EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Exocin

2018-12-10T04:49:53Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con «{{Sistema:Moderación Salud}}{{Medicamento |nombre= Exocin 3 mg |logo= Exocin envase 1.jpg |tamaño= 126px × 200px |presentacion_farmaceutica= Se presenta solución en un…»

{{Sistema:Moderación Salud}}{{Medicamento
|nombre= Exocin 3 mg
|logo= Exocin envase 1.jpg
|tamaño= 126px × 200px
|presentacion_farmaceutica= Se presenta solución en un frasco de plástico con gotero y tapón de rosca. Cada frasco contiene 5 ml de solución.
|Via_de_administracion= Gotas
|Grupo_terapeutico= Antiinfecciosos
}}
<div align="justify">
'''Exocin''' Medicamento usado para tratar las infecciones oculares externas (Colirio).

== Composición ==
El principio activo es ofloxacino 3 mg/ml
Los demás componentes son: cloruro de benzalconio, cloruro sódico, hidóxido sódico (para ajustar el pH), ácido clorhídrico (para ajustar el pH) y agua purificada.
== Indicaciones ==

Tratamiento [[conjuntivitis]] y queratoconjuntivitis, en adultos y niños mayores de un año, que están producidas por organismos sensibles a este medicamento. También se utiliza para el tratamiento de la ulceración corneal bacteriana en adultos y niños.
== Contraindicaciones ==
Si es alérgico (hipersensible) a ofloxacino, otras quinolonas, o a cualquiera de los demás componentes de este medicamento.

== Precauciones ==
Este producto debería usarse con precaución en pacientes con alergia (hipersensiblidad) a otros agentes antibacterianos del tipo quinolona. Si durante el tratamiento aparece una erupción cutánea o cualquier otro signo de reacción alérgica, interrumpa el tratamiento y consulte a su médico.
Este producto debería usarse con precaución en pacientes que presenten una anomalía o ulceración de la superficie del ojo. Si este es su caso, consulte con su médico.El uso prolongado de ofloxacino puede originar una nueva infección bacteriana en el ojo, que puede no ser tratada satisfactoriamente con Exocin.
Exocin puede aumentar la sensibilidad a la luz solar. Evite la exposición directa a la luz solar mientras use Exocin.

===Problemas de corazón===
Debe tener precaución al utilizar este tipo de medicamento, si ha nacido o tiene antecedentes familiares de intervalo QT prolongado (detectado en ECG, registro eléctrico del corazón), si tiene desequilibrio de sales en sangre (principalmente niveles bajos de [[potasio]] o magnesio en sangre), si tiene un ritmo de corazón muy bajo (denominado “bradicardia”), si tiene debilitado el corazón (insuficiencia cardiaca), si tiene historia de ataques al corazón (infarto de miocardio), si es una mujer o paciente de edad avanzada o está utilizando otros medicamentos que producen cambios anómalos del ECG (ver sección Uso de otros medicamentos).

=== Embarazo y lactancia===
Consulte a su médico o farmacéutico antes de utilizar cualquier medicamento.
No se recomienda el uso de Exocin durante el embarazo y lactancia. En caso necesario su médico valorará la conveniencia o no de su utilización.

===Conducción y uso de máquinas===
No existen estudios sobre el efecto de Exocin en la capacidad de conducir y usar máquinas. Debido a la posibilidad de producir visión borrosa, se debe esperar a que esta haya desaparecido antes de conducir o utilizar máquinas.

=== Advertencias sobre excipientes ===
Exocin contiene cloruro de benzalconio. Este medicamento puede producir irritación ocular porque contiene cloruro de benzalconio. Evitar el contacto con lentes de contacto blandas.
Retirar las lentes de contacto antes de la aplicación y esperar al menos 15 minutos antes de volver a colocarlas. Altera el color de las lentes de contacto blandas.

=== Uso de Exocin y otros medicamentos ===
Informe a su médico o farmacéutico si está utilizando, o ha utilizado recientemente otros medicamentos, incluso los adquiridos sin receta.
Debe informar a su médico si está utilizando otros medicamentos que pueden alterar el ritmo cardiaco: medicamentos que pertenecen al grupo de antiarrítmicos (por ejemplo quinidina, hidroquinidina, disopiramida, amiodarona, sotalol, dofetilida, ibutilida), antidepresivos tricíclicos, algunos antibóticos (los que pertenecen al grupo de macrólidos), algunos antipsicóticos.

== Posología ==
Siga exactamente las instrucciones de administración de Exocin indicadas por su médico. Consulte a su médico o farmacéutico si tiene dudas.
Exocin se administra por vía oftálmica. La dosis normal es
*Para el tratamiento de las infecciones oculares externas en adultos y niños mayores de un año: Aplique una o dos gotas en el ojo(s) afectado(s) cada dos a cuatro horas durante los dos primeros días y posteriormente cuatro veces al día.
*Para el tratamiento de la ulceración corneal bacteriana en adultos y niños: Durante los dos primeros días, aplique una o dos gotas cada 30 minutos mientras usted esté despierto. Por la noche, aplique una o dos gotas a las cuatro y a las seis horas de haberse acostado. Desde el día 3 hasta el día 7 o 9, aplique una o dos gotas cada hora mientras esté despierto. A partir de los días 7 o 9 y hasta que acabe el tratamiento, aplique una o dos gotas cuatro veces al día.

===Uso en niños===
Hay una información muy limitada en el uso de Exocin en niños. Si su médico ha recetado Exocin para el tratamiento de su hijo y usted quiere obtener más información acerca de este medicamento por favor consulte a su médico de nuevo. Si su hijo enferma durante el tratamiento con Exocin por favor contacte a su médico inmediatamente.

==Instrucciones de uso==
Advertencia: No utilice el producto si el precinto del cuello del envase está roto antes de abrirlo por primera vez.
[[Archivo:Pasos Colirio.jpg|300px|miniatura|'''Instrucciones de uso.''']]

1. Lávese las manos antes de abrir el envase. Incline la cabeza hacia atrás y mire hacia arriba.

2. Tire suavemente hacia abajo del párpado inferior, hasta que haga un pequeño hueco.

3. Apriete el envase invertido para que caiga una o dos gotas en cada ojo.

4. Mientras mantiene el ojo cerrado, presione con su dedo contra su esquina (en la parte del ojo más cercana a la nariz) y manténgalo así durante 30 segundos.

5. Repita los pasos 2, 3 y 4 para el otro ojo si también necesita tratamiento.

Si una gota cae fuera del ojo repita la operación.
Para evitar la contaminación del ojo no permita que la punta del gotero toque el ojo o cualquier otra superficie. Vuelva a poner el envase derecho, ponga el tapón de nuevo y apriételo para cerrar el envase. Limpie cualquier exceso de líquido de su mejilla con un pañuelo limpio.
Tras la apertura del envase (rotura del precinto) no debe usar el colirio durante más de 28 días.

==Posibles efectos adversos==
Al igual que todos los medicamentos, Exocin puede tener efectos adversos, aunque no todas las personas los sufran. Se sabe que se pueden producir los siguientes efectos adversos pero su frecuencia exacta puede variar.
Se han notificado casos de erupción cutánea (síndrome de Stevens-Johnson, necrólisis epidérmica tóxica) con el uso de Exocin, que pueden resultar potencialmente mortales, apareciendo inicialmente como manchas con forma de diana de color rojizo o parches circulares, frecuentemente con ampollas de origen central en el tronco.

==Conservación de Exocin==
*Mantener fuera del alcance y de la vista de los niños.
*No utilice un envase sin abrir de Exocin después de la fecha de caducidad que aparece en la etiqueta del envase y en la caja, después de “CAD”. La fecha de caducidad es el último día del mes que se indica.
*No conservar a una temperatura superior a 25º C.
*No utilice Exocin si observa cambio de color o se produce enturbamiento en su contenido.
*Deseche el medicamento 28 días después de abrirlo, aunque todavía quede algo de solución. Para ayudarle a recordarlo escriba la fecha de apertura en el espacio habilitado para ello en el cartón.

== Fuentes ==

*[https://cima.aemps.es/cima/dochtml/p/62560/P_62560.html www.cima.aemps.es]

[[Category:Salud]] [[Category:Mejorar_Salud]] [[Category:Medicamentos]] [[Category:Medicamentos_sintéticos]] [[Categoría:Especialidades médicas]]
[[Category:Farmacología]]

Archivo:Exocin envase 1.jpg

2018-12-10T04:26:00Z

Salvio06017 may.jc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Pasos Colirio.jpg

2018-12-10T04:22:27Z

Salvio06017 may.jc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Enanplus 75 mg

2018-12-10T03:08:36Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con «{{Sistema:Moderación Salud}}{{Medicamento |nombre= Enanplus 75 mg/25 mg |logo= Enanplus1.jpg |tamaño= 126px × 200px |presentacion_farmaceutica= Se presenta en envases de…»

{{Sistema:Moderación Salud}}{{Medicamento
|nombre= Enanplus 75 mg/25 mg
|logo= Enanplus1.jpg
|tamaño= 126px × 200px
|presentacion_farmaceutica= Se presenta en envases de 2, 4, 10, 15, 20, 30, 50 o 100 comprimidos recubiertos con película en blisters de plástico/aluminio
|Via_de_administracion= Oral
|Grupo_terapeutico= Analgésicos opioides
}}
<div align="justify">
'''Enanplus''' Medicamento perteneciente a los [[analgésicos]] antinflamatorios no esteroideos (AINE).

== Composición ==

Los principios activos son tramadol hidrocloruro y dexketoprofeno. Cada comprimido contiene: 75 mg de tramadol hidrocloruro y 25 mg de dexketoprofeno.
Los demás componentes son:
Núcleo del comprimido: Celulosa microcristalina; Almidón de maíz pregelatinizado; Croscarmelosa sódica; Estearil fumarato sódico; Sílice coloidal anhidra.
Recubrimiento: Alcohol polivinilico; Dioxido de titanio; Macrogol/PEG 3350; Talco.

== Farmacología ==

Mecanismo de acción: es un analgésico perteneciente al grupo de los [[opioides]] que actúan en el sistema nervioso central. Alivia el dolor actuando sobre células nerviosas específicas del cerebro y de la médula espinal.

== Indicaciones ==

Tratamiento sintomático a corto plazo del dolor agudo, de moderado a intenso en adultos.

== Contraindicaciones ==

*Si es alérgico a dexketoprofeno, a tramadol hidrocloruro o alguno de los demás componentes de este medicamento
*Si es alérgico al ácido acetilsalicílico o a otro AINE
*Si ha sufrido ataques de asma, rinitis alérgica aguda (un período corto de inflamación de la mucosa de la nariz), pólipos nasales (formaciones carnosas en el interior de la nariz debido a la alergia), urticaria (erupción en la piel), angioedema (hinchazón de la cara, ojos, labios o lengua, o dificultad para respirar) o sibilancias en el pecho tras haber tomado ácido acetilsalicílico u otros antiinflamatorios no esteroideos
*Si ha sufrido reacciones fotoalérgicas o fototóxicas (forma especial de enrojecimiento o de quemaduras de la piel expuesta a la luz solar) durante la toma de ketoprofeno (un AINE) o fibratos (medicamentos usados para reducir los niveles de grasas en sangre)
*Si tiene úlcera péptica, hemorragia de estómago o de intestino o si ha sufrido en el pasado hemorragia, ulceración o perforación de estómago o de intestino, incluyendo si es debido al uso previo de AINEs.
*Si tiene problemas digestivos crónicos (p. ej., indigestión, ardor de estómago)
*Si tiene enfermedad inflamatoria crónica del intestino (enfermedad de Crohn o colitis ulcerosa)
*Si tiene insuficiencia cardiaca grave, insuficiencia renal moderada a grave o insuficiencia hepática grave.
*Si tiene trastornos hemorrágicos o trastornos de la coagulación de la sangre.
*Si está gravemente deshidratado (ha perdido mucho líquido corporal) debido a vómitos, diarrea o consumo insuficiente de líquidos.
*Si tiene intoxicación aguda por alcohol, pastillas para dormir, analgésicos, o medicamentos que afecten al estado de ánimo y a las emociones
*Si también está tomando inhibidores de la monoaminooxidasa (IMAO) (ciertos medicamentos usados para el tratamiento de la depresión) o si los ha tomado en los últimos 14 días antes de iniciar el tratamiento con este medicamento.
*Si tiene epilepsia o padece crisis convulsivas, porque el riesgo de estas crisis puede aumentar
*Si respira con dificultad
*Si está embarazada o en período de lactancia.

== Precauciones ==
Consulte a su médico antes de empezar a tomar Enanplus:
*Si es alérgico o ha tenido problemas de alergia en el pasado;
*Si tiene enfermedades del riñón, del hígado o del corazón (hipertensión y/o insuficiencia cardiaca), así como retención de líquidos o ha sufrido alguna de estas enfermedades en el pasado;
*Si está tomando diuréticos;
*Si tiene problemas cardiacos, antecedentes de ataques cerebrales, o piensa que podría tener riesgo de sufrir estos trastornos (p. ej., si tiene la tensión arterial alta, diabetes, colesterol alto o es fumador) debe consultar este tratamiento con su médico. Los medicamentos como este se pueden asociar con un pequeño aumento del riesgo de sufrir ataques cardiacos (infartos de miocardio) o un derrame cerebral. Cualquier riesgo es más probable que ocurra cuando se emplean dosis altas y tratamientos prolongados. No exceda la dosis ni la duración del tratamiento recomendado;
*Si es un paciente de edad avanzada: puede sufrir una mayor incidencia de efectos adversos (ver sección 4). Si estos ocurren, consulte a su médico inmediatamente;
*Si es una mujer con problemas de fertilidad: Este medicamento puede afectar a su fertilidad por lo que no debe tomarlo si está planificando quedarse embarazada o si se está sometiendo a estudios de fertilidad;
*Si sufre un trastorno en la producción de sangre y células sanguíneas;
*Si tiene lupus eritematoso sistémico o enfermedad mixta del tejido conectivo (enfermedades del sistema inmunitario que afectan al tejido conectivo);
*Si ha sufrido en el pasado enfermedad inflamatoria crónica del intestino (colitis ulcerosa, enfermedad de Crohn);
*Si sufre o ha sufrido en el pasado trastornos estomacales o intestinales;
*Si tiene varicela, ya que excepcionalmente los AINE pueden agravar la infección;
*Si está tomando otros medicamentos que aumentan el riesgo de úlcera péptica o sangrado, por ejemplo, corticosteroides orales, algunos antidepresivos (del tipo ISRS, Inhibidores Selectivos de la Recaptación de Serotonina), agentes que previenen la formación de coágulos como aspirina o anticoagulantes tipo warfarina. En estos casos, consulte a su médico antes de tomar este medicamento: podría ser que su médico le recetase un medicamento adicional para proteger su estómago;
*Si está tomando otros medicamentos que contengan las mismas sustancias activas que este medicamento, no sobrepase la dosis máxima diaria de dexketoprofeno o tramadol;
*Si piensa que tiene adicción a otros analgésicos (opioides);
*Si tiene alteraciones de la conciencia (si siente que va a desmayarse);
*Si está en estado de shock (un signo de ese estado puede ser el sudor frío);
*Si tiene un aumento de presión cerebral (posiblemente tras una lesión o enfermedad cerebral);
*Si tiene dificultad para respirar;
*Si padece porfiria.

Tramadol puede provocar adicción física y psicológica. Cuando se toma tramadol durante un periodo de tiempo prolongado, su efecto puede disminuir, siendo necesario tomar dosis mayores (desarrollo de tolerancia). En pacientes con tendencia al abuso de medicamentos o aquellos con dependencia a medicamentos, se debe llevar a cabo el tratamiento con Enanplus sólo durante periodos cortos de tiempo y bajo estricto control médico.
Informe a su médico si aparece alguno de estos problemas durante el tratamiento con Enanplus o si aparecieron en el pasado.

Puede provocar somnolencia y los pacientes bajo tratamiento no deberán conducir vehículos u operar maquinarias donde una disminución de la atención pueda originar accidentes.

=== Embarazo===

El uso en mujeres embarazadas o con posibilidades de [[embarazo]], requiere que los beneficios que se esperan del tratamiento sean considerados contra posibles riesgos, particularmente durante el primero y segundo trimestre de embarazo.

===Lactancia===
El uso de Enanplus está contraindicado en el embarazo, así como durante la lactancia.
=== Pediatría===
Este medicamento no se ha estudiado en niños ni adolescentes. Por lo tanto, la seguridad y eficacia no han sido establecidas y el medicamento no debe emplearse en niños ni adolescentes.

