EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Korn

2013-04-09T18:46:22Z

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{{Ficha Agrupación Musical
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|descripción=Agrupación Musical de Estados Unidos
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|origen= [[California]]{{Bandera2|Estados Unidos}}
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'''Korn''' (a menudo escrito KoЯn) es una banda de [[Bakersfield]], [[California]], [[Estados Unidos]] formada en [[1993]]. Son considerados los creadores del género nu metal junto con [[Deftones]]. Como otras bandas de la época, fueron los que inspiraron a muchas de las bandas de nu metal y metal alternativo entre los años [[1990]]y comienzos del [[2000]].

El catálogo de la banda consiste de nueve debuts consecutivos en el top ten del Billboard 2004 incluyendo un álbum recopilatorio, Greatest Hits Vol.1, y su noveno álbum de estudio, publicado el 13 de julio de [[2010]]. Hasta la fecha, Korn ha vendido más de 60 millones de álbumes mundialmente, incluyendo 19,5 en los [[Estados Unidos]] mientras que han obtenido siete nominaciones a los premios Grammy, dos de los cuales han ganado.

Una Lista de MTV MTV's Top 22 Greatest Bands posiciona a la banda en el puesto 16 de su lista superando a bandas como [[Alice in Chains]] y [[Van Halen]].
Korn se han ganado el éxito a la antigua, a través de interminables giras, autopromoción en la calle, y constante contacto directo con su creciente legión de fans. Además, Korn son pioneros del ciberespacio: En julio del 96 se convirtieron en el primer grupo en Internet en hacer una emisión radiofónica interactiva a través de [[Internet]], durante la cual la banda ofreció un pequeño anticipo del Life is Peachy en directo, y los fans pudieron hacer preguntas a los miembros del grupo.

Después de dos años de haber estado de gira con todo el mundo, desde 311 a [[Marilyn Manson]], pasando por [[KMFDM]] u [[Ozzy Osbourne]], Korn Tenían tantas ganas de empezar a trabajar en su nuevo álbum que ya estaban ensayando una semana después de que terminaron la inmensa gira del año 96.
Su estilo es la mezcla más explosiva, arrolladora y divertida de heavy metal, rap y punk funk que una mente en su sano juico pueda llegar a imaginar.

== Inicios ==

Korn se formó cuando [[Jonathan Davis]] lideraba en aquel momento una banda local llamada [[Sexart]], mientras trabajaba como ayudante de forense en [[Bakersfield]], California. [[LAPD]] era el grupo en el que estaban [[James "Munky" Shaffer]], [[David Silveria]], [[Reginald "Fieldy" Arvizu]] y [[Brian "Head" Welch]]. LAPD eran aparentemente más conocidos que Sexart y aún puede encontrarse algún trabajo del grupo todo lo contrario que Sexart, de lo que no queda nada. Munky, Fieldy, y David grabaron el disco debut de LAPD cuando apenas llegaban a la mayoría de edad, y en él pueden oírse partes de actuales canciones de Korn. Jonathan, en cambio, permaneció en Sexart cuatro meses.

Ambas agrupaciones se encontraron por única vez cuando Munky y Brian salieron una noche por Bakersfield a tomar algo y se toparon con los miembros de Sexart, quienes estaban tocando esa noche en ese local. Según Munky: «Ya nos íbamos, y cuando ya estábamos casi cruzando la puerta ¡oímos a John cantar y Brian y yo nos miramos con la boca abierta! ¡Oh, Dios! Así que nos dimos la vuelta, nos sentamos otra vez y vimos la actuación completa».
Su historia está llena de contradicciones y rumores absurdos, como cuando el mundo del rock alzó sus cejas escandalizado ante la noticia de que la carrera como modelo de Silveira iba a apartarle definitivamente de su taburete detrás de la batería de Korn.

Esperaron pacientemente a que el grupo finalizara su actuación y hablaron con Jonathan, ex compañero de instituto de ambos. Después de charlar un rato le ofrecieron el papel de cantante en un grupo de heavy metal que estaban creando en [[Huntington Beach]]. Inicialmente, Jonathan rechazó la propuesta, pero hubo algo que le hizo cambiar de opinión. Días más tarde visitó a una tía suya, dedicada a la astrología. Esta le convenció para que aceptara la oferta. La profecía familiar se convirtió en una obsesión para Jonathan, que no paraba de dar vueltas al asunto. Así que fue a ver a los chicos e hizo una prueba.

== Carrera Musical ==
=== Primer album (Korn 1994 - 1995) ===

Korn es el primer álbum de estudio de la banda de nu metal KoЯn. Lanzado en 1994 simultáneamente por Immortal/Epic Records. Sus características más reseñables son dos guitarras con gran distorsión, con siete cuerdas y con numerosos efectos, una batería muy seca y característica, un bajo que tiene gran protagonismo y técnica, y unas letras que en su mayoría hablan de problemas personales y sociales que afectaron en la vida de Jonathan Davis. Se pueden encontrar diferentes mezclas de sonidos que generan climas bastantes ásperos en canciones como "Faget", o cierto sadismo en entonaciones de Davis en "Daddy". Muchos opinan que éste fue el mejor álbum de la banda, y que después de este lanzamiento la banda nunca ha logrado alcanzar la originalidad e impacto que logró con este disco en su día. Ha sido muy influyente para muchas bandas, otras han tratado de imitar el concepto para obtener la misma fama.

=== Segundo Album ( Life is Peachy 1996 - 1997) ===

Life Is Peachy es el segundo álbum de Korn. Fue lanzado al mercado el 15 de octubre de 1996 por Immortal/Epic Records y ha sido certificado doble platino por la RIAA en [[Estados Unidos]]. Fue producido por Ross Robinson, quien también produjo el álbum debut de la banda, desprendiéndose los sencillos "A.D.I.D.A.S.", "No Place to Hide" y "Good God". Asimismo con este álbum la banda se convirtió en el primer grupo de la historia en ponerse en contacto con sus fans mediante videos por internet. Además se puede escuchar la voz de [[Chino Moreno]] (vocalista de Deftones) en la canción "Wicked".

=== Tercer Album (Follow the Leader 1998 - 1999) ===

Follow the Leader es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense de nu metal Korn, lanzado el 18 de agosto de [[1998]], a través de las discográficas Inmortal y Epic Records. Logró vender sólo en los Estados Unidos 5 000 000 de copias,1 y en ventas mundiales alcanzó las 10 000 000 de unidades. La grabación del disco estuvo a cargo de la banda y de los productores [[Steve Thompson]] y [[Toby Wright]], en [[Hollywood]], [[California]], a través de Immortal Records y Epic Records. Después de haber trabajado en su anterior álbum de estudio, Life is Peachy (1996), la banda regresó nuevamente a los estudios para grabar Follow the Leader. En la producción de este material, la banda ofreció la opción a sus fans de ver el trabajo que se realizaba, tanto en el estudio, como detrás de las escenas.11 Gran parte de la grabación del álbum fue documentada en un programa semanal vía Internet llamado "KornTV", donde también se publicaron entrevistas y conciertos de trabajos anteriores.11 El álbum se caracterizó por las colaboraciones de distintos vocalistas invitados, incluyendo a personalidades del mundo cinematográfico y musical como [[Ice Cube]] («Children of the Korn»), [[Fred Durst]] («All in the Family»), [[Slimkid3]] («Cameltosis») y [[Cheech Marin]] (Earache My Eye). Por otra parte, los artistas [[Greg Capullo]] y [[Todd McFarlane]] fueron los encargados de diseñar la carátula del disco. La agrupación musical [[Disturbed]], tomó como base la portada de este material y la implementó en su trabajo Ten Thousand Fists, en 2005. La portada del álbum aparece en el video musical de «Freak on a Leash.

=== Cuarto Album (Issues 1999 - 2001) ===

Issues es el cuarto álbum de estudio de KoЯn. Lanzado el 16 de noviembre de [[1999]] por Immortal y Epic Records. El disco tiene 4 portadas distintas, diseñadas todas ellas por los propios fans gracias a un concurso de MTV.
Este trabajo recibió críticas de todo tipo, pero es uno de los preferidos por los fans. Gracias a singles como "Falling Away from Me" y "Somebody Someone". Tras el éxito de Follow the Leader, donde la banda criticaba las miles de bandas que comenzaban a imitar el rap metal que los propios KoЯn se atribuían como suyo, la banda decide realizar un disco más potente. En Issues la banda de Jonathan Davis se apartan algo del rap y su sonido se vuelve más sórdido y oscuro, como se puede apreciar en temas como, el citado anteriormente, Somebody Someone. El apartado sórdido se refleja, claramente, en el videoclip de este single.

=== Quinto Album (Untouchables 2002) ===

Untouchables es el quinto álbum de estudio de KoЯn. Epic Records e Immortal vuelven a firmar este disco, lanzándolo al mercado el 11 de junio de 2002. La producción sí vuelve a cambiar, siendo esta vez [[Michael Beinhorn]], un especialista del género metal que ya había trabajado con bandas como Marilyn Manson, Hole, [[Ozzy Osbourne]] o [[Social Distortion]]. El álbum siguió cosechando éxitos: 434.126 copias vendidas la primera semana en Estados Unidos. Considerado un "infaltable" por algunos y una vergüenza para otros, lo cierto de "Untouchables" es que en él Davis nos muestra nuevos matices de su voz y unas letras oscuras que hacen de este disco un álbum denso y poco digerible en primera instancia, esto potenciado por la sobreproducción existente (razón por la cual sólo tocan "Here To Stay" y "Thoughtless" en vivo), aunque también ayuda positivamente a la atmósfera del disco.

=== Sexto Album (Take a Look in the Mirror, Greatest Hits Vol. 1 2003 - 2004) ===
Take a Look in the Mirror es el sexto álbum de estudio en la discografía de la banda californiana KoЯn. Lanzado el 25 de noviembre de 2003 por Epic Records e Immortal y producido esta vez por [[Jonathan Davis]] y los propios KoЯn. El disco vuelve, tímidamente, a sus raíces raperas y nu metal de sus orígenes como en Play Me, donde colabora con el rapero Nas. Jonathan Davis no incluía una colaboración en sus discos desde Follow the Leader, cuando lo hizo por partida doble, con [[Fred Durst]] y [[Ice Cube]]. Se incluyen los singles Did My Time (incluida también en la banda sonora de la película de [[Angelina Jolie]], [[Lara Croft Tomb Raider]]: La cuna de la vida), Right Now, Y'All Want A Single y Everything I've Known. Como regalo a los fans se encuentra al final de la pista When Will This End la versión de One, de [[Metallica]], cantada en directo en el homenaje-tributo a Metallica en MTV. Greatest Hits, Vol. 1 es un álbum recopilatorio de grandes éxitos de la banda Korn lanzado en octubre de 2004, y ha vendido más de 1.850.000 copias mundialmente. Este es el último álbum con el ex-guitarrista Brian "Head" Welch. El álbum presenta varias canciones de los primeros 10 años de carrera de la banda, además de dos canciones inéditas. La primera es un cóver de "Word Up!" de Cameo, mientras que la segunda es una conjunción de las tres partes de Another Brick in the Wall y "Goodbye Cruel World" de [[Pink Floyd]].

=== Séptimo Album (See You on the Other Side, Live & Rare, 2005 - 2006) ===

Es el séptimo álbum de estudio de la banda Korn, este ha vendido más de 2.400.000 de copias mundialmente. Salió a la venta el 6 de diciembre de 2005 y fue grabado en el estudio de la casa del vocalista [[Jonathan Davis]] donde se grabó el disco Take a Look in the Mirror. El primer sencillo del disco fue Twisted Transistor, el cual empezó a oirse en la radio desde noviembre del 2005, una semana antes del estreno del álbum este ya estaba en internet pero al cabo del primer mes ya habían vendido más de 1 millón de copias mundialmente. La carátula fue dibujada y pintada por [[David Stoupakis]], un amigo pintor surrealista de Davis, el cual se basó en la letra de la canción Seen It All. El disco, al igual que los últimos trabajos desde Untouchables, salió en un par de versiones, una normal que incluía 14 canciones, y una edición de lujo, que tenía dos discos, uno con las 14 canciones de la versión normal y el otro con 5 caciones extras y un par de videos para PC. Live & Rare es un álbum recopilatorio de Korn que fue lanzado el 9 de mayo de 2006, y presenta trece canciones - las primeras siete del DVD del show del año 2003 en CBGB en [[New York]], que se encuentran en las ediciones especiales de Greatest Hits Vol. 1, dos del show de Woodstock [[1999]], tres covers (dos son canciones ocultas, una de Follow the Leader y la otra de Take a Look in the Mirror, y "Proud" de la banda sonora de I Know What You Did Last Summer). Esta compilación fue lanzada después de que Korn dejara Sony BMG Records, por lo que es probable que la banda no haya contribuido en el armado de la lista de canciones. Welch abandonó KoЯn mediante una publicación el 22 de febrero de 2005, meses antes del lanzamiento y grabación de See You On The Other Side. Su cargo vacante lo ocupó [[Rob Patterson]], ex integrante de [[Otep]], que sólo fue el guitarrista de KoЯn en la gira mundial de See You On The Other Side y en algunas canciones del MTV Unplugged: Korn. Tal y como aseguraron los managers de KoЯn, Welch abandonó la banda para dedicar su vida a su hija y a Dios. Al parecer el 8 de febrero de 2005 Welch presentó una carta de renuncia a los mánagers en la que enumeró una serie de puntos en los que no estaba nada de acuerdo, como por ejemplo objeciones morales hacia la música y videos de la agrupación. La web oficial de KoЯn anunció que "ha escogido a Jesucristo como su salvador, y desde ahora dedicará su música a ese propósito".

=== Octavo Album (MTV Unplugged: Korn, Untitled 2007 - 2009) ===

Es un álbum acústico en vivo de la banda Korn lanzado mundialmente el 5 de marzo de 2007 y al día siguiente en los Estados Unidos. La performance, parte de la serie de MTV Unplugged, tuvo lugar en los estudios MTV en Times Square, Nueva York el 9 de diciembre de 2006 frente a un público de aproximadamente cincuenta personas. El show fue difundido en línea en MTV.com el 23 de febrero de 2007 y fue difundido en [[América]], Europa y Asia desde el 2 de marzo de 2007. La exclusiva actuación acústica incluyó la participación de otros artistas de gran renombre incluyendo a The Cure y a Amy Lee, la cantante de [[Evanescence]]. Además, [[Chester Bennington]] de [[Linkin Park]] era miembro de la audiencia. Untitled es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense Korn, lanzado mundialmente el 31 de julio de 2007. Este álbum cuenta con la colaboración de [[Terry Bozzio]] supliendo la baja por descanso de David Silveria. El primer sencillo fue «Evolution». Otros singles fueron «Hold on» y «Kiss». El disco fue producido por [[Atticus Ross]] y Korn; y mezclado por [[Terry Date]], [[Alan Moulder]] y [[Atticus Ross]]. Después de grabar su primer álbum acústico, Korn decidió enfocarse a su octavo disco, el cual tendría un nuevo estilo. Éste es el primer álbum en el que David Silveria no participa debido a que tomó un descanso por un año por lo cual la batería fue tomada por el baterista Terry Bozzio. Untitled, contrario a lo que muchos piensan, no es un See you on the other side, parte 2. Este disco ofrece una atmósfera oscura que no se veía desde Issues o Untouchables.Sin embargo muchos fans lo consideran el peor álbum de korn debido a un cambio de estilo en este.

=== Noveno Album (Korn III: Remember Who You Are 2010 - actualidad) ===

Es el noveno álbum de estudio de la banda estadounidense de nu metal Korn, lanzado el [[13 de julio]] de [[2010]] por Roadrunner Records. Producido por Ross Robinson, Korn III – Remember Who You Are marcó el ingreso de [[Ray Luzier]], como el batería de la banda, en reemplazo de David Silveria. Jonathan Davis afirmó que la banda publicará una nueva producción entre finales del 2009 y principios del 2010 con la ayuda de [[Ross Robinson]], con quien no trabajan desde 1996. [[Jonathan Davis]] dice que el álbum será simple. Este álbum no utilizará Pro Tools; en abril de 2009 Jonathan Davis reveló que será un álbum conceptual, y que líricamente girará en torno a 5 temas. Davis identifica la caída del hombre: las drogas, la religión, el poder, el dinero y el tiempo. En este tiempo trabajará en su nueva producción como solista que será publicado a finales de este año.

