2010-08-03T04:33:26Z

Ruben sr:

{{Personaje_artístico|nombre=Pablo Ruiz Picasso|seudonimo=Picasso|imagen=picasso_pintor.jpg|descripcion=Pintor español|fecha_de_nacimiento=[[25 de octubre]] de [[1881]]|lugar_de_nacimiento=[[Málaga]], [[España]].|fecha_de_fallecimiento=[[3 de abril]] de [[1973]] |lugar_de_fallecimiento=[[Mougins]], [[Francia]]|area=Pintura|obras_destacadas=''Guernica'', ''Las señoritas de la calle Aviñón'', ''Arlequín''}}'''Pablo Ruiz Picasso''' (1881-1973). Pintor español. Considerado el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial.

== Datos Biográficos ==

Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació en [[Málaga]], [[España]], el [[25 de octubre]] de [[1881]], en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco [[José Ruiz Blasco]] y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción.

En [[1891]] la familia Ruiz Picasso se traslada a [[La Coruña]] y de allí a [[Barcelona]], donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión.

En [[1898]] realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año [[1900]] hace una visita a [[París]] para ver la Exposición Universal. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno.

Entre [[1901]] y [[1907]] se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por [[Cézanne]] y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo [[Braque]: el cubismo.

Pero Picasso no se queda ahí y en [[1912]] practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas.

El movimiento surrealista de [[1925]] no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia.

Igual que le ocurre a [[Goya]], a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la [[Guerra Civil Española]] y el bombardeo de [[Guernica]], que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado.

== Su obra ==

En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX.

Es la clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma.

Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una época.

Es clara la dimensión histórica en la obra del gran pintor español; porque su objetivo no se cifró en la búsqueda de la belleza sino en testificar y aclarar los grandes procesos sociales. Así lo manifestó en una ocasión: "el artista trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar claridad ante su conciencia y sus contemporáneos de sí mismo y de su tiempo". La forma armoniosa de otros siglos del arte reflejaba una concepción armónica del hombre; la forma desgarrada de Picasso traduce el sufrimiento del hombre de nuestro tiempo.

En medio de sus símbolos y sus renovaciones incesantes es posible detectar una constante, la sensibilidad por la época, reflejada en la alternancia de períodos plácidos y dramáticos. Pero en todo momento mantuvo Picasso viva su obsesión dolorosa por el hombre que sufre. Desde los ciegos azules hasta los gritos de los cuadros expresionistas es constante la meditación compasiva del artista sobre sus contemporáneos.
=== Período Azul ===

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.

=== Período Rosa ===

Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su álter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

=== Protocubismo ===

En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

=== [[Cubismo]] analítico y Sintético ===

Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes, Daniel Henry Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color desempeña un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Museo Metropolitano de Arte), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917.

=== Escultura cubistta ===

El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.

=== [[Realismo]] y [[Surrealismo]] ===

Durante la [[I Guerra Mundial]], Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan (1923, Museo Picasso, París). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno).

=== Pinturas: 1930-1935 ===

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX.

=== Guernica ===

El [[26 de abril de 1937]], durante la [[Guerra Civil española]], la aviación alemana, por orden de [[Francisco Franco]], bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; allí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.

=== La II Guerra Mundial y los años de postguerra ===

El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. También pintó su imagen en bastantes ocasiones, como en Jacqueline sentada (1954, Museo Picasso, Málaga). Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

=== Últimos trabajos ===

Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural, y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

== Sus últimos años ==

[[París]] fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de [[Francia]], trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció el [[3 de abril]] de [[1973]] en [[Mougins]], cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

== Fuente ==

*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/listado.htm Arte Historia]
*[http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/ Biografías y Vidas]

[[Category:Artes_Plásticas]]

Picasso

2010-08-03T03:36:50Z

Ruben sr: Redirigiendo a Pablo Picasso

#REDIRECT [[Pablo Picasso]]

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Einstein

2010-08-03T03:22:46Z

Ruben sr: Redirigiendo a Albert Einstein

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2010-08-02T20:28:11Z

Ruben sr: El triunfo de Galatea

== Sumario ==
El triunfo de Galatea
== Estado de copyright: ==
Libre
== Fuente: ==
Libro de Arte

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2010-08-02T18:12:02Z

Ruben sr: Autoretrato_Rafael

== Sumario ==
Autoretrato_Rafael
== Estado de copyright: ==
Libre
== Fuente: ==
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/3029.htm

Hieronymus Bosch

2010-08-02T05:28:12Z

Ruben sr: Redirigiendo a Hieronymus Van Aken

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[[Category:Redirecciones]]

El Bosco

2010-08-02T05:26:41Z

Ruben sr: Redirigiendo a Hieronymus Van Aken

#REDIRECT [[Hieronymus Van Aken]]

[[Category:Redirecciones]]

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2010-08-02T05:24:38Z

Ruben sr: Retrato de EL Bosco

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Retrato de EL Bosco
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== Fuente: ==
http://www.google.com.cu/imgres?imgurl=http://www.monotype.es/Imagenes/MUSEO/bosco.jpg&imgrefurl=http://www.monotype.es/museobosco.html&h=256&w=230&sz=16&tbnid=FCgbxfkC2AIv7M:&tbnh=204&tbnw=184&prev=/images%3Fq%3DEl%2Bbosco%252Bretrato&hl=es&usg=__7A5i-jZmXylmQB9bv5cY6w2ewbU=&sa=X&ei=jVZWTM2THcL38AbCyLzhCA&ved=0CBgQ9QEwAA

Mona Lisa

2010-08-01T04:35:21Z

Ruben sr:

{{Obra plástica o arquitectónica
|nombre=Mona Lisa (''La Gioconda'')
|imagen=Mona_Lisa.jpg
|descripcion=Obra de arte considerada el retrato más famoso de la historia del hombre.
|autor=[[Leonardo da Vinci]]
|fecha=[[1503]] - [[1506]]
|ubicacion=[[Museo del Louvre]] (Actualidad)
}}

'''Mona Lisa''', también conocida como ''La Gioconda'', es una obra de arte pintada por el célebre italiano [[Leonardo da Vinci]], muchos la consideran el retrato pintado más famoso de la historia del hombre y ha esclavizado al mundo con su mirada.

==Características del cuadro==

Se trata de un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 centímetros, pintado entre [[1503]] y [[1506]] (al estilo del Renacimiento italiano), y retocado después. El paisaje de fondo es agreste, salvaje y de un matizado tono azul. El autor empleó el esfumato, la técnica de difuminar suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos. Usó el color ocre quemado para sombras oscuras, y albayalde y amarillo sulfuroso para dar tono a la carne.

==La pintura==

Al parecer, en él se retrata a una dama florentina de nombre [[Lisa Gherardini]], que se casó en [[1495]] con [[Francesco del Giocondo]], de donde procedería su sobrenombre. De entre la visión de paisaje irreal de fondo, conformado por ríos que fluyen, brumas y vapores, juegos de luces y vibraciones de colores, resalta la figura de la mujer, cuya enigmática sonrisa constituye lo más atractivo del cuadro, en el cual, según se dice, [[Leonardo da Vinci]] consiguió plasmar el alma humana.

Fue la última gran obra salida de las manos del afamado pintor en el [[siglo XVI]], pues nunca la entregó a quien se la encargó y siguió retocándola hasta sus días finales. [[Giorgio Vasari]] ([[1511]]-[[1574]]), quien escribió sobre la vida de los principales artistas de la época, cuenta que Leonardo empleó en la elaboración del retrato unos cuatro años.

==Historia actual==

En abril de [[2004]], un equipo de curadores en [[París]] anunció el inicio de una investigación científica sobre la pintura, ante los signos de deterioro que mostraba. El fino panel de madera en que fue pintado el retrato se había deformado desde su última evaluación. Entonces, el [[Centro de Investigación y Restauración de Museos de Francia]], además de evaluar la vulnerabilidad de la pintura a los cambios climáticos, estudió los materiales utilizados en la obra.

Un tiempo después, la Mona Lisa pasó de la pequeña Sala Rosa del Louvre a una más amplia y renovada, la Sala de los Estados, una galería que sirvió como cámara de debate parlamentario hasta el año [[1870]]. Hace cuatro años fue sometida a una renovación, por un valor de 6,1 millones de dólares, labor que estuvo a cargo del arquitecto peruano [[Lorenzo Piqueras]].

Hoy, el cuadro se mantiene con la temperatura y la cantidad de vapor de agua contenida en el aire a los niveles constantes de 20 grados y 50 por ciento de humedad relativa. Además, está cerrado herméticamente, protegido del frío, el calor y la respiración de los seis millones de visitantes que anualmente lo acosan.

==Notoriedad==

'''La Gioconda''' se le considera el retrato pintado más famoso de la historia del hombre, aunque según consta en [[Wikipedia]], los eruditos opinan que no por ello es el mejor, ni siquiera ocupa un lugar entre los diez o 20 más sobresalientes. Atribuyen su notoriedad tal vez a las múltiples referencias literarias, a las otras tantas interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso del que fue víctima, ocurrido el [[21 de agosto]] de [[1911]], que protagonizara el pintor [[Vicenzo Perrugia]].