=== Uso de Enanplus con otros medicamentos ===

Informe a su médico si está utilizando, ha utilizado recientemente o pudiera tener que utilizar cualquier otro medicamento, incluso los adquiridos sin receta. Hay algunos medicamentos que no deben tomarse conjuntamente y otros que pueden requerir un ajuste de dosis si se toman conjuntamente.
Informe siempre a su médico si, además de Enanplus, está tomando alguno de los medicamentos siguientes:

Asociaciones con Enanplus no recomendadas:
*Ácido acetilsalicílico, corticosteroides u otros medicamentos antiinflamatorios
*Warfarina, [[heparina]] u otros medicamentos utilizados para prevenir la formación de [[coágulos]]
*Litio, utilizado para tratar algunas alteraciones del estado de ánimo
*Metotrexato, utilizado para la artritis reumatoide y el cáncer
*Hidantoínas y fenitoína, utilizados para la [[epilepsia]]
*Sulfametoxazol, utilizado para las infecciones bacterianas
*Inhibidores de la monoaminooxidasa (IMAOs) (medicamentos para el tratamiento de la depresión).

=== Asociaciones con Enanplus que requieren precaución===
*Inhibidores de la ECA, diuréticos, betabloqueantes y antagonistas de la angiotensina II, utilizados para el control de la presión arterial elevada y trastornos cardiacos
*Pentoxifilina, utilizados para tratar úlceras venosas crónicas
*Zidovudina, utilizada para tratar infecciones virales
*Clorpropamida y glibenclamida, utilizados para la diabetes
*Antibióticos aminoglucósidos, usados para el tratamiento de infecciones bacterianas.
*El uso concomitante de Enanplus y medicamentos sedantes como benzodiacepinas o medicamentos relacionados aumenta el riesgo de somnolencia, dificultad para respirar (depresión respiratoria), coma y puede ser potencialmente mortal. Debido a esto, el uso concomitante sólo debería considerarse cuando no son posibles otras opciones de tratamiento. Sin embargo, si su médico le prescribe Enanplus junto con medicamentos sedantes, se debe limitar la dosis y la duración del tratamiento concomitante. Informe a su médico sobre todos los medicamentos sedantes que esté tomando y siga cuidadosamente la dosis recomendada por su médico. Podría ser de ayuda informar a amigos o familiares para que tengan en cuenta los signos y síntomas indicados anteriormente. Póngase en contacto con su médico cuando experimente estos síntomas.
=== Asociaciones con Enanplus a tener en cuenta===
*Quinolonas (p. ej., ciprofloxacina, levofloxacina) utilizados para infecciones bacterianas
*Ciclosporina o tacrolimus, utilizados para tratar enfermedades del sistema inmunitario y en trasplantes de órganos
*Estreptoquinasa y otros medicamentos trombolíticos y fibrinolíticos; es decir, medicamentos utilizados para deshacer coágulos
*Probenecid, utilizado para la gota
*Digoxina, utilizado en el tratamiento de la insuficiencia cardiaca crónica
*Mifepristona, utilizado para la interrupción del embarazo
*Antidepresivos del tipo Inhibidores Selectivos de la Recaptación de Serotonina (ISRSs)
*Antiagregantes plaquetarios utilizados para reducir la agregación plaquetaria y la formación de coágulos: Tenofovir, deferasirox, pemetrexed.

El efecto analgésico de tramadol puede verse reducido y el tiempo de acción disminuido si también toma medicamentos que contengan:
*Carbamazepina (para ataques epilépticos)
*Buprenorfina, nalbufina, o pentazocina (analgésicos)
*Ondansetron (previene las náuseas)

=== El riesgo de efectos adversos aumenta===
*Si toma tranquilizantes, pastillas para dormir, otros analgésicos como la morfina y la codeína (también como medicamento para la tos), o alcohol mientras esté tomando Enanplus. Puede sentir sueño o sentir que podría desmayarse. Consulte a su médico si esto ocurre.
*Si está tomando medicamentos que puedan provocar convulsiones (ataques), como ciertos antidepresivos o antipsicóticos. El riesgo de padecer un ataque puede aumentar si toma Enanplus al mismo tiempo. Su medicó le informará si Enanplus es adecuado para usted.
*Si está tomando ciertos antidepresivos. Enanplus puede interaccionar con estos medicamentos y puede experimentar síntomas como contracciones musculares rítmicas involuntarias (incluyendo los músculos que controlan el movimiento de los ojos), agitación, sudoración excesiva, temblores, exageración de los reflejos, aumento de la tensión muscular, temperatura corporal superior a 38ºC.
*Si toma anticoagulantes (medicamentos para fluidificar la sangre), p.ej., warfarina junto con este medicamento. El efecto de estos medicamentos puede afectar a la coagulación y pueden producirse hemorragias.
Toma de Enanplus con alcoholNo tome alcohol durante el tratamiento con Enanplus ya que puede aumentar el efecto del medicamento.
== Reacciones adversas ==

Al igual que todos los medicamentos, este medicamento puede producir efectos adversos, aunque no todas las personas los sufran.
Los posibles efectos adversos se detallan a continuación en función de la posibilidad de que ocurran.
Debe acudir a un médico inmediatamente si experimenta síntomas de reacción alérgica como hinchazón de la cara, la lengua y/o la garganta, y/o dificultad de tragar o urticaria junto con dificultad para respirar.
Deje de usar Enanplus si experimenta erupción cutánea, cualquier lesión dentro de la boca o en las membranas mucosas, o cualquier signo de alergia.
Efectos adversos muy frecuentes (puede afectar a más 1 de cada 10 personas):
*Náuseas/malestar
*Mareo
Efectos adversos frecuentes (puede afectar hasta 1 de cada 10 personas):
*Vómitos
*Dolor de estómago
*Diarrea
*Problemas digestivos
*Dolor de cabeza
*Somnolencia, fatiga
*Estreñimiento
*Sequedad de boca
*Aumento de la sudoración
Efectos adversos poco frecuentes (puede afectar hasta 1 de cada 100 personas):
*Aumento del número de plaquetas
*Efectos en el corazón y en la circulación sanguínea (latidos del corazón fuertes, latidos del corazón rápidos, sensación de desmayo o colapso), presión arterial baja. Estos efectos adversos pueden aparecer especialmente cuando los pacientes están en posición vertical o bajo tensión física.
*Presión arterial elevada o muy elevada
*Inflamación en la laringe (edema de laringe)
*Niveles bajos de [[potasio]] en sangre
*Alteraciones psicóticas
*Inflamación alrededor de los ojos
*Respiración superficial o lenta
*Sensación de malestar
*Sangre en orina
*Sensación de movimiento giratorio
*Falta de sueño o dificultad para dormir
*Nerviosismo/ansiedad
*Sofocos
*Flatulencia
*Cansancio
*Dolor
*Sensación de fiebre o escalofríos, sensación general de malestar
*Resultados analíticos de sangre alterados
*Sensación de urgencia de vómito (tener arcadas)
*Sensación de presión o hinchazón en el estómago
*Inflamación del estómago
*Reacciones cutáneas (p.ej., picor, erupción)
*Hinchazón de la cara

== Posología ==

Siga exactamente las instrucciones de administración de este medicamento indicadas por su médico. En caso de duda, consulte de nuevo a su médico.
La dosis de Enanplus que necesite puede variar, dependiendo del tipo, intensidad y duración del dolor. Su médico le indicará cuántos comprimidos debe tomar al día y durante cuánto tiempo.
La dosis recomendada es, en general, de 1 comprimido recubierto con película (que corresponde a 75 mg de tramadol hidrocloruro y 25 mg de dexketoprofeno) cada 8 horas, sin sobrepasar los 3 comprimidos recubiertos con película al día (que corresponde a 225 mg de tramadol hidrocloruro y 75 mg de dexketoprofeno) y sin exceder los 5 días de tratamiento.

== Fuentes ==

*[https://cima.aemps.es/cima/dochtml/p/80925/P_80925.html www.cima.aemps.es]

[[Category:Salud]] [[Category:Mejorar_Salud]] [[Category:Medicamentos]] [[Category:Medicamentos_sintéticos]] [[Categoría:Especialidades médicas]]
[[Category:Farmacología]]

Archivo:Enanplus1.jpg

2018-12-10T02:47:36Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Enanplus1.jpg

2018-12-10T02:37:18Z

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== Fuente: ==

Vicente Martín y Soler

2011-12-12T18:49:08Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Vicente Martín y Soler
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}}
'''Vicente Martín y Soler.'''
Compositor español. Nace en [[Valencia]], 2 de mayo de 1754. Iniciado como organista en Alicante, pasó a Madrid y a Italia, donde alcanzó fama como autor de óperas de estilo clásico con el nombre de Martin.

== Vida y Obra ==

Hijo de un cantor de la [[Catedral]] de Valencia. Aunque Martín y Soler cultivó muchos de los géneros vocales en boga durante la segunda mitad del [[siglo XVIII]] ([[ópera]] seria, oratorio, opéra comique, opera komicheskaya rusa, cantata, serenata, canción) y cosechó muchos aplausos por sus numerosas composiciones para ballet, fue sin duda a través de la ópera bufa en italiano como conquistó el corazón de los melómanos de todo el continente. En particular, tres de ellas tuvieron un éxito tal como para generar modas en el vestir y expresiones idiomáticas que entraron en el lenguaje común: Una cosa rara (Viena, 1786), L’arbore di Diana ([[Viena]], 1787) y La capricciosa corretta, también conocida como La scuola dei maritati ([[Londres]], 1794).

Habiendo construido inicialmente su fama como compositor de opera seria, estaba relacionado con muchas de las casas reinantes europeas: entre sus mecenas figuraron el Príncipe de Asturias (futuro Carlos IV de España), Fernando IV de Nápoles, José II de Austria y Catalina La Grande de Rusia. A través de las intrincadas relaciones internacionales que producían los casamientos entre familias reales y nobles, el compositor fue anudando los eslabones de su carrera, presentando sus óperas y ballets en los principales centros musicales de Italia entre 1777 y 1785, obteniendo un fulminante éxito en su fugaz paso por Viena (1785-87) para lograr ese mismo año la meta ansiada por los operistas de la época: ser contratado por la ópera imperial de San Petersburgo como compositor residente.

Martín y Soler había pasado varios años en ese Madrid que idolatraba las tonadillas escénicas y las seguidillas, seguramente colaborando en la producción musical. En la esfera del teatro y de la música, los sainetes y zarzuelas del madrileño Don Ramón de la Cruz y las tonadillas de los catalanes Luis Misón y Pablo Esteve, poblados de majos y majas, configuraban el imaginario de una nueva identidad para España. Con esas aportaciones y con una relación bastante tenue con la música «nacional» del siglo XVII, se estaba creando un nuevo estilo musical que, incorporando nuevos desarrollos y variantes, representaría a España para españoles y extranjeros durante decenios.

Incluyó en sus óperas rusas no sólo melodías del [[folklore]] local, sino también algunas intrusas melodías de corte español. Y su gusto por la música considerada entonces exótica lo siguió acompañando durante toda su vida: en Londres, utilizó dentro de una ópera italiana (La capricciosa corretta), melodías folklóricas rusas, recolectadas a su paso por San Petersburgo; y, finalmente, en su obra maestra La festa del villaggio incorporó, junto a todos los elementos
de la tradición operística italiana que había ido recogiendo a lo largo de los años, y que él mismo había contribuido a crear, ritmos de danza españoles y canciones a la rusa.

La adoración del genio de Salzburgo que perduró en los dos siglos siguientes hizo que Martín y Soler fuera frecuentemente mencionado en conexión con esa obra maestra, en la que una banda de instrumentos de viento ejecuta melodías de Una cosa rara (junto con otras de Sarti y del propio Mozart) durante la cena del burlador de Sevilla.

== Legado ==

Desde hace unas décadas, su música ha comenzado a emerger del olvido: varias de sus óperas han sido publicadas, representadas en los más distinguidos teatros del mundo y grabadas en CD y DVD. Así ha comenzado una revalorización del compositor español que mayor fama europea conquistó durante su vida.

== Muerte ==

Muere en San Petersburgo, el 2 de mayo de 1754.

== Fuente ==

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/martin_y_soler.htm

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/soler.pdf

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Visoler.jpg

2011-12-12T18:34:39Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Robert Gerhard

2011-12-12T18:21:06Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Robert Gerhard |nombre completo = Robert Juan René Gerhard |otros nombres = Robert Gerhard |imagen = Roberto Gerhard...'

<div align="justify">
{{Ficha Persona
|nombre = Robert Gerhard
|nombre completo = Robert Juan René Gerhard
|otros nombres = Robert Gerhard
|imagen = Roberto Gerhard.jpg
|tamaño =
|descripción = Roberto Gerhard es uno de los más grandes compositores españoles del siglo XX.
|fecha de nacimiento = 25 de septiembre de 1896
|lugar de nacimiento = Valls, Tarragona, {{Bandera2|España}}
|fecha de fallecimiento = 5 de enero de 1970
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|notas = * Muríó en el exilio al que le condenó el ascenso del régimen franquista.
}}
'''Robert Gerhard.'''
Compositor español.

== Síntesis biográfica ==

Robert Juan René Gerhard (Valls, Tarragona, 25 de septiembre de 1896 - Cambridge, 5 de enero de 1970), quien desde 1921 firmaría como Roberto Gerhard, fue un compositor español. Sus padres Robert (de origen suizo) y María (de origen alsaciano), aunque se consideró siempre un compositor catalán. Muríó en el exilio al que le condenó el ascenso del régimen franquista. Roberto Gerhard es uno de los más grandes compositores españoles del siglo XX.

== Vida y Obra ==

Tras dos años de estudios comerciales en Suiza, estudia piano con Granados y Marshall, para convertirse, de [[1916]] a [[1920]], en el último alumno de Pedrell.

Continúa su formación con Schoenberg, de [[1923]] a [[1928]], en [[Viena]] y [[Berlín]]. Estas circunstancias subyacen en su obra, que presenta una personal convivencia de elementos tradicionales y lenguaje atonal y serial.

Gerhard desarrolla una intensísima actividad mediante conciertos y conferencias, colaboraciones en revistas o traducciones de tratados musicales, y en la organización de diversos colectivos animadores de la cultura catalana: el grupo Compositors Independents de Catalunya, la Asociación Obrera de Conciertos o el colectivo de Amigos del Arte Nuevo (ADLAN), junto a Prats, Sert o Miró. El interés por la música tradicional se convierte en una declaración de identidad, un símbolo de libertad y reivindicación durante la Guerra Civil. Con este espíritu surgen obras como Soirées de Barcelona o Albada, Interludi i Dansa, donde las melodías populares catalanas coexisten con el uso emancipado de la disonancia.

Gerhard, miembro del Consejo Central de la Música del Gobierno de la República, se convirtió también en delegado de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, foro que constituyó, además, el principal escenario de sus estrenos. La culminación de todas estas actividades fue la celebración en Barcelona, en abril de 1936, del XIV Festival de la SIMC. La Ciudad Condal se convirtió entonces en la capital de la música. Gerhard, vicepresidente del comité organizador, asistió, en el concierto inaugural, al estreno de la suite de su ballet Ariel junto al del Concierto para violín de Alban Berg. Dos años más tarde, el Festival de la SIMC en Londres constituyó un auténtico homenaje a España y su delegación, representada por Julián Bautista y Robert Gerhard. Los delegados destacaron en su informe «la solidaridad y simpatía de los medios musicales e intelectuales ingleses por los músicos llegados de la España leal martirizada por la metralla fascista».

[[Archivo:Gerhard-3.JPG|150px|thumb|left|Robert en plena faena de composición.]]

== Exilio ==

En los años treinta desarrolla una intensa actividad cultural en Cataluña, con responsabilidades de gestión musical en el Gobierno de la República. A consecuencia de la Guerra Civil debe exiliarse, en 1939.

Exiliado en Cambridge, trabajó para la BBC en la elaboración de espacios radiofónicos en castellano, y realizó arreglos de diversa música española. Ya fuera por estas actividades o debido a las heridas abiertas por el exilio, en los años cuarenta se intensifica en su obra el empleo de materiales de índole nacionalista. En esta época compone el ballet Don Quijote o su única ópera, La Dueña, cuya estructura responde en gran medida al uso de números derivados de modelos hispanos, seguidillas, habaneras, en una sorprendente y vital fusión de procedimientos tonales y atonales.