== Integrantes ==
=== Actuales ===
*[[Jonathan Davis]] – vocalista, gaita (1993–presente)
*[[James "Munky" Shaffer]] – Guitarra (1993–presente)
*[[Reginald "Fieldy" Arvizu]] – bajo (1993–presente)
*[[Ray Luzier]] - Baterista (2008 - presente)

=== Anteriores ===
*[[Brian "Head" Welch]] – Guitarra Principal, coros (1993-2005)
*[[David Silveria]] - Baterista - (1993 - 2006)

== Banda de apoyo ==
=== Miembros actuales ===
*[[Zac Baird]] teclado (2006–presente)
*[[Wesley Geer]] – guitarra (2010–presente)

=== Miembros anteriores ===
*[[David Oliver Asencio]] (ex miembro de [[Tolerance Zone]]): batería (2005)
*[[Rob Patterson]] (ex miembro de [[Otep]]): guitarra (2005–2007, 2008)
*[[Clint Lowery]] ([[Sevendust]], [[Dark New Day]]): guitarra (2007)
*[[Joey Jordison]] ([[Slipknot]], [[Murderdolls]]): batería (2007)
*[[Michael Jochum]] ([[Zuma II]]): percusión (2006–2007)
*[[Christian Olde Wolbers]] ([[Fear Factory]]: guitarra (2007; tres conciertos)
*[[Kalen Chase]] ([[The Changing]]): coros, percusión (2005–2008)
*[[Terry Bozzio]] ([[Independiente]]): batería (2007)
*[[Shane Gibson]] – guitarra (2007–2010)

== Álbumes ==
*Korn (1994)
*Life Is Peachy(1996)
*Follow the Leader (1998)
*Issues(1999)
*Untouchables (2002)
*Take a Look in the Mirror (2003)
*See You on the Other Side (2005)
*Untitled(2007)
*Korn III Remember Who You Are (2010)
*The Path to Totality (2011)

== Fuentes ==
*[http://kornmetal.blogspot.com/2006/03/korn-biografia.html Korn]
*[http://www.lahiguera.net/musicalia/artistas/korn/biografia.php Korn]
*[http://musica.itematika.com/biografia/i245/korn.html Korn]

[[Category:Cantante]]
[[Category:Música]]
[[Category:Música_rock]]
[[Categoría:Agrupaciones_de_rock]]

Archivo:Korn01.jpg

2013-04-09T18:45:23Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Marilyn Manson

2013-04-09T18:27:13Z

Suleimis1402ad may.jc:

<div align="justify">
{{Ficha Persona
|nombre = Brian Hung
|nombre completo = Brian Hugn Warner
|otros nombres = Marilyn Manson
|imagen =Manson.jpg
|descripción = cantante norteamericano
|fecha de nacimiento = [[1969]]
|lugar de nacimiento = [[Ohio]] {{bandera2|Estados Unidos}}
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|Hijos =
|ocupación= cantante, escritor
}}
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'''Marilyn Manson. ''' Es un compositor, cantante, actor, escritor, pintor y director de cine estadounidense. Ha demostrado con su voz y su desgarradora guitarra deslumbrar con su música envolvente, siniestra y gótica.

== Infancia ==

Marilyn Manson nació en [[Ohio]]|[[ EEUU]] en [[1969]]. El origen de su nombre artístico surge de la combinación de dos personajes; la actriz Marilyn Monroe y el mayor asesino en la historia de los [[EEUU]], Charles Manson. Su nombre real es Brian Hung Warner, hijo de un piloto alemán y una enfermera. Ya desde niño destacó por su timidez y su comportamiento extraño. La religión marcó su desarrollo personal, concretamente se fijó en la Apocalipsis, tema que hasta el día de hoy le ocupa sus oscuros pensamientos. El fin del mundo y el Anticristo han sido ideas que han llegado a obsesionarle a lo largo de su infancia, adolescencia y vid adulta.

==Juventud==

Estudió periodismo y teatro. Sus inquietudes se decantaron por la escritura. Escribió varios cuentos, novelas y poesías de las cuales sólo dos fueron publicadas. Aparcó la idea de ser escritor ante la frustración que le ocasionó las negativas de las editoriales y, trabajó como periodista musical, cuya a profesión le desagradaba y desilusionaba, según ha revelado en alguna entrevista. Una de las entrevistas que realizó fue a su admirado Trent Reznor, con quien inició una larga amistad, además de producir su Anticristo Superstar. De hecho, Marilyn Manson comenzó como telonero de [[Nine Inch Nails]].

==Inicios==
Las ideas del artista se corresponden y, de hecho se inspiraron, en la obra del filósofo alemán Friedrich Nietzsche; las ideas del poder de la voluntad, conceptos sobre la religión católica, del Anticristo y del hombre. Tanto es así que su primer álbum, Antichrist Superstar, manifiesta este pensar. El objeto de su canción, es la crítica a la doble moral de la sociedad americana, la religión católica, los falsos valores políticos y morales, la hipocresía y las drogas. Encontró con quien compartir estas ideas y formar un grupo, en [[1989]], que inicialmente se llamó Marilyn Manson and the Spooky Kids. Más adelante, los integrantes del grupo fueron cambiando pero él siempre fue la pieza fija de la banda musical, liderándola como vocalista.

La imagen del cantante ha creado tal expectación que se podría decir que su música ha quedado en un segundo plano. Su extravagante y oscura estética junto con el espectáculo que ofrece en sus conciertos y video clips han marcado a toda una generación y miles de jóvenes de todo el mundo. A pesar del impacto que ha generado su estética, Marilyn ha demostrado con su voz y su desgarradora guitarra deslumbrar con su música envolvente, siniestra y gótica.

== Labor como cantante ==

Su primer álbum editado es ''Portrait on fan American Family'' en [[1994]], el segundo fue ''Smells Like Children'' y en [[1996]] editaron el álbum que les haría famosos en el mundo entero con su tema Beautiful People del ''Antichrist Superstar''. Su último disco, ''The Golden Age of Grostesque'', supone un punto de inflexión en su carrera; trata de una sátira del [[nazismo]] ubicado en la [[Segunda Guerra Mundial]]. Se vale de su inspiración poética que queda reflejada en una estética especialmente lírica aunque grotesca.

==Discografía==
* Portrait of an American Family ([[1994]])
* Antichrist Superstar ([[1996]])
* Mechanical Animals ([[1998]])
* Holy Wood (In the Shadow of the Valley of Death) ([[2000]])
* The Golden Age of Grotesque ([[2003]])
* Eat Me, Drink Me ([[2007]])
* The High End of Low ([[2009]])
* Born Villain ([[2011]])

== Fuentes ==

*[http://www.imdb.com/name/nm0001504/ imbd]
*[http://www.marilyn-manson.net/ Sitio oficial de Marilyn Manson]

[[Category:Cantante]]
[[Category:Música]]
[[Category:Música_rock]]
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[[Category:Artistas_de_la_plástica]]

Aikido

2013-04-09T18:06:54Z

Suleimis1402ad may.jc:

{{Definición
|nombre= Aikido
|imagen= Aikido.JPG |tamaño=
|concepto= El Aikidō ("el camino de la energía y la armonía") es un [[Artes_marciales|gendai budō]] o arte marcial tradicional moderno del [[Japón]].}}

'''Aikido'''. Arte marcial que indica el camino hacia la armonía con la energía universal. Proviene del japonés, ai, 'unión', 'armonía'; ki, 'aliento vital', 'energía'; do, 'camino'.

==Historia==

La denominación oficial de Aikido data de febrero de 1942. Con anterioridad, el arte fue conocido con diversos nombres, aunque su esencia permaneció constante.
El padre del Maestro Ueshiba, Yoroku, era un terrateniente relativamente próspero que también tenía participaciones en negocios de pesca y de madera. Respetado por la gente de su ciudad, sirvió en los consejos municipales de Nishinotani y Tanabe , en la Prefectura de Wakayama. El joven Ueshiba reverenciaba a su padre, y éste, viendo que su hijo tenía grandes posibilidades, le ofreció el maximo apoyo material y moral para llevar adelante sus ambiciones más allá del limitado mundo de su lugar de nacimiento. El hijo, sin embargo, sentía que no había conseguido responder a las expectativas paternas y en 1901, a la edad de dieciocho años, se fue a Tokyo, donde realizó un corto aprendizaje en el mundo de los negocios. El año siguiente abrió el Almacén Ueshiba, que distribuía y vendía material y artículos de escritorio para colegios; pero enfermó y su pequeño negocio fracasó.

Poco después se unió al Ejército Imperial del Japón y luchó en la Guerra Ruso-Japonesa (1904-1905). Ascendió a sargento y se retiró honorablemente, y luego, en 1912, cuando tenía veintinueve años, reclutó a un grupo de cincuenta y cuatro familias de su pueblo natal que agrupaban un total de más de ochenta personas, y fundó una nueva colonia en Shirataki , Hokkaído. Esta prefectura acababa de abrirse al desarrollo y acogía a todos los colonos que desearan trabajar la tierra. Durante siete años ejerció la jefatura de esta nueva colonia y cultivó la tierra, sirvió en el consejo municipal y contribuyó al desarrollo de la región de Shirataki.
Aunque demostró cierto talento para el mando, sentía que todavía no había satisfecho las altas esperanzas que su padre había puesto en él. La muerte de su padre por enfermedad en enero de 1920 supuso para él un fuerte golpe, y abandonándolo todo en Hokkaido volvió a casa, experimentando una profunda aflicción psíquica. Entonces buscó el apoyo de Onisaburó Deguchi, el carisrnático maestro religioso de la Secta Omoto, derivada del Shinto. Bajo el patrocinio de su gran maestro, el Fundador vivió en la Sede Central Omoto en Ayabe , Prefectura de Kyoto, practicó el Shintó meditativo y los ritos de purificación, y contribuyó al fortalecimiento de esta nueva religión.

Los ocho años en Ayabe (hasta que se trasladó a Tokyo en 1927) fueron años normativos en la evolución espiritual del Fundador. Durante este tiempo estudió filosofía Shintó y dominó el concepto de koto-dama (literalmente, palabra-espíritu).

Tras la muerte de su padre, y durante su estancia en Ayabe, la dedicación del Fundador al Budó se hizo exclusiva debido principalmente al estímulo de Deguchi. Ya antes había practicado y dominado varias artes marciales, entre ellas el arte del sable de la Escuela Shinkage, el Jyujutsu de las escuelas Kitó y Daitó, y otras. Uno de sus logros más notables fue la recepción de la más alta certificación de la Escuela Daitó, de manos del Maestro Sokaku Takeda, al que encontró por casualidad en la posada de Hokkaido, en 1915, cuando tenía treinta y dos años. Fue este estilo de jujutsu el que abrió los ojos del Fundador al profundo significado de las artes marciales; los principios Daitó difieren del Aikido, pero muchas de sus técnicas son comunes.

La razón por la que Deguchi le animó a que se centrara en las artes marciales era porque conocía los ricos y variados antecedentes del Fundador en el Budó, y se dio cuenta de que este camino era el más adecuado a su temperamento, cualidades y aspiraciones. Aconsejo al Fundador que reservara un sector de su residencia en Ayabe y lo convirtiera en dójó, consejo que éste acepto, abriendo el modesto Ueshiba Juku, de dieciocho tatami.
El Ueshiba Juku estaba pensado inicialmente para los jóvenes de la Secta Omoto, pero como el nombre de Moriliei Ueshiba, «El Maestro de Budó de Ayabe» empezó a hacerse ampliamente conocido, comenzó a unirse al dojo gente de afuera, siendo los más notables los jóvenes oficiales navales del vecino puerto de Maizuru. Su fama se extendió y empezaron a llegar, alumnos de Tokyo y de otros distantes lugares del Japón.

Más o menos desde 1920, el Maestro Ueshiba venía ya pensando en establecer su propia modalidad independiente del budo, y en 1922 proclamó el Aiki-bujutsu como nueva forma de arte marcial. Como el término bujutsu sugiere, mantenía los principios y técnicas de las artes marciales más antiguas, que de alguna forma difieren del actual Aikido. Su originalidad aparece en el uso de aíki como término especifico. Existen, en algunas transmisiones del Budo, algunas referencias sueltas a la idea de «unión» (Ai) del ki con el adversario en combate, pero ésta fue la primera vez que se usó la combinación propiamente dicha.

Aunque la elección del nuevo término aiki pudo haber tenido algo que ver con la influencia de las escuelas Kitó y Daito, por el hecho de que ambas están basadas en el principio del yin y del yang y en la utilización del ki, su origen prircipal está en el propio entrenamiento de Budo del Maestro Ueshiba, en su propia experiencia vital y en la comprensión del Ki adquirida durante su estancia en Ayabe, además de su dominio del koto-dama, al que hace continuas referencias en conferencias, escritos e instrucciones en sus últimos años.

El Aiki-bujutsu parece que no fue aceptado inmediatamente. Más bien, la gente se refería al nuevo Budo como el Ueshiba-ryú o el Ueshiba~ryú Aikí-bujutsu, pero la fama del Fundador, no obstante, continuó extendiéndose a lo largo de país. El momento crucial llegó en 1924 o 1925, fecha en la que, como se señaló anteriormente, participó en una expedición a Mongolia Interior, y poco después de su vuelta, cuando desafiado por un joven oficial naval en Ayabe, experimentó el Sumi-kiri, la claridad de la mente y del cuerpo que hace posible la unidad del Ki del universo con el propio Kí. Tenía entonces poco más de cuarenta años y este fue el cimiento de su Arte Marcial.
Podemos decir, por tanto, que el año 1924 o el 1925 marca el comienzo del desarrollo espiritual del Aikido, pues en adelante, desde este momento, el Maestro Ueshiha propugnaría constantemente que «el verdadero budó es la vía de la gran armonía y del gran amor por todos los seres», y que cada movimiento tiene su origen en el funcionamiento de la unidad del Ki con la mente y el cuerpo.

En el otoño de 1925, tras repetidas súplicas de su protector y admirador, el Almirante Isamu Takeshita, el Fundador fue a Tokyo a realizar una demostración ante una distinguido audiencía, entre quienes se encontraba el anterior Primer Ministro, el conde Gonnohyoe Yamamoto. Al conde Yamamoto le impresionó profundamente la actuación del Fundador y le hizo dirigir un seminario especial de veintiún días en el Palacio Independiente de Aoyama, para expertos de alto rango de Judo y Kendo del Personal de la Casa Imperial. En la primavera de 1926 fue invitado otra vez a Tokyo por el Almirante Takeshita, y enseñó Aiki-bujutsu a miembros del Personal de la Casa Imperial, oficiales navales y del ejército y figuras prominentes del mundo de la política y de los negocios. En 1927, a instancias del Almirante Takeshíta y de Onísaburo Deguchi, abandonó Ayabe y se trasladó a Tokyo.

Durante los tres años siguientes estableció diversos dojo en el distrito de Shiba e instruyó a mucha gente en Aikibujutsu, incluidos expertos de alto rango en otras artes marciales. Había ya algunos signos de reconocimiento del budó del Fundador como algo más que un Arte Marcial tradicional, y hubo quien empezó a utilizar el térmíno Aikido para describirlo. En octubre de 1930, Jígoro Kano, fundador del Judo Kódókan, cuando vio el soberbio arte del Maestro Ueshiba, lo proclamó como budó ideal e incluso le mandó algunos de sus mejores alumnos. A pesar de los intentos de ser selectivos, el número de alumnos continuaba creciendo y el Fundador tuvo que enfrentarse a la necesidad de un dojo mayor. En 1930 estableció un nuevo Dojo en Wakamatsu-cho, Tokyo, inicialmente alquílado y más tarde comprado a la familia Ogasawara. El nuevo centro de entrenamiento, llamado Kóbukan, se completó en abril de 1931. El Dojo de la Sede Central de Aikido ocupa ahora el mismo lugar.