== [[Image:Leonardo mona d comprimido.jpg|thumb|right|Mirada de La Gioconda]]Su misterio ==

Sería difícil calcular el tiempo que los habitantes de este planeta han dedicado durante su vida a escudriñar los detalles de uno de los cuadros más famosos del [[Arte universal]]. Bien frente a una reproducción, o al original, en el famoso [[Museo del Louvre]], cualquier observador ha probado mirar una y otra vez el célebre retrato, de un ángulo u otro, con la intención de sorprender el misterio de su sonrisa.

[[Image:Margaret Livingstone.jpg|thumb|left|200px|asegura haber puesto fin a la incógnita de la controvertida sonrisa]]Pero no solo los curiosos y los propios artistas de la plástica se han detenido a estudiar el enigmático gesto, la ciencia también lo ha investigado. [[Margaret Livingstone]], neurobióloga de la [[Universidad de Harvard]], asegura haber puesto fin a la histórica incógnita con los resultados de sus estudios acerca de la sonrisa más controvertida de la historia, expuestos en el [[Congreso Europeo de Percepción Visual]], celebrado en [[La Coruña]], [[España]], a mediados de [[2005]].

Según fuentes que participaron en la cita, la expresión de la pintura es una ilusión que aparece cuando la vista se fija en las otras partes del cuadro y desaparece al mirarlo directamente, debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes. El pintor logró ese efecto después de mucho análisis. Entre [[1473]] y [[1518]] escribió una serie de ensayos para su Tratado sobre Pintura, en el cual se refirió a la perspectiva lineal, que denominó "pinturas que engañan el ojo".

Los trucos completamente intuitivos usados por el polifacético italiano para realizar su obra maestra, comienzan a tener fundamento científico. La teoría de la investigadora se apoya en el hecho de que el ojo humano tiene una visión central, muy buena para reconocer los detalles, y otra periférica, mucho menos precisa, pero más adecuada, para reconocer las sombras.

Livingstone afirma que Da Vinci pintó ''La Gioconda'' usando sombras que vemos mucho mejor con nuestra visión periférica. Por eso, para verla sonreír hay que mirarla a los ojos o a cualquier otra parte del cuadro, de manera que sus labios queden en el campo de la perspectiva periférica.

Según los argumentos de la experta, el ojo usa dos tipos de visión: la fotópica, fóvea o directa, y la escotópica o periférica. La primera es excelente cuando se trata de percibir detalles, pero no para las sombras. Quiere decir que mientras más fija esté la mirada de una persona, menos útil es la visión periférica. Para ilustrar este efecto, la Livingstone invita a concentrar la mirada en una sola letra sobre una página impresa y comprobar cuán difícil es reconocer las otras, por más cerca que estén.

Atañe que el mismo principio explica la incógnita de la sonrisa de La Gioconda. "Si el centro de la mirada es el fondo de las manos, lo que significa que su boca es vista desde el lado de la periferia ocular o visión de baja frecuencia, la sonrisa de la ''Mona Lisa'' aparenta ser más alegre. Pero esta imagen se desvanece al observar su boca, como una débil estrella, directamente", afirmó la experta, y fundamentó que la cualidad elusiva de la sonrisa de la Mona Lisa se debe a estar formada casi en su totalidad por frecuencias espaciales bajas, y por ello se ve mejor con la visión periférica.

Varias agencias de noticias y diarios que reportaron la presentación del estudio científico, coincidieron al informar que la neurobióloga aseveró:
<blockquote>"Estoy desmitificando los procesos de algunos artistas (...), pero no denigrando su arte. Los impresionistas, Da Vinci, Chuck Close, Robert Silvers, por ejemplo, descubrieron verdades fundamentales que los científicos apenas estamos empezando a dilucidar".</blockquote>
Después de publicar la teoría acerca de que los cambios de expresión de ''La Gioconda'' se deben a que la visión central supera en resolución a la periférica, la científica estadounidense estudia por qué tantos genios de la pintura tenían alguna deficiencia visual. De [[Rembrandt]], por ejemplo, adelanta que su estrabismo le reducía la capacidad de ver en tres dimensiones, lo cual considera beneficioso, porque:
<blockquote>''tener una pobre percepción de la profundidad puede ser una ventaja en una profesión en la que el objetivo es plasmar el mundo tridimensional en un lienzo plano''.</blockquote>
Pero el retrato de la ''Mona Lisa'' no solo ha llamado la atención de esta científica. En diciembre de 2005, la [[Agencia AFP]] publicaba que según los resultados de un análisis realizado por un programa computadorizado de reconocimiento de emociones, en la [[Universidad de Ámsterdam]], la ''Mona Lisa'' era una mujer feliz en un 83 por ciento, estaba hastiada en un nueve por ciento, atemorizada en un seis, y enfadada en otro dos por ciento. El algoritmo, desarrollado por investigadores holandeses en colaboración con los de la [[Universidad de Illinois]], [[Estados Unidos]], intentó determinar los sentimientos que experimenta una persona a través del examen de sus rasgos faciales, como la curvatura de los labios o las arrugas alrededor de los ojos.

==Fuente==

[http://www.bohemia.cu/2006/12/21/cultura/mona-lisa.html Mona Lisa ¿Fin de un enigma?]

[[Categoría:Obras pictóricas]]

Archivo:Leonardo mona d comprimido.jpg

2010-08-01T04:32:35Z

Ruben sr: La mirada de la Mona Lisa

== Sumario ==
La mirada de la Mona Lisa
== Estado de copyright: ==
Libre
== Fuente: ==
Libro de Arte

Leonardo da Vinci

2010-08-01T04:18:52Z

Ruben sr:

{{Personaje_artístico|nombre=Leonardo di Ser Piero da Vinci|seudonimo=Leonardo da Vinci|imagen=Leonardo_Da_Vinci.jpg|descripcion=Considerado el paradigma del homo universalis renacentista. Incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura y la arquitectura, entre otros. Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito.|fecha_de_nacimiento=[[15 de abril]] de [[1452]]|lugar_de_nacimiento=Anchiano, Ciudad de Vinci, [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[2 de mayo]] de [[1519]] |lugar_de_fallecimiento=[[Castillo de Clos-Lucé]], [[Francia]]|area=Arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico e ingeniero|obras_destacadas=[[La última Cena]], [[La Gioconda]], Hombre de Vitruvio, Tratado sobre la pintura., etc}}
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'''Leonardo di Ser Piero da Vinci'''. El hombre del [[Renacimiento]] por excelencia. Humanista de primera línea. Considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia.

== Biografía ==

Nació el [[15 de abril|15 de abril]] de [[1452]] en [[Anchiano]], una aldea cerca de la [[Ciudad de Vinci]] en el valle del Arno, dentro de los territorios de [[Florencia]], Italia. Aunque para otros nació en Vinci, de ahí su apellido, antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en [[Europa]], por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre Ser Piero y la localidad de nacimiento siendo entonces Leonardo di Ser Piero da Vinci. Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo, yo Leonardo, es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo. Era hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino.

=== Escenario de su niñez ===

Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como [[Venecia]] y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El [[Imperio romano]] de [[Oriente]] cayó en [[1453]] ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el [[Sacro Imperio Romano Germánico]]; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

Su padre se casó cuatro veces y tuvo once hijos, con los que Leonardo acabó teniendo pleitos por la herencia paterna con sus dos últimos matrimonios, por lo que Leonardo se crió como hijo único.

=== Inicios ===

Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. [[Giorgio Vasari]], su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de [[Medusa]] con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.

Poco se sabe de sus primeros años, que han sido tema de conjeturas históricas por Vasari y otros. Leonardo más tarde sólo hablaría de dos incidentes de su infancia. Uno de ellos, que él consideraba como una profecía, fue que un halcón bajó del cielo y sobrevoló su cuna, con las plumas de la cola rozándole el rostro. Desde niño mostró aptitudes para las artes plásticas, principalmente el dibujo, así como la geometría, la mecánica y la música. Poseía una gran capacidad de observación lo que le valió no sólo a su obra artística sino también a otros temas que estudió como la [[Física]] (principalmente la mecánica), la música o el [[Naturalismo]] (ahora biología), un gran realismo y una naturalidad sobresaliente.

Consciente ya del talento de su hijo, su padre lo autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años, a ingresar como aprendiz en el taller de [[Andrea del Verrocchio]], en donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por [[Brunelleschi]] para coronar la [[Iglesia de Santa Maria dei Fiori]]. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de [[Antonio Pollaiuollo]], en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de [[Anatomía]] y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Leonardo da Vinci fue una de las figuras más fascinantes del [[Renacimiento]]. Además de uno de los creadores que ha dado lugar a un mayor número de mitos sobre su persona. Considerado el paradigma del [[Homo universalis]] renacentista, incursionó en campos tan variados como la [[Aerodinámica]], la [[Hidráulica]], la [[Anatomía]], la [[Botánica]], la pintura y la [[Arquitectura]], entre otros. Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito. Sus fecundas investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos, mientras que en su obra de pintor vieron en él un maestro y un sabio, que consigue elaborar y plasmar el ideal de belleza que preside la actividad artística del Alto Renacimiento.

En la Compañía de los pintores florentinos de San Jesus, Leonardo aparece mencionado por vez primera en el año [[1462]].