Aunque, en principio, rechazó la subordinación absoluta a los métodos del serialismo integral, la influencia de la corriente de Darmstadt se hizo evidente en sus obras compuestas entre 1955 y 1960. En la Sinfonía nº 2, por ejemplo, la serie regula no sólo las alturas de los sonidos, sino también sus duraciones y las proporciones de la composición. En las mismas fechas, sus colaboraciones
radiofónicas le situaron en contacto con las nuevas tecnologías, de modo que empleará los procedimientos electrónicos fundamentalmente en obras dirigidas
al teatro, el cine o la propia radio; también en su Sinfonía nº 3. La familiaridad con el material electrónico enfocó sus últimas composiciones hacia diseños melód cos más flexibles, hacia el uso estructural del cluster y el protagonismo de la percusión. Son características observables en su melodrama La peste, sobre texto de Camus, o en la Sinfonía nº 4.

Gerhard pasó más de treinta años alejado de su país de origen, sin embargo, tanto sus escritos como su música revelan la permanencia cultural y emocional de sus raíces.

== Obras para guitarra ==

* Revenge for love (1957). Guitarra, acordeón, cinta electrónica. (Música para un guión de la radio, con texto de Wyndham Lewis)

* Fantasía (1957). Guitarra.

* The overcoat (1961). Coro de baritonos, violín, guitarra, acordeón, cinta electrónica. (Música para un guión de la radio, con texto de Nikolai Gogol)

* Cantares (1962). 1. La indita - 2. El toro - 3. La auséncia - 4. Un galán y su morena - 5. La lobada - 6. La muerte y la donzella - 7. Reinas de la baraja. Voz y guitarra.

* The anger of Achiles (1964). Timbales, arpa, percusión, guitarra, acordeón, cinta electrónica, cuerda. (Música para un guión de la radio, con texto de Robert Graves)

* For whom the bell tolls (1965). Guitarra. (Música para un guión de la radio, con texto de Ernest Hemingway)

* The man born to be king (1966). Timbales, percusión, piano, guitarra, cuerda. (Música para un guión de la radio, con texto de D.L. Sayers)

* Libra (1968). Percusión, piano, guitarra, violín.

== Muerte ==

Su salud es muy delicada a finales de la década de los sesenta obligándole en más de una ocasión a apartarse de su actividad creadora. Una complicación hace irreversible el estado de Gerhard, que muere el 5 de enero de 1970 a la edad de 73 años en Cambridge.

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/gerhard.pdf
http://www.arrakis.es/~dedeo/04d-gerhard.htm

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Gerhard-3.JPG

2011-12-12T18:12:59Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Robert Gerhard

2011-12-12T16:59:06Z

Salvio06017 may.jc:

Mateo Flecha

2011-12-11T02:57:15Z

Salvio06017 may.jc: /* Muerte */

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{{Ficha Persona
|nombre = Mateo Flecha
|nombre completo = Mateo Flecha
|otros nombres =Mateo Flecha “El viejo”
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|ocupación = Compositor español renacentista, conocido por sus ensaladas
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'''Mateo Flecha'''. Conocido como “El viejo”, fue un compositor español renacentista, conocido por sus ensaladas.
==Síntesis biográfica==
Nace en 1481 en la localidad de [[Prades]] ([[Tarragona]]), España. Hijo segundo de alguna [[familia]] del entorno de los Cardona, a Flecha le destinarían desde niño a la carrera eclesiástica, lo que explica que su nombre se vincule al de un beneficiado de la catedral de [[Barcelona]], [[Jaime Castelló]], antiguo capellán y cantor de la capilla de [[Juan II de Aragón]].

Tras el óbito del maestro hacia [[1494]], Flecha continuaría su aprendizaje al amparo de la catedral barcelonesa o de alguna otra institución eclesiástica, desvaneciéndose su pista hasta un día de [[diciembre]] de [[1522]] en que fue nombrado cantor falsetista de la catedral de [[Lérida]]. A los ocho meses de su ingreso accedió al cargo de “magister cantus” de la institución, que no debió cumplir sus expectativas porque apenas tres años después lo abandonaba.

== Muerte ==

Muere en 1553 en el Monasterio de Poblet (Tarragona).

== Primeras composiciones ==

Las primeras composiciones que se relacionan con el nombre de Flecha son de de tono picaresco Desde el comienzo Flecha se revela como alguien consciente de las posibilidades de asociación de la música con el espectáculo a nivel evocativo, un gusto que se afianza desde la primera de sus ensaladas género que le proporcionaría si no fortuna sí al menos fama.

A pesar de sus similitudes con otros contemporáneos suyos, son notables las diferencias que le separan de la más antigua de las ensaladas de Flecha, Los chistes, que supone un importante salto en la evolución estética de su compositor así como del villancico navideño de tipo pastoril, que adquiere unas dimensiones hasta entonces insólitas a la luz de los modelos paralelos del chiste y la ensalada, cuyos primeros ejemplos no son para nada de tema sacro. La evolución de la ensalada hacia ese terreno no se explica sin un contexto donde interpretarla, que no fue otro que una capilla privada abierta a las novedades como la de don [[Fernando de Aragón]] y [[Germana de Foix]], virreyes de Valencia desde poco antes que Mateo Flecha fuese nombrado [[maestro]] de [[capilla]] de su catedral en septiembre de 1526.

Flecha duró en Valencia poco más de cuatro años, periodo del que datan, aparte de Los chistes, sus ensaladas ''La negrina'', ''La caza'' y la más llamativa de todas, ''El jubilate'', sutilmente referida a la [[batalla de Pavía]] ([[24 febrero]] 1525) en la que fue apresado [[Francisco I de Francia]] y llevado prisionero a [[Madrid]]. Las canciones alusivas a la insólita captura del rey francés no debieron faltar y Flecha lo demuestra incorporando, entre otras, una que califica a Francisco I nada menos que de cobarde.

Lo llamativo de las ensaladas de Mateo Flecha atrajeron la atención de la poderosa familia de los Mendoza, en cuya órbita el compositor permanecería, salvo algún paréntesis, desde fines de 1530 hasta su retiro al monasterio de Poblet donde falleció hacia [[1553]].

Compuso ''La guerra'', homónima de La guerre en la que el compositor francés celebra la derrota que el ejército de su país infringió a los mercenarios suizos en septiembre de 1515.

El argumento de La guerra lleva a emparejarla con otra de las ensaladas de su autor, La justa, en la época su obra más conocida, alusiva a la entrada de Carlos V en Viena en septiembre de 1532.

Entre una y otra Flecha escribió al menos otras dos ensaladas, El [[fuego]] y la que sin duda es una de sus obras maestras, ''La bomba'', objeto de imitación y [[parodia]] por parte de los compositores hispanos de la generación siguiente a la suya. Estrenada en la [[Navidad]] de 1531 o algo más tarde, la ensalada rinde homenaje a Gil Vicente, de quien cita un pasaje de su Triunfo do inverno ([[1529]]), al tiempo que alude a la visita aquel mismo año de [[Francisco Pizarro]], conquistador del [[Perú]], a la corte de [[Carlos V]].

A su regreso de [[Viena]] a España a fines de 1533, el emperador visitó a los duques del Infantado, circunstancia a la que se vincula la ensalada El toro, seguiría poco después, Las cañas, escrita con motivo del enlace matrimonial, en [[1534]], de [[Diego Hurtado de Mendoza]], primogénito del IV Duque del Infantado, con su prima María de Mendoza y Fonseca. Trató de regresar a Valencia buscando el favor del duque de Calabria y el de su segunda esposa, la muy culta Mencía de Mendoza a la que alude indirectamente la última de sus ensaladas, ''La viuda''.

A raíz del óbito de la emperatriz en [[1539]] Flecha se convirtió en el maestro de capilla de las infantas doña María y doña Juana, a las que sirvió hasta su retiro unos diez años después. Aunque no es probable que dejase de componer en esta su última etapa profesional, todas sus obras conservadas son de fecha más temprana.

Entre las fuentes que transmiten la producción musical de Mateo Flecha el Viejo ocupa un lugar preferente el impreso de Las ensaladas (Praga, [[1581]]), de cuya edición se encargó su sobrino y también compositor Mateo Flecha el Joven.

== Piezas atribuidas a Mateo Flecha==

===Ensaladas a 4 voces===
* El fuego
* El jubilate
* La bomba
* La caça
* La guerra
* La justa
* La negrina
* La viuda

===Ensaladas a 5 voces===
* Las cañas
* Los chistes
* El cantate o dança despadas (perdida)

===Villancicos a 3 voces===
* Encúbrase el mal que siento
* triste de mí
* Si sentís lo que yo siento
* Vella de vós som amorós (atribuido)

===Villancicos a 4 voces===
* Mal haya quien a vos casó
* Que farem del pobre Joan
* Teresica hermana
* Tiempo bueno

=== Villancicos a 5 voces===
* Si amores me han de matar

===Obras sagradas en latín===
* Miserere (4 voces)
* Doleo super te (perdida)
== Fuentes ==
*[http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/mflecha.pdf Mateo Flecha “El viejo“]
*[http://www.gallarda.es/AUTORES/DB0075.pdf Mateo Flecha]

[[Category:Músico]][[Category:Compositor]]

Aurelio Arteta y Erraste

2011-12-11T01:56:50Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Aurelio Arteta y Erraste |nombre completo = |otros nombres = |imagen = Arteta3.jpg |tamaño = |descripción ...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Aurelio Arteta y Erraste
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|descripción = Pintor español
|fecha de nacimiento = Nació en 1879
|lugar de nacimiento = Bilbao
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<div align="justify">'''Aurelio Arteta y Erraste.''' Pintor español. Nació en Bilbao 1879

== Inicios ==
Hijo de Eusebio Arteta y labrador, de profesión [[ferroviario]], y de Petra Errasti y Zabala.

Comenzó su carrera como [[pintor]] en Madrid tras pasar por la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao pero recibió sus mayores influencias pictóricas durante su estancia, con una beca de la Diputación Foral de Bizkaia, en el [[París]] de principios de siglo. Allí contemplo las obras que realizaban artistas de la talla de [[Paul Gauguin]], Paul Cezanne o Toulouse Lautrec y, según el crítico [[Juan de la Encina]], la influencia del impresionismo fue notoria en la carrera inicial de Arteta.

== Aspectos importantes de su carrera ==

Un viaje a [[Italia]] en 1906 produjo una evolución en su obra a la vista de las creaciones de los grandes renacentistas italianos.

En su pintura conviven los cuadros de repertorios sociales y costumbristas, con otros en los que se refleja el paisaje humano, urbano e industrial de [[Bilbao]] y el entorno de la ría del Nervión, en aquella época en acelerado proceso de transformación económico y social. A comienzos de los años 30 recibe el reconocimiento oficial a su obra con el [[Premio Nacional de Bellas Artes]].

Ciertamente no es esta la primera exposición homenaje que se celebra a Aurelio Arteta, pero sí creemos que es una de las más significativas, coherentes y documentadas que se hayan celebrado hasta el momento. Las casi 80 obras aquí presentadas, exclusivamente pinturas, seleccionadas y estudiadas con mimo, suponen "una mirada esencial" del panorama diacrónico de toda su producción artística, cuyo catálogo fundamental asciende hasta el momento a 452 obras: 148 dibujos,47 acuarelas y pasteles, 199 óleos y 58 frescos y estudios preparatorios, que forman parte de la tesis doctoral "Aurelio Arteta en su obra.( Bilbao. 1879-México. 1940. )

Entre la renovación y las vanguardias", dirigida por D. [[Juan Plazaola Artola]], y que será editada el próximo año por este mismo Museo. Casi 30 obras de las 80 presentadas en esta ocasión, son inéditas, o son muy poco conocidas, o raramente han sido expuestas en público y vienen acompañadas de un texto, síntesis de la tesis más amplia, y de un catálogo razonado de la obra aquí presentada: [[Museo de Bellas Artes de Bilbao]]. 21 de Diciembre de 1998- Marzo 1999.

De las muestras monográficas o antológicas celebradas con anterioridad en su honor, conviene recordar la primera exposición celebrada el año 1947 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao como homenaje a Alberto Arrúe y Aurelio Arteta organizada por la Diputación Foral de Bizkaia con 43 obras, a través de la Junta de Cultura y a instancias de la Asociación Artística Vizcaina. Manuel Llano Gorostiza, biógrafo y compilador de los Pantorba, Calle Iturrino, De la Encina y Ortega Gasset, tras la depuración de su obra y su figura llevada a cabo en su interesante "Pintura vasca" (1965) , será quien realizará el año 1973 con 54 obras la segunda gran exposición y catálogo, denominados "Arteta en el Banco de Bilbao" y que serán presentados tanto en Bilbao como en Madrid con textos del propio autor, de [[Joaquín de la Puente]] y de Gonzalo Perales. Esta exposición supuso un notable éxito tanto de público como de crítica. Con motivo del centenario del nacimiento de Aurelio Arteta en 1979, el Banco de Bilbao volvió a montar una doble exposición en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y en la sala de exposiciones de la propia entidad bancaria. Se presentaron 70 obras de envergadura, acompañadas de textos de Angel Lázaro, Joaquín de la Puente, [[Javier Bengoechea]], [[Manuel Llano]], [[Gregorio San Juan]], [[Edorta Kortadi]], [[Luis Lázaro]], X[[abier Sáenz de Gorbea]], [[Kosme Barañano]] e [[Indalecio Prieto]].

Su obra fecundada por las corrientes postimpresionistas francesas y renacentista italianas (1902-19), se abrirá de una manera coherente y evolutiva a formas "noucentistas" y a un postcubismo cezanniano ( 1920-30), hasta desembocar en una síntesis y purismo formal denominado por algunos autores "Cubismo estilizado" (1930-40). Su obra, es hoy, junto a la de Vázquez Díaz y Sunyer imprescindible a la hora de comprender, junto a la de [[Picasso]], Miró y Dalí, el origen del Arte Contemporáneo en España.

== Viaje al exilio ==

El primer día del mes de diciembre del año 36 sale hacia Valencia en compañía de entre otros, Gutiérrez Solana. En esa ciudad realizó un cartel de colaboración con el gobierno de Euzkadi.
De [[Valencia]] se trasladó a [[Barcelona]], para pasar luego definitivamente a Francia. Allí realizó un periplo por varias ciudades (Biarritz, Burdeos), librándose de los habituales campos de refugiados.

Finalmente, y a bordo del vapor [[Sinaia]] se trasladó a [[México]]. Una de sus últimas obras fue la decoración del comedor de la residencia de Indalecio Prieto en la capital mexicana.

== Obras ==

* Accidente de trabajo en una fábrica de Vizcaya
* Eva arratiana (Sociedad Bilbaína)
* La despedida de las lanchas
* Marineros torpedeados
* Retrato de Alfonso XIII
* Retrato de la familia Madariaga (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
* A la romería (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
* Coloquio en los campos de sport (Museo del Athletic Club de Bilbao)
* Frescos del Banco de Bilbao (Madrid)
* El puente de Burceña (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
* Aldeano con vaca y ternero (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
* El frente, la retaguardia y el éxodo.

== Muerte ==

El 10 de noviembre de 1940 falleció a causa de un accidente de [[tranvía]] cuando se dirigía, en compañía de su esposa a Coyoacán. Según el testimonio posterior de Indalecio Prieto, Arteta y su mujer se dirigían a pasar una temporada en el campo, para reponerse de la noticia recibida del fusilamiento el día anterior de [[Julián Zugazagoitia]].

== Fuente ==

http://www.euskonews.com/0017zbk/gaia1702es.html
http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/personajes/1107.htm

[[Category:Artistas_de_la_plástica]]

Archivo:Archipenko.jpg

2011-12-10T23:02:38Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:AGA23267.jpg

2011-12-10T22:37:33Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Fransisco Correa de Arauxo

2011-12-10T22:24:50Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Fransisco Correa de Arauxo |nombre completo = Fransisco Correa de Arauxo |otros nombres = |imagen = |tamaño ...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Fransisco Correa de Arauxo
|nombre completo = Fransisco Correa de Arauxo
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|fecha de nacimiento = 7 de septiembre de 1584
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'''Fransisco Correa de Arauxo'''
Organista y compositor español. Nace en Sevilla, el 17 de septiembre de 1584.