En 1936, el Fundador decidió que había llegado la hora de distinguir claramente entre las antiguas artes marciales y la suya propia, en virtud del contenido filosófico y espiritual que había incorporado a la suya. Sintiendo que la esencia de su nuevo arte era diferente a la vieja tradición de artes marciales, abandonó el término Bujutsu y la rebautizó con el nombre de Aikibudo. Este necesario e inevitable paso echó los cimientos del futuro de su escuela. Como fundador de un nuevo sistema artístico marcial, sentía profundamente la responsabilidad de subordinar su búsqueda personal a la expansión de la vía entre todos aquellos que pudieran estar interesados en ella.

En 1939 cursó una petición oficial de reconocimiento de su organización como institución con personalidad jurídica, con el nombre de Kobukai. La aprobación de la solicitud al año siguiente, oficializó el Aikido y marcó el comienzo de su Época Dorada. El número de miembros creció y el nombre del Maestro Ueshiba se hizo más famoso que nunca. El estallido de la Guerra del Pacífico en diciembre de 1941, y el creciente viraje hacia el militarismo en la sociedad japonesa, no podían hacer más que obstaculizar el crecimiento del Aikido, cuyo número de alumnos se redujo notablemente al ser reclutados por las fuerzas armadas la mayoría de los jóvenes. Uno de los pasos del gobierno con la intención de movilizar al país para el esfuerzo bélico fue ordenar la unificación de los diversos grupos de artes marciales en un sólo organismo bajo su control. De esta forma, en 1942, varias tradiciones de Judo, Kendo, y otras artes marciales se unieron para formar la Gran Asociación Japonesa Marcial y Virtuosa.

Aunque el Fundador no expresó sus objeciones a la orden gubernamental, parece que en definitiva estaba descontento de que el Budo que había desarrollado, diferente de las demás artes marciales, fuera obligado a formar parte de tal organización. Firmemente opuesto a esta mezcla, como si se tratara de una forma marcial más, llegó a pensar que el nombre Kobukan Aiki-Budo sugería que su arte era simplemente la rama o estilo Kobukan de un arte más amplio, por lo que decidió proclamar el nuevo nombre de Aikido para que su arte se identificara como una forma original y distintiva del budó, entrando a continuación, con el nuevo nombre, en la asociación. En febrero de 1942, el Aikido fue oficialmente reconocido como el nombre de la escuela del Fundador. Habían pasado veintidós años desde el nacimiento del Ueshiba Juku en Ayabe.

'''El Santuario Aiki de Iwama'''
Para poder apreciar plenamente la proclamación del nombre de Aikido y comprender algunas de las razones que hay detrás de ello, incluyendo los cambios en el pensamiento del Fundador, debemos dirigir nuestra atención a la creación del Santuario Aiki de Iwama , en la Prefectura Ibaraki, al nordeste de Tokyo. Este lugar, venerado por todos los alumnos de Aikido, jugó un relevante papel en el remozado comienzo de después de la Segunda Guerra Mundial. La idea de establecer un centro espiritual para el Aikido la concibió el Fundador alrededor del año 1935. Nació de una necesidad hondamente sentida de continuar la búsqueda de la verdad del universo a través del Budo, y deseaba un lugar especial para llevar a cabo este propósito. Había conseguido que el Aikido arraigara con firmeza en Tokyo, y su más puro deseo de difundir el verdadero Budo por el mundo se estaba cumpliendo. Le satisfacían los éxitos alcanzados, pero al mismo tiempo esto no le parecía suficiente, deplorando, de hecho, la invasión de su vida privada y la falta de tiempo que la fama le había ocasionado. El Fundador mostraba una completa indiferencia por las cosas que normalmente son objeto del deseo humano - posición social, honores y aplausos, riqueza y bienestar material -, y su única preocupación era el entrenamiento del espíritu través de la disciplina del Budo.

Hacia 1935, haciendo uso de sus pequeños ahorros, empezó a comprar tierra de bosque en los alrededores de Iwama. Llevaba la agricultura en la sangre, como se hizo evidente en su empresa de colonización de Shirataki, en Hokkaido, y planeó cultivar la tierra y renovar la búsqueda de un Budo espiritual; pero este deseo suyo de cultivar la tierra no era fácilmente realizable, ya que, como artista marcial reconocido, era constantemente invitado a diversos lugares y su apretado programa no le dejaba tiempo para proseguirlo.
El intento en tiempos de guerra de agrupar todas las formas de artes marciales en una sola organización presentó una oportunidad única. Los acontecimientos hacían imposible la continuidad de las actividades normales de Aikido y ya no se le requería para supervisar su crecimiento, y cuando el panorama bélico se hizo más oscuro disminuyó el número de alumnos y declinaron las invitaciones para hacer demostraciones de Aikido. Así pues, sintió que éste era sin duda el momento ideal para él de tomar una decisión de cara a su futuro, y la orden de unirse a la Gran Asociación Japonesa Marcial y Virtuosa fue la gota que colmó el vaso, de tal manera que el Fundador proclamó el establecimiento del Aikido y finalmente tomó la decisión de retirarse a Iwama, donde podía proseguir su propio camino.

El Fundador era un patriota en el verdadero sentido de la palabra y creía que uno debe estar dispuesto a sacrificar su vida por su propio país, de modo que optó por no protestar respecto a la política nacional de tiempos de guerra. Sin embargo, no estaba de acuerdo con el plan de unir todas las formas de Budo bajo la jurisdicción gubernamental, y para él la orden poco tenía que ver con el amor a la patria. Es más, la nueva organización demandaba más y más papeleos y asistencia a reuniones, todo lo cual obstaculizaba su deseo de continuar su búsqueda del Budo. Con absoluto desinterés decía: «No sirvo para el papeleo. Para mí sólo existe la práctica del Aikido». Y diciendo esto, mandaba a uno de sus uchideshi, Minoru Hirai, a representar al Aikido en las reuniones. Yo era todavía un estudiante en la Waseda High School, pero me designó instructor jefe del Dojo de Tokyo y pidió que sus discípulos superiores, como Kisaburó Osawa, el actual instructor jefe, me asistieran, y entonces dejó Tokyo para ir a Iwama con mi madre, Hatsu. El Fundador actuó de su manera habitual sin perder el tiempo a la hora de poner en marcha cualquier cosa que decidiera. Iwama está cerca de Mito, centro cultural y artístico durante el Período Tokugawa, pero que en esa época estaba escasamente poblado. Las granjas eran pocas y diseminadas, y toda la zona estaba densamente arbolada, el 90 por 100 de ella cubierto de pinos, árboles frutales y bosquecillos de otras especies. El Fundador limpió cerca de 20.000 tsubo (6,62 hectáreas) de las propiedades que había adquirido a lo largo de los años, y empezó a cultivar la tierra, cumpliendo así su deseo, largo tiempo alimentado, de unificar la agricultura con el arte marcial. El pequeño edificio convertido en granja en el que vivía contenía sólo dos habitaciones pequeñas y un área de suelo de tierra. Los visitantes de esta pequeña choza se sorprendían por su aspecto ruinoso, pero el ánimo del Fundador estaba alto.

Tenía tres planes encamínados a realizar su ideal de Budo verdadero cuando se asentó en Iwama. El primero era establecer un Santuario Aiki que simbolizara la Vía de Aiki y el espíritu del Aikido. El segundo era construir un dojo al aire libre, impregnado con el Ki de la naturaleza, donde se pudiera enseñar el budó ideal de Take-musu. Y el tercero, llevar a cabo su ansiado sueño de unificar la agricultura con el arte marcial. Aspiraba a relacionar el entrenamiento del budó (take) que armoniza con la protectora fuerza vital (muso), con el trabajo de la agricultura, a través del cual la tierra produce el alimento que sustenta la vida.

El Santuario Aiki fue concebido para rendir homenaje a los cuarenta y tres dioses que protegen y dan poder creativo al Aikido, y para ser el centro sagrado de todos los practicantes de Aikido que se comprometen en promocionar la Vía para todos los seres. Los cuarenta y tres dioses son las deidades marciales, los reyes dragones y las encarnaciones glorificadas en el saber tradicional popular japonés. El Fundador creía firmemente que su destreza en el Budo no provenía de sí mismo, sino de los dioses que lo protegían y que nutrían esta habilidad. Esta era su fe fundamental, pero lo más importante es que esto demuestra su humildad y su autodisciplina; encomendándose a un poder mayor nunca se volvería arrogante por los logros conseguidos. Esta humildad, compendio de su sinceridad y de su devoción por el entrenamiento, es algo que deben tomarse a pecho todos los practicantes del Aikido.

La disposición del Santuario Aiki está basada en los principios del Koto-dama. La colocación del santuario interior, la sala de culto, la puerta de entrada, etc, están todas de acuerdo con los tres principios del triángulo, el círculo y el cuadrado. Estos tres signos son símbolos del ejercicio de respiración en el estudio del Koto-dama. En palabras del Fundador:

''Cuando el triángulo, el círculo y el cuadrado se convierten en uno, hay movimiento en rotación esférica junto con flujo de ki, y aparece el Aikido de Sumi-kiri.''

El hecho de que el Santuario Aiki, que refleja una elaborada filosofía, pudiera completarse en los difíciles años al final de la Segunda Guerra Mundial, se debió a los esfuerzos de un maestro carpintero llamado Matsumoto, que vivía en Iwama, y al incansable apoyo de numerosos practicantes desde el comienzo del Aikido. La terminación del santuario principal del Santuario Aiki en 1943, fue una ocasión que hizo derramar lágrimas de felicidad al Fundador. Su sueño de toda la vida se había hecho realidad, y los cimientos del Aikido estaban echados. El Santuario es ahora la meca de todos los auténticos alumnos del arte.

La construcción de un Dojo al aire libre, segunda parte del plan del Fundador, tuvo lugar en una esquina de su granja, pero con el incremento del número de alumnos fue necesario construir un pequeño Dojo interior de treinta tsubo (90.9 m2) Fue completado en 1945, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, y supuso una desviación del objetivo original de combinar la agricultura con el arte marcial, pero trajo inesperados beneficios al Aikido.

Durante los tres años después de la guerra, el Hombu Dojo de Wakamatsucho se vio obligado a reducir sus actividades por una serie de razones, entre ellas la prohibición impuesta a todas las artes marciales por las Fuerzas de Ocupación Aliadas. Entonces todas las actividades del Dojo central se trasladaron a Iwama, de forma que, gracias a este Dojo, el Aikido pudo perdurar en una época en que el clima y la actitud general hacia las artes marciales eran fuertemente negativas. Hoy en día el Dojo de Iwama se llama Ibaraki Dojo y está dedicado a la memoria del Fundador.

El Fundador había acariciado desde hacía mucho tiempo el ideal de establecer un centro Aiki, y que esto se hiciera realidad, aún con pequeñas modificaciones, en mitad de los difíciles años de la guerra y en los caóticos años de después de ella, era casi un milagro. Por tanto, debió ser muy gratificante para él haber sido capaz de escapar de la atareada vida de Tokyo para dedicarse totalmente a realizar el ideal del verdadero budó.
La vía de recuperación del Aikido comenzó en febrero de 1948, con la aprobación oficial del Aíkikai como nueva institución. Fue reconocido por primera vez públicamente en los Almacenes Takashimaya, en Tokyo, en septiembre de 1956, y la Primera Demostración Pública de Aikido patrocinada por el Aikikai se celebró en 1960 en la Sala Yamano, en Tokyo. El momento cumbre del restablecimiento de después de la guerra llegó con la terminación del nuevo Hombu Dojo en enero de 1969.

Viendo la prosperidad que ha alcanzado el Aikido, qué menos que reflexionar sobre las decisiones adoptadas por el Fundador durante los años de la guerra e inmediatamente después. Si el Maestro Ueshiba en vez de retirarse a Iwama hubiera dejado que el Kobukan Aiki-Budo fuera engullido por la fusión de las artes marciales durante la guerra, la historia del Aikido podría haber terminado entonces. Ambos nombres, el del Maestro Ueshiba y el del Aikido, y su breve pero glorioso capítulo en el Budo durante los años anteriores a la guerra, podían haber sido relegados a los libros de historia y con el tiempo convertirse sólo en oscuras leyendas en los anales de las artes marciales.
La reputación y el éxito actuales del Aikido se deben a la decisión del Fundador de dedicarse a la búsqueda espiritual de la esencia de las artes marciales en la alejada región de Iwama. El Maestro Ueshiba demostró con su propio ejemplo que la prosperidad del Aikido no se mide por el número de seguidores, sino por la profundidad e intensidad de la búsqueda personal de la verdad a través del entrenamiento y de la práctica. A mi entender ésta es la más importante razón de que el Aikido sea hoy lo que es.
El dicho Zen «Reflexionar sobre nuestros pasos» nos advierte que hay que comprobar siempre si nuestros pies están en tierra firme. Como practicantes de Aikldo debemos siempre «Reflexionar sobre nuestros pasos», aunque nos movamos juntos hacia adelante con altos ideales y apasionados por la verdad.

==Etiqueta==

Muchas veces me han preguntado por que realizamos tantos saludos durante la práctica. La razón esta, por un lado en la tradición cultural japonesa, en la que la cortesía juega un papel preponderante en toda relación entre las personas. Por otra parte, Aikido es heredero, como integrante del budo, de los códigos de conducta del samurai. Este respetaba a su adversario, pues tenia arraigado, que de no hacerlo, implicaba una falta de valoración de su capacidad, y por ende, era una forma de ser vencido antes del combate.

Pero en Aikido no hay combate. Es un Arte de Vida. Entrenamos para lograr un mundo mejor. Nuestra actitud durante la práctica debe ser de concentrada atención, colaboración y respeto. La forma de manifestar este último es cortesía. De nada sirve refinar nuestra técnica si no refinamos nuestro espíritu. Un profundo saludo es un acto negativo si no es sincero. Debe ser un mensaje sin palabras en el que expresamos:

"''voy a atacarte franca y atentamente, no quiero lastimarte, voy a realizar mi mejor ukemi, progresemos juntos''". Y si logramos llevar esta actitud a nuestra vida diaria, habremos logrado plasmar, en la medida de nuestras fuerzas, los ideales de O'Sensei.

==Característica==

Es la búsqueda de la armonización/neutralización del contrario en situaciones de [[conflicto]], dando lugar a la derrota del adversario sin dañarlo; propiciando la educación del instinto propio, la [[Autorreflexión|auto-reflexión]] y la evolución del oponente. En lugar de "simplemente" destruirle o humillarle; buscando a su vez el propio crecimiento personal. Formándonos como personas valiosas para la sociedad y promotores de la paz.

==Metodología de aprendizaje==

A diferencia de la gran mayorìa de artes marciales tradicionales o modernas, y [[deportes]] de [[combate]], que buscan condicionar o mecanizar los diferentes gestos de defensa y ataque, el Aikido busca despertar la conciencia reprogramándonos física, mental y emocionalmente. Por esto el maestro Mitsugi Saotome afirma: "''El Aikido busca la educación de nuestro instinto agresivo''"; entrenando nuestra percepción, desarrollando nuestra decisión, dando lugar a una ejecución / neutralización adecuada. Por esta razón se comienza por las tomas de muñeca, los agarres y retenciones para dar lugar a los agarres en movimiento, a los ataques tipo te-gatana o de mano sable; luego se dan los ataques armados tradicionales ([[Katana|sable]], sable de madera, puñal, porra, lanza corta). Las técnicas del Aikido se desarrollan teniendo en cuenta los aspectos en común entre sì mismas, de manera simultánea con la táctica; además de aplicar un acondicionamiento físico diferente al estar basado en la relajación, la alineación corporal, los giros, las torsiones y extensiones, además del desarrollo de una tensión dinámica muy específica. Logrando una fusión sincronizada de las trayectorias de ataque y defensa dentro de circuitos horizontales, verticales o diagonales de movimientos en elipse, circulares y/o en espiral.

==Categorías de grados==

Tradicionalmente se mantiene el sistema Kyu- Dan, heredado del [[Judo]]; entre mudansha (cinturones blancos / colores) y Yudansha (cinturones negros). Las categorías establecidas en el Aikido del [[Aikikai]] de Tokyo estan divididas en 10 kyus para niños (menores de 15 años), y en solo 5 kyus para los adultos. Después vienen los grados Dan, del 1 al 8. Así mismo dentro del instituto Aikikai existe el sistema diseñado para la formación de instructores, dividido en: Fuku Shidoin, que es una titulación baja de asistente. Luego esta el Shidoin o profesor/ instructor que se obtiene a partir del 3 Dan, y por ultimo el titulo de [[Shihan]], cuando ya se es maestro y se obstenta el grado de 6 Dan.

==Aikido en Cuba==

Según algunos autores, desde la segunda mitad de la década de los cincuenta del siglo XX, era conocido por el sensei Andrés Kolychkine Thomson (1913-1997), maestro nacido en Finlandia y posteriormente radicado en Bélgica, 8va Dan de Judo e introductor de ese arte en Cuba; en sus clases utilizaba algunos conceptos propios del Aiki, como “donde termina la fuerza comienza el Aiki Do”, pero no s e puede decir que existiese una practica sistemática ni un entrenamiento de este arte netamente en la Isla.

En la década del 90 del siglo XX, se comienza a entrenar en Cuba por el actual cuarto Dan Carlos Sosa, que lo había estudiado en durante su estadia en Bulgaria. Pero no es hasta el año 1996 cuando se crea La Asociación Nacional de Aikido afiliada a la Federación Cubana de Karate y Artes Marciales Afines (FCKAMA) y se organizan las estructuras a nivel provincial, instituyéndose las filiares provinciales y la Junta Nacional. En ese mismo año viene a Cuba el Sr. Luís Miguel Bonnemaire, asesor del directivo de la “Federación Francesa de Aikido”, sensei Jean Claude Joannes, quien se propone a servir como representante ante el maestro Noboyushi Tamura, presidente de la Federación Francesa, recomendándole a la Federación Cubana afiliarse a la Federación Latinoamericana de Aikido (F. L. A.), dirigida por el Shihan Yoshimitsu Yamada, 8vo dan y discípulo del creador del arte. Paralelo a ello, la recién inaugurada Junta Directiva realizó un recorrido por todas las escuelas del país realizándose el primer examen de grado respaldado de la Federación Francesa.

En 1998 llega a la Isla el Sr. Wagner Bull, emisario de la F. L. A. y se tramita la afiliación de Cuba a este organismo regional, así como al Hombu Dojo Aikikai de Japón. Ese mismo año vuelve Sr. Wagner Bull, acompañado por el sensei Miguel Morales Bermúdez, secretario de la F. L. A. y presidente del Aikikai de Perú, quien realiza un seminario internacional.

Durante el mes de febrero de 1999 llega de visita oficial el Shihan Yoshimitsu Yamada, acompañado de Miguel Morales e imparte otro seminario comenzando el proceso administrativo de afiliación.

'''Historia del Aikido en Santiago de Cuba'''

A principios de 1994, en la Universidad de Oriente la sensei Susan Kinne norteamericana, residente en Nicaragua) creó una pequeña escuela. Comenzaron el entrenamiento cerca de 8 alumnos el primer día, se aumentando la cantidad, llegando de 30 a 40 en pocos días. A los tres meses la sensei regresó a Nicaragua, donde de la matricula inicial de cerca de 30, solo quedaron unos 15 alumnos. La escuela de Aikido en Santiago de Cuba funciono durante poco tiempo, menos de un año. Impartidas por los otrora alumnos. Durante el año 1997, con el auspicio del presiente de la ya creada Asociación de Aikido, se retoman los contactos con estos practicantes, logrando que en mayo de 1998 se abriera una escuelita en un campo de fútbol, con solo 6 o 7 compañeros, la mayoría de la antigua escuela. A los pocos meses se obtuvo el permiso para usar el Dojo de la universidad y por consiguiente comenzaron a aumentar los alumnos.

A los pocos meses de reabrir la escuela el sensei francés Christian Huc que vivía en Santiago se ofreció a ayudarlos e impartir clases 2 veces por semana, entrenando continuamente.

Para favorecer la situación, la Asociación organizo varios seminarios nacionales, así como un seminario internacional con la participación del sensei Y. Yamada.
En marzo de 1999 se ofreció la primera exhibición de Aikido efectuada en la ciudad. Fue organizada por la Universidad de Oriente como parte del programa de inauguración de los Juegos Universitarios (Copa 13 de Marzo).

En San Antonio de los Baños, en la provincia de La Habana, da clases el Sensei Alfredo Ruiz Fleitas del estilo Seikikai, único representante de este Aikido en Cuba.

==Lema del Aikido (Masanao-veno)==

• Mantener la disciplina

• No enervarse

• No entristecerse

• No poseer sentimiento hostil

• Ser comprensivo

• Ser tranquilo

• Ser pacífico

• Mantener la ética

• Ser amigables con todos

• Respetar a todas las personas

• Ser humilde

• Ser justo y honesto

• Concientizar lo que el AIKIDO representa, el camino de Dios.

• Concientizar lo que se practica, el principio del autoconocimiento.

==Valores del Aikidoka==
Son tres, ellos son:

'''Shin''': correctos valores personales, y espirituales y buen comportamiento.

'''Gi''': conocimiento completo y realización impecable de las técnicas (Tokui waza).

'''Tai''': la buena forma y condición física del cuerpo.

==Rotación Esferica==

El principio y aplicación de la rotación esférica como fundamento del Aikido fue pensado por O´sensei como un naciente desafío a las Artes Marciales tradicionales. Este principio se encuentra en el Jujutsu ancestral donde lo blando controla a lo duro y lo flexible vence a lo rígido, una herencia de estas artes a la formación del Aikido.

En el lenguaje del Aikido este concepto es de lo más adecuado en lo que se refiere a los movimientos corporales que incluyen volverse y girar y cuya técnica básica es entrar, conocidos con el nombre de tai-sabaki o, más exactamente, de irimi-issoku, que significa «entrar con un solo paso». Estando de pie, cara a cara ante un adversario en la posición hanmi, cuando el adversario se mueva hacia adelante evitaremos la embestida lineal entrando en la apertura que está fuera de su vista, llamada shikaku o ángulo muerto. El punto clave aquí es un juego de pies rápido y seguro mediante el cual nos apoderamos del centro del adversario. La técnica básica incluye, mientras entramos, un golpe (atemi) al punto desprotegido y vulnerable del adversario, pero en el entrenamiento avanzado se ejecutan varios movimientos (irimi-nage, irimi-tenkam, irimiotoshi).

Como ya he indicado, el irimi es esencial al principio de rotación esférica, y la consideración más importante que podemos hacer es la de que hay que mantener siempre nuestro centro de gravedad. En una situación de combate real, para apoderarse del centro del adversario y hacerse cargo de la situación, es indispensable entrar con la fuerza plena del ki. En el momento de entrar, cuando viene hacia nosotros un golpe directo, debemos evitar a toda costa cualquier vacilación. Hay muchos otros aspectos importantes, pero como esta obra no pretende ser una detallada explicación de técnicas, remitimos al lector a los manuales pertinentes.

Si irimi representa las características propias del budo como técnica marcial, el tai-sabaki, movimiento corporal correcto, encarnaría los rasgos esenciales del aikido, considerado como conjunto de movimientos que contribuyen a la armonización con el cambio dinámico. Por último, las técnicas del movimiento corporal se basan en la unidad espiritual con el orden del cosmos y en la unidad dinámica con el universo siempre cambiante.

Como hemos señalado, el movimiento corporal en el aikido está basado en el principio de rotación esférica, y, del mismo modo que en el caso de un cuerpo esférico, el centro es estable y el movimiento surge de esa estabilidad. Y este movimiento esférico, por medio de técnicas surgidas de su centro y que, aunque elegantes, poseen infinito poder, pueden controlar cualquier fuerza contraria. Para explicar los movimientos de aikido podríamos apelar a las leyes de la física, por ejemplo a las fuerzas centrífuga y centrípeta, pero -su belleza esencial procede de la unidad ki-mente-cuerpo, y puesto que se trata de una experiencia de la persona entera, del ser en su integridad, el análisis no añadiría realmente nada a nuestra comprensión, y menos aún a la posibilidad de dominar el arte.
El alumno de aikido debe dedicar la mayor parte de su entrenamiento a dominar las técnicas de rotación esférica y a estudiar su implícito principio básico a través de una práctica constante. Mientras se mueva habrá de ser como una peonza, estable en su centro y sin perder nunca el equilibrio; entonces, y aunque el practicante pueda no tener conciencia de ello, la unidad del ki-mente-cuerpo con el universo se habrá alcanzado.

==Véase también==

*[[Asociación Internacional de Aikido]]

==Fuente==

* [http://es.wikipedia.org/wiki/Aikid%C5%8D/ es.wikipedia.org]
* [http://aikido.galeon.com/index.html/ aikido.galeon.com]
* [http://bushindojo-cuba.blogspot.com/2009/09/aikido.html/ bushindojo-cuba.blogspot.com]
* [http://aikidosanisidro.es.tripod.com/index.html/ aikidosanisidro.es.tripod.com]

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Archivo:Aikido.JPG

2013-04-09T18:02:19Z

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== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Karate-do

2013-04-09T17:47:55Z

Suleimis1402ad may.jc:

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'''Karate-do'''. Es un arte marcial tradicional de origen okinawense, también llamado Karate o Kárate. A la persona que practica esta arte marcial se la llama Karateka o Karateca.

== Historia moderna del karate en el Japón y antecedentes en Okinawa y China ==

===La aparición del Karate Do en Japón en el siglo XX===

La llegada del Karate a [[Japón]] se ubica en el mes de [[mayo]] del año [[1922]], época en la cual el Ministerio de Educación de Japón realizó la Primera Exhibición de [[Atletismo]] y [[Educación Física]]. El Maestro [[Gichin Funakoshi]] y Krayan Shudan (creador del estilo okinawense Chito Ryu, diferente al estilo Shito Ryu creado por Kenwa Mabuni), como presidente de la Asociación de Artes Marciales Okinawenses, fueron invitados a participar y demostrar las artes marciales de Okinawa ante miembros de la familia real Japonesa.

Sin embargo, se sabe que el karate se origina a partir de los sistemas de combate existentes en la Isla de [[Okinawa]], cuyo origen se remonta al [[kung-fu]]/[[wushu]] practicado por los chinos, adaptado conforme a la necesidad de los guerreros nobles de la isla o [[Pechin]] de proteger al último rey de Okinawa, Sho Tai. Se populariza finalmente en el Japón en [[siglo XX]], gracias a la influencia de Gichin Funakoshi a partir de 1922, conjuntamente con [[Jigorō Kanō]] (fundador del [[Judo]]), quienes realizaron diversas demostraciones. Por otro lado, en el año [[1929]] el Maestro [[Kenwa Mabuni]] del estilo [[Shito Ryu]] se instaló en la ciudad de [[Osaka]] para enseñar su estilo de karate.

El Karate-do se caracteriza por el empleo de golpes de puño y patadas, aunque no restringe su repertorio sólo a ellos. El "Karate-do" es un arte marcial en el que se coordina la fuerza (ki), la respiración, el equilibrio y la postura, el correcto giro de cadera y la conexión conjunta de músculos y extremidades, trasladando gran parte del peso corporal y del centro de gravedad al impacto, generalmente se busca derrotar al adversario mediante un solo impacto contundente. En semejanza a la estocada o corte de una [[katana]] o sable japonés.

Dentro de los varios estilos se encuentran: El "<i>[[Shotokan]]</i>" (fundado por [[Gichin Funakoshi]]), el Shito Ryu (por Kenwa Mabuni), el Goju Ryu (por Chojun Miyagi), y el Wado Ryu (por Hironori Ōtsuka) son considerados los cuatro grandes estilos de Karate-do en Japón. Sin embargo, existen muchos más, como el Ken Shin Kan fundado por Seiichi Akamine, el Shindo Jinen Ryu fundado por Yasuhiro Konishi; Kyokushin o Kyokushinkai, fundado por Masutatsu Oyama; el Matsubayashi Ryu de Soshin Nagamine; el Gensei Ryu, de Seiken Shukumine; el Renbu Kai, de Geka Yung; el Shorin Ryu de Chosin Chibana; el Uechi Ryu de Kanbun Uechi, o el Shotokai de [[Shigeru Egami]]. Aunque en Japón, el "estilo" Shotokan no existe con ese nombre, ya que los derechos de nombre y logo fueron heredados a la Shotokai por Funakoshi. Además, en Japón "Shotokan" es conocido como JKA, Kyokai, entre otros.

En [[1949]] se funda la Asociación Japonesa de Karate (JKA), que celebró los primeros campeonatos de Japón en [[1957]].

El haber mantenido inicialmente las artes de combate okinawenses en secreto sólo dejó lugar a especulaciones respecto al "verdadero Karate", que actualmente están cada vez más cerca de ser resueltas debido a las investigaciones históricas y de interpretación de las formas ([[katas]]) antiguas y modernas hechas por Patrick McCarthy, Iain Abernethy, Bruce D. Clayton y otros.

Asímismo son destacadas en lo referente a los orígenes del karate estilo Goju Ryu, las investigaciones llevadas a cabo por el antropólogo Pablo Pereda sobre el antiguo To-De Okinawense que han sido publicadas por la Universidad de León, [[España]]. Con todo el rigor que se exige en un estudio de esas características.

===La mano de Okinawa===

De acuerdo a la leyenda, las artes marciales anteriores al karate (o kárate) se originan entre los años 480 o 520 A.C. con:

# Las prácticas de las castas guerreras de la antigua India, (incluidas dentro del arte marcial hindú del Kalaripayat).
# Las prácticas físicas desarrolladas por los monjes Shaolín (tratado de la transformación de los músculos y tendones, llamado en chino el « Yijing kingyi suijing», o escrito como « I chin ching», también conocidas como Shi Ba Lo Han She (Shih Pa Lohan Sho), y en japonés como: Ekkinkyo).
# Las prácticas espirituales (meditación chan o zen) desarrolladas por el maestro indio [[Bodhidharma]], al llegar a la China desde la India.

Se cree que todas las anteriores fueron desarrolladas por los monjes del [[templo Shaolín]], en [[China]], dando así origen al [[kung fu]]/[[wu shu]], y posteriormente al karate okinawense y japonés.

Sin embargo, a medida que avanzan las investigaciones relacionadas específicamente con el karate, se ha perdido la credibilidad en estas afirmaciones e inclusive en lo referente a la existencia del mismo [[Bodhidharma]], que en la antigua [[China]] era llamado Ta Mo y en [[Japón]] se lo recuerda como |達磨| Daruma Taishi.

Según el autor e investigador Bruce Clayton en su texto 'Shotokan Secret', los estilos más lineales (tipo Shuri-Te) del karate como el Shorin Ryu, y sus descendientes directos como los estilos [[Shotokan]], Wado Ryu y [[Shito Ryu]], provienen de Chi-Niang Fang, una mujer artista marcial china creadora del estilo de la grulla/cigüeña blanca o "Bai Hok Pai" conocido también como el estilo de "la grulla busca su alimento / la grulla de la mañana"; éste a su vez fue aprendido por Tode Sakugawa, y modificado por su discípulo el guerrero noble o pechin, sokon "Bushi" Matsumura combinado con sus conocimientos de esgrima japonesa tradicional o kenjutsu estilo Jigen Ryu (el cual era a su vez el estilo de esgrima del clan samurai Satsuma, quienes invadieron Okinawa mediante armas de fuego portuguesas, antes de su incorporación final al Japón). Sokon Matsumura fue el maestro de Anko Itosu. Quien fue maestro a su vez de Gichin Funakoshi, y de Kenwa Mabuni, respectivamente.

El estilo de karate [[Goju Ryu]], que conserva una matiz más circular, con mayor prevalencia de estios marciales basados en golpes tipo garra más chinos, también se le atribuye su origen al estilo de la grulla/cigüeña blanca o "Bai Hok Pai". Dentro de la variante conocida como "la grulla que canta", que se caracteriza por su método de respiración especial, golpes a mano abierta, acondicionamiento corporal, y combate a corta distancia. Estando más cercano a los estilos de kung-fu/wu-shu, practicados en el famoso
[[templo Shaolín]], en [[China]].

La importancia dada a las artes marciales sin armas se debe a que la isla, antes de ser anexada al Japón, era un puerto libre donde atracaban numerosas embarcaciones de toda Asia, donde inclusive ya siendo parte del Japón, llegó la nave del Comodoro Perry de los EE.UU. antes de llegar a Yokohama y obligar a los japoneses a abrir sus puertos.

En la isla, se vivía una situación naval y comercial de gran intercambio entre varios reinos, similar a la de las islas Filipinas, aunque con la prohibición de porte de armas hecha en 1409 por el rey Sho Shin se unificaron los territorios de la isla, y buscó el evitar divisiones así como conflictos entre los visitantes y los nativos. Estas medidas y luego fueron enfatizadas una vez más en 1609 ya en el [[siglo XVII]], por los samurai japoneses invasores del clan Satsuma, quienes confiscaron las armas restantes, esta prohibición fue aún más forzada obligando tanto a nobles como al pueblo a desarrollar aún más los métodos de combate tanto a mano vacía como con implementos agrícolas, respectivamente.

===La Era Meiji===

Durante el [[siglo XIX]], se encontraban establecidos ciertos estilos, de acuerdo a una supuesta división regional, y énfasis en los movimientos circulares y lineales, así como el combate a distancia media y larga. Así, las principales variantes del Te practicadas en Okinawa eran Naha-Te, Shuri-Te y Tomari-Te, entre otras. Cada una de ellas contaba con características particulares, tanto en las técnicas como en los métodos de práctica. En este período, tres figuras se encargan de sistematizar y revivir la práctica del karate: Kanryo Higaonna (Naha-Te), Sokon Matsumura (Shuri-Te) y Kosaku Matsumora (Tomari-Te). En [[1872]], el emperador Meiji establece al clan Satsuma y a sus miembros como sus únicos representantes en el territorio. En [[1879]], el gobierno Meiji dicta la abolición de la familia real 'Sho' de las islas Ryukyu y crea la prefectura de Okinawa.

Los términos empleados en esa era para denominar, de manera general, a estos estilos fueron Te o Ti (手literalmente, "la mano"), Okinawa-Te (沖縄手, 'Okinawa-Te'literalmente, "la mano de Okinawa") y Tote, Tode o Todi (唐手 literalmente, "la mano de la [[dinastía Tang]]"; sin embargo, la traducción correcta sería "la mano de China").

===La mano vacía===

En [[1901]], las escuelas de la prefectura de Okinawa adoptan el tuidi como parte del programa de educación física. En esta época, Anko Itosu (糸洲安恒, <i>Itosu Ankō</i>) cambió la pronunciación de 唐手 desde tode o tuidi a karate. Entre [[1904]] y [[1905]], Chomo Hanashiro (estilo [[Shorin Ryu]]) y otros maestros posteriormente empiezan a emplear por primera vez los kanji 空手 en lugar de 唐手. En [[1933]], el capítulo Okinawa de Dai Nihon Butokukai reconoce al kárate (空手, <i>karate</i>) como arte marcial.

Al karate se le conoce como "el camino de la mano vacía", ésta fue la traducción popularizada después de la segunda guerra mundial en los 50, de Karate Do, esta traducción ha sido aceptada como alusión a la no inclusión de armas en el karate. Sin embargo, hay que notar que todos sus máximos exponentes y maestros hasta muy recientemente, tenían conocimientos del manejo de las armas tradicionales de Okinawa, como el [[bo]], las [[tonfa]], los [[sai]], los [[nunchaku]], los [[kama]], los tekko, etc. Incluidas hoy en día en el arte marcial del [[kobudo]]. O bien practicaron de manera paralela el arte del sable o [[kendo]]. Asimismo otra traducción de la palabra Karate, es "la mano que emerge/contiene al vacío, al todo", o "la mano del absoluto", podría hablarse inclusive del "camino del absoluto", debido a la profundidad filosófica, física y técnico-táctica del arte, no solo en lo físico, sino en su posible aplicación mental y al diario vivir, llegando a definir la vida de algunos practicantes. Otra posible traducción es "el camino de la mano y de la vida", pues el vacío o "kara" filosóficamente lo contiene todo, como esencia sin ataduras, sin juicios, sin límites, sin forma.

==Detalles de la Práctica==

=== Vestimenta ===

El uniforme de práctica empleado en el kárate es el keikogi o karategi, compuesto por una chaqueta, pantalones y un cinturón. El karategi se deriva del judogi, dada la influencia de [[Jigorō Kanō]] y el judo a principios del [[siglo XX]] en las artes marciales japonesas modernas o gendai budo. Actualmente existen dos tipos de karategui para competencia: el de kumite, que es más ligero, y el de katas, más grueso y pesado.

===Obi (cinturones )===

En general los cinturones son siete, y se empieza con el blanco para los principiantes. Con el aprendizaje progresivo de las técnicas se va subiendo de nivel y va cambiando el color del cinturón. Al <i>blanco</i> le siguen (por orden de menor a mayor), el <i>amarillo</i>, el <i>naranja</i>, el <i>verde</i>, el <i>azul</i>, el <i>marrón</i> y finalmente, el <i>negro</i>. Una vez se es cinturón negro, se sigue aumentando progresivamente en grados (llamados danes).</div>

===Objetivo del Karate Do===

La máxima del maestro Gichin Funakoshi fue Karate ni sente nashi, que significa que en el karate no existe primer ataque, entendiéndose en ella que un practicante de Karate nunca debe albergar una actitud belicosa, considerándose el karate un medio para la evolución personal a través de técnicas físicas. El karate se caracteriza por procedimientos y normas de respeto y ética, debido a su origen en el espíritu del Bushido japonés.

El karate es también un sistema de defensa personal que ayuda a canalizar la agresividad de la persona a través de la gran actividad física que se realza. Es un inmejorable método para el desarrollo físico, pues pone en juego todos los sistemas del cuerpo y los amplía, al tiempo que favorece su funcionamiento; aunque lo principal es que desarrolla la personalidad y el carácter de quien lo practica, siendo este su objetivo formativo.

La práctica conciente de este arte marcial tiene un impacto positivo en el bienestar psicológico de sus practicantes. Su carácter como práctica de grupo ayuda a que la gente se relacione de mejor manera; a los niños que son algo tímidos les ayuda a desenvolverse y a los más inquietos les ayuda a canalizar sus verdes.

===Parábola===

Existe una historia que refleja el sentido del karate. Es una parábola acerca del Do (camino) y un hombre insignificante.

Un karateka preguntaba a su Sensei (''Oh, maestro que ha recorrido el camino): ¿Cuál es la diferencia entre un hombre del Do y un hombre insignificante''?

El Sensei respondió: "''Cuando el hombre insignificante recibe el cinturón negro primer Dan, corre rápidamente a su casa gritando a todos el hecho. Después de recibir su segundo Dan, escala el techo de su casa, y lo grita a todos. Al obtener el tercer Dan, recorrerá la ciudad contándoselo a cuantas personas encuentre''."

El Sensei continuó: "''Un hombre del Do que recibe su primer Dan, inclinará su cabeza en señal de gratitud; después de recibir su segundo Dan, inclinará su cabeza y sus hombros; y al llegar al tercer Dan, se inclinará hasta la cintura, y en la calle, caminará junto a la pared, para pasar desapercibido. Cuanto más grande sea la experiencia, habilidad y potencia, mayor será también su prudencia y humildad''".

==Características del Karate==

El Karate es un arte marcial que difiere generalmente de las artes marciales chinas de las cuales deriva al hacer un mayor uso del principio físico del "torque" en la penetración y angulación de los golpes directos y defensas angulares, buscando la potencia; logrando un tipo de esgrima corporal, con gran uso del ki o intención emocional, además de una alineación corporal precisa. Los Katas y las formas de defensa son esquemas rítmicos y rígidos. Las técnicas utilizan diferentes partes del cuerpo para golpear, como las manos (canto, palma, dedos, nudillos), los pies (talón, borde externo, planta, base o punta de los dedos), los codos, los antebrazos, las rodillas o la cabeza, además del hueso tibial en algunos estilos como el kyokushinkai donde se entrena a contacto pleno buscando la pérdida de conciencia del oponente o el knock-out, K.O.

Sus técnicas, tácticas y métodos propios de preparación física están divididos de manera específica en:

<UL type="disk" ó "circle" ó "square">
<li>JUNTAI KAISO: Métodos de calentamiento, por rotación articular, y estiramiento.</Li>
<li>HOJO UNDO: Métodos de acondicionamiento físico y desensibilización corporal (conocidos erróneamente como endurecimiento) por medio de: 1. calistenia, o gimnasia militar, y 2. por entrenamiento con aparatos tradicionales como el poste de golpeo o makiwara, trabajo en parejas, y otros.
<li>UKE WAZA: Técnicas de bloqueo, desvío, chequeo, y/o agarre por interceptación de la extremidad que golpea.
<li>KAMAE/ DACHI / TACHI WAZA: Posiciones base, y uso de éstas para defensa, ataque o contratataque, en combinación con las técnicas de golpeo, o por sí solas.
<li>ASHI SABAKI: Tácticas o desplazamientos, buscando avanzar, retroceder, esquivar, amagues y fintas; en ataque o defensa.
<li>ASHI WAZA: Técnicas de barridos
<li>KUZUSHI WAZA: Técnicas de desequilibrio físico y mental del oponente.
<li>MA-AI: Manejo técnico-táctico y psicológico de la distancias larga, media y corta, incluido en las opciones de ataque, defensa y contrataque.
<li>TAI SABAKI: Tácticas de movimiento corporal en esquiva corporal conjunta.
<li>RITZU o HYOSHI: Tácticas basadas en el ritmo de los movimientos en ataque, defensa o contrataque.
<li>NAGARE KOMI: Tácticas de flujo y continuidad de las acciones técnicas en combinación.
<li>ATEMI WAZA: Técnicas de control del adversario por golpe a punto vulnerable, se dividen a su vez en golpes directos o 'tsuki', e indirectos o 'uchi'.
<li>FUMI WAZA: Técnicas de golpe para aplastamiento de articulaciones, o huesos.
<li>GERI WAZA: Técnicas de golpe con los pies / patadas
<li>IBUKI WAZA: Técnicas de respiración.
<li>Entre otras...
</UL>

===Kihon===

<div align="justify">Series de técnicas básicas ejecutadas en solitario, o en combinación con otras, en varias direcciones, contra implementos, como el [[makiwara]], el saco, los guantes de foco, etc... y en retroceso, se busca mejorar: la alineación corporal, tomar conciencia del alcance de las diferentes técnicas, desarrollar coordinación lineal y cruzada, tomar conciencia de la sinergía muscular (conexión) necesaria de los grupos musculares específicos a ser usados en cada técnica, desarrollar los reflejos y la velocidad de reacción, desarrollar la flexibilidad gestual, reforzar el condicionamiento neural motriz, además de potenciar la autoconfianza, trabajar de diferentes maneras la respiración, desarrollar la intención emocional.

Se considera parte del Kihon el combate preestablecido con técnicas tradicionales en secuencia, o combinaciones de estas por parejas a 5, 3, y 1 paso, o kihon kumite.

===Kata===

El kata es la base, el fundamento del entrenamiento clásico del karate como arte marcial y método de defensa personal civil. Todo el volumen de técnicas, tácticas y algunos apartados de acondicionamiento físico para la practica de este arte marcial se encuentran resumido en los katas. Para ser decodificados e interpretados, conservando la mecánica de los movimientos y las distancias larga, media y/o de luxaciones articulares, y corta o de lanzamientos, y estrangulaciones. Pero omitiendo el combate de piso/suelo o 'ne waza' como se le conoce en el [[Judo]], y el [[jujutsu]].

En caso de competición por equipos, serán tres personas por equipo, y sólo el karateka en el centro del grupo indicará el nombre del kata y dará la orden de comenzar, se observan, entre otros: la sincronía de los participantes, la explosividad y la secuencia técnica.

=== Kumite===

Kumite significa "combate". Es la aplicación práctica de las técnicas a un enfrentamiento contra un oponente real.

El kumite de aprendizaje, desarrollado en Japón con base en el arte del sable o Kendo se llama: "Kihon Kumite" o combate de movimientos formales. Este combate consistía en la aplicación por parejas de técnicas recogidas en los katas, realizándolo en uno o varios pasos.

<UL type="disk" ó "circle" ó "square">

<li>Ippon Kumite: combate a un paso.
<li>Nihon Kumite: combate a dos pasos
<li>Sanbon Kumite: combate a tres pasos.
<li>Gohon Kumite: combate a cinco pasos.

</UL>

==Fundamentos filosóficos del Karate Do==

El Karate-Do de ahora es un camino de superación personal y como tal hay que despojarse (al menos dentro del [[Dojo]]) de los malos pensamientos, acciones y actitudes, de el ego. Pensando siempre en un práctica limpia, honorable y sana.

La práctica del Karate Do no se refiere tan sólo al desarrollo técnico y táctico, al acondicionamiento físico, al estudio de los katas y al combate real o deportivo. También debe ir de la mano del desarrollo viviencial de la parte humana y la parte espiritual, el crecimiento como personas y ciudadanos ejemplares que unidos por el bien común benefician a la sociedad.

Para lograr esto, el Karate Do posee principios y objetivos comunes para el crecimiento de sus alumnos: respeto, justicia, armonía y esfuerzo son los primordiales.

La ética derivada de las filosofias del confucionismo y del budismo zen, aplicados al Karate-Do. Estos principios fundamentales son acordes al código samurai del Bushido, estos son:

<UL type="disk" ó "circle" ó "square">

*La Rectitud: ser capaz de tomar una decisión sin vacilar. Ser justo y objetivo en toda circunstancia.
*El Coraje: afrontar el reto de tomar decisiones.
*La Bondad: ser magnánimo, paciente y tolerante.
*La Cortesía: el respeto y las buenas maneras del comportamiento.
*El Desprendimiento: actuar desinteresadamente, sin egoísmos y generosamente.
*La Sinceridad: decir siempre la verdad, defender ésta, y ser fiel a la palabra dada.
*El Honor: aprecio y defensa de la dignidad propia.
*La Modestia: no ser soberbio ni vanidoso.
*La Lealtad: no traicionar a nadie, ni a uno mismo. Ser fiel a las propias convicciones.
*El Autodominio: tener control sobre los actos, emociones y palabras.
*La Amistad: entregarse en un todo. Saber compartir y ayudar.
*La Integridad: tratar a todos por igual, defender los principios, y ser fiel a los compromisos.
*Generosidad: dar sin pedir nada a cambio.
*Imparcialidad: emitir juicios de acuerdo a la verdad.
*Paciencia: es tolerar lo intolerable.
*Serenidad: control de los impulsos ante conflictos y dificultades.
*Autoconfianza: creer en uno mismo.

==Fuente==

*Gluck, Jay.(2004). Combate Zen. Ciudad de México: Editorial Diana S.A. de C.V.
*Funakoshi, Gichin. Karate-Do, mi camino, Editorial Eiras, Madrid.
*Camps, Hermenelgido: Historia y Filosofía del Karate, Editorial Alas, Barcelona.

