por Lillian Browse, quien también montó la más grande retrospectiva conjunta Exhibición de Pinturas por Sir William Nicholson y Jack B. Yeats colocada desde el primero de enero – 15 de marzo de 1942, la cual fue vista por 10,518 visitantes. Exhibiciones de obras de artistas de guerra, incluyendo a Paul Nash, Henry Moore y Stanley Spencer, fueron también colgadas; el Comité del Consejo de Artistas de Guerra colaboró con el director del museo Kenneth Clark para "mantener los artistas en activo, trabajando con cualquier pretexto". En 1941 la solicitud de un artista para ver el Retrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) dio origen a la iniciativa "Pintura del Mes", donde una sola obra era traída de la cantera de Manod y exhibida al público en la Galería Nacional. El crítico de arte Herbert Read, escribió este año: "La Galería Nacional es un puesto desafiante de la cultura en la mitad de una metrópolis bombardeada y en ruinas".Terminada la guerra, las pinturas regresaron a su sede de Trafalgar Square en 1945.
==Desarrollo desde 1950==
En los años posteriores a la guerra, las adquisiciones se convirtieron increíblemente difíciles para la Galería Nacional debido a que los precios por las pinturas antiguas –y aún más por las impresionistas y posmodernistas – habían subido más allá del presupuesto del museo. Dos de las compras más significativas de la Galería en este período habrían sido imposibles sin la contribución económica de los ciudadanos: el gran Cartón de Burlington House (La Virgen y el Niño con santa Ana y san Juan Bautista) de Leonardo da Vinci, comprado en 1962 por 800.000 libras, en parte gracias a las donaciones del público que acudió a verlo (250.000 personas); y el cuadro de Tiziano La muerte de Acteón (en 1972). Las compras de la Galería garantizadas por el gobierno fueron congeladas en 1985, pero después ese año el museo recibió una dotación de 50 millones de libras del magnate Sir Paul Getty, lo que permitió grandes compras. En abril de 1985 Lord Sainsbury of Preston Candover y sus hermanos, el Hon. Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury, hicieron una donación que pudo permitir la construcción del ala Sainsbury.
El nombramiento como director de Neil MacGregor dio pie a una gran reordenación de las pinturas en el museo, que se separó un tanto de la rígida clasificación por escuelas nacionales que había sido introducida por Eastlake. Una nueva colocación cronológica buscaba enfatizar la interacción entre culturas en lugar de características fijas nacionales, plasmando el cambio vivido desde el siglo XIX en la manera de valorar los diferentes estilos. Sin embargo, en un guiño al pasado, la estética victoriana del edificio fue rehabilitada: los interiores coloristas y ornamentados ya no eran considerados un estorbo y fueron recuperados. Además, en 1999 la National Gallery aceptó un legado de 26 pinturas italianas barrocas de Sir Denis Mahon. A principios del siglo XX muchos habían considerado que el estilo barroco debía permanecer fuera de los límites del museo: en 1945 los patronos declinaron comprar un cuadro de Guercino de la colección Mahon por 200 libras. La misma pintura fue valorada en 4 millones en 2003. El legado de Mahon se hizo efectivo con la condición de que la Galería jamás quitaría ninguna de las pinturas o cobraría entrada.
Desde 1989, la galería tiene un programa en el que da un taller a artistas contemporáneos para crear un trabajo basado en la colección permanente. Usualmente el puesto de artista asociado dura dos años, y al concluirlo cada artista exhibe en el museo el resultado de su colaboración.
Las respectivas competencias de la National Galllery y de la Tate, las cuales habían sido cuestionadas por las dos instituciones, fueron más claramente definidas en 1996. El año 1900 fue establecido como el punto final de las pinturas en la National Gallery, de modo que en 1997 más de 60 pinturas de la colección datadas después de 1900 fueron entregadas a la Tate en un préstamo de largo tiempo, a cambio de obras un poco más antiguas de Gauguin y otros artistas. Sin embargo, la futura expansión de la Galería Nacional podría suponer el regreso de las pinturas del siglo XX a sus paredes.
En el siglo XXI, se han activado tres grandes campañas de recaudación en la Galería Nacional: en 2004, para comprar por 22 millones de libras la Virgen de los claveles de Rafael, procedente del Castillo de Alnwick; en 2008, por Diana y Acteón de Tiziano; y en 2012 por su pareja, Diana y Calisto igualmente pintada por el maestro veneciano. Ambas obras de Tiziano fueron compradas a dúo por la National Gallery y la Galería Nacional de [[Escocia]] por 95 millones de libras. Estas dos obras maestras fueron vendidas por la famosa colección del Duque de Sutherland. Como todos los museos europeos, la Galería Nacional se ha quedado fuera del mercado de pinturas antiguas de primera calidad, demasiado caro, y solo puede obtener esas adquisiciones con donaciones del público y de empresas; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración ante esta situación en 2007.
En 2014, la Galería Nacional fue el tema de un documental por Frederick Wiseman. La película muestra la administración de la galería y los trabajadores, el laboratorio de conservación, tours docentes y cómo se montaban las exhibiciones de [[Leonardo Da Vinci]], J. M. W. Turner y Tiziano en 2011–2012.
== Artistas asociados==
* [[Paula Rego]] 1989–1990
* [[Ken Kiff]] 1991–1993
* [[Peter Blake]] 1994–1996
* [[Ana Maria Pacheco]] 1997–1999
* [[Ron Mueck]] 2000–2002
* [[John Virtue]] 2003–2005
* [[Alison Watt]] 2006–2008
* [[Michael Landy]] 2009–2013
==Arquitectura==
===Edificio de William Wilkins===
La primera sugerencia de la Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash, quien proyectó esto en el sitio de King's Mews, mientras un edificio parecido al Parthenon para la Real Academia ocupaba el centro de la plaza. La recesión económica previno que esta idea se construyera pero una competencia por el sitio de Mews tenía lugar en 1831, donde Nash publicó un diseño con C. R. Cockerell como su co-arquitecto. La popularidad de Nash era grande en esa época, sin embargo, la comisión fue dada a William Wilkins, quien se involucró en la selección del sitio y subío algunos dibujos en el último momento. Wilkins esperaba construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a través de un histórico ejemplo", pero la comisión fue opacada por el parsimonio y compromiso resultando una construcción destinada al fracaso en todas sus áreas.
El sitio solo permitía por una construcción que fuera una profunda sala, y un taller y un cuartel fueron puestos detrás. Para exacerbar los asuntos, existía un derecho público a través del sitio de estos edificios, lo cual permitía acceso por pórticos en el lado este y oeste de la fachada. Esto tuvo que incorporar columnas de la demolida Casa Carlton y el resultado corto en la elevación que fue excesivamente baja, y un lejano intento del punto focal que se deseaba al final del lado norte. También reciclados eran las esculturas de la fachada, originalmente para el arco de mármol de Nasch pero abandonado debido a sus problemas financieros. La mitad del este del edificio albergaba la Academia Real hasta 1868, la cual disminuyó el espacio otorgado a la Galería.
El edificio era objeto del ridículo público antes de que fuera completo, así como una versión del diseño que había sido publicado por la Gaceta Literaria en 1833. Dos años antes de su completación, su infama elevación en olla apareció en la pieza frontal de Contrasts (1836), un tratado influencial por A. W. N. Pugin, como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico. Hasta William IV (en su última expresión grabada) pensó que el edificio era un "hoyo horrible",mientras William Makepeace Thackeray lo llamaba "una pequeña tienda de ginebra de un edificio". El historiador arquitectónico del siglo XX, Sir John Summerson, hizo incapie en estas críticas tempranas cuando comparó el arreglo de la cúpula y dos diminutivas torretas en la línea de techo a "el reloj y vasos de un mantel, solo menos útiles". El paisajismo de Trafalgar Square de 1840 de Sir Charles Barry, incluía una terraza al norte para que el edificio pareciera levantarse, respondiendo a uno de los puntos de queja. Opiniones en el edificio han cambiado considerablemente por 1984, cuando el Príncipe de Wales llamando la fachada de Wilkins una "amada y elegante amiga", en contraste a la expuesta extensión
===Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor)===
La primera alteración significante hecha al edificio fue una gran galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860–1. Decorada ornamentalmente en comparación con las salas de Wilkins, no obstante rompió las condiciones de hacinamiento dentro del edificio ya que fue construida sobre el pasillo de la entrada original. No sorprendentemente, muchos intentos fueron hecho para remodelar completamente la Galería Nacional (como sugerida por Sir Charles Barry en 1853) o para moverla a espacios más capacidad en Kensington, donde el aire era también más limpio. En 1867 el hijo de Barry Edward Middleton Barry propuso reemplazar el edificio de Wilkins con un edificio masivo clásico con cuatro cúpulas. El tema era un fracaso y críticas contemporáneas denunciaban el exterior "como un fuerte plagio a la Catedral de San Pablo".
Con la demolición del taller, sin embargo, Barry fue capaz de construir la primera secuencia de la Galería de grandes espacios arquitectónicos de 1872 a 1876. Construida como un policromo neo renasentista, las salas de Barry estaban ordenadas en un plano de cruz griegarodeando un octágono central. Aunque compensaba la arquitectura del edifcio de Wilkin, la nueva ala de Barry no era del agrado de los trabajadores de la Galería, quienes consideraban que su monumental aspecto estaba en conflicto con la función del espacio de exhibición. También, el programa decorativo de las salas no tomaba los contenidos de la galería; por ejemplo, el techo de la galería italiana del siglo XV y XVI, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX. Aunque tenía esas fallas, las salas de Barry proveían una Galería con una fuerte planta baja. Esto fue toomado para las adiciones subsecuentes a la galería, resultando en la creación de un edificio con clara simetría.
La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase del edificio, un tema de Sir John Taylor extendió las salas norte de la entrada principal. El vestíbulo con cúpula de vidrio tenía pintadas decoraciones en el techo por la firma de la familia Crace quienes habían trabajado en las salas de Barry. Un fresco destinado a una pared sur nunca fue realizada y el espacio es ahora tomado por la pintura de Frederic, Lord Leighton: Cimabue's Celebrated Madonna carried in Procession through the Streets of Florence (1853–55), prestada por la Real Colección en los 1990s.
===Siglo XX: modernización versus restauración===
Adiciones posteriores al oeste llegaron más rectas pero mantenían coherencia con el edificio, poniendo con simetría el plano de Barry al este. El uso de mármol negro para los marcos de las puertas, continuaron, dando a las extensiones un grado de consistencia con las salas antiguas. El estilo clásico fue usado en la galería Nacional en 1929, cuando el estilo Beaux-Arts era construido, fundado por el comerciante de arte y encargado Lord Duveen. Sin embargo, no había sido antes de la llegada del siglo XX que empezaron reacciones hacia la acitud de Vicoria, manifestándose en la Galería. Desde 1928 a 1952, el piso de la entrada estaban pegados con una nueva serie de mosaicos por Boris Anrep, quien era amigo del grupo Bloomsbury. Estos mosaicos pueden leerse como una sátira del siglo XIX por la decoración de los edificios públicos, como dicho por el memorial de Alberti Frieze of Parnassus. El mosaico central muestra El despetar de Los Museos incluyendo retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo, subvirtiendo el tono de la alta moral por los victorianos antepasados, En lugar de las siete virtudes del cristianismo, Anrep ofreció su propio set de virtudes Modernas, incluyendo "Humor" y "Mente Abierta"; las figuras alegóricas son retratadas en sus contemporarios, incluyendo a Winston Churchill, Bertrand Russell y T. S. Eliot.
En el siglo XX los interiores de la Galería victoriana cayeron fuera de la moda. Las decoraciones del techo en el pasillo de la entrada no eran del gusto del director Charles Holmes, y fue obliterado por pintura blanca. Las galerías del Norte, que abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arcquitectura modernista en la Galería Nacional. En las habitaciones más viejas, los detalles clásicos principales fueron enfrentados por particiones y techos suspendidos, teniendo como objetivo crear arreglos neutrales que no distrajeran la vista de las pinturas. Pero el compromiso de la Galería con el modernismo vivió poco; el estilo victoriano de 1980 ya no era considerado anathema y el programa de restauración empezó a almacenar los interiores del siglo XIX y XX la apariencia original. esto empezó con reamoblar las salas Barry en 1985–6. De 1996 a 1999 las Galerías del Norte, consideradas en ese momento carecedoras de características arquitectónicas, fueron remodeladas en estilo clásico, un estilo más simplificado.
===Ala Sainsbury y adiciones posteriores===
La más importante adición al edificio en años recientes fue el ala de Sainsbury, diseñada por el postmodernista arquitecto Robert Venturi y Denise Scott Brown que albergaba la colección de arte renacentista construida en 1991. El edificio ocupa el sitio "Hampton" está al oeste del edificio, donde una tienda departamental del mismo nombre estaba hasta su destrucción por el Blitz. a galería buscó expansión en espacio y en 1982 una competencia tomó lugar para encontrar el arquitecto adecuado; la lista incluía propuestas radicales de alta tecnología de Richard Rogers, entre otras. El diseño que ganó fue el más votado, de la firma Ahrends, Burton and Koralek, quienes modificaron propuesta para incluir una torre, similar a la propuesta de Roger. La propuesta se dejó después de que el Príncipe de Wales comparara el diseño con un "monstruoso grano en la cara de un querido y elegante amigo",El término "grano monstruoso", para un edificio moderno que llega a un entorno , se ha convertido en común.
Una de las condiciones de la competencia de 1982 era que la nueva ala tuviera incluida oficinas comerciales al igual que espacio público de galería. Sin embargo, en 1985 se hizo posible dedicar la ampliación completamente a los usos de la Galería, debido a una donación de casi £50 millones de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury. Una competencia cerrada tomó lugar y los temas producidos fueron más restringidos que la competencia pasada.
En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías en el ala Sainsbury Wing están emparejadas y son íntimas, para contrastar con la pequeña escala de muchas pinturas. Las principales inspiraciones para estas salas eran las galerías de Sir John Soane para la Dulwich Picture Gallery y el interior de la iglesia de Filippo Brunelleschi (el revestimiento de piedra está en pietra serena, la piedra gris local de Florencia). Las galerías norte alineadas con el eje central de Barry, para que existiera una sola vista en el interior de la Galería. Este eje es exagerado por el uso de la perspectiva falsa, ya que las columnas flanqueando el espacio se abrían gradualmente en tamaño hasta que el visitante alcanzaba el punto focal (en 2009), una pieza de Cima deThe Incredulity of St Thomas. El acercamiento posmodernista de Venturi a la arquitectura está completamente evidenciado en el ala Sainsbury Wing, con las características de estilo de edificios como en el club de casas en Pall Mall, la Scala Regia en el Palacio Apostólico de la [[Ciudad del Vaticano]], las casas victorianas y los templos Antiguos de [[Egipto]].
Siguiendo la peatonalización de Trafalgar Square, la Galería se encuentra comprometida con un plan para convertir las oficinas desocupadas en la planta baja en espacio público. Este plan también llenaría el desuso de los jardines y haría uso de la tierra adquirida de la adjunta Galería Nacional de Portarretratos en St Martin's Place, que dio a la Galería Nacional en intercambio por la tierra de su 2000 extensión. La primera fase, el proyecto del ala este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones, abierto al público en 2004. Esto propició un nuevo nivel de entrada en Trafalgar Square, llamado en honor a Sir Paul Getty. La entrada principal también fue reamueblada y abrió en septiembre de 2005. Los posibles futuros proyectos incluían un "Proyecto del Ala Oeste" relativamente simétrico con el Proyecto del Ala Este, el cual permitiría una futura entrada en planta baja y abrir espacio público en algunas de las pequeñas salas y el lejano final este del edificio. Esto podría incluir una nueva escalera pública en el final de la fachada este. Aún no se han anunciado fechas para los proyectos adicionales.
==Controversias==
Una de las críticas más persistentes de la Galería Nacional, aparte de aquellos que la criticaban por su mal funcionamiento arquitectónico, es el de su política de conservación. Los detractores de la Galería la acusaron de tener un acercamiento erróneo a la restauración. La primera operación de limpieza en la Galería Nacional empezó en 1844 después de que Eastlake fuera cuidador, y fue el tema de ataques de la prensa después de que tres pinturas recibieran el tratamiento – una de Rubens, un Cuyp y un Velázquez – fueron revelados al público en 1846. La más virulenta crítica a la Galería fue la de Twas J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Times bajo el pseudónimo "Verax" saboteando la limpieza de la institución. Mientras un comité parlamentario de 1853 tomó lugar para investigar a la Galería de actividades erróneas.
El más grande reclamo en contra de las técnicas radicales conservadoras en la Galería Nacional fue hace 66 años en los inmediatos años posguerra, siguiendo una campaña de restauración por el Jefe de Restauración Helmut Ruhemann mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando las imágenes limpiadas fueron exhibidas al público en 1946 siguieron un furor con circunstancias parecidas a las del siglo pasado. La crítica principal fue la exhaustiva disipación del barniz, que fue usado en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturas que se oscurecieron y decoloraron en el momento, lo cual resultó en la pérdida de la armonía de las pinturas, agregada por los artistas. La oposición a las técnicas de Ruhemann empezaron por Ernst Gombrich, un profesor en el Instituto de Warburg quien después en correspondenciacon un restaurador describió el tratamiento como ofensivo arrogante.
Una comisión de 1947 concluyó que ningún daño había sido hecho en los recientes tratamientos de limpieza.
La Galería Nacional también ha sido criticada por las pinturas atribuidas erróneamente. La decisión de Kenneth Clark en 1939 de renombrar un grupo de pinturas por artistas anónimos de la escuela de Veneciana así como obras de Giorgione (un artista con poca multitud debido a la rareza de sus pinturas) lo hicieron poco popular entre sus trabajadores. Recientemente, la atribución de una pintura del siglo XVII de Samson and Delilah (comprada en 1980) a Rubens fue contestada por un grupo de historiadores de arte, que creían que la Galería Nacional no había admitido el error de evitar pena a los involucrados en la compra, los cuales aún trabajan en la galería.
En febrero de 2014, Men of the Docks, por el artista estadounidense George Bellows, fue comprado por la Galería Nacional por $25.5 millones (£15.6 millones). Fue la primera pintura mayor Americana comprada por la Galería. El director Nicholas Penny dio a la pintura una nueva dirección para la galería – una pintura no Europea en estilo europeo. Su venta fue controvertida en E.U.A..
==Colecciones sobresalientes==
* Inglés o medieval francés: Díptico de Wilton
* [[Jan van Eyck]]: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
* [[Pisanello]]: La visión de san Eustaquio (Pisanello)
* [[Paolo Uccello]]: Batalla de San Romano, [[San Jorge y el dragón]] (Paolo Uccello, París)
* [[Rogier van der Weyden]]: La Magdalena leyendo
* [[Masaccio]]: [[Virgen y el Niño]] (Masaccio)
* [[Dieric Bouts]]: El entierro
* [[Piero della Francesca]]: [[El bautismo de Cristo]] (Piero della Francesca)
* [[Antonello da Messina]]: Retrato de hombre (Antonello da Messina), San Jerónimo en su estudio (Antonello da Messina)
*[[Giovanni Bellini]]: Cristo en el monte de los Olivos (Bellini), Madonna del Prato, El dux Leonardo Loredan
* [[Piero Pollaiolo]]: El martirio de san Sebastián (Pollaiuolo)
* [[Sandro Botticelli]]: Venus y Marte (Botticelli)
* [[Hieronymus Bosch]]: [[La coronación de espinas]] (Bosco, Londres)
* [[Leonardo da Vinci]]: [[La Virgen de las Rocas]], Cartón de Burlington House
* [[Albrecht Dürer]], St Jerome en el desenfreno
* [[Michelangelo]]: Santo Entierro ([[Miguel Ángel]]), [[Madonna de Mánchester]]
* [[Giambattista Pittoni]], The Sacrifice of Polyxena
* [[Jan Gossaert]]: La adoración de los reyes
* [[Raphael]]: Virgen Aldobrandini, Madona de los Ansidei, Retrato de Julio II, Virgen de los claveles, Crucifixión Mond, El sueño del caballero
*[[Tiziano]]: Alegoría de la Prudencia, Baco y Ariadna, Diana and Actaeon, Diana y Calisto, The Death of Actaeon, Retrato de Ariosto, Portrait of the Vendramin Family
* [[Hans Holbein el Joven]]: The Ambassadors
* [[Parmigianino]]: Portrait of a Collector, The Vision of Saint Jerome
*[[Agnolo Bronzino]]: Alegoría del triunfo de Venus
* [[Tintoretto]]: El origen de la Vía Láctea (Tintoretto)
* [[Paolo Veronese]]: La familia de Darío antes de Alexander
* [[El Greco]]: La expulsión de los mercaderes (El Greco, Londres)
* [[Caravaggio]]: Chico mordido por una lagartija, Los discípulos de Emaús (Caravaggio, Londres), Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Caravaggio, Londres)
* [[Peter Paul Rubens]]: El juicio de París
* [[Nicolas Poussin]]: La adoración del becerro de oro
* [[Diego Velázquez]]: Cristo en casa de Marta y María (Velázquez), Venus del espejo
* [[Anthony van Dyck]]: Retrato de Carlos I
* [[Claude Lorrain]]: Puerto con el embarque de la Reina de Saba
* [[Rembrandt]]: El festín de Baltasar (Rembrandt), Autorretrato a la edad de 63 años
* [[Johannes Vermeer]]: Mujer sentada tocando la espineta
* [[William Hogarth]]: Retrato de los niños Graham,
*[[George Stubbs]]: Whistlejacket
* [[Thomas Gainsborough]]: El Señor y la Señora Andrews
* [[Joseph Wright of Derby]]: Experimento con un pájaro en una bomba de aire
* [[Francisco Goya]]: Retrato del duque de Wellington
* [[J. M. W. Turner]]: Lluvia, Vapor y Velocidad
* [[John Constable]]: El maizal, La carreta de heno
* [[Jean Auguste Dominique Ingres]]: Madame Moitessier
* [[Edgar Degas]]: Miss La La en el circo Fernando, Jóvenes Espartanos divertidos
* [[Paul Cézanne]]: Las grandes bañistas (Cézanne, Filadelfia)
* [[Claude Monet]]: Nieve en Argenteuil
* [[Pierre-Auguste Renoir]]: Los paraguas (1883)
* [[Henri Rousseau]]: Tigre en una tormenta tropical
*[[Vincent van Gogh]]: [[Los girasoles]]
* [[Georges Seurat]]: Un baño en Asnieres
==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/The_National_Gallery
*https://www.nationalgallery.org.uk/visiting/spanish
[[Categoría:Museos]][[Categoría:Instituciones culturales]][[Category:Museología]][[Category:Museos y galerías de arte]]

Archivo:Mapa - The National Gallery.png

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== Sumario ==

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== Fuente: ==

Triángulo del Arte

2018-06-05T14:19:05Z

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==Triángulo del Arte==
Se denomina Triángulo del Arte o Triángulo de Oro al grupo de museos de [[Madrid]] que se ubican en la zona del [[Paseo del Prado]], vieja alameda que marca el límite entre el casco antiguo de la ciudad y el [[Parque del Retiro]]. Los tres vértices del Triángulo son el [[Museo del Prado]], el [[Museo Thyssen-Bornemisza]] y el [[Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía]], que en conjunto atrajeron 5,3 millones de visitas en 2008. En los últimos años dos nuevos espacios de exposiciones se han instalado en la zona: [[CaixaForum Madrid]] y [[Tabacalera]].
La denominación del área del Prado como un Triángulo del Arte fue inicialmente sugerida por la prensa, y luego asumida por las autoridades culturales, a raíz de la apertura del [[Museo Thyssen-Bornemisza]] en 1992.
Dicho museo reforzaba cuantitativamente la oferta artística de la zona y cubría los huecos (cronológicos y de estilos) dejados por las colecciones de los otros dos centros. Así, se entendía que entre los tres, era posible recorrer la evolución del arte (mayormente pictórico) desde la Edad Media a la actualidad. Alrededor de sus vértices se concentra una amplísima oferta museística, a la que se ha unido el [[CaixaForum]] de [[La Caixa]] y próximamente el [[Centro Nacional de las Artes Visuales en la Antigua Fábrica de Tabacalera]].
Actualmente el Triángulo del Arte es una denominación con cierto arraigo popular, recurrente sobre todo en la publicidad turística. Incluso se venden bonos conjuntos para acceder a los tres museos. La nueva urbanización del [[Paseo del Prado]], aún en fase de estudio, contribuirá a unificar visualmente la zona.
Las tres pinacotecas se sitúan a escasos metros de distancia y están unidas por una de las principales avenidas de la ciudad: el [[Paseo del Prado]]. A lo largo del camino, que transcurre bajo árboles frondosos, podrás disfrutar de puntos tan emblemáticos como las fuentes de [[Cibeles]] y [[Neptuno]], del siglo XVIII, el [[Real Jardín Botánico]] o el [[Observatorio Astronómico]].
=== [[Museo Nacional del Prado]]===
Alberga una de las colecciones de pintura más importantes del mundo, con lo mejor de las escuelas de pintura española, italiana y flamenca del período comprendido entre los siglos XII y XVIII. Brillan con luz propia cuadros como [[Las Meninas]] o La familia de Felipe IV de Velázquez, [[Las Majas]] de [[Goya]] o [[El Jardín de las Delicias]] de [[El Bosco]], además de obras de artistas de la talla de [[Tiziano]], [[Rubens]] o [[El Greco]]. Desde su inauguración en noviembre de 1819, el [[Museo del Prado]] ha estado en constante crecimiento. Sin embargo, la mayor ampliación de su historia se llevó a cabo en 2007. En el nuevo edificio, diseñado por el prestigioso arquitecto español Rafael Moneo, destaca el uso del cristal para lograr una iluminación natural, y las monumentales puertas de bronce, obra de la escultora Cristina Iglesias.
=== [[Museo Thyssen-Bornemisza]] ===
Esta pinacoteca representa la transición idónea; un nexo entre las obras más clásicas del [[Museo del Prado]], y las contemporáneas del [[Centro de Arte Reina Sofía]]. Es una de las colecciones privadas más valiosas del mundo. La necesidad de espacio para exhibir las adquisiciones motivó la construcción de un nuevo inmueble que mantiene la homogeneidad con el ya existente, el [[Palacio de Villahermosa]]. El recorrido arranca con la pintura occidental del siglo XIII y llega hasta las corrientes más destacadas de los siglos XIX y XX. En su fondo artístico sobresalen las obras de carácter impresionista, las vanguardias y el Pop Art de los años 60. En sus salas cuelgan cuadros de maestros como [[Monet]], [[Van Gogh]], [[Cezanne]], [[Klee]] o [[Kandinsky]], entre otros muchos.
=== [[Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía]] ===
Vanguardista y a la última. Quizá sean los calificativos que mejor definen al [[Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía]]. Es el espejo de las tendencias artísticas más innovadoras y un referente en cuanto a arte contemporáneo. En su interior también le espera [[El Guernica]], la universal obra de [[Pablo Picasso]]. Miró, [[Dalí]], [[Tàpies]], [[Juan Gris]] o [[Chillida]], entre otros, contribuyen a la riqueza de fondos de este museo. En el aspecto arquitectónico, las instalaciones de su ampliación están firmadas por el famoso [[Jean Nouvel]].
Un paseo basta para disfrutar de toda la belleza y la historia del arte. Lo tienes muy fácil: está en [[Madrid]], en la capital de [[España]]. Estarás deseando volver.
==Otros museos cercanos==
* [[Museo Arqueológico Nacional]]
* [[Biblioteca Nacional de España]] y el [[Museo del Libro]]
* [[Fundación MAPFRE]]
* [[Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando]]
* [[Museo Nacional de Artes Decorativas]]
* [[Museo Naval de Madrid]]
* [[Museo Nacional de Antropología]]
* [[Casa de América]]
* [[Casa-Museo de Lope de Vega]]
* [[La casa encendida]]
* [[CaixaForum Madrid]]
* [[Museo de cera de Madrid]]
==Fuentes==
*http://www.españaescultura.es/es/propuestas_culturales/el_paseo_del_arte_toda_la_pintura_a_un_solo_paso.html
*https://es.wikipedia.org/wiki/Tri%C3%A1ngulo_del_Arte
*https://www.20minutos.es/noticia/1641032/0/triangulo/arte-museos/madrid/
*https://www.elviajedesofi.com/el-triangulo-del-arte-zona-de-museos-de-madrid/
*http://turismomadrid.es/es/ver-y-hacer/cultura/paseo-del-arte-y-los-museos.html
*https://miviaje.com/triangulo-del-arte-madrid/

[[Categoría:Museos]][[Category:Museología]]

Archivo:Triángulo del Arte - Madrid.png

2018-06-05T14:15:45Z

Janyliz:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Museo de la Acrópolis

2018-05-02T15:52:30Z

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{{Ficha de museo
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| ciudad = Atenas
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| inauguración = 20 de junio de 2009
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| director = Dimitrios Pandermalis
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El Museo de la Acrópolis es un museo arqueológico griego situado en la ciudad de [[Atenas]], en un edificio ubicado a unos 300 m al sur de la acrópolis.
Es uno de los principales museos arqueológicos de [[Atenas]] y es también considerado entre los más importantes del mundo. El antiguo museo se encontraba en el interior de la acrópolis pero debido a sus pequeñas dimensiones se propuso la construcción de un nuevo museo de mayor tamaño fuera de la acrópolis. Este nuevo museo fue reinaugurado el 20 de junio de 2009.
==Historia==
Después de la retirada de los turcos de la acrópolis en 1833, los primeros descubrimientos arqueológicos se almacenaron en una cisterna, sita al oeste del [[Partenón]]. En 1834 se publicó una Ley de Antigüedades y Documentos que fue el primer soporte teórico para la creación del Museo de la Acrópolis al proponer la creación de un museo en la acrópolis que no perjudicara visualmente el sitio arqueológico. Posteriormente, entre los años 1865 y 1874, el arquitecto Panages Kalkos construyó el museo. El museo fue ampliado en 1888 para albergar las obras descubiertas en las excavaciones de 1866-1889. Tras la Segunda Guerra Mundial fue derribado parte del edificio inicial y luego, durante los años 1950, el edificio fue modernizado por el arquitecto [[Patroklos Karantinos]].
Bajo la dirección de Manis Miliadis tuvo lugar la reapertura del museo en 1964. A partir de 1975 se decidió la retirada de las piezas de decoración escultórica que todavía permanecían en los templos de la acrópolis, para preservarlas de la contaminación y estas quedaron conservadas en el museo: los frontones y el friso oeste del [[Partenón]] se retiraron respectivamente en 1976 y 1993; las cariátides del Erecteion en 1978 y el friso del templo de Atenea Niké en 2002.4
===Reconstrucción===
A causa del espacio insuficiente del viejo museo, desde 1974 surgió la idea de la construcción de otro edificio para el museo en otra ubicación, para lo que se creó la fundación semiprivada OANM (Organización para la Construcción del Nuevo Museo de la Acrópolis) la cual tiene como director a [[Dimitrios Pandermalis]]. Para la realización del nuevo museo se convocaron diversos concursos. Los dos primeros, en 1976 y 1979, no tuvieron éxito. En 1989, un concurso internacional premió la idea de dos arquitectos italianos, [[Manfredi Nicoletti]] y [[Lucio Passarell]]i. Este proyecto fue anulado posteriormente, por lo que se convocó un nuevo concurso internacional en el año 2000 en el que participaron doce estudios de arquitectura. Este concurso fue ganado por el proyecto del arquitecto suizo-estadounidense [[Bernard Tschumi]] y de su socio, el griego [[Mijalis Fotiadis]].
Para la realización del edificio hubo que derribar 26 viviendas, lo que elevó el coste total de la reconstrucción a 129.000.000 €. La financiación del proyecto fue a través de Fondos Europeos Regionales de Desarrollo y de otros fondos proporcionados por el gobierno griego.
Uno de los objetivos del nuevo museo es la recuperación de los mármoles que fueron tomados del [[Partenón]] en 1802 por Lord Elgin y que posee el Museo Británico. El gobierno griego está insistiendo con ayuda de la Unesco al gobierno británico para que devuelvan los mármoles. Se da la circunstancia de que otras pequeñas piezas del Partenón que poseían el [[Museo Arqueológico Regional Antonio Salinas]] de Palermo, los [[Museos Vaticanos]] y el [[Museo de la Universidad de Heidelberg]] sí han sido restituidas al museo.
En 2008 se trasladaron las estatuas del antiguo al nuevo museo y la inauguración del nuevo edificio tuvo lugar el 20 de junio de 2009.
===El nuevo edificio===
El nuevo edificio está situado al pie de la acrópolis, a unos 300 metros al sur del Partenón. Su área total es de unos 25 000 m2, de los cuales 14 000 son para exposición. Ha sido realizado con materiales como hormigón blanco reforzado, acero laminado, vidrio y mármol. En el interior del edificio los pasillos de hormigón prefabricado presentan perforaciones que tienen una función acústica.
Se compone de tres plantas. Desde la planta baja se pueden observar los restos arqueológicos hallados en el solar donde ha sido construido el edificio a través de superficies acristaladas que permiten su ventilación. Estos restos se fechan cronológicamente entre los siglos IV y VII d. C. Desde la entrada, se asciende a la primera planta en una leve pendiente que recuerda la subida a la acrópolis.
La planta superior está descentrada con respecto al resto del edificio puesto que, destinada a albergar todos los elementos artísticos vinculados al [[Partenón]], se ha diseñado de tal manera que esté directamente alineada con este templo.
Las piezas menores se exponen en vitrinas mientras las mayores están exentas sobre pedestales. La planta superior está acristalada, lo que permite un mayor aprovechamiento de la luz natural, así como poder observar directamente el [[Partenón]] desde este espacio. Para evitar que la luz pueda perjudicar las piezas, esta se regula mediante una doble cortina semitransparente que funciona con un sistema automático.
Además de la exposición de la colección permanente el museo también dispone de otros espacios tales como salas de exposiciones temporales, una sala de realidad virtual, una sala de lectura, un taller de arte, un restaurante con terraza exterior, cafetería, tiendas y otros elementos funcionales.
El método escogido para afrontar los riesgos sísmicos consiste en que se ha dividido el edificio en dos cuerpos que están situados sobre soportes independientes. El cuerpo inferior está sustentado por unos pilares que se hayan sobre los restos arqueológicos, mientras el cuerpo superior no se apoya directamente sobre el cuerpo inferior, sino sobre unos soportes esféricos. En caso de terremoto, este cuerpo superior sería flexible y se desplazaría de manera independiente al resto del edificio.
==Colecciones==
Este museo contiene esculturas hechas de piedra y bronce, procedentes de excavaciones en la [[Acrópolis de Atenas]] en las que salieron a la luz muchos restos de decoración de edificios y estatuas votivas que enterraron los atenienses después de la destrucción persa de 480-79 a. C. y de piezas desmontadas de los antiguos templos.
La exposición permanente se divide en cinco sectores:
===Galería de las laderas de la Acrópolis===
Acoge los hallazgos realizados en casas, talleres, santuarios y otras construcciones que se edificaron en las laderas de la acrópolis. La mayor parte de ellas son objetos de uso cotidiano, como recipientes de cerámica, joyas y juguetes. También se pueden destacar relieves y exvotos procedentes del santuario de Asclepio, cerámica del santuario de Nymphe o de la «joven esposa» y elementos decorativos del santuario de Dioniso.
===Galería arcaica===
Expone obras de la época arcaica anteriores a las Guerras Médicas que incluyen:
El Moscóforo de c. 570 a. C., que representa a un hombre que lleva a hombros un ternero. Es la obra de mármol más antigua procedente del Himeto.
*La colección de kores, estatuas femeninas arcaicas, entre las que destacan la Kore del Peplo, la Kore de Antenor, la Kore de Eutídico y la Kore nº 674.
*El frontón de la Hidra, de piedra caliza y de 58 dm de longitud, que es de inicios del siglo VI a. C. Se ignora el edificio al que perteneció. El bajorrelieve representa uno de los doce trabajos de Heracles, consistente en matar a la Hidra de Lerna.
*El frontón de La apoteosis de Heracles, de un edificio desconocido, que representa la bienvenida dispensada al héroe en el Olimpo, tras su muerte. Además de Heracles, están esculpidas las figuras de Hera, Zeus, Iris y de otra diosa en mal estado, quizás Atenea.
*El frontón del olivo, procedente de un edificio arcaico de la Acrópolis, podría representar una escena ceremonial aunque también se ha sugerido que podría ser la escena mitológica del asesinato de Troilo por Aquiles. Realizado en piedra caliza, data del 560 a. C.-550 a. C..
*El frontón de la leona devorando un toro, que pertenece a la mitad oriental del frontón de un templo arcaico de principios del siglo VI a. C.
*Caballos de cuadriga: cuatro caballos de mármol, que formaban parte de una cuadriga votiva. Conjunto escultórico de factura ática arcaica, del 570 a. C. aproximadamente.
*Una esfinge votiva de mármol (nº 632) (560-550 a. C.).
*Dos serpientes, de inicios del siglo VI a. C., de grandes dimensiones, coloreadas en verde y rojo, y quizá ligadas al culto del rey mítico de Atenas, Erictonio.
*Un mochuelo de mármol, que data del siglo V a. C.
Otras estatuas destacables son varias figurillas votivas de animales, el Jinete Rampin, el relieve de un alfarero sentado, una estatua de mármol de un perro de caza.
Entre los objetos escultóricos posteriores a las Guerras Médicas destacan piezas como el relieve de la Atenea pensativa, el Efebo Rubio, el Efebo de Kritios, figurillas de bronce de Atenea y una cabeza de hoplita de cobre.
También forman parte de este sector los restos arquitectónicos y escultóricos del [[Hecatompedón]] y del [[Antiguo templo de Atenea]], dos templos que había en la acrópolis antes de que fuera erigido el [[Partenón]]. Entre estos últimos se puede destacar un frontón —del que se ha dudado si pertenecía al [[Hecatompedón]] o al [[Antiguo templo de Atenea]]— decorado en la parte central con dos leones devorando un toro, flanqueados por la lucha de Heracles contra Tritón, a un lado y al otro lado por el grupo escultórico denominado «Demonio de tres cuerpos», donde cada uno de ellos tiene en su mano uno de los elementos naturales, simbolizados por un ave (aire), agua y fuego. Los restos de otro frontón, que representaba la gigantomaquia, suelen atribuirse al Antiguo templo de Atenea. También se conserva una Cabeza de Gorgona de mármol de principios del siglo VI a. C. que quizá perteneció a la acrotera central del [[Hecatompedón]] y un disco de bronce con una figura de Gorgona en el centro que decoraba el templo de Atenea Polias.
===Galería del Partenón===
La planta de este espacio es similar a la de la cella del [[Partenón]] original. Alberga la decoración del friso, las metopas y los frontones del [[Partenón]] y algunas inscripciones antiguas asociadas con este templo. Las piezas se han tratado de situar del mismo modo en que se encontraban en el Partenón originalmente. Se han reproducido las columnas con el mismo número y las mismas medidas de las del [[Partenón]] pero estas se han realizado en acero, para aligerar el peso y también para hacerlas contrastar con el mármol de los elementos decorativos originales. Puesto que una gran parte de los mármoles originales se hallan en el [[Museo Británico]] —además de otros fragmentos dispersos en el [[Museo del Louvre]], [[Copenhague]], [[Viena]], [[Múnich]] y [[Wurzburgo]] se realizaron copias en yeso de los elementos decorativos que están fuera de[[Grecia]].
El friso constaba de 115 bloques que representaban la procesión de las panateneas.
Las 92 metopas representan la gigantomaquia, la lucha de los atenienses contra las amazonas, la lucha entre centauros y lápitas y la toma de [[Troya]].
En uno de los frontones se representaba el nacimiento de [[Atenea]] de la cabeza de [[Zeus]] y en el otro la lucha entre [[Atenea]] y [[Poseidón]] por la posesión del [[Ática]].
Propileos, Atenea Nike, Erecteion
Contiene los frisos y las cariátides originales (excepto una que se encuentra en el [[Museo Británico]]) del Erecteion.
Entre los elementos decorativos del templo de Atenea Niké se encuentra el friso, donde se representan dioses y diversas batallas. En el mismo templo se encontraba el parapeto del bastión sobre el que se alza el edificio decorado con relieves de motivos tales como Niké llevando toros a sacrificar, una figura de Niké alada atándose la sandalia y una representación de Atenea sentada.
De los propileos de la acrópolis se puede destacar un busto de Hermes Propileo («de la entrada») de mármol pentélico que fue visto por Pausanias (II, 22, 8).
Del siglo V a. C. al siglo V d. C.
Recoge inscripciones, relieves y estatuas de personas célebres, dioses y héroes y otros restos comprendidos en los periodos clásico, helenístico y romano.
Procedente del santuario de [[Artemisa]] Brauronia se conserva un busto de [[Artemisa]] Brauronia, de 56 cm de altura. Se cree que es la cabeza de la estatua realizada por Praxíteles de más de 3,5 m que en el siglo II aún podía verse en el templo.
Algunos de los objetos más destacados son una estatua de mármol de Procne e Itis, de fines del siglo V a. C. un busto de Alejandro Magno del periodo helenístico, una lámpara de bronce en forma de barco de guerra, del fines del siglo V a. C. y un busto que quizá representa a Plutarco

==Fuentes==
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g189400-d735521-Reviews-Acropolis_Museum-Athens_Attica.html
*https://es.wikiarquitectura.com/edificio/nuevo-museo-de-la-acropolis/
*https://www.grecotour.com/museo-acropolis-atenas
*https://lagartorojo.es/2016/06/24/el-legado-de-la-grecia-clasica-el-museo-de-la-acropolis-de-atenas/
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_la_Acr%C3%B3polis

[[Categoría:Museos]]

Archivo:Mapa del Museo de la Acrópolis.png

2018-05-02T15:51:51Z

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Archivo:Museo de la Acrópolis.jpg

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Museo Nacional de Antropología (México)

2018-04-03T19:33:08Z

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El Museo Nacional de Antropología (MNA) es uno de los recintos museográficos más importantes de [[México]] y de [[América]]. Está concebido para albergar y exhibir el legado arqueológico de los pueblos de Mesoamérica, así como para dar cuenta de la diversidad étnica actual del país. El edificio actual del MNA fue construido entre 1963 y 1964 en el Bosque de Chapultepec por instrucción del presidente [[Adolfo López Mateos]], quien lo inauguró el 17 de septiembre de 1964. Actualmente, el edificio del MNA posee 23 salas de exposición permanente, una sala de exposiciones temporales y dos auditorios. Además alberga el acervo de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia.
==Historia==
El creador del proyecto el arquitecto [[Pedro Ramírez Vázquez]] concibió que esta edificación no fuera un simple repositorio ya que este museo también forma parte de nuestro patrimonio cultural por su belleza en cuanto a su diseño arquitectónico, así como también, por su pertinencia y sabiduría con las cuales fueron planeados sus espacios de exhibición. Además, el Museo Nacional de Antropología fue inaugurado el 17 de septiembre de 1964 por el presidente [[Adolfo López Mateos]].

A finales del siglo XVIII los documentos que formaban parte de la colección de [[Lorenzo Boturini]] fueron depositados, por orden del virrey de Bucareli, en la Real y Pontificia Universidad de [[México]]. Allí se albergaron también las esculturas de la Coatlicue y la Piedra del Sol, lo que inició la tradición museográfica en [[México]].
El 25 de agosto de 1790 fue inaugurado el primer Gabinete de Historia Natural de [[México]], montado por el botánico [[José Longinos Martínez]] (ese gabinete ya desaparecido es el actual Museo de Historia Natural de México) y fue en medio de este ambiente que surgió la idea que constituir una junta de antigüedades con la finalidad de proteger monumentos históricos.
A partir del siglo XIX [[México]] fue visitado por hombres ilustres de ciencia, como fue el caso del barón [[Alejandro de Humbolt]], quienes difundieron el valor artístico e histórico de los monumentos prehispánicos, logrando que en 1825, por decreto del presidente de la República Guadalupe Victoria, asesorado por el historiador [[Lucas Alamán]], se fundara el Museo Nacional Mexicano como una institución autónoma. Para el año de 1865, el emperador [[Maximiliano de Habsburgo]] ordenó el traslado del Museo al edificio ubicado en la calle de Moneda 13, donde había estado la Casa de Moneda.
A partir de 1906 el crecimiento de las colecciones alentó a [[Justo Sierra]] para dividir el acervo del Museo Nacional, fue así como las colecciones de historia natural pasaron al hermoso edificio del Chopo, construido especialmente para albergar exposiciones permanentes.
El Museo recibió entonces el nombre de Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía y fue reabierto el 9 de septiembre de 1910, en presencia del presidente [[Porfirio Díaz]]. En el año de 1924 el acervo del Museo se había incrementado hasta 52 mil objetos y se había recibido a más de 250 mil visitantes, por lo que se le concedió el derecho de voto para la adjudicación del [[Premio Nobel]] y se le consideró uno de los museos más interesantes y de mayor prestigio del mundo.
El 13 de diciembre de 1940, por decreto, se trasladaron las colecciones de historia al Castillo de Chapultepec, y el Museo cambio su nombre por el actual: Museo Nacional de Antropología.
La construcción del actual Museo se inició en febrero de 1963, en el Bosque de Chapultepec. Como ya se mencionó en el apartado de Arquitectura, el proyecto estuvo coordinado por el arquitecto [[Pedro Ramírez Vázquez]] y asistido por los arquitectos [[Rafael Mijares]] y [[Jorge Campuzano]]. Con motivo de la inauguración del Museo Nacional de Antropología, la Secretaría de Educación Pública (SEP) encargó al compositor [[Carlos Chávez]] la creación de una pieza musical que se tituló "Resonancias" y fue estrenada el mismo día de la inauguración del Museo Nacional de Antropología. La construcción del proyecto duró 19 meses y el 17 de septiembre de 1964 fue inaugurado por el presidente [[Adolfo López Mateos]], quien declaró:
"El pueblo mexicano levanta este monumento en honor de las admirables culturas que florecieron durante la era Precolombina en regiones que son, ahora, territorio de la República. Frente a los testimonios de aquellas culturas, el México de hoy rinde homenaje al México indígena en cuyo ejemplo reconoce características de su originalidad nacional."
==Función del MNA==
La importancia del Museo Nacional de Antropología, vive en sus objetivos, que son:
1. La difusión de la cultura prehispánica y la de los pueblos originarios actuales entre la población nacional e internacional, por medio de la exposición de las piezas de los acervos arqueológicos y etnográficos.
2. La difusión, en forma accesible, de todo lo relativo a la antropología en [[México]] mediante las exhibiciones, conferencias, así como por las visitas guiadas.
3. La conservación, registro y restauración de las colecciones arqueológicas y etnográficas, que se encuentran entre las más valiosas de [[México]] y el mundo.
4. El enriquecimiento del acervo cultural mexicano por medio de la investigación, publicación y difusión de los diferentes estudios que llevan a cabo dentro del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

La colección del Museo Nacional de Antropología está conformada por numerosas piezas arqueológicas y etnográficas provenientes de todo [[México]]. Entre algunas de las piezas más emblemáticas de la colección se cuenta la Piedra del Sol —que es el corazón mismo del museo—, las monumentales esculturas teotihuacanas dedicadas a los dioses del agua, el tesoro de la tumba del rey Pakal, así como un atlante tolteca traído desde Tollan-Xicocotitlan y el Monolito de Tláloc que custodia la entrada al museo.
El MNA constituye uno de los principales sitios de interés turístico de México. Atrae cada año a más de dos millones de visitantes. El museo es uno de los museos más grandes del continente.
==Salas de exhibición==
El Museo Nacional de Antropología (MNA) cuenta con 24 salas de exhibición, de las cuales 23 son permanentes y una está destinada a exposiciones temporales, que en ocasiones son muestras museográficas provenientes de diversos museos del mundo. El acceso a esta última se encuentra separada del resto del museo.
Las salas permanentes se encuentran distribuidas en las dos plantas del edificio. En la planta baja se localizan las salas dedicadas a la introducción a la antropología y a las culturas del territorio mexicano, desde el Poblamiento de América hasta el Período Posclásico mesoamericano. En el segundo nivel se encuentran las 11 salas de etnografía, donde se exponen muestras de la cultura material de los pueblos indígenas que viven en [[México]] en la actualidad.
Las salas de antropología y arqueología están dispuestas alrededor de la parte descubierta del patio central, que es donde se encuentra el estanque de lirios, y están ordenadas según un criterio cronológico comenzando por el lado derecho hasta llegar a la sala Mexica. A partir de la sala de las culturas de Oaxaca, el orden de presentación es geográfico. Cabe destacar que la sala de culturas del norte está dedicada a pueblos que pertenecieron a la zona conocida como Aridoamérica, región que se extiende al norte de los límites de Mesoamérica.
Las salas de antropología y arqueología son:
* Culturas Indígenas de México
* Introducción de la Antropología
* Poblamiento de América
* Preclásico en el Altiplano Central
* Teotihuacán
* Los Toltecas y su época
* Mexica
* Culturas de Oaxaca
* Culturas de la Costa del Golfo
* Maya
* Culturas de Occidente
* Culturas del Norte
* Olmecas
==Salas de exhibición permanente y temporales==
===Introducción a la Antropología===
La primera sala del MNA corresponde a una introducción a la actividad de la Antropología. Originalmente se concibió como un espacio para acercar a los visitantes a las cuatro ramas en que se divide clásicamente a la Antropología —antropología física, antropología social, etnología y lingüística—. A partir de la reestructuración del museo iniciada en 1998 se consideró que los contenidos pedagógicos de esta sala estuvieran dedicados a dar cuenta de la evolución socio-cultural del ser humano, su diversidad y las relaciones entre el medio ambiente y las sociedades humanas. Es decir, en este espacio, el visitante se encuentra ante un recorrido por los procesos que concluyeron con la hominización de los antropoides y con la humanización de nuestros ancestros.
En esta sala se encuentra una reproducción del esqueleto fósil de Lucy, el primer ejemplar conocido del Australopithecus afarensis, descubierto por [[Donald Johanson]] en 1974. En el corredor final de la sala se encuentra un mosaico de hologramas con los rostros de personas originarias de diversas partes del planeta, dependiendo del punto de vista del visitante, también es posible observar la forma de los cráneos de los hombres que habitan en cada una de las regiones representadas en el mosaico.
===Poblamiento de América===
Esta sala de arqueología del MNA está dedicada al proceso de desarrollo de los primeros seres humanos que llegaron a [[América]]. Al igual que la sala Introducción a la Antropología, esta también fue objeto de la reestructuración del museo realizada entre 1998 y 2000. En este proceso recibió el nombre que lleva en la actualidad entre 1964 y 1998 se llamó sala de los Orígenes y se orientó hacia la evolución de las culturas indígenas americanas desde las primeras migraciones hasta la diferenciación de los pueblos mesoamericanos respecto al resto de las sociedades paleoindias.
La sala Poblamiento de [[América]] adopta la teoría del poblamiento temprano de América, que ubica las migraciones a través del estrecho de Bering alrededor de 40.000 años antes del presente. Por lo tanto, el guion museístico acepta como válidos los datos que ubican la presencia del ser humano en territorio mexicano alrededor de 30.000 años antes del presente. De acuerdo con algunos críticos como [[Christian Duverger]], esta tendencia de la historiografía oficial mexicana está basada en pruebas débiles o tienen un propósito político.
Como quiera que sea, en la sala Poblamiento de [[América]] se exhiben maquetas que recrean el modo de vida de los primeros grupos humanos cazadores y recolectores que ocuparon lo que hoy es [[México]] y acerca al visitante a los procesos que concluyeron con la diferenciación de los pueblos mesoamericanos —entre otros, el desarrollo de la industria lítica; la domesticación de la calabaza, el maíz y otros cultivos; la sedentarización y el descubrimiento de la alfarería—. Entre otras cosas, la sala cuenta con una colección de puntas de lanza confeccionadas en diversos materiales y procedentes de diversas partes de [[México]] y otros países adyacentes. También posee un conjunto de piezas relacionadas con el desarrollo de la agricultura, muestras fósiles de los primeros cultivos americanos y reproducciones del arte rupestre de sitios como la Sierra de San Francisco en Baja California Sur.
===Preclásico en el altiplano central===
La tercera sala del museo está dedicada a los pueblos que vivieron en el Eje Neovolcánico y zonas aledañas durante los primeros siglos de la civilización mesoamericana, en el Período Preclásico mesoamericano. En otras palabras, posee objetos elaborados entre los siglos XXIII a. C. y I d. C., de acuerdo con la cronología mesoamericana empleada mayoritariamente en México. Se trata de piezas encontradas en excavaciones en sitios como [[Zohapilco]], [[Tlapacoya]], [[Tlatilco]] (estado de México), [[Cuicuilco]], [[Copilco]] y el [[Distrito Federal]].
Las piezas en exhibición en esta sala dan cuenta de la evolución cultural de los pueblos del centro de [[México]] durante el Preclásico. Este fue el período más largo de la historia mesoamericana, tiempo en el que los diversos pueblos de la región fueron desarrollando sus rasgos más característicos y las redes de intercambio internacional. Las piezas procedentes del altiplano central que corresponden a esta etapa ponen en evidencia la importancia del contacto de los pueblos altiplánicos —de supuesta filiación otomangueana— con las dos regiones mesoamericanas de mayor desarrollo en ese tiempo: el [[Occidente]] y la región olmeca. Así lo revelan casos como el de Tlatilco, cuya primera cerámica comparte rasgos con la producida en sitios como El Opeño ([[Michoacán]]); posteriormente, Tlatilco recibió una fuerte influencia olmeca, uno de cuyos testimonios más importantes es la pieza conocida como El Acróbata. Por su parte, las piezas procedentes de Cuicuilco aparentan una influencia más prolongada de los pueblos de [[Occidente]], desde su florecimiento hasta su abandono.
===Teotihuacan===
La cuarta sala permanente del museo está dedicada a la cultura teotihuacana, cuya ciudad de mayor esplendor fue Teotihuacan, que significa "ciudad donde nacen los dioses", ubicada al norte de la [[Ciudad de México]].
==Exposiciones permanentes==
===El juego de pelota.===
Una réplica del juego prehispánico de pelota, cuya cancha mide la mitad de la original, fue inaugurada en octubre de 2005 en el jardín de la Sala Tolteca.
El visitante puede recorrerla y formarse una imagen del área de una cancha real. Aunque originalmente se pretendía llevar a cabo juegos de pelota periódicamente, el hecho es que sólo ha habido uno (el día de la inauguración) y no se tienen programados juegos en el futuro.
El juego de pelota, conocido también como "Pok Ta Pok" o "Ulama", fue un juego ritual cuya práctica se extendió a lo largo de los tres mil años de historia precolombina mesoamericana.
===Última exposición===
Rostros de la divinidad. Los mosaicos mayas de piedra verde
Se presentó del 12 de agosto al 2 de octubre de 2010.
Exposición que reúne 147 piezas provenientes de colecciones museográficas de diversos países. Todas las piezas corresponden a ajuares funerarios encontrados en tumbas del período clásico de la cultura [[Maya]] (200-900 d. C.).
==Arquitectura==
Las temáticas de la exposición fueron:
* El universo maya del periodo clásico.
*La imagen en la plástica maya del clásico, concepción de un proceso de transfromación
*La máscara en el arte ritual
*El arte del mosaico en las máscaras funerarias de piedra verde
*Palenque
*La esencia de los objetos
*Evii de calakmul
*Rostros de la divinidad.
*Los mosaicos mayas de piedra verde
*La ofrenda funeraria de la estructura iii de calakmul
*La deformación cefálica, una constante en los rostros representados
*Dzibanché

===Descripción del inmueble===

El diseño museográfico del Museo Nacional de Antropología tuvo un impacto nacional y mundial porque una de las características es que las salas contemplaran alturas diferenciadas en los techos: tres metros y medio en la sección de los antecedentes, y seis metros en las áreas donde se exhiben los grandes logros culturales. Ejemplo, la Sala Mexica mantiene siempre la altura de seis metros, como una manera de exaltar los grandes logros de esta cultura. También, se debe mencionar que el Museo Nacional de Antropología tiene 24 salas de exhibición, de las cuales 22 son permanentes y dos salas para las exposiciones temporales.

Obra del destacado arquitecto mexicano [[Pedro Ramírez Vázquez]], quien lo diseñó en 1963 con la colaboración y asistencia de [[Jorge Campuzano]] y [[Rafael Mijares]], tiene una impresionante arquitectura con salas de exhibición que convergen a un patio central. En este patio hay un estanque de lirios y la famosa fuente con forma de paraguas o sombrilla, sostenida por un pilar central alrededor del cual se precipita una cascada artificial. Las salas de exhibición están rodeadas de jardines, muchos de los cuales contienen exhibiciones externas.
El Museo cuenta con 44 mil metros cuadrados bajo techo, distribuidos en 23 salas y 35.700 metros cuadrados de áreas descubiertas que incluyen el patio central, la plaza de acceso y algunos patios hundidos a su alrededor. En todos estos espacios se encuentra la mayor colección del mundo de arte prehispánico de Mesoamérica, fundamentalmente de las culturas [[maya]], [[azteca]], [[olmeca]], [[teotihuacana]], [[tolteca]], [[zapoteca]] y [[mixteca]], entre otros pueblos del [[México]] antiguo, así como una extensa exposición sobre la etnografía de los pueblos indígenas actuales del país, la cual ocupa todo el segundo piso del recinto museográfico.
El área total del museo es de 79.700 metros cuadrados (casi 8 hectáreas).

==Acceso==

El Museo Nacional de Antropología está ubicado en Av. Paseo de la Reforma y calzada Gandhi s/n Col. Chapultepec Polanco, Delegación Miguel Hidalgo. C. P. 11560 [[México]], D. F.
Se puede llegar a este museo a través del Metro Chapultepec Línea 1 -ruta 95 Parabús "Reforma-M. Antropología"- o por el Metro Auditorio Línea 7 -ruta COVILSA. Parabús "Reforma-Lago"

==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Antropolog%C3%ADa_(M%C3%A9xico)
*http://www.inah.gob.mx/es/red-de-museos/265-museo-nacional-de-antropologia
*https://expansion.mx/estilo/2016/09/17/mitos-y-curiosidades-del-museo-nacional-de-antropologia-en-su-aniversario
*https://turismo.org/museo-nacional-de-antropologia-mexico/
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g150800-d153711-Reviews-National_Museum_of_Anthropology_Museo_Nacional_de_Antropologia-Mexico_City_Central.html
*http://www.mna.inah.gob.mx/

[[Categoría:Museos]]

Archivo:Mapa del Museo Nacional de Antropología (México).png

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Archivo:Museo Nacional de Antropología (México).jpg

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Museo Yad Vashem

2018-02-27T18:39:57Z

Janyliz: Página creada con «{{Ficha de museo | nombre = Yad Vashem | nombre local = Museo del Holocausto | imagen = Yad Vashem.jpg | tamaño_imagen = | pie = | país...»

{{Ficha de museo
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| ciudad = Monte Herzl, Jerusalén
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Har Hazikaron P.O.B. 3477, Jerusalem 91034, Israel
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| sitio_web = Yad Vashem - יָד וָשֵׁם
| mapa = Mapa Yad Vashem.png
| horarios = Domingo a miércoles: 9:00 - 17:00
Jueves: 9.00 – 20.00
Viernes y vísperas de fiestas: 9:00 - 14:00
Yad Vashem está cerrado los sábados y días festivos judíos.
| otros_datos = Tel.: 972-2-6443802 - Fax: 972-2-6443803
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}}
Yad Vashem (en hebreo, יָד וָשֵׁם‎) es la institución oficial [[israelí]] construida en memoria de las víctimas del Holocausto perpetrado por los [[nazis]] contra los [[judíos]] durante la [[Segunda Guerra Mundial]]. El sitio está ubicado en el [[Bosque de Jerusalén]], en la vertiente occidental de [[Monte Herzl]] ("Monte del Recuerdo"), que tiene unos 804 metros (2.638 pies) sobre el nivel del mar.
==Origen del nombre==
Su nombre proviene de las palabras del profeta [[Isaías]]: «“Yo les daré lugar en Mi casa y dentro de Mis muros [...]. Les daré un nombre permanente [un “yad vashem”], que nunca será olvidado.» ([[Isaías]].). Llamándolo así se establece al museo como un depósito de los nombres de los judíos que quedaron sin nadie para conocer sus nombres.
==Historia==
La idea de establecer un monumento en la histórica patria judía para las víctimas judías del [[Holocausto]] perpetrado por los [[nazis]], fue concebido durante la [[Segunda Guerra Mundial]] como respuesta a los informes de asesinato en masa de los ciudadanos judíos en los países ocupados por [[Alemania]]. Yad Vashem fue propuesto por primera vez en septiembre de 1942, en una reunión de la junta del Fondo Nacional Judío por [[Mordejai Shenhavi]], un miembro del kibutz Mishmar Ha'emek, quien sería el primer director de la institución.
En agosto de 1945 el plan fue discutido en mayor detalle en una reunión sionista en [[Londres]], donde se decidió crear una junta provisional de dirigentes sionistas con [[David Remez]] como presidente, [[Shlomo Zalman Shragai]], [[Baruch Zuckerman]] y [[Shenhavi.]] En febrero de 1946, Yad Vashem abrió una oficina en [[Jerusalén]] y una sucursal en [[Tel Aviv]], y en junio de ese año celebró su primera sesión plenaria. En julio de 1947, la Primera Conferencia sobre Investigación del Holocausto se llevó a cabo en la [[Universidad Hebrea de Jerusalén]], donde se hicieron los primeros planes para el futuro de Yad Vashem. Sin embargo, el estallido de la [[Guerra de independencia de Israel]] en mayo de 1948 retornó casi todas las operaciones de Yad Vashem a un punto muerto. En 1953, el Knesset aprobó por unanimidad la Ley Yad Vashem, estableciendo la Autoridad del Recuerdo de los Mártires y Héroes.
En marzo de 2005 se abrió un nuevo complejo cuatro veces más grande que el anterior, se incluyó dentro el Museo de Historia del Holocausto con un nuevo Salón de Nombres, un museo con arte relacionada al Holocausto, varias exhibiciones y un centro de aprendizaje. El 9 de noviembre de 2008, el rabino [[Yisrael Meir Lau]] fue designado por el gobierno israelí como Presidente de Yad Vashem para reemplazar al fallecido [[Tommy Lapid.]]
==Situación==
El Museo se encuentra en [[Har Hazikarón]], que significa en hebreo el Monte de la Conmemoración. Es una loma ubicada en el extremo oeste de [[Jerusalén]], de paisaje semidesértico.
==Concepto==
Un gigantesco prisma de hormigón atraviesa el Monte de la Conmemoración, enterrándose en las profundidades de la tierra y llevando al visitante a una fuerte experiencia sensorial mientras recorre de manera zigzagueante las distintas salas. Con esta propuesta, el arquitecto logra un clima y ambientación que ubica en el contexto y perpetúa la memoria y las enseñanzas del Holocausto para las generaciones venideras.

==Objetivo==
El objetivo principal de Yad Vashem es eternizar la memoria de cada una de los seis millones de víctimas del Holocausto para la enseñanza a las generaciones futuras por medio de sus archivos, su biblioteca, su escuela, sus museos y a través del reconocimiento a los Justos entre las Naciones, para que las tragedias y sus terribles escenas no sean jamás olvidadas ni repetidas. Por este motivo, entre otros, Yad Vashem desarrolla una labor de conmemoración constante, con archivos y relatos, así como recopila objetos, documentos y testimonios que posteriormente son publicados. También se ocupa de la recopilación de los nombres de las víctimas con el fin de preservar su memoria.
Yad Vashem tiene fuerza de ley para premiar a no judíos con el título “Justo entre las Naciones”, los que con valentía en sus corazones salvaron a judíos de las garras de los nazis durante la [[Segunda Guerra Mundial.]]
El centro consta de varios edificios: una cámara de la memoria, un museo histórico, una galería de arte, los archivos, el Valle de las Comunidades destruidas, la Sala de los nombres, el Monumento conmemorativo de los niños y un centro educativo.
==Espacios==
La estructura que corta los 182 metros del Monte, en su mayor parte subterránea y con un gran lucernario longitudinal aloja un museo moderno que sumerge al visitante en lo más profundo del abismo y luego lo eleva para que contemple desde un balcón, entre enormes alas en voladizo, el juego de luz sobre el nuevo estado de [[Israel]] y [[Jerusalén]].
Los visitantes ingresan por un puente tangencial y pueden mirar hacia la luz al final y a lo largo del edificio, pero sienten la opresión que generan las paredes inclinadas del prisma. Y están obligados a seguir el recorrido zigzagueante de las galerías en estricto orden, avanzando y retrocediendo a través de rajas en el hormigón del corredor central.
A medida que la historia se acerca a Auschwitz, el suelo se inclina ligeramente hacia abajo, como si la persona se adentrara en la tierra. El hormigón profundiza la paleta de las fotos y documentales en blanco y negro que se exponen. Las superficies inacabadas provocan una espantosa sensación de vida normal deshumanizada, mezcla de metal, huesos y cenizas.
El Instituto Nacional para la Investigación del Holocausto coordina y subvenciona investigaciones a nivel nacional e internacional, organiza conferencias y coloquios y publica una variedad de importantes trabajos sobre el Holocausto, incluidos diarios y memorias. Además, uno de los objetivos fundamentales de Yad Vashem es la educación. La escuela Internacional para Estudios del Holocausto realiza anualmente cursos para más de 100.000 estudiantes, 50.000 soldados y miles de educadores.
Un candelabro de metal de seis brazos se instaló como símbolo de los judíos que murieron y es también logotipo del museo. Cada año se enciende en el día en que se conmemora a los mártires del Holocausto.

==Sectores de la institución==
Yad Vashem está dividido en sectores separados pero que en conjunto globalizan todos los temas relativos al Holocausto y conforman así el Museo del Holocausto, cuyas actividades incluyen la Memoria Eterna del Holocausto y también la profunda investigación sobre todo lo que ocurrió durante la tragedia.
===Escuela Internacional para el Estudio del Holocausto===
Creada en 1993, organiza programas educativos y produce materiales educativos dirigidos a diferentes públicos y organizaciones educativas en Israel y en el exterior. La educación de Holocausto, tal como es definida y desarrollada por la Escuela Internacional, es multidisciplinaria, multifacética y multidireccional, centrándose en la forma en que los individuos vivieron antes, durante y después del Holocausto. Asimismo expone los dilemas que los judíos fueron forzados a enfrentar durante este período.
La Escuela se dedica a la investigación histórica del Holocausto. Desarrolla conferencias y publica trabajos de investigación, libros y recopila diarios y documentos relativos al tema.
===Archivo y Biblioteca===
Documentación e investigación de los hechos.
==Campus del Museo y los monumentos conmemorativos==
===Sala del Recuerdo===
La Sala del Recuerdo (en hebreo, אוהל יזכור‎, Ohel Yizkor; "Cripta del recuerdo"), creada en 1961, es el principal monumento de Yad Vashem, situado en el corazón mismo del campus. En el interior se encuentra la llama eterna, en la forma de un cáliz roto de bronce que arde sobre el piso de piedra en el que están inscritos los 22 lugares de exterminio [[nazis]] —campos de exterminio y concentración, y campos de tránsito— sembrados por toda [[Europa]]. Esta construcción recuerda los seis millones de [[judíos]] que fueron asesinados en el Holocausto.
En este salón se llevan a cabo las ceremonias y los acontecimientos conmemorativos con los líderes mundiales y los funcionarios extranjeros en visita oficial, donde se les invita a encender la llama y depositar una corona de flores en memoria de las víctimas. La llama eterna arde al lado de una cripta que contiene las cenizas, llevadas a Israel desde los campos de exterminio, de víctimas del Holocausto.
La Sala del Recuerdo fue diseñada por los arquitectos [[Arieh Elhanani]],[[ Arieh Sharon]] y [[Benjamin Idelson]]; la obra de la Llama Eterna, [[Kosso Eloul]]; el portón sur, [[David Palombo]]; el portón occidental, [[Bezalel Schatz]].
===Sala de los nombres===
La Sala de los Nombres es un monumento dedicado a todas las víctimas judías que perecieron en el Holocausto. Este salón de forma circular se encuentra al final del nuevo museo, y los nombres están recopilados a través de "Páginas de testimonio", conteniendo breves biografías de cada una de los millones de víctimas del Holocausto, sobre la base de un proyecto especial llamado "Para cada ser humano, un nombre". Más de 2 millones de estas hojas están guardadas en el depósito circular que circunvala la sala, habiendo lugar para un total de seis millones.
El buhardillado de la sala de diez metros de altura tiene forma cónica y en él se exhiben 600 fotografías con los rostros y fragmentos de las Páginas de Testimonio. Esta exhibición representa una pequeña fracción de los seis millones de hombres, mujeres y niños de todas partes del mundo judío que perecieron a manos de los [[nazis]] y sus colaboradores. Los retratos de las víctimas se ven reflejados sobre el agua en la base de un cono opuesto excavado en la piedra de la montaña donde está construido el monumento.
Al final de la sala se proyectan Hojas de Testimonio sobre una pantalla de vidrio. Allí es posible entrar a un centro de computación y buscar en la Base Central de Datos de Nombres de Víctimas del Holocausto. Este proyecto es una herramienta adicional para ayudar en la investigación histórica y la investigación particular por parte de las familias de las víctimas.
La Sala de los Nombres fue proyectada y diseñada por el arquitecto [[Moshe Safdie]] y la diseñadora [[Dorit Harel]].
===Yad LaYeled===
Este Monumento Conmemorativo de los Niños (en hebreo, יד לילד‎, Yad LaYeled), que está excavado en una caverna subterránea, es un tributo a los aproximadamente 1.5 millones de niños judíos que perecieron en el Holocausto. Al ingresar, en la oscuridad de su interior se ven centenares de velas encendidas reflejadas en miles de espejos rotos, representando a millares de estrellas en el cielo, en recuerdo a los niños que fueron muertos. Durante el recorrido se escucha, como trasfondo, nombres de niños asesinados, sus edades y países de origen.
Yad LaYeled fue proyectado y diseñado por el arquitecto [[Moshe Safdie.]]
===Valle de las Comunidades===
El Valle de las Comunidades (en hebreo, בקעת הקהילות‎) es un enorme monumento de 2,5 hectáreas, excavado en roca natural. Más de 5000 nombres de diferentes comunidades están grabados en las 107 paredes de piedra [[Jerusalén]], que corresponde aproximadamente a la disposición geográfica del mapa de [[Europa]] y el Norte de [[África]].
Los nombres de las comunidades fueron grabados y conmemorados en las paredes del valle para que las futuras generaciones se identifiquen con los recuerdos y encuentren sus raíces. Cada nombre recuerda a una comunidad judía existente durante cientos de años; para los habitantes, cada comunidad constituye todo un mundo. Hoy en día, en la mayoría de los casos, no queda más que el nombre.
La idea de conmemorar a las comunidades destruidas en la [[Europa]] [[nazi]] surge de la Ley de Yad Vashem de 1953, que establece la creación de una autoridad para conmemorar "las comunidades, sinagogas, movimientos y organizaciones, instituciones públicas, culturales, educativas, religiosas y caritativas que fueron destruidas y arruinadas por las diabólicas estratagemas para borrar el nombre de Israel y su cultura de la faz de la tierra".
En la entrada al Valle se encuentra la siguiente inscripción:
"Este monumento conmemorativo conmemora a las comunidades judías destruidas por la [[Alemania]] nazi y sus colaboradores, y a las pocas que sobrevivieron pero sufrieron a la sombra del Holocausto. Durante más de un milenio, los judíos vivieron en Europa, organizando comunidades para preservar su identidad distintiva. En períodos de relativa tranquilidad, la cultura judía floreció, pero en períodos de agitación los judíos fueron obligados a huir. Dondequiera que se asentaron, dotaron a los pueblos entre los que vivían con sus talentos. Aquí, sus historias serán explicadas...”
El centro fue excavado en la tierra, no habiéndose construido nada sobre el terreno. Es como si lo que se había acumulado en la superficie de la tierra a lo largo de un milenio -mil años de vida comunitaria judía- hubiera sido tragado de repente. Visto en su conjunto, el sitio se asemeja a un conjunto de ruinas, describiendo un mundo que ha desaparecido.
El Valle de las Comunidades fue proyectado y diseñado por los arquitectos [[Lipa Yahalom]] y [[Dan Tzur]]. La ceremonia de inauguración tuvo lugar en Yad Vashem, en octubre de 1992.
===Jardín de los Justos entre las Naciones===
Una avenida de árboles que fueron plantados en homenaje a los Justos entre las Naciones que fueron reconocidos por Yad Vashem. Debajo de cada árbol hay placas con el nombre de los valientes con que fueron homenajeados en su plantío y donde destaca entre otros Irene sendler
===El Museo Histórico===
El Museo de las Generaciones del Holocausto incluye exposiciones permanentes y temporales sobre un tema. En el museo se exponen fotografías, objetos auténticos y artefactos que ayudan a demostrar mejor la tragedia del Holocausto.
===Centro de las Generaciones del Holocausto===
Este nuevo museo, que fue inaugurado en 2005, tiene por objetivo reunir hechos históricos con los sentimientos destacando las historias de las víctimas a través de los objetos personales de judíos que estuvieron en el Holocausto, testimonios, filmes, diarios, cartas y objetos artísticos.
===Museo de Obras de Artes===
El Museo divulga obras de artes de artistas judíos de la época del Holocausto. Parte de las exposiciones son permanentes y parte temporales. El título del Museo es "No hay juegos infantiles".
===Patio de Eventos===
Sector donde todos los años se realizan los eventos centrales del Día del Holocausto. Este patio es el área cuya pared final está compuesta por piedras rojas y en cuyo centro hay un monumento en recuerdo a los muertos del Holocausto, escultura que es una réplica de la que se encuentra en [[Varsovia]] en homenaje a los Héroes del Gueto de [[Varsovia]], realizada por el escultor [[Natan Rapaport]].
===Otros lugares===
Hay en Yad Vashem otras plazas, patios y monumentos en recuerdo a los eventos y personalidades del Holocausto. Entre ellas la [[Plaza Gueto de Varsovia]], la [[Plaza Yenush Kortchak]] y el [[Monumento conmemorativo de Kortchak]], el Jardín de los Justos entre las Naciones, el Monumento conmemorativo de las Víctimas de los Campos de Exterminio, el panorama de los Partisanos, el Monumento conmemorativo La Shambon.
==Reconocimientos==
*En el año 2003 la institución recibió el Premio [[Israel]] por su relevancia en beneficio de la sociedad israelí.
*En septiembre de 2007, le fue otorgado el Premio Príncipe de [[Asturias]] de la Concordia. El viernes 26 de octubre de 2007, Yad Vashem recibió de manos de su Alteza el [[Príncipe Felipe de [[España]]]], el prestigioso premio [[Príncipe de Asturias]] de la Concordia. Yad Vashem fue seleccionado de entre 47 candidatos de 28 países.

==Fuentes==
*http://www.yadvashem.org/es.html
*http://www.yadvashem.org/es/museum/holocaust-history-museum.html
*https://es.wikipedia.org/wiki/Yad_Vashem
*http://www.yadvashem.org/es/museum.html
*https://www.minube.com/rincon/museo-del-holocausto---yad-vashem-a152572
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g293983-d319073-Reviews-Yad_Vashem_The_World_Holocaust_Remembrance_Center-Jerusalem_Jerusalem_District.html
*https://es.wikiarquitectura.com/edificio/museo-historico-del-holocausto-yad-vashem/
*http://israeladentro.com/museo-del-holocausto-yad-vashem/
[[Categoría:Museos]]

Archivo:Mapa Yad Vashem.png

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Museo Nacional de Corea

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El '''Museo Nacional de Corea''' es el principal museo de la historia y el arte coreano ubicado en [[Corea del Sur]]. Es la organización cultural que representa a [[Corea]] y se estableció por primera vez en 1945. En octubre de 2005, el museo abrió sus puertas en un nuevo edificio en el Parque de la Familia Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo contiene más de 150 000cr objetos Pretende ser el museo más grande en [[Asia]] y el sexto entre los mayores museos del mundo en términos de superficie, la cual abarca 28 542 metros cuadrados.
Las medidas para proteger los tesoros en el interior del museo incluyen el diseño de un edificio construido para soportar un terremoto de magnitud 6,0 en escala de Richter. Las vitrinas de los objetos están equipadas con plataformas de protección sísmica que absorben los temblores e impactos, también hay un sistema importado de iluminación natural que utiliza la luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de purificación de aire diseñado para proteger el arte y los objetos del museo. El museo también está hecho de materiales resistentes al fuego.
Para diseñar el nuevo edificio, el gobierno coreano licitó propuestas de arquitectos de todo el mundo para el nuevo edificio. Hubo más de 854 entradas de 59 países. El diseño ganador se inspiró en la idea de una fortaleza tradicional coreana y fue presentado por Chang-Il Kim, Junglim Architects & Engineers Ltd.
El edificio es oblongo, al igual que una fortaleza coreana, de 404 metros de longitud. Tiene seis pisos de altura y está rodeado de jardines y plantas autóctonas. Se llega en la Línea 4 en la estación de Ichon o de la Línea de Yongsan-Deokso del Metro de [[Seúl]].
==Historia==
El emperador Sunjong estableció el primer museo de [[Corea]], el Imperial Household Museum, en 1909. Las colecciones del Museo Imperial Doméstico de Changgyeonggung y el Museo General del Gobierno japonés administrado durante el gobierno japonés de Corea se convirtieron en el núcleo de la colección del Museo Nacional, Corea recuperó su independencia en 1945.
Durante la Guerra de [[Corea], las 20 000 piezas del museo fueron trasladadas con seguridad a Busan para evitar la destrucción. Cuando el museo volvió a Seúl después de la guerra, fue alojado en el Placio Gyeongbokgung y Palacio de Deoksugung. En 1972, el museo se trasladó otra vez a un nuevo edificio en las afueras del palacio de Gyeonbokgung. El museo se trasladó de nuevo en 1986 al Jungangcheong, antiguo edificio del gobierno general japonés , donde fue alojado (con cierta controversia y crítica) hasta la demolición del edificio en 1995. En diciembre de 1996, el museo fue abierto al público en alojamiento temporal En la renovada Sala de Educación Social, antes de reabrir oficialmente su nuevo gran edificio en el Parque de la Familia Yongsan el 28 de octubre de 2005.
En octubre de 2005, el museo se abrió en un nuevo edificio en el Parque Familiar Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo está situado en lo que solía ser un campo de golf que formaba parte de la guarnición de Yongsan, el mando central de las Fuerzas de los [[Estados Unidos]] estacionados en [[Corea]]. El ejército estadounidense devolvió una parte de la tierra en 1992 al gobierno coreano, que pasó a convertirse en el Parque de la Familia Yongsan. Mientras que los planes para el museo dentro del parque comenzaron en 1993, su abertura fue retrasada repetidamente por un helipuerto, que fue reasentado eventual en 2005 por el acuerdo. El museo contiene sobre 310 000 piezas en su colección, con cerca de 15 000 piezas contemporáneas. Exhibe reliquias y artefactos a lo largo de seis galerías de exposiciones permanentes como la Prehistoria y la Galería de la Antigüedad, la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, la Galería de Donaciones, la Galería de Caligrafía y Pintura, la Galería de Arte Asiático y la Galería de Escultura y Artesanía. Es el sexto museo más grande del mundo en términos de espacio, que ahora cubre un total de 295 551 metros cuadrados (3 180 000 pies cuadrados). Con el fin de proteger los artefactos dentro del museo, el edificio principal fue construido para soportar un terremoto de magnitud 6.0 Richter Escala. Las vitrinas están equipadas con plataformas amortiguadoras. También hay un sistema de iluminación natural importada que utiliza luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de aire acondicionado especialmente diseñado. El museo está hecho de materiales resistentes al fuego y cuenta con salas de exposiciones especiales, instalaciones educativas, un museo para niños, amplias zonas de exposición al aire libre, restaurantes, cafeterías y tiendas.
==Exhibición==
El museo está dividido en tres plantas. Simbólicamente, se supone que la izquierda del museo representa el pasado, mientras que el lado derecho del museo representa el futuro. La planta baja contiene parques; Jardines de plantas autóctonas; Cascadas y piscinas; y una colección de pagodas, stupas, linternas y estelas (incluyendo el Tesoro Nacional de Corea No. 2, la Gran Campana de Bosingak, el ejemplar de las campanas coreanas del período Joseon).
==Primer Piso==
En el primer piso se encuentra la Galería de Prehistoria e Historia Antigua, que contiene aproximadamente 4500 artefactos desde el Paleolítico hasta la era de Silla Unificada excavados en sitios de todo Corea. Las nueve salas de exposición de la galería son la Sala Paleolítica, la Sala del Neolítico, la Edad del Bronce y la Sala Gojoseon, la Sala Proto Tres Reinos, la Sala Goguryeo, la Sala Baekje, la Sala Gaya y la Sala Silla. Desde reliquias de piedra hasta antiguos ornamentos reales de lujo, las reliquias mostradas aquí muestran el largo viaje de los primeros pobladores de la Península hacia el desarrollo de su cultura única.
Artefactos de importantes sitios prehistóricos y asentamientos como los Petroglyphs Bangudae y Songgung-ni se encuentran en la sala del periodo Neolítico y Edad del Bronce.
También en el primer piso se encuentra la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, que muestra el patrimonio cultural e histórico a lo largo de los períodos unificados de Silla, Balhae, Goryeo y Joseon. Las ocho habitaciones de la galería incluyen la sala Unified Silla, la sala Balhae, la sala Goryeo y la sala Joseon.
==Segundo Piso==
El segundo piso contiene la galería de la donación y la galería de la caligrafía y de la pintura, que contiene 890 piezas de arte que exhiben las artes tradicionales y religiosas de Corea. La Galería de Caligrafía y Pintura se divide en cuatro salas: la Sala de Pintura, la Sala de Caligrafía, la Sala de Pinturas Budistas y la Sarangbang (Estudio de Estudiantes).
La Galería de Donaciones contiene 800 piezas de arte donadas de colecciones privadas. La galería está dividida en once salas: la Sala de Colección Lee Hong-kun, la Sala de Colección Kim Chong-hak, la Sala de Colección Yu Kang-yul, la Sala de Colección Park Young-sook, la Sala de Colección Choi Young-do, el Parque La Sala de Colección Byong-rae, la Sala de Colección Yoo Chang-jong, la Sala de Colección Kaneko Kazushige, la Sala de Colección Hachiuma Tadasu, la Sala de Colección Iuchi Isao y la Sala de Colección Otros.

==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Corea
*http://spanish.visitkorea.or.kr/spa/TR/TR_SP_3_1_2.jsp?cid=334846
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g294197-d325043-Reviews-National_Museum_of_Korea-Seoul.html
*http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/11/museo-nacional-de-corea-seul.html
*https://www.triporg.org/es/cities/13/seoul/2717/museo-nacional-de-corea
*https://www.minube.com/rincon/museo-nacional-a2153677
*https://es.viator.com/es/7380/Seoul-attractions/National-Museum-of-Korea/d973-a8974
*http://www.arqhys.com/construcciones/museo-nacional-corea.html

[[Categoría:Museos]]

Museo Nacional de Corea

2018-02-27T18:12:20Z

Janyliz:

{{Ficha de museo
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| colecciones =
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| superficie = 295 551 m2
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}}

El '''Museo Nacional de Corea''' es el principal museo de la historia y el arte coreano ubicado en [[Corea del Sur]]. Es la organización cultural que representa a [[Corea]] y se estableció por primera vez en 1945. En octubre de 2005, el museo abrió sus puertas en un nuevo edificio en el Parque de la Familia Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo contiene más de 150 000cr objetos Pretende ser el museo más grande en [[Asia]] y el sexto entre los mayores museos del mundo en términos de superficie, la cual abarca 28 542 metros cuadrados.
Las medidas para proteger los tesoros en el interior del museo incluyen el diseño de un edificio construido para soportar un terremoto de magnitud 6,0 en escala de Richter. Las vitrinas de los objetos están equipadas con plataformas de protección sísmica que absorben los temblores e impactos, también hay un sistema importado de iluminación natural que utiliza la luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de purificación de aire diseñado para proteger el arte y los objetos del museo. El museo también está hecho de materiales resistentes al fuego.
Para diseñar el nuevo edificio, el gobierno coreano licitó propuestas de arquitectos de todo el mundo para el nuevo edificio. Hubo más de 854 entradas de 59 países. El diseño ganador se inspiró en la idea de una fortaleza tradicional coreana y fue presentado por Chang-Il Kim, Junglim Architects & Engineers Ltd.
El edificio es oblongo, al igual que una fortaleza coreana, de 404 metros de longitud. Tiene seis pisos de altura y está rodeado de jardines y plantas autóctonas. Se llega en la Línea 4 en la estación de Ichon o de la Línea de Yongsan-Deokso del Metro de [[Seúl]].
==Historia==
El emperador Sunjong estableció el primer museo de [[Corea]], el Imperial Household Museum, en 1909. Las colecciones del Museo Imperial Doméstico de Changgyeonggung y el Museo General del Gobierno japonés administrado durante el gobierno japonés de Corea se convirtieron en el núcleo de la colección del Museo Nacional, Corea recuperó su independencia en 1945.
Durante la Guerra de [[Corea], las 20 000 piezas del museo fueron trasladadas con seguridad a Busan para evitar la destrucción. Cuando el museo volvió a Seúl después de la guerra, fue alojado en el Placio Gyeongbokgung y Palacio de Deoksugung. En 1972, el museo se trasladó otra vez a un nuevo edificio en las afueras del palacio de Gyeonbokgung. El museo se trasladó de nuevo en 1986 al Jungangcheong, antiguo edificio del gobierno general japonés , donde fue alojado (con cierta controversia y crítica) hasta la demolición del edificio en 1995. En diciembre de 1996, el museo fue abierto al público en alojamiento temporal En la renovada Sala de Educación Social, antes de reabrir oficialmente su nuevo gran edificio en el Parque de la Familia Yongsan el 28 de octubre de 2005.
En octubre de 2005, el museo se abrió en un nuevo edificio en el Parque Familiar Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo está situado en lo que solía ser un campo de golf que formaba parte de la guarnición de Yongsan, el mando central de las Fuerzas de los [[Estados Unidos]] estacionados en [[Corea]]. El ejército estadounidense devolvió una parte de la tierra en 1992 al gobierno coreano, que pasó a convertirse en el Parque de la Familia Yongsan. Mientras que los planes para el museo dentro del parque comenzaron en 1993, su abertura fue retrasada repetidamente por un helipuerto, que fue reasentado eventual en 2005 por el acuerdo. El museo contiene sobre 310 000 piezas en su colección, con cerca de 15 000 piezas contemporáneas. Exhibe reliquias y artefactos a lo largo de seis galerías de exposiciones permanentes como la Prehistoria y la Galería de la Antigüedad, la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, la Galería de Donaciones, la Galería de Caligrafía y Pintura, la Galería de Arte Asiático y la Galería de Escultura y Artesanía. Es el sexto museo más grande del mundo en términos de espacio, que ahora cubre un total de 295 551 metros cuadrados (3 180 000 pies cuadrados). Con el fin de proteger los artefactos dentro del museo, el edificio principal fue construido para soportar un terremoto de magnitud 6.0 Richter Escala. Las vitrinas están equipadas con plataformas amortiguadoras. También hay un sistema de iluminación natural importada que utiliza luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de aire acondicionado especialmente diseñado. El museo está hecho de materiales resistentes al fuego y cuenta con salas de exposiciones especiales, instalaciones educativas, un museo para niños, amplias zonas de exposición al aire libre, restaurantes, cafeterías y tiendas.
==Exhibición==
El museo está dividido en tres plantas. Simbólicamente, se supone que la izquierda del museo representa el pasado, mientras que el lado derecho del museo representa el futuro. La planta baja contiene parques; Jardines de plantas autóctonas; Cascadas y piscinas; y una colección de pagodas, stupas, linternas y estelas (incluyendo el Tesoro Nacional de Corea No. 2, la Gran Campana de Bosingak, el ejemplar de las campanas coreanas del período Joseon).
==Primer Piso==
En el primer piso se encuentra la Galería de Prehistoria e Historia Antigua, que contiene aproximadamente 4500 artefactos desde el Paleolítico hasta la era de Silla Unificada excavados en sitios de todo Corea. Las nueve salas de exposición de la galería son la Sala Paleolítica, la Sala del Neolítico, la Edad del Bronce y la Sala Gojoseon, la Sala Proto Tres Reinos, la Sala Goguryeo, la Sala Baekje, la Sala Gaya y la Sala Silla. Desde reliquias de piedra hasta antiguos ornamentos reales de lujo, las reliquias mostradas aquí muestran el largo viaje de los primeros pobladores de la Península hacia el desarrollo de su cultura única.
Artefactos de importantes sitios prehistóricos y asentamientos como los Petroglyphs Bangudae y Songgung-ni se encuentran en la sala del periodo Neolítico y Edad del Bronce.
También en el primer piso se encuentra la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, que muestra el patrimonio cultural e histórico a lo largo de los períodos unificados de Silla, Balhae, Goryeo y Joseon. Las ocho habitaciones de la galería incluyen la sala Unified Silla, la sala Balhae, la sala Goryeo y la sala Joseon.
==Segundo Piso==
El segundo piso contiene la galería de la donación y la galería de la caligrafía y de la pintura, que contiene 890 piezas de arte que exhiben las artes tradicionales y religiosas de Corea. La Galería de Caligrafía y Pintura se divide en cuatro salas: la Sala de Pintura, la Sala de Caligrafía, la Sala de Pinturas Budistas y la Sarangbang (Estudio de Estudiantes).
La Galería de Donaciones contiene 800 piezas de arte donadas de colecciones privadas. La galería está dividida en once salas: la Sala de Colección Lee Hong-kun, la Sala de Colección Kim Chong-hak, la Sala de Colección Yu Kang-yul, la Sala de Colección Park Young-sook, la Sala de Colección Choi Young-do, el Parque La Sala de Colección Byong-rae, la Sala de Colección Yoo Chang-jong, la Sala de Colección Kaneko Kazushige, la Sala de Colección Hachiuma Tadasu, la Sala de Colección Iuchi Isao y la Sala de Colección Otros.

==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Corea
*http://spanish.visitkorea.or.kr/spa/TR/TR_SP_3_1_2.jsp?cid=334846
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g294197-d325043-Reviews-National_Museum_of_Korea-Seoul.html
*http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/11/museo-nacional-de-corea-seul.html
*https://www.triporg.org/es/cities/13/seoul/2717/museo-nacional-de-corea
*https://www.minube.com/rincon/museo-nacional-a2153677
*https://es.viator.com/es/7380/Seoul-attractions/National-Museum-of-Korea/d973-a8974
*http://www.arqhys.com/construcciones/museo-nacional-corea.html

[[Categoría:Museos]]

Museo Nacional de Corea

2018-02-19T21:09:07Z

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El Museo Nacional de [[Corea]] es el principal museo de la historia y el arte coreano ubicado en [[Corea del Sur]]. Es la organización cultural que representa a [[Corea]] y se estableció por primera vez en 1945. En octubre de 2005, el museo abrió sus puertas en un nuevo edificio en el Parque de la Familia Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo contiene más de 150 000cr objetos Pretende ser el museo más grande en [[Asia]] y el sexto entre los mayores museos del mundo en términos de superficie, la cual abarca 28 542 metros cuadrados.
Las medidas para proteger los tesoros en el interior del museo incluyen el diseño de un edificio construido para soportar un terremoto de magnitud 6,0 en escala de Richter. Las vitrinas de los objetos están equipadas con plataformas de protección sísmica que absorben los temblores e impactos, también hay un sistema importado de iluminación natural que utiliza la luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de purificación de aire diseñado para proteger el arte y los objetos del museo. El museo también está hecho de materiales resistentes al fuego.
Para diseñar el nuevo edificio, el gobierno coreano licitó propuestas de arquitectos de todo el mundo para el nuevo edificio. Hubo más de 854 entradas de 59 países. El diseño ganador se inspiró en la idea de una fortaleza tradicional coreana y fue presentado por Chang-Il Kim, Junglim Architects & Engineers Ltd.
El edificio es oblongo, al igual que una fortaleza coreana, de 404 metros de longitud. Tiene seis pisos de altura y está rodeado de jardines y plantas autóctonas. Se llega en la Línea 4 en la estación de Ichon o de la Línea de Yongsan-Deokso del Metro de [[Seúl]].
==Historia==
El emperador Sunjong estableció el primer museo de [[Corea]], el Imperial Household Museum, en 1909. Las colecciones del Museo Imperial Doméstico de Changgyeonggung y el Museo General del Gobierno japonés administrado durante el gobierno japonés de Corea se convirtieron en el núcleo de la colección del Museo Nacional, Corea recuperó su independencia en 1945.
Durante la Guerra de [[Corea], las 20 000 piezas del museo fueron trasladadas con seguridad a Busan para evitar la destrucción. Cuando el museo volvió a Seúl después de la guerra, fue alojado en el Placio Gyeongbokgung y Palacio de Deoksugung. En 1972, el museo se trasladó otra vez a un nuevo edificio en las afueras del palacio de Gyeonbokgung. El museo se trasladó de nuevo en 1986 al Jungangcheong, antiguo edificio del gobierno general japonés , donde fue alojado (con cierta controversia y crítica) hasta la demolición del edificio en 1995. En diciembre de 1996, el museo fue abierto al público en alojamiento temporal En la renovada Sala de Educación Social, antes de reabrir oficialmente su nuevo gran edificio en el Parque de la Familia Yongsan el 28 de octubre de 2005.
En octubre de 2005, el museo se abrió en un nuevo edificio en el Parque Familiar Yongsan en [[Seúl]], [[Corea del Sur]]. El museo está situado en lo que solía ser un campo de golf que formaba parte de la guarnición de Yongsan, el mando central de las Fuerzas de los [[Estados Unidos]] estacionados en [[Corea]]. El ejército estadounidense devolvió una parte de la tierra en 1992 al gobierno coreano, que pasó a convertirse en el Parque de la Familia Yongsan. Mientras que los planes para el museo dentro del parque comenzaron en 1993, su abertura fue retrasada repetidamente por un helipuerto, que fue reasentado eventual en 2005 por el acuerdo. El museo contiene sobre 310 000 piezas en su colección, con cerca de 15 000 piezas contemporáneas. Exhibe reliquias y artefactos a lo largo de seis galerías de exposiciones permanentes como la Prehistoria y la Galería de la Antigüedad, la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, la Galería de Donaciones, la Galería de Caligrafía y Pintura, la Galería de Arte Asiático y la Galería de Escultura y Artesanía. Es el sexto museo más grande del mundo en términos de espacio, que ahora cubre un total de 295 551 metros cuadrados (3 180 000 pies cuadrados). Con el fin de proteger los artefactos dentro del museo, el edificio principal fue construido para soportar un terremoto de magnitud 6.0 Richter Escala. Las vitrinas están equipadas con plataformas amortiguadoras. También hay un sistema de iluminación natural importada que utiliza luz solar en lugar de luces artificiales y un sistema de aire acondicionado especialmente diseñado. El museo está hecho de materiales resistentes al fuego y cuenta con salas de exposiciones especiales, instalaciones educativas, un museo para niños, amplias zonas de exposición al aire libre, restaurantes, cafeterías y tiendas.
==Exhibición==
El museo está dividido en tres plantas. Simbólicamente, se supone que la izquierda del museo representa el pasado, mientras que el lado derecho del museo representa el futuro. La planta baja contiene parques; Jardines de plantas autóctonas; Cascadas y piscinas; y una colección de pagodas, stupas, linternas y estelas (incluyendo el Tesoro Nacional de Corea No. 2, la Gran Campana de Bosingak, el ejemplar de las campanas coreanas del período Joseon).
==Primer Piso==
En el primer piso se encuentra la Galería de Prehistoria e Historia Antigua, que contiene aproximadamente 4500 artefactos desde el Paleolítico hasta la era de Silla Unificada excavados en sitios de todo Corea. Las nueve salas de exposición de la galería son la Sala Paleolítica, la Sala del Neolítico, la Edad del Bronce y la Sala Gojoseon, la Sala Proto Tres Reinos, la Sala Goguryeo, la Sala Baekje, la Sala Gaya y la Sala Silla. Desde reliquias de piedra hasta antiguos ornamentos reales de lujo, las reliquias mostradas aquí muestran el largo viaje de los primeros pobladores de la Península hacia el desarrollo de su cultura única.
Artefactos de importantes sitios prehistóricos y asentamientos como los Petroglyphs Bangudae y Songgung-ni se encuentran en la sala del periodo Neolítico y Edad del Bronce.
También en el primer piso se encuentra la Galería de la Edad Media y la Edad Moderna, que muestra el patrimonio cultural e histórico a lo largo de los períodos unificados de Silla, Balhae, Goryeo y Joseon. Las ocho habitaciones de la galería incluyen la sala Unified Silla, la sala Balhae, la sala Goryeo y la sala Joseon.
==Segundo Piso==
El segundo piso contiene la galería de la donación y la galería de la caligrafía y de la pintura, que contiene 890 piezas de arte que exhiben las artes tradicionales y religiosas de Corea. La Galería de Caligrafía y Pintura se divide en cuatro salas: la Sala de Pintura, la Sala de Caligrafía, la Sala de Pinturas Budistas y la Sarangbang (Estudio de Estudiantes).
La Galería de Donaciones contiene 800 piezas de arte donadas de colecciones privadas. La galería está dividida en once salas: la Sala de Colección Lee Hong-kun, la Sala de Colección Kim Chong-hak, la Sala de Colección Yu Kang-yul, la Sala de Colección Park Young-sook, la Sala de Colección Choi Young-do, el Parque La Sala de Colección Byong-rae, la Sala de Colección Yoo Chang-jong, la Sala de Colección Kaneko Kazushige, la Sala de Colección Hachiuma Tadasu, la Sala de Colección Iuchi Isao y la Sala de Colección Otros.

==Fuentes==
*https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Corea
*http://spanish.visitkorea.or.kr/spa/TR/TR_SP_3_1_2.jsp?cid=334846
*https://www.tripadvisor.es/Attraction_Review-g294197-d325043-Reviews-National_Museum_of_Korea-Seoul.html
*http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/2009/11/museo-nacional-de-corea-seul.html
*https://www.triporg.org/es/cities/13/seoul/2717/museo-nacional-de-corea
*https://www.minube.com/rincon/museo-nacional-a2153677
*https://es.viator.com/es/7380/Seoul-attractions/National-Museum-of-Korea/d973-a8974
*http://www.arqhys.com/construcciones/museo-nacional-corea.html

[[Categoría:Museos]]

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

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