== Vida y Obra ==

Francisco Correa había nacido en Sevilla, en las inmediaciones de la actual calle [[Juan Rabadán]]. La profesión de su padre, botijero, señala su humilde extracción social. Nada conocemos de su primera formación musical, pero es indudable que supo impregnarse del ambiente cosmopolita de la [[ciudad]].

Se le nombra oficialmente organista de la iglesia del Salvador el 1 de septiembre de 1599 frente a su único opositor, Juan Picaporte.

A partir de 1613 firmará ya siempre como bachiller o [[licenciado]], En 1613 oposita a la plaza de organista de la catedral de [[Sevilla]], pero sale perdedor frente a [[Francisco Pérez de Cabrera]], antiguo discípulo y suplente de Peraza. En diciembre del mismo año se presenta a la oposición de [[Málaga]], que pierde también.

[[Archivo:Iglesia_de_San_Pedro_en_Lerma.jpg|200px|thumb|left|Órgano de la iglesia de San Pedro en Lerma (Burgos), instrumento de la época que fue elegido para la grabación de la música de Fransisco Correa, realizada por Andrés Cea para el sello Lindoro]]

En contrapartida, el órgano de San Salvador, instrumento indispensable para el ejercicio de su arte, es objeto de una importante remodelación en 1613, y un nuevo órgano para el coro se construye en 1621. Sobre estos instrumentos, y con el trasfondo de satisfacciones y fracasos, irá gestando Correa la edición de su Facultad orgánica. Publicada en 1626, esta colección de obras para órgano constituye uno de los corpus más importantes de la historia de la música española. Concebida inicialmente como obra pedagógica para la formación de organistas, las 69 piezas que contiene se organizan en cinco niveles de dificultad creciente, a través de los cuales el tañedor alcanzará, primero la eminencia, luego la excelencia en el arte del [[órgano]].

La intención de seguir publicando salpica también las páginas de la Facultad orgánica. Anuncia un libro de versos para órgano y un tratado teórico de «casos morales de música », amén de otras publicaciones futuras.

A partir de 1630, Francisco Correa se verá inmerso en una vertiginosa sucesión de pleitos con su cabildo, reflejo tal vez de un antiguo malestar. Finalmente tuvo lugar la instrucción de una causa criminal contra Correa por el escándalo del 8 de septiembre de 1630: Y fue tanto el ruido que el susodicho causó y lo que el pueblo se alborotó y escandalizó que en gran rato de tiempo no se pudo proseguir con los oficios divinos». Acabó por ello en la cárcel arzobispal, circunstancia que desencadena, a su vez, un nuevo pleito por la posesión de las llaves del órgano.

La situación se va agravando de tal modo que en 1635 el [[cabildo]] de la colegial ya buscaba el modo legal de despedir al organista a quien de tan buena gana había favorecido años atrás.

En febrero de 1636, el cabildo de Jaén invita a Correa a hacerse cargo de su organistía vacante, sin oposición alguna. Se instala inmediatamente en Jaén, donde disfruta incluso de un salario más crecido que en Sevilla, lo que vino a significar un alivio sobre las enormes costas judiciales soportadas hasta entonces. Pero la estancia en Jaén no dura mucho. En 1640 es el cabildo de Segovia quien se interesa por sus «buenas partes de estudio y destreza» y Correa está dispuesto a acudir siempre que no se le someta a oposición frente a otros candidatos. Aceptada la condición, toma posesión de la plaza con el manifiesto beneplácito del cabildo segoviano.

Apenas un año más tarde, en 1641, llegan noticias desde la catedral de Sevilla: ha muerto Pérez de Cabrera, su competidor en la oposición de 1613, y se le invita a venir a opositar, ya que reconocen ahora que es «el más eminente que hoy se conoce en este arte». Después de pensarlo dos veces, Correa opta por no volver a Sevilla «por el riesgo en que se pondría de descrédito si perdiese con los que son sus discípulos». No en vano tiene ya 57 años y arrastra algunos sinsabores. Además, el magisterio de su Facultad orgánica ha debido dar para entonces buenos frutos.

== Legado ==

Desgraciadamente, nada se conoce de lo compuesto por Correa después de 1626. Así, en el contexto de la música española de su tiempo, la Facultad orgánica se yergue como un imponente y solitario monumento.

Por su perfección formal y técnica, una de las cumbres de la música de tecla europea, contemporánea de Titelouze, Frescobaldi, Sweelinck, Bull o Scheidt. Por su profunda belleza e inusual lirismo, uno de los repertorios más frecuentados por organistas actuales de todo el mundo.

La importancia musical e histórica de Correa se basa en su tratado Facultad Orgánica, el cual fue editado en 1626 en Alcalá de Henares. La Facultad contiene 69, tabulaturas y arreglos de cantos litúrgicos, pero además una suma de indicaciones para la técnica y la interpretación del órgano que son un manifiesto de la práctica de la música de su tiempo.

== Muerte ==

Muere en Segovia, el 31 de octubre de 1654.

== Fuente ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/correa.pdf

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/correa_de_arauxo.htm

Su obra Facultad orgánica, publicada en 1626, es uno de los más importantes testimonios de la música de tecla europea del siglo XVII

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Iglesia de San Pedro en Lerma.jpg

2011-12-10T22:17:43Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Alexander Archipenko

2011-12-10T21:53:41Z

Salvio06017 may.jc:

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{{Ficha Persona
|nombre = Alexander Archipenko
|nombre completo = Alexander Archipenko
|otros nombres = Olexandr, Alexander o Aleksandr
|imagen = Archipenko.jpg
|tamaño =
|descripción = Escultor ruso
|fecha de nacimiento = 30 de Mayo de 1887
|lugar de nacimiento = Kiev
|fecha de fallecimiento = 25 de febrero 1964
|lugar de fallecimiento = Nueva York
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Escultor
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
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|web =
|notas =
}}
'''Alexander Archipenko'''.
Escultor ruso.

== Síntesis biográfica ==

Nace en [[Kiev]] el 30 de Mayo de 1887, pionero de la [[escultura]] cubista.
Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr.

Desde su adolescencia ingresa en la [[Escuela]] de [[Arte]] de Kiev, donde permanece hasta 1905. En esta época se siente atraído por la pintura tradicional rusa. Tres años después se traslada a París y acude a la [[Escuela de Bellas Artes]]. Sus creaciones comienzan a ser expuestas en el Salón de los Independientes y luego participa en el Salón de Otoño.

== Inicios en el arte y técnicas aplicadas ==

En sus trabajos iniciales se aprecia una fuerte inclinación hacia el estilo cubista. A partir de una masa elimina materia y crea huecos hasta dar forma a sus esculturas. Aplica por primera vez la técnica del Collage a la escultura al combinar diferentes materiales, [[metal]], [[cristal]], [[madera]]. En este tiempo ejecuta sus escultopinturas, y su nombre comienza a ser conocido en las exposiciones más importantes de las capitales europeas.

== Con Hitler al poder retiran su obra de los museos germanos==

En 1921 celebra su primera exposición individual en Nueva York y dos años después se instala en [[Estados Unidos]]. Al otro lado del [[Atlántico]], abre distintas escuelas del arte en las principales ciudades. En 1928 consiguió la nacionalidad americana. Con la subida de [[Hitler]] al poder su obra fue retirada de los museos germanos, al considerar que era un arte degenerado. Cuando finaliza la [[Segunda Guerra Mundial]] explora otras [[técnicas]] e introduce iluminación en sus trabajos, al tiempo que experimenta con la [[luz]] y el espacio. En la década de los cincuenta inicia su libro "Archipenko: cincuenta años de creatividad, 1908-1958", y en 1960 lo publica.

== Muerte ==

Muere en Nueva York el 25 de febrero 1964

== Fuentes ==

http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/personajes/1092.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/archipenko.htm

[[Category:Artista]] [[Category:Escultor]]

Alexander Archipenko

2011-12-10T21:51:46Z

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|nombre = Alexander Archipenko
|nombre completo = Alexander Archipenko
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|descripción = Escultor ruso
|fecha de nacimiento = 30 de Mayo de 1887
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|lugar de fallecimiento = Nueva York
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|obras =
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}}
'''Alexander Archipenko'''.
Escultor ruso.

== Síntesis biográfica ==

Nace en [[Kiev]] el 30 de Mayo de 1887, pionero de la [[escultura]] cubista.
Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr.

Desde su adolescencia ingresa en la [[Escuela]] de [[Arte]] de Kiev, donde permanece hasta 1905. En esta época se siente atraído por la pintura tradicional rusa. Tres años después se traslada a París y acude a la [[Escuela de Bellas Artes]]. Sus creaciones comienzan a ser expuestas en el Salón de los Independientes y luego participa en el Salón de Otoño.

== Inicios en el arte y técnicas aplicadas ==

En sus trabajos iniciales se aprecia una fuerte inclinación hacia el estilo cubista. A partir de una masa elimina materia y crea huecos hasta dar forma a sus esculturas. Aplica por primera vez la técnica del Collage a la escultura al combinar diferentes materiales, [[metal]], [[cristal]], [[madera]]. En este tiempo ejecuta sus escultopinturas, y su nombre comienza a ser conocido en las exposiciones más importantes de las capitales europeas.

== Con Hitler al poder retiran su obra de los museos germanos==

En 1921 celebra su primera exposición individual en Nueva York y dos años después se instala en [[Estados Unidos]]. Al otro lado del [[Atlántico]], abre distintas escuelas del arte en las principales ciudades. En 1928 consiguió la nacionalidad americana. Con la subida de [[Hitler]] al poder su obra fue retirada de los museos germanos, al considerar que era un arte degenerado. Cuando finaliza la [[Segunda Guerra Mundial]] explora otras [[técnicas]] e introduce iluminación en sus trabajos, al [[tiempo]] que experimenta con la [[luz]] y el espacio. En la década de los cincuenta inicia su libro "Archipenko: cincuenta años de creatividad, 1908-1958", y en 1960 lo publica.

== Muerte ==

Muere en Nueva York el 25 de febrero 1964

== Fuentes ==

http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/personajes/1092.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/archipenko.htm

[[Category:Artista]] [[Category:Escultor]]

Fransisco Correa de Arauxo

2011-12-10T21:30:01Z

Salvio06017 may.jc:

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{{Ficha Persona
|nombre = Fransisco Correa de Arauxo
|nombre completo = Fransisco Correa de Arauxo
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|fecha de nacimiento = 7 de septiembre de 1584
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|fecha de fallecimiento = 31 de octubre de 1654
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|ocupación = Músico organista y Compositor.
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|notas = * Su obra Facultad orgánica, publicada en 1626, es uno de los más importantes testimonios de la música de tecla europea del siglo XVII.
}}
'''Fransisco Correa de Arauxo'''
Organista y compositor español. Nace en Sevilla, el 17 de septiembre de 1584.

== Vida y Obra ==

Francisco Correa había nacido en Sevilla, en las inmediaciones de la actual calle [[Juan Rabadán]]. La profesión de su padre, botijero, señala su humilde extracción social. Nada conocemos de su primera formación musical, pero es indudable que supo impregnarse del ambiente cosmopolita de la [[ciudad]].

Se le nombra oficialmente organista de la iglesia del Salvador el 1 de septiembre de 1599 frente a su único opositor, Juan Picaporte.

A partir de 1613 firmará ya siempre como bachiller o [[licenciado]], En 1613 oposita a la plaza de organista de la catedral de [[Sevilla]], pero sale perdedor frente a [[Francisco Pérez de Cabrera]], antiguo discípulo y suplente de Peraza. En diciembre del mismo año se presenta a la oposición de [[Málaga]], que pierde también.

[[Archivo:Iglesia_de_San_Pedro_en_Lerma.jpg|200px|thumb|left|Órgano de la iglesia de San Pedro en Lerma (Burgos), instrumento de la época que fue elegido para la grabación de la música de Fransisco Correa, realizada por Andrés Cea para el sello Lindoro]]

En contrapartida, el órgano de San Salvador, instrumento indispensable para el ejercicio de su arte, es objeto de una importante remodelación en 1613, y un nuevo órgano para el coro se construye en 1621. Sobre estos instrumentos, y con el trasfondo de satisfacciones y fracasos, irá gestando Correa la edición de su Facultad orgánica. Publicada en 1626, esta colección de obras para órgano constituye uno de los corpus más importantes de la historia de la música española. Concebida inicialmente como obra pedagógica para la formación de organistas, las 69 piezas que contiene se organizan en cinco niveles de dificultad creciente, a través de los cuales el tañedor alcanzará, primero la eminencia, luego la excelencia en el arte del [[órgano]].

La intención de seguir publicando salpica también las páginas de la Facultad orgánica. Anuncia un libro de versos para órgano y un tratado teórico de «casos morales de música », amén de otras publicaciones futuras.

A partir de 1630, Francisco Correa se verá inmerso en una vertiginosa sucesión de pleitos con su cabildo, reflejo tal vez de un antiguo malestar. Finalmente tuvo lugar la instrucción de una causa criminal contra Correa por el escándalo del 8 de septiembre de 1630: Y fue tanto el ruido que el susodicho causó y lo que el pueblo se alborotó y escandalizó que en gran rato de tiempo no se pudo proseguir con los oficios divinos». Acabó por ello en la cárcel arzobispal, circunstancia que desencadena, a su vez, un nuevo pleito por la posesión de las llaves del órgano.

La situación se va agravando de tal modo que en 1635 el [[cabildo]] de la colegial ya buscaba el modo legal de despedir al organista a quien de tan buena gana había favorecido años atrás.

En febrero de 1636, el cabildo de Jaén invita a Correa a hacerse cargo de su organistía vacante, sin oposición alguna. Se instala inmediatamente en Jaén, donde disfruta incluso de un salario más crecido que en Sevilla, lo que vino a significar un alivio sobre las enormes costas judiciales soportadas hasta entonces. Pero la estancia en Jaén no dura mucho. En 1640 es el cabildo de Segovia quien se interesa por sus «buenas partes de estudio y destreza» y Correa está dispuesto a acudir siempre que no se le someta a oposición frente a otros candidatos. Aceptada la condición, toma posesión de la plaza con el manifiesto beneplácito del cabildo segoviano.

Apenas un año más tarde, en 1641, llegan noticias desde la catedral de Sevilla: ha muerto Pérez de Cabrera, su competidor en la oposición de 1613, y se le invita a venir a opositar, ya que reconocen ahora que es «el más eminente que hoy se conoce en este arte». Después de pensarlo dos veces, Correa opta por no volver a Sevilla «por el riesgo en que se pondría de descrédito si perdiese con los que son sus discípulos». No en vano tiene ya 57 años y arrastra algunos sinsabores. Además, el magisterio de su Facultad orgánica ha debido dar para entonces buenos frutos.

== Legado ==

Desgraciadamente, nada se conoce de lo compuesto por Correa después de 1626. Así, en el contexto de la música española de su tiempo, la Facultad orgánica se yergue como un imponente y solitario monumento.

Por su perfección formal y técnica, una de las cumbres de la música de tecla europea, contemporánea de Titelouze, Frescobaldi, Sweelinck, Bull o Scheidt. Por su profunda belleza e inusual lirismo, uno de los repertorios más frecuentados por organistas actuales de todo el mundo.

La importancia musical e histórica de Correa se basa en su tratado Facultad Orgánica, el cual fue editado en 1626 en Alcalá de Henares. La Facultad contiene 69, tabulaturas y arreglos de cantos litúrgicos, pero además una suma de indicaciones para la técnica y la interpretación del órgano que son un manifiesto de la práctica de la música de su tiempo.

== Muerte ==

Muere en Segovia, el 31 de octubre de 1654.

== Fuente ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/correa.pdf

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/correa_de_arauxo.htm

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Joaquin Agrasot

2011-12-10T21:22:48Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Joaquin Agrasot |nombre completo = Joaquin Agrasot |otros nombres = |imagen = AGA23267.jpg |tamaño = |descri...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Joaquin Agrasot
|nombre completo = Joaquin Agrasot
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|descripción = Autoretrato, Joaquin Agrasot.
|fecha de nacimiento = [[1837]]
|lugar de nacimiento = Orihuela
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}}
'''Joaquin Agrasot'''. Pintor de nacionalidad española.

== Síntesis biográfica ==

Nace en [[Orihuela]] 1837. Autor fecundo, practicó diversos géneros, entre ellos el cuadro de costumbres y especialmente el retrato, destacando en cada uno de ellos por su precisión dibujística y la riqueza de los colores empleados.