[[Category:Deporte]][[Category:Deportes_de_combate]][[Category:Karate]]

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Melena del Sur

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{{Plantilla:Municipio_(avanzado)
|nombre = Melena del Sur
|nombre completo = Municipio Melena del Sur
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|país = Cuba
|unidad = Municipio
|tipo_superior_1 = Provincia
|superior_1 = [[Mayabeque]]
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|pie_mapa = Ubicación del Municipio Melena del Sur
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|imageninferior = Parque_Melena_del_Sur.jpeg
|imageninferior_pie=
|fundación =
}}'''Melena del Sur'''. Es uno de los 11 municipios que conforman la provincia [[Mayabeque]]. El [[8 de noviembre]] de [[1961]], se declaró "Primer Territorio Libre de Analfabetismo en [[Cuba]] y [[América Latina]]". Municipio que aportó además 400 Brigadistas [[Conrado Benítez]] a otras provincias y entre ellos figuró el mártir de la Alfabetización [[Alberto Herrera Prado]], que murió con solo 12 años, cuando atravesaba el [río Jiguaní]]. Actualmente la sala de alfabetización del Museo Municipal lleva su nombre.

== Geografía del municipio ==

El municipio Melena del Sur es uno de los ubicados en el Sur de la provincia Mayabeque. Limita con [[San José de las Lajas]] por el Norte; con el municipio [[Güines]] por el Este; la [[Ensenada de la Broa]] por el Sur y con el municipio de [[Batabanó]] por el Oeste. Abarca una superficie de 226.5 Km2.

== Cabecera municipal y principales asentamientos poblacionales ==

Barrios de Melena del Sur a partir de [[1920]]

[[Guara (Melena del Sur)|Pueblo de Guara]], [[Costa de Guara]], [[Lechuga]], [[San Julián]], [[Navío]], [[Ruiz]], [[Pueblo de Melena]], [[Costa de Melena]], [[Bayazo]], [[Charcas]], [[Ponce (Melena del Sur)|Ponce ]].

== Habitantes ==

20 853 habitantes

== Características de su geografía ==

Melena del Sur se desarrolla en la llanura cársica meridional Habana-Matanzas teniendo al norte el anticlinal Bejucal-Madruga Limonar. Es un territorio predominante de llanura abrasiva desnudativa en su parte Central y lacuro pelustre en la zona litoral, no presenta afloramiento calizo de importancia detectándose únicamente pequeños bloques calcarios en superficie.

En general el municipio presenta un relieve uniforme donde no existen elevaciones que superen 15 m de altura desde el nivel del mar.

La región de Melena del Sur, es una zona de estructuras deprimidas. Es geosinclinal en su parte meridional con condimentos carbonatados de [[Yacensia]] suaves, presenta [[Suelos ferralíticos]] rojos y amarillentos, predominantes los primeros, representados por la serie [[Perico – Trafin]] y [[Matanzas]].

Son estos suelos de alta productividad de calor rojo fundamentalmente ricos en [[Caolinitas]] y [[Arcilla|Arcillas]].

La costa de esta zona tiene una extensión de aproximadamente mas de 6 Kms. y posee características [[Abrasevo-acumulativa]] con litorales bajos. En la desembocadura del [[Río Mayabeque]] se presentan playas bajas arenosas, lagunas laterales, ciénagas costeras y manglares.

La región hidrogeológica [[Artemisa]], [[Bolondrón]], [[Aguada de Pasajeros]] se extiende bajo este municipio, de la cual se atrae principalmente el agua utilizada en la atención a los cultivos.

En la porción sur se presentan brotes de agua subterránea que provocan la cenagacidad de las costas en cuyos fondos se acumulan desechos orgánicos que dan origen a la turba. En realidad la red hidrográfica de Melena del Sur presenta un buen desarrollo con cauces aunque estacionarios, bien definidos.

== Elementos distintivos de la flora y la fauna local ==

Por ser Melena del Sur un municipio de economía basada en el cultivo agrícola, la vegetación es fundamentalmente de sabana, aunque existen también sabanas secundarias con bosques que puedan llegar a ser estacionales.

Hacia el sur se desarrollan bosques de mangles y bosques de mudación estencional típico en casi todo el litorial sur de la provincia, partes de [[Pinar del Río]] y [[Matanzas]], se destaca la existencia de [[Mangles rojos]], [[Palma real]], [[Palma cana]] y [[Patalan]].

La vegetación es principalmente herbasia con algunos arbustos y muy pocos árboles.

No existen en esta región accidentes geográficos de mayor importancia por su caudal y por su longitud exceptuando los cauces del [[río Guara]], y el cauce viejo del Mayabeque.

== Fundación ==

Al ser trasladada la Villa de La Habana a la costa norte todos los territorios, de lo que hoy es provincia [[Ciudad de la Habana]], fueron mercedados a los colonizadores el Hato del Mayabeque a [[Bartolomé Cerero]] en [[1557]] (este conocía todos estos lugares por haber formado parte de los fundadores y primeros pobladores de [[San Cristóbal de la Habana]]).

Así las cosas en [[1857]] surge el [[Corral de San Juan de Melena]] como concedido a [[Juan Alonso Durán]]. Durante esta misma etapa se mercedó el Corral Pilar de Saragoza a [[Marcelo Carmona]], el día [[23 de septiembre]] de [[1598]] y el Canal Guara a [[Julián Estrada]], el día [[7 de diciembre]] de [[1629]]. Hoy en día todas estas tierras forman parte del municipio.

El territorio de Guara surge junto al [[río Guaraguasí]] como Capitanía fue fundada en [[1779]] y por decreto del 22/881 fue creado su Ayuntamiento segregándose de [[Güines]]. El poblamiento inicial se hizo en la región costera y permitieron la penetración en la llanura los caminos interiores que estaban vinculados a los ríos de importancia.

Según aparecen en las memorias de la [[Sociedad Patriótica de la Habana]] (SEAP) ya desde [[1712]] tenía Guara su Iglesia que dependía de la Parroquial de [[Quivicán]] a la que quedo definitivamente unida. En estas memorias no existía el [[Primer Oratorio en Melena|oratorio de Melena del Sur]] lo que prueba que en 1712 la pobreza de este vecindario era notable a la vez se aprecia la importancia del [[Poblado de Guara]].

En [[1768]] se funda Melena del Sur (cabecera de este término) en los terrenos del local de Melena: ¿su origen?, la [[Familia López de Arco]] la obtuvo de una hacienda que había sido mercedada a unos indios de [[Guanabacoa]] y que constituían los restos de la [[Raza Siboney]] en nuestra provincia.

== Desarrollo económico ==

El principal renglón económico era la industria azucarera que tenía un desarrollo bastante aceptable, existía un central equipado con moderna tecnología.

Se destacan también los cultivos de viandas y granos teniendo altas producciones el arroz, frijoles, papa, y plátano pero en menos cuantía contribuía a la diversificación la ganadería. Al cierre de diciembre del [[2009]], se lograron resultados favorables en la producción mercantil puesto que la misma alcanzó un 114&esc; % de cumplimiento, de un plan de 8040.3 MP, se ejecutaron valores por 9175.1 MP, Comparándolo con igual período del año anterior se nota un crecimiento de 2022.2 MP. [[MINSAP]].

El municipio de Melena del Sur cuenta con un Policlínico llamado [[Raúl Currás Regalado]], una Sede Universitaria de Salud, una Sala de Rehabilitación, un Laboratorio de microbiología y dieciocho consultorios médicos. De estos consultorios 11 son de Tipo 1 y siete de Tipo 2. De Tipo 1 se encuentran 4 en Melena, uno en Guara, 2 en el Central, 1 en Lechuga, 1 en el Zapote, 1 en Monte y 1 en [[Peniché]]. De Tipo 2 se cuenta con 3 en Guara, 1 en Lechuga, 2 en el Central y 1 en [[Zapote]].

El personal de trabajo está distribuido de la siguiente forma, 72 médicos, con cargos administrativos 10, de ellos 15 en misión y 122 técnicas en enfermería, 2 obstetras y 4 pediatras. Se encuentran ejerciendo en el [[MININT]] cuatro y en otras consultas 2.

== Principales servicios comunitarios ==

Existen actualmente 2 heladerías, 1 restaurante, 1 cadena de pan, 8 puntos de ventas por CUC, 11 cafeterías.

== Principales acciones del Movimiento 26 de julio ==

• [[26 de diciembre]] de [[1956]]: Se celebraba por primera vez en Melena del Sur “El Día del Melenero Ausente”, fiesta organizada con el propósito de reunir a los naturales del municipio que por una razón u otra vivían en otros lugares del país. Ese día había una enorme concentración de gentes. La dirección del movimiento orientó a los revolucionarios efectuar acciones de sabotajes, las que apoyarían a otra importante que iba a tener lugar en otro sitio. [[Rogelio Perea Suárez]] quemó una ambulancia que se encontraba parqueada al fondo de la jefatura de policía y un puesto de frutas en el Puente Cantón.

Muy próximo al lugar donde se desarrollaban las fiestas, [[Gregorio A. Mañalich]] incendió un pequeño depósito de gasolina, el humo daba la impresión de que se estaba produciendo un incendio de grandes proporciones. [[Rogelio Perea]] y Gregorio A Mañalich juntos, dejaron sin luz eléctrica a una buena parte del pueblo, al picar una línea importante de los cables conductores.

• [[21 de febrero]] de [[1957]]: El Liceo de Melena del Sur, institución recreativa cultural, lugar de concurrencia de las familias pudientes del pueblo, había organizado una fiesta. Un grupo de revolucionarios tenía la misión de sabotear la reunión social, en la que estaría presente el señor [[Gómez MENA]], Presidente de la Compañía Azucarera, propietaria del [[Central Merceditas]], que además de ser uno los hombres más ricos del país era un simpatizante del régimen batistiano.

Rogelio Perea, Gregorio A. Mañalich, [[Aurelio Espinosa]] y [[José Vázquez]] pudieron colocar en el falso techo del edificio fósforo vivo, el que al explotar produjo un gran desconcierto entre los participantes. Fueron burladas las fuerzas represivas locales que precisamente habían estado custodiando la institución previendo un hecho como este.

• [[13 de marzo]] de [[1957]]: La noticia de los sucesos ocurridos en la capital, al ser atacado el Palacio Presidencial y la [[Emisora Radio Reloj]], por parte de un nutrido grupo de hombres pertenecientes al [[Directorio Revolucionario]], que pretendían ajusticiar al tirano, se conoce de inmediato en Melena del Sur. La dirección municipal del [[M-26-7]] activa un plan de aviso y pone en alerta a todas las células existentes en el territorio, para estar preparados y actuar de acuerdo con las circunstancias.

Se le asignó la misión a Rogelio Perea de viajar a la capital y ponerse en contacto con los superiores del movimiento. Se estructura un plan provisional hasta tanto no llegaran las orientaciones, el que, entre otros aspectos incluía interceptar las carreteras de acceso al municipio, preparar bombas caseras, tomar la estación de policía, ocupar el ayuntamiento. Todavía no se había terminado la movilización y se supo del fracaso de las acciones. La efervescencia que se había producido entre los revolucionarios produjo cierto resquebrajamiento de las medidas de seguridad que se tomaban para evitar la identificación que podían hacer de ellos los batistianos.

• [[1 de mayo]] de [[1957]]: En saludo al “Dia Internacional de los Trabajadores”, y particularmente en solidaridad con los obreros azucareros del central Merceditas, la directiva del M-26-7 toma como acuerdo sabotear la fábrica, evitando que moliera. [[Eduardo Murphy]] y [[José Luis Vázquez]] colocan una cabilla en uno de los carros de caña que “tiraban” directo al basculador. Las cuchillas de la máquina moledora se rompieron.

• [[13 de junio]] de [[1957]]: En la ejecución de un sabotaje a las líneas eléctricas que suministraban energía a Melena del Sur, son hechos prisioneros Rogelio Perea Suárez y Gregorio A. Mañalich Perea. Fueron conducidos a [[Güines]] y posteriormente a La Habana, donde son recluidos en la prisión “El Príncipe”. Tres días después inician una huelga de hambre, secundando a otros revolucionarios, todos presos políticos, entre los que estaban [[Enrique Hart Dávalos|Enrique Hart]], [[Arístides Viera]], [[Machaco Amejeiras]] y otros. Participan en círculos de estudios donde se superan políticamente.

• Julio- diciembre de [[1957]]: A pesar del recrudecimiento de la represión policial que pretendía a toda costa terminar con los grupos de revolucionarios, las acciones se sucedieron unas tras otras. Entre julio y agosto tuvieron lugar veintitrés, las más importantes fueron: varios sabotajes a la electricidad, quema de cañaverales, se regaron alcayatas par interrumpir el tránsito, distribución de periódicos y folletos, venta de bonos para recaudar fondos, se colocaron banderas del M-26-7 en lugares públicos.

*[[11 de febrero]] de [[1958]]: Sale de la prisión con libertad condicional Rogelio Perea Suárez. Se incorpora a la lucha clandestina en La Habana, junto a Gregorio A. Mañalich Perea que poco antes había logrado escaparse. Con la ausencia de estos destacados revolucionarios pierde el movimiento en el municipio a dos hombres de acción.

*[[9 de abril]] de [[1958]]: Desde algún tiempo los revolucionarios se estaban preparando para la ejecución de una huelga general, organizada por la dirección nacional del movimiento, como apoyo a la ofensiva que venía librando el [[Ejército Rebelde]]. Se supo con anterioridad que el día [[9 de abril]] se desarrollarían las acciones, sabía qué hacerse en el momento dado, sólo era preciso recibir las órdenes del mando superior. Ese día, en espera de las orientaciones fueron tomadas algunas medidas.

Durante cuatro horas se retuvieron las carretas de caña en el “chucho San Manuel” para que no fueran pesadas y enviadas al central y así obstaculizar la molienda. Se les informó también a los padres de los alumnos del colegio parroquial San Juan Bosco que no enviaran a sus hijos a clases. Aunque estas y otras medidas se pusieron en práctica no trascendieron, pues mientras que en otros pueblos y ciudades del país se había producido el enfrentamiento contra el régimen, la orden del mando superior no llegó nunca a [[Melena del Sur]].

*[[19 de mayo]] de [[1958]]: Es asesinado en La Habana [[Gregorio Arlés Mañalich Perea]]. El cuerpo fue encontrado por su padre en el necrocomio de Marianao, completamente desfigurado por las torturas. Después de liberado el cadáver es conducido a Melena del Sur. Fue esperado a la entrada del pueblo por una gran concentración de meleneros que abiertamente manifestaron su repudio, escuchándose gritos de “Abajo la tiranía”. Frente a su casa el padre mostró a todos el cuerpo torturado y mutilado, creciendo entonces la indignación popular; en cierta ocasión los presentes entonaron las notas del [[Himno Nacional de Cuba]].

La policía local no tomó ninguna medida represiva, algunos incluso se solidarizaron con el dolor colectivo. La marcha hacia el cementerio fue muy emotiva, la madre de Arlee, junto con otras, unieron sus manos y en apretada marcha condujeron el cadáver hasta su última morada. Por no reprimir la manifestación el jefe del puesto militar es degradado, poco después se suicida.

*[[Junio]]-[[Octubre]] de [[1958]]: Después de los acontecimientos que tuvieron lugar el día de los funerales de Gregorio A. Mañalich Perea, las fuerzas represivas en Melena del Sur, severamente reprendidas por su instancia superior y en lo adelante dirigidas por un nuevo jefe, redoblaron la vigilancia. A los del [[Movimiento 26 de Julio|M-26-7]] les resultaba casi imposible efectuar actividades, aunque algunas veces se pudo burlar la vigilancia.

El Movimiento decidió que el [[Central Merceditas]] y su batey fuera centro para sus operaciones, por ser el azúcar el renglón económico que agrupaba a una gran masa de proletarios, entre los que era necesario hacer una conciencia de lucha. Se confeccionaron explosivos y se compraron más armas; fueron fabricadas largas cadenas que sirvieron para la interrupción de las líneas eléctricas y telefónicas (3 y 4 respectivamente). En una ocasión fue puesto fuera de circulación el motor diesel de la fábrica, bonos, folletos y otras propagandas se distribuyeron entre los trabajadores.

*[[3 de noviembre]] de [[1958]]: Sabotear las direcciones municipales fue una tarea de primer orden. Se divulgó entre los ciudadanos la necesidad de que no acudieran a los colegios electorales, “porque de esta forma no se le hacía el juego a la dictadura”, que pretendía mostrar que el país estaba viviendo tiempos normales y que el Ejército Rebelde era sólo un simple grupo de “asaltadores de caminos”, dar a entender también que en Cuba las libertades constitucionales estaban garantizadas. La posta del colegio electoral del barrio de Lechuga fue tiroteada y simultáneamente se tiraron propagandas antigubernamentales.

*[[8 de noviembre]] de [[1958]]: Rogelio Perea Suárez (Rogito) el más destacado de todos los revolucionarios meleneros, fue asesinado en La Habana, junto con dos líderes del Movimiento, [[Machaco Amejeiras]] y [[Pedro Gutiérrez]], su cadáver no pudo ser traído para Melena del Sur de inmediato, como se hizo con el de Gregorio A. Mañalich Perea, se enterró junto a sus compañeros en el cementerio capitalino de Colón. La noticia de su muerte llenó de consternación a sus coterráneos que hicieron múltiples esfuerzos por recuperar el cuerpo y llevarlo al pueblo natal.

*[[10 de diciembre]] de [[1958]]: Un grupo de revolucionarios del pueblo de Guara se dirigió a las lomas de [[Arcos de Canasí]] en la provincia de Matanzas, y se incorporan a la columna del Ejército Rebelde nombrada [[Angel Machaco Ameijeiras]] y capitaneada por [[José Garcerán]]. Ellos fueron [[Ortelio Hernández]], [[Reynaldo Lago]], [[Sergio Alonso]], [[Alfredo Arteaga]] y [[Bárbaro Francisco Barroso]], los que entran en la [[Ciudad de La Habana]] el [[6 de enero]] de [[1959]].

== Etapa revolucionaria ==

En la mañana del Primero de enero de [[1959]] se supo de la huida de [[Fulgencio Batista]] y muchos de sus allegados. En un principio no hubo ninguna manifestación popular, muchos no dieron credulidad a las noticias, sólo cuando un grupo de jóvenes tomó la estación de policía y desarmaron la guarnición, así como a los de la [[Guardia Rural]], fue que el pueblo entró en un desordenado movimiento, se formaron varias concentraciones, una en la estación de policía, otra en el ayuntamiento y la más grande de todas frente a la casa de [[Rubén Olavarrieta]], activo miembro del Movimiento [[26 de Julio]], que era aclamado por cientos de personas para ocupar la alcaldía municipal.

Durante varios días, los habitantes de Melena del Sur, permanecieron muy atentos a los acontecimientos que se desarrollaban en la capital y otras regiones del país. Excluyendo a los batistianos, que se habían encerrado en sus casas, temerosos de represalias, casi todos celebraban de una forma u otra el derrocamiento de la tiranía, el régimen de terror de Fulgencio Batista. Los ideales políticos dejaron de ser una barrera para confraternizar, las esperanzas estaban en los ánimos y “cada cual” pensaba que había llegado el momento de comenzar una vida nueva, según “cada cual” pensaba como sería la mejor.

Según la opinión de meleneros que tuvieron la responsabilidad de dirigir y organizar las instituciones de la Revolución triunfante, hacerlo fue una tarea muy dura, se precisó aplicar nuevas estructuras y dinámicas políticas y sociales, cambiar la mentalidad de la gente, condicionada por otra forma de vivir, fue la más grande de todas las tareas.

A medida que el proceso revolucionario exponía sus intenciones, fueron polarizándose intereses, y cada ciudadano adoptó una posición acorde con la interpretación que hacía de los nuevos postulados socio-políticos. El mayor porciento de la población melenera integrada por campesinos y obreros, fueron los primeros en incorporarse a la Revolución, no por tener ya una clara visión de lo que representaba para ellos la realidad de entonces; había recelos, ambiciones y hasta oportunismo, pero el hecho de que el nuevo gobierno hablara desde su gestación en la lucha armada, de eliminar las lacras de la carcomida y corrupta [[Neocolonia]] y prometiera establecer un régimen de igualdades, era suficientemente tentador. Así lo sintieron y entendieron muchos de los que pertenecían a los grupos sociales hasta entonces privilegiados.

La medida económica más trascendental del período fue la [[Primera Ley de Reforma Agraria|Ley de Reforma Agraria]], pues en nuestra localidad no existía un número elevado de latifundistas, pero a los existentes se les aplicó y el pueblo la apoyó sin vacilación.

El [[24 de septiembre]] de [[1959]] el [[Ministerio de Recuperación de bienes malversados]] (MRBM), incautó las tierras pertenecientes a las [[Finca Gatica]] y Cantón, propiedades de [[Panchín Batista]] con una extensión de 60 caballerías de tierras.

El [[Central Gómez MENA]] se nacionalizaba el [[17 de octubre]] de [[1960]] por el Artículo 1ro de la Ley 890 del mismo mes y año. Mediante una asamblea adoptó su actual nombre, [[Gregorio Arlee Mañalich]], el de un joven melenero asesinado por la tiranía de Batista en [[1958]].

[[La ley de Reforma Urbana]] fue promulgada el [[14 de octubre]] de [[1960]] reafirmando uno de los postulados de Fidel en el Moncada, plasmados en la “Historia me Absolverá”.En el municipio se vieron beneficios por la Ley, alrededor de 390 ocupantes de viviendas que pagaban alquiler antes del triunfo de la Revolución, siendo declarados propietarios.

Por haber terminado la [[Campaña de Alfabetización]] con éxito, Melena del Sur recibió la honrosa visita del Comandante en Jefe Fidel Castro, el [[8 de noviembre]] de [[1961]], el cual declaró a Melena “Primer Territorio Libre de Analfabetismo en Cuba y América Latina”.Nuestro municipio aporta además 400 Brigadistas [[Conrado Benítez]] a otras provincias y entre ellos figuró nuestro mártir de la Alfabetización [[Alberto Herrera Prado]], que murió con solo 12 años, cuando atravesaba el río Jiguaní. Actualmente la sala de alfabetización del Museo Municipal lleva su nombre.

Los [[CDR]] de Melena se crean el [[28 de septiembre]] de [[1960]] en el local de la antigua policía de la tiranía, frente al parque central de la localidad, con el Comité Organizador, que posteriormente formó el Distrito Municipal, integrando este Comité [[Pilar Felipe López]], [[Margot Arcia Rodríguez]], [[José J. Vázquez]], [[Regla González]], [[Paula López Alfaro]], [[Pedro Roberto Anovega]] y [[José Espinosa]](Pepe).

En el municipio existían 3 bandas operando (años 60 – 62), la del Pipero, ([[Filiberto Coto]], [[Ricardo Sánchez]], [[Raúl Valladares]], [[Celio Alonso]], [Daniel Cordo]], entre otros contrarrevolucionarios), la segunda banda que fue la que asesinó al niño Leopoldito Martínez en la zona del Tejar (Bayamo) entre San José y Melena, y una 3ra banda que se alzó en la [[Loma del Grillo]] en [[Madruga]], entre ellos se encontraban [[Julián López]] y [[Ortelio Piloto]] (de Guara).

Todas estas bandas fueron eliminadas y los juicios se celebraron en el Parque de Melena a los alzados de la Loma del Grillo, en el [[Casino de Güines]] a los de la Banda del Pipero, y los de la 2da banda fueron juzgados en el [[Liceo de San Antonio de las Vegas]]. La banda del Pipero además de ser la responsable de la muerte del miliciano y miembro del MININT Simón Rodríguez, el [[13 de abril]] de [[1962]] en la zona de Los Pinos, cometió múltiples atropellos y crímenes intentando hacer cundir el pánico entre la población, especialmente de las zonas campesinas.

En Melena estaban formadas las milicias campesinas y obreras, las patrullas juveniles y en octubre de 1960 las Milicias Nacionales Revolucionarias; todas éstas organizaciones realizaban marchas por las calles, después de reunirse en el Parque Municipal, pues el 1er Cuartel de Milicias estaba en la calle 28 (frente al parque) donde hoy radica el restaurante El Moderno. También realizaban guardias cuidando puntos estratégicos en el municipio. Los primeros jefes fueron: [[Benjamín Arcia]], [[José M. Véliz]], [[Juan Rizo]] y entre los instructores figuraba [[Roberto Herrera]] y algunos militares de la dictadura que no tuvieron problemas cuando ejercían sus cargos.

En mayo de [[1960]] fueron seleccionados para pasar la escuela de Responsables de [[Milicias de Matanzas]], [[Reinerio López]], [[José R. Currás]] (Central), [[Domingo Hernández]] (Zapote), Ricardo Lago (Guara) y Benjamin Arcia. El resto de los compañeros fueron a Campo Armada a preparase para defender la ciudad. Caminaron 62 kms con mil compañeros más, llegando casi todos a la meta.

En septiembre de 1960 se organiza el batallón de Melena, su jefe fue: Benjamín Arcia Rodríguez, el 2do Jefe Ezequiel Díaz Rivero y los jefes de compañías: Nivaldo Hernández (Zapote), José R. Curras (Central), Ricardo Lago (Guara) y Manuel Felipe Perea (Melena}.

Al principio eran 400 compañeros pero después llegaron a ser más de 900. En este BON pasaron las Especialidades de Antiaérea unos 350 y antitanques unos 250. Muchos de ellos participaron en la limpia del [[Escambray]]. Los milicianos de Melena formaron parte de los Batallones 138, 141, 158, 178, y 197 de la provincia, de la Unidad Militar [[1922]], con sede en [[San Antonio de las Vegas]].

== Mártires ==

* [[Rogelio Perea Suárez]]. Mártir de la Clandestinidad
* [[Gregorio Arlee Mañalich]]. Mártir de la Clandestinidad.
* [[Eulalio García Rodríguez]]. Mártir de las luchas sindicales.
* [[Reynaldo Lago González]]. Mártir de la “La Coubre”.
* [[Alberto Herrera Prado]]. Mártir de la Campaña de Alfabetización.
* [[Simón Rodríguez Rodríguez]]. Mártir de la Lucha contra bandidos.
* Capitán Médico: [[Raúl Currás Regalado]]. Mártir Internacionalista.
* [[Cristóbal Méndez Rodríguez]]. Mártir Internacionalista.
* [[Jorge Luis Martínez Hernández]]. Mártir Internacionalista.
* [[Juan Ramón Linares Díaz]]. Mártir Internacionalista.
* [[Modesto Fidel García Borrego]]. Mártir Internacionalista.

== Aspectos socioculturales del municipio ==

Antes del triunfo de la Revolución del [[1 de Enero (desambiguación)|1ro de enero]] de [[1959]], Melena del Sur tenía algunas instituciones culturales que brindaban al público diferentes actividades y con objetivos bien distintos a los que posibilita hoy nuestro gobierno revolucionario.

La Sociedad [[Antonio Maceo]]: esta institución agrupaba a los negros y mulatos de la Comunidad, ya que no podían asistir a las sociedades para blancos. Su Presidente era [[Juan Villar]]. Otras instituciones fueron la Sociedad de Instrucción y Recreo del Liceo y Sociedad Casino español, ambas para blancos.

El cine municipal se llamaba “Cine Mena”, su dueño [[Ramón García]] y se encontraba ubicado frente al parque, calle 5 / 8 y 10. Este cine construido a principios de siglo, se mantuvo hasta [[1980]] en que fue demolido por su total deterioro. Posteriormente se inaugura el [[Cine “Onicaginal”]] con una capacidad de 492 lunetas en la planta baja y 136 en la alta.

El “Club Merceditas,” era la institución que radicaba en el central del mismo nombre, donde podían asistir los obreros y sus familiares.

Además de estas instituciones que continuaron funcionando en los primeros años de Revolución, hasta [[1961]] se celebraban las fiestas de Semana Santa, que tenían fechas variables, según el calendario eclesiástico, comenzando el domingo de Ramos y concluyendo el Domingo de Resurrección.

El Sábado de Gloria se iniciaba la Verbena con la participación de toda la poblacion, el domingo se hacían bautizos masivos en la Iglesia en la mañana y en horas de la tarde salía la procesión de la Virgen del Rosario, Patrona del Municipio, hasta las 9.00 pm en que comenzaban los fuegos artificiales, las atracciones y los bailes tradicionales en las distintas sociedades.

La sala de video fue inaugurada el [[4 de abril]] de [[1988]].La casa de la cultura se inaugura el [[12 de marzo]] de [[1983]].

La biblioteca municipal fue creada el [[13 de marzo]] de [[1983]] en la calle 34 #3010 e/30 y 32 en el pueblo de Melena.

La librería comenzó a funcionar el [[28 de abril]] de [[1964]].

La Galería de arte se inauguró en [[1980]].

=== Tradiciones y costumbres del municipio ===

Día del melenero ausente, coincidiendo siempre con las fiestas populares de la localidad.

El mollete, plato típico melenero.

Santo patronal según ritual católico.

Purísima Concepción.

== Centros educacionales ==

Existen 7 escuelas primarias, 1 escuela especial, 1 secundaria urbana y una ESBEC, 3 politécnicos, 7 preuniversitarios en el campo que brindan educación media superior a diferentes municipios de la provincia, y 4 instituciones universitarias.

== Deporte ==

En [[1963]] se celebra un juego de baloncesto en el [[INDER]], entre un equipo soviético y el de Melena, constituyendo el primer juego internacional realizado en el territorio.

Con la construcción de las Escuelas Secundarias Básicas en el Campo en [[1972]], se incrementan las instalaciones deportivas, creándose:

• 8 pistas de atletismo • 8 terrenos de fútbol • 20 terrenos de voleibol • 20 terrenos de baloncesto Aparece el terreno de béisbol de Guara.

El atleta más destacado ha sido Ricardo Chacón Abreu, que estuvo varios años en la preselección nacional de atletismo, participando en eventos nacionales e internacionales.

En [[1987]] [[Luis Enrique Piloto González]] integra el Equipo Cuba Juvenil de Béisbol y posteriormente forma parte del Equipo Habana en series nacionales.

El atleta [[Luis Ignacio González]] (Nacho) ha participado en distintas series nacionales de Béisbol, integró el Equipo Cuba representándonos en la arena internacional, y actualmente forma parte del Equipo Habana.

Entre los logros deportivos tenemos a [[Roxana Díaz]], en la disciplina de atletismo

== Cultura ==

=== Literatura ===

[[Javier Rodríguez Rodríguez]], Premio de Poesía [[Hermanos Saíz]], Obra publicada, La Hora que Sangra [[2002]]. Editorial Unicornio

[[Margarita Arcia]], [[1939]], Poeta y Narradora, Obra publicada: Te regalo un sueño, Literatura Infantil.

[[Josué Pérez Rodríguez]], Obra publicada: En el fondo vulnerable, [[2005]] Editorial Unicornio. Premio Nacional de Literatura [[Félix Pita Rodríguez]] [[2004]], Premio Vicentina Antuña [[2003]], Premio Letra alzada [[2007]].

=== Pintores ===

Grupo Guararte, conformado con alumnos egresados de la escuela de arte de [[San Antonio de los Baños]].

[[Andrés Retamero Valenzuela]]., Decenas de exposiciones Internacionales y Nacionales, actualmente se encuentra en proceso expositivo en [[Miami]].

[[Yovani Fernández]], pintor abstracto, egresado de [[Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro|San Alejandro]].

[[Archivo:Repentistas.jpg]]=== Repentistas ===

[[Albertico Rojas]] y [[Aramis Padilla]].

=== Música ===

El [[Guajiro Mirabal]] que es uno de los más grandes trompetistas del mundo.

Música Fascinación Habana y Tierra quemá.