Leonardo montó su propio taller como escritor independiente en Florencia. El [[10 de enero]] de [[1478]] recibió el primer encargo público, un retablo para la [[Capilla de San Bernardo]] en el Palacio de la Señoría; recibió 25 florines de adelanto, pero no inició el trabajo, confiado en [[1483]] a [[Domenico Ghirlandaio]] y luego a [[Filippino Lippi]], que lo acabó en [[1485]].

Como genio multiforme -artista, arquitecto, músico, médico, ingeniero, diseñador e inventor- consiguió fusionar en su amplia obra las ciencias y las artes. Los manuscritos de Da Vinci, conservados celosamente en el museo francés Clos-Lucé, en Amboise, localidad donde murió a la edad de 67 años, son harto reveladores de su capacidad Podría añadir que muchos de sus ingenios, tanto para explorar las técnicas pictóricas como las de la hidráulica, la anatomía, la escultura o la mecánica, necesitaron más de dos siglos para ser comprendidos. Inventor de la llave de tuercas, autor del famoso cuadro Mona Lisa, padre del anemómetro, o soñador del cambio de velocidad, por apenas citar una ínfima parte de cuanto aportó a la sociedad de entonces.

== Juventud y descubrimientos técnicos ==

Era un joven agraciado y vigoroso que había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de [[San Miguel]] en el cuadro de Verrocchio [[Tobías y el ángel]], de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel, no tardaron en superar a las de su maestro: en el [[Bautismo de Cristo]], por ejemplo, donde un dinámico e inspirado ángel pintado por Leonardo contrasta con la brusquedad del [[Bautista]] hecho por [[Verrocchio]].

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los [[Países Bajos]]: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período son un [[San Jerónimo]] y el gran panel [[La adoración de los Magos]] (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la maestría en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la [[Técnica del claroscuro]].

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de [[Europa]]; sus talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente, y sus numerosas tejedurías la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los [[Médicis]] habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de [[Lorenzo el Magnífico]] más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

== Primer período milanés ==

En [[1482]] se presentó ante el poderoso [[Ludovico Sforza]], el hombre fuerte de Milán por entonces, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la [[Hidráulica]], la [[Mecánica]] (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana), la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por [[León Bautista Alberti]] y [[Piero della Francesca]], Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en una maqueta, destruida poco después durante una batalla.

== En la Medicina ==

Fue Leonardo da Vinci, en [[1508]], el primero en observar que al introducir la cabeza en un recipiente de cristal con agua se modificaba la visión. Con el paso de los años diferentes investigadores perfeccionaron esta antigua teoría hasta lo que hoy conocemos como lentes de contacto.

La figura de Leonardo da Vinci fue crucial en el desarrollo de la cultura occidental, siendo reconocido como el padre del alto Renacimiento. Sus estudios anatómicos recogidos en el "Manuscrito Anatómico A" ([[1510]]-[[1511]]) se centran en la osteología y la miología, y en sus láminas se plasman los intentos de comprender el funcionamiento humano. Además del aporte científico, las láminas resultantes de los estudios de Leonardo contienen algunos de los dibujos anatómicos más brillantes jamás creados.

A finales de [[1513]], Leonardo realizó sus investigaciones anatómicas en el Hospital del Espíritu Santo de [[Roma]], pero se vio obligado a renunciar a sus estudios cuando en [[1515]], fue acusado de prácticas sacrílegas y el Papa León X le prohibió la entrada en el Hospital, truncando así su carrera anatómica.

Leonardo proyectó, aunque nunca llegó a escribir, un tratado de Anatomía ("Il libro dell´Anatomia"). Aunque existen bosquejos y partes del mismo, la mayor parte de su trabajo anatómico se ha perdido. Da Vinci fue un genio en todos los campos que cultivó, y aunque fue uno de los más originales y perspicaces anatomistas de todas las épocas, y mientras que sus pinturas eran ampliamente conocidas, tan solo algunos amigos y colaboradores tenían algún conocimiento de la profundidad de sus investigaciones médicas. También realizó disecciones de cuerpo humano, y trazó dibujos de los huesos y músculos, los cuales se usan en las escuelas de medicina de hoy.

'''Algunos de sus múltiples inventos:'''

*Inventó el helicóptero
*El tanque de guerra
*Máquinas para horadar la tierra
*Chalecos salvavidas
*Bomba centrífuga
*Cañón que se carga por la culata
*Tornillo cónico
*Transmisión por correas
*Draga para construcciones de canales
*Cadena de eslabones
*Tornillo sin fin
*Submarino
*Compás
*Aparato para bobinar y torcer la lana
*Huso
*Lanzadera
*Paracaídas
*Tubo de lámpara
*Corredera para barco

== En La Educación ==

Aunque Leonardo no parece que se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: [[Giovanni Boltraffio]], [[Ambrogio de Predis]], [[Andrea Solari]], su inseparable [[Salai]], entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la [[Madona Litta]] o el retrato de [[Lucrezia Crivelli]].

Contratado en [[1483]] por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrima Virgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. La estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras, el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena, convierten a ambas obras en una nueva revolución estética para sus contemporáneos.

== En el Deporte ==

También Da Vinci estableció singular analogía con determinados útiles o implementos deportivos del presente. En el año [[1486]] se sintió atraído por el vuelo de los pájaros y el resultado de los estudios lo llevaron a esbozar los principios de la aeronáutica. Más tarde, entre [[1510]] y [[1515]] diseñó el planeador, cuyas ilustraciones constituyeron la primera descripción del vuelo controlado, similar al desarrollo posterior de la aviación por medio de las espectaculares alas delta.

Algunos historiadores insisten en calificar a este profeta de la era industrial como un hombre que tenía un concepto sombrío del futuro, pues la mayor parte de sus descubrimientos perseguían fines guerreros. Sin embargo, cuando leemos: "subyugar el aire y elevarse por encima de él, con grandes alas logrará (el hombre) vencer su resistencia", comprendemos que el paracaídas y la máquina voladora fueron concebidos con otras miras.

En uno de los salones del citado museo Clos-Lucé cuelga del techo el bisabuelo de todos los paracaídas, hecho de madera y tela, con forma de cono. Si lo comparamos con los modernos, observaremos que al diseño del genio se añadieron la abertura superior y las cuerdas encargadas de dirigir la trayectoria. Ese boceto del paracaídas piramidal, inspirado en la tienda de campaña, aparece esbozado en el códice Atlanticus y fue realizado en [[1845]], donde al margen del dibujo el autor apuntó: "Por poco que tenga una tienda de tela, en la que todas las aberturas hayan sido tapadas, y que ésta tenga 12 brazas de diagonal (aproximadamente seis metros) por 12 de alto, podrá lanzarse desde no importa qué altura sin temor a ninguna herida". La aplicación de algunas invenciones en la superficie o en las profundidades marinas permite asegurar que, además, perfeccionó equipos de inmersión capaces de alcanzar sorprendente modernismo.

Lo último queda integrado por una cúpula flotante con varios orificios y otros tubos reforzados, que conducen a un sistema de válvulas que posibilitan la inspiración y la expiración. Tal equipo lo complementa el traje de inmersión, con botas y un pantalón en el cual existían precisiones para las necesidades naturales, destacados en el propio códice Atlanticus. En idéntica medida encontramos el esbozo del salvavidas, utilizado por un individuo que adopta la posición del estilo de natación crawl (libre). La caricatura de un joven en traje renacentista sobre un implemento de dos ruedas, trazadas con un compás, y las llantas de ocho radios que aparecen coloreadas, ofrecen la sorprendente revelación de la bicicleta Una extraña forma de T, unidora de la rueda delantera por dos tallos arqueados, es el principal elemento que permite interpretar el funcionamiento del artefacto desde un tercer punto de apoyo en el centro del chasis. Ahí se encuentra otra rueda provista de gruesos dientes de madera, cúbicos y sin puntas, con dos pedales unidos mediante una cadena a otra rueda de menor tamaño.

Aunque la paternidad de la pelota, pateada hace años por los futbolistas, es atribuida a los chinos en la antigüedad, entre los dibujos de Leonardo da Vinci, pertenecientes a [[1509]] e ilustradores de la obra De divina proportione (Luca Pacioli), figuran numerosos poliedros regulares e irregulares. En dicho esquema, formado por 12 pentágonos y 20 exágonos, es destacable la coincidencia con el actual diseño del balón, y quién pone en dudas la hipótesis de que Da Vinci conoció en su natal Florencia los partidos del calcio en la Plaza Della Signaria.

La gran dificultad para asegurar la totalidad de las invenciones planteadas radica en la publicación de sus cuadernos en los años finales del [[Siglo XIX|siglo XIX]], momento cuando muchos científicos reinventaron lo antes creado por él.

== Diseños mecánicos ==

En Leonardo se funden, como en ninguna otra personalidad histórica, la actividad artística y la actividad científica, y es en él donde, de un modo cierto, ambas actividades entran en contradicción, unas veces alimentándose y otras contraponiéndose. Pero, para Leonardo da Vinci, la belleza no se aparta de su concepción científica de la naturaleza, ya que, como ella, tiene que ser visible y experimentable. Leonardo, formado en contacto con el núcleo florentino [[Neoplatónico]], no abandona la idea de que la belleza es algo inmaterial, aunque ésta no se va a manifestar, como lo hacía en [[Botticelli]], a través de metáforas y apologías, sino mediante una imagen visual directa, búsqueda que ocupa toda la actividad pictórica del artista.

El [[Sfumato]], recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.

El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica del sfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal.

== [[Image:Ermine compress.jpg|thumb|right|219x296px|La Dama del Armiño]]Pintura y ciencia ==

Cuando se considera a Leonardo con relación a la variedad y complejidad de sus actividades artísticas y científicas, los rasgos que lo definen son su categórico rechazo al principio de autoridad y la afirmación de la experiencia como valor exclusivo. En su actividad como pintor éste será igualmente su rasgo definitorio. Aprendidos los dos principios básicos de la pintura florentina del [[Quattrocento]], el sistema de representación tridimensional y la valoración de la [[Antigüedad clásica]] como maestra, se opondrá a ellos, superándolos y planteando un nuevo sistema de representación; a la construcción geométrica del espacio y la perspectiva lineal conseguida por los quattrocentistas, opone la perspectiva aérea, cuya base se encuentra en sus continuas investigaciones sobre el fenómeno de la luz. Ante la lección de la Antigüedad clásica, reacciona mediante un conocimiento racional, vasto y experimentado, de los fenómenos de la naturaleza.

== Grandes Obras de Da Vinci ==

"El hombre de Vitruvio, canon del cuerpo humano" [[Image:300px-Da Vinci Vitruve Luc Viatour.jpg|thumb|left|300x250px|Ilustración hecha por Leonardo]] La cuadratura del círculo alcanzada por Leonardo da Vinci [[El Hombre de Vitruvio]] es el dibujo realizado por Leonardo da Vinci alrededor del año 1492 en uno de sus diarios y que se acompaña de notas anatómicas. El dibujo está realizado en lápiz y tinta y mide 34,2 x 24,5 cm.

En la actualidad forma parte de la colección de la Galería de la Academia de Venecia. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados -Vitruvii De Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre. Leonardo se representa a sí mismo desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático [[Luca Pacioli]], fraile franciscano que en [[1494]] publicó su tratado de la [[Divina proportione]], ilustrada por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no éste para ilustrar a aquél, por lo que Da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica. [[Image:180px-1 euro Italy.jpg|thumb|right|145x183px|Moneda de euro de Italia año 2002]] Las notas de Leonardo da Vinci que acompañan el dibujo determinan las proporciones del cuerpo humano de acuerdo con el texto antiguo de Vitruvio:

*Una palma es la anchura de cuatro dedos.
*Un pie es la anchura de cuatro palmas.
*Un antebrazo es la anchura de seis palmas.
*La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas).
*Un paso es igual a cuatro antebrazos.
*La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura.
*La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre.
*La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre.
*La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre.
*La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.
*La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre.
*La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.
*La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre.
*La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre.
*La distancia de la barbilla a la nariz es un tercio de la longitud de la cara. -La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.
*La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de [[1490]] comenzaron a perfilarse como una serie de tratados (inconclusos, que fueron recopilados luego en el [[Codex Atlanticus]], así llamado por su gran tamaño). Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica, [[Aerodinámica]], fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

A este mismo período pertenecen el retrato de [[Ginevra de Benci]] ([[1475]]-[[1478]]), con su innovadora relación de proximidad y distancia y la belleza expresiva de La belle Ferronière. Pero hacia [[1498]] Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del Convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: [[La última cena]]. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Cristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.<br>

=== Otros Aportes y descubrimientos ===

Hace 500 años, Leonardo Da Vinci resolvió un antiguo enigma astronómico: el misterio del brillo de la Tierra. Cuando se piensa en Leonardo Da Vinci, probablemente se piense en la Mona Lisa o los submarinos del siglo XVI o, quizá, en una cierta novela de suspenso. Todo eso es de la vieja escuela. Desde ahora, piense en la Luna.

Poco conocido para la mayoría, uno de los mejores trabajos de Leonardo no es un cuadro o un invento, sino algo más relacionado con la astronomía; Da Vinci resolvió el enigma del brillo de la Tierra.

Se puede observar el brillo de la Tierra cuando hay luna creciente en el horizonte al ponerse el Sol. Durante miles de años los humanos se han maravillado de la belleza de este resplandor ceniciento, o la luna vieja en los brazos de la luna nueva. Pero ¿qué era? Nadie lo sabía hasta el [[Siglo XVI|siglo XVI]] cuando Leonardo resolvió el misterio.

En [[2005]], después del Apolo, la respuesta puede parecer obvia. Cuando el Sol se pone en la Luna, ésta se oscurece —pero no completamente. Hay todavía una fuente de luz en el cielo: la Tierra. El Palneta Tierra ilumina la noche lunar con un brillo 50 veces mayor que una luna llena, produciendo el resplandor ceniciento.

Visualizar esto en los años [[1500]] requería una imaginación desbordante. Nadie había estado nunca en la Luna y mirado hacia la Tierra. La mayoría de la gente ni siquiera sabía que en la Tierra orbitaba el Sol. La teoría heliocéntrica de [[Copérnico|Copérnico]] no fue publicada hasta [[1543]], veinticuatro años después de la muerte de Leonardo.

Imaginación desbordante era una cosa que Leonardo tenía en abundancia. Sus cuadernos de notas están llenos de bocetos de máquinas voladoras, tanques militares, escafandras autónomas y otros dispositivos fantásticos adelantados en siglos a su tiempo. Incluso diseñó un robot: un caballero armado que podía sentarse, agitar sus brazos, y mover su cabeza mientras abría y cerraba una mandíbula anatómica mente correcta.

Para Leonardo, el brillo de la Tierra era un enigma atractivo. Como artista, estaba vivamente interesado en la luz y la sombra. Como matemático e ingeniero, era aficionado a la geometría. Todo lo que restaba era un viaje a la Luna.

== Fuente ==

*[http://www.arqweb.com/vitrum/hombre.asp Arqweb]
*[http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo Biografías y Vidas]
*[http://edicionesanteriores.trabajadores.cu/2007/abril/22/deportes/davinci.htm Diario Trabajdores]
</div>
[[Category:Artes_Plásticas]] [[Category:Ingenierías_y_Tecnologías]]

Leonardo da Vinci

2010-08-01T04:16:43Z

Ruben sr: /* Pintura y ciencia */

{{Personaje_artístico|nombre=Leonardo di Ser Piero da Vinci|seudonimo=Leonardo da Vinci|imagen=Leonardo_Da_Vinci.jpg|descripcion=Considerado el paradigma del homo universalis renacentista. Incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura y la arquitectura, entre otros. Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito.|fecha_de_nacimiento=[[15 de abril]] de [[1452]]|lugar_de_nacimiento=Anchiano, Ciudad de Vinci, [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[2 de mayo]] de [[1519]] |lugar_de_fallecimiento=[[Castillo de Clos-Lucé]], [[Francia]]|area=Arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico e ingeniero|obras_destacadas=[[La última Cena]], [[La Gioconda]], Hombre de Vitruvio, Tratado sobre la pintura., etc}}
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'''Leonardo di Ser Piero da Vinci'''. El hombre del [[Renacimiento]] por excelencia. Humanista de primera línea. Considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia.

== Biografía ==

Nació el [[15 de abril|15 de abril]] de [[1452]] en [[Anchiano]], una aldea cerca de la [[Ciudad de Vinci]] en el valle del Arno, dentro de los territorios de [[Florencia]], Italia. Aunque para otros nació en Vinci, de ahí su apellido, antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en [[Europa]], por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre Ser Piero y la localidad de nacimiento siendo entonces Leonardo di Ser Piero da Vinci. Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo, yo Leonardo, es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo. Era hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino.

=== Escenario de su niñez ===

Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como [[Venecia]] y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El [[Imperio romano]] de [[Oriente]] cayó en [[1453]] ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el [[Sacro Imperio Romano Germánico]]; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

Su padre se casó cuatro veces y tuvo once hijos, con los que Leonardo acabó teniendo pleitos por la herencia paterna con sus dos últimos matrimonios, por lo que Leonardo se crió como hijo único.

=== Inicios ===

Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. [[Giorgio Vasari]], su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de [[Medusa]] con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.

Poco se sabe de sus primeros años, que han sido tema de conjeturas históricas por Vasari y otros. Leonardo más tarde sólo hablaría de dos incidentes de su infancia. Uno de ellos, que él consideraba como una profecía, fue que un halcón bajó del cielo y sobrevoló su cuna, con las plumas de la cola rozándole el rostro. Desde niño mostró aptitudes para las artes plásticas, principalmente el dibujo, así como la geometría, la mecánica y la música. Poseía una gran capacidad de observación lo que le valió no sólo a su obra artística sino también a otros temas que estudió como la [[Física]] (principalmente la mecánica), la música o el [[Naturalismo]] (ahora biología), un gran realismo y una naturalidad sobresaliente.

Consciente ya del talento de su hijo, su padre lo autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años, a ingresar como aprendiz en el taller de [[Andrea del Verrocchio]], en donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por [[Brunelleschi]] para coronar la [[Iglesia de Santa Maria dei Fiori]]. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de [[Antonio Pollaiuollo]], en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de [[Anatomía]] y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Leonardo da Vinci fue una de las figuras más fascinantes del [[Renacimiento]]. Además de uno de los creadores que ha dado lugar a un mayor número de mitos sobre su persona. Considerado el paradigma del [[Homo universalis]] renacentista, incursionó en campos tan variados como la [[Aerodinámica]], la [[Hidráulica]], la [[Anatomía]], la [[Botánica]], la pintura y la [[Arquitectura]], entre otros. Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito. Sus fecundas investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos, mientras que en su obra de pintor vieron en él un maestro y un sabio, que consigue elaborar y plasmar el ideal de belleza que preside la actividad artística del Alto Renacimiento.

En la Compañía de los pintores florentinos de San Jesus, Leonardo aparece mencionado por vez primera en el año [[1462]].

Leonardo montó su propio taller como escritor independiente en Florencia. El [[10 de enero]] de [[1478]] recibió el primer encargo público, un retablo para la [[Capilla de San Bernardo]] en el Palacio de la Señoría; recibió 25 florines de adelanto, pero no inició el trabajo, confiado en [[1483]] a [[Domenico Ghirlandaio]] y luego a [[Filippino Lippi]], que lo acabó en [[1485]].

Como genio multiforme -artista, arquitecto, músico, médico, ingeniero, diseñador e inventor- consiguió fusionar en su amplia obra las ciencias y las artes. Los manuscritos de Da Vinci, conservados celosamente en el museo francés Clos-Lucé, en Amboise, localidad donde murió a la edad de 67 años, son harto reveladores de su capacidad Podría añadir que muchos de sus ingenios, tanto para explorar las técnicas pictóricas como las de la hidráulica, la anatomía, la escultura o la mecánica, necesitaron más de dos siglos para ser comprendidos. Inventor de la llave de tuercas, autor del famoso cuadro Mona Lisa, padre del anemómetro, o soñador del cambio de velocidad, por apenas citar una ínfima parte de cuanto aportó a la sociedad de entonces.

== Juventud y descubrimientos técnicos ==

Era un joven agraciado y vigoroso que había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de [[San Miguel]] en el cuadro de Verrocchio [[Tobías y el ángel]], de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana maestría de su pincel, no tardaron en superar a las de su maestro: en el [[Bautismo de Cristo]], por ejemplo, donde un dinámico e inspirado ángel pintado por Leonardo contrasta con la brusquedad del [[Bautista]] hecho por [[Verrocchio]].

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los [[Países Bajos]]: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otras obras de su maestro, sus grandes obras de este período son un [[San Jerónimo]] y el gran panel [[La adoración de los Magos]] (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la maestría en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la [[Técnica del claroscuro]].

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de [[Europa]]; sus talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente, y sus numerosas tejedurías la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los [[Médicis]] habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de [[Lorenzo el Magnífico]] más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

== Primer período milanés ==

En [[1482]] se presentó ante el poderoso [[Ludovico Sforza]], el hombre fuerte de Milán por entonces, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la [[Hidráulica]], la [[Mecánica]] (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana), la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por [[León Bautista Alberti]] y [[Piero della Francesca]], Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en una maqueta, destruida poco después durante una batalla.

== En la Medicina ==

Fue Leonardo da Vinci, en [[1508]], el primero en observar que al introducir la cabeza en un recipiente de cristal con agua se modificaba la visión. Con el paso de los años diferentes investigadores perfeccionaron esta antigua teoría hasta lo que hoy conocemos como lentes de contacto.

La figura de Leonardo da Vinci fue crucial en el desarrollo de la cultura occidental, siendo reconocido como el padre del alto Renacimiento. Sus estudios anatómicos recogidos en el "Manuscrito Anatómico A" ([[1510]]-[[1511]]) se centran en la osteología y la miología, y en sus láminas se plasman los intentos de comprender el funcionamiento humano. Además del aporte científico, las láminas resultantes de los estudios de Leonardo contienen algunos de los dibujos anatómicos más brillantes jamás creados.

A finales de [[1513]], Leonardo realizó sus investigaciones anatómicas en el Hospital del Espíritu Santo de [[Roma]], pero se vio obligado a renunciar a sus estudios cuando en [[1515]], fue acusado de prácticas sacrílegas y el Papa León X le prohibió la entrada en el Hospital, truncando así su carrera anatómica.

Leonardo proyectó, aunque nunca llegó a escribir, un tratado de Anatomía ("Il libro dell´Anatomia"). Aunque existen bosquejos y partes del mismo, la mayor parte de su trabajo anatómico se ha perdido. Da Vinci fue un genio en todos los campos que cultivó, y aunque fue uno de los más originales y perspicaces anatomistas de todas las épocas, y mientras que sus pinturas eran ampliamente conocidas, tan solo algunos amigos y colaboradores tenían algún conocimiento de la profundidad de sus investigaciones médicas. También realizó disecciones de cuerpo humano, y trazó dibujos de los huesos y músculos, los cuales se usan en las escuelas de medicina de hoy.

'''Algunos de sus múltiples inventos:'''

*Inventó el helicóptero
*El tanque de guerra
*Máquinas para horadar la tierra
*Chalecos salvavidas
*Bomba centrífuga
*Cañón que se carga por la culata
*Tornillo cónico
*Transmisión por correas
*Draga para construcciones de canales
*Cadena de eslabones
*Tornillo sin fin
*Submarino
*Compás
*Aparato para bobinar y torcer la lana
*Huso
*Lanzadera
*Paracaídas
*Tubo de lámpara
*Corredera para barco

== En La Educación ==

Aunque Leonardo no parece que se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: [[Giovanni Boltraffio]], [[Ambrogio de Predis]], [[Andrea Solari]], su inseparable [[Salai]], entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la [[Madona Litta]] o el retrato de [[Lucrezia Crivelli]].

Contratado en [[1483]] por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrima Virgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. La estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras, el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena, convierten a ambas obras en una nueva revolución estética para sus contemporáneos.

== En el Deporte ==

También Da Vinci estableció singular analogía con determinados útiles o implementos deportivos del presente. En el año [[1486]] se sintió atraído por el vuelo de los pájaros y el resultado de los estudios lo llevaron a esbozar los principios de la aeronáutica. Más tarde, entre [[1510]] y [[1515]] diseñó el planeador, cuyas ilustraciones constituyeron la primera descripción del vuelo controlado, similar al desarrollo posterior de la aviación por medio de las espectaculares alas delta.

Algunos historiadores insisten en calificar a este profeta de la era industrial como un hombre que tenía un concepto sombrío del futuro, pues la mayor parte de sus descubrimientos perseguían fines guerreros. Sin embargo, cuando leemos: "subyugar el aire y elevarse por encima de él, con grandes alas logrará (el hombre) vencer su resistencia", comprendemos que el paracaídas y la máquina voladora fueron concebidos con otras miras.

En uno de los salones del citado museo Clos-Lucé cuelga del techo el bisabuelo de todos los paracaídas, hecho de madera y tela, con forma de cono. Si lo comparamos con los modernos, observaremos que al diseño del genio se añadieron la abertura superior y las cuerdas encargadas de dirigir la trayectoria. Ese boceto del paracaídas piramidal, inspirado en la tienda de campaña, aparece esbozado en el códice Atlanticus y fue realizado en [[1845]], donde al margen del dibujo el autor apuntó: "Por poco que tenga una tienda de tela, en la que todas las aberturas hayan sido tapadas, y que ésta tenga 12 brazas de diagonal (aproximadamente seis metros) por 12 de alto, podrá lanzarse desde no importa qué altura sin temor a ninguna herida". La aplicación de algunas invenciones en la superficie o en las profundidades marinas permite asegurar que, además, perfeccionó equipos de inmersión capaces de alcanzar sorprendente modernismo.

Lo último queda integrado por una cúpula flotante con varios orificios y otros tubos reforzados, que conducen a un sistema de válvulas que posibilitan la inspiración y la expiración. Tal equipo lo complementa el traje de inmersión, con botas y un pantalón en el cual existían precisiones para las necesidades naturales, destacados en el propio códice Atlanticus. En idéntica medida encontramos el esbozo del salvavidas, utilizado por un individuo que adopta la posición del estilo de natación crawl (libre). La caricatura de un joven en traje renacentista sobre un implemento de dos ruedas, trazadas con un compás, y las llantas de ocho radios que aparecen coloreadas, ofrecen la sorprendente revelación de la bicicleta Una extraña forma de T, unidora de la rueda delantera por dos tallos arqueados, es el principal elemento que permite interpretar el funcionamiento del artefacto desde un tercer punto de apoyo en el centro del chasis. Ahí se encuentra otra rueda provista de gruesos dientes de madera, cúbicos y sin puntas, con dos pedales unidos mediante una cadena a otra rueda de menor tamaño.

Aunque la paternidad de la pelota, pateada hace años por los futbolistas, es atribuida a los chinos en la antigüedad, entre los dibujos de Leonardo da Vinci, pertenecientes a [[1509]] e ilustradores de la obra De divina proportione (Luca Pacioli), figuran numerosos poliedros regulares e irregulares. En dicho esquema, formado por 12 pentágonos y 20 exágonos, es destacable la coincidencia con el actual diseño del balón, y quién pone en dudas la hipótesis de que Da Vinci conoció en su natal Florencia los partidos del calcio en la Plaza Della Signaria.

La gran dificultad para asegurar la totalidad de las invenciones planteadas radica en la publicación de sus cuadernos en los años finales del [[Siglo XIX|siglo XIX]], momento cuando muchos científicos reinventaron lo antes creado por él.

== Diseños mecánicos ==

En Leonardo se funden, como en ninguna otra personalidad histórica, la actividad artística y la actividad científica, y es en él donde, de un modo cierto, ambas actividades entran en contradicción, unas veces alimentándose y otras contraponiéndose. Pero, para Leonardo da Vinci, la belleza no se aparta de su concepción científica de la naturaleza, ya que, como ella, tiene que ser visible y experimentable. Leonardo, formado en contacto con el núcleo florentino [[Neoplatónico]], no abandona la idea de que la belleza es algo inmaterial, aunque ésta no se va a manifestar, como lo hacía en [[Botticelli]], a través de metáforas y apologías, sino mediante una imagen visual directa, búsqueda que ocupa toda la actividad pictórica del artista.

El [[Sfumato]], recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.

El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica del sfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal.

== [[Image:Ermine compress.jpg|thumb|right|180x244px|La Dama del Armiño]]Pintura y ciencia ==

Cuando se considera a Leonardo con relación a la variedad y complejidad de sus actividades artísticas y científicas, los rasgos que lo definen son su categórico rechazo al principio de autoridad y la afirmación de la experiencia como valor exclusivo. En su actividad como pintor éste será igualmente su rasgo definitorio. Aprendidos los dos principios básicos de la pintura florentina del [[Quattrocento]], el sistema de representación tridimensional y la valoración de la [[Antigüedad clásica]] como maestra, se opondrá a ellos, superándolos y planteando un nuevo sistema de representación; a la construcción geométrica del espacio y la perspectiva lineal conseguida por los quattrocentistas, opone la perspectiva aérea, cuya base se encuentra en sus continuas investigaciones sobre el fenómeno de la luz. Ante la lección de la Antigüedad clásica, reacciona mediante un conocimiento racional, vasto y experimentado, de los fenómenos de la naturaleza.

== Grandes Obras de Da Vinci ==

"El hombre de Vitruvio, canon del cuerpo humano" [[Image:300px-Da Vinci Vitruve Luc Viatour.jpg|thumb|left|300x250px|Ilustración hecha por Leonardo]] La cuadratura del círculo alcanzada por Leonardo da Vinci [[El Hombre de Vitruvio]] es el dibujo realizado por Leonardo da Vinci alrededor del año 1492 en uno de sus diarios y que se acompaña de notas anatómicas. El dibujo está realizado en lápiz y tinta y mide 34,2 x 24,5 cm.

En la actualidad forma parte de la colección de la Galería de la Academia de Venecia. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados -Vitruvii De Architectura-, y del que el dibujo toma su nombre. Leonardo se representa a sí mismo desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático [[Luca Pacioli]], fraile franciscano que en [[1494]] publicó su tratado de la [[Divina proportione]], ilustrada por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no éste para ilustrar a aquél, por lo que Da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica. [[Image:180px-1 euro Italy.jpg|thumb|right|145x183px|Moneda de euro de Italia año 2002]] Las notas de Leonardo da Vinci que acompañan el dibujo determinan las proporciones del cuerpo humano de acuerdo con el texto antiguo de Vitruvio:

*Una palma es la anchura de cuatro dedos.
*Un pie es la anchura de cuatro palmas.
*Un antebrazo es la anchura de seis palmas.
*La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas).
*Un paso es igual a cuatro antebrazos.
*La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura.
*La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre.
*La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre.
*La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre.
*La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.
*La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre.
*La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.
*La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre.
*La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre.
*La distancia de la barbilla a la nariz es un tercio de la longitud de la cara. -La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.
*La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de [[1490]] comenzaron a perfilarse como una serie de tratados (inconclusos, que fueron recopilados luego en el [[Codex Atlanticus]], así llamado por su gran tamaño). Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica, [[Aerodinámica]], fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

A este mismo período pertenecen el retrato de [[Ginevra de Benci]] ([[1475]]-[[1478]]), con su innovadora relación de proximidad y distancia y la belleza expresiva de La belle Ferronière. Pero hacia [[1498]] Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del Convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: [[La última cena]]. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Cristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.<br>

=== Otros Aportes y descubrimientos ===

Hace 500 años, Leonardo Da Vinci resolvió un antiguo enigma astronómico: el misterio del brillo de la Tierra. Cuando se piensa en Leonardo Da Vinci, probablemente se piense en la Mona Lisa o los submarinos del siglo XVI o, quizá, en una cierta novela de suspenso. Todo eso es de la vieja escuela. Desde ahora, piense en la Luna.

Poco conocido para la mayoría, uno de los mejores trabajos de Leonardo no es un cuadro o un invento, sino algo más relacionado con la astronomía; Da Vinci resolvió el enigma del brillo de la Tierra.

Se puede observar el brillo de la Tierra cuando hay luna creciente en el horizonte al ponerse el Sol. Durante miles de años los humanos se han maravillado de la belleza de este resplandor ceniciento, o la luna vieja en los brazos de la luna nueva. Pero ¿qué era? Nadie lo sabía hasta el [[Siglo XVI|siglo XVI]] cuando Leonardo resolvió el misterio.

En [[2005]], después del Apolo, la respuesta puede parecer obvia. Cuando el Sol se pone en la Luna, ésta se oscurece —pero no completamente. Hay todavía una fuente de luz en el cielo: la Tierra. El Palneta Tierra ilumina la noche lunar con un brillo 50 veces mayor que una luna llena, produciendo el resplandor ceniciento.

Visualizar esto en los años [[1500]] requería una imaginación desbordante. Nadie había estado nunca en la Luna y mirado hacia la Tierra. La mayoría de la gente ni siquiera sabía que en la Tierra orbitaba el Sol. La teoría heliocéntrica de [[Copérnico|Copérnico]] no fue publicada hasta [[1543]], veinticuatro años después de la muerte de Leonardo.

Imaginación desbordante era una cosa que Leonardo tenía en abundancia. Sus cuadernos de notas están llenos de bocetos de máquinas voladoras, tanques militares, escafandras autónomas y otros dispositivos fantásticos adelantados en siglos a su tiempo. Incluso diseñó un robot: un caballero armado que podía sentarse, agitar sus brazos, y mover su cabeza mientras abría y cerraba una mandíbula anatómica mente correcta.

Para Leonardo, el brillo de la Tierra era un enigma atractivo. Como artista, estaba vivamente interesado en la luz y la sombra. Como matemático e ingeniero, era aficionado a la geometría. Todo lo que restaba era un viaje a la Luna.

== Fuente ==

*[http://www.arqweb.com/vitrum/hombre.asp Arqweb]
*[http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo Biografías y Vidas]
*[http://edicionesanteriores.trabajadores.cu/2007/abril/22/deportes/davinci.htm Diario Trabajdores]
</div>
[[Category:Artes_Plásticas]] [[Category:Ingenierías_y_Tecnologías]]

Archivo:Ermine compress.jpg

2010-08-01T04:11:53Z

Ruben sr: La Dama del Armiño

== Sumario ==
La Dama del Armiño
== Estado de copyright: ==
Libre
== Fuente: ==
Libro de Arte

Miguel Ángel

2010-08-01T03:52:31Z

Ruben sr:

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=Miguel_angel.JPG|descripcion=Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia.|fecha_de_nacimiento=[[6 de marzo]] de [[1475]]|lugar_de_nacimiento=[[Caprese]], [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[18 de febrero]] de [[1564]] |lugar_de_fallecimiento=[[Roma]], Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}'''Miguel Ángel'''. Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

== Biografía ==

Nació en [[1475]], en Caprese, unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en [[1481]], cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos.

La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

== Aprendizaje ==

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de [[1488]], con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el magnífico, que lo acogió en su palacio de la “Vía Longa”, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.

== Recorrido artístico ==

Tras la muerte de Lorenzo el magnífico, en [[1492]], Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por [[Venecia]], instalándose después en [[Bolonia]]. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año [[1496]] decidió partir hacia [[Roma]], ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la “Piedad del Vaticano”, después del Bacus del Bargello ([[1496]]), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.

En marzo de [[1505]], Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios.

Desgraciadamente, al regresar a [[Roma]], el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de [[1506]], después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.

En mayo de [[1508]] aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la “Capilla Sextina”, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del renacimiento.

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad.

El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en [[1543]], Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de “Santa María in Aracoeli” de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.

En un viaje realizado a Roma en [[1532]], conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».

Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.

Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la [[Italia]] renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]]
En [[Roma]], en el año [[1536]] y en el convento de [[San Silvestro a Montecavallo]], el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.

Vittoria murió en el año [[1547]], hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte.

== Legado artístico ==

Entre los años [[1490]] y [[1492]] hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.

Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los [[Siglos XIV]] y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de la batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de “Las Metamorfosis de Ovidio” y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia [[1490]]) es también un relieve con tema mariano, “La virgen de la escalera”, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.

Después de la muerte en [[1492]] de Lorenzo el magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un [[Hércules]] de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el [[Siglo XIII]], uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en [[1713]]. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.

A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año [[1962]], en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.

El año [[1505]] fue llamado a Roma por el Papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de “San Pedro del Vaticano”. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.

El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina. [[Image:CreationMiguelAngel.jpg|thumb|right|192x118px|Fragmento de la [[Capilla Sixtina]]]]

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba diseñada por Miguel Ángel]]El [[17 de abril]] de [[1506]] Miguel Ángel, contrariado, abandonó [[Roma]] y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de [[1508]], y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de [[1511]] por rebeldes boloñeses.

El papa Clemente VII, hacia el año [[1520]], le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de “San Lorenzo de Florencia”. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una virgen con niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.

Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta [[1524]], cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singulares esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta.

En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]]Entre marzo y abril de [[1508]], el artista recibió de Julio II]el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del renacimiento.

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el juicio final, o juicio universal, iniciado en [[1536]] y finalizado en [[1541]].[[Image:Jucio final.jpg|thumb|el juicio final o el juicio universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el apocalipsis de San Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su hijo [76]. A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La divina comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la pasión de cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.

A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En [[1559]], se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia ().]] Terminado el juicio final, el papa Pablo III le encargó para la capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde [[1542]] a [[1550]]: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año [[1544]], una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta [[1546]], así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en [[1546]] y más tarde el de Vittoria Colonna en [[1549]].

Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al juicio final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.

Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.

En [[1540]] Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en [[1420]], durante la visita en [[1515]] del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo.

Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de [[Italia]], ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el [[19 de enero]] de [[1518]].

Hacia el año [[1517]], efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la “Vía Longa” y la “Vía de'Gori”, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.

Empezada por encargo de León X en [[1520]], fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la sacristía nueva en [[1523]], situada en la basílica de “San Lorenzo” de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.

En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales [89]. Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla.

== Dibujos ==

Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del tributo y la consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el magnífico, hacia el año [[1490]].

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de [[Londres]], los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de [[Nueva York]], diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección.

Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja:

* Estudio: Santa Ana, h. [[1505]], Museo del Louvre, [[París]].
*Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. [[1533]], Museo Ashmolean, Oxford.
* Dos hombres desnudos combatiendo, h. [[1545]]-50, Museo del Louvre, París.
*Crucifixión, h. [[1550]]-55, Museo del Louvre, París.
* Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres.
* Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. [[1555]], [[Museo Ashmolean]], Oxford.
*Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París.
* Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en [[1931]] gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en [[2004]].

== Valoración ==

La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año [[1557]], tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del concilio de trento. Desde la mitad del [[siglo XVIII]], fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.

El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevó a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.

== Fuentes ==

*[http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm Biografía y galería de obras del artista del Renacimiento]
*[http://www.michelangelo.com/buonarroti.html Michelangelo Buonarroti]

[[Category:Artes_Plásticas]]

Miguel Ángel

2010-08-01T03:50:58Z

Ruben sr: /* Legado artístico */

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=Miguel_angel.JPG|descripcion=Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia.|fecha_de_nacimiento=[[6 de marzo]] de [[1475]]|lugar_de_nacimiento=[[Caprese]], [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[18 de febrero]] de [[1564]] |lugar_de_fallecimiento=[[Roma]], Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}'''Miguel Ángel'''. Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

== Biografía ==

Nació en [[1475]], en Caprese, unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en [[1481]], cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos.

La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

== Aprendizaje ==

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de [[1488]], con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el magnífico, que lo acogió en su palacio de la “Vía Longa”, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.

== Recorrido artístico ==

Tras la muerte de Lorenzo el magnífico, en [[1492]], Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por [[Venecia]], instalándose después en [[Bolonia]]. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año [[1496]] decidió partir hacia [[Roma]], ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la “Piedad del Vaticano”, después del Bacus del Bargello ([[1496]]), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.

En marzo de [[1505]], Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios.

Desgraciadamente, al regresar a [[Roma]], el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de [[1506]], después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.

En mayo de [[1508]] aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la “Capilla Sextina”, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del renacimiento.

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad.

El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en [[1543]], Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de “Santa María in Aracoeli” de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.

En un viaje realizado a Roma en [[1532]], conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».

Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.

Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la [[Italia]] renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]]
En [[Roma]], en el año [[1536]] y en el convento de [[San Silvestro a Montecavallo]], el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.

Vittoria murió en el año [[1547]], hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte.

== Legado artístico ==

Entre los años [[1490]] y [[1492]] hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.

Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los [[Siglos XIV]] y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de la batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de “Las Metamorfosis de Ovidio” y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia [[1490]]) es también un relieve con tema mariano, “La virgen de la escalera”, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.

Después de la muerte en [[1492]] de Lorenzo el magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un [[Hércules]] de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el [[Siglo XIII]], uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en [[1713]]. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.

A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año [[1962]], en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.

El año [[1505]] fue llamado a Roma por el Papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de “San Pedro del Vaticano”. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.

El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina. [[Image:CreationMiguelAngel.jpg|thumb|right|192x118px|Fragmento de la ]]

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba diseñada por Miguel Ángel]]El [[17 de abril]] de [[1506]] Miguel Ángel, contrariado, abandonó [[Roma]] y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de [[1508]], y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de [[1511]] por rebeldes boloñeses.

El papa Clemente VII, hacia el año [[1520]], le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de “San Lorenzo de Florencia”. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una virgen con niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.

Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta [[1524]], cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singulares esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta.

En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]]Entre marzo y abril de [[1508]], el artista recibió de Julio II]el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del renacimiento.

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el juicio final, o juicio universal, iniciado en [[1536]] y finalizado en [[1541]].[[Image:Jucio final.jpg|thumb|el juicio final o el juicio universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el apocalipsis de San Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su hijo [76]. A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La divina comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la pasión de cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.

A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En [[1559]], se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia ().]] Terminado el juicio final, el papa Pablo III le encargó para la capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde [[1542]] a [[1550]]: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año [[1544]], una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta [[1546]], así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en [[1546]] y más tarde el de Vittoria Colonna en [[1549]].

Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al juicio final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.

Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.

En [[1540]] Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en [[1420]], durante la visita en [[1515]] del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo.

Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de [[Italia]], ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el [[19 de enero]] de [[1518]].

Hacia el año [[1517]], efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la “Vía Longa” y la “Vía de'Gori”, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.

Empezada por encargo de León X en [[1520]], fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la sacristía nueva en [[1523]], situada en la basílica de “San Lorenzo” de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.

En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales [89]. Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla.

== Dibujos ==

Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del tributo y la consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el magnífico, hacia el año [[1490]].

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de [[Londres]], los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de [[Nueva York]], diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección.

Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja:

* Estudio: Santa Ana, h. [[1505]], Museo del Louvre, [[París]].
*Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. [[1533]], Museo Ashmolean, Oxford.
* Dos hombres desnudos combatiendo, h. [[1545]]-50, Museo del Louvre, París.
*Crucifixión, h. [[1550]]-55, Museo del Louvre, París.
* Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres.
* Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. [[1555]], [[Museo Ashmolean]], Oxford.
*Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París.
* Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en [[1931]] gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en [[2004]].

== Valoración ==

La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año [[1557]], tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del concilio de trento. Desde la mitad del [[siglo XVIII]], fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.

El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevó a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.

== Fuentes ==

*[http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm Biografía y galería de obras del artista del Renacimiento]
*[http://www.michelangelo.com/buonarroti.html Michelangelo Buonarroti]

[[Category:Artes_Plásticas]]

Miguel Ángel

2010-08-01T03:46:39Z

Ruben sr: /* Legado artístico */

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=Miguel_angel.JPG|descripcion=Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia.|fecha_de_nacimiento=[[6 de marzo]] de [[1475]]|lugar_de_nacimiento=[[Caprese]], [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[18 de febrero]] de [[1564]] |lugar_de_fallecimiento=[[Roma]], Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}'''Miguel Ángel'''. Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

== Biografía ==

Nació en [[1475]], en Caprese, unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en [[1481]], cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos.

La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

== Aprendizaje ==

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de [[1488]], con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el magnífico, que lo acogió en su palacio de la “Vía Longa”, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.

== Recorrido artístico ==

Tras la muerte de Lorenzo el magnífico, en [[1492]], Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por [[Venecia]], instalándose después en [[Bolonia]]. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año [[1496]] decidió partir hacia [[Roma]], ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la “Piedad del Vaticano”, después del Bacus del Bargello ([[1496]]), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.

En marzo de [[1505]], Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios.

Desgraciadamente, al regresar a [[Roma]], el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de [[1506]], después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.

En mayo de [[1508]] aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la “Capilla Sextina”, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del renacimiento.

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad.

El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en [[1543]], Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de “Santa María in Aracoeli” de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.

En un viaje realizado a Roma en [[1532]], conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».

Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.

Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la [[Italia]] renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]]
En [[Roma]], en el año [[1536]] y en el convento de [[San Silvestro a Montecavallo]], el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.

Vittoria murió en el año [[1547]], hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte.

== Legado artístico ==

Entre los años [[1490]] y [[1492]] hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.

Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los [[siglos XIV]] y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de la batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de “Las Metamorfosis de Ovidio” y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia [[1490]]) es también un relieve con tema mariano, “La virgen de la escalera”, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.

Después de la muerte en [[1492]] de Lorenzo el magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un [[Hércules]] de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el [[siglo XIII]], uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en [[1713]]. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.

A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año [[1962]], en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.

El año [[1505]] fue llamado a Roma por el Papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de “San Pedro del Vaticano”. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.

El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina. [[Archivo:CreationMiguelAngel.jpg‎]]

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba diseñada por Miguel Ángel]]El [[17 de abril]] de [[1506]] Miguel Ángel, contrariado, abandonó [[Roma]] y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de [[1508]], y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de [[1511]] por rebeldes boloñeses.

El papa Clemente VII, hacia el año [[1520]], le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de “San Lorenzo de Florencia”. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una virgen con niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.

Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta [[1524]], cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singulares esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta.

En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]]Entre marzo y abril de [[1508]], el artista recibió de Julio II]el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del renacimiento.

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el juicio final, o juicio universal, iniciado en [[1536]] y finalizado en [[1541]].[[Image:Jucio final.jpg|thumb|el juicio final o el juicio universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el apocalipsis de San Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su hijo [76]. A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La divina comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la pasión de cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.

A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En [[1559]], se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia ([[1495]]).]]
Terminado el juicio final, el papa Pablo III le encargó para la capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde [[1542]] a [[1550]]: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año [[1544]], una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta [[1546]], así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en [[1546]] y más tarde el de Vittoria Colonna en [[1549]].

Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al juicio final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.

Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.

En [[1540]] Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en [[1420]], durante la visita en [[1515]] del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo.

Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de [[Italia]], ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el [[19 de enero]] de [[1518]].

Hacia el año [[1517]], efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la “Vía Longa” y la “Vía de'Gori”, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.

Empezada por encargo de León X en [[1520]], fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la sacristía nueva en [[1523]], situada en la basílica de “San Lorenzo” de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.

En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales [89]. Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla.

== Dibujos ==

Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del tributo y la consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el magnífico, hacia el año [[1490]].

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de [[Londres]], los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de [[Nueva York]], diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección.

Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja:

* Estudio: Santa Ana, h. [[1505]], Museo del Louvre, [[París]].
*Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. [[1533]], Museo Ashmolean, Oxford.
* Dos hombres desnudos combatiendo, h. [[1545]]-50, Museo del Louvre, París.
*Crucifixión, h. [[1550]]-55, Museo del Louvre, París.
* Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres.
* Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. [[1555]], [[Museo Ashmolean]], Oxford.
*Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París.
* Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en [[1931]] gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en [[2004]].

== Valoración ==

La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año [[1557]], tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del concilio de trento. Desde la mitad del [[siglo XVIII]], fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.

El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevó a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.

== Fuentes ==

*[http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm Biografía y galería de obras del artista del Renacimiento]
*[http://www.michelangelo.com/buonarroti.html Michelangelo Buonarroti]

[[Category:Artes_Plásticas]]

Miguel Ángel

2010-08-01T03:29:58Z

Ruben sr: /* Legado artístico */

{{Personaje_artístico|nombre=Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni|seudonimo=Miguel Angel|imagen=Miguel_angel.JPG|descripcion=Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia.|fecha_de_nacimiento=[[6 de marzo]] de [[1475]]|lugar_de_nacimiento=[[Caprese]], [[Italia]]|fecha_de_fallecimiento=[[18 de febrero]] de [[1564]] |lugar_de_fallecimiento=[[Roma]], Italia|area=Italia|obras_destacadas=Piedad del Vaticano Bóveda de la Capilla Sixtina David}}'''Miguel Ángel'''. Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

== Biografía ==

Nació en [[1475]], en Caprese, unâ villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en [[1481]], cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos.

La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.

El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.

De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.

== Aprendizaje ==

Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de [[1488]], con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio; su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años

Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el magnífico, que lo acogió en su palacio de la “Vía Longa”, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino. Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.

Según Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.

== Recorrido artístico ==

Tras la muerte de Lorenzo el magnífico, en [[1492]], Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por [[Venecia]], instalándose después en [[Bolonia]]. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año [[1496]] decidió partir hacia [[Roma]], ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. A los veintitrés años talló la “Piedad del Vaticano”, después del Bacus del Bargello ([[1496]]), y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.

En marzo de [[1505]], Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios.

Desgraciadamente, al regresar a [[Roma]], el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de [[1506]], después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.

En mayo de [[1508]] aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la “Capilla Sextina”, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del renacimiento.

== Vida amorosa ==

Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad.

El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en [[1543]], Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de “Santa María in Aracoeli” de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino. También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.

En un viaje realizado a Roma en [[1532]], conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural constaba de un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».

Tommaso Cavalieri era un muchacho de 17 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.

Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte, cuando el capítulo amoroso ya hacía tiempo que se había acabado

Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la [[Italia]] renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.

[[Image:Vittoria Colonna.jpg|thumb|Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.]]
En [[Roma]], en el año [[1536]] y en el convento de [[San Silvestro a Montecavallo]], el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta. Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.

Vittoria murió en el año [[1547]], hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte.

== Legado artístico ==

Entre los años [[1490]] y [[1492]] hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.

Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los [[siglos XIV]] y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de la batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de “Las Metamorfosis de Ovidio” y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.

Otra escultura de la misma época (hacia [[1490]]) es también un relieve con tema mariano, “La virgen de la escalera”, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.

Después de la muerte en [[1492]] de Lorenzo el magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un [[Hércules]] de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el [[siglo XIII]], uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en [[1713]]. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.

A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año [[1962]], en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.

El año [[1505]] fue llamado a Roma por el Papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de “San Pedro del Vaticano”. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.

El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina.

[[Image:Cecchino de' Bracci.jpg|thumb|Tumba diseñada por Miguel Ángel]]El [[17 de abril]] de [[1506]] Miguel Ángel, contrariado, abandonó [[Roma]] y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de [[1508]], y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de [[1511]] por rebeldes boloñeses.

El papa Clemente VII, hacia el año [[1520]], le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de “San Lorenzo de Florencia”. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una virgen con niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.

Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta [[1524]], cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singulares esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta.

En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales

[[Image:David de migue angel.jpg|thumb|115x162px|david]]Entre marzo y abril de [[1508]], el artista recibió de Julio II]el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del renacimiento.

Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el juicio final, o juicio universal, iniciado en [[1536]] y finalizado en [[1541]].[[Image:Jucio final.jpg|thumb|el juicio final o el juicio universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina]]

El tema se basa en el apocalipsis de San Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su hijo [76]. A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La divina comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la pasión de cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.

A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En [[1559]], se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.

[[Image:Angel by Michelangelo.JPG|thumb|Ángel de San Domenico de Bolonia ([[1495]]).]]
Terminado el juicio final, el papa Pablo III le encargó para la capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde [[1542]] a [[1550]]: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año [[1544]], una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta [[1546]], así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en [[1546]] y más tarde el de Vittoria Colonna en [[1549]].

Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al juicio final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.

Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.

En [[1540]] Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo había representados Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes.

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en [[1420]], durante la visita en [[1515]] del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo.

Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de [[Italia]], ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el [[19 de enero]] de [[1518]].

Hacia el año [[1517]], efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la “Vía Longa” y la “Vía de'Gori”, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.

Empezada por encargo de León X en [[1520]], fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la sacristía nueva en [[1523]], situada en la basílica de “San Lorenzo” de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.

En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales [89]. Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla.

== Dibujos ==

Los dibujos de Miguel Ángel forman un conjunto muy numeroso e importante, a pesar de las hogueras que se sabe que hizo alguna vez para quemar, según Vasari, «diseños, apuntes y cartones hechos de su mano, a fin de que nadie viese las fatigas que había pasado y las diversas pruebas por las que tuvo que pasar su ingenio hasta aparecer la perfección». Los primeros dibujos atribuidos al artista son las copias realizadas en la basílica florentina de la Santa Croce, del tributo y la consagración de Masaccio y el dibujo del Alquimista, de invención propia (hoy en el Museo Británico), así como una copia de Giotto conservada en el Louvre, todos estos del tiempo de sus estudios en el palacio de Lorenzo el magnífico, hacia el año [[1490]].

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de [[Londres]], los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de [[Nueva York]], diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección.

Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja:

* Estudio: Santa Ana, h. [[1505]], Museo del Louvre, [[París]].
*Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. [[1533]], Museo Ashmolean, Oxford.
* Dos hombres desnudos combatiendo, h. [[1545]]-50, Museo del Louvre, París.
*Crucifixión, h. [[1550]]-55, Museo del Louvre, París.
* Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres.
* Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. [[1555]], [[Museo Ashmolean]], Oxford.
*Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París.
* Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en [[1931]] gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en [[2004]].

== Valoración ==

La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. Lodovico Dolce el año [[1557]], tildaba de monótonos los desnudos de Miguel Ángel en comparación con la belleza de las obras de Rafael. Fue criticado también por la iglesia italiana, durante la segunda mitad del seiscientos, ya que sus obras no eran afines a las nuevas normas del concilio de trento. Desde la mitad del [[siglo XVIII]], fueron cambiando las críticas hasta llegar a la total adoración por su arte.

El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevó a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su concepción anuncia la próxima arquitectura barroca.

Los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina representan la visión más perfecta de su creencia neoplatónica, que afirmaba que la belleza de la figura humana tiene un carácter divino; también en esta misma creencia se encuentra el significado de las tumbas de los Médici, donde la zona inferior simboliza el mundo material en contraposición de la arquitectura iluminada por la cúpula de la sacristía nueva, que representa el mundo espiritual. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones envolventes de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.

== Fuentes ==

*[http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm Biografía y galería de obras del artista del Renacimiento]
*[http://www.michelangelo.com/buonarroti.html Michelangelo Buonarroti]

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