== Vida y Obra ==

Agrasot inició los estudios en su pueblo natal de Orihuela, obteniendo una pensión de la Diputación Provincial de Alicante para estudiar en la [[Escuela de Bellas Artes]] de San Carlos de Valencia, donde tuvo por maestro a [[Francisco Martínez Yago]]. Años más tarde consiguió una nueva pensión para trasladarse a Roma, contactando con Rosales, Casado del Alisal y Fortuny con el que establecerá estrechos lazos amistosos y artísticos ya que su estilo influirá profundamente en la pintura de Agrasot.

== Éxitos alcanzados ==

Sus deseos de triunfo le llevarán a enviar obras a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes obteniendo importantes éxitos, incluso una segunda medalla. Hasta 1875 permaneció en Italia, regresando a España tras la muerte de su buen amigo Fortuny, consiguiendo un merecido prestigio que le llevará a ser miembro de la [[Academia]] de San Carlos y de la Real de San Fernando, participando como miembro del jurado en varias muestras.

En 1886 recibía la medalla de arte de la [[Exposición]] Universal de [[Filadelfia]] y en 1888 la segunda [[medalla]] en la Exposición Internacional de Barcelona. El estilo de Agrasot se encuadra dentro del [[Realismo]], interesándose por la temática de género y el costumbrismo regional, sin abandonar el desnudo, la temática oriental y los retratos. Obligado por la moda trabajó también en pinturas de historia con las que se podían obtener éxitos en los canales oficiales del arte español decimonónico. La influencia de su buen amigo Fortuny será determinante en su [[pintura]].

== Muerte ==

Muere en Valencia en 1919

== Fuentes ==
http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/personajes/1021.htm
[[Category:Pintor]][[Category:Pintores]][[Category:Artista]][[Category:Artistas_de_la_plástica]]

Archivo:Francisco guerrero.jpg

2011-12-10T18:23:56Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Francisco Guerrero

2011-12-10T17:15:20Z

Salvio06017 may.jc:

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{{Ficha Persona
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|descripción = Francisco Guerrero, compositor español
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|notas = * Su música representa la cima de la polifonía sacra española.
}}
'''Francisco Guerrero'''
Nace en Sevilla, España el 4 de octubre de 1528.
Ilustre compositor; su música representa la cima de la polifonía sacra española.

== Vida y obra ==

Poco se sabe de los primeros años de vida de este compositor, salvo que fue discípulo de su hermano Pedro y del mencionado Morales, de quien aprendió contrapunto. [[Maestro]] de capilla en distintas catedrales españolas (Jaén, Sevilla), Guerrero llevó una existencia itinerante que le condujo a capitales como [[Lisboa]], [[Roma]] y [[Venecia]]. En [[1588]] inició una peregrinación a [[Tierra Santa]], cuyas vicisitudes quedaron plasmadas en el libro [[El viaje de Jerusalén]] (1611).

De sus años de juventud datan las obras de carácter madrigalesco, probablemente interpretadas en los círculos cortesanos y en las academias sevillanas de la segunda mitad del [[siglo XVI]]. Junto a ellas, y derivadas de las obligaciones de su posición en la [[catedral]], compone numerosas chanzonetas destinadas a las principales festividades del ciclo litúrgico anual. Sólo una escogida selección de las mismas, «transformadas a lo divino», verá la luz tardíamente, cuando decida imprimirlas en la colección de libretes Canciones y Villanescas Espirituales (Venecia, 1589) aconsejado por sus amigos y movido por la corrupción que éstas estaban sufriendo en su transmisión manuscrita.

Paulatinamente, su obra se va abriendo paso en el repertorio de la catedral de Sevilla, desplazando a la de otros maestros, imponiéndose y monopolizando, en determinados casos, la solemnización de las ceremonias llevadas a cabo en esta institución. El impacto de los decretos del Concilio de Trento y la adopción en la archidiócesis hispalense del nuevo rezado romano, en 1575, con la imposición del Breviario (1568) y el Misal (1570) de Pío V, obligan al compositor a la revisión y adaptación de su ciclo himnódico y de su misa de réquiem, e influyen en el contenido y organización de sus colecciones de motetes. Además, la producción musical de Guerrero ocupa un lugar privilegiado en los libros manuscritos conservados para uso de los ministriles del siglo XVI. Este hecho debió verse favorecido por la tradición de la participación de estos conjuntos de instrumentistas de viento en la catedral de Sevilla, pionera en su contratación estable en 1526, y por la propia formación musical del compositor, tañedor de vihuela de siete órdenes, arpa, corneta y otros instrumentos.

El prestigio del compositor ayudó a la difusión de su obra manuscrita e impresa por todo el territorio español, que se integrará en el repertorio interpretado tanto en pequeñas instituciones colegiales como en los grandes centros catedralicios del momento, así en la metrópoli (baste citar el caso de la catedral de Toledo) como en los territorios colonizados. Entre otras, las catedrales de [[México]], [[Guatemala]] y [[Lima]] convirtieron su Liber vesperarum (Roma, 1584) en el repertorio central cantado en la hora de Vísperas. En 1601, dieciséis ejemplares de este impreso eran embarcados al Nuevo Mundo, alcanzando lugares tan alejados de su Sevilla natal como la colonia portuguesa de Goa (India), donde ya se usaba en 1588, sólo cuatro años después de su impresión.

Maestro en el arte del contrapunto y en el manejo de las técnicas imitativas, hacia finales de la década de 1580, empieza a experimentar con obras policorales, ejemplificadas por su motete O Clemens a trece voces. La consideración a la figura y obra de Guerrero se ve reflejada ya en vida del compositor y tendrá continuidad a través de diversas referencias y poemas laudatorios, entre otros, de los literatos Lope de Vega, Luis de Góngora o Vicente Espinel y en escritos de los teóricos Gioseffo Zarlino, Vincenzo Galilei, Andrés Lorente y Francisco Valls, quienes proponen sus obras como modelos de estudio.

== Legado ==

Francisco Guerrero Compuso 18 misas y unas 150 piezas litúrgicas diversas, incluyendo motetes, salmos, vísperas,… además de canciones sacras y profanas (ejemplo: "canciones y villanescas espirituales"). Varias de sus composiciones de distinto género están contenidas en el Cancionero musical de la casa de Medinaceli.

A lo largo de los cincuenta años al servicio de la catedral de Sevilla, una parte importante de la producción musical de Francisco Guerrero irá canonizándose en el.

Su obra dejará una huella indeleble en la institución hispalense que vivió durante esos años su particular edad dorada musical, hasta tal extremo que le rindió homenaje sepultándolo en la capilla de la Virgen de la Antigua, su espacio devocional más venerado.

== Muerte ==

Muere el 8 de noviembre de 1599
== Fuentes ==

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/guerrero.htm

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/guerrero.pdf

[[Category:Músico]][[Category:Compositor]]

Francisco Guerrero

2011-12-10T17:14:11Z

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Felipe Pedrell

2011-12-10T01:18:04Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Felipe Pedrell
|nombre completo = Felipe Pedrell
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|tamaño =
|descripción = Compositor, profesor, crítico, editor y musicólogo.
|fecha de nacimiento = 1841
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'''Felipe Pedrell'''
Compositor, [[profesor]], crítico, editor y musicólogo. Nace en [[Tortosa]], 1841.

== Vida y Obra ==

Hizo sus primeros estudios musicales con [[Antoni Nin]], maestro de capilla de la [[catedral]] de su ciudad. Sus primeros ensayos fueron un Stabat Mater, algunas danzas para orquesta, melodías y misas. En [[1859]] hizo su primer viaje a [[Barcelona]], donde tuvo ocasión de oír ópera, lo que fue un gran estímulo para su vocación.

Durante casi veinte años residió en Barcelona, adonde se había trasladado desde su Tortosa natal en 1873. Allí se estrenaron dos de sus óperas, L’ultimo Abenzeraggio y Quasimodo, en el Teatro del Liceu.

A los treinta años tenía ya escritas más de 120 obras de distintos géneros, entre las que destaca la ópera L'ultimo Abenzarraggio, estrenada en el Teatro del Liceo de Barcelona el 14 de abril de 1874. De la misma época datan una serie de artículos en la revista España musical, así como los opúsculos Apuntes y observaciones sobre estética musical, Gramática musical y la pequeña enciclopedia Los problemas del pianista. Tras el estreno de su segunda ópera, Quasimodo, en el mismo teatro (1875), escribe varias composiciones de música sacra y se traslada a Roma pensionado por las Diputaciones de Tarragona y Gerona.

== En París ==

En 1877 se instala en [[París]], donde escribe la sinfonía El cant de les muntanyes, un Cuarteto de cuerda y el poema lírico Il Tasso. Su ópera Cleopatra es premiada en Francfort. A partir de 1882 emprende con ardor infatigable diversas publicaciones.

También pasó a interesarse por la investigación musical, animado en parte por prolongados viajes a [[Roma]] y [[París]]. De vuelta en Barcelona, fundó dos revistas, Notas musicales y literarias y Salterio sacro-hispano, publicando obras de compositores españoles en la segunda. Otro de los proyectos de Pedrell fue la serie «Musichs vells de la terra», que se mantuvo durante varios años en la [[Revista Musical]] Catalana, una de las publicaciones musicales españolas de referencia. Su logro más relevante en el ámbito de la musicología, cuyos objetivos y métodos había codificado Guido Adler en una fecha tan reciente como 1885, fue sin duda su edición de las obras completas de Tomás Luis de Victoria, publicadas en Leipzig (1902-1913). En una dimensión menos internacional, pero de una importancia fundamental para los compositores españoles, fue el Cancionero musical popular español (1917-1921).

Pedrell compuso Els Pirineus (Los Pirineos), la primera obra de un proyecto de trilogía operística. Hizo público su famoso manifiesto "Por nuestra música" (1891) con la contundente declaración de que «sobre la base del canto nacional debía construir cada pueblo su sistema», una vigorosa declaración que él atribuía a [[Antonio Eximeno]], el jesuita del [[siglo XVIII]].

== En Madrid ==

En 1894 Pedrell se trasladó a Madrid para dirigir el programa de canto coral en el Conservatorio. Allí compuso la segunda ópera de su trilogía, La Celestina, en 1902; la tercera entrega no llegaría a completarse nunca. También promocionó la música religiosa española, fundando con ese fin el Coro Isidoriano.

En 1904, sin embargo, volvió a mudarse a Barcelona, donde concluyó su última ópera, El comte Arnau. Aunque convencido de sus capacidades como compositor, sus obras fueron recibidas con un éxito muy limitado y posteriormente abandonó la composición.

Pedrell dio clases de composición tanto en Barcelona como en Madrid. Entre sus alumnos se encuentran algunos de los compositores españoles más importantes del [[siglo XX]], [[Albéniz]], [[Granados]], [[Falla]] y [[Gerhard]].

== Legado ==

Aparte de sus alumnos, podemos considerar el legado de Pedrell desde algunos otros puntos de vista. Muchos compositores se inspiraron en las riquezas del Cancionero. Además, las contribuciones de Pedrell a la [[musicología]] española, incluidos los ánimos que dio al joven Higini Anglès, fueron esenciales para el avance de la disciplina en [[España]].

Pedrell ha tenido también algunas interesantes repercusiones, contribuyendo
a la construcción de un misticismo musical inequívocamente español. Lo que resulta quizá más importante es que las cuestiones que suscitó Pedrell siguen debatiéndose en la actualidad en [[Europa]] y en [[Las Américas]].

En la actualidad está bastante claro, que las reflexiones de Pedrell sobre la identidad musical española resultan ahora tan pertinentes como lo fueron hace un [[siglo]].

== Muerte ==

Muere en Barcelona el 19 de agosto de 1922

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/pedrell.pdf

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pedrell.htm

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Steingress pedrell.jpg

2011-12-09T23:37:19Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Mateo Romero

2011-12-09T23:28:26Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Mateo Romero |nombre completo = Mateo Romero |otros nombres = |imagen = |tamaño = |descripción = Consider...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Mateo Romero
|nombre completo = Mateo Romero
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|tamaño =
|descripción = Considerado el compositor más prestigioso de la corte de Madrid durante la primera mitad del siglo XVII
|fecha de nacimiento = Hacia 1575
|lugar de nacimiento = Lieja (Bélgica)
|fecha de fallecimiento = 10 de mayo de 1647
|lugar de fallecimiento = Fue enterrado en la iglesia de los Premonstratenses de Madrid, siguiendo sus disposiciones testamentarias.
|causa muerte =
|residencia =
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|alma máter =
|ocupación = Músico
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|sucesor =
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|cónyuge =
|hijos =
|padres = Jean Romarin y Pascale Loart
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|obras =
|premios =
|titulos =
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|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Mateo Romero'''
Natural de [[Lieja]] ([[Bélgica]]), donde fue traído al mundo hacia [[1575]] por Jean Romarin y Pascale Loart. Es considerado el compositor más prestigioso de la corte de Madrid durante la primera mitad del [[siglo XVII]]. Son numerosos los testimonios de la época que hablan de su talento y del respeto que le tenían sus contemporáneos.

== Vida y obra ==

En la ciudad donde nació fue reclutado, en 1585, por emisarios de Felipe II con el fin de servir como niño cantor. En octubre de ese año pasó a España y a comienzos del año siguiente le encontramos ya entre los músicos de la Capilla Real como “Mathieu Romarin”, junto a los “cantorcillos que vinieron de Flandes”. Allí recibió las enseñanzas de Geor ge de la Hèle y el maestro de capilla, [[Philippe Rogier]]. Allí, también, debió demostrar el talento sobresaliente entre sus compañeros que le valiera el curioso apodo de “Maestro Capitán” o “Capitán” y que movió a [[Felipe III]] a nombrarlo maestro de capilla apenas accedió al trono en 1598.

También es cierto lo afirmado por Valle en cuanto al trato de favor que recibió por parte de Felipe IV, quien le ratificó como maestro en 1621 y le llenó de nombramientos inalcanzables para los músicos de la época. Esto último se debió a la relación personal que el músico tenía con el monarca, a quien había enseñado composición y viola da gamba. Pero también pudo verse facilitado por el linaje que ostentaban sus padres, quienes eran, según Paul Becquart, “nobles que poseían blasones”. El hecho es que fue nombrado escribano de la orden del Toisón de Oro en 1621 y Capellán de los Reyes Nuevos de Toledo en 1624 (previa concesión de la “naturaleza castellana” en 1623). Obviamente, estos nombramientos tenían muchas veces un carácter honorario y el único fin de incrementar los ingresos y el prestigio social del beneficiario. Aparte de ello, su ordenación como sacerdote en 1605 le había permitido obtener “pensiones” con fondos de diversas diócesis o arquidiócesis: Pamplona (1611), Jaén (1621), Santiago de Compostela y las Canarias (1622) y Toledo (1623). Todo ello le permitió acumular un capital considerable.

Mantuvo un estrecho contacto que mantuvo con el duque Juan de Braganza, uno de los más notables melómanos de la época, quien tenía en su biblioteca musical varias obras de Romero y las hacía ejecutar con frecuencia. En 1638 invitó al compositor a visitar su corte en Portugal durante varios meses, hecho que, a fines del siglo XIX, despertaría las sospechas del compositor e investigador [[Francisco Barbieri]] de que Romero hubiese sido enviado allí por el propio [[Felipe IV]] como espía, para sondear las posibles intenciones del duque de independizarse de España. De haber sido así, sus gestiones habrían sido infructuosas, pues es bien sabido que el duque iba a encabezar la rebelión de 1640 y a asumir el trono de Portugal con el nombre de Juan IV.

Por estos años la salud de Romero se hallaba fuertemente alicaída, siendo poco probable que se mantuviese activo en la música. En documentos de 1633 y 1642 declara estar en cama y enfermo; luego, en el testamento póstumo otorgado en su nombre por Pedro Varaez de Castro, en agosto de 1647, se mencionan los diversos “accidentes y enfermedades que había tenido”.
Aunque estos documentos contienen pocos detalles relacionados con la música, es interesante la mención en 1633 a su “criado” Juan de Navas, a quien deja 100 ducados de vellón.

Como señala [[Louis Jambou]], dicho criado podría corresponder al músico Juan Gómez de Navas, cantor de la Real Capilla y padre del más conocido compositor y arpista de la misma institución, Juan Francisco de Navas.

== Características esenciales de su obra ==

Estas obras en lengua vernácula tienen dos secciones con características diferenciadas: el estribillo presenta una menor cantidad de texto y una mayor elaboración musical, con abundantes imitaciones y momentos descriptivos; en la copla, en cambio, se emplea el diálogo responsorial entre bloques sonoros o la textura homofónica, reservándose la imitación para los versos finales, cuando la narración ya ha sido comprendida. Algunos de sus tonos muestran además un uso abundante de sostenidos y bemoles, que en algunos casos dan la sensación de verdaderas modulaciones.

En cuanto a sus obras sacras en latín, su estilo puede ser descrito, según Judith Etzion, como una “reinterpretación barroca de la música renacentista”. Se trata, pues, de obras que a primera vista se ajustan al formato del siglo XVI, pero muestran una permanente representación de los “afectos” del texto y un uso más atrevido de la disonancia. Dentro de este grupo, sus piezas policorales aparecen como las más cercanas a un estilo “barroco” en un sentido arquetípico, por su preponderancia de la textura en acordes, el tratamiento aun más libre de la disonancia y la presencia de un bajo instrumental.

== Legado ==

El primero de estos tipos [los músicos de la Real Capilla] a quien el mundo ha dado el laurel fue el maestro Capitán, Mateo Romero, maestro en el arte de la música del rey nuestro señor don Felipe IV y maestro de su Real Capilla, mereciendo por sus obras ser honrado y favorecido de S. M. con plaza de su capellán de honor y capellán de los Reyes Nuevos de Toledo. […] Honrole también S. M. con hacerle secretario de la gran caballería del Tusón, todos los cuales dichos oficios, con pensiones que tenía sobre obispados, le valían en cada año cinco mil ducados de renta, sin las ayudas de costa que S. M. le daba. Fue de nación flamenca, natural de Lieja; tuvo el mejor gusto para componer villancicos y tonos de guitarra que se ha conocido en hombre de su arte.

Como afirma el citado [[Lázaro del Valle]], Romero compuso tanto música en castellano (“villancicos y tonos de guitarra”) como obras sacras en latín (misas, salmos y otros), hecho que le muestra como un compositor extraordinariamente completo. Él mismo acompañaba a la guitarra sus numerosos villancicos (piezas polifónicas con texto sacro) y tonos (piezas polifónicas con texto profano) cuando eran interpretados, respectivamente, en la capilla de palacio o la cámara del rey. No en vano es el compositor más representado en el famoso Cancionero de Sablonara, una recopilación de los mejores tonos que se cantaban en la corte madrileña hacia 1625.

== Muerte ==

Romero murió el 10 de mayo de 1647 y fue enterrado en la iglesia de los Premonstratenses
de Madrid, siguiendo sus disposiciones testamentarias.

== Posterior a su muerte ==

Al año siguiente, el rey Juan IV de Portugal intentó adquirir todos sus “papeles de música” por medio de su embajador en Madrid, cosa que sólo consiguió parcialmente unos años después, en 1652, cuando otro corresponsal
le hizo llegar algunas obras de Romero y un tratado de su autoría, hoy perdido.

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/romero.pdf

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Mateo Flecha

2011-12-09T22:56:33Z

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'''Mateo Flecha “El viejo”.'''
Nació en 1481 en la localidad de [[Prades]] ([[Tarragona]]). Compositor español [[renacentista]], conocido por sus ensaladas.
[[Archivo:Musica_impresa02.jpg|150px|thumb|left|Ensaladas de Mateo Flecha]]

== Vida y obra ==

Hijo segundo de alguna familia del entorno de los Cardona, a Flecha le destinarían desde niño a la carrera [[eclesiástica]], lo que explica que su nombre se vincule al de un beneficiado de la catedral de Barcelona, Jaime Castelló, antiguo capellán y cantor de la capilla de [[Juan II de Aragón]]. Tras el óbito del maestro hacia 1494, Flecha continuaría su aprendizaje al amparo de la catedral barcelonesa o de alguna otra institución eclesiástica, desvaneciéndose su pista hasta un día de diciembre de 1522 en que fue nombrado cantor falsetista de la catedral de Lérida. A los ocho meses de su ingreso accedió al cargo de “magister cantus” de la institución, que no debió cumplir sus expectativas porque apenas tres años después lo abandonaba.

== Primeras composiciones ==

Las primeras composiciones que se relacionan con el nombre de Flecha son de de tono picaresco Desde el comienzo Flecha se revela como alguien consciente de las posibilidades de asociación de la música con el espectáculo a nivel evocativo, un gusto que se afianza desde la primera de sus ensaladas género que le proporcionaría si no fortuna sí al menos fama.

A pesar de sus similitudes con otros contemporáneos suyos, son notables las diferencias que le separan de la más antigua de las ensaladas de Flecha, Los chistes, que supone un importante salto en la evolución estética de su compositor así como del villancico navideño de tipo pastoril, que adquiere unas dimensiones hasta entonces insólitas a la luz de los modelos paralelos del chiste y la ensalada, cuyos primeros ejemplos no son para nada de tema sacro. La evolución de la ensalada hacia ese terreno no se explica sin un contexto donde interpretarla, que no fue otro que una capilla privada abierta a las novedades como la de don [[Fernando de Aragón]] y [[Germana de Foix]], virreyes de Valencia desde poco antes que Mateo Flecha fuese nombrado [[maestro]] de [[capilla]] de su catedral en septiembre de 1526.

Flecha duró en Valencia poco más de cuatro años, periodo del que datan, aparte de Los chistes, sus ensaladas La negrina, La caza y la más llamativa de todas, El jubilate, sutilmente referida a la batalla de Pavía (24 febrero 1525) en la que fue apresado Francisco I de Francia y llevado prisionero a [[Madrid]]. Las canciones alusivas a la insólita captura del rey francés no debieron faltar y Flecha lo demuestra incorporando, entre otras, una que califica a Francisco I nada menos que de cobarde.

Lo llamativo de las ensaladas de Mateo Flecha atrajeron la atención de la poderosa familia de los Mendoza, en cuya órbita el compositor permanecería, salvo algún paréntesis, desde fines de 1530 hasta su retiro al monasterio de Poblet donde falleció hacia 1553.

Compuso La guerra, homónima de La guerre en la que el compositor francés celebra la derrota que el ejército de su país infringió a los mercenarios suizos en septiembre de 1515.

El argumento de La guerra lleva a emparejarla con otra de las ensaladas de su autor, La justa, en la época su obra más conocida, alusiva a la entrada de Carlos V en Viena en septiembre de 1532

Entre una y otra Flecha escribió al menos otras dos ensaladas, El [[fuego]] y la que sin duda es una de sus obras maestras, La bomba, objeto de imitación y parodia por parte de los compositores hispanos de la generación siguiente a la suya. Estrenada en la Navidad de 1531 o algo más tarde, la ensalada rinde homenaje a Gil Vicente, de quien cita un pasaje de su Triunfo do inverno (1529), al tiempo que alude a la visita aquel mismo año de [[Francisco Pizarro]], conquistador del Perú, a la corte de Carlos V.

A su regreso de Viena a España a fines de 1533, el emperador visitó a los duques del Infantado, circunstancia a la que se vincula la ensalada El toro, seguiría poco después, Las cañas, escrita con motivo del enlace matrimonial, en 1534, de Diego Hurtado de Mendoza, primogénito del IV Duque del Infantado, con su prima María de Mendoza y Fonseca. Trató de regresar a Valencia buscando el favor del duque de Calabria y el de su segunda esposa, la muy culta Mencía de Mendoza a la que alude indirectamente la última de sus ensaladas, La viuda.

A raíz del óbito de la emperatriz en 1539 Flecha se convirtió en el maestro de capilla de las infantas doña María y doña Juana, a las que sirvió hasta su retiro unos diez años después. Aunque no es probable que dejase de componer en esta su última etapa profesional, todas sus obras conservadas son de fecha más temprana.

Entre las fuentes que transmiten la producción musical de Mateo Flecha el Viejo ocupa un lugar preferente el impreso de Las ensaladas (Praga, [[1581]]), de cuya edición se encargó su sobrino y también compositor Mateo Flecha el Joven.

== Piezas atribuidas a Mateo Flecha: ==

=== '''Ensaladas a 4 voces:''' ===
* El fuego
* El jubilate
* La bomba
* La caça
* La guerra
* La justa
* La negrina
* La viuda

=== '''Ensaladas a 5 voces:''' ===
* Las cañas
* Los chistes
* El cantate o dança despadas (perdida)

=== '''Villancicos a 3 voces:''' ===
* Encúbrase el mal que siento
* triste de mí
* Si sentís lo que yo siento
* Vella de vós som amorós (atribuido)

=== '''Villancicos a 4 voces:''' ===
* Mal haya quien a vos casó
* Que farem del pobre Joan
* Teresica hermana
* Tiempo bueno

=== '''Villancicos a 5 voces:''' ===
* Si amores me han de matar

=== '''Obras sagradas en latín:''' ===
* Miserere (4 voces)
* Doleo super te (perdida)

== Muerte ==

Muere en 1553 en el Monasterio de Poblet (Tarragona).

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/mflecha.pdf
http://www.gallarda.es/AUTORES/DB0075.pdf

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Musica impresa02.jpg

2011-12-09T22:45:38Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Fransisco Valls

2011-12-09T22:22:44Z

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'''Fransisco Vall'''
Nació hacia 1671. Compositor y teórico musical del [[barroco]] español, uno de los máximos exponentes de la música barroca en Cataluña.

== Vida y obra ==

Los biógrafos sostienen que Valls nació y pasó toda su vida en [[Cataluña]], pero no hay datos concluyentes sobre su vida antes de su llegada al [[magisterio]] de Santa María del Mar de Barcelona en 1696, durante su destierro, o tras su jubilación en 1726.

No se sabe con certeza dónde nació, dónde se formó, ni dónde comenzó su carrera profesional (se ha propuesto sin fundamento que desempeñó el magisterio de la colegiata de Mataró o la catedral de Girona). Hay indicios que sugieren que durante alguno de estos períodos pudo haber estado vinculado con Valencia. En su primer escrito de defensa en la controversia (1715) cita como únicas autoridades a cuatro compositores activos en la región valenciana
durante la segunda mitad del [[siglo XVII]] A esto hay que añadir que su única composición que puede fecharse durante su depuración política es el oratorio El cultivo del alma, compuesto para San Felipe Neri de Valencia en 1720.

Un número bastante notable de sus obras fueron compuestas para celebraciones religiosas relacionadas con eventos políticos –casi siempre promovidos por la Consell de Cent o la Diputación de Cataluña– como la paz con Francia y liberación de [[Barcelona]] ([[1697]]), la llegada de Felipe V a Madrid (1701), su estancia en Barcelona (1701-02), la entrada del Archiduque Carlos ([[1705]]) y un gran número de festividades en las que participó alguno de los dos monarcas.

Fue miembro activo de esta academia aristocrática fundada en 1700, siendo uno de los pocos músicos contemporáneos vinculados, en pie de igualdad, con las élites culturales y políticas de su entorno. Su obra más conocida, la misa Scala Aretina, es una de las obras fundamentales del barroco español. Compuesta en 1702 para tres solistas, dos coros de cuatro voces, dos violines y acompañamiento, en años posteriores le añadió una pareja de oboes y otra de clarines.

Valls escribió Gloria esta obra para celebrar el regreso del Archiduque a Barcelona en diciembre de 1710 o, más probablemente, para festejar en esa ciudad –donde todavía residía su esposa Elisabeth de Brunswich– su coronación como emperador [[Carlos VI]].

Después de su jubilación, Valls se dedicó a redactar el Mapa Armónico-Práctico, que ya había completado en 1735

== Características de sus obras ==

En su producción predomina de forma abrumadora la [[música]] religiosa. Los inventarios de sus obras donadas a la [[catedral]] a su jubilación y a su muerte recogen más de 600 composiciones, de las que se han conservado cerca de la mitad en la [[Biblioteca]] de Catalunya.

Predominan ligeramente las obras en latín: junto a los géneros más comunes como misas y salmos encontramos un elevado número de responsorios de maitines y motetes para las más diversas fiestas. También es importante el número de obras en romance, si bien en menor número que las latinas, destacando la casi total ausencia de villancicos de Navidad y Reyes, una excepción en el panorama contemporáneo catalán y español.

Esta singularidad se debe probablemente a las convenciones ceremoniales de la Catedral de Barcelona, donde no parece que se cantaran villancicos en dichas fiestas siendo en cambio habitual interpretar responsorios concertantes en diversas ocasiones.

La presencia de violines apunta a que Valls fue de los primeros compositores en incorporar estos instrumentos fuera de la [[Capilla Real]] madrileña y antes de la llegada de los músicos extranjeros con el Archiduque a partir de 1705. La rápida adopción de los modelos italianos y austríacos, inspirada sin duda en la música de Caldara, Fux y Porsile que pudo escuchar en la corte de Barcelona, se puede ver comparando esta obra con su misa Ut queant laxis, construida igualmente sobre el mismo cantus firmus y basada en el molde de la Scala Aretina.

La lectura de muchos de los textos de estas festividades y su realización musical , obras de grandes dimensiones para tres o cuatro coros con nutrida participación instrumental, demuestran que se trata de composiciones de carácter civil y áulico destinadas a ensalzar tanto al promotor como al monarca, dentro del marco de una fiesta religiosa.

== Muerte ==

Falleció el 2 o 3 de junio de 1747.

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/franciscovalls.pdf

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Juan Gutiérrez de Padilla

2011-12-09T21:52:38Z

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'''Juan Gutiérrez de Padilla.'''
Compositor de música del barroco. Nace en Málaga, España en 1590

== Vida y obra ==

Fue colegial de los primeros que fundaron el [[Colegio de San Sebastián]] de la ciudad de Málaga y allí sirvió con su voz en el dicho colegio seis años con aplauso y tres o cuatro de maestro de capilla en la [[Iglesia]] de la ciudad de Ronda y llevó por oposición el oficio de maestro de capilla de la Iglesia Colegial de Jerez de la Frontera, que sirvió tres años y se opuso al magisterio de la [[Catedral de Málaga]] y en la oposición fue nombrado segundo lugar.

Además de los datos anteriores, se sabe que Padilla opositó al magisterio de capilla de Antequera en agosto de [[1608]], proceso en el que resultó ganador Juan de Riscos, aunque se le otorgaron al malagueño “doce ducados como ayuda de costa”. El maestrazgo de Jerez de la Frontera lo obtuvo el 13 de agosto de [[1612]], en sustitución de Bartolomé Méndez de la Carrera.
[[Archivo:Catedral_de_Pueblas.jpg|150px|thumb|left|Catedral de Puebla de los Ángeles (México) donde Juan Gutiérrez de Padilla fue maestro de capilla]]

También concursó, sin éxito, por el maestrazgo de la catedral de Málaga, cuando en 1613 se otorgó a Estevão de Brito dicha posición.

Ya en [[Puebla]], fue aceptado como cantor de la catedral en septiembre de 1622. Desde ese momento fungió como maestro asistente de Gaspar Fernández, a quien sustituyó a su muerte, acaecida en 1629. Estableció un taller de instrumentos, los mismos que vendía no sólo en México, sino también en Guatemala.

== Legado ==

La producción de Gutiérrez de Padilla abarca los [[géneros]] consabidos de la práctica religiosa en la que estuvo inmerso: misas, motetes, himnos, responsorios, una pasión, letanías, salmos y más de medio centenar de villancicos, algunos de los cuales se conservan en juegos completos, particularmente, los escritos para navidad. Aunque se localizan obras suyas en Guatemala o en la Colección Sánchez Garza, la inmensa mayoría de su obra se resguarda en Puebla. Ha de señalarse que toda esta música fue creada en un entorno particularmente propicio.

La propia bonanza de la ciudad, punto medio y obligada etapa del tránsito y comercio entre la península y las colonias orientales, así como el fuerte impulso que el obispo Juan de Palafox dio a la construcción de la catedral de Puebla y a la ciudad misma, resultaron definitivos para que a mediados del [[siglo XVII]]. En tal sentido Gutiérrez de Padilla pudo disponer de una amplia capilla que podía interpretar el más amplio repertorio. Sobreviven varios cuadernos de villancicos de su autoría que reflejan la diversidad cultural de Puebla.

En las obras para un solo coro de Gutiérrez de Padilla se puede aquilatar un dominio absoluto de los parámetros del '''''ars perfecta''''': el texto es claramente acomodado y el contrapunto reserva sus momentos de mayor tensión interválica para intensificar conceptos importantes del texto.