== Véase también ==

*[[Agricultura en Melena del Sur]]

*[[Plato tradicional de Melena del Sur]]

*[[Benigno Cardo Reyes]]

*[[Jose Cabrera Díaz]]

*[[Pedro Felipe Zaldívar Abreu]]

*[[La Biblioteca José de la Luz y Caballero (Club Mercedita)]]
*[[Biblioteca_Municipal_Melena_del_Sur|Biblioteca Municipal Melena del Sur]]

== Fuentes ==

*Información recopiladas por JCCE de Melena del Sur sobre la base de entrevista a historiador municipal, y datos de instituciones y organismos municipales.
*[http://www.melena.cult.cu/index.php?option=com_content&task=blogsection&id=22&Itemid=33 Sitio de la cultura de Melena del Sur]
*[http://bvs.sld.cu/revistas/his/vol_1_97/his03197.htm Melena del sur y sus hombre]s
*[http://bvs.sld.cu/revistas/his/vol_1_97/his03197.htm][http://www.elhabanero.cubaweb.cu/2009/agosto/nro2627_ago09/inf_09ago022.html elhabanero.cubaweb]
*[http://bvs.sld.cu/revistas/his/vol_1_97/his03197.htm Melena del sur y sus hombres]

[[Category:Municipios_de_Cuba]] [[Category:Historia_del_municipio]]

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== Sumario ==

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Jorge Juan Guillelmi de Andrada

2011-12-07T16:11:22Z

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==Jorge Juan Guillelmi==

nació en Sevilla en [[1734]] siendo hijo de [[Lorenzo Nicolás Guillelmi]] [[(Bruselas, 1698)]], uno de los extranjeros que habían inundado la administración de [[Felipe V]]. En este caso [[Lorenzo Guillelmi]] había sido nombrado secretario de la embajada de la Monarquía en Viena por cuya labor, además, se le concedió el título de Caballero de la
Orden de [[San Jorge]]. Tras su estancia en Viena pasó a [[Sevilla]], donde nació [[Jorge Juan]], como Juez militar de la Capitanía General de Andalucía

==Síntesis biográfica==

Con estos antecedentes familiares, la mayor parte de los hijos de [[Lorenzo Guillelmi]] se vio abocado a realizar la carrera militar y, entre ellos, uno de los que más destacó fue [[Jorge Juan Guillelmi]]. A los diez años, y tras una dispensa especial pues la entrada a la carrera militar se realizaba a los doce años, se incorporó al regimiento de infantería de Bruselas y desde este puesto fue ascendiendo paulatinamente en la compleja carrera militar hispana del siglo XVIII, en donde se mezclan los cargos efectivos con los grados teóricos. En esta etapa de formación estuvo destinado en lugares tan dispares como Ceuta o Flandes concluyendo la misma con el nombramiento de Subteniente de Artillería en [[1757]].La carrera militar más o menos típica de [[Jorge Guillemi]] se vio trastocada positivamente en [[1764]]. En ese año, el Comandante General de Artillería y, a la postre, Director del Colegio de Artillería de Segovia, [[Félix Gazola]], conde de Gazola, recomendó a Jorge Guillelmi para el cargo de Profesor Tercero del Colegio de Artillería de Segovia. Desde ese año de 1764 hasta [[1787]], [[Guillelmi]] desarrollará una labor pedagógica en esta institución solo interrumpida por las misiones que como prestigioso artillero le eran encomendadas por sus superiores en los diferentes conflictos bélicos en los que se vio envuelta la Monarquía. Entre estas expediciones destacaron las llevadas a cabo en la guerra contra Portugal en [[1762]] y, sobre todo, el fallido asedio a Gibraltar entre [[1779]] y 1783.Se une así la profunda formación teórica como catedrático de matemáticas en la escuela segoviana con la observación práctica de las diferentes campañas en las que intervino. Y todo ello unido, como en otros casos, en una sola persona. La estancia en Segovia le permitía investigar sobre nuevas técnicas artilleras que podía llevar a la práctica en las campañas militares en las que participaba. Además entró en contacto con militares ilustrados que le facilitarían los ascensos en su carrera y tenía importantes contactos en el mundo literario hispano.

==Trayectoría==

Así, desde su estancia en Segovia, [[Jorge Juan Guillelmi]] desarrolló, de manera paralela, una actividad intelectual de diferente índole que se plasmará desde su nombramiento de académico honorario de la Academia de Buenas Letras de Sevilla el [[29 de mayo de 1772]] hasta en toda una serie de textos sobre técnica militar y relatando sus viajes europeos.Probablemente durante el asedio a Gibraltar, en el cual Guillelmi se centró en el desarrollo de artillería de gran calibre, congenió con Francisco de Lacy, que había sido nombrado Comandante General de Artillería para el asedio. A consecuencia de esta relación Lacy recomendó a [[Guillelmi]] y a un joven artillero, [[Tomás de Morla]], para que realizarán una serie de viajes a diferentes países europeos para perfeccionar su oficio de artillero y recopilar los adelantos militares y civiles de la Europa de su época. Estos viajes, que se desarrollaron de manera intermitente entre [[1787 y 1792]], estaban dentro de un programa general del despotismo ilustrado que preconizaba la necesidad de conocer los últimos adelantes científicos y técnicos europeos y aplicarlos a la Monarquía Hispánica.Tras sus diferentes estancias europeas, Jorge Juan Guillelmi será nombrado el [[6 de julio de 1793]] Mariscal de Campo de artillería. Siendo mariscal, en la campaña del Rosellón, será gravemente herido, salvando la vida milagrosamente. Como recompensa por su actuación fue nombrado Teniente General el [[4 de septiembre de 1795]] y finalmente, el [[5 de julio de 1797]], Gobernador y Capitán General del Ejército de Aragón que conllevaba, desde la Guerra de Sucesión, la Presidencia de la Audiencia de Aragón. En este cargo permaneció hasta el inicio de la sublevación antifrancesa en 1808. El 25 de mayo de 1808 fue sustituido por Carlos Huoni siendo Guillemi obligado a dimitir por los sublevados por su indecisión a hacer frente a las tropas francesas. Desde ese momento no tenemos ningún dato más sobre la vida de Jorge Guillelmi aunque, podemos suponer que debió de morir pronto por su delicado estado de salud

==Fuente==

*http://www.google.com.cu/#hl=es&site=&q=Jorge+Juan+Guillelmi+&btnK=Buscar+con+Google&oq
*http://www.josedelamano.com/jorgejuan.htm
[[Category:Pintores]]

Julio Ortíz de Zárate

2011-12-05T23:49:01Z

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==Julio Ortíz de Zárate==
Pintor y escultor chileno. Nació en Santiago el [[12 de abril de 1885]] y murió en la misma ciudad el [[13 de junio de 1946]].En [[1899]] ingresó a la Escuela de Minas de [[Santiago]]. Simultáneamente realizó estudios de pintura y escultura,primero con Pedro Lira y posteriormente con Fernando Álvarez de Sotomayor en la Escuela de Bellas Artes.Fue miembro de la Colonia Tolstoiana junto con [[Augusto Dhalmar]], [[Fernando Santiván]] y [[Manuel Magallanes.]]
Era ésta una legendaria agrupación que amasaba su propio pan, araba la tierra y enseñaba arte en los sectores pobres.
==Vida y obra==
Realizó su primer viaje a [[Europa]] en [[1919]], donde visitó España, Francia y Bélgica. Descubrió a Cézanne y
recibió el aporte de la Escuela de París que reunía entonces a artistas como Picasso, [[Joan Miró]] y [[Amadeo Modigliani]].A su regreso a [[Chile]] fue cofundador del Grupo Montparnasse. En [[1922]] fue becado para estudiar arte en [[Italia]] y [[Francia]]. Tanto Julio como su hermano [[Manuel Ortiz de Zárate]], quien fue miembro de la Escuela de París, cumplieron la hazaña de triunfar en Europa.En 1926 fue nombrado miembro de la comisión de Bellas Artes de Santiago. En [[1927]] viajó en comisión oficial a Argentina, [[Uruguay]] y [[Brasil]]. Ese mismo año fue profesor de grabado en la Escuela de Bellas Artes de Santiago y fue presidente de la comisión chilena de Bellas Artes de la Exposición Internacional de Sevilla,España.En 1928 presentó un proyecto para la creación de la Escuela de Artes Aplicadas.En [[1934]] fue profesor de Arte de los Metales en la Escuela de Artes Aplicadas de Santiago.Entre [[1939]] y [[1946]], año de su muerte, fue nombrado director del Museo de Bellas Artes de Santiago.Su trabajo en la tela se caracterizó por un dibujo y ejecución pictórica vigoroso s, con formas sencillas y macizas. Recibió importantes premios y distinciones.Formó parte del Grupo de Los Diez,formado en 1916, junto a Pedro Prado, Juan Francisco González, Manuel Magallanes Moure, Armando Donoso, Augusto d’Halmar y Julio Beltrán Vidal, entre otros.

==Trayectoria==

Fue pintor de naturalezas muertas,bodegones, figuras y autorretratos. Su trabajo en la tela se caracterizó por un dibujo y ejecución pictórica vigorosos, con formas sencillas y macizas.El color se volcó hacia las gamas
terrosas, con toques de intensos rojos o azules; con una factura gruesa, de trazo amplio que realzó el papel de la forma y contribuyó a la expresividad directa de la materia pictórica.“Autorretrato” de 1923 fue una de sus
obras más características en la que primó la expresión, la vitalidad del modelo, libre de connotaciones sentimentales.En [[“Los dibujantes”]], otra de sus telas,exaltó la fuerte plasticidad de las figuras. También en sus naturalezas muertas se hizo evidente su interés por el volumen y la amplitud formal (“Naturaleza muerta” de [[1875]]; “Naturaleza muerta” de [[1931]]; “Naturaleza muerta” de [[1926]]).En sus autorretratos y bodegones se plasmó su carácter reflexivo, ya que insistió en las capas de materia,en las espesas texturas, que reveló una paciente labor para lograr la rica matización de sus cuadros, siempre muy elaborados.También realizó un intenso trabajo en gráfica, especialmente aguafuertes, donde el contraste de los negros y los blancos le permitió crear un pathos, un tono dramático que incorporó a su labor pictórica.

==Aportes==

Recibió importantes premios y distinciones, entre los que destacaron: tercera medalla en pintura y segunda en dibujo, Salón Oficial, Museo Nacional de Bellas Artes,Santiago [[(1914)]]; segunda medalla en pintura por su obra “Los Palaqueros”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago [[(1916)]]; primera medalla en pintura, Salón Oficial, Santiago (1933); premio de honor Matte Blanco, Salón Oficial, Santiago (1934); premio de honor,Exposición Conmemorativa del Centenario de [[San Felipe]], [[Chile]] [[(1940)]] y medalla de oro, Exposición de Pintura Chilena, Buenos Aires, Argentina [[(1940)]].Además ocupó cargos como el de Director del Museo de Bellas Artes, donde permaneció hasta el momento de fallecer en [[1946]].Realizó una valiosa labor docente y su apasionado e intenso espíritu de renovación, siempre en busca de orientaciones estéticas nuevas, lo llevó a ocupar un sitio muy destacado en la plástica chilena de los años veinte.
==Obras==
La obra del pintor, miembro del vanguardista Grupo Montparnasse, Julio Ortiz de Zárate, se caracteriza por la expresión sensible del color, es decir, por el placer sensual otorgado por la materia pictórica a través de todos sus aspectos,disfrutando de ésta incluso en sus medios operantes: la pincelada que gradúa, los empastes que encarnan, pero el pintor supo supeditar conscientemente ese sentimiento de placer al respeto de la esencia de la emoción que desea transmitir.Observando las obras de [[Julio Ortiz]] de Zárate, percibimos su modo maestro de componer. Todas las telas tienen el equilibrio clásico sobre un eje. No falta ni sobra nada; toda su pintura da la misma impresión de solidez material, de grave objetividad.El tratamiento de la luz realizado por el pintor es particularmente típico: siempre está dirigida a algo,marcando acentos precisos y proponiendo una determinada categoría de valores.Sus cuadros parecen tener peso y consistencia, y el color es empleado siempre en relación de atmósfera,es decir, graduado en gamas cromáticas.Una de sus obras más espectaculares es “Autorretrato”, de [[1923]], un cuadro magníficamente empastado, que muestra toda la riqueza de tonos de la piel respirando vida en cada centímetro.El rostro echado hacia atrás con gesto altivo, los ojos entrecerrados y el cabello abundante, le permiten al pintor enfatizar el trazo con líneas enteras y firmes, buscar el cromatismo de rica matización y definirse por lo puramente plástico, lo que fue un rasgo propio de los miembros del grupo Montparnasse.

==Fuente==

http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/20/biografia-julio-ortiz/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Alberto Orrego Luco

2011-12-05T23:44:36Z

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==Alberto Orrego Luco==

Pintor chileno. Nació en Valparaíso el [[20 de abril de 1854]] y falleció el [[2 de junio de 1931]].Perteneció a una familia de acomodados agricultores.En el año [[1873]] viajó a Europa con el fin de estudiar medicina, sin embargo abandonó esta idea para dedicarse a la pintura. Se formó en París en la Academia Julian, baluarte de la
pintura oficial, donde fue su maestro [[Alejandro Cabanel]].El Gobierno lo pensionó para estudiar en el Viejo Continente, se presentó en el Salón de París de [[1877]], donde obtuvo segunda medalla con su cuadro “San Francisco” y en [[1879]] expuso en el Salón de Artistas Franceses.

==Vida y Obra==

Luego viajó a Italia y se estableció en Venecia, ciudad que se transformó en la fuente de su inspiración artística.En 1883 contrajo matrimonio con la artista italiana Carlina Rossi y en 1888 fue designado cónsul del
gobierno de [[Chile]] en Venecia. En 1890 volvió a Chile, pero dos años después regresó a Europa como cónsul en Sevilla, [[España]].En [[1892]] fue nombrado cónsul en Génova, cargo que desempeñó hasta [[1914]]. Al año siguiente fue nombrado cónsul en Roma.Regresó definitivamente a Chile en [[1919]] y tiempo después murió su esposa, suceso del cual no se recuperó jamás.A partir del fallecimiento de su mujer se aisló completamente de la vida social y de los círculos artísticos.Desarrolló una vida extensa y de pleno trabajo en sus misiones diplomáticas y en su vocación pictórica.Aunque permaneció gran parte de su vida en Europa, supo como mantenerse ligado al ambiente chileno pues nunca dejó de participar en los Salones Oficiales.

==Trayectoria==

Considerado como un artista mesurado,reflexivo, con una vasta cultura plástica cuya principal inclinación
fueron las marinas y paisajes.Desde su primera presentación en el Salón del Mercado Central en [[1872]] demostró importantes condiciones artísticas.Durante su permanencia en [[Europa]] y su participación en los salones oficiales alcanzó recompensas y consiguió el elogio de la crítica.Su obra destacó siempre por su notable refinamiento, elegancia y poesía, de óptima calidad plástica. Dibujaba mucho antes de comenzar la obra y elaboraba el color con mucha paciencia, con una intención académica muy marcada, heredada de los mejores maestros europeos, especialmente los venecianos. No descuidó nunca el detalle y destacó por el elegante cromatismo, reflejado en los tonos marfiles y en el amplio repertorio de los colores grises plateados que dieron forma a telas pulcras y bien compuestas.Dentro de su vasta obra, se destacaron los paisajes de Andalucía, Venecia y su tierra chilena, demostrando su talento como colorista y dibujante exquisito.Su pintura mostró una inclinación romántica, presente a través de los contrastes luminosos y de la atracción por la naturaleza; también intentó explorar plásticamente los fenómenos cambiantes de ésta, como las variaciones luminosas.Su trabajo con el color se reflejó magistralmente en obras como “[[Atardecer en Venecia”]] y “Puesta de sol en el mar”.

==Aportes==

Alberto Orrego Luco desarrolló una vida extensa y de pleno trabajo en sus misiones diplomáticas y en su vocación pictórica.Aunque permaneció gran parte de su vida en Europa, supo como mantenerse ligado al ambiente chileno pues nunca dejó de participar en los Salones Oficiales.En [[1872]] recibió mención honrosa en la
Exposición del Mercado Central en Santiago; primera medalla premio de honor en el Certamen Edwards del Salón Oficial y tercera medalla en la Exposición de Buