EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

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2023-04-06T18:41:09Z

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Danilo Dueñas

2023-03-20T18:35:07Z

Lorenajc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Danilo Dueñas |nombre completo = Danilo Dueñas |imagen = Danilo.jpeg |tamaño = |descripción = Pintor mexicano |fecha de nacimiento = 15 de…»

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}}
'''Danilo Dueñas''', actualmente se desempaña como artista visual y pintor colombiano.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[1956]] en [[Cali]], [[Colombia]].

Cuando tenía unos ocho o nueve años de edad, y estudiaba en la Saint Agnes School en Washington D.C., nos llevaron a la National Gallery y vió un cuadro puntillista de Seurat que le pareció rarísimo.`pero a la vez experimentó toda esa parte fenomenológica, todas las variaciones perceptivas, al estar lejos y cerca del cuadro. Lo cual lo catalogó como precioso.

Se encontraba con sus compañeros, pero a la vez sentió que estaba totalmente solo y una conexión privada con esa pintura, lo cual sintió como una sensación bastante placentera, según cuenta el autor tuvo otra de estas experiencias en la clase de `pintura de Miss Todd: ella ponía a dibujar, y el resultado fue un arcoíris y a raíz de eso se dio cuenta que podía pintar.

Desde [[1990]] ha sido Profesor en el Departamento de Arte de la Universidad de los Andes y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

En 1995 participa en las exposiciones Mesótica y Transatlántica curadas por Carlos Basualdo en el Museo de Arte y Diseño de San José de Costa Rica y el Museo Alejandro Otero de Caracas.

==Trayectoria==
En 1999 recibe el premio "Johnnie Walker en las Artes" otorgado por Paulo Herkenhoff, por su instalación Espacio Preservado II presentada en la Biblioteca Luis Ángel Arango.

En 2001 se realizan dos muestras retrospectivas simultáneas sobre su obra: en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en el Museo de Arte de la Universidad Nacional. En 2003 se realiza otra exposición retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber.

En 2006 fue el invitado internacional de la FIA de Caracas. Su obra también está representada en el Museo de Bellas Artes de Caracas y el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Actualmente vive y trabaja en Bogotá.

Ha participado con su obra en numerosas exposiciones internacionales incluyendo “Beuys y más allá: El enseñar como arte” (Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá); “Correspondencias: Arte Contemporáneo de la Colección Patricia Phelps de Cisneros” (Wheaton College, Norton, [[Estados Unidos]]): “Mesótica” (Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José de Costa Rica, [[1995]]); “Transatlántica” (Museo [[Alejandro Otero]], [[Caracas]], [[1995]]) "The way things fall (FRAC Pays de la Loire, Carquefou, [[Francia]], [[2018]]).

Ha expuesto individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (2003), y en el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte de la Universidad Nacional (Bogotá, [[2001]]).

Desde [[1990]], Dueñas ha sido profesor en la Universidad de los Andes, Universidad Nacional de Colombia y la Universidad de Bogotá [[Jorge Tadeo Lozano]].

En [[1999]], fue galardonado con el Johnnie Walker Art Prize, otorgada por Paulo Herkenhoff, para su instalación "Espacio Preservado II", presentado en la Biblioteca [[Luis Ángel Arango]].

Entre [[2011]] y [[2012]] fue uno de los artista invitados en el programa DAAD de [[Berlín]].

Es parte de la Artista Pension Trust en [[México]].

===Colecciones públicas===
* [[1989]] Museo La Tertulia, [[Cali]]
* 1989 Museo de Arte Moderno de [[Río de Janeiro]]
* [[1990]] Museo de Arte Moderno de Bogotá
* [[1992]] Museo de Arte de la Universidad Nacional, [[Bogotá]]
* [[1993]] Museo de Arte Moderno de Popayán
* [[1994]] Museo de Bellas Artes de Caracas
* [[1998]] Museo de Arte Moderno de Barranquilla
* [[2003]] Museo de Arte Contemporáneo de [[Caracas]]
* [[2011]] Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá

== Fuentes ==
* https://www.artnexus.com/es/magazines/article-magazine-artnexus/5d641d3590cc21cf7c0a416e/95/danilo-duenas
* https://www.artealdia.com/Printed-Edition/117_Diciembre_06_-_Enero_07/DANILO_DUENAS
* http://humbertojunca.com/escritos/otros-salones/danilo-duenas/

[[Categoría: Artista Visual]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Profesor]]

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2023-03-20T18:34:47Z

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María de la Paz Jaramillo

2023-03-17T20:01:40Z

Lorenajc: Página creada con «{{Ficha Persona | nombre = Maripaz Jaramillo |nombre completo = María de la Paz Jaramillo |imagen = Maripaz.jpeg |tamaño = |descripción = Artista Plástica |fecha de na…»

{{Ficha Persona
| nombre = Maripaz Jaramillo
|nombre completo = María de la Paz Jaramillo
|imagen = Maripaz.jpeg
|tamaño =
|descripción = Artista Plástica
|fecha de nacimiento = [[1948]]
|lugar de nacimiento = [[Manizales]], [[Caldas]]
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}}
'''María de la Paz Jaramillo''', conocida como Maripaz Jaramillo, artista plástica colombiana, destacada principalmente en pintura, egresada de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Considera una de las principales representantes del movimiento expresionista colombiano.

==Síntesis biográfica==
Desde su adolescencia Maripaz se interesó por diferentes manifestaciones artísticas, desde el diseño de modas hasta la escultura, pasando por el grabado y la pintura, arte que la daría a conocer. Cursó sus estudios secundarios en Inglaterra, luego de ser expulsada de dos colegios en Bogotá. Posteriormente inició estudios de modelaje y diseño de modas en el Lucy Clayton School.

En [[1968]] regresa a Bogotá, donde contrae matrimonio con el arquitecto [[Benjamín Barney]] e ingresa a la Universidad de los Andes a realizar estudios de Bellas Artes, en la universidad controvirtió varias veces con sus profesores, entre los que se contaban [[Juan Antonio Roda]], [[Juan Cárdenas]], [[Carlos Rojas González]] y [[Luis Caballero Holguín]], ya que se rehusaba a pintar los bodegones que pedían en sus clases; ella prefería escapar a tales lineamientos y dejarse llevar por la búsqueda de su sello personal.

En [[1973]] se gradúa como artista plástica. Posteriormente asiste a los talleres de arte de [[Stanley William Hayter]] en [[París]], de [[Luis Camnitzer]] en [[Italia]] y de la Escuela de Arte de Chelsea.

==Labor artística==
Su producción artística se caracteriza por el uso colores fuertes y la falta de fineza en los trazos, se aleja de la belleza formal y de las exigencias académicas, su dibujo tosco y colorido ha sido muchas veces calificado de “deficiente” por la crítica; sin embargo la artista no ha pretendido mejorar su técnica, ya que no busca con su obra replicar la realidad sino interpretarla exagerándola y abreviándola.

La sensualidad ha sido una constante en el trabajo de la artista, inicialmente en mujeres que por lo general estaban con el pecho descubierto y más recientemente se ha dedicado a pintar parejas en diferentes contextos entre las cuales el deseo es inocultable.

Algunos comentaristas catalogan su trabajo como expresionismo con tintes críticos porque problematiza la realidad, sin embargo la misma Maripaz dice que ven en su trabajo un fondo político que ella realmente no busca.

En la última exposición de Maripaz Jaramillo titulada Ellas, se retoman las siluetas femeninas que hacía 30 años exploro en las series Los objetos y los oficios de la mujer y La máquina de la vida. Mostrando su estilo en Alonso Garcés Galería con esta nueva serie, donde alrededor de 30 mujeres se toman este espacio.

Ya no son aquellos aventurados movimientos de sus coreografías, besos o abrazos los que impactan sino su asumida soledad trabajada por su experiencia profesional, donde elige lo mejor en peinados, prendas al estilo de desfile de modas, demarcando su elegancia y altivez.

Al participar y visualizar en estas obras se puede apreciar el color y la forma, espacio y cuerpo, choque visual y armonía que encierra a la mujer en un espacio en medio de la naturaleza. Se ve su trascendencia y su gran amor por la pintura como ella lo caracteriza en sus entrevistas hechas a lo largo de su carrera profesional.

En 1983 dictó clases de gráfica en la Universidad de los Andes. Desde el año 2004 se dedicó a trabajar como asesora y colaboradora del expresidente de Colombia Álvaro Uribe Vélez, en el comité de cultura, de este trabajo surgió su más reciente serie de pinturas denominada Besos y abrazos, la cual es un acercamiento al poder y la política nacional.

===Exposiciones===
En 1971 participa por primera vez en una exposición colectiva, el XXII Salón Nacional de Artistas en el Museo Nacional de Colombia. En adelante empezaría un exitoso recorrido que incluye, entre otras, las siguientes exposiciones:
* Muestra de artistas jóvenes del Museo La Tertulia de Cali, [[1972]].
* Nuevos Nombres en el Arte Colombiano del Museo de Arte Moderno de Bogotá, [[1973]] y Salón Panamericano de Artistas Jóvenes en Caracas del mismo año.
* III Bienal Americana de Artes Gráficas del Museo La Tertulia, 1976.
* Arte Actual de Iberoamérica del Instituto de Cultura Hispánica en Madrid, 1977.
* Quince Artistas de Colombia en la Bienal de Italia, 1978.
* Exposición de grabado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1979.
* Contemporany Latin American Art' del Museo Chrysler en Norfolk, 1983.
* XIII Bienal de París, [[1985]].
* Serie Galápagos realizada luego de un viaje de la artista a las Islas Galápagos y presentada en La Galería de Quito y el Museo La Tertulia de Cali en 1988 y 1989 respectivamente.
* Amores y amantes en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1990; en el Museo la Tertulia y el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de Santa Marta en 1991 al igual que Jóvenes Latinoamericanos en Nagoya, Japón.
* Flora y Magiaen la Galería Diners de Bogotá y el Museo La Tertulia, 1993; y en La Galería de Quito, 1994.
* MariPaz: 1970-1995, organizada por el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en la que se presentaron 196 obras, que muestran quince años de carrera artística, [[1995]].
* Arte Colombiano Contemporáneo en Leverkusen, [[Alemania]], [[1997]].
* Galería Diners de [[Bogotá]], [[2000]].
* Exposición a la India en la Academia Lalit Kala de [[India]], [[2001]].
* Ellas en Alonso Garcés Galería de Bogotá, [[2012]]

===Premios y distinciones===
* En [[1969]] obtiene el primer premio a su labor artística, en un concurso organizado por la Universidad de los Andes en el que presentó un Bolívar en pintura y collage sobre tela.
* En [[1974]] gana el primer premio del XXV Salón Nacional de Artistas por su serie de grabados en metal La Señora Macbeth
* [[1976]] los grabados en metal La novia y La viuda la hacen merecedora del segundo premio del Salón Regional de la Universidad del Valle; y por el grabado Manuela Sáenz obtiene medalla de oro en el Intergrafik 76 organizado en [[Berlín]]; premio que obtendría nuevamente en el Intergrafik 80 de 1980 por la serigrafía Tú amor no me conviene
* En la Bienal Americana de Grabado de [[1977]] obtiene el tercer lugar por la serigrafía La voz dorada
* En [[1982]] participa en la Bienal de Artes Gráficas de [[Irlanda]] y obtiene el segundo premio.

== Fuentes ==
* http://www.nhgaleria.com/maripaz-jaramillo
* https://www.bibliotecapiloto.gov.co/maripaz-jaramillo-expresionismo-a-todo-color/
* https://www.artnexus.com/es/magazines/article-magazine-artnexus/5d64034290cc21cf7c0a3449/85/maripaz-jaramillo

[[Categoría: Pintora]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Catedratica]]

Archivo:Leda y el Cisne.jpg

2022-12-07T16:46:09Z

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Archivo:El Flechador del cielo.png

2022-12-06T21:46:27Z

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El flechador del cielo

2022-12-06T21:45:14Z

Lorenajc: Página creada con «{{Ficha_Obra_de_Arte |nombre= El flechador del cielo (Pintura) |imagen= El_Flechador_del_cielo.png |descripción= La pintura de Jesús Helguera muestra la historia de un fl…»

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= El flechador del cielo (Pintura)
|imagen= El_Flechador_del_cielo.png
|descripción= La pintura de Jesús Helguera muestra la historia de un flechador indio mexicano con un arco disparando al cielo y una doncella acostada a su lado
|tipo= Pintura Paisajista
|autor= [[Jesús Enrique Emilio de la Helguera Espinoza]]
|año= [[1958]]
|país= [[México]]
|estilo= Paisaje
|técnica= Grafito/Papel
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|ancho=
localización_pintura= Museo Soumaya, Ciudad de México, México
|etiq_cubadebate =
}}
El flechador es una copia con técnica de carboncillo donde se muestran a un indio con una doncella, del pintor mexicano Jesús Helguera.

==Historia==
Según cuenta la historia de un flechador:
Nunca se le había visto tan triste. Por eso, la gente comentaba entre sí:
—¿Qué le pasa a Ilhuicamina?
—¿Qué le sucede al Flechador del Cielo?
—¿Qué tristeza le hiere?...
Y nadie sabía, más que él, su dolor.
Tenía una herida, no de flecha de batalla guerrera —¡tantas batallas de esas había ganado!—, sino de flecha de batalla de amor. Era esa la flecha que le molestaba dentro, la que había hecho callar sus cantos y apagar su voz.

Caminaba con los ojos perdidos, lentamente —como una tortuga sin su mar. Quien le miraba no lo reconocía. Él, el de los brazos fuertes; él, el de la voluntad férrea; él, el de los ojos que sabían ver lejos; él, el de la inteligencia clara..., estaba cabizbajo, vencido.

—¿Qué te acontece? —le preguntaban quienes le querían bien.
Pero él no contestaba, ni para bien, ni para mal.
Tan sólo el cenzontle, pájaro de muchas voces, y el ciervo, venado de cuernos de madera, lo veían por las tardes. Se encaminaba a la cima de una montaña cercana; y desde ahí, con su arco lanzaba rabiosamente flecha tras flecha hacia arriba, como si al tirar quisiera clavar sus puntas, sus filos de obsidiana, en la entraña del cielo.

Tan sólo el tecolote lo había visto muchas noches. llhuicamina, el Flechador del Cielo, subía la cima de la misma montaña y se sentaba en una piedra a meditar, con la mirada alta. De vez en cuando cerraba los ojos, para pintar con su pensamiento a su amada Citlalixochitl, estrella flor, para pensar en ella. El padre de la muchacha no le permitía unirse a él, flechador y guerrero por oficio. Y así, meditando y meditando, lo sorprendía el lucero de la mañana.

En una ocasión, el guerrero llhuicamina y la bella Citlalixochitl, se vieron a escondidas. Ella habló del temor a su padre y él habló de su enojo.

—¿Por qué ocultarnos?... ¿Por qué ahogar nuestras emociones?... ¿Qué mal hacemos con querer ser compañeros de la vida?... Entonces Estrella-flor, con labios temblorosos, pero voz serena, dijo:
—No nos demos por vencidos, pero tampoco dejemos que nos ciegue el odio. Busquemos una solución, una salida. Mi padre se ha dado cuenta sólo de los impulsos de nuestros cuerpos jóvenes, pero no conoce nuestros sentimientos.

Mostrémoselos, abrámosle nuestro corazón. Así lo hicieron: Por el camino llamado "Sendero de la Serpiente Luminosa" se encaminaron rumbo a la casa del padre de la muchacha para hablar con él. Llegaron cuando las sombras de la tarde anunciaban el ocaso del día.

El padre de la muchacha los recibió con recelo y de ese modo también les escuchó decir que ellos querían unirse. Se lo dijeron con tal firmeza y claridad que el hombre no encontró otra salida.

—Bueno, está bien, será lo que ustedes dicen; se unirán. Pero voy a ponerte una condición, llhuicamina. Puesto que eres guerrero y flechador, escucha bien: deberás clavar la punta de una de tus flechas en el mero corazón del cielo, deberás herirlo, tendrás que hacerlo sangrar. Cuando lo logres, vuelve. Entonces no pondré reparo en tu unión con mi hija. Lo que pedía el padre de Citlalixochitl era demasiado. Ella y el Flechador del Cielo lo sabían; pese a todo se dieron fuerza uno al otro.

—No nos demos por vencidos, ni dejemos que nos ciegue el odio. Pensemos, dispongamos de toda nuestra inteligencia y voluntad —decían entre sí.

El padre de Estrella-flor estaba muy seguro de que llhuicamina nunca podría clavar ninguna flecha en el corazón del cielo. Eso sí: curioso veía al guerrero subir a la cima de una montaña y lanzar sus flechas con filo de obsidiana, desde que amanecía hasta que la oscuridad y el canto del tecolote invadían el campo.

Pasaban los días y el flechador lanzaba más altos sus tiros, pero no lograba siquiera rozar el cielo.

Muchas auroras y muchas lunas habían visto a llhuicamina subir el pico de la misma montaña. Le habían visto cansarse, pero no perder la voluntad; tiro tras tiro seguía insistiendo, buscando lo imposible, luchando contra sus propias limitaciones de ser humano. Tiro tras tiro buscaba clavarle su flecha al corazón del cielo. Una tarde, cuando todo parecía perdido, cuando todo parecía lucha de más, los pájaros graznaron fuerte, los venados corrieron con su veloz lentitud, la yerba y los árboles se estremecieron, gentes y gentes gritaban y manoteaban asombradas:
—¡El sol se hincha!...
—¡El cielo está sangrando!...
—¡La sangre del cielo pinta las montañas!...
—¡La sangre del cielo se refleja en el río y corre por sus aguas!...

El padre de la muchacha salió de su casa y se quedó pasmado, quieto como si tuviera raíz, con los ojos abiertos, muy abiertos. Ante él pasaban unas mujeres manoteando; a su alrededor se escuchaba un griterío de niños y de pájaros. Arriba de él, el sol se hinchaba cada vez más; allá el cielo se manchaba, se pintaba de un color rojo encendido. Para él, desde ese momento, ya no había duda: ¡llhuicamina había hecho sangrar el cielo!
Pasado el asombro, el padre de Citlalixochitl pidió que alguien llamara a llhuicamina.

Cuando estuvieron cara a cara, el padre de Estrella-flor y el Flechador del Cielo, le dijo:
—No me guardes rencor. Uno siempre quiere lo mejor para los suyos. He visto que eres un hombre de voluntad que no se vence fácil. Por eso y porque mi hija es dueña de sus sentimientos y su razón, acepto que se unan. Vivan juntos, pues, y que les vaya bien, que los acompañen flores y cantos. Desde entonces volvieron a brotar cantos de los labios de Citlalixochitl y de llhuicamina; desde entonces no cesaron, desde entonces se extendieron como un eco.

Cuenta la leyenda que, desde entonces, los pájaros anuncian en las tardes la presencia de llhuicamina, ya no en persona, sino en espíritu. Dice también que si los pájaros cantan con más fuerza en un momento dado, es porque lo están viendo subir al pico de su montaña. Siempre va acompañado de Citlalixochitl. Cada uno toma su arco y su flecha, cada uno apunta hacia arriba, cada uno lanza su proyectil hacia el espacio. Las flechas de Citlalixochitl y de llhuicamina han volado y se clavan en el corazón del cielo, que es el sol. Ahí muere un día y nace una noche. A eso nosotros le llamamos ocaso, a eso nosotros le llamamos caída del sol... crepúsculo... Leyenda tradicional mexicana.

==Descripción de la Obra==
Un cuadro verdaderamente simbólico en el que se muestra Quizás no se lo imagine, pero la famosa “Cuauhtimiña”, aquella posición de lanzar imaginariamente una flecha con la que festejaba Cuauhtémoc blanco cada gol que metía, y que también la utiliza el plusmarquista mundial de las carreras de 100 y 200 metros, el jamaiquino Usain Bolt, pudo tener su origen en esa imagen ya clásica del Flechador del Cielo pintada por Jesús Helguera, y reproducida en los miles de calendarios que vemos cualquier rincón del país, casa y negocio. Esa es la importancia del gran Helguera, conocido como “el pintor de calendarios”.

==Datos del autor==
Nació el Jesús Enrique Emilio de la Helguera Espinoza el [[28 de mayo]] de [[1910]], fue un pintor e ilustrador mexicano, hijo de Álvaro de la Helguera García, economista español emigrado a [[México]], y de la mexicana María Espinoza Escarzaga.

Vivió los primeros años de su infancia en la Ciudad de México y posteriormente en la ciudad veracruzana de Córdoba. A los siete años abandonó México con su familia a causa de la revolución mexicana y emigró a [[España]]. Allí radicó inicialmente en Ciudad Real y posteriormente en Madrid, donde, a los doce años de edad, ingresó en la Escuela de Artes y Oficios, bajo la tutela de [[Hipólito Hidalgo de Caviedes]], dos años más tarde ingresó en la Academia de San Fernando para completar sus estudios de pintura; estudió primeramente bajo la tutela de [[Cecilio Plá]] y [[Moreno Carbonero]] y después con los maestros [[Marcelino Santamaria]], [[Manuel Benedito]] y [[Julio Romero Torres]].

Su trayectoria escolar, conjuntamente con el estudio independiente de obras en el Museo del Prado lo llevaron a ser galardonado en un concurso del Círculo de Bellas Artes con diferentes premios y matrículas de honor. El prestigio obtenido le abrió la posibilidad de trabajar como ilustrador para diferentes editoriales.

Helguera tuvo su primera experiencia docente a los 19 años de edad como maestro de dibujo en la primaria. Sin embargo, algunos años después ganaría un concurso por oposición para obtener una plaza de maestro de arte en un instituto de [[Bilbao]]. Este sería el inicio de una carrera sobresaliente en la enseñanza pictórica española.

Al estallar la guerra civil española, Helguera, en familia con su esposa [[Julia Gonzáles Llanos]] y con sus dos hijos (María Luisa y Fernando), optó por retornar a México ante las dificultades económicas en las que se encontraba. Su primer trabajo en México lo encontró en la revista "Sucesos para todos". durante ese tiempo recorrió el país para hacerse una imagen del mismo y de sus costumbres y tradiciones y conocer su geografía, de esta forma es como nació la que sería la primera versión de "La Leyenda de los Volcanes", uno de sus trabajos más reconocidos.

A partir de [[1954]] y hasta [[1970]] trabajó para la editorial Galas de México, la editorial encargada de reproducir su obra de forma seriada para publicidad comercial por encargo de la Cigarrera La Moderna.
Falleció el [[4 de diciembre]] de [[1971]] a causa de una hernia intestinal.

==Fuentes==
* https://edmundod.wordpress.com/2011/11/18/jesus-helguera-el-pintor-e-ilustrador-del-sentimiento-mexicano/
* https://books.google.com.cu/books?id=6Pxo48SFla4C&pg=PA170&lpg=PA170&dq=El+flechador+del+cielo+de+jesus+helguera&source=bl&ots=HWOAdBhl5j&sig=ACfU3U2IwFSh1o8xI5Sb7mn7fp8l0gdB3Q&hl=es-419&sa=X&ved=2ahUKEwihmaqt1OX7AhW9RjABHWlFA6oQ6AF6BAgjEAM#v=onepage&q=El%20flechador%20del%20cielo%20de%20jesus%20helguera&f=false
* https://www.facebook.com/mitouniversal/posts/1589275111292625:0

[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]] [[Category:Calendarios]]

Frieda and Diego Rivera

2022-11-08T16:53:24Z

Lorenajc:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= Frieda and Diego Rivera (Pintura)
|imagen= Frieda_and_Diego_Rivera.jpg
|descripción= La pintura de Diego Rivera, la pintura muestra la foto de Frieda y Diego en su boda.
|tipo= Movimiento Subrealista
|autor= [[Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez]]
|año= [[1931]]
|país= [[México]]
|estilo= Retrato
|técnica= Pintura al óleo
|alto= 100.01 cm
|ancho= 78.74 cm
localización_pintura= Museo de Arte Moderno de San Francisco.
|etiq_cubadebate =
}}
'''Frieda and Diego Rivera''', Este retrato fue creado dos años después de que Frida Kahlo y Diego Rivera se casaran, y es ampliamente considerado un retrato de boda.

