Pintura

2021-06-06T18:30:58Z

Martamonzon: Edición menor

{{Definición
|nombre=Pintura
|imagen=Pintura12.jpg ‎
|tamaño=
|concepto= Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas
}}
'''Pintura.''' En este [[arte]] se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del [[color]] y de composición pictórica, y el [[dibujo]]. La práctica de el arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de [[papel]], un [[lienzo]], un muro, una [[madera]], un recorte de [[tejido]], etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. Dando lugar a una [[obra de arte]] según unos principios estéticos.

La palabra [http://expertosenherramientas.es/pintura/ pintura] se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de pintura, en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: pintura al fresco o [[pintura al óleo]].
La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos, como la «pintura histórica o la pintura de género. O a criterios históricos basados en los periodos del [[Historia del Arte]]; como la pintura prehistórica, la pintura gótica y en general de cualquier período de la historia de la pintura.

Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en [[agua]] y [[cal]]; al [[óleo]] cuando ha sido elaborada con colores desleídos en [[aceite secante]], por lo general sobre una [[tela]]. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la [[acuarela]] emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.

== Historia ==
La historia de la pintura consta desde la [[prehistoria]] hasta la [[Edad Contemporánea]], e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres.

Desde la prehistoria el [[hombre]] trató de reproducir en las paredes de las [[Cueva|grutas]] las formas de los [[animales]] que había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el [[ser humano]], que siempre ha procurado representar los objetos como sus [[ojos]] los veían.

El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su [[volumen]], bien por medio de un trazo, como en el [[arte egipcio]], griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la [[luz]]; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de [[Pompeya]] y en los artistas del [[Renacimiento]] italiano, como [[Leonardo Da Vinci]]. En términos generales, este arte se ha desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada [[cultura]] y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.

El llamado arte parietal de [[pintura mural]] en [[cueva|cuevas]], se concentra sobre todo, en ciertas regiones pirenaicas pertenecientes a [[Francia]] y [[España]] y en la costa mediterránea en el [[arte levantino]], en muestras inferiores se han encontrado en [[Portugal]], Norte de [[África]], [[Italia]] y [[Europa]] oriental.

[[Archivo:Cueva_de_chauvet.jpeg‎|thumb|right|200px|Cueva de Chauvet]]Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la [[Cueva de Chauvet]] en Francia, fechada por algunos historiadores de unos 32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre de [[arcilla]], rojo de óxido de [[hierro]] y negro de [[dióxido de manganeso]] . También cabe destacar las cuevas de [[Cueva de Lascaux|Lascaux]] y [[Cueva de Altamira|Altamira]]. Se encuentran dibujados [[rinoceronte|rinocerontes]], [[león|leones]], [[búfalo|búfalos]], [[mamut|mamuts]], [[caballo|caballos]] o seres humanos a menudo en aptitud de [[caza]].
===Prehistoria===
====Época paleolítica====
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.

A esta primera fase del [[Arte Rupestre]] se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada policromía y el empleo del [[claroscuro]] como elemento expresivo. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

===Arte egipcio===
La [[pintura egipcia]] posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: [[cabeza]], brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, [[vientre]] y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
===Arte griego===
Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de [[realismo]] que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: [[Polignoto]], [[Apolodoro de Atenas]], [[Agatarco de Samos]], [[Zeuxis]], [[Parrasio]] y [[Apeles]].
===Arte romano===
Se conoce a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, [[aves|pájaros]], cintas, [[flores]], etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el [[retrato]], la [[caricatura]] y el paisaje.
===Arte románico===
La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
===Arte medieval===
El arte de la [[Edad Media]] es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época medieval se puede dividir en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado [[Paleocristiano]], cuya pintura se inicia en las [[catacumba|catacumbas]], está llena de [[simbolismo]] y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de [[Cristo]], apóstoles, la cruz, etc.

Luego, nace el [[arte Bizantino]] en la época de [[Constantino]]; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios.

Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.
===Arte gótico===
En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan: [[Jean Fouquet]], [[Juan Van Eyck]], [[Rogerio Van Der Weyden]], [[Giotto]], entre otros.
===Arte bizantino===
Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc.
===Renacimiento===
El [[Renacimiento]] comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en [[Italia]], bajo el signo del [[Humanismo]]; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de [[vida]] cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a [[Dios]] y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura.

La cuna del Renacimiento fue [[Florencia]]. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso.

En el [[siglo XV]] adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a mártires y pecadores.

Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a [[Sandro Botticeli]],[[Miguel Ángel Buonarroti]], [[Alberto Durero|Durero]], [[Tintoretto]], [[El Greco]], [[Leonardo da Vinci]] y [[Raffaelo Santi|Rafael Sanzio]]; de ellos, algunos como Leonardo da Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.

La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.

Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de [[Siena]], la de [[Umbría]], la de [[Parma]], la de [[Verona]], la de [[Padua]], la de [[Milán]] y la de [[Carrara]]. Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del [[Quattrocento]] (1400) y los del [[Cinquecento]] (1500).

===Barroco===
En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de [[naturaleza muerta]], [[bodegón|bodegones]], animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.

En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de [[Miguel Ángel Merisi de Caravaggio]]; en Francia destacaron [[Nicolas Poussin]], [[Georges de La Tour]] y Claude Gelle, le Lorrain más conocido en España [[Claudio de Lorena]]; en [[España]] el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por [[Diego Velázquez (pintor)]], Velásquez, [[Francisco Zurbarán]], [[José de Ribera]] y [[Bartolomé Esteban Murillo]]. En los [[Países Bajos]] el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el [[siglo XVI]] en [[Flandes]] y fue representada por [[Pedro Pablo Rubens]], [[Anton van Dyck]] y [[Jacob Jordaens]], y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn conocido por [[Rembrandt]] y [[Jan Vermeer]] o Van der Meer de Delft.

===Rococó===
El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
===Neoclasicismo===
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron.
===Romanticismo===
Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron: [[Théodor Géricault]], [[Eugene Delacroix|Delacroix]], [[Francisco de Goya]] y [[Caspar David Friedrich]].

===Realismo===
El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a mediados del siglo XIX.
===Impresionismo===
[[Image:Campoamarrilloooo.jpeg |thumb|''Campo de maíz amarillo'' por [[Vincent van Gogh]]]]
La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran desde cierta distancia.

Este principio lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse Lautree.

===Expresionismo===
Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rígido colorido.
===Fauvismo===
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las cualidades académicas formales de la composición.

Henri Matisse, primera figura del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como color brillante que produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la composición da una sensación de profundo reposo.
===Cubismo===
[[Image:Nuevavisisonguernn.jpeg‎ |thumb|right|''Nueva visión de Guernica'' por [[Iván Carbonell Guerra Machuty]]]]
Este movimiento artístico surge en Francia hacia 1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.

El color fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia en nuestro país.

===Futurismo===
Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna.

El símbolo más venerado por los futuristas era el automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto que se mueve.
===Surrealismo===
[[Image:Sueñosssivan.jpeg|thumb|right|''SueñosIII'' por [[Iván Carbonell Guerra Machuty]]]]
Este movimiento vanguardista no se circunscribió a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos.
Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino explorar posibilidades.

===Abstracción===
[[Image:Ivancarb.jpeg‎ |thumb|right|''SueñosIII'' por [[Iván Carbonell Guerra Machuty]]]]
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de [[Egipto]], del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte.

Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El [[Abstraccionismo]] tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente estáticas.

== Géneros pictóricos ==
La obra pictórica es mucho mas que el tema representado, pero por ello puede perderse de vista que el reconocimiento del tema es uno de los aspectos fundamentales de la pintura. A menudo la persona o artista que encarga una pintura lo que intenta con ella es trasmitir una idea que viene vinculada por medio del tema. También puede darse el caso de que se quiera dar al cuadro un valor meramente decorativo, o incluso que lo se busque en realidad sea la trasmisión de la belleza por si misma. Todas estas finalidades de la pintura a pesar de ser muy distintas entre sí, son igualmente válidos, y todas ellas, con mayor o menor intensidad en cada época, han ido configurando, a lo largo de lo siglos, los llamados géneros pictóricos.

===Alegorías en el arte===
En las artes visuales alegoría significa representación de ideas abstractas por medio de figuras humanas y objetos, a las que se le denomina personificaciones.

===Arte de paisajes===
[[Image:Paisajeee.jpeg|thumb|right|200px|Paisaje, por [[Joachim Patinir]]]]
El arte de paisajes representa pictóricamente escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye en la vista el cielo, y el tiempo usualmente es un elemento de la composición. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma la superficie de la tierra, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños.

En la pintura occidental, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, como fondo de cuadros de otro género (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la Holanda del siglo XVII.
Dentro de la jerarquía de los géneros, el paisaje ocupaba un lugar muy bajo, superior sólo al bodegón. (Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una pintura que representa objetos sin vida en un espacio determinado, como animales de caza, frutas, flores, utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, etc.)

Es la representación pictórica de un espacio natural. Nació con la pintura gótica, pero fue en sus orígenes, un género dependiente, que servía de fondo a composiciones de otra temáticas para complementarlas o añadirle sensaciones de profundidad. Despues de constituirse como género autónomo en el siglo XVII, fue alcanzando después un gran desarrollo gracias a los paisajistas ingleses del siglo XIX (Tumer y Constable), a los pintares dela Escuela de Barbizón, a los impresionistas y los postimpresionistas, su enfoque puede alcanzar un tratamiento realista, como en el caso de las vistas de Venecia que pintaron Guardio Canaletto, o deformados por la propia visión de la realidad, como ocurre con los paisajistas de Van Gogh o de Cézanne. Variaciones del paisaje son las marinas, los interiores y las llamadas visiones arquitectónicas.

====Clases====
[[Image:Marinathomas.jpeg|thumb|right|200px|Marina, por [[Thomas Moran]] ]]
Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe distinguir tres tipos fundamentales:
# El paisaje «cósmico» o «sublime», en el que se presenta la naturaleza de manera salvaje, inmensos paisajes que no necesariamente representan lugares realmente existentes, y en loa que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza grandiosa, abundante y salvaje, en la que aparecen fenómenos atmosféricos como tormentas. Es propio de los artistas del norte de Europa, como Durero, Elsheimer o Friedrich.
#La naturaleza «dominada» por el hombre, como ocurre con el paisaje flamenco o neerlandés. La presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazadora. Muchas veces acaba siendo un «paisaje topográfico», que representa necesariamente un lugar preciso e identificable, con una naturaleza presentada de la manera más humilde. Dentro de esta línea pueden citarse a Patinir, Pieter Brueghel el Viejo o los maestros holandeses del siglo XVII.
#La naturaleza «colonizada» por el hombre, lo cual es típico del paisaje italiano. Aparecen campos cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, carreteras y otras construcciones humanas; la naturaleza ya no es una amenaza, sino que el hombre, además, la ha hecho suya. Dentro de este tipo de paisaje puede hablarse del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal, grandiosa. La representación no es creíble, sino recompuesta para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta. En este tipo de paisaje suele esconderse una historia. Es tópica la presencia de elementos de arquitectura romana, combinados con una montaña o una colina y con un plano de agua. Este tipo de «paisaje ideal» fue creación de Annibale Carracci, al que siguieron Albano, [[Domenichino]] y el francés Poussin. El paisaje italiano fue el preferido durante siglos por cuanto era el lugar al que viajaban los artistas de toda Europa y donde se formaban.
Desde otro punto de vista, referido al tema que se representa y no tanto a la manera en que se trata, cabe diferenciar entre:
*Marinas en composiciones que muestran océanos, mares o playas.
* Paisajes fluviales composiciones con ríos o riachuelos.
* Paisajes estelares o paisajes nublados son representaciones de nubes, formaciones del clima y condiciones atmosféricas.
*Paisajes lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra.
*Paisajes urbanos muestra ciudades.
*Hardscape o paisajes duros, en el que lo que se representa son zonas como calles pavimentadas y grandes complejos de negocios o industrias.
*Paisaje aéreo o etéreo, mostrando la superficie terrestre vista desde arriba, especialmente desde aeroplanos o naves espaciales. Cuando el punto de vista es muy pronunciado hacia abajo, no se aprecia el cielo. Este género puede combinarse con otros, como en el arte etéreo nublado de Georgia O'Keeffe, el paisaje etéreo lunar de Nancy Graves o el paisaje etéreo urbano de Yvone Jacquette.
*Paisaje onírico, en composiciones parecidas a los paisajes (generalmente surrealistas o abstractos) que buscan expresar la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.

====Antigüedad====
En los tiempos de las más antiguas pinturas chinas a tinta se estableció la tradición de paisajes «puros», en los que la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia.

Del ntiguo Egipto se conservan algunas representaciones paisajísticas esquemáticas en las tumbas de los nobles, grabadas en relieve durante el Imperio Antiguo y pintadas al fresco en el Imperio Nuevo; suelen enmarcar escenas de caza o ceremonias rituales.

En Pompeya y Herculano se han preservado frescos romanos de cuartos decorados con paisajes del siglo I a. C. En la antigüedad grecorromana, el paisaje se pinta como fondo o entorno para contextualizar una escena principal.

==== Pintura contemporánea ====
La pintura contemporánea disolvió la existencia de los géneros, pero dentro de los diferentes «ismos» de vanguardia pueden distinguirse cuadros en los que lo representado es un paisaje, siempre con el estilo propio del autor.

Cézanne, el «padre de la pintura moderna», dedicó toda una serie de pinturas a la montaña Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck y Marquet pintaron paisajes fauvistas, y Braque, uno de los fundadores del cubismo, trató repetidamente el paisaje de L'Estaque.

En la Viena de principios del siglo XX, produjeron obras de este género tanto el modernista Gustav Klimt como el expresionista Egon Schiele.

====Marinas====
Las marinas son cuadros o pinturas que representan el mar. Constituyen un género pictórico que refleja escenas de navegación marítima en diferentes situaciones de acuerdo a la época. En algunas obras se pintan escenas en alta mar, en otras, la entrada y salida de un puerto, batallas, entre otras situaciones.

===Bodegones y floreros===
[[Image:Naturaleza Muerta 2009.jpg|thumb|''Naturaleza Muerta 2009''por [[Iván Carbonell Guerra Machuty]]]]
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos encontrados.

En la transición del siglo XVI al XVII surge el interés por las llamadas naturalezas murtas, que consiste en la representación de seres inanimados y objetos del interior: libros, jarrones, botellas, frutas, y otros alimentos, piezas de caza y pescados, reses muertas, y todo tipo de objetos combinados al gusto del artista. Estas obras llamadas también bodegones, suelen tener una finalidad meramente decorativa, lo mismo que los florones que como su nombre indica, reproducen jarrones con flores. La naturaleza muerta fue muy cultivado por los cubistas que se sirvieron de ella para llevar a cabo investigaciones sobre su nueva manera de entender la pintura, [[fotografía]], gráficas generadas por ordenador o [[sonido]] y [[vídeo]].

===Pintura de <<género>>===
Es un tipo de obra de arte, esencialmente pictórica, en la que se representan escenas de la cotidianidad de las personas, sea en la calle o en la vida privada, mercados, interiores, fiestas, tabernas. Estas representaciones pueden ser realistas, imaginarias o embellecidas por el artista.

Nace en el siglo XV, impulsada por los pintores flamencos y holandeses. Su finalidad no es otra que reflejar las costumbres y los usos de una época y lugar determinado, por lo que suele ser de gran utilidad para saber por ejemplo: como vestían en un momento dado, que útiles o herramientas utilizaban, cómo celebraban las fiestas, cómo era un ambiente cortesano o campesino y otros aspectos relacionado con la sociedad. A menudo ese tipo de pintura escoge como protagonista a personajes características como un bebedor, un ciego, un jugador, un mendigo, etc.

===Fileteado===
El Fileteado porteño es un arte decorativo y popular típico de [[Buenos Aires]]. Sus formas son estilizadas, de colorido intenso y pintadas con intención de volumen. Flores, cintas, hojas de acanto, dragones y pájaros son elementos propios de su repertorio, que se combinan con frases e imágenes de personajes populares. Actualmente y debido a su auge, el fileteado es también considerado como un design propio de la Argentina, con amplio reconocimiento en el exterior.
El Fileteado porteño nació en las fábricas de carros de nuestra ciudad a principios del [[siglo XX]]. Fue una práctica ornamental que se desarrolló hasta convertirse en un genero pictórico. Se utilizó también sobre camiones y colectivos hasta la década del 70, época en que comienza a tener nuevas aplicaciones.

===Graffiti===
Se llama [[graffiti]], grafito o pintada (del inglés graffiti o graff) a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre propiedades públicas o privadas ajenas (como paredes, vehículos, puertas y mobiliario urbano, especialmente pistas de skate). Los graffiteros suelen estar agrupados en crews. El graffiti es un arte, uno de los cuatro elementos de la cultura [[Hip Hop]].

===Pintura histórica===
Es un género claramente destinado a la autoformación y a la exaltación de una persona o un pueblo. Consiste en la representación conmemorativa de acontecimientos históricos. Suele ser una pintura de grandes dimensiones de concepción grandiosa. Su época de mayor desarrollo fue el Romanticismo.

La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral.

[[Archivo:Joshua_Reynolds.jpeg‎|thumb|right|200px|Sir Joshua Reynolds]]Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque Nicolas Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica

=== Pintura erótica ===
El erotismo ha sido un tema de gran presencia en la historia del arte, desde la prehistoria hasta los tiempos actuales. Partiendo de las pinturas rupestres hasta el arte contemporáneo, se pueden encontrar símbolos sexuales y desnudos. Pero puede que no sea tan habitual encontrar expresiones artísticas con una sexualidad tan explícita como en las pinturas parietales halladas en la ciudad romana de Pompeya.

=== Pintura mitológica ===
Ha alcanzado un gran desarrollo a través de los tiempos. Nació en Francia, en Roma y Grecia como pintura religiosa, y después se cultivo en occidente sobre todo durante el renacimiento y el neoclasicismo, a veces como una mera exaltación a la Antigüedad y en otras ocasiones con un sentido alegórico: Marte, por ejemplo, como representación de la guerra, Venus, como personificación de la belleza, etc. Los temas de la pintura mitológica han sido, para algunos artistas un pretexto para cultivar el tema del desnudo. Botticelli ha sido uno de los pintores que más se ha interéseselo por este género.

=== Pintura religiosa ===
Es el más universal. Se centra en la representación de dioses y santos. Nació en las civilizaciones antiguas, principalmente entre los egipcios, y alcanzó un gran desarrollo durante la Edad Media en el área de extensión del cristianismo. Sus temas son muy variados, pero su finalidad suele ser la instrucción teológica del espectador. En el caso del cristianismo, por ejemplo, pretende ilustrar sus fieles sobre distintos pasajes de la vida de Cristo o de la Virgen sobre alguno episodios de las vidas de los santos, sobre los misterios de la fe, como la Trinidad y la Eucaristía, etc. Es, por lo tanto, una pintura eminentemente didáctica, dirigida al fiel, que actúa también como recordatorio para que los hombres no se olviden Dios. En la cultura Cristina Occidental, la pintura religiosa su apogeo durante la Edad Media y Barroco. A lo largo de los siglos XIX y XX, en cambio ha sido un género poco cultivado.

=== Retratos ===
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos.

El artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.» En la técnica del óleo fue Jan Van Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito personal del retratado, destacaron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero. En España destacaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.

Dentro de la pintura que podría denominarse civil, el género más universal es el retrato, que suele ser una forma de exaltación de un personaje, de una familia o de un grupo. El retrato admite numerosas tipologías (de cuerpo entero, de busto, erguido, sedente, etc.) y puede ser psicológico o fotográfico, cuando intenta plasmar con toda fidelidad los rasgos y atributos del modelo, o idealizado, cuando de forma mas o menos la realidad para darle al personaje un aire mas interpersonal, heroico o divinizado. Aparece esporádicamente en la Antigüedad – retratos de la Fayom (Egipto)- y se generaliza durante el Renacimiento, para cultivarse después abundantemente en todas las épocas.

===Pintura la alegoría===
En relación con la pintura histórica y mitológica se encuentra la alegoría que busca plasmación figurativa de ideas abstractas, la virtud, la fuerza, el poder, la caridad, etc. Es constante a lo largo de los tiempos t puede estar asociada también con la pintura religiosa. Entre las pinturas alegóricas mas renombradas se encuentran las que pintó Rafael en las estancias del Vaticano: la famosa alegoría de la Teología (La disputa del sacramento), de la filosofía (La escuela de Atenas) y de la poesía (El parnaso).

== Técnicas ==
Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.
==Fuentes==
*[http://www.monografias.com/trabajos13/histarte/histarte.shtml Historia del arte]
*[http://www.profesorenlinea.cl/artes/Paisaje_y_Arte.htm Paisaje y arte]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura#G.C3.A9neros_pict.C3.B3ricos Pintura]
*[http://www.slideshare.net/elprofeleo/alegoras-y-atributos Alegorías en el arte]
*[http://www.fileteado.com.ar/index.php El fileteado porteño]
*[http://revista-sanssoleil.com/publication/ars-amandi-y-pintura-erotica Ars Amandi y pintura erótica de Pompeya]
*[http://www.fotonostra.com/eduardo/pinturareligiosa.htm Pintura religiosa]
*Enciclopedia Autodidactica Interactiva Océano. Impreso en España. Edicion1999.
*Paz García, Ponce de León. Breve historia de la pintura. Editorial LIBSA, 2006.
[[Category:Pintura]]

EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Pintura