EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Usuario:Juan pal.jovenclub

2010-05-19T14:26:59Z

Juan pal.jovenclub:

{{Usuario|usuario=Juan_pal.jovenclub|apellidos=Fernández Pérez|nombres=Juan Carlos|fotografía=|estudio=Técnico Medio|título=Técnico Medio en Electrónica|postgrado=|temas=Deporte, Literatura, Electrónica|institución=[[Joven Club de Computación y Electrónica]]|país=[[Cuba]]}}Me llamo Juan Carlos, soy trabajador del Palacio Central de Computación en Ciudad de la Habana, me desempeño en el mismo como isntructor.

== Publicaciones ==

*[[Zunzún]]
*[[Javier Méndez]]
*[[Miguel Angel]]
*[[Edificio FOCSA]]
*[[Louis Pasteur]]
*[[Cordillera del Himalaya]]
*[[Gran Teatro de La Habana]]
*[[Chaya]]

== Proyectos ==

*[[El Paseo del Prado de la Habana]]

Usuario:Juan pal.jovenclub

2010-05-11T19:39:16Z

Juan pal.jovenclub: Página creada con '{{Usuario|usuario=Juan_pal.jovenclub|apellidos=Fernández Pérez|nombres=Juan Carlos|fotografía=|estudio=Técnico Medio|título=Técnico Medio en Audio|postgrado=|temas=Deporte…'

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== Publicaciones ==

*[[Zunzún]]
*[[Javier Méndez]]
*[[Miguel Angel]]
*[[Edificio FOCSA]]
*[[Louis Pasteur]]
*[[Cordillera del Himalaya]]
*[[Gran Teatro de La Habana]]
*[[Chaya]]

== Proyectos ==

Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso

2010-03-02T17:09:26Z

Juan pal.jovenclub:

{{Obra_plástica_o_arquitectónica|nombre=[[Gran teatro de la Habana]] |imagen=tacon2.jpg|descripcion=El GRAN TEATRO DE LA HABANA, heredero del Gran Teatro Tacón, es una institución cultural de ayer, hoy y mañana |autor=[[Antonio Mayo]]|fecha=[[15 de abril de 1838]] |ubicacion=[[La habana]] ,[[Cuba]]}} Gran teatro de la habana Garcia Lorca antiguo teatro Tacón 

El GRAN TEATRO DE LA HABANA, heredero del Gran Teatro Tacón, es una institución cultural de ayer, hoy y mañana y arriba a sus 172 años con total vigencia y profusión de ofertas culturales en uno de sus períodos más activos desde su fundación 

== Sus orígenes y comienzos ==

Su arquitecto Antonio Mayo, logró dotar al edificio de los requisitos necesarios, en cuanto a comodidad, capacidad, ventilación y condiciones acústicas. Levantado en un extremo de la entonces Alameda de Isabel II y a pocos metros de la puerta de Monserrate, en la Muralla de la Habana, tenía 90 palcos y 22 filas de lunetas y una capacidad mínima de dos mil asistentes, pero con posibilidad máxima de llegar hasta cinco. La primera función de temporada ocurrió el 15 de abril de 1838 con la obra [[“Don Juan de Austria”]], actuada por el ya famoso actor cubano [[Francisco Covarrubias.]] Entonces se puso de moda decir que ir a [[La Habana]] sin visitar el Tacón, era como estar en la ciudad italiana de [[Pisa]] y no llegarse hasta la torre inclinada. El avispado empresario dueño de la instalación era un alto, huesudo, enjuto y desaliñado catalán llamado [[Francisco Marty y Torrens]], quien había llegado a Cuba “sin un duro” y casi analfabeto, para tiempo después, gracias al negocio de la trata de esclavos y más tarde en el mercado de la pescadería, convertirse en don Pancho Marty. Tal llegó a ser el lujo de Tacón que por la época se cantaban unas coplas, en las que se decía “tres cosas tiene La Habana que causan admiración: [[El Morro]], [[La Cabaña]]y [[La araña del Tacón]]” refiriéndose a una enorme y llamativa lámpara de fino vidrio, importada de [[París]] que colgaba sobre la platea, y que dicho sea de paso, en una ocasión sufrió la ira de un público furioso por la mala calidad de una obra. Se dice que su esplendor terminó cuando en ocasión de una reparación le ocurrieron tantos percances que hubo de ser bajada y retirada de servicio activo. 

Para entonces, Pancho Marty, había vendido el teatro ―en 1857― a la compañía Anónima del Liceo de La Habana, institución que luego la cedió a la [[Sociedad Centro Gallego]].

[[Image:Tacon1.jpg|thumb|168x132px|El -Tacón- en su época era el teatro más grande y lujoso del continente americano y, por sus cualidades técnicas, el tercero del mundo, después de la Scala de Milán y el de la Opera de Viena]]Bajo la agrupación de los gaitos, fue remodelado el edificio ―con la imagen que hoy ostenta― y rebautizado como Teatro Nacional. Comenzaba otra etapa de gloria para el teatro, que sumaba otras personalidades a la lista de las que había subido a la escena, entre ellas la poetisa camagüeyana Gertrudis Gómez de Avellaneda a quien se coronó en una inusitada ceremonia en la noche del [[27 de enero de 1860]]. 

== Su historia musical ==

El más importante de sus espacios es la Sala "[[García Lorca]]", antiguamente denominada Gran Teatro Tacón que tuvo sus primeras presentaciones en noviembre de 1837, y la inauguración oficial en abril de 1838. Activo desde entonces, por cuyo escenario han desfilado las compañías y figuras más significativas del arte universal, como las bailarinas [[Anna Pavlova]] y[[Alicia Alonso]], las actrices [[Sarah Bernhart]] y [[Eleonora Dusse]], las sopranos [[Adelina Patti]] y [[Victoria de los Ángeles]], el tenor [[Enrico Caruso]], los "bailadores" [[Carmen Amaya]] y [[Antonio Gades]], los músicos [[Arthur Rubinstein]] y [[Serguei Rachmáninov]] y otras muchas personalidades de alto relieve internacional de los siglos XIX y XX. 

Fue el primero en presentar las óperas italianas y las mejores obras españolas de la época.

En el enorme edificio, junto a [[San José]], había un cuartelillo de bomberos y un pequeño salón donde los asombrados habaneros vieron el inicio de lo que hoy llamamos cine. Por la entrada de San José una hermosa escalinata llevaba al domicilio de Don Pancho y familia.

A su vez, en un entresuelo entre esa residencia y el escenario se hallaban los camerinos y el apartamento de Antonio Meuci y de su esposa, Esther Mochi, ambos de [[Florencia]], Italia.El porqué este matrimonio era tan preferentemente tratado por Don Pancho es fácil de explicar. Meuci se hallaba en Cuba contratado como experto en el manejo de la técnica teatral. Había trabajado muchos años en el Teatro de [[La Pérgola]], uno de los más famosos de Italia. 

Por ejemplo, para que hubiese más amplitud para el baile, había inventado unos -gatos- mecánicos que en media hora subían toda la parte del piso donde iban los asientos.Pero la mayor gloria de Meuci fue el invento del [[Teléfono en 1850]], que logró 25 años antes que [[Alexander Graham Bel]]l.Incluso en [[Nueva York]] hay una estatua del italiano reconociendo la prioridad suya y de Cuba en el [[Image:Tacon.jpg|thumb|Ubicado en el cantrico paseo del Prado]]descubrimiento, pues los cuatro primeros teléfonos que funcionaron estaban instalados en el edificio del Gran Teatro Tacón. 

Las presentaciones del Ballet Nacional de Cuba o las celebraciones del Festival Internacional, hacen que el actual Gran Teatro de La Habana, el antiguo Tacón ―luego el García Lorca― y siempre presente coliseo del arte, se inscriba con derecho propio en la historia de la cultura cubana. 

Célebre por su acústica y belleza arquitectónica, es el Gran Teatro de La Habana , el escenario acostumbrado del Ballet Nacional de Cuba, asimismo acoge las temporadas del Centro Pro-Arte Lírico con sus programas de óperas, zarzuelas, operetas y conciertos, así como Ballet Español de La Habana y del Centro de Promoción de la Danza (PRODANZA), resulta además la sede de los Festivales Internacionales de Ballet de La Habana y de Arte Lírico, de los Cursos Prácticos de la Escuela Nacional de Ballet -CUBALLET-, del Festival "La Huella de España", del Festival Internacional de Narración Oral Escénica y otros varios. 

== Fuentes ==

  [[www.cubaescena.cult.cu]] 

  [[www.lajiribilla.co.cu]] 

 

 

[[Category:Institución_cultural]] [[Category:Patrimonio]]

Cordillera del Himalaya

2010-03-02T15:18:55Z

Juan pal.jovenclub:

{{Territorio|nombre=Cordillera del himalaya|simbolo=|imagen=Himalaya_composite.jpg|mapa=mapahimalaya.jpg|definicion=|ubicacion_geografica=[[Continente Asiatico]] |provincia=|municipio=|poblacion=|gentilicio=|fecha_de_fundacion=}} '''Cadena montañosa ubicada en el continente Asiatico''' 

 

== Cordillera del Himalaya ==

El Himalaya es una [[Cordillera]] situada en el continente [[Asiático]], y se extiende por los países de Bután, China, Nepal e India. Su nombre procede del [[Sánscrito]] mālaia, palabra compuesta por jimá: ‘nieve’ y alaia: ‘morada, lugar’. Es la cordillera más alta de la Tierra, con nueve de las catorce cimas de más de 8000 metros de altura, incluyendo el [[Everest]], con sus 8848 msnm, la montaña más alta del planeta. En un sentido amplio se menciona como "Sistema de los Himalayas" al sistema de montañas compuesto por las cordilleras del Himalaya, Karakórum, Hindu Kush y diversas otras subcordilleras que se extienden a partir del Nudo del Pamir y sus subcordilleras adyacentes, y que forman un arco de oeste a este de 2400 kilómetros, y cuya anchura de norte a sur varía desde los 400 kilómetros en la zona más occidental, entre [[Cachemira]] y [[Xinjiang]], hasta los 150 km al este, entre la parte oriental del Tíbet y el estado indio de Arunachal Pradesh. Este sistema montañoso se extendería por siete Estados, sumando Afganistán, Myanmar y Pakistán a los ya mencionados, e incluiría a las 14 montañas de la Tierra con una altitud mayor de 8.000 msnm. Para comprender la enorme escala de este sistema basta considerar que el Aconcagua, en los Andes, es la montaña más alta fuera de Asia con sus 6.959 m, mientras que el Sistema de los Himalayas cuenta con más de 100 picos que superan esta altitud. En el Himalaya nacen algunos de los mayores ríos del mundo como son el Ganges, Indo, Brahmaputra, Yamuna y Yangtsé, en cuyos cauces viven no menos de 1.300 millones de personas. Las montañas del Himalaya han influido profundamente en las culturas de Asia del Sur y muchas de ellas son consideradas sagradas para el [[Hinduismo]] o el [[Budismo]] 

 

== Orogenia ==

El Himalaya nació hace unos 50 millones de años, en la [[Era Terciaria]], y según la teoría de la tectónica de placas, se produjo por el choque del antiguo continente de la India y el de Eurasia, que resultó de la división de la antigua Laurasia. Este choque provocó un plegamiento en las rocas. Aún en la actualidad persiste el plegamiento al empujar en su deriva hacia el norte la placa correspondiente al Decán contra la del resto de Eurasia, por este motivo los montes Himalaya aún se están elevando. 

== Cimas ==

[[Image:Himalaya2.jpg|thumb|right|200px|Vista aérea de la cordillera del Himalaya.]] Es de notar que dentro de la India y Nepal el nombre himālaya no suele ser dado por las poblaciones locales a las montañas que no posean nieve en su cima (lo que suele ocurrir con las de menos de 3500 m) aún cuando orográficamente estén dentro de la cadena conocida en el resto del mundo como Himalaya. 

== Principales cimas del Himalaya ==

• [[Everest]] 8848 m                                                        [[Image:Himalayas.jpg|thumb|262x178px|En el Himalaya se encuentran varios países]] • [[Kanchenjunga]] 8586 m • [[Lhotse]] 8501 m • [[Makalu]] 8462 m • [[Cho Oyu]] 8201 m • [[Dhaulagiri]] 8167 m • [[Manaslu]] 8163 m • [[Annapurna]] 8091 m • [[Shisha Pangma]] 8027 m • [[Gyachung Kang]] 7922 m • [[Nanda Devi]] 7817 m • [[Pumori]] 7161 m • [[Ama Dablam]] 6856 m 

== Geografía política del Himalaya ==

En el Himalaya se encuentran varios países. Cubre una extensión de unos 594.400 km², que incluye partes de Pakistán, India, Nepal, Bután y Tíbet.La vertiente septentrional del Karakórum pertenece a Sinkiang, territorio chino, mientras que la vertiente meridional pertenece a [[Pakistán]]. El extremo oriental del Karakorum corresponde a Cachemira, territorio en disputa entre Pakistán y la India desde 1947.Del Himalaya, sensu stricto, la vertiente septentrional pertenece al Tíbet, país ocupado por China, repartiéndose la vertiente meridional entre Pakistán, la India, Nepal y Bután. 

Los grupos étnicos de la vertiente norte del Himalaya son predominantemente de tipo mongoloide al este y de religión budista, mientras que en la vertiente sur existe un complejo mosaico étnico y cultural (sólo en Nepal se distinguen al menos 19 grupos étnicos principales), de religión fundamentalmente musulmana en el oeste, e hinduista en el centro y este de la cordillera y budismo lamaísmo en el norte. 

== Fuentes ==

[[Gansser]], [[Augusto]], [[Andreas Gruschke]], [[Blanche C. Olschak]]: Himalaya, el techo del mundo. Madrid: Grupo Anaya, 1991. 

 

[[Category:Geografía]] [[Category:Geografía_Descriptiva]]

Cordillera del Himalaya

2010-03-02T15:15:33Z

Juan pal.jovenclub:

{{Territorio|nombre=Cordillera del himalaya|simbolo=|imagen=Himalaya_composite.jpg|mapa=|definicion=|ubicacion_geografica=[[Continente Asiatico]] |provincia=|municipio=|poblacion=|gentilicio=|fecha_de_fundacion=}} '''Cadena montañosa ubicada en el continente Asiatico''' 

 

== Cordillera del Himalaya ==

El Himalaya es una [[Cordillera]] situada en el continente [[Asiático]], y se extiende por los países de Bután, China, Nepal e India. Su nombre procede del [[Sánscrito]] mālaia, palabra compuesta por jimá: ‘nieve’ y alaia: ‘morada, lugar’. Es la cordillera más alta de la Tierra, con nueve de las catorce cimas de más de 8000 metros de altura, incluyendo el [[Everest]], con sus 8848 msnm, la montaña más alta del planeta. En un sentido amplio se menciona como "Sistema de los Himalayas" al sistema de montañas compuesto por las cordilleras del Himalaya, Karakórum, Hindu Kush y diversas otras subcordilleras que se extienden a partir del Nudo del Pamir y sus subcordilleras adyacentes, y que forman un arco de oeste a este de 2400 kilómetros, y cuya anchura de norte a sur varía desde los 400 kilómetros en la zona más occidental, entre [[Cachemira]] y [[Xinjiang]], hasta los 150 km al este, entre la parte oriental del Tíbet y el estado indio de Arunachal Pradesh. Este sistema montañoso se extendería por siete Estados, sumando Afganistán, Myanmar y Pakistán a los ya mencionados, e incluiría a las 14 montañas de la Tierra con una altitud mayor de 8.000 msnm. Para comprender la enorme escala de este sistema basta considerar que el Aconcagua, en los Andes, es la montaña más alta fuera de Asia con sus 6.959 m, mientras que el Sistema de los Himalayas cuenta con más de 100 picos que superan esta altitud. En el Himalaya nacen algunos de los mayores ríos del mundo como son el Ganges, Indo, Brahmaputra, Yamuna y Yangtsé, en cuyos cauces viven no menos de 1.300 millones de personas. Las montañas del Himalaya han influido profundamente en las culturas de Asia del Sur y muchas de ellas son consideradas sagradas para el [[Hinduismo]] o el [[Budismo]] 

 

== Orogenia ==

El Himalaya nació hace unos 50 millones de años, en la [[Era Terciaria]], y según la teoría de la tectónica de placas, se produjo por el choque del antiguo continente de la India y el de Eurasia, que resultó de la división de la antigua Laurasia. Este choque provocó un plegamiento en las rocas. Aún en la actualidad persiste el plegamiento al empujar en su deriva hacia el norte la placa correspondiente al Decán contra la del resto de Eurasia, por este motivo los montes Himalaya aún se están elevando. 

== Cimas ==

[[Image:Himalaya2.jpg|thumb|right|200px|Vista aérea de la cordillera del Himalaya.]] Es de notar que dentro de la India y Nepal el nombre himālaya no suele ser dado por las poblaciones locales a las montañas que no posean nieve en su cima (lo que suele ocurrir con las de menos de 3500 m) aún cuando orográficamente estén dentro de la cadena conocida en el resto del mundo como Himalaya. 

== Principales cimas del Himalaya ==

• [[Everest]] 8848 m                                                        [[Image:Himalayas.jpg|thumb|262x178px|En el Himalaya se encuentran varios países]] • [[Kanchenjunga]] 8586 m • [[Lhotse]] 8501 m • [[Makalu]] 8462 m • [[Cho Oyu]] 8201 m • [[Dhaulagiri]] 8167 m • [[Manaslu]] 8163 m • [[Annapurna]] 8091 m • [[Shisha Pangma]] 8027 m • [[Gyachung Kang]] 7922 m • [[Nanda Devi]] 7817 m • [[Pumori]] 7161 m • [[Ama Dablam]] 6856 m 

== Geografía política del Himalaya ==

En el Himalaya se encuentran varios países. Cubre una extensión de unos 594.400 km², que incluye partes de Pakistán, India, Nepal, Bután y Tíbet.La vertiente septentrional del Karakórum pertenece a Sinkiang, territorio chino, mientras que la vertiente meridional pertenece a [[Pakistán]]. El extremo oriental del Karakorum corresponde a Cachemira, territorio en disputa entre Pakistán y la India desde 1947.Del Himalaya, sensu stricto, la vertiente septentrional pertenece al Tíbet, país ocupado por China, repartiéndose la vertiente meridional entre Pakistán, la India, Nepal y Bután. 

Los grupos étnicos de la vertiente norte del Himalaya son predominantemente de tipo mongoloide al este y de religión budista, mientras que en la vertiente sur existe un complejo mosaico étnico y cultural (sólo en Nepal se distinguen al menos 19 grupos étnicos principales), de religión fundamentalmente musulmana en el oeste, e hinduista en el centro y este de la cordillera y budismo lamaísmo en el norte. 

== Fuentes ==

[[Gansser]], [[Augusto]], [[Andreas Gruschke]], [[Blanche C. Olschak]]: Himalaya, el techo del mundo. Madrid: Grupo Anaya, 1991. 

 

[[Category:Geografía]] [[Category:Geografía_Descriptiva]]

Edificio Focsa

2010-03-02T14:51:44Z

Juan pal.jovenclub:

{{Obra_plástica_o_arquitectónica|nombre=Focsa|imagen=focsa.jpg|descripcion=Uno de los edificios más emblemáticos de la Habana: el focsa, con más de medio siglo de construido|autor=[[Ernesto Gómez Sampera]]|fecha=Junio de [[1956]]|ubicacion=[[Vedado]].[[Ciudad de la Habana]]}}

= El edificio Focsa y sus origenes =

El Edificio Focsa es un edificio enclavado en el barrio El [[Vedado]] de La Habana, capital de [[Cuba]]. Es considerado una de las siete maravillas de la ingeniería civil cubana. Su construcción duró aproximadamente dos años y cuatro meses. Su terminación en 1956 despertó sensación en la población cubana por su novedad tecnológica y marcó el comienzo de la era de los edificios altos habaneros. En una época en que las construcciones de hormigón superiores a 18 plantas resultaban incosteables, el Focsa constituyó la segunda obra de su tipo en el mundo. El grupo de proyección del edificio estuvo dirigido por el ingeniero [[Luis Sáenz Duplace]] y por la parte arquitectónica el arquitecto [[Ernesto Gómez Sampera]] (1921-2004) y su equipo. El arquitecto Gómez Sampera se radicó en [[Puerto Rico]], donde siguió ejerciendo la profesión hasta su deceso el 19 de enero de 2004.

La idea inicial fue la de construir viviendas para los empleados de la [[Cadena de Radio]] y [[Televisión CMQ]], y a ese efecto el primer sitio que se seleccionó fue un reparto llamado [[Arroyo Arenas]], pero se desechó debido a lo alejado del lugar, por lo que se escogió la manzana situada entre las calles 17, 19, M y N en el reparto El Vedado, a 200 metros de Radiocentro, sede de los estudios de la CMQ y casi frente al famoso [[Malecón habanero]] , en la ciudad de La Habana. 

== Su costo ==

El costo de los 10 mil m² de la manzana fue de 700 mil pesos y se tomó como relación óptima que el terreno debía ser el 10% de total del costo del edificio y determinó que para amortizarlo sería necesario construir 400 apartamentos. El organismo Fomento de Hipotecas Aseguradas (FHA) financió el 80% del costo de las viviendas y el 60% de los locales comerciales, como se consideraba mínimo el riesgo al existir 400 deudores (3) el Banco Continental Cubano concedió un crédito de 6 millones de pesos. 

== Su estructura y ejecucion ==

Los pisos típicos tenían 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar. El costo básico de los apartamentos era de 21,500 para los primeros y 17,500 para los más pequeños. Se estipuló que por cada piso que se ascendía se cobraban 30 pesos adicionales, y sin embargo los más altos fueron los primeros que se vendieron. Una inversión de tal magnitud requirió de investigaciones especiales, que incluyeron desde encuestas de tipo socio económicas en la zona de influencia del edificio hasta consultas con especialistas médicos acerca de los efectos que podían producir en los inquilinos las vibraciones y oscilaciones del edificio.

En contradicción con las opiniones dominantes en los [[Estados Unidos]] que consideraban antieconómicos los edificios con estructuras de hormigón más allá de los 18 pisos, resultó que en los pisos bajos se tuvo un ahorro del 5% sobre el presupuesto y en los altos del 18%. La organización de obra alcanzada permitió construir el edificio en 28 meses, se comenzó en febrero de 1954 y se terminó en junio de 1956, con la siguiente secuencia de obra:

1ª planta: 14 días de 12 horas, total 168 horas                  [[Image:Construccion focsa.jpg|thumb|EJECUCION]] 2ª planta: 12 días de 12 horas, total 144 horas 3ª planta: 10 días de 10 horas, total 100 horas 4ª a 15 plantas: 7 días de 10 horas, total 70 horas 15 a 30 plantas: 5½ días de 10 horas, total 55 horas.

El edificio en total tiene 30 pisos de apartamentos y 9 de usos múltiples, que dieron al edificio una altura total de 121 metros sobre la calle, siendo en ese momento el segundo edificio de hormigón más alto del mundo.

La estructura de hormigón hecha con muros continuos que van desde los cimientos hasta la zotea fue resuelta magistralmente por sus calculistas y ella se acusa fácilmente desde el exterior. La oposición entre los vanos de las ventanas y los huecos de sus terrazas acentuadas por las horizontales de los antepechos forma una composición agradable, como si fuera una enorme tela escocesa que iluminada en la noche resulta una poderosa atracción de La Habana, ya que es una de las vistas que al llegar por la tarde desde el mar se impone la primera, a propios y extraños.

Un sistema de pasillos, ubicados al fondo del edificio separaban el ingreso de servidumbre y vendedores del ingreso de los propietarios. Varios apartamentos fueron decorados por las principales firmas dedicadas a ello y por los más destacados mueblistas de La Habana, donde se mostraba un colorido pleno de armonía que aumentaba la calidad de la composición. También sus baños de colores y los detalles del buen gusto que dejaron los arquitectos en sus cocinas, realzaban la terminación acabada que se observaba en cada uno de los elementos. Algunas curiosidades técnicas del proceso constructivo son:

Los calculistas Sáenz, Cancio, Martín, realizaron los análisis del subsuelo, hicieron taladros, estudios geológicos, pozos, pruebas de compresión y de carga directa en el terreno. El suelo era de calizas coralinas, arenas consolidadas y margas con fracturas visibles. Se construyó una maqueta en escala de 1:100 y se comprobaron en ella los efectos de las cargas verticales y horizontales por el viento. Se construyó una gran cisterna de 300 mil galones de agua, que recibe el agua de una línea de 8” de capacidad.

Para la energía eléctrica se consiguió con la Empresa Eléctrica un sistema de distribución vertical a 13,200 volts con cámaras de transformadores a tres niveles, lo que permitió considerar el edificio como si fueran 3 de 10 pisos. Cada apartamento con cocina y calentador eléctrico, tiene servicio de 110 y de 220 volts. Se instaló una hormigonera en la obra, en el área que después ocupó la piscina, por resultar más económico y eliminar el transporte del hormigón. La obra se hizo con hormigones que no sobrepasaban los 420 kg/cm², excepto en los pórticos de la planta baja, donde se usaron hormigones de 490 kg/cm². En el edificio se consumieron 35 mil m³ de hormigón. Después de realizar un estudio se compró una máquina de la firma Rosa Cometa, para producir en obra los bloques de hormigón.

Para resolver los problemas de acústica, se uso como relleno para los pisos escoria de carbón de piedra con un espesor de 7 cm. Las dimensiones del edificio fueron modulares, de modo que se utilizaron el mismo tamaño de encofrados. Se usaron para éste unas cajas de madera, construidas con tablas de 2” x 6” y forradas con plywood de 4 por 8 pies. Los puntales se usaron de madera. Se pintaron las partes del encofrado en contacto con el hormigón para que no se adhiriera, lo que permitió utilizar los cajones más de 30 veces.

Las instalaciones eléctricas y de plomería se realizaron independientes de la estructura, se colocaron los bajantes por los patinejos, y se dejaron los ramales entre el falso techo de yeso y la placa. Cuenta el edificio con una pizarra automática para 500 teléfonos, que permite 50 conversaciones simultáneas. Se instaló una planta eléctrica de emergencia de 200 Kw. que mantiene el servicio a elevadores, luces en pasillos, escaleras, bombas de agua, etc. Se usaron 120 Km de tubería plastica eléctrica y 300 Km de alambre eléctrico con aislamiento termoplástico tipo TW. 

== Caracteristica ==

Posee una altura de 121 metros, consta de 29 niveles y 373 apartamentos con vista al mar y a El Malecón habanero (entre ellos siete pent house y dos duplex). Consta de un parking con capacidad para 500 automóviles, piscina, oficinas, estudios de televisión y un centro comercial accesible para residentes y población en general.

[[Image:Focsa1.jpg|thumb|Simbolo de la arquitectura cubana]] Tiene tres partes fundamentales: el basamento (que incluye restaurante, cafeterías, tiendas, teatro, oficinas y estudios de radio y televisión), la torre de 29 pisos, y el restaurante "[[La Torre]]", en el piso 33. También se encuentran en el edificio la dirección provincial de Radiodifusión y las emisoras [[COCO]] y Radio Metropolitana, un centro comercial y el restaurante "[[El Emperador]]". Los pisos típicos tienen 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar

Esta obra, orgullo de la ingeniería cubana, fue seleccionada en febrero del año 1997, por la Unión Nacional de Arquitectos e Ingenieros de la Construcción de Cuba (UNAICC) como una de las Siete Maravillas de la Ingeniería Civil Cubana. Fue proyectada por el arquitecto Ernesto Gómez Sampera y el ingeniero Bartolomé Bestard realizó la organización de la obra. El proyecto eléctrico fue del ingeniero Fernando Meneses, la solución sanitaria del ingeniero [[Gustavo Becker]] y los cálculos estructurales se realizaron por la firma de ingenieros Sáenz, Cancio y Martín. 

== Fuentes ==

 

[Htpp://www.cubaahora.cu]

[[Category:Tecnología_de_la_construcción]][[Category:Diseño_arquitectónico]]

Chaya (planta)

2010-02-26T16:00:14Z

Juan pal.jovenclub:

{{Planta|nombre=Chaya|imagen=Cnidoscolus_chayamansa.jpg|reino=Plantae|division=Magnoliophyta|clase=Magnoliopsida|orden=Malpighiales|familia=Euphorbiaceae |diversidad=Cnidoscolus|subfamilia=Crotonoideae}}'''La chaya''', también conocida como el árbol espinaca, es un arbusto robusto de hojas perennes, perteneciente a la familia de las Euphorbiaceae, nativo de la [[Península de Yucatán]] en [[México]].

== Características ==

'''Nombre común:''' CHAYA '''Nombre científico:''' Cnidoscolus chayamansa '''Familia:''' Euphorbiaceae '''Parte utilizada:''' Hoja '''Características:''' Arbusto de hojas de 5 picos, látex fecundo '''Zonas apropiadas:''' Suelos drenados, buena humedad y luminosidad '''Dosis recomendada:''' 2 a 6 hojas por día, licuado, sopas o ensaladas

La Chaya proporciona enormes ventajas al organismo humano, entre sus beneficios está la regulación de la presión, mejora la circulación sanguínea, reduce el peso y aumenta el calcio, por lo que muchas personas en nuestro país, la consumen como planta medicinal. Esta planta como infusión actúa favorablemente sobre las dolencias del organismo humano, sin producir efectos negativos. La planta de la chaya no necesita mayores cuidados, resiste temperaturas altas, necesita de riego dos veces por semana y por ser ornamental puede sembrarla en el jardín de su casa.

Existe una gran variedad de plantas alimenticias y medicinales, que poseen efectos asombrosos para una buena salud y nutrición. Ellas contienen una notable cantidad de vitaminas, sales minerales, oligoelementos y enzimas para beneficio del cuerpo humano; se trata de importantes sustancias que forman un fitocomplejo, y actúa favorablemente sobre múltiples dolencias del organismo humano, sin producir efectos negativos.

Una de estas plantas exquisitas es la Chaya (Jatropha urens, Lin), conocida en la lengua maya como chay. Fue introducida en [[Cuba]] como Chaya de [[México]], y es un arbusto herbáceo, que pertenece a la familia de las [[Euforbiáceas]], alcanza una altura de 2 a 3 m, presenta hojas largas, pecioladas, e inflorescencia blanca. Esta planta esta asociada con la cultura maya, pues era consumida en mezcla con maíz y semillas de calabaza, simulando a un tamal; el propósito era lograr el equilibrio nutricional a través de este alimento medicinal. Vale destacar que por varios siglos, constituyó la fórmula magistral para la alimentación maya. 

== La Chaya como alimento y medicina ==

En [[México]], actualmente se consumen las hojas tiernas en la cocina tradicional, utilizando variadas formas de presentación, como ensaladas, guisos, sopas, infusiones y hasta refrescos; Puede decirse que son muy interesantes las recetas de Chaya acompañadas con tortillas de maíz, huevos, queso y fríjol de soya.

En [[Ecuador]] se lo utiliza desde hace muchos años, como extracto para té; así también en la cocina como complemento de ciertas comidas; incluso muchos la consumen por su contenido medicinal para enfermedades del cerebro, artritis y diabetes.

Los nutricionistas manifiestan que la Chaya proporciona enormes beneficios al organismo humano, pues mejora la circulación sanguínea, regula la presión, facilita la digestión, recupera la visión, desinflama las venas y hemorroides, combate el estreñimiento, ayuda a la expulsión de orina y leche materna, baja el nivel de colesterol y ácido úrico, reduce el peso, previene la tos, aumenta el calcio en los huesos, descongestiona y desinfecta los pulmones, previene la anemia, mejora la memoria y las funciones del cerebro, y combate la artritis y la diabetes.La Chaya cura las infecciones de la garganta, enfermedades de la piel, dientes, encías y la lengua. A los niños los ayuda en el crecimiento y desarrollo de huesos y músculos, y a las mujeres les da fuerza en el período crítico de la menstruación. 

Otra manera deliciosa de servírselo, es en forma té, pues vale decir que la infusión de hojas de Chaya proporciona una instantánea recuperación de energía con efectos desestresantes, por su rico contenido de vitamina A, vitamina B, [[fósforo]], [[calcio]], [[hierro]], proteínas y minerales. Una infusión de hojas de Chaya proporciona una instantánea recuperación de energía además de los efectos desestresantes. 

== Como se cultiva ==

La planta de Chaya no necesita mayores cuidados; resiste temperaturas altas, pero debe regarse dos veces por semana; crece fácilmente y es una planta ornamental, inclusive de jardín, debe sembrarse en un lugar donde reciba la luz directa del sol. Esto facilita su crecimiento y permite que crezca fuerte y saludable; la plaga más común es el gusano[[Image:Chaya.jpg|thumb|136x147px|Planta Medicinal]] cogollero, que se lo controla mezclando jabón, ají, ajo e higuerilla, aplicándolo directamente a la planta. Para sembrar la Chaya, se cortan ramas maduras de diez centímetros a un metro de largo, y se introducen en la tierra, en forma horizontal, con suelo húmedo. La distancia entre una planta y otra debe ser de ochenta centímetros, por un metro entre surcos. Una vez sembrada la varita de Chaya, los primeros brotes de crecimiento comienzan entre dos y seis semanas; estos se presentan vigorosos, pero un tanto lentos en el crecimiento. A los cuatro meses de haberse plantado se acelera el crecimiento llegando alcanzar hasta cinco metros de altura. Las hojas se pueden cosechar durante todo el año, a partir de que tengan entre 10 y 20 centímetros de largo.Consuma Chaya y verá resultados asombrosos en su alimentación y en su salud, en muy corto tiempo. 

[[Www.cubasolar.cu|www.cubasolar.cu]]

 

 

[[Category:Planta_medicinal]]

Edificio Focsa

2010-02-26T15:57:48Z

Juan pal.jovenclub:

{{Obra_plástica_o_arquitectónica|nombre=Focsa|imagen=focsa.jpg|descripcion=Uno de los edificios más emblemáticos de la Habana: el focsa, con más de medio siglo de construido|autor=Ernesto Gómez Sampera|fecha=Junio de 1956|ubicacion=Vedado.Ciudad de la Habana}}

= El edificio Focsa y sus origenes =

El Edificio Focsa es un edificio enclavado en el barrio El [[Vedado]] de La Habana, capital de [[Cuba]]. Es considerado una de las siete maravillas de la ingeniería civil cubana. Su construcción duró aproximadamente dos años y cuatro meses. Su terminación en 1956 despertó sensación en la población cubana por su novedad tecnológica y marcó el comienzo de la era de los edificios altos habaneros. En una época en que las construcciones de hormigón superiores a 18 plantas resultaban incosteables, el Focsa constituyó la segunda obra de su tipo en el mundo. El grupo de proyección del edificio estuvo dirigido por el ingeniero [[Luis Sáenz Duplace]] y por la parte arquitectónica el arquitecto [[Ernesto Gómez Sampera]] (1921-2004) y su equipo. El arquitecto Gómez Sampera se radicó en [[Puerto Rico]], donde siguió ejerciendo la profesión hasta su deceso el 19 de enero de 2004.

La idea inicial fue la de construir viviendas para los empleados de la [[Cadena de Radio]] y [[Televisión CMQ]], y a ese efecto el primer sitio que se seleccionó fue un reparto llamado [[Arroyo Arenas]], pero se desechó debido a lo alejado del lugar, por lo que se escogió la manzana situada entre las calles 17, 19, M y N en el reparto El Vedado, a 200 metros de Radiocentro, sede de los estudios de la CMQ y casi frente al famoso [[Malecón habanero]] , en la ciudad de La Habana. 

== Su costo ==

El costo de los 10 mil m² de la manzana fue de 700 mil pesos y se tomó como relación óptima que el terreno debía ser el 10% de total del costo del edificio y determinó que para amortizarlo sería necesario construir 400 apartamentos. El organismo Fomento de Hipotecas Aseguradas (FHA) financió el 80% del costo de las viviendas y el 60% de los locales comerciales, como se consideraba mínimo el riesgo al existir 400 deudores (3) el Banco Continental Cubano concedió un crédito de 6 millones de pesos. 

== Su estructura y ejecucion ==

Los pisos típicos tenían 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar. El costo básico de los apartamentos era de 21,500 para los primeros y 17,500 para los más pequeños. Se estipuló que por cada piso que se ascendía se cobraban 30 pesos adicionales, y sin embargo los más altos fueron los primeros que se vendieron. Una inversión de tal magnitud requirió de investigaciones especiales, que incluyeron desde encuestas de tipo socio económicas en la zona de influencia del edificio hasta consultas con especialistas médicos acerca de los efectos que podían producir en los inquilinos las vibraciones y oscilaciones del edificio.

En contradicción con las opiniones dominantes en los [[Estados Unidos]] que consideraban antieconómicos los edificios con estructuras de hormigón más allá de los 18 pisos, resultó que en los pisos bajos se tuvo un ahorro del 5% sobre el presupuesto y en los altos del 18%. La organización de obra alcanzada permitió construir el edificio en 28 meses, se comenzó en febrero de 1954 y se terminó en junio de 1956, con la siguiente secuencia de obra:

1ª planta: 14 días de 12 horas, total 168 horas                  [[Image:Construccion focsa.jpg|thumb|EJECUCION]] 2ª planta: 12 días de 12 horas, total 144 horas 3ª planta: 10 días de 10 horas, total 100 horas 4ª a 15 plantas: 7 días de 10 horas, total 70 horas 15 a 30 plantas: 5½ días de 10 horas, total 55 horas.

El edificio en total tiene 30 pisos de apartamentos y 9 de usos múltiples, que dieron al edificio una altura total de 121 metros sobre la calle, siendo en ese momento el segundo edificio de hormigón más alto del mundo.

La estructura de hormigón hecha con muros continuos que van desde los cimientos hasta la zotea fue resuelta magistralmente por sus calculistas y ella se acusa fácilmente desde el exterior. La oposición entre los vanos de las ventanas y los huecos de sus terrazas acentuadas por las horizontales de los antepechos forma una composición agradable, como si fuera una enorme tela escocesa que iluminada en la noche resulta una poderosa atracción de La Habana, ya que es una de las vistas que al llegar por la tarde desde el mar se impone la primera, a propios y extraños.

Un sistema de pasillos, ubicados al fondo del edificio separaban el ingreso de servidumbre y vendedores del ingreso de los propietarios. Varios apartamentos fueron decorados por las principales firmas dedicadas a ello y por los más destacados mueblistas de La Habana, donde se mostraba un colorido pleno de armonía que aumentaba la calidad de la composición. También sus baños de colores y los detalles del buen gusto que dejaron los arquitectos en sus cocinas, realzaban la terminación acabada que se observaba en cada uno de los elementos. Algunas curiosidades técnicas del proceso constructivo son:

Los calculistas Sáenz, Cancio, Martín, realizaron los análisis del subsuelo, hicieron taladros, estudios geológicos, pozos, pruebas de compresión y de carga directa en el terreno. El suelo era de calizas coralinas, arenas consolidadas y margas con fracturas visibles. Se construyó una maqueta en escala de 1:100 y se comprobaron en ella los efectos de las cargas verticales y horizontales por el viento. Se construyó una gran cisterna de 300 mil galones de agua, que recibe el agua de una línea de 8” de capacidad.

Para la energía eléctrica se consiguió con la Empresa Eléctrica un sistema de distribución vertical a 13,200 volts con cámaras de transformadores a tres niveles, lo que permitió considerar el edificio como si fueran 3 de 10 pisos. Cada apartamento con cocina y calentador eléctrico, tiene servicio de 110 y de 220 volts. Se instaló una hormigonera en la obra, en el área que después ocupó la piscina, por resultar más económico y eliminar el transporte del hormigón. La obra se hizo con hormigones que no sobrepasaban los 420 kg/cm², excepto en los pórticos de la planta baja, donde se usaron hormigones de 490 kg/cm². En el edificio se consumieron 35 mil m³ de hormigón. Después de realizar un estudio se compró una máquina de la firma Rosa Cometa, para producir en obra los bloques de hormigón.

Para resolver los problemas de acústica, se uso como relleno para los pisos escoria de carbón de piedra con un espesor de 7 cm. Las dimensiones del edificio fueron modulares, de modo que se utilizaron el mismo tamaño de encofrados. Se usaron para éste unas cajas de madera, construidas con tablas de 2” x 6” y forradas con plywood de 4 por 8 pies. Los puntales se usaron de madera. Se pintaron las partes del encofrado en contacto con el hormigón para que no se adhiriera, lo que permitió utilizar los cajones más de 30 veces.

Las instalaciones eléctricas y de plomería se realizaron independientes de la estructura, se colocaron los bajantes por los patinejos, y se dejaron los ramales entre el falso techo de yeso y la placa. Cuenta el edificio con una pizarra automática para 500 teléfonos, que permite 50 conversaciones simultáneas. Se instaló una planta eléctrica de emergencia de 200 Kw. que mantiene el servicio a elevadores, luces en pasillos, escaleras, bombas de agua, etc. Se usaron 120 Km de tubería plastica eléctrica y 300 Km de alambre eléctrico con aislamiento termoplástico tipo TW. 

== Caracteristica ==

Posee una altura de 121 metros, consta de 29 niveles y 373 apartamentos con vista al mar y a El Malecón habanero (entre ellos siete pent house y dos duplex). Consta de un parking con capacidad para 500 automóviles, piscina, oficinas, estudios de televisión y un centro comercial accesible para residentes y población en general.

[[Image:Focsa1.jpg|thumb|Simbolo de la arquitectura cubana]] Tiene tres partes fundamentales: el basamento (que incluye restaurante, cafeterías, tiendas, teatro, oficinas y estudios de radio y televisión), la torre de 29 pisos, y el restaurante "[[La Torre]]", en el piso 33. También se encuentran en el edificio la dirección provincial de Radiodifusión y las emisoras [[COCO]] y Radio Metropolitana, un centro comercial y el restaurante "[[El Emperador]]". Los pisos típicos tienen 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar

Esta obra, orgullo de la ingeniería cubana, fue seleccionada en febrero del año 1997, por la Unión Nacional de Arquitectos e Ingenieros de la Construcción de Cuba (UNAICC) como una de las Siete Maravillas de la Ingeniería Civil Cubana. Fue proyectada por el arquitecto Ernesto Gómez Sampera y el ingeniero Bartolomé Bestard realizó la organización de la obra. El proyecto eléctrico fue del ingeniero Fernando Meneses, la solución sanitaria del ingeniero [[Gustavo Becker]] y los cálculos estructurales se realizaron por la firma de ingenieros Sáenz, Cancio y Martín. 

== Fuentes ==

 

[[Htpp://www.cubaahora.cu]]

Edificio Focsa

2010-02-26T15:56:57Z

Juan pal.jovenclub:

{{Obra_plástica_o_arquitectónica|nombre=Focsa|imagen=focsa.jpg|descripcion=Uno de los edificios más emblemáticos de la Habana: el focsa, con más de medio siglo de construido|autor=Ernesto Gómez Sampera|fecha=Junio de 1956|ubicacion=Vedado.Ciudad de la Habana}}

= El edificio Focsa y sus origenes =

El Edificio Focsa es un edificio enclavado en el barrio El [[Vedado]] de La Habana, capital de [[Cuba]]. Es considerado una de las siete maravillas de la ingeniería civil cubana. Su construcción duró aproximadamente dos años y cuatro meses. Su terminación en 1956 despertó sensación en la población cubana por su novedad tecnológica y marcó el comienzo de la era de los edificios altos habaneros. En una época en que las construcciones de hormigón superiores a 18 plantas resultaban incosteables, el Focsa constituyó la segunda obra de su tipo en el mundo. El grupo de proyección del edificio estuvo dirigido por el ingeniero [[Luis Sáenz Duplace]] y por la parte arquitectónica el arquitecto [[Ernesto Gómez Sampera]] (1921-2004) y su equipo. El arquitecto Gómez Sampera se radicó en [[Puerto Rico]], donde siguió ejerciendo la profesión hasta su deceso el 19 de enero de 2004.

La idea inicial fue la de construir viviendas para los empleados de la [[Cadena de Radio]] y [[Televisión CMQ]], y a ese efecto el primer sitio que se seleccionó fue un reparto llamado [[Arroyo Arenas]], pero se desechó debido a lo alejado del lugar, por lo que se escogió la manzana situada entre las calles 17, 19, M y N en el reparto El Vedado, a 200 metros de Radiocentro, sede de los estudios de la CMQ y casi frente al famoso [[Malecón habanero]] , en la ciudad de La Habana. 

== Su costo ==

El costo de los 10 mil m² de la manzana fue de 700 mil pesos y se tomó como relación óptima que el terreno debía ser el 10% de total del costo del edificio y determinó que para amortizarlo sería necesario construir 400 apartamentos. El organismo Fomento de Hipotecas Aseguradas (FHA) financió el 80% del costo de las viviendas y el 60% de los locales comerciales, como se consideraba mínimo el riesgo al existir 400 deudores (3) el Banco Continental Cubano concedió un crédito de 6 millones de pesos. 

== Su estructura y ejecucion ==

Los pisos típicos tenían 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar. El costo básico de los apartamentos era de 21,500 para los primeros y 17,500 para los más pequeños. Se estipuló que por cada piso que se ascendía se cobraban 30 pesos adicionales, y sin embargo los más altos fueron los primeros que se vendieron. Una inversión de tal magnitud requirió de investigaciones especiales, que incluyeron desde encuestas de tipo socio económicas en la zona de influencia del edificio hasta consultas con especialistas médicos acerca de los efectos que podían producir en los inquilinos las vibraciones y oscilaciones del edificio.

En contradicción con las opiniones dominantes en los [[Estados Unidos]] que consideraban antieconómicos los edificios con estructuras de hormigón más allá de los 18 pisos, resultó que en los pisos bajos se tuvo un ahorro del 5% sobre el presupuesto y en los altos del 18%. La organización de obra alcanzada permitió construir el edificio en 28 meses, se comenzó en febrero de 1954 y se terminó en junio de 1956, con la siguiente secuencia de obra:

1ª planta: 14 días de 12 horas, total 168 horas                  [[Image:Construccion focsa.jpg|thumb|EJECUCION]] 2ª planta: 12 días de 12 horas, total 144 horas 3ª planta: 10 días de 10 horas, total 100 horas 4ª a 15 plantas: 7 días de 10 horas, total 70 horas 15 a 30 plantas: 5½ días de 10 horas, total 55 horas.

El edificio en total tiene 30 pisos de apartamentos y 9 de usos múltiples, que dieron al edificio una altura total de 121 metros sobre la calle, siendo en ese momento el segundo edificio de hormigón más alto del mundo.

La estructura de hormigón hecha con muros continuos que van desde los cimientos hasta la zotea fue resuelta magistralmente por sus calculistas y ella se acusa fácilmente desde el exterior. La oposición entre los vanos de las ventanas y los huecos de sus terrazas acentuadas por las horizontales de los antepechos forma una composición agradable, como si fuera una enorme tela escocesa que iluminada en la noche resulta una poderosa atracción de La Habana, ya que es una de las vistas que al llegar por la tarde desde el mar se impone la primera, a propios y extraños.

Un sistema de pasillos, ubicados al fondo del edificio separaban el ingreso de servidumbre y vendedores del ingreso de los propietarios. Varios apartamentos fueron decorados por las principales firmas dedicadas a ello y por los más destacados mueblistas de La Habana, donde se mostraba un colorido pleno de armonía que aumentaba la calidad de la composición. También sus baños de colores y los detalles del buen gusto que dejaron los arquitectos en sus cocinas, realzaban la terminación acabada que se observaba en cada uno de los elementos. Algunas curiosidades técnicas del proceso constructivo son:

Los calculistas Sáenz, Cancio, Martín, realizaron los análisis del subsuelo, hicieron taladros, estudios geológicos, pozos, pruebas de compresión y de carga directa en el terreno. El suelo era de calizas coralinas, arenas consolidadas y margas con fracturas visibles. Se construyó una maqueta en escala de 1:100 y se comprobaron en ella los efectos de las cargas verticales y horizontales por el viento. Se construyó una gran cisterna de 300 mil galones de agua, que recibe el agua de una línea de 8” de capacidad.

Para la energía eléctrica se consiguió con la Empresa Eléctrica un sistema de distribución vertical a 13,200 volts con cámaras de transformadores a tres niveles, lo que permitió considerar el edificio como si fueran 3 de 10 pisos. Cada apartamento con cocina y calentador eléctrico, tiene servicio de 110 y de 220 volts. Se instaló una hormigonera en la obra, en el área que después ocupó la piscina, por resultar más económico y eliminar el transporte del hormigón. La obra se hizo con hormigones que no sobrepasaban los 420 kg/cm², excepto en los pórticos de la planta baja, donde se usaron hormigones de 490 kg/cm². En el edificio se consumieron 35 mil m³ de hormigón. Después de realizar un estudio se compró una máquina de la firma Rosa Cometa, para producir en obra los bloques de hormigón.

Para resolver los problemas de acústica, se uso como relleno para los pisos escoria de carbón de piedra con un espesor de 7 cm. Las dimensiones del edificio fueron modulares, de modo que se utilizaron el mismo tamaño de encofrados. Se usaron para éste unas cajas de madera, construidas con tablas de 2” x 6” y forradas con plywood de 4 por 8 pies. Los puntales se usaron de madera. Se pintaron las partes del encofrado en contacto con el hormigón para que no se adhiriera, lo que permitió utilizar los cajones más de 30 veces.

Las instalaciones eléctricas y de plomería se realizaron independientes de la estructura, se colocaron los bajantes por los patinejos, y se dejaron los ramales entre el falso techo de yeso y la placa. Cuenta el edificio con una pizarra automática para 500 teléfonos, que permite 50 conversaciones simultáneas. Se instaló una planta eléctrica de emergencia de 200 Kw. que mantiene el servicio a elevadores, luces en pasillos, escaleras, bombas de agua, etc. Se usaron 120 Km de tubería plastica eléctrica y 300 Km de alambre eléctrico con aislamiento termoplástico tipo TW. 

== Caracteristica ==

Posee una altura de 121 metros, consta de 29 niveles y 373 apartamentos con vista al mar y a El Malecón habanero (entre ellos siete pent house y dos duplex). Consta de un parking con capacidad para 500 automóviles, piscina, oficinas, estudios de televisión y un centro comercial accesible para residentes y población en general.

[[Image:Focsa1.jpg|thumb|Simbolo de la arquitectura cubana]] Tiene tres partes fundamentales: el basamento (que incluye restaurante, cafeterías, tiendas, teatro, oficinas y estudios de radio y televisión), la torre de 29 pisos, y el restaurante "[[La Torre]]", en el piso 33. También se encuentran en el edificio la dirección provincial de Radiodifusión y las emisoras [[COCO]] y Radio Metropolitana, un centro comercial y el restaurante "[[El Emperador]]". Los pisos típicos tienen 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar

Esta obra, orgullo de la ingeniería cubana, fue seleccionada en febrero del año 1997, por la Unión Nacional de Arquitectos e Ingenieros de la Construcción de Cuba (UNAICC) como una de las Siete Maravillas de la Ingeniería Civil Cubana. Fue proyectada por el arquitecto Ernesto Gómez Sampera y el ingeniero Bartolomé Bestard realizó la organización de la obra. El proyecto eléctrico fue del ingeniero Fernando Meneses, la solución sanitaria del ingeniero [[Gustavo Becker]] y los cálculos estructurales se realizaron por la firma de ingenieros Sáenz, Cancio y Martín. 

== Fuentes ==

[[http://www.arquitertura-cuba.com]] 

[[htpp://www.cubaahora.cu]]

Cordillera del Himalaya

2010-02-26T15:47:02Z

Juan pal.jovenclub:

{{Territorio|nombre=Cordillera del himalaya|simbolo=|imagen=Himalaya_composite.jpg|mapa=|definicion=Longitud 2600 km,anchura 350 km,Maxima cota 8848 m|ubicacion_geografica=Continente Asiatico ([[Bután]], [[China]], [[Nepal]] e[[ India]])|provincia=|municipio=|poblacion=|gentilicio=|fecha_de_fundacion=}} 

= Cordillera del Himalaya =

El Himalaya es una [[Cordillera]] situada en el continente [[Asiático]], y se extiende por los países de Bután, China, Nepal e India. Su nombre procede del [[Sánscrito]] mālaia, palabra compuesta por jimá: ‘nieve’ y alaia: ‘morada, lugar’. Es la cordillera más alta de la Tierra, con nueve de las catorce cimas de más de 8000 metros de altura, incluyendo el [[Everest]], con sus 8848 msnm, la montaña más alta del planeta. En un sentido amplio se menciona como "Sistema de los Himalayas" al sistema de montañas compuesto por las cordilleras del Himalaya, Karakórum, Hindu Kush y diversas otras subcordilleras que se extienden a partir del Nudo del Pamir y sus subcordilleras adyacentes, y que forman un arco de oeste a este de 2400 kilómetros, y cuya anchura de norte a sur varía desde los 400 kilómetros en la zona más occidental, entre [[Cachemira]] y [[Xinjiang]], hasta los 150 km al este, entre la parte oriental del Tíbet y el estado indio de Arunachal Pradesh. Este sistema montañoso se extendería por siete Estados, sumando Afganistán, Myanmar y Pakistán a los ya mencionados, e incluiría a las 14 montañas de la Tierra con una altitud mayor de 8.000 msnm. Para comprender la enorme escala de este sistema basta considerar que el Aconcagua, en los Andes, es la montaña más alta fuera de Asia con sus 6.959 m, mientras que el Sistema de los Himalayas cuenta con más de 100 picos que superan esta altitud. En el Himalaya nacen algunos de los mayores ríos del mundo como son el Ganges, Indo, Brahmaputra, Yamuna y Yangtsé, en cuyos cauces viven no menos de 1.300 millones de personas. Las montañas del Himalaya han influido profundamente en las culturas de Asia del Sur y muchas de ellas son consideradas sagradas para el [[Hinduismo]] o el [[Budismo]] 

 

== Orogenia ==

El Himalaya nació hace unos 50 millones de años, en la [[Era Terciaria]], y según la teoría de la tectónica de placas, se produjo por el choque del antiguo continente de la India y el de Eurasia, que resultó de la división de la antigua Laurasia. Este choque provocó un plegamiento en las rocas. Aún en la actualidad persiste el plegamiento al empujar en su deriva hacia el norte la placa correspondiente al Decán contra la del resto de Eurasia, por este motivo los montes Himalaya aún se están elevando. 

== [[Image:Himalaya2.jpg|thumb|175x117px|Vista area de la cordillera del Himalaya.]]Cimas ==

 Es de notar que dentro de la India y Nepal el nombre himālaya no suele ser dado por las poblaciones locales a las montañas que no posean nieve en su cima (lo que suele ocurrir con las de menos de 3500 m) aun cuando orográficamente estén dentro de la cadena conocida en el resto del mundo como Himalaya. 

== Principales cimas del Himalaya ==

• [[Everest]] 8848 m                                                        [[Image:Himalayas.jpg|thumb|262x178px|En el Himalaya se encuentran varios países]] • [[Kanchenjunga]] 8586 m • [[Lhotse]] 8501 m • [[Makalu]] 8462 m • [[Cho Oyu]] 8201 m • [[Dhaulagiri]] 8167 m • [[Manaslu]] 8163 m • [[Annapurna]] 8091 m • [[Shisha Pangma]] 8027 m • [[Gyachung Kang]] 7922 m • [[Nanda Devi]] 7817 m • [[Pumori]] 7161 m • [[Ama Dablam]] 6856 m 

== Geografía política del Himalaya ==

En el Himalaya se encuentran varios países. Cubre una extensión de unos 594.400 km², que incluye partes de Pakistán, India, Nepal, Bután y Tíbet.La vertiente septentrional del Karakórum pertenece a Sinkiang, territorio chino, mientras que la vertiente meridional pertenece a [[Pakistán]]. El extremo oriental del Karakorum corresponde a Cachemira, territorio en disputa entre Pakistán y la India desde 1947.Del Himalaya, sensu stricto, la vertiente septentrional pertenece al Tíbet, país ocupado por China, repartiéndose la vertiente meridional entre Pakistán, la India, Nepal y Bután. 

Los grupos étnicos de la vertiente norte del Himalaya son predominantemente de tipo mongoloide al este y de religión budista, mientras que en la vertiente sur existe un complejo mosaico étnico y cultural (sólo en Nepal se distinguen al menos 19 grupos étnicos principales), de religión fundamentalmente musulmana en el oeste, e hinduista en el centro y este de la cordillera y budismo lamaísmo en el norte. 

== Fuentes ==

[[Gansser]], [[Augusto]], [[Andreas Gruschke]], [[Blanche C. Olschak]]: Himalaya, el techo del mundo. Madrid: Grupo Anaya, 1991.

Louis Pasteur

2010-02-26T15:38:55Z

Juan pal.jovenclub:

{{Personaje_científico|nombre=Louis Pasteur|imagen=luis_pasteur.jpg|descripcion=Químico y bacteriólogo francés |especialidades=Ciencias naturales, específicamente, en la microbiología y la química|fecha_de_nacimiento=7 de diciembre de 1822|lugar_de_nacimiento=Francia|fecha_de_fallecimiento=28 de septiembre 1895|lugar_de_fallecimiento=Villeneuve-l'Etang,Francia}}

= Louis Pasteur =

Luis o Louis Pasteur fue un químico y bacteriólogo francés que nació el 7 de diciembre de 1822 y murió el 28 de septiembre 1895. Sus investigaciones fueron un importante aporte en el área de las ciencias naturales, específicamente, en la [[microbiología]] y la química. Su descubrimiento más conocido es el proceso conocido como pasteurización, mediante el cual se eliminan las bacterias patógenas por medio de la aplicación de calor. De pequeño, Pasteur cuando no estaba en la escuela, se encontraba ayudando a su padre en el trabajo de la curtiduría familiar. Si bien no era un alumno aventajado, bastó que conociera a un buen profesor, como el reconocido químico francés [[Jean B. Dumas]], para que comenzara a interesarse por esa ciencia. Sus estudios los realizó en el [[Liceo de Besançon]] y se doctoró en ciencias en la Escuela Normal Superior de [[París]]. Durante los años 1847 y 1853 se dedicó a la docencia en la Universidad de Estrasburgo y luego fue nombrado decano de la de Lille. Durante este período se dedicó a estudiar los problemas generados por la irregularidad de la fermentación alcohólica. Además, fue director de estudios científicos de la Escuela Normal de París y director del Instituto Pasteur desde que lo creó, en 1888, hasta el día de su muerte. Sus contribuciones en el área de la química le valieron la concesión de la Legión de Honor Francesa cuando sólo tenía 26 años. 

== Su obra cientifica ==

En cuanto a la microbiología, su principal aporte fue el descubrimiento del proceso llamado pasteurización, en honor a su descubridor. Comprobó que las levaduras pueden reproducirse en ausencia de oxígeno, lo que demostró la existencia de los gérmenes. De esta manera rebatió que estos agentes patógenos se producirían por generación espontánea, como se creía en ese entonces, y dio la base para desarrollar la teoría germinal que plantea que todo ser vivo proviene de otro ser vivo. En 1871 el propio Pasteur obligó que en los hospitales militares se hirviera el instrumental y los vendajes de manera de evitar infecciones en los heridos. También desarrolló un nuevo método de eliminación de microorganismos, ahora en los alimentos como el vino y la leche, por medio de la elevación de la temperatura hasta los 55 grados por un tiempo breve. Además desarrolló las vacunas para disminuir la virulencia de ciertos [[microorganismos patógenos]]. En 1881 desarrolló la primera vacuna de [[bacterias]] desactivadas de la historia. Otro de sus aportes más famosos fue la creación de la vacuna contra la rabia. En 1885 un niño llamado Joseph Meister fue el primero en recibir esta solución frente a la mordida de un perro. Gracias al descubrimiento de Pasteur no desarrolló la hidrofobia. 

[[Image:Luis pasteur1.jpg|thumb|La imagen más conocida de Pasteur lo representa volcado sobre su mesa de trabajo, rodeado de innumerables frascos de formas extrañas]] La imagen más conocida de Pasteur lo representa volcado sobre su mesa de trabajo, rodeado de innumerables frascos de formas extrañas. Pero no vaciló, cuando sus experimentos así lo exigían, en buscar otros espacios. A fin de demostrar la falsedad de la teoría de la generación espontánea se decidió a cargar sobre una mula algunos matraces (frascos de cuello largo), previamente sellados y conteniendo una infusión hervida, y dirigirse a lo alto de una montaña, cerca del [[Mont Blanc]] (Alpes franceses). Allá arriba, una vez abiertos, los expuso al aire libre un breve tiempo, y los volvió a sellar. De los veinte matraces expuestos al aire de la montaña, sólo uno mostraba microorganismos. Sin embargo, otros de estos frascos expuestos a altitudes inferiores se contaminaban. Mediante este y otros experimentos en los que desarrollaba una metodología científica pudo demostrar la imposibilidad de que un [[microorganismo]] surgiera de otra cosa que no fuera otro microorganismo. 

== Fuentes ==

[[Www.pasteur|http://www.pasteur]] 

[[Wwww. undl.edu.mx|http://www. undl.edu.mx]]

Cordillera del Himalaya

2010-02-26T15:11:18Z

Juan pal.jovenclub:

Miguel Ángel

2010-02-26T14:01:50Z

Juan pal.jovenclub:

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=Miguel_angel.JPG|descripcion=Miguel Ángel fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.|fecha_de_nacimiento=6 de marzo de 1475|lugar_de_nacimiento=Caprese,Italia|fecha_de_fallecimiento=18 de febrero de 1564 |lugar_de_fallecimiento=Roma,Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}

'''Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, Miguel Angel '''

== Biografía  ==

Nació en 1475, en [[Caprese]], unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a [[Florencia]], donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano] pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia. Aprendizaje

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética. Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos. Recorrido artístico Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la Piedad del Vaticano, después del Bacus del Bargello (1496), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.[ En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Desgraciadamente, al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia. En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento. 

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad. El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó. En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven [[Tommaso Cavalieri]], un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica». Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte. Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

[[Vittoria Colonna]] era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma. 

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]] En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia. Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte. 

== Legado artistico ==

 Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia 1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto. Después de la muerte en 1492 de Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo XIII, uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia [[Enrique III]] y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti. A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible. 

El año 1505 fue llamado a Roma por el [[Papa Julio II]] para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de Bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la [[Capilla Sixtina]]. 

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba de diseñada por Miguel Ángel.]]El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de 1508, y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una Virgen con Niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador». 

 

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales 

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]] Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del [[Renacimiento.]]

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el Juicio Final, o Juicio Universal, iniciado en 1536 y finalizado en 1541.[[Image:Jucio final.jpg|thumb|El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo.[76] A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado. A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En 1559, se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo. 

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia (1495).]] 

Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encargó para la Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 a 1550: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año 1544, una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria Colonna en 1549. Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario. Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena. 

En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la [[Crucifixión]] que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

 

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.

 Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del Palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio. Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la Sacristía Nueva en 1523, situada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar. En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales.[89] Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla. 

== Dibujos ==

 Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del Tributo y la Consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el Magnífico, hacia el año 1490. 

 

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de Londres, los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del [[Metropolitan Museum]] of Art de Nueva York, diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección. Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja: • Estudio: Santa Ana, h. 1505, [[Museo del Louvre]], París. • Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. 1533, Museo Ashmolean, Oxford. • Dos hombres desnudos combatiendo, h. 1545-50, Museo del Louvre, París. • Crucifixión, h. 1550-55, Museo del Louvre, París. • Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres. • Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. 1555, [[Museo Ashmolean]], Oxford. • Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París. • Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, Estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y Estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en 1931 gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en 2004. 

== Valoración ==

 La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año 1557, tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del siglo XVIII, fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte. El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía Nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. 

== Fuentes ==

 

[[Www.historiadelartemgm.com|www.historiadelartemgm.com]]

[[Www.epdlp.com|www.epdlp.com]]

[[Www.biografiasyvidas.com|www.biografiasyvidas.com]]

Miguel Ángel

2010-02-26T13:53:04Z

Juan pal.jovenclub:

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=migueangelpintor.jpg|descripcion=Miguel Ángel fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.|fecha_de_nacimiento=6 de marzo de 1475|lugar_de_nacimiento=Caprese,Italia|fecha_de_fallecimiento=18 de febrero de 1564 |lugar_de_fallecimiento=Roma,Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}

'''Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, Miguel Angel

== Biografía  ==

Nació en 1475, en [[Caprese]], unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a [[Florencia]], donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano] pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia. Aprendizaje

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética. Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos. Recorrido artístico Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la Piedad del Vaticano, después del Bacus del Bargello (1496), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.[ En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Desgraciadamente, al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia. En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento. 

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad. El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó. En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven [[Tommaso Cavalieri]], un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica». Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte. Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

[[Vittoria Colonna]] era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma. 

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]] En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia. Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte. 

== Legado artistico ==

 Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia 1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto. Después de la muerte en 1492 de Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo XIII, uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia [[Enrique III]] y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti. A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible. 

El año 1505 fue llamado a Roma por el [[Papa Julio II]] para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de Bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la [[Capilla Sixtina]]. 

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba de diseñada por Miguel Ángel.]]El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de 1508, y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una Virgen con Niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador». 

 

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales 

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]] Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del [[Renacimiento.]]

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el Juicio Final, o Juicio Universal, iniciado en 1536 y finalizado en 1541.[[Image:Jucio final.jpg|thumb|El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo.[76] A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado. A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En 1559, se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo. 

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia (1495).]] 

Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encargó para la Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 a 1550: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año 1544, una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria Colonna en 1549. Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario. Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena. 

En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la [[Crucifixión]] que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

 

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.

 Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del Palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio. Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la Sacristía Nueva en 1523, situada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar. En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales.[89] Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla. 

== Dibujos ==

 Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del Tributo y la Consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el Magnífico, hacia el año 1490. 

 

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de Londres, los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del [[Metropolitan Museum]] of Art de Nueva York, diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección. Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja: • Estudio: Santa Ana, h. 1505, [[Museo del Louvre]], París. • Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. 1533, Museo Ashmolean, Oxford. • Dos hombres desnudos combatiendo, h. 1545-50, Museo del Louvre, París. • Crucifixión, h. 1550-55, Museo del Louvre, París. • Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres. • Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. 1555, [[Museo Ashmolean]], Oxford. • Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París. • Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, Estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y Estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en 1931 gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en 2004. 

== Valoración ==

 La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año 1557, tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del siglo XVIII, fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte. El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía Nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. 

== Fuentes ==

 

[[Www.historiadelartemgm.com|www.historiadelartemgm.com]]

[[Www.epdlp.com|www.epdlp.com]]

[[Www.biografiasyvidas.com|www.biografiasyvidas.com]]

Louis Pasteur

2010-02-25T23:31:51Z

Juan pal.jovenclub:

{{Personaje_científico|nombre=Louis Pasteur|imagen=luis_pasteur.jpg|descripcion=Químico y bacteriólogo francés |especialidades=Ciencias naturales, específicamente, en la microbiología y la química|fecha_de_nacimiento=7 de diciembre de 1822|lugar_de_nacimiento=Francia|fecha_de_fallecimiento=28 de septiembre 1895|lugar_de_fallecimiento=Villeneuve-l'Etang,Francia}}

= Louis Pasteur =

Luis o Louis Pasteur fue un químico y bacteriólogo francés que nació el 7 de diciembre de 1822 y murió el 28 de septiembre 1895. Sus investigaciones fueron un importante aporte en el área de las ciencias naturales, específicamente, en la microbiología y la química. Su descubrimiento más conocido es el proceso conocido como pasteurización, mediante el cual se eliminan las bacterias patógenas por medio de la aplicación de calor. De pequeño, Pasteur cuando no estaba en la escuela, se encontraba ayudando a su padre en el trabajo de la curtiduría familiar. Si bien no era un alumno aventajado, bastó que conociera a un buen profesor, como el reconocido químico francés Jean B. Dumas, para que comenzara a interesarse por esa ciencia. Sus estudios los realizó en el Liceo de Besançon y se doctoró en ciencias en la Escuela Normal Superior de París. Durante los años 1847 y 1853 se dedicó a la docencia en la Universidad de Estrasburgo y luego fue nombrado decano de la de Lille. Durante este período se dedicó a estudiar los problemas generados por la irregularidad de la fermentación alcohólica. Además, fue director de estudios científicos de la Escuela Normal de París y director del Instituto Pasteur desde que lo creó, en 1888, hasta el día de su muerte. Sus contribuciones en el área de la química le valieron la concesión de la Legión de Honor Francesa cuando sólo tenía 26 años. 

== Su obra cientifica ==

En cuanto a la microbiología, su principal aporte fue el descubrimiento del proceso llamado pasteurización, en honor a su descubridor. Comprobó que las levaduras pueden reproducirse en ausencia de oxígeno, lo que demostró la existencia de los gérmenes. De esta manera rebatió que estos agentes patógenos se producirían por generación espontánea, como se creía en ese entonces, y dio la base para desarrollar la teoría germinal que plantea que todo ser vivo proviene de otro ser vivo. En 1871 el propio Pasteur obligó que en los hospitales militares se hirviera el instrumental y los vendajes de manera de evitar infecciones en los heridos. También desarrolló un nuevo método de eliminación de microorganismos, ahora en los alimentos como el vino y la leche, por medio de la elevación de la temperatura hasta los 55 grados por un tiempo breve. Además desarrolló las vacunas para disminuir la virulencia de ciertos microorganismos patógenos. En 1881 desarrolló la primera vacuna de bacterias desactivadas de la historia. Otro de sus aportes más famosos fue la creación de la vacuna contra la rabia. En 1885 un niño llamado Joseph Meister fue el primero en recibir esta solución frente a la mordida de un perro. Gracias al descubrimiento de Pasteur no desarrolló la hidrofobia. 

[[Image:Luis pasteur1.jpg|thumb|La imagen más conocida de Pasteur lo representa volcado sobre su mesa de trabajo, rodeado de innumerables frascos de formas extrañas]] La imagen más conocida de Pasteur lo representa volcado sobre su mesa de trabajo, rodeado de innumerables frascos de formas extrañas. Pero no vaciló, cuando sus experimentos así lo exigían, en buscar otros espacios. A fin de demostrar la falsedad de la teoría de la generación espontánea se decidió a cargar sobre una mula algunos matraces (frascos de cuello largo), previamente sellados y conteniendo una infusión hervida, y dirigirse a lo alto de una montaña, cerca del Mont Blanc (Alpes franceses). Allá arriba, una vez abiertos, los expuso al aire libre un breve tiempo, y los volvió a sellar. De los veinte matraces expuestos al aire de la montaña, sólo uno mostraba microorganismos. Sin embargo, otros de estos frascos expuestos a altitudes inferiores se contaminaban. Mediante este y otros experimentos en los que desarrollaba una metodología científica pudo demostrar la imposibilidad de que un microorganismo surgiera de otra cosa que no fuera otro microorganismo. 

== Fuentes ==

[[Www.pasteur|www.pasteur]] 

[[Wwww. undl.edu.mx|www. undl.edu.mx]]

Archivo:Luis pasteur.jpg

2010-02-25T23:05:11Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Edificio Focsa

2010-02-25T22:34:59Z

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{{Obra_plástica_o_arquitectónica|nombre=Focsa|imagen=focsa.jpg|descripcion=Uno de los edificios más emblemáticos de la Habana: el focsa, con más de medio siglo de construido|autor=Ernesto Gómez Sampera|fecha=Junio de 1956|ubicacion=Vedado.Ciudad de la Habana}}

= El edificio Focsa y sus origenes =

El Edificio Focsa es un edificio enclavado en el barrio El Vedado de La Habana, capital de Cuba. Es considerado una de las siete maravillas de la ingeniería civil cubana. Su construcción duró aproximadamente dos años y cuatro meses. Su terminación en 1956 despertó sensación en la población cubana por su novedad tecnológica y marcó el comienzo de la era de los edificios altos habaneros. En una época en que las construcciones de hormigón superiores a 18 plantas resultaban incosteables, el Focsa constituyó la segunda obra de su tipo en el mundo. El grupo de proyección del edificio estuvo dirigido por el ingeniero Luis Sáenz Duplace y por la parte arquitectónica el arquitecto Ernesto Gómez Sampera (1921-2004) y su equipo. El arquitecto Gómez Sampera se radicó en Puerto Rico, donde siguió ejerciendo la profesión hasta su deceso el 19 de enero de 2004.

La idea inicial fue la de construir viviendas para los empleados de la Cadena de Radio y Televisión CMQ, y a ese efecto el primer sitio que se seleccionó fue un reparto llamado Arroyo Arenas, pero se desechó debido a lo alejado del lugar, por lo que se escogió la manzana situada entre las calles 17, 19, M y N en el reparto El Vedado, a 200 metros de Radiocentro, sede de los estudios de la CMQ y casi frente al famoso Malecón habanero (2) , en la ciudad de La Habana. 

== Su costo ==

El costo de los 10 mil m² de la manzana fue de 700 mil pesos y se tomó como relación óptima que el terreno debía ser el 10% de total del costo del edificio y determinó que para amortizarlo sería necesario construir 400 apartamentos. El organismo Fomento de Hipotecas Aseguradas (FHA) financió el 80% del costo de las viviendas y el 60% de los locales comerciales, como se consideraba mínimo el riesgo al existir 400 deudores (3) el Banco Continental Cubano concedió un crédito de 6 millones de pesos. 

== Su estructura y ejecucion ==

Los pisos típicos tenían 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar. El costo básico de los apartamentos era de 21,500 para los primeros y 17,500 para los más pequeños. Se estipuló que por cada piso que se ascendía se cobraban 30 pesos adicionales, y sin embargo los más altos fueron los primeros que se vendieron. Una inversión de tal magnitud requirió de investigaciones especiales, que incluyeron desde encuestas de tipo socio económicas en la zona de influencia del edificio hasta consultas con especialistas médicos acerca de los efectos que podían producir en los inquilinos las vibraciones y oscilaciones del edificio.

En contradicción con las opiniones dominantes en los Estados Unidos que consideraban antieconómicos los edificios con estructuras de hormigón más allá de los 18 pisos, resultó que en los pisos bajos se tuvo un ahorro del 5% sobre el presupuesto y en los altos del 18%. La organización de obra alcanzada permitió construir el edificio en 28 meses, se comenzó en febrero de 1954 y se terminó en junio de 1956, con la siguiente secuencia de obra:

1ª planta: 14 días de 12 horas, total 168 horas                  [[Image:Construccion_focsa.jpg|thumb|EJECUCION]] 2ª planta: 12 días de 12 horas, total 144 horas 3ª planta: 10 días de 10 horas, total 100 horas 4ª a 15 plantas: 7 días de 10 horas, total 70 horas 15 a 30 plantas: 5½ días de 10 horas, total 55 horas.

El edificio en total tiene 30 pisos de apartamentos y 9 de usos múltiples, que dieron al edificio una altura total de 121 metros sobre la calle, siendo en ese momento el segundo edificio de hormigón más alto del mundo (4).

La estructura de hormigón hecha con muros continuos que van desde los cimientos hasta la zotea fue resuelta magistralmente por sus calculistas y ella se acusa fácilmente desde el exterior. La oposición entre los vanos de las ventanas y los huecos de sus terrazas acentuadas por las horizontales de los antepechos forma una composición agradable, como si fuera una enorme tela escocesa que iluminada en la noche resulta una poderosa atracción de La Habana, ya que es una de las vistas que al llegar por la tarde desde el mar se impone la primera, a propios y extraños.

Un sistema de pasillos, ubicados al fondo del edificio separaban el ingreso de servidumbre y vendedores del ingreso de los propietarios. Varios apartamentos fueron decorados por las principales firmas dedicadas a ello y por los más destacados mueblistas de La Habana, donde se mostraba un colorido pleno de armonía que aumentaba la calidad de la composición. También sus baños de colores y los detalles del buen gusto que dejaron los arquitectos en sus cocinas, realzaban la terminación acabada que se observaba en cada uno de los elementos. Algunas curiosidades técnicas del proceso constructivo son:

Los calculistas Sáenz, Cancio, Martín, realizaron los análisis del subsuelo, hicieron taladros, estudios geológicos, pozos, pruebas de compresión y de carga directa en el terreno. El suelo era de calizas coralinas, arenas consolidadas y margas con fracturas visibles. Se construyó una maqueta en escala de 1:100 y se comprobaron en ella los efectos de las cargas verticales y horizontales por el viento. Se construyó una gran cisterna de 300 mil galones de agua, que recibe el agua de una línea de 8” de capacidad.

Para la energía eléctrica se consiguió con la Empresa Eléctrica un sistema de distribución vertical a 13,200 volts con cámaras de transformadores a tres niveles, lo que permitió considerar el edificio como si fueran 3 de 10 pisos. Cada apartamento con cocina y calentador eléctrico, tiene servicio de 110 y de 220 volts. Se instaló una hormigonera en la obra, en el área que después ocupó la piscina, por resultar más económico y eliminar el transporte del hormigón. La obra se hizo con hormigones que no sobrepasaban los 420 kg/cm², excepto en los pórticos de la planta baja, donde se usaron hormigones de 490 kg/cm². En el edificio se consumieron 35 mil m³ de hormigón. Después de realizar un estudio se compró una máquina de la firma Rosa Cometa, para producir en obra los bloques de hormigón.

Para resolver los problemas de acústica, se uso como relleno para los pisos escoria de carbón de piedra con un espesor de 7 cm. Las dimensiones del edificio fueron modulares, de modo que se utilizaron el mismo tamaño de encofrados. Se usaron para éste unas cajas de madera, construidas con tablas de 2” x 6” y forradas con plywood de 4 por 8 pies. Los puntales se usaron de madera. Se pintaron las partes del encofrado en contacto con el hormigón para que no se adhiriera, lo que permitió utilizar los cajones más de 30 veces.

Las instalaciones eléctricas y de plomería se realizaron independientes de la estructura, se colocaron los bajantes por los patinejos, y se dejaron los ramales entre el falso techo de yeso y la placa. Cuenta el edificio con una pizarra automática para 500 teléfonos, que permite 50 conversaciones simultáneas. Se instaló una planta eléctrica de emergencia de 200 Kw. que mantiene el servicio a elevadores, luces en pasillos, escaleras, bombas de agua, etc. Se usaron 120 Km de tubería plastica eléctrica y 300 Km de alambre eléctrico con aislamiento termoplástico tipo TW. 

== Caracteristica ==

Posee una altura de 121 metros, consta de 29 niveles y 373 apartamentos con vista al mar y a El Malecón habanero (entre ellos siete pent house y dos duplex). Consta de un parking con capacidad para 500 automóviles, piscina, oficinas, estudios de televisión y un centro comercial accesible para residentes y población en general.

[[Image:Focsa1.jpg|thumb|Simbolo de la arquitectura cubana]] Tiene tres partes fundamentales: el basamento (que incluye restaurante, cafeterías, tiendas, teatro, oficinas y estudios de radio y televisión), la torre de 29 pisos, y el restaurante "La Torre", en el piso 33. También se encuentran en el edificio la dirección provincial de Radiodifusión y las emisoras COCO y Radio Metropolitana, un centro comercial y el restaurante "El Emperador".[1] Los pisos típicos tienen 13 apartamentos, 5 de tres habitaciones y un cuarto auxiliar y 8 de dos habitaciones con cuarto auxiliar

Esta obra, orgullo de la ingeniería cubana, fue seleccionada en febrero del año 1997, por la Unión Nacional de Arquitectos e Ingenieros de la Construcción de Cuba (UNAICC) como una de las Siete Maravillas de la Ingeniería Civil Cubana. Fue proyectada por el arquitecto Ernesto Gómez Sampera y el ingeniero Bartolomé Bestard realizó la organización de la obra. El proyecto eléctrico fue del ingeniero Fernando Meneses, la solución sanitaria del ingeniero Gustavo Becker y los cálculos estructurales se realizaron por la firma de ingenieros Sáenz, Cancio y Martín. 

== Fuentes ==

  [[http://arquitectura-cuba.blogspot.com]]

[[http://www.cubahora.cu]]

Archivo:Construccion focsa.jpg

2010-02-25T19:06:12Z

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== Sumario ==

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== Fuente: ==
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Archivo:Focsa1.jpg

2010-02-25T19:00:09Z

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== Fuente: ==
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Miguel Ángel

2010-02-25T18:12:32Z

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{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=michelangelo.jpg|descripcion=Miguel Ángel fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.|fecha_de_nacimiento=6 de marzo de 1475|lugar_de_nacimiento=Caprese,Italia|fecha_de_fallecimiento=18 de febrero de 1564 |lugar_de_fallecimiento=Roma,Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}

= Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, Miguel Angel =

== Biografía  ==

Nació en 1475, en [[Caprese]], unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a [[Florencia]], donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano] pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia. Aprendizaje

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética. Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos. Recorrido artístico Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la Piedad del Vaticano, después del Bacus del Bargello (1496), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.[ En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Desgraciadamente, al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia. En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento. 

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad. El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó. En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven [[Tommaso Cavalieri]], un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica». Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte. Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

[[Vittoria Colonna]] era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma. 

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]] En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia. Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte. 

== Legado artistico ==

 Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia 1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto. Después de la muerte en 1492 de Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo XIII, uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia [[Enrique III]] y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti. A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible. 

El año 1505 fue llamado a Roma por el [[Papa Julio II]] para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de Bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la [[Capilla Sixtina]]. 

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba de diseñada por Miguel Ángel.]]El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de 1508, y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una Virgen con Niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador». 

 

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales 

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]] Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del [[Renacimiento.]]

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el Juicio Final, o Juicio Universal, iniciado en 1536 y finalizado en 1541.[[Image:Jucio final.jpg|thumb|El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo.[76] A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado. A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En 1559, se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo. 

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia (1495).]] 

Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encargó para la Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 a 1550: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año 1544, una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria Colonna en 1549. Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario. Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena. 

En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la [[Crucifixión]] que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

 

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.

 Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del Palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio. Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la Sacristía Nueva en 1523, situada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar. En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales.[89] Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla. 

== Dibujos ==

 Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del Tributo y la Consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el Magnífico, hacia el año 1490. 

 

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de Londres, los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del [[Metropolitan Museum]] of Art de Nueva York, diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección. Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja: • Estudio: Santa Ana, h. 1505, [[Museo del Louvre]], París. • Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. 1533, Museo Ashmolean, Oxford. • Dos hombres desnudos combatiendo, h. 1545-50, Museo del Louvre, París. • Crucifixión, h. 1550-55, Museo del Louvre, París. • Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres. • Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. 1555, [[Museo Ashmolean]], Oxford. • Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París. • Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, Estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y Estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en 1931 gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en 2004. 

== Valoración ==

 La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año 1557, tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del Concilio de Trento. Desde la mitad del siglo XVIII, fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte. El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía Nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. 

== Fuentes ==

 

[www.historiadelartemgm.com]

[www.epdlp.com]

[www.biografiasyvidas.com ]

Archivo:Jucio final.jpg

2010-02-25T16:00:14Z

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Javier Méndez

2010-02-23T19:44:47Z

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{{Personaje_deportivo|nombre=Javier Mendez Gonzalez|seudonimo=El javi|imagen=Jm1.jpg|descripcion=titular y estrella del equipo de Industriales,admirado por su entraga en el terreno y estabilidad en bateo y formidable defensa|fecha_de_nacimiento=22 de abril de 1964|lugar_de_nacimiento=Santa fe. C.habana|fecha_de_fallecimiento=|lugar_de_fallecimiento=|disciplina=Beisbol|titulos_obtenidos=campeon nacional con su equipo Industriales}}Un León Azul Javier Mendez

== Sus comienzos y curiosidades ==

 Nacido en la playa habanera de Santa Fe el 22 de abril de 1964, comenzó a practicar el fútbol, que era su deporte preferido, aunque jugaba a las cuatro esquinas y al flojo, como casi todos los niños cubanos. Y esta es otra de las facetas de Javier Méndez: las lesiones. Dice que quizás algún día escriba un libro sobre todos los tropiezos de este tipo que ha sufrido, desde que en el estadio Eduardo Saborit se levantó toda la piel de un muslo durante un partido de fútbol, aquel rasponazo futbolístico determinó para que Javi cambiara el balón y los tacos por la pelota, el guante y el bate, aunque las lesiones siguieron siendo sus eternas acompañantes. 

== Su ídolo ==

Agustín Marquetti fue siempre su ídolo: "Y cuando logré jugar junto a él aquello fue inolvidable, verme en el mismo terreno con ese pelotero a quien tanto admiraba, y que a partir de ese instante se convirtió en mi principal formador como bateador, ayudándome muchísimo en el sistema de bateo, en la paciencia, ecuanimidad y tranquilidad a la hora de batear, esa acción que yo personalmente disfruto al máximo". 

[[Image:Javier mendez3.jpg|thumb]]

== Su trayectoria dentro y fuera del terreno ==

 Con la tranquilidad más grande del mundo, la misma que cuando empuñaba el aluminio o la madera, Javier Méndez González recuenta su trayectoria deportiva, que es toda su vida, llena de momentos regulares y malos, pero sobre todo buenos, como los de esta última Serie Nacional, en la cual bateó 19 jonrones, más que en ninguna otra, superó los dos mil imparables e implantó la nueva marca de 381 dobles, y otra para torneos de 90 juegos, con 92 carreras impulsadas ya no vigente hoy.También se emociona cuando recuerda que posee el récord nacional absoluto de bateo para un torneo en la pelota cubana en todos los tiempos, con sus 462 de promedio, implantado en 1997, durante la Copa Revolución.Esas eran algunas de sus metas, pues la restante también la alcanzó: ganar por cuarta ocasión un campeonato nacional con el equipo Industriales. 

 Como a muchos otros atletas cubanos, a mí han tratado de comprarme para que pase al profesionalismo, y sobre todo para que desertara. Y mi respuesta siempre fue la misma: no hay oro en el mundo que valga más que el cariño de este pueblo. Tuve otra posibilidad de responder no tan diplomáticamente, que fue cuando le di un piñazo en Winnipeg a aquel provocador de la mafia anticubana, que se lanzó al terreno con un cartelito que por poco se tiene que comer y a quien todavía le debe estar silbando el oído Militante del Partido Comunista de Cuba desde 1992, Javier no piensa abandonar el béisbol, pero a su título de Licenciado en Cultura Física, quiere añadir otros conocimientos de idiomas y computación, "porque hay que estar a la altura de la cultura general integral que el Comandante en Jefe se ha propuesto ofrecerle a nuestro pueblo, del cual soy parte activa como un simple ciudadano que no quiere quedarse atrás". 

== Sus consejos ==

 

A los que vienen detrás o comienzan ahora, esos jóvenes y niños que sueñan con vestir un día el uniforme con El 17 Azul, Javier Méndez les aconseja mucha disciplina y tesón, sacrificios y entrenamientos, no darse jamás por vencido y salir al terreno siempre a ganar y a ofrecer un buen espectáculo al público, que se lo merece todo. Y defender la bandera, porque los peloteros anteriores a mí, los de mi generación, y también los que van surgiendo ahora, siempre nos hemos caracterizado por poner bien en alto el nombre de la Patria y por cumplir con lo que el pueblo espera de nosotros, porque somos hijos de este heroico pueblo Y es que ese público, en cualquier estadio del país, lo ha premiado siempre con una ovación cuando se anuncia su turno al bate, cuando impulsa una carrera, conecta un hit, un doble o un jonrón o realiza uno de esos fildeos de leyenda, que estremecen al graderío y logran que se hable de pelota por largo rato, gracias a hombres como este que, muy casero y familiar, siempre con su esposa e hijos, y que responde al nombre inolvidable de Javier Méndez González, El 17 Azul, de Industriales y de Cuba. 

 

Fuentes 

==== www.granma.cu '''www.cubahora.cu''' ====

Archivo:Jm1.jpg

2010-02-23T17:22:38Z

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== Sumario ==

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== Fuente: ==
www.cubahora.cu

Zunzún

2010-02-18T21:11:44Z

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{{Animal|nombre=zunzun|imagen=Zunzun cubano.jpg||reino=aves|filo=|clase=|orden=|familia=|generos=}} 

= El ave más pequeña del mundo  =

El zunzún, también conocido como picaflor o colibrí, es muy común en toda Cuba, lo mismo se le encuentra en bosques alejados que en jardines caseros. Estos animales generalmente usan muy poco las patas pues se encuentran casi todo el tiempo volando, existen en la actualidad más de 300 especies.

Dentro del grupo de los zunzunes se encuentra el pájaro mosca o zunzuncito, ave endémica de nuestra isla, considerada la más pequeña del mundo, pues mide solamente 63 milímetros. Muchas personas señalan haber visto el pájaro mosca o zunzuncito cuando en realidad lo que han visto es al zunzún común. El zunzuncito es muy difícil de ver, porque está confinado a regiones bien definidas del cabo de San Antonio y la Ciénaga de Zapata.

Es característico de estas aves no andar en parejas, rara vez se encuentra la hembra junto al macho, lo que indica que la época de cortejo es de muy corta duración. Apuntan los investigadores que las hembras ponen dos huevos blancos, en lugares poco frecuentados por los machos, para no ser molestados por estos; señalan además que nunca han visto a un zunzún acariciar a su compañera.

A pesar de tener un tamaño muy pequeño, los zunzunes son considerados aves de extraordinaria valentía, pues en ocasiones se les ha visto atacar al sijú y al aura tiñosa cuando están cerca de los nidos. Pero es preciso aclarar que por lo general son muy poco ariscos, capaces de acudir a un ramo de flores sostenido por la mano de una persona sin moverse.

Son aves para mirar y admirar, pues su presencia siempre es muy agradable produciendo un eco de extraordinario valor para los que vivimos en este planeta.

Archivo:Zunzun cubano.jpg

2010-02-15T19:17:27Z

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