==Historia y descripción del cuadro==
La pintura muestra a Kahlo de pie junto a su esposo y compañero artista Rivera, retratado como pintor, sostiene una paleta y cuatro pinceles en su mano derecha mientras Kahlo inclina la cabeza hacia él. Ambos están mirando hacia el espectador, sin sonreír. Kahlo sostiene su chal rojo brillante con la mano izquierda. Rivera y Kahlo se dan la mano en el centro del retrato.

Rivera es físicamente mucho más grande que Kahlo. La paloma en la parte superior derecha lleva una pancarta que dice: "Aquí nos veis, a mí, Frida Kahlo, junto con mi amado esposo Diego Rivera.

La pintora expresó: Pinté estos retratos en la bella ciudad de [[San Francisco]], [[California]], para nuestro amigo Mr . [[Albert Bender]] y fue en el mes de abril del año [[1931]]". La obra había sido encargada por Albert M. Bender, coleccionista de arte y partidario de Rivera.

Hay muchas interpretaciones de esta obra, es simplemente como si Kahlo se representara a sí misma como la esposa del gran artista Rivera.Otros autores, como [[Margaret Lindauer]], investigan el contexto más amplio en el que se creó la obra.

La pancarta apoya la interpretación de Lindauer porque coloca a Kahlo en el papel de productor/artista profesional.

En [[1936]], Bender entregó la pintura al Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) en San Francisco, California, donde forma parte de la colección permanente y generalmente se exhibe al público.

==Datos del autor==
Nació el [[8 de diciembre]] de [[1886]] en la ciudad de Guanajuato. Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil, se mantuvo con vida. Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera, y fue bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

En [[1909]], se trasladó a [[París]], donde conoció a [[Angelina Petrovna Belova]], más conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años.

A partir de entonces y hasta mediados de [[1916]], alternó su residencia entre [[México]], [[Ecuador]], [[Bolivia]], [[Argentina]], [[España]] y [[Francia]], país este último en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con [[Alfonso Reyes Ochoa]], [[Pablo Picasso]] y [[Ramón María del Valle-Inclán]] y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes de Europa, como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto.

Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con Angelina Beloff que, sin embargo, murió al año siguiente. En [[1917]], influido por las pinturas de [[Paul Cézanne]], se introdujo en el postimpresionismo, y logró captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

En enero de [[1922]], comenzó a pintar su primer mural, intitulado La creación, en el interior del Anfiteatro [[Simón Bolívar]] de la Escuela Nacional Preparatoria de la entonces llamada Universidad Nacional de México.
Lo asistieron Carlos Mérida, [[Jean Charlot]], [[Amado de la Cueva]] y [[Xavier Guerrero]]. El tema central es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. Su obra pictórica comenzaría a convertirse en un factor considerable y de influencia para el movimiento muralista mexicano y latinoamericano.

En diciembre de ese mismo año, se casó con Guadalupe Marín, también conocida como "La Gata Marín", a quien conoció a través de Julio Torri mientras elaboraba el mural.

Entre agosto de [[1929]] y mayo de [[1930]], fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas. Salió de ahí debido a un movimiento estudiantil organizado en su contra.

Rivera, poco después de ese incidente, regresó en 1934 a México, donde pintó el mismo mural, El hombre en el cruce de caminos, en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Falleció el [[24 de noviembre]] de [[1957]], en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y [[Frida Kahlo]], y sus restos se colocaron en la Rotonda de las Personas Ilustres.

==Fuentes==
* https://www.caras.com.mx/personalidades/frida-kahlo-diego-rivera-amor-historia/
* Diego Rivera, 1931 by Frida Kahlo". Frida Kahlo and Her Paintings. 2011. Retrieved November 13, 2017.
* Herrera, Hayden. (1972). Frida: A Biography of Frida Kahlo. New York, NY.: Perennial / HarperCollins. ISBN 0060911271.
[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]]

Frieda and Diego Rivera

2022-11-08T16:52:58Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= Frieda and Diego Rivera (Pintura)
|imagen= Frieda_and_Diego_Rivera.jpg
|descripción= La pintura de Diego Rivera, la pintura muestra la foto de Frieda y Diego en su boda.
|tipo= Movimiento Subrealista
|autor= [[Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez]]
|año= [[1931]]
|país= [[México]]
|estilo= Retrato
|técnica= Pintura al óleo
|alto= 100.01 cm
|ancho= 78.74 cm
localización_pintura= Museo de Arte Moderno de San Francisco.
|etiq_cubadebate =
}}
'''Frieda and Diego Rivera ''', Este retrato fue creado dos años después de que Frida Kahlo y Diego Rivera se casaran, y es ampliamente considerado un retrato de boda.

==Historia y descripción del cuadro==
La pintura muestra a Kahlo de pie junto a su esposo y compañero artista Rivera, retratado como pintor, sostiene una paleta y cuatro pinceles en su mano derecha mientras Kahlo inclina la cabeza hacia él. Ambos están mirando hacia el espectador, sin sonreír. Kahlo sostiene su chal rojo brillante con la mano izquierda. Rivera y Kahlo se dan la mano en el centro del retrato.

Rivera es físicamente mucho más grande que Kahlo. La paloma en la parte superior derecha lleva una pancarta que dice: "Aquí nos veis, a mí, Frida Kahlo, junto con mi amado esposo Diego Rivera.

La pintora expresó: Pinté estos retratos en la bella ciudad de [[San Francisco]], [[California]], para nuestro amigo Mr . [[Albert Bender]] y fue en el mes de abril del año [[1931]]". La obra había sido encargada por Albert M. Bender, coleccionista de arte y partidario de Rivera.

Hay muchas interpretaciones de esta obra, es simplemente como si Kahlo se representara a sí misma como la esposa del gran artista Rivera.Otros autores, como [[Margaret Lindauer]], investigan el contexto más amplio en el que se creó la obra.

La pancarta apoya la interpretación de Lindauer porque coloca a Kahlo en el papel de productor/artista profesional.

En [[1936]], Bender entregó la pintura al Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) en San Francisco, California, donde forma parte de la colección permanente y generalmente se exhibe al público.

==Datos del autor==
Nació el [[8 de diciembre]] de [[1886]] en la ciudad de Guanajuato. Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil, se mantuvo con vida. Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera, y fue bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

En [[1909]], se trasladó a [[París]], donde conoció a [[Angelina Petrovna Belova]], más conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años.

A partir de entonces y hasta mediados de [[1916]], alternó su residencia entre [[México]], [[Ecuador]], [[Bolivia]], [[Argentina]], [[España]] y [[Francia]], país este último en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con [[Alfonso Reyes Ochoa]], [[Pablo Picasso]] y [[Ramón María del Valle-Inclán]] y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes de Europa, como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto.

Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con Angelina Beloff que, sin embargo, murió al año siguiente. En [[1917]], influido por las pinturas de [[Paul Cézanne]], se introdujo en el postimpresionismo, y logró captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

En enero de [[1922]], comenzó a pintar su primer mural, intitulado La creación, en el interior del Anfiteatro [[Simón Bolívar]] de la Escuela Nacional Preparatoria de la entonces llamada Universidad Nacional de México.
Lo asistieron Carlos Mérida, [[Jean Charlot]], [[Amado de la Cueva]] y [[Xavier Guerrero]]. El tema central es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. Su obra pictórica comenzaría a convertirse en un factor considerable y de influencia para el movimiento muralista mexicano y latinoamericano.

En diciembre de ese mismo año, se casó con Guadalupe Marín, también conocida como "La Gata Marín", a quien conoció a través de Julio Torri mientras elaboraba el mural.

Entre agosto de [[1929]] y mayo de [[1930]], fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas. Salió de ahí debido a un movimiento estudiantil organizado en su contra.

Rivera, poco después de ese incidente, regresó en 1934 a México, donde pintó el mismo mural, El hombre en el cruce de caminos, en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Falleció el [[24 de noviembre]] de [[1957]], en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y [[Frida Kahlo]], y sus restos se colocaron en la Rotonda de las Personas Ilustres.

==Fuentes==
* https://www.caras.com.mx/personalidades/frida-kahlo-diego-rivera-amor-historia/
* Diego Rivera, 1931 by Frida Kahlo". Frida Kahlo and Her Paintings. 2011. Retrieved November 13, 2017.
* Herrera, Hayden. (1972). Frida: A Biography of Frida Kahlo. New York, NY.: Perennial / HarperCollins. ISBN 0060911271.
[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]]

Archivo:Frieda and Diego Rivera.jpg

2022-11-08T16:43:45Z

Lorenajc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

El agua, origen de la vida

2022-11-08T16:29:07Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= El agua, origen de la vida (Pintura)
|imagen= Mural_El_agua,_origen_de_la_vida.jpg
|descripción= La pintura de Diego Rivera, es un mural subacuático que es único en el mundo.
|tipo= Pintura Histórica
|autor= [[Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez]]
|año= [[1951]]
|país= [[México]]
|estilo= Pintura de Historia
|técnica= Mural subacuático
|alto= 198.92 m2
|ancho=
localización_pintura= Palacio Nacional. Ciudad de México
|etiq_cubadebate =
}}
'''El agua, origen de la vida''', tiene la peculiaridad de ser único en el mundo, en su condición subacuática, por haber mantenido una intensa convivencia con el agua que corrió por poco más de cuarenta años junto a los trazos que Diego pintó en el túnel, el piso y los cuatro muros del tanque, relación que resulto ser destructiva para la obra del gran muralista, por lo que desde 1992 las aguas del Lerma dejaron de circular por el Cárcamo de Dolores.

==Descripción del cuadro==
El hombre es de raza negra y la mujer tiene rasgos asiáticos, plasmando Rivera así las tesis del origen del hombre planteados por la ciencia soviética en los años cincuenta. La mujer se encuentra embarazada, y a ella arriba un batracio de rasgos semejantes a los del pintor.

En la parte superior del túnel inicia la narrativa social del mural. Dos grandes manos obreras dan el agua a la ciudad, simbolizando el esfuerzo obrero para llevarla a los habitantes de la capital de [[México]]. Al lado izquierdo, se observa al ingeniero [[Daniel Hernández]], quien da de beber a una anciana beata que representa a la aristocracia. Junto a ella un niño con traje de arlequín y un mono como mascota esperan su turno, lo que representa la imitación de estereotipos. Al fondo se observan edificios de la corriente Internacional, siendo reconocible el Hotel Reforma de [[Mario Pani]].

A la derecha del ingeniero un obrero perfora roca con maquinaria para extraer el agua, en tanto del lado derecho de las manos, dos obreros que perforan la roca con picos ofrecen agua a una familia obrera. Una niña sacia su sed y dos personas más esperan. Detrás de ellos, en contraposición a los edificios modernos del muro de enfrente, está representado un templo (teocalli). Los obreros dan de beber a ambos lados de las manos con sus propios cascos, simbolizando el trabajo obrero por el bien común.

A la derecha de la mujer, en el extremo nororiente del mural, una familia obrera usa el agua para cultivar una parcela. En el extremo opuesto, se representa el uso recreativo del agua con dos personas nadando. Una tiene el rostro de la hija del pintor, [[Ruth Rivera]].

En el muro poniente, y debajo de las compuertas que regulaban el paso del agua al cárcamo, se observa a los ingenieros que participaron en la construcción del Sistema Lerma, con el arquitecto Rivas y el ingeniero Eduardo Molina al centro, quien extiende unos planos de color azul explicando el funcionamiento del sistema.
Debajo de ellos se representó las moléculas del cloro y del amoniaco, así como su combinación para producir el desinfectante que hace posible la potabilización del agua. Las compuertas, actualmente pintadas de rojo, están unidas a unas llaves que aún permanecen en la parte superior del tanque.

==Historia del cuadro==
Así se llama y se llamó siempre, incluso durante las décadas en las que se la dio por perdida, la monumental obra subacuática del muralista mexicano Diego Rivera que ahora emergió de las profundidades ya intacta, después de años de trabajo de restauración a cargo de expertos del Museo de Bellas Artes. Hay azares que nos fuerzan a creer en algo más sincronizado que el azar, que transforman al tiempo pasado no en algo ido sino el algo que está y que permanece. Hay azares que parecen señales.

La belleza de la obra, que fue encontrada hace tiempo y desde los 90 estaba siendo restaurada, aunque tomó impulso reciente, ya vuelve a lucir su fuerza indescriptible, sus colores fuertes, sus imágenes simbólicas, que es increíble tanto como su dimensión: hay más de 270 metros cuadrados pintados.

Rivera la terminó en [[1951]], en un sector del bosque de Chapultepec. Fue para celebrar la llegada a término de un gigantesco acueducto que llevaría el agua potable hasta la ciudad de [[México]]. Está ubicada en el Cárcamo de Dolores, el depósito donde finaliza el acueducto de 62 kilómetros de largo que transporta el agua por el río Lerma hasta la mega urbe. Cuando la hizo, dijo que era “el más fascinante encargo de toda su carrera”. Porque sería una obra ubicada no a la vista, sino en las profundidades, en los secretos de los caminos del agua hacia la población. Una obra destinada no a ser vista, sino a latir.

Ahora, que ya se sabía de su existencia, el Centro Nacional de Obras Artísticas logró desviar el curso del agua para verla. La encontraron intacta, pero más allá de la pericia técnica y la pizca de delirio de Rivera para la pintura subacuática, el texto que trae el enorme mural le habla al mundo de hoy tanto o más que al de hace cuarenta años.

El pintor trabajó con [[Ricardo Rivas]] y [[Ariel Guzik]], diseñadores del edificio y compañeros del muralista. El mural se extiende a los túneles y a los espacios internos del túnel. «El agua, el origen de la vida», incluye las cuatro caras del tanque interior. Fue pintada de forma tal que desde donde se la mire, se pueda distinguir el sentido. Es un conjunto, sin principio ni final. En la parte inferior y en el suelo, Rivera ubicó microorganismos, mientras a medida que la mirada asciende las formas se van haciendo más estilizadas. Las manos se presume que son las del dios Tlaloc, señor de la lluvia. Hay una idea evolutiva en la pintura. Y hay una pareja solamente: él tiene rasgos africanos y ella, orientales.

En la salida del túnel, Rivera pintó dos enormes manos dando el agua. Dos manos morenas, mexicanas, pintadas en posición de dar todo lo que fluye, todo lo que viene, todo lo necesario. Es estremecedor pensar en estas sincronías del arte, de la percepción y del azar, porque esas manos hoy no dicen que México ya tiene agua potable, como cuando fue encargada, sino que es en nombre de ese elemento puro, claro, filtrado, inocente, que en los últimos años se han desatado guerras, que mueren acribillados líderes ambientales, que son apedreados y secuestrados los guardianes del agua y de los bosques, como Berta Cáceres en Honduras, o como los peregrinos hacia el Lago Escondido en la Patagonia [[Argentina]]. Problemáticas totalmente diferentes, pero unidas por el reclamo del agua.

En el nombre del agua que se reclama que el fracking se detenga, que la palabra “sustentable” no sea decorativa, que no se fumigue más sobre poblados, y tampoco sobre campos hartos de ser transmutados en algo que no es fruta ni verdura, sino commodities y veneno. En algunos lugares, hasta el agua de lluvia tiene glifosato. Esta semana en la [[Antártida]], una de las reservas globales de agua, la temperatura trepó a 20 grados. Esta semana circuló la foto de osos polares comiendo plástico. Esta semana en [[Colombia]] fueron asesinados tres activistas más que intentan frenar las represas, la producción a gran escala, la fumigación sobre los bosques que luego va a parar a los ríos.

Cuando Rivera pintó su fabuloso mural, a Nestlé todavía no se le había ocurrido que el agua no es un derecho, y que el mundo debe avanzar hacia el agua embotellada y con precio. Ya están remarcando nuestra sed. En decenas de países y de diversas maneras están haciendo negocios con el agua, olvidándose que es el origen de la vida.

Y en la Argentina, nos estamos preparando para la reacción que generarán las leyes de municipales, provinciales y nacionales para ponerle un límite no sólo al ataque a la naturaleza, sino también a los vecinos de pueblos fumigados, a los vecinos de pequeñas ciudades, a las comunidades a las que un puñado de ricos impide el acceso al río como si las propiedades se compraran sin servidumbre de paso, como si en este país las tierras se vendieran como feudos.

En ese contexto es que resurgen del pasado, de otras luchas, otras conquistas, del mismo idioma, esas manos benditas que en posición de dar, son un continente para el agua limpia que llegará a las bocas del pueblo.

==Datos del autor==
Nació el [[8 de diciembre]] de [[1886]] en la ciudad de Guanajuato. Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil, se mantuvo con vida. Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera, y fue bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

En [[1909]], se trasladó a [[París]], donde conoció a [[Angelina Petrovna Belova]], más conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años.

A partir de entonces y hasta mediados de [[1916]], alternó su residencia entre [[México]], [[Ecuador]], [[Bolivia]], [[Argentina]], [[España]] y [[Francia]], país este último en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con [[Alfonso Reyes Ochoa]], [[Pablo Picasso]] y [[Ramón María del Valle-Inclán]] y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes de Europa, como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto.

Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con Angelina Beloff que, sin embargo, murió al año siguiente. En [[1917]], influido por las pinturas de [[Paul Cézanne]], se introdujo en el postimpresionismo, y logró captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

En enero de [[1922]], comenzó a pintar su primer mural, intitulado La creación, en el interior del Anfiteatro [[Simón Bolívar]] de la Escuela Nacional Preparatoria de la entonces llamada Universidad Nacional de México.
Lo asistieron Carlos Mérida, [[Jean Charlot]], [[Amado de la Cueva]] y [[Xavier Guerrero]]. El tema central es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. Su obra pictórica comenzaría a convertirse en un factor considerable y de influencia para el movimiento muralista mexicano y latinoamericano.

En diciembre de ese mismo año, se casó con Guadalupe Marín, también conocida como "La Gata Marín", a quien conoció a través de Julio Torri mientras elaboraba el mural.

Entre agosto de [[1929]] y mayo de [[1930]], fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas. Salió de ahí debido a un movimiento estudiantil organizado en su contra.

Rivera, poco después de ese incidente, regresó en 1934 a México, donde pintó el mismo mural, El hombre en el cruce de caminos, en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Falleció el [[24 de noviembre]] de [[1957]], en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y [[Frida Kahlo]], y sus restos se colocaron en la Rotonda de las Personas Ilustres.

==Fuentes==
* https://jorgalbrtotranseunte.wordpress.com/2013/05/23/el-agua-origen-de-la-vida-de-diego-rivera/
* https://www.pagina12.com.ar/247542-el-agua-origen-de-la-vida
* https://www.pressenza.com/es/2020/02/el-agua-origen-de-la-vida/
* https://www.pagina12.com.ar/247542-el-agua-origen-de-la-vida
[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]]

Archivo:Mural El agua, origen de la vida.jpg

2022-11-08T16:26:21Z

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== Fuente: ==

Zapata (cuadro)

2022-09-20T18:32:50Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= Zapata (Pintura)
|imagen= Zapata_de_maria_izquierdo.jpg
|descripción= La pintura de María Izquierdo, muestra el descubrimiento de la tuma sin identificar de Emiliano Zapata.
|tipo= Realismo
|autor= [[María Cenobia Izquierdo Gutiérrez]]
|año= [[1945]]
|país= México
|estilo=
|técnica= Óleo/ Tela
|alto= 41 cm
|ancho= 51 cm
|localización_pintura= Colección Blaisten
|etiq_cubadebate =
}}
''' Zapata''' En esta obra hecha por María Izquierdo, quiso representar la identificación de la tumba recién abierta y sin identificación, como la de Emiliano Zapata, cuyos únicos dolientes son los caballos.

== La pintura y sus personajes==
La pintura sin duda perturba las expectativas de una representación icónica y heroica del general revolucionario asesinado en abril de [[1919]].

En la pintura de Izquierdo, sin embargo, el único eco de la Revolución es un paisaje sombrío y pesimista con un árbol volado y un cuervo negro, que recuerda escenas de devastación.

No cabe duda que la pintura rompe las expectativas de la representación icónica y heroica del general revolucionario perdido, asesinado en abril de 1919.

Sin embargo, en la obra de Izquierdo, el único eco de la Revolución es un paisaje sombrío y lleno de pesimismo con un árbol herido por un rayo y un cuervo negro, que aluden a las escenas de devastación de la guerra intestina como hiciera Francisco Goitia.

En la obra de María Izquierdo, los caballos inspirados en parte en los caballitos de cerámica o barro que coleccionaba, con frecuencia son portadores de reacciones y sentimientos humanos, quizá en la misma línea de los houyhnhnms de Los viajes de Gulliver de [[Jonathan Swift]].

En este cuadro, los caballos miran como si la tumba los hubiera obligado a hacer un alto en su camino. Queda en la ambigüedad el recuerdo o luto que esto pudiera representar y su relación con la difusión del nombre de Zapata, pero también se relaciona con su fama de jinete.

Los caballos en esta obra de Izquierdo confrontados con la muerte de su amo simbolizarían a los dolientes humanos que perdieron a su dirigente. Aunque también hay la sospecha de que Izquierdo desafía aquí, a la manera de Swift, una iconografía aceptada que se incorporó al mito revolucionario.

El asombro con el que los dos caballos confrontan la tumba podría ser una transformación de la respuesta de los pueblos indígenas, cuyos derechos defendió tan férreamente el cuerpo que yace en el sepulcro.

Aunque también hay la sospecha de que Izquierdo desafía aquí, a la manera de Swift, una iconografía aceptada que se incorporó al mito revolucionario. El asombro con el que los dos caballos confrontan la tumba podría ser una transformación de la respuesta de los pueblos indígenas, cuyos derechos defendió tan férreamente el cuerpo que yace en el sepulcro.

==Datos del autor==
María Cenobia Izquierdo Gutiérrez nacio en San Juan de los Lagos, Jalisco, el [[30 de octubre]] de [[1902]] de la Ciudad de [[México]], falleció el [[2 de diciembre]] de [[1955]], fue una pintora mexicana, una de las primeras mujeres en exponer sus obras fuera de México, en [[1930]].

Su primera exposición tuvo lugar en la Art Center Gallery de la ciudad de [[Nueva York]]. Aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan el año [[1902]] como el de su nacimiento, algunos otros afirman que fue en [[1906]].

Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores y temáticas que incluyen autorretratos, paisajes, naturaleza, escenas del mundo del circo y de tradiciones mexicanas, representadas con estilo surrealista y expresionista.

Sus primeras obras, las que comprenden el período de [[1927]] a [[1930]], muestran su entorno más inmediato: retratos de sus seres queridos y amigos, como el Retrato de Belem ([[1928]]), o Niñas durmiendo ([[1930]]), el cual es el retrato de su hija Amparo y una sobrina; así como naturalezas muertas y paisajes.

Los paisajes revelan mucho del entorno que la envolvió en su tránsito desde su infancia rural y la vida adulta en la Ciudad de México.

En algunas de sus obras aparecen incluso algunas industrias, las cuales existían contundentemente en el entorno y que, de esa manera, en 1930 llevó a cabo una composición de la cementera La Tolteca, con la que participó en un concurso artístico convocado por la misma empresa y que le otorgó una mención honorífica especial del jurado.

Otra gran influencia que tuvo en esta época fue la del pintor mexicano Rufino Tamayo, el cual impartía clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes y tenía afinidad con los proyectos de Diego Rivera. Entre ella y Tamayo hubo una relación profesional y afectiva, hasta que este la abandonó para casarse con Olga. Luego, María tuvo una relación con el pintor sudamericano Raúl Uribe, quien se encargó de vender su obra fundamentalmente a diplomáticos; finalmente, María solicitó el divorcio a Uribe, por sus infidelidades y alcoholismo.

Sepulcro de María Izquierdo en la Rotonda de las Personas Ilustres (México).

Años después de que varios episodios cerebrovasculares la atacaran, una hemiplejia le dio muerte el 3 de diciembre de [[1955]].

Murió pobre en la Ciudad de México.18 Sus restos se depositaron en la Rotonda de las Personas Ilustres, en el Panteón Civil de Dolores, el [[22 de noviembre]] de [[2012]].

En el [[2009]], la Unión Astronómica Internacional bautizó un cráter de Mercurio con su nombre como reconocimiento a la obra de la pintora mexicana. Otro cráter del mismo planeta lleva el nombre de la poeta mexicana [[Sor Juana Inés de la Cruz]].

==Fuentes==
* https://museoblaisten.com/Obra/2074/Zapata
* https://artsandculture.google.com/asset/zapata-mar%C3%ADa-izquierdo/cQFOhJQo-DN79w

[[Category:Pintura]]

Archivo:Zapata de maria izquierdo.jpg

2022-09-20T18:29:45Z

Lorenajc:

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== Fuente: ==

Niños (pintura)

2022-08-22T19:31:20Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= Niños (Pintura)
|imagen= Niños_de_Rufino.png
|descripción= Cuadro del pintor Mexicano Rufino del Carmen Arellanes Tamayo es uno de sus primeras pinturas realizadas antes de su regreso del viaje a New York.
|tipo= Pintura sobre papel/Expresionismo
|autor= [[Rufino del Carmen Arellanes Tamayo]]
|año= [[1924]]
|país= [[México]]
|estilo= Mixografía sobre papel
|técnica=
|alto= 89.3 cm
|ancho= 67.5 cm
|localización_pintura= Museo Tamayo Arte Contemporáneo. Paseo de la Reforma y Gandhi s/n.
}}
La pintura '''Niños''', fue una de las pinturas realizadas por Rufino Tamayo antes de sus viajes a [[New York]] y antes de realizar sus primeras muestras de pinturas en [[1924]].
.
== La pintura y sus personajes==
Pintó más de 1,300 óleos, entre los que se encuentran los 20 retratos de su esposa Olga, con quien estuvo casado durante 57 años; realizó 465 obras gráficas, como litografías y mixografías, 350 dibujos y 20 murales, así como un vitral.

Tamayo es reconocido por renovar el arte mexicano que perpetuaba las tendencias del muralismo, es uno de los pintores mexicanos más reconocidos a nivel mundial.

Su talento le permitió conjugar el arte prehispánico con las vanguardias internacionales para así generar una nueva tendencia plástica.

En los años que vivió en Estados Unidos durante la década de [[1930]] y en Francia en la de [[1950]], desarrolló su obra con fuertes influencias de las vanguardias europeas, pero sin perder de vista el arte precolombino, del cual fue un vigoroso coleccionista del mismo.

Los niños es una obra de [[1924]], producida aún antes de que tuviera su primera muestra individual dos años después, tras su regreso de un viaje a [[Nueva York]].

Inició su carrera profesional en 1921 en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México donde fue asistente de José de Vasconcelos en el Departamento de Dibujos Etnográficos y dibujó los objetos precolombinos de la colección del museo. Allí quedó fascinado por la cultura de los pueblos originarios, especialmente por la cerámica, y comenzó a incorporar sus elementos en sus primeros lienzos que representaban a hombres y mujeres mexicanos.

Esta obra es de aquella época de trazados sencillos, antes de que comenzara a trabajar influenciado por el surrealismo y el expresionismo, estilos que conoció en Estados Unidos. La pieza se encuentra en una colección privada.

== Síntesis biográfica==
Rufino del Carmen Arellanes Tamayo nació en Oaxaca de Juárez, el [[25 de agosto]] de [[1899]] - Ciudad de México, [[24 de junio]] de [[1991]]) fue un pintor mexicano. Figura capital en el panorama de la pintura mexicana del siglo XX, Rufino Tamayo fue uno de los primeros artistas latinoamericanos que, junto con los representantes del conocido "grupo de los tres" (Rivera, Siqueiros y Orozco), alcanzó un relieve y una difusión auténticamente internacionales. Como ellos, participó en el importante movimiento muralista que floreció en el período comprendido entre las dos guerras mundiales.

Sus obras, sin embargo, por su voluntad creadora y sus características, tienen una dimensión distinta y se distinguen claramente de las del mencionado grupo y sus epígonos.
Coincidiendo en sus aspiraciones con el quehacer del brasileño Cándido Portinari, el trabajo de Rufino Tamayo se caracteriza por su voluntad de integrar plásticamente, en sus obras, la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las innovadoras tendencias plásticas que revolucionaban los ambientes artísticos europeos a comienzos de siglo.

Esta actividad sincrética, esa atención a los movimientos y teorías artísticas del otro lado del Atlántico lo distinguen, precisamente, del núcleo fundamental de los "muralistas", cuya preocupación central era mantener una absoluta independencia estética respecto a los parámetros europeos y beber solo en las fuentes de una pretendida herencia pictórica precolombina, resueltamente indigenista.

También desde el punto de vista teórico tiene Tamayo una personalidad distinta, pues no suscribió el radical compromiso político que sustentaba las producciones de los muralistas citados y prestó mayor atención a las calidades pictóricas.

Es decir, aunque por la monumentalidad de su trabajo y las dimensiones y función de sus obras podría incorporarse al movimiento mural mexicano, diverge, no obstante, por su independencia de los planteamientos ideológicos y revolucionarios, y por una voluntad estética que desarrolla el tema indio con un estilo más formal y abstracto.

Su obra como muralista, ciclópea y hecha en el más puro «mexicanismo», culmina en el mural El Día y la Noche. Realizado en [[1964]] para el Museo Nacional de Antropología e Historia de México, simboliza la lucha entre el día (serpiente emplumada) y la noche (tigre). Ese mismo año recibió el Premio Nacional de Artes.

Sus últimos trabajos monumentales datan de 1967 y 1968, cuando por encargo gubernamental realizó los frescos para los pabellones de [[México]] en la Exposición de Montreal y en la Feria Internacional de San Antonio (Texas). A partir de entonces, retirado casi, se dedicó de lleno a transmitir el saber acumulado en su larga e intensa vida artística.

Su interés por el arte precolombino cristalizó al inaugurarse en [[1974]], en la ciudad de Oaxaca, el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas arqueológicas coleccionadas, catalogadas y donadas por el artista.

El artista murió en [[1991]] a la edad de 91 años.

==Fuentes==
* https://www.infobae.com/cultura/2021/04/22/la-belleza-del-dia-ninos-de-rufino-tamayo/
* https://artsandculture.google.com/asset/nin%CC%83o-rufino-tamayo/PgGdWqD7H94_2w?hl=es-419
* https://www.rufinotamayo.org.mx/wp/projects/ninos-1924/
* https://www.rufinotamayo.org.mx/wp/projects/ninos-jugando/

[[Category:Pintura]] [[Category:Cuadros]] [[Category:Murales]]

Archivo:Niños de Rufino.png

2022-08-22T19:26:47Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

América (Mural)

2022-08-18T18:52:22Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= América (Mural)
|imagen= Nacimiento_de_nuestra_nacionalidad.JPG
|descripción= Cuadro del pintor Mexicano Rufino del Carmen Arellanes Tamayo es uno de los murales más mayor envergadura realizados por el pintor.
|tipo= Mural/Expresionismo
|autor= [[Rufino del Carmen Arellanes Tamayo]]
|año= [[1956]]
|país= México
|estilo= Muralismo Mexicano
|técnica= Vinelita sobre manolite
|alto= 9 m
|ancho=
|localización_pintura= Houston. Estados Unidos
}}
'''América''', es el mural de mayor envergadura realizad por el pintor Rufino Tamayo, que data de [[1956]], su técnica es muy reconocida en el mundo, revolucionó en su época con estas técnicas utilizadas tanto en las pinturas realizadas como en las esculturas y murales.

== La pintura y sus personajes==
Esta faceta de la vida del pintor se inicia en la época dorada de la vida conjuntamente con la producción artística del pintor.

Donde comienzan a llover los encargos para la creación de nuevos proyectos, se lanza a la producción fresquista tanto en [[México]], donde realiza su primer fresco del Palacio de Bellas Artes de la capital en [[1952]], como en el extranjero, donde sus obras florecen en los ambientes y países más diversos.

Pone en pie así, en Houston, Estados Unidos, el que es quizá su mural de mayor envergadura, titulado América en [[1956]]; antes, en el año [[1953]], realizó el mural El Hombre para el Dallas Museum of Cine Arts; en [[1957]], y para la biblioteca de la Universidad de [[Puerto Rico]], lleva a cabo su mural Prometeo y, un año después, en [[1958]], los ambientes artísticos y culturales europeos que tanto le habían influido en sus comienzos le rinden un cálido homenaje cuando realiza un monumental fresco para el Palacio de la UNESCO en [[París]].

Esta consagración internacional se ve avalada, también, por un largo rosario de galardones, reconocimientos y nombramientos a cargos de organismos artísticos del mundo entero.

En [[1961]] es elegido para integrarse en la Academia de Artes y Letras de Estados Unidos; antes había recibido ya, en [[1959]], su nombramiento como Miembro Correspondiente de la Academia de Artes de [[Buenos Aires]].

Aunque el galardón del que se sentiría más orgulloso nuestro pintor fue el anterior a todos ellos: en 1957 donde había sido nombrado en Francia Caballero de la Legión de Honor, título que siempre consideró como un reconocimiento valiosísimo al proceder de un país que, para él, había sido la cuna del arte de vanguardia.
Al iniciarse la década de los años sesenta, Rufino Tamayo regresó a su México natal. Su obra revelaba ya la madurez de un hombre que ha bebido de las más distintas fuentes estéticas e intelectuales, integrándolas en una personalidad artística profundamente original.

Pese a considerarse a sí mismo "el eterno inconforme con lo que se ha pretendido que es la pintura mexicana", no cabe duda de que Tamayo es un crisol en el que se amalgaman las más vivas tradiciones de su país y las investigaciones estéticas en una síntesis superior de personalísimas características e innegable fuerza expresiva.

Hombre de pocas palabras en su vida cotidiana (consideraba que el pintor debe manifestarse con sus pinceles y que la única razón de una obra es la propia obra), en la producción de Tamayo sorprende la exquisita disposición de los signos que junto a las superficies que comparten se disputan a veces la tela; hay en el volumen de su materia, lentamente forjada en capas superpuestas de color, paulatinamente elaboradas, un colorido peculiar, suntuoso, fruto de estudiadas y brillantes yuxtaposiciones; el poderoso fluir de sus orígenes étnicos, la fuerza mestiza que alienta en el arte de México, empapa su paleta con todas las calidades e intensidad de los azules nocturnos, la palidez de los malvas, el impacto violento de los púrpura, un espectro de naranjas, rosados, verdes, colores de las más primigenias civilizaciones que se concretan en símbolos irónicos o indescifrables, fascinantes para el profano, como los antiguos e inaccesibles jeroglíficos de los templos, como un ritual insólito y sobrecogedor. Todo cabe en su obra, desde la preocupación cósmica por el destino humano hasta la vida erótica.

== Síntesis biográfica==
Rufino del Carmen Arellanes Tamayo nació en Oaxaca de Juárez, el 25 de agosto de 1899 - Ciudad de México, 24 de junio de 1991) fue un pintor mexicano. Figura capital en el panorama de la pintura mexicana del siglo XX, Rufino Tamayo fue uno de los primeros artistas latinoamericanos que, junto con los representantes del conocido "grupo de los tres" (Rivera, Siqueiros y Orozco), alcanzó un relieve y una difusión auténticamente internacionales. Como ellos, participó en el importante movimiento muralista que floreció en el período comprendido entre las dos guerras mundiales.

Sus obras, sin embargo, por su voluntad creadora y sus características, tienen una dimensión distinta y se distinguen claramente de las del mencionado grupo y sus epígonos.

Coincidiendo en sus aspiraciones con el quehacer del brasileño Cándido Portinari, el trabajo de Rufino Tamayo se caracteriza por su voluntad de integrar plásticamente, en sus obras, la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las innovadoras tendencias plásticas que revolucionaban los ambientes artísticos europeos a comienzos de siglo.

Esta actividad sincrética, esa atención a los movimientos y teorías artísticas del otro lado del Atlántico lo distinguen, precisamente, del núcleo fundamental de los "muralistas", cuya preocupación central era mantener una absoluta independencia estética respecto a los parámetros europeos y beber solo en las fuentes de una pretendida herencia pictórica precolombina, resueltamente indigenista.

También desde el punto de vista teórico tiene Tamayo una personalidad distinta, pues no suscribió el radical compromiso político que sustentaba las producciones de los muralistas citados y prestó mayor atención a las calidades pictóricas.

Es decir, aunque por la monumentalidad de su trabajo y las dimensiones y función de sus obras podría incorporarse al movimiento mural mexicano, diverge, no obstante, por su independencia de los planteamientos ideológicos y revolucionarios, y por una voluntad estética que desarrolla el tema indio con un estilo más formal y abstracto.

Su obra como muralista, ciclópea y hecha en el más puro «mexicanismo», culmina en el mural El Día y la Noche. Realizado en 1964 para el Museo Nacional de Antropología e Historia de México, simboliza la lucha entre el día (serpiente emplumada) y la noche (tigre). Ese mismo año recibió el Premio Nacional de Artes.

Sus últimos trabajos monumentales datan de 1967 y 1968, cuando por encargo gubernamental realizó los frescos para los pabellones de México en la Exposición de Montreal y en la Feria Internacional de San Antonio (Texas). A partir de entonces, retirado casi, se dedicó de lleno a transmitir el saber acumulado en su larga e intensa vida artística.

Su interés por el arte precolombino cristalizó al inaugurarse en [[1974]], en la ciudad de Oaxaca, el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas arqueológicas coleccionadas, catalogadas y donadas por el artista.

El artista murió en [[1991]] a la edad de 91 años.

==Fuentes==
* https://www.mutualart.com/Artwork/Am@rica/C8C17E37A2964489
* https://www.guggenheim-venice.it/en/art/works/Am@rica/

[[Category:Pintura]] [[Category:Cuadros]] [[Category:Murales]]

Archivo:Nacimiento de nuestra nacionalidad.JPG

2022-08-18T18:50:15Z

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== Fuente: ==

Bombardero de buceo y tanque

2022-07-06T20:37:23Z

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|descripción= Cuadro del pintor Saturnino Herrán donde muestra elementos mecánicos de un bombardero
|tipo= Óleo sobre tela/Arte Moderno
|autor=[[José Clemente Orozco]]
|año= [[1940]]
|localizacion= Museo de Arte Moderno Mexicano.
|país= [[México]]
}}
'''Bombardero de buceo y tanque''', o '''Dive Bomber and Tank''' como también se le conoce a esta obra la cual le pertenece al pintor [[José Clemente Orozco]] realizada entre [[1940]], se convirtió en uno de "los Tres Grandes", muralistas mexicanos, junto con [[Diego Rivera]] y [[David Alfaro Siqueiros]].

==La pintura y sus personajes==
Esta obra fue encargada por el Museo en [[1940]] para la histórica exposición Veinte Siglos de Arte Mexicano.

Fue pintado por Orozco durante un período de diez días, a menudo frente al público. Este fresco de seis paneles que tenía la intención de colocarse en cualquier orden y representa elementos abstractos de la guerra mecánica, incluida la cola y las alas de un bombardero, bandas de rodadura y cadenas, así como un par de piernas humanas vueltas hacia arriba.

Pintó el mural frente a los visitantes del Museo de Arte Moderno y cautivó a su público durante diez frenéticos -período de un día a través de su actuación y su poderosa imaginería.

En el contexto de la Segunda Guerra Mundial y las infames guerras relámpago de los nazis, Orozco describió los efectos de la guerra moderna en la humanidad. Curiosamente, sin embargo, y debido a que las armas de guerra dominan la mayor parte de la composición, se pierde cualquier indicio de la figura humana, a excepción de tres piernas humanas que brotan de los escombros y, tras una inspección minuciosa, tres rostros humanos metálicos, o máscaras, encadenados a los escombros.

Estas caras están enterradas bajo armas industriales grandes y pesadas, que incluyen orugas de tanques y las partes desmontadas de un bombardero. A través de esta superposición, Orozco deja en claro el triunfo de la guerra sobre la humanidad, o como él lo expresó, “la subyugación del hombre por las máquinas de la guerra moderna”.

===Abstracción===
A pesar de la certeza de esta declaración, hay una ambigüedad significativa en la pintura. Las piernas vueltas hacia arriba podrían ser las de las víctimas indefensas o las de los pilotos de los bombarderos. El artista deja deliberadamente estas preguntas sin respuesta, ofreciendo pocos detalles narrativos o claridad visual.

De hecho, Orozco afirmó que estos paneles se podían colocar en cualquier orden (una estrategia surrealista), y no necesariamente en orden secuencial (como se muestra generalmente en el MoMA). Como resultado de su intercambiabilidad, cada panel funciona de forma independiente, aunque colectivamente crean múltiples composiciones abstractas.

Su interés por la abstracción distinguió a Orozco de sus contemporáneos más cercanos, [[Diego Rivera]] y [[David Alfaro Siqueiros]]. Estas tendencias abstractas se pueden ver en Dive Bomber y Tank en la relativa falta de detalles, pinceladas expresionistas, repetición de formas y paleta monocromática.

La atención a las formas circulares de los eslabones de la cadena y los pernos metálicos, y la forma rectangular de las bandas de rodadura del tanque crean una composición que es a la vez figurativa y abstracta. El hecho de que estas formas estén desconectadas entre sí, como resultado del estado desmembrado del bombardero y el tanque, y la disposición logística de los paneles, hace que el mural sea aún más abstracto.

===Guerra===
Si bien Orozco afirmó que este mural “no tenía significado político”, la guerra era la realidad dominante en [[1940]] y atrajo la atención de otros artistas en ese momento.

Pablo Picasso había documentado los efectos de la Guerra Civil española en su cuadro Guernica en 1937, el mismo año en que David Alfaro Siqueiros pintó el poderoso Eco de un grito. El Guernica de Picasso había estado en exhibición en el MoMA desde finales de [[1939]] hasta enero de 1940 y los Siqueiro habían estado en la colección del MoMA desde [[1937]].

Juntos, estos artistas articularon un claro mensaje contra la guerra que rivalizaba con las narrativas heroicas más tradicionales comunes en la pintura de historia. Desprovisto de la especificidad geográfica que caracterizó al Guernica de Picasso, Orozco —al igual que Siqueiros— representó una condena a la guerra que se puede aplicar fácilmente a cualquier lugar o pueblo, lo cual es apropiado dado que la violencia ahora es mundial.

El hecho de que Dive Bomber and Tank carezca de símbolos políticos específicos o detalles históricos hace que el mural sea mucho más universal.

== Síntesis biográfica==
José Clemente Orozco Flores nació en Zapotlán el Grande, después Ciudad Guzmán, Jalisco el [[23 de noviembre]] de [[1883]], Ciudad de [[México]] fue un caricaturista, muralista y litógrafo mexicano, se graduó en la Escuela Nacional de Agricultura, estudió también matemáticas y dibujo arquitectónico.

En [[1897]] lo enviaron a estudiar a la Escuela Nacional de Agricultura en San Jacinto, y aunque José no estaba interesado en la agricultura, logró ganar dinero dibujando mapas topográficos.

Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 3 hijos. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; interesado en la pintura mural, logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica.

A su regreso a [[México]] en [[1934]], Orozco realizó el gran tablero rectangular de Palacio de Bellas Artes titulado Katharsis, situado frente al de Rivera: El hombre en la encrucijada. Es una representación sangrienta del conflicto violento entre el hombre moderno y el caótico mundo mecanizado que lo rodea y al mismo tiempo lo oprime. De [[1936]] a [[1939]], Orozco realizó tres grandes obras murales en Guadalajara: en la Universidad, en el Palacio de Gobierno y en el Hospicio Cabañas. En 1936, en la Universidad de Guadalajara decoró la cúpula y los muros de la plataforma del anfiteatro. En la cúpula pintó una alegoría del hombre, haciendo hincapié en los beneficios de la educación y de la investigación científica.

En el lapso que va de [[1941]] a [[1944]] Orozco se dedicó a la pintura de caballete, pintó celebridades (como Dolores del Río) y a otra gran obra mural en la bóveda y los muros del coro de la antigua iglesia de Jesús Nazareno (1942-44). Las ideas que plasma ahí se relacionan con el Apocalipsis. En [[1943]], fue miembro fundador de El Colegio Nacional.

Murió el [[7 de septiembre]] de [[1949]] en la Ciudad de México, mientras trabajaba en los primeros trazos de un mural en el edificio multifamiliar Miguel Alemán. Fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, en la Ciudad de México.

==Fuentes==
* https://www.moma.org/collection/works/80681
* https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/mexican/a/orozco-dive-bomber-and-tank
* https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/mexican/a/orozco-dive-bomber-and-tank
* https://www.moma.org/audio/playlist/1/58

[[Category:Pintura]] [[Category:Cuadros]]

Archivo:Dive Bomber and Tank.jpg

2022-07-06T20:37:04Z

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Zapatistas (cuadro)

2022-07-06T20:06:35Z

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|descripción= Cuadro del pintor Saturnino Herrán donde muestra un grupo de campesinos y agricultores que se unieron a Emiliano Zapata en lucha mexicana.
|tipo= Óleo sobre tela/
|autor=[[José Clemente Orozco]]
|año= [[1931]]
|localizacion= Museo de Arte metropolitano. [[Estados Unidos]]
|país= [[Estados Unidos]]
}}
'''Zapatistas''', es una obra que pertenece al pintor [[José Clemente Orozco]] realizada entre [[1931]], se convirtió en uno de "los Tres Grandes", muralistas mexicanos, junto con [[Diego Rivera]] y [[David Alfaro Siqueiros]].

==Historia==
Orozco comenzó a trabajar en litografía después de su llegada en 1927 a Nueva York, donde recibió el encargo de crear una serie de frescos para las paredes interiores de la New School.

Rápidamente se aseguró un nombre como artista gráfico, y su regreso a la Ciudad de México en 1934 inauguró un nuevo período en su práctica litográfica caracterizado por composiciones más complejas y una crítica mordaz del México posrevolucionario.

En contraste con el carácter de celebración de sus grabados anteriores, esta imagen sombría proyecta un escepticismo hacia los supuestos logros de la guerra de una década. Aquí, el estilo caricaturesco de figuras caricaturescas estereotipadas y simplistas recuerda el que se ve en los grabados de José Guadalupe Posada, un influyente grabador mexicano conocido por su uso de la sátira política y el humor.

Al igual que "Las Masas", una litografía del año anterior, la descripción mordaz de Orozco de los revolucionarios los caracteriza como una masa de campesinos miserables y sin esperanza. Los zapatistas fueron el grupo de campesinos y agricultores que se unieron a las fuerzas de Emiliano Zapata, líder carismático de la Revolución Mexicana y figura recurrente en el muralismo mexicano

==La pintura y sus personajes==
El asesinado líder revolucionario Emiliano Zapata (1879-1919) ocupa un lugar destacado en la obra de artistas mexicanos de los años 1920 y 1930.

En esta pintura de Orozco se representa un momento sombrío en la Revolución Mexicana, la marcha hacia la muerte. "No me fío de revoluciones o las glorifico, ya que fui testigo de demasiada carnicería", comentó Orozco refiriéndose a su experiencia en la Revolución.

Su paleta de marcas, dominada por los negros y rojos terrosos, pone de relieve la naturaleza violenta de la materia, haciendo eco de los colores en las caricaturas políticas que realizó para revistas revolucionarias al principio de su carrera.

== Síntesis biográfica==
José Clemente Orozco Flores nació en Zapotlán el Grande, después Ciudad Guzmán, Jalisco el [[23 de noviembre]] de [[1883]], Ciudad de [[México]] fue un caricaturista, muralista y litógrafo mexicano, se graduó en la Escuela Nacional de Agricultura, estudió también matemáticas y dibujo arquitectónico.

En [[1897]] lo enviaron a estudiar a la Escuela Nacional de Agricultura en San Jacinto, y aunque José no estaba interesado en la agricultura, logró ganar dinero dibujando mapas topográficos.

Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 3 hijos. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; interesado en la pintura mural, logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica.

A su regreso a [[México]] en [[1934]], Orozco realizó el gran tablero rectangular de Palacio de Bellas Artes titulado Katharsis, situado frente al de Rivera: El hombre en la encrucijada. Es una representación sangrienta del conflicto violento entre el hombre moderno y el caótico mundo mecanizado que lo rodea y al mismo tiempo lo oprime. De [[1936]] a [[1939]], Orozco realizó tres grandes obras murales en Guadalajara: en la Universidad, en el Palacio de Gobierno y en el Hospicio Cabañas. En 1936, en la Universidad de Guadalajara decoró la cúpula y los muros de la plataforma del anfiteatro. En la cúpula pintó una alegoría del hombre, haciendo hincapié en los beneficios de la educación y de la investigación científica.

En el lapso que va de [[1941]] a [[1944]] Orozco se dedicó a la pintura de caballete, pintó celebridades (como Dolores del Río) y a otra gran obra mural en la bóveda y los muros del coro de la antigua iglesia de Jesús Nazareno (1942-44). Las ideas que plasma ahí se relacionan con el Apocalipsis. En [[1943]], fue miembro fundador de El Colegio Nacional.

Murió el [[7 de septiembre]] de [[1949]] en la Ciudad de México, mientras trabajaba en los primeros trazos de un mural en el edificio multifamiliar Miguel Alemán. Fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, en la Ciudad de México.

==Fuentes==
* https://www.reprodart.com/a/josclemente-orozco/zapatistas-1.html
* https://groups.google.com/g/el-rincon-de-la-amistad/c/n_envsprpUM
* https://artsandculture.google.com/asset/zapatistas-jos%C3%A9-clemente-orozco/-AHO6vYemifj6w
* https://www.moma.org/collection/works/79798

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Archivo:Zapatistas de Orozco.jpg

2022-07-06T20:04:37Z

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Valle de México (cuadro)

2022-06-23T18:00:19Z

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|nombre= Valle de México desde molino del Rey(Cuadro)
|imagen= Molino-del-rey-1898.jpg
|descripción= Cuadro del pintor Español José María Velasco donde muestra el puente de Panzacola, un paisaje precioso en aquellos tiempos
|tipo=Óleo sobre Lienzo/Realismo
|autor=[[ José María Velasco]]
|año= [[1900]]
|localizacion= Museo Nacional de Arte Munal en la Ciudad de México
|país= México
}}
'''El valle de México''', este cuadro fue creada por el pintor mexicano José María Velasco, actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, Instituto Nacional de Bellas Artes. Pertenece a la vanguardia paisajista que nació en México gracias al autor de dicha obra en 1877, la misma causó polémica por sus técnicas naturalistas y paisajistas que lograban crear una ilusión de fotografía que no era común en esa época.

==Historia==
La construcción del edificio conocido como El Molino del Rey data de fines del [[siglo XVI]], cuando fue edificado bajo el nombre de Molinos de “El Salvador”, destinados a la fabricación de harina.

El área donde se le edificó era conocida entonces como las Lomas del Rey, ya que era un sitio dedicado al [[Emperador Carlos I]] de [[España]]. Desde entonces, comenzaron a levantarse alrededor del Molino del Rey, otras construcciones que de alguna manera guardaban relación con éste.

En [[1851]] el molino de harina fue vendido al General José María Rincón Gallardo, quien lo conservó hasta la intervención francesa de [[1862]], año en que se le realizaron algunas modificaciones, siendo la principal de ellas, la construcción de una rampa.

En [[1898]], durante el período presidencial del General Porfirio Díaz, parte de los terrenos del Molino del Rey fueron adquiridos por el Gobierno Federal, instalándose unos hornos para la fabricación de ladrillos en [[1902]], no obstante, el edificio seguía utilizándose como depósito de granos.

En [[1932]], el Molino del Rey pasó a ser alojamiento del 48/o. Batallón de Infantería, unidad perteneciente a la Brigada de Guardias Presidenciales, convirtiéndose en Cuartel el [[1 de enero]] de [[1935]], fecha en que se trasladó el 47/o. Batallón de Infantería para constituir la Guardia del Presidente de la República General Lázaro Cárdenas.

El [[4 de abril]] de ese mismo año, el Cuartel fue ocupado por el 19/o. Batallón de Infantería y a partir de [[1936]], el edificio se convirtió en parte de la Residencia Oficial de los Pinos, para que en [[1948]] se instalaran en su interior las oficinas de las intendencias de las residencias presidenciales, pasando a ser oficialmente la sede del Estado Mayor Presidencial.

== La pintura y sus personajes==
El pintor naturalista mexicano [[José María Velasco]] lleva a cabo una serie de investigaciones para realizar la pintura que se volvería su obra maestra. Las mismas fueron de índole científica y botánica ya que él quería lograr plasmar la naturaleza y su anatomía a través de la pintura, es por eso que sus pinturas se utilizaban como ilustraciones para revistas científicas pues su exactitud y similitud con las especies reales es casi idéntica lo que funcionó para el estudio de las especies, cosa que no cualquier pintor podía lograr realizar en aquellos años.
Para lograr pintar el cuadro realizó un viaje donde subió la sierra de Guadalupe y al llegar al cerro de santa Isabel comenzó a realizar la pintura más famosa del artista.

La obra toma un papel muy importante en la historia de México ya que representa a la ciudad y los volcanes [[Popocatépetl]] e [[Iztaccíhuatl]], emblemas mexicanos de gran relevancia. Anteriormente Velasco había realizado otro cuadro del mismo valle en [[1875]] pero con una indígena y sus hijos entre la flora y fauna.

En el cuadro realizado dos años después, Velasco en su lugar, pinta un águila volando mientras devora a su presa. Éste cuadro marca su independencia como artista ya que su estilo representativo del paisajismo toma forma gracias a la transparencia del paisaje que lo representa de una manera más real, puesto que en el cuadro de Landesio resaltan los tonos rojizos que se vieron también representados en la pintura que realizó Velasco en [[1875]], sin embargo, decide llevar su técnica al realismo y tras estudios de conformaciones de nubes, investigación sobre la flora y fauna del lugar y la ubicación geográfica de la ciudad logró crear la pintura que ha sido reconocida por su asombrosa similitud con la realidad, desde los colores hasta las rocas y mezquites perfectamente plasmados.

== Síntesis biográfica==
José María Velasco nació el [[6 de julio]] de [[1840]] en [[Temascalcingo]], Estado de [[México]], según se lee en su fe de bautismo, recibió los nombres de José María Tranquilino Francisco de Jesús Velasco y Gómez-Obregón.

Fue el primero de 5 hijos de don Felipe Velasco y de doña María Antonia Gómez-Obregón de Velasco. En el año de [[1849]] su familia se trasladó a la Ciudad de México, en donde a los 5 meses de su llegada murió don Felipe, padre de José María, víctima de una epidemia de cólera morbo que asoló a la ciudad en el año de [[1850]].

A partir de la muerte de su padre, comenzó a trabajar como dependiente de una tienda de ropa, al mismo tiempo que hacía sus estudios en el Colegio Lancasteriano de Santa Catarina Mártir, en donde empezó a sentir una gran afición por el dibujo y también a mostrar grandes aptitudes.

Mientras vendía rebozos entró a tomar clases a la Escuela de Bellas Artes de la [[Academia de San Carlos]] en su horario nocturno. Ahí fue alumno del italiano Eugenio Landesio que lo llevó por los caminos del realismo y el arte del paisaje.

Por ese entonces sufrió un ataque al corazón, pero no se deja vencer por la enfermedad y sigue pintando. En el año de [[1902]] deja la clase de Perspectiva en la Academia de San Carlos. A partir del año de [[1905]], aunque su producción sigue siendo cuantiosa, pinta casi exclusivamente en su casa de la Villa de Guadalupe Hidalgo, donde muere el [[26 de agosto]] de [[1912]]. Fue sepultado en el panteón del Tepeyac.

==Fuentes==
* https://www.flickr.com/photos/30453485@N03/12280823965
* Velasco, José María (1875date QS:P571,+1875-00-00T00:00:00Z/9), Español: Valle de México desde el cerro de Santa Isabel The Valley of Mexico from the Santa Isabel Mountain Rangetitle QS:P1476,en:"The Valley of Mexico from the Santa Isabel Mountain Range", consultado el 13 de diciembre de 2019.
* Artes - José María Velasco (04/02/2015)
* Velasco, José María (1875date QS:P571,+1875-00-00T00:00:00Z/9), Español: Valle de México desde el cerro de Santa Isabel The Valley of Mexico from the Santa Isabel Mountain Rangetitle QS:P1476,en:"The Valley of Mexico from the Santa Isabel Mountain Range"

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Archivo:Molino-del-rey-1898.jpg

2022-06-23T18:00:07Z

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== Fuente: ==

La Toile Daligram

2022-06-04T19:35:21Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= La Toile Daligram (Cuadro)
|imagen= La_Toile_Daligram.jpg
|descripción= Reprsenta las iniciales de Dali y Gala, como símbolo de la realeza.
|tipo= Surrealismo
|autor= [[Salvador Dalí]]
|año= [[1972]]
|país= España
|estilo= Arte Abstracto
|técnica= Óleo sobre lienzo
|alto= 65 cm
|ancho= 54 cm
|localización_pintura= [[Fundació Gala-Salvador Dalí]]
|etiq_cubadebate =
}}
'''La Toile Daligram''' es una obra de Salvador Dalí del año [[1972]] Salvador Dalí es un creador en el sentido más amplio del término que, como sus admirados artistas del Renacimiento, va más allá de la pintura.

==Características del cuadro==
Esta creación se conoce con el nombre de Daligramas y representan las iniciales de Dalí y Gala, así como símbolos de clara alusión a la realeza como son la corona o la flor de lis. Posteriormente y a modo de divertimento, Salvador Dalí encola los cartones en una cartera de la Maison Louis Vuitton, realizando así un guiño al uso de monogramas como elemento de diseño de marca de lujo, elevándolo a la categoría de arte.

La Maison Lancel interpretó los Daligramas en los años 70, creando un bolso dedicado a Gala, le Dali, cuya asa es una cadena de bicicleta.

La obra original forma parte del archivo de la Fundació Gala-Salvador Dalí que es la institución que protege los derechos y el patrimonio del artista.

En el campo concreto del grafismo, Dalí hace un diseño de autor, muy personal, siempre relacionado con su iconografía y que evoluciona de acuerdo al resto de su obra, especialmente de la pintura. Cabe destacar la absoluta independencia creativa del artista, que deja de lado normas y otras pautas dictadas por el mercado para potenciar la máxima libertad, tanto de expresión como de interpretación, mostrando en todo momento un gran interés por la composición tipográfica.

Diseña portadas de revistas, carteles de películas, portadas de libros, novelas escritas por él mismo, inspirándose en fuentes tan diversas como la mitología, los descubrimientos científicos, la geología o la naturaleza.

==Datos del Autor==
Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del [[11 de mayo]] de [[1904]], en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona, en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el [[12 de octubre]] de [[1901]] y bautizado como Salvador Galo Anselmo),1 había muerto de un «catarro gastroenterítico infeccioso» unos nueve meses antes (el [[1 de agosto]] de [[1903]]).

Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto. Su padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por su mujer Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador.

En [[1916]] descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento.10 Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez.

Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa familiar. En 1919, con catorce años, participó en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En [[1919]], cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios amigos la revista mensual Studium. En esta publicación se incluían ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como [[Goya]], Velázquez o [[Leonardo da Vinci]].

El [[23 de enero]] de [[1989]], oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner—, murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su teatro-museo (ver imagen). Su cripta se encuentra al otro lado de la Iglesia de San Pedro, donde había sido bautizado y había recibido su primera comunión, y a pocos metros de distancia de su casa natal.

==Fuentes==
* Uberquoi, Marie Claire (20 de mayo de 1994). «El Museo Teatro Dalí de Figueras amplía sus fondos con ochenta obras». El Mundo. Consultado el 14 de mayo de 2008.
* https://www.classicistranieri.com/es/articles/l/a/_/La_Toile_Daligram_9ea5.html
* http://mundodali.weebly.com/obras.html
* https://www.amazon.com.br/Cuadros-del-siglo-XX-Expresionismo/dp/123157660X

[[Category:Pintura]]

Archivo:La Toile Daligram.jpg

2022-06-04T19:32:05Z

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== Fuente: ==

Archivo:Galatea de las Esferas.jpg

2022-06-04T19:15:56Z

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El baño

2022-05-23T16:47:57Z

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{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= El baño (Cuadro)
|imagen= El_baño.jpg
|descripción= En la obra se observa a la familia de Sorolla, jugando en el agua de la playa.
|tipo= Luminismo
|autor= [[Joaquín Sorolla y Bastida]]
|año= [[1909]]
|país= España
|estilo= Impresionismo
|técnica= Óleo sobre lienzo
|alto= 90,2 cm
|ancho= 128,3 cm
|localización_pintura= [[Museo Sorolla]] [[Madrid]], [[España]]
|etiq_cubadebate =
}}
'''El baño''' es una pintura al óleo sobre lienzo del pintor valenciano Joaquín Sorolla y Bastida en 1905. Este cuadro forma parte de la clásica serie donde el pintor retrató los más variados personajes en situaciones cotidianas, siempre en torno a la costa valenciana.

==Características del cuadro==
La pintura muestra a la familia de Sorolla, sus dos hijas y su madre, jugando en el agua en la playa entre rocas en Jávea. En primer plano, dominada por los colores arenosos, se encuentra su hija menor, Elena, desnuda, con diez de edad. En el fondo, sobre un fondo azul oscuro, están la esposa del pintor Clotilde y su hija mayor, María.1 El último plano está dominado por rocas oscuras que cubren completamente el horizonte.

La pintura forma parte de una de las series más famosas de pintura de niños desnudos, que le valió un encargo de la Hispanic Society. Este último museo exhibió la pintura en 1909, el New York Times elogió el «agua multicolor, azotando y formando espuma contra la superficie iridiscente de las rocas húmedas».
==Datos del Autor==
Joaquín Sorolla Bastida nació en Valencia, el [[27 de febrero]] de [[1863]] y falleció en Cercedilla, el [[10 de agosto]] de [[1923]], fue un pintor español. Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas.

Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista.
Estudió dibujo en la Escuela de Artesanos de Valencia. Compartió estudio en la planta baja de la calle Las Avellanas n.º 12 de Valencia con [[José Vilar y Torres]], los hermanos Benlliure —Blas, José y Juan Antonio— e [[Ignacio Pinazo Camarlench]].

Al culminar su formación comenzó a enviar sus obras a concursos provinciales y exposiciones nacionales de bellas artes, como la de Madrid en mayo de 1881, donde presentó tres marinas valencianas que pasaron inadvertidas, pues no encajaban con la pintura oficial, de temática histórica y dramática.

Al año siguiente estudió la obra de Velázquez y otros autores en el Museo del Prado. Tras visitar el Museo del Prado, Sorolla pintó en [[1883]] el lienzo inédito Estudio de Cristo, descubierto en [[2012]], donde se observa la influencia del Cristo crucificado de Velázquez.

Comienza así su "etapa realista", siendo su profesor Gonzalo Salvá. Por fin, en 1883, consiguió una medalla en la Exposición Regional de Valencia, y en 1884 alcanzó la gloria al conseguir la Medalla de segunda clase en la Exposición Nacional gracias a su obra Defensa del parque de artillería de Monteleón, obra melodramática y oscura, hecha expresamente para la exposición; tal y como le dijo a un colega suyo: «Aquí, para darse a conocer y ganar medallas hay que hacer muertos».

Cosechó otro gran éxito en Valencia con su obra El crit del palleter sobre la guerra de la Independencia. De esta manera, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma, donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas.

En [[1889]], el pintor y su familia se instalaron en Madrid y, en apenas cinco años, Sorolla alcanzaría gran renombre como pintor.

En [[1894]], viajó de nuevo a París, donde desarrolló un estilo pictórico denominado «luminismo», que sería característico de su obra a partir de entonces. Comenzó a pintar al aire libre, dominando con maestría la luz y combinándola con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea.

==Fuentes==
* https://www.todocuadros.com/sorolla/la-hora-del-bano.htm
* http://ceres.mcu.es/pages/Main?idt=5731&inventary=00839&table=FMUS&museum=MSM
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437704
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437704

[[Category:Pintura]] [[Category:Cuadros del Postimpresionismo]]

Archivo:El baño.jpg

2022-05-23T16:47:33Z

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Los susurros del calor

2022-04-25T14:29:38Z

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{{Ficha Libro
|nombre= Los susurros del calor
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}}''' Los susurros del calor.'''[Novela Romántica de [[Helen Rytkönen]]: Una novela sobre dos almas rotas que se complementan a la perfección y logran unir los pedacitos del otro y aprender que se puede encontrar la fuerza para amar de nuevo.

== Palabras introductorias ==
Una novela romántico-erótica ambientada en las maravillosas [[islas Canarias]] con la que descubriremos que las mejores recompensas llegan cuando menos las esperas.
== Resumen ==
Cora Castro es el alma del restaurante que durante tres generaciones ha regentado su familia. Siempre ha tirado del carro sin planteárselo y ha sido el puntal de sus hijos y sus problemáticos hermanos.
Pero ese verano, el de la intensa ola de calor, pasarán cosas inesperadas que harán que se replantee su esquema vital y que tome decisiones para poder avanzar. Nuevos aliados como el amor la acompañarán en su apasionante viaje interior, en el que tendrá que derribar antiguas creencias y ser valiente para encontrar su lugar en el mundo.
== Sobre la autora ==
Me gusta definirme, entre otras cosas, como una canaria con raíces finlandesas a la que le encanta devorar libros y bollos de canela de IKEA. Además de esto, también soy una madre de cuarenta y pocos con niños pequeños, profesional del marketing, romántica empedernida pero alérgica a las ñoñerías, adicta a las series policiacas, amante del buen chocolate y embajadora de los vinos blancos secos de mi isla, [[Tenerife]].
También soy escritora, porque lo de las letras me viene de siempre. Aprendí a leer cuando era muy pequeña y a escribir historias llenas de imaginación poco después. Siempre fue mi gran vida paralela. Por eso, en un momento de mucho estrés en el que como mujer no encontraba un hueco para mí —niños, trabajo, autoexigencias—, escribir se convirtió en mi tabla de salvación. Revisé un antiguo manuscrito, me volví a enamorar de la historia y me reté a mí misma a autopublicarla. Y así lo hice: en agosto de 2019 vio la luz Desde el rompeolas, a la que siguieron Lo que nos dijo la tormenta, La niebla en mí y Tras la calima.
Disfruto escribiendo novelas románticas sobre mujeres adultas que tienen que tomar decisiones en su vida para alcanzar la felicidad. Las acompaño en su viaje interior de autodescubrimiento, aderezándolo con una buena dosis de amor y de picante.

== Fuente ==
https://www.planetadelibros.com/autor/helen-rytkonen/000057165
[[Categoría: Novela Romántica]][[Categoría: Libros]]

Archivo:Portada los-susurros-del-calor helen-rytkonen 202203211219.jpg

2022-04-25T14:28:09Z

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Pedacitos de ti

2022-04-25T14:08:16Z

Lorenajc: Página creada con « {{Ficha Libro |nombre=Pedacitos de ti Serie Los Hermanos Montgomery 2 |nombre original= |portada=275557905_334140118734396_3319122144838929162_n.jpg |tamaño= |descripció…»

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}}''' Pedacitos de ti.'''[Novela Romántica de [[Moruena Estringana]] Una novela sobre dos almas rotas que se complementan a la perfección y logran unir los pedacitos del otro y aprender que se puede encontrar la fuerza para amar de nuevo.

== Palabras introductorias ==

Emma acaba de vivir el peor momento de su vida; no solo porque sus padres han acabado en la cárcel acusados de narcotráfico, sino porque su prometido la ha abandonado nada más conocer la noticia.
== Resumen ==

Sin nada más que su orgullo, tendrá que aceptar irse a vivir con su amiga Gwen, que la apoyará en todo, incluso a la hora de conseguir trabajo como secretaria de su cuñado Caleb, a pesar de que Emma carece de experiencia alguna.
Emma y Caleb tendrán una conexión especial que creará entre ambos un vínculo de amistad. Pero el deseo por el otro crece poco a poco hasta que se acaban rindiendo a la evidencia de su amor. Aunque no lo tendrán fácil, ya que el complicado pasado de ambos dificultará la relación y les colocará en situaciones muy peligrosas.

== Sobre la autora ==

Moruena Estríngana nació el 5 de febrero de [[1983]]. Desde pequeña ha contado con una gran imaginación, pero debido a su problema de [[dislexia]] no podía escribir bien a mano. Por eso solo escribía pequeñas poesías o frases en sus libretas mientras su mente no dejaba de viajar a otros mundos. Dio vida a esos mundos con dieciocho años, cuando su padre le dejó usar un ordenador por primera vez, y encontró en él un aliado para dar vida a todas esas novelas que estaban deseando ser tecleadas.
Empezó a escribir su primera novela antes de haber acabado de leer un solo libro, ya que hasta los diecisiete años no supo que si antes le daba ansiedad leer era porque tenía un problema: la dislexia. De hecho, escribía porque cuando leía sus letras no sentía esa angustia y disfrutaba por primera vez de la lectura. Sus primeros libros salieron de su mente sin comprender siquiera cómo debían ser las novelas, ya que no fue hasta los veinte años cuando cogió un libro que deseaba leer y empezó a amar la lectura sin que su problema la apartara de ese mundo. Desde los dieciocho años no ha dejado de escribir.
El 3 de abril de [[2009]] se publicó su primer libro en papel, [[El círculo perfecto]], y desde entonces no ha dejado de luchar por sus sueños sin que sus inseguridades la detuvieran y demostrando que las personas imperfectas pueden llegar tan lejos como sueñen.
Actualmente tiene más de cien textos publicados, ha sido número uno de iTunes, Amazon y Play Store en más de una ocasión y no deja de escribir libros que poco a poco verán la luz.
Su libro Me enamoré mientras mentías fue nominado a Mejor Novela Romántica Juvenil en los premios DAMA [[2014]], y Por siempre tú a Mejor Novela Contemporánea en los premios DAMA 2015. Con esta obra obtuvo los premios Avenida [[2015]] a la Mejor Novela Romántica y a la Mejor Autora de Romántica.
En web personal cuenta sus novedades y curiosidades, ya cuenta con más de un millón de visitas à http://www.moruenaestringana.com/
== Fuente ==
https://www.planetadelibros.com/autor/moruena-estringana/000044320
[[Categoría: Novela Romántica]][[Categoría: Libros]]

Archivo:275557905 334140118734396 3319122144838929162 n.jpg

2022-04-25T14:07:28Z

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