Sería prolijo dar cuenta de las innumerables sutilezas que distinguen a la escritura de Gutiérrez de Padilla. Su inusual sentido de las tensiones armónicas, el vibrante contraste de texturas que caracteriza a su música policoral, el fino sentido de la hypotiposis y una escritura de líneas contrapuntísticas de trazo impecable, son apenas algunos de los elementos que explican la fuerza estética y la emoción que caracterizan a la producción de este músico, quizá el más importante compositor del siglo XVII en el Nuevo Mundo.

== Muerte ==

Muere en Nueva España, 8 de abril de 1664

== Fuentes ==
http://www.march.es/musica/publicaciones/jgutierrez/.pdf

(Artículo) Ricardo Miranda: “Juan Gutiérrez de Padilla, luz de los ángeles en la música”, Heterofonía, núm. 125, julio-diciembre 2001, pp. 31-49.

[[Category:Músico]] [[Category:Compositor]]

Archivo:Catedral de Pueblas.jpg

2011-12-09T21:47:13Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Rafael Benedito Vives

2011-12-09T20:28:15Z

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}}<div align="justify">'''Rafael Benedito Vives'''.
Nace en [[Valencia]] en 1885.
Director de orquesta y compositor español. Fue inspector general de enseñanza Musical del Ayuntamiento de [[Madrid]], profesor en el Instituto-Escuela, Colegios de San Isidoro y San Ildefonso, Reformatorio Príncipe de Asturias.

== Vida y obra ==

En 1915 creó la orquesta de Amigos de la Música, compuesta de sesenta y cinco ejecutantes principiantes pertenecientes a todas las clases sociales. Fundó en Madrid la orquesta de su nombre (1917), Crea La Masa Coral de Madrid (1919).

Entre 1921 y 1922, fue pensionado por el [[Ministerio de Instrucción Pública]] para estudiar [[pedagogía]] musical y organización de orquestas y agrupaciones corales en Francia y Alemania. En este último país, dirigió varios conciertos de música española en Berlín (Orquesta Filarmónica de Berlín), Weisbaden (Orquesta de Kushaus), Fráncfort del Meno (Orquesta Sinfónica), y Múnich.

En 1926 se le tributó un homenaje en Madrid, por su labor de difusión cultural, pues a su iniciativa se debe la ejecución de las más bellas obras corales en esa villa. Es autor de varias series de canciones populares e infantiles, y ha publicado varios trabajos de interés musical: El piano amigo del [[niño]], Cómo se enseña el canto y la [[música]], La música en la escuela, entre otras.

Crea los Coros Universitarios (1927), instituciones cuya dirección tomó a su cargo.

== Datos importantes ==

Por su práctica de la pedagogía musical, el maestro Benedito fue requerido por la Junta de Ampliación de Estudios para dirigir los de música y canto en distintos centros docentes de Madrid.

Fue delegado especial de [[España]] en el [[Congreso Internacional]] del Ritmo, celebrado en Ginebra, participando en un curso práctico de rítmica, explicado por el profesor Jacques-Dalcroze.
Fue inspector general de Enseñanzas musicales del Ayuntamiento de Madrid. Ha desempeñado importantes misiones culturales en los cursos para extranjeros y organizado clases especiales de folklore y costumbres populares en la Junta de Ampliación de Estudios y en la Universidad de Madrid, de la que también fue profesor de música y director de coros.

== Muerte ==

Se conoce que muere en 1963

== Fuentes ==
http://www.gallarda.es/AUTORES/DB0028.pdf
http://www.laenciclopedia.com/dbiografias/html/popbio.asp@clave=40034.htm

[[Category:Músico]]

Francisco Guerrero Marín

2011-12-09T18:34:15Z

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|descripción = Compositor español de música clásica.
|fecha de nacimiento = 7 de julio de 1951
|lugar de nacimiento = Linares, España.
|fecha de fallecimiento = 19 de octubre de 1997 a los cuarenta y seis años
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|causa muerte =Muere en extrañas circunstancias.
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}}<div align="justify">'''Francisco Guerreo Marín'''

[[Compositor]] español de música clásica. Nace en [[Linares]], el 7 de julio de 1951. Es autor de más de 70 obras, en muchas de las cuales su procedimiento compositivo se basa en las matemáticas.

== Vida y obra ==

Se inició en la música de la mano de su padre que tocaba el piano y era profesor de [[música]], así como organista en la iglesia de [[San Juan de Dios]] de Granada. Después de adquisición él unos sólidos conocimientos de piano y solfeo, asiste entre 1966 y 1969 a las clases poco ortodoxas que imparte [[Juan Alfonso García]], organista de la catedral de Granada: Al mismo tiempo Guerrero alimenta su insaciable curiosidad de manera autodidacta. Ejemplo de ello es Partita (1967) para órgano, una obra compuesta con tan sólo dieciséis años, que publica gracias a García en la revista Tesoro Sacro Musical y que constituye una interpretación personal de los principios seriales. En 1968 conoce a Luis de Pablo, quien será determinante en sus primeros años como compositor. No en vano su obra Facturas (1969), ganadora del Concurso Manuel de Falla, supone una asimilación de la aleatoriedad formal que De Pablo emplea en sus Módulos (1964-67).

En 1971, con diecinueve años, decide trasladarse a la capital para desarrollar su carrera como compositor y vivir de cerca la efervescencia musical madrileña de los últimos años de la dictadura franquista. Pronto entabla relación con Tomás Marco, que ejercerá de apoyo fundamental del joven músico. Al mismo tiempo, a instancias de De Pablo, se incorpora al primer laboratorio español de música electroacústica, Alea, creado por el bilbaíno en 1964. Colabora durante algún tiempo como intérprete con diversas agrupaciones, y en 1974 cofunda Glosa, un grupo dedicado a la interpretación de partituras gráficas. Las piezas compuestas durante esos años, en las que se advierte ya una fuerte personalidad musical, participan de las principales tendencias artísticas de la época: indeterminación en la escritura, notación espacial, música textual, las citadas partituras gráficas, etc. Este clima de continua experimentación desemboca en la primera obra de importancia en su catálogo: Actus (1976).

Ganador en el tercer concurso de composición organizado por la Confederación Española de Cajas de Ahorros, Actus constituye el primer exponente de un cambio en su mentalidad como creador y un punto de inflexión con el que arranca una nueva etapa compositiva. En esta pieza, heredera de la música de Iannis Xenakis al igual que buena parte de su producción anterior, Guerrero comienza a aplicar modelos combinatorios extramusicales para la composición.

Sin embargo, si en Actus todavía pesa en exceso el influjo estético de la obra de otros autores y se mantienen ciertos rasgos de aleatoriedad, en sus piezas inmediatamente posteriores, como Anemos C (1976) y Opus 1 Manual (1976), Guerrero abandona por completo la flexibilidad en la escritura y desarrolla ya un [[lenguaje]] plenamente autónomo de gran fuerza expresiva y originalidad, que le separa de las principales corrientes imperantes en la Península. Además, Anemos C se inscribe dentro de una particular tendencia europea, propia de los
setenta, a la cual pertenecen piezas emblemáticas de la época como Los espacios acústi cos de Gérard Grisey y Rituel de Pierre Boulez, ambas iniciadas en 1974. Una corriente cuya característica fundamental es la continuidad sonora y el tiempo musical ralentizado, que surge como reacción a la fragmentación del discurso serial.

En poco tiempo, Guerrero consigue un estatus como compositor destacado dentro del panorama internacional con presencia en festivales europeos de relevancia como los de Saints, Royan o Almeida de Londres, en donde se le dedica un concierto monográfico en 1986. De hecho, desde mediados de los setenta desarrolla su carrera fundamentalmente en Centroeuropa gracias al apoyo de uno de los grandes defensores de la música del compositor: el musicólogo Harry Halbreich, también protector a ultranza de Xenakis. Muestra de esta relevancia es que en 1972, el año en que participa en Los Encuentros de Pamplona con la pieza electrónica El canto del zyklon B (1972), comienza a publicar su música en la editorial española Alpuerto y seis años después firma un contrato en exclusiva con la prestigiosa [[Suvini Zerboni]].

A mediados de los ochenta lleva a su máximo desarrollo el sistema combinatorio en Zayin (1983), Ariadna (1984) y Têyas (1985), y entre 1985 y 1988 el músico pasa por un período de inactividad creadora, debido posiblemente a una crisis personal y al replanteamiento estético y técnico que desemboca en un nuevo modelo combinatorio. Por entonces conoce a Miguel Ángel Guillén, un ingeniero informático con quien desarrolla a partir de ese momento una serie de softwares ajustados a las necesidades compositivas del andaluz, cada vez más obsesionado con modelos científicos. Ello le permitirá incorporar a comienzos de los noventa, de manera pionera en España, sistemas de simulación fractal en sus obras con ayuda del ordenador.

La primera pieza en que hace uso de fractales (objetos geométricos cuya característica esencial es la autosemejanza a diferentes escalas) es Sahara (1991), probablemente una de las obras más logradas del compositor, donde se pone claramente de manifiesto la estética fauve, brutalista, próxima a los planteamientos de Xenakis, y la impactante fuerza de su música. Guerrero vería en la ciencia una herramienta infalible para la creación capaz de dotar de coherencia y rigor a una obra: “La música necesita de ese riguroso pensamiento que no es ni más ni menos que el científico”, diría. Esta forma de concebir el arte estaría presente, de igual manera, en muchos otros compositores de la segunda mitad del XX, entre los que se encuentran el propio Xenakis, György Ligeti o Pascal Dusapin, quienes, por otra parte, también emplearon fractales en la composición, o Friedrich Cerha, que aplicó principios procedentes de la cibernética.

Como último proyecto, Guerrero emprende la labor de orquestar la que para él es “la obra española más importante de los últimos cien años”, la suite Iberia de Isaac Albéniz. Únicamente logra terminar seis de las doce piezas, que se dieron a conocer al gran público en 2007 en una grabación comercial. En cada uno de sus compases emana la huella del andaluz, que logró trasladar su propia personalidad compositiva a las piezas originalmente escritas para piano.

== Otra faceta ==

Una faceta de gran importancia en la carrera de Guerrero es la de maestro. Desde comienzos de los años ochenta desarrolla una labor esencial como profesor de varias generaciones de compositores, hoy figuras de reconocido prestigio internacional y, en algunos casos, acreedores del Premio Nacional de Música. Alberto Posadas, César Camarero, David del Puerto, Jesús Rueda o Jesús Torres, por citar sólo algunos nombres, recibieron sus enseñanzas. En palabras de David del Puerto, Guerrero supuso para ellos un “verdadero aguijonazo” que impulsó a una nueva oleada de músicos basando sus enseñanzas en la necesidad de adquirir un profundo conocimiento técnico del oficio de compositor. En las clases llegaba a establecer una relación muy estrecha con sus alumnos, lo que provocó no pocas fricciones con muchos de ellos debido a su absorbente personalidad e hizo que participaran de manera directa en el proceso compositivo de algunas de sus obras, como si de un taller artístico se tratara.

== Legado ==

Más de una década después de su muerte, la música y la figura de Francisco Guerrero siguen siendo grandes desconocidas. La fuerte y compleja personalidad del compositor, su desaparición repentina a los cuarenta y seis años en extrañas circunstancias y su radical pensamiento y estética musical han contribuido a forjar un mito que día a día se engrandece e impide ver con claridad quién fue realmente Guerrero y cuáles fueron sus verdaderos logros y fracasos.

En la actualidad, su obra, como la de un gran número de creadores contemporáneos españoles fallecidos en las últimas décadas, no se interpreta con regularidad. Esta situación se agrava con las piezas para orquesta, el formato que mejor se ajusta a la explosiva personalidad musical de quien fuera, sin duda, uno de los compositores más fascinantes de la segunda mitad del [[siglo XX]].

== Muerte ==

Muere en Madrid, el 19 de octubre de 1997 a los cuarenta y seis años en extrañas circunstancias.

== Fuentes ==

http://www.march.es/musica/publicaciones/semblanzas/pdf/guerrero-marin.pdf
http://www.gallarda.es/AUTORES/DB0093.pdf

[[Category:Músico]][[Category:Compositor]]

Archivo:Francisco guerrero marin 01 ignacio evangelista med.jpg

2011-12-09T18:32:26Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Fuente de voltaje variable con el LM317T

2011-12-08T21:34:02Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '{{Objeto |nombre= Fuente alimentación regulable con LM317T |imagen=Fuenteconlm317.jpg |tamaño= |descripcion= Fuente regulable de 1,5 - 15V.}} <div align="justify">'''Fuente a...'

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<div align="justify">'''Fuente alimentación regulable con LM317T'''

La [[corriente alterna]] es la más usada en la actualidad por su fácil distribución, pero muchos de los componentes electrónicos que usamos necesitan de [[corriente continua]] para su funcionamiento. Es por ello que es necesaria la fuente de alimentación

== Definición ==

Una [[fuente regulable]] es aquella que permite ajustar voltajes en un determinado rango según las necesidades de lo que necesitemos alimentar. En este caso permite ajustar valores de voltaje entre 0 y 15 volts con un valor de corriente de hasta 1,5 amperes para pruebas de taller.

== Descripción ==

Una fuente de voltaje variable con el LM317T es una fuente de voltaje ideal para personas que necesitan una salida de voltaje variable (1.5 V a 15.0 Voltios) con capacidad de entrega de corriente continua de hasta de 1.5 Amperios.

Si se utiliza el [[LM317]] solo se obtienen 500 mA a la salida, suficiente para muchas aplicaciones, pero en este caso utilizamos el [[LM317T]] porque puede entregar más corriente.
Este dispositivo tiene protección contra sobrecorrientes evitando que el integrado se queme accidentalmente debido a un corto circuito.

El voltaje de salida depende de la posición que tenga la patilla variable del potenciómetro de 5 KΩ (kilohmios), patilla que se conecta a la patilla de AJUSTE del integrado. (COM)

El transformador debe de tener un secundario con un voltaje lo suficientemente alto como para que la entrada al regulador IN se mantenga 3 [[voltios]] por encima de su salida OUT a plena carga, esto debido a requisitos de diseño del circuito integrado.

En este caso se espera obtener, a la salida, un máximo de 15.0 voltios lo que significa que a la entrada del integrado debe de haber por lo menos 18.0 Voltios.
Se puede poner un diodo entre los terminales de salida y entrada para proteger al regulador de posibles voltajes en sentido opuesto.

Para obtener un voltaje de 18 voltios en la entrada IN se debe tener un transformador con un voltaje de: 18 voltios /1.41 = 12.77 Voltios a.c..

Normalmente se encuentran transformadores con un voltaje en el secundario de 12.6 voltios, lo que significa que el voltaje final máximo que se puede obtener con este.

Esto se hace debido a que cuando la fuente de voltaje se apaga, algunas veces el voltaje de salida se mantiene alto por más tiempo que el voltaje de entrada. Se pone el cátodo hacia la patita IN y el ánodo hacia la patita OUT

Un capacitor electrolítico de 100uF se coloca a la salida para mejorar la respuesta transitoria, y un capacitor de 0.1uF (no se encuentra en el diagrama) se recomienda colocar en la entrada del regulador si éste no se encuentra cerca del capacitor electrolítico de 4,700uF.

== Componentes ==

* Circuitos integrados: 1 Regulador de voltaje LM317T
* Diodos: 1 puente de diodos de 2 amperios o más.
* Resistores: 1 de 220Ω / ohmios, 1 potenciómetro de 5KΩ / kilohmios(pot)
* Capacitores: 1 de 4,700uF, 25 Voltios, electrolítico. 1 de 100uF de 16 Voltios, electrolítico. 2 de 0.1uF
* Otros: 1 Transformador 120/240VCA a 12.6 VCA de 1.5 amp. en el secundario. 1 Fusible de 1.5 amperios para poner del lado del secundario.

== Fuentes: ==
http://www.unicrom.com/cir_fuenteconlm317T.asp

[[Category: Electrónica]]

Archivo:Fuenteconlm317.jpg

2011-12-08T20:05:48Z

Salvio06017 may.jc: subió una nueva versión de «Archivo:Fuenteconlm317.jpg»

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Francisco Gimeno Arasa

2011-12-08T00:52:59Z

Salvio06017 may.jc:

{{Ficha Persona
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<div align="justify">'''Francisco Gimeno'''
[[Pintor]] español.

== Nacimiento ==

Nace en el año [[1858]] en [[Tortosa]] [[España]]

== Sus inicios en el arte ==

[[Archivo:Gimeno.PNG|150px|thumb|rigth|Pintura de Francisco Gimeno]]

Formado en [[Madrid]] con [[Carlos de Haes]], del que viene su gusto por elpaisaje. Tuvo una vida difícil, teniendo que trabajar comodecorador para mantener a su familia.
Su obra se centra en la pintura de objetos y gentes humildes y marinas.

== Pinturas humildes ==

* El niño y el perro.
* Mujer leyendo.

== Pinturas marinas ==
* Marina de Bagur.

* Tejados de Torroella).

== Muerte ==

Muere en el año 1927 Barcelona

== Fuentes ==
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gimeno.htm
http://www.arcadja.com/auctions/es/francisco_gimeno/artista/327586/

[[Category:Cultura]]

Francisco Gimeno Arasa

2011-12-08T00:51:04Z

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<div align="justify">'''Francisco Gimeno'''
[[Pintor]] español.

== Nacimiento ==

Nace en el año [[1858]] en [[Tortosa]] [[España]]

== Sus inicios en el arte ==

[[Archivo:Gimeno.PNG|100px|thumb|left|Pintura de Francisco Gimeno]]

Formado en [[Madrid]] con [[Carlos de Haes]], del que viene su gusto por elpaisaje. Tuvo una vida difícil, teniendo que trabajar comodecorador para mantener a su familia.
Su obra se centra en la pintura de objetos y gentes humildes y marinas.

== Pinturas humildes ==

* El niño y el perro.
* Mujer leyendo.

== Pinturas marinas ==
* Marina de Bagur.

* Tejados de Torroella).

== Muerte ==

Muere en el año 1927 Barcelona

== Fuentes ==
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gimeno.htm
http://www.arcadja.com/auctions/es/francisco_gimeno/artista/327586/

[[Category:Cultura]]

Archivo:Gimeno.PNG

2011-12-08T00:44:19Z

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== Sumario ==

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2011-12-07T03:18:49Z

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Monogamia

2011-12-07T02:57:54Z

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{{Definición
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'''Monogamia'''

<div align="justify">En los seres humanos es un modelo de relaciones afectivo-sexuales basado en la exclusividad de la [[pareja]]. Al practicante o creyente en este modelo de relación se le llama monógamo, se entiende también que nunca hay más de una pareja al mismo tiempo.

== Surgimiento de la monogamia ==

El surgimiento de la monogamia se corresponde con los inicios de la [[civilización]] y con la destrucción definitiva de la descendencia por línea materna.

Los lazos que unían a la pareja, con el surgimiento de la monogamia se hicieron más fuertes, aunque la unión la podía deshacer el hombre, no la mujer. Desarrollo de la familia Con la monogamia aparecen condiciones sociales desventajosas para la mujer, pues el círculo de su actividad empieza a reducirse al espacio de la casa y su función a la de procrear [[hijos]]. Durante la época de la esclavitud predominaba la familia monogámica, pero esta con-ciliaba con la poligámica, pues a'l hombre le era permitido mantener relaciones con las esclavas, de las cuales era dueño.

== La familia monógama ==

La familia monogámica es una etapa o tipo de organización familiar en la historia del ser humano, con determinadas características que la diferencian de otros tipos de familia. Se cree que este tipo de familia surgó de la [[familia]] sindiásmica, durante la etapa de transición entre el estado medio y superior de la barbarie. Se dice que es uno de los signos del origen de la civilización.

== Características de la familia monogámica ==

* Se funda en el predominio del hombre.

* Su objetivo es procrear hijos, cuya paternidad sea indiscutida, ya que luego ellos serán los * herederos de las riquezas del padre.

* Los lazos conyugales solamente podían ser quebrados por el hombre.

* Ambos cónyugues comparten los afectos y cuidados hacia los hijos.

* Forma una unidad social con mayor firmeza y más coherente.

* La mujer tiene mayor protección y una posición de dignidad y jerarquía.

== Ventajas de la monogamia ==

* Lo mejor de la pareja estable es que puedes hacer el amor en cualquier momento
* Puede propiciar una relación menos tensa ya que no existe mentiras
* Favorece una mayor confianza para la [[comunicación]]
* Disfrutáis mucho de cualquier tipo de sexo tanto del rápido , como los relajantes

* Existe una mayor confianza entre la pareja

* Mayor salud sexual

== Las desventajas ==

* El [[sexo]] puede volverse monótono y rutinario y la emoción de lo nuevo desaparece.

* Las personas que echan de menos con nostalgia las sensaciones del enamoramiento deberían plantearse si están hechas para la vida en pareja.

* Generalmente muchos consideran que nunca será lo mismo que la primera vez. Esta es la desventaja de la monogamia pero es un precio muy pequeño a pagar por todas la ventajas que conlleva estar con una persona a la que amas, en la que confías y con la que quieres envejecer.

== Aspectos importantes ==

La monogamia es una [[estrategia sexual]] que nos ha dado más éxito en la reproducción que otras, y ha tenido sus consecuencias sobre la conducta sexual humana. Hoy en día, aunque la mayoría de las personas no buscan conscientemente una vida monógama con un fin reproductivo, una proporción muy elevada desarrolla gran parte de su vida sexual en el marco de las relaciones estables. Sin embargo, esto no quiere decir que no tengamos estrategias complementarias que pueden proporcionar la oportunidad de tener un poco más de éxito en la reproducción del que se lograría si uno se limita a una sola relación.

Por tanto, aunque los humanos somos monógamos, en muchos momentos de nuestra vida optamos por la infidelidad, la promiscuidad, el cambio frecuente de pareja, etc. Estas estrategias, aparte de que pueden ser costosas generan un conflicto de intereses que ha llevado a que hombres y mujeres hayan desarrollado conductas sexuales diferentes, sobre todo en lo referente a la elección de pareja.

== Fuentes ==
www.wordreference.com/definicion/monogamia
Sociobilogia humana: monogamia

[[Category:Sexualidad]]

Archivo:Monogamia.jpg

2011-12-07T02:23:47Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

José María Cajaraville

2011-12-07T02:03:19Z

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'''José María Cajaraville'''
<div align="justify">Poeta nacido en La Coruña ([[España]]) en 1888.

== Niñez ==

Con ocho años de edad, su familia se traslada a [[Uruguay]], radicándose en Zapicán (Lavalleja). En El Criollo, periódico minuano aparecido entre los dos siglos, se registran composiciones escolares suyas.

== Trayectoria ==

Muy joven ingresó a la policía como escribiente. En 1932, por vía de ascenso, se lo trasladó a la ciudad de Minas, donde desarrollará su actividad como periodista. Según información proporcionada por Santiago Dossetti en el prólogo a la segunda edición de Bajo la misma sombra, dirigió Tribuna Minuana (1916), Rumbos (1926) y la página literaria de La Idea (1917).

Colaboró con frecuencia en los periódicos La Voz de Minas (1915), La Luz (1915), La Unión (1916) y El Departamento (1922).

== Obras ==

En 1919 se editó su primer libro, Matices, con el que se convirtió –junto a Casas Araújo– en el más precoz practicante literario entre sus coetáneos. En 1926 publica –junto a Juan José Morosoli, Valeriano Magri, Casas Araújo y Cuadri– Bajo la misma sombra. Fue el promotor de la idea editorial y su más obstinado propulsor.

== Muerte ==

Falleció prematuramente, en [[Minas]], el 4 de marzo de 1932.

== Fuentes ==
http://miscelaneas-sadil.blogspot.com/

Matices (poesía), Minas, 1919. “Otoñales”, en Bajo la misma sombra.

Minas, 1925 [2ª edición: Minas, Ediciones de la Casa de la Cultura, 1967. Con prólogo de Santiago Dossetti]

[[Category:Personalidades]]

Bruno Zevi

2011-12-07T00:51:00Z

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{{Ficha Persona
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'''Bruno Zevi'''

<div align="justify">Arquitecto y teórico de la arquitectura italiano. Nació 22 de enero de 1918 en Roma. Formado en la Graduate School of Design de Harvard, ha sido el principal defensor e intérprete italiano de la [[arquitectura]] y el pensamiento de [[F.L. Wrigth]].

== Trayectoria ==

En [[1938]], como resultado de las leyes raciales, deja [[Italia]], viajando a [[Londres]] y después a los [[Estados Unidos]].

Se doctoró en arquitectura en Harvard con Walter Gropius y estudió la obra de Frank Lloyd Wright

A su vuelta a Europa, en 1943, participa en la lucha antifascista junto al "Partito d'Azione".

En [[1944]] funda la Associazione per l'Architettura Organica (APAO) y el año siguiente la revista "[[Metron-architettura]]", y se convierte en una de las más importantes mentes teóricas del Racionalismo italiano de la posguerra.
En 1948 se convierte en profesor de Historia de la arquitectura de la IUAV de [[Venecia]] y en 1964 en la facultad de Arquitectura del la Universidad de la Sabiduría de Roma.
En 1979 dimitió sus cargos, después de haber denunciado el estado de degradación cultural y la excesiva burocratización de la universidad.
De 1954 a 2000 escribe semanalmente columnas sobre arquitectura en "Cronache" y en "L'Espresso"
En 1955 funda la revista mensual "L'architettura-cronache e storia", que dirigirá hasta 2000.
Es nombrado doctor honoris causa por las universidades de [[Buenos Aires]], [[Míchigan]] y por la politécnica de Haifa, miembro honorario del "Royal Institute of British Architects" y del "American Institute of Architects", secretario general del "Istituto Nazionale di urbanstica" (INU), académico de [[San Luca]], vicepresidente del "Istituto Nazionale di Architettura" (In/Arch). En 1979 es elegido presidente emérito del "Comitato Internazinale dei Critici di Architettura"(CICA).
En 1988 se convierte en Presidente de Honor del Partido Radical.
En 1998 se convierte en uno de los fundadores principales del Partido de Acción Liberal Socialista.

== Obras ==

* "Saber ver la arquitectura" ("Saper vedere l'architettura") (1948), traducido a quince lenguas;
* "Historia de la arquitectura moderna" ("Storia dell'architettura moderna") (1950 e 1996):
* "Architettura in nuce" (1979);
* "Saper vedere l' urbanistica" (1997);
* "Leggere, scrivere, parlare architettura" (1997);
* "Controstoria e storia dell'architettura" (1999).

== Muerte ==

Muere el 9 de enero del 2000

== Fuentes ==
www.infobiografias.com/biografia/
http://www.archimagazine.com/bbrunozevi.htm

[[Category:Personalidades]]

Relajación

2011-08-04T23:11:59Z

Salvio06017 may.jc: Página creada con '{{Definición |nombre= Relajación |imagen=Relajación2.jpeg |tamaño= |concepto=Se refiere a la disminución o la desaparición de la tensión}} '''Relajación''' == Definició...'

{{Definición
|nombre= Relajación
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|concepto=Se refiere a la disminución o la desaparición de la tensión}}
'''Relajación'''
== Definición ==
<div align="justify">El significado principal y directo del término relajación es la disminución o la desaparición de la tensión. De tal modo, la noción de relajación se puede aplicar a diversas circunstancias, elementos o situaciones siempre y cuando se dé esa condición de desaparición de la tensión. Esto puede ser entendido tanto a nivel físico, corporal, emocional, [[psicológico]], [[político]], etc.

== Actividades de relajación ==

Uno de los usos más comunes que se le da al término relajación es aquel que tiene que ver con la entrada en un estadio de comodidad y placer tanto corporal como mental. En este sentido, la relajación de una persona se puede lograr a partir del desarrollo de ciertas actividades tales como yoga u otras actividades físicas pero también a partir de acciones de meditación y descanso mental.

== Relajación en función de la calidad de vida ==

La relajación tanto mental como del organismo es muy importante en lo que respecta a la calidad de vida ya que las vidas estresantes y apuradas que hoy en día llevamos contribuyen en gran modo al desarrollo de estilos de vida insatisfactorios.

== Relajación como propiedad física ==

La relajación es también una propiedad [[física]] que se aplica a algunos elementos ante determinadas circunstancias. Así, cuando un elemento pierde la cualidad de tensión entra en el estado opuesto o relajación. Esto es visible por ejemplo en el caso de una bandita elástica que puede ser tensada y al soltarse, vuelve a su estado natural o de relajación. Pero también puede darse esta oposición entre relajación y tensión en elementos no elásticos, por ejemplo el metal: en este caso, la tensión hace que el [[metal]] transforme sus propiedades y que las mismas no sean iguales a cuando está en estado de relajación.

== Relajación ante momentos de tensión ==

Usando el mismo significado de la palabra, la relajación ante momentos de tensión es un fenómeno que se puede dar cuando se está en presencia de un conflicto o pelea entre dos partes.

== Fuente ==
Dirección Municipal de Deporte, [[Bejucal]]. Mayabeque

[[Category:Deporte_y_Salud]]

Archivo:Relajación2.jpeg

2011-08-04T23:06:50Z

Salvio06017 may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Pintura Prehistórica

2011-07-21T16:56:38Z

Salvio06017 may.jc:

{{Materia
|nombre=Arte Prehistórico Pintura
[[Archivo:Agrupareses.PNG]]
|campo a que pertenece= Arte Prehistórico
|principales exponentes=
}}
<div align="justify">

'''Arte Prehistórico Pintura'''

== Denominación ==
[[Archivo:Cuevas.PNG|200px|thumb|rigth|Las cuevas cumplían, más que un uso habitacional.]]
La pintura prehistórica ha sido denominada arte rupestre o parietal por el hecho de haberse desarrollado casi exclusivamente sobre las paredes de roca, en el interior de cavernas y cuevas, y las menos, en el exterior de las mismas. Esta pintura, curiosamente, experimentó una evolución muy similar a la de la pintura histórica. Las primeras manifestaciones, de corte naturalista, fueron evolucionando hasta llegar en su último período a la abstracción completa de las formas.

== Período Paleolítico ==

Las pinturas del [[período paleolítico]] (25.000 - 8.000 a.C.), se concentraron en tres temas principales: la representación de animales, sobre todo caballos y bisontes y en menor cantidad ciervos, leones, mamuts y toros; el dibujo de signos, cuyo significado último, a pesar de las diferentes hipótesis aún se desconoce; y la figura humana, ya sea masculina o femenina, o combinada con formas animales. Los colores utilizados fueron el negro y las tonalidades rojizas, ocres, violáceas, que son las más fáciles de obtener en la naturaleza.

== Mesolítico ==
Avanzando hacia el [[mesolítico]] (8.000 -5.000 a.C.), aparecen los guijarros pintados, o amuletos, con símbolos y guardas entre geométricas y abstractas. Ya en el neolítico (5.000 - 3.000 a.C.) además de las primeras piezas de cerámica decoradas, se encuentran verdaderas escenas murales que documentan la vida de entonces.

Por el estudio de los dibujos se deduce que el [[hombre prehistórico]] no sólo pintaba con sus dedos sino que ya utilizaba pinceles y espátulas e incluso un sistema de spray paralograr los sombreados de mano en negativo.

== Edad del Bronce ==
Hacia el 2.000 a. C., en plena [[Edad del Bronce]], se produjo una evolución tendiente a la abstracción, sobre todo en las representaciones rupestres. Las figuras, signos y símbolos llegaron a un nivel muy
cercano a la escritura. A lo largo de los períodos prehistórico y protohistórico la [[pintura]] cumplió con diferentes funciones ya sea como parte de un ritual religioso o mágico, en la representación y alabanza de la fecundidad, o en relación al culto totémico a los antepasados.

== Galería ==
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Archivo:Animales.PNG|<div align="justify">La representación de los animales fue una forma de hacerse con ellos.También el dibujarlos fue una manera de conocer mejor sus formas, su manera de moverse y por lo tanto, de dominación. Su posterior domesticación, principalmente del caballo, puede haber surgido de conocimientos adquiridos de esta forma.

Archivo:Manos.PNG|<div align="justify">El sentido de las manos pintadas en negativo a través de un precario spray. aún no está claro. Quizás haya sido un intento de dejar un testimonio sobre la autoría del trabajo realizado.

Archivo:Objeto.PNG|<div align="justify">Probablemente gracias a la cada vez mayor complejidad de la religión, la ornamentación de objetos fue perdiendo su carácter ritual, y por ende, su necesidad de representar la realidad. La mayor abstracción de los objetos del neolítico parece seguir este patrón.

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== Fuente ==
Enciclopedia Multimedia del Arte Universal

[[Category:Arte_rupestre]]

Archivo:Objeto.PNG

2011-07-21T16:54:09Z

Salvio06017 may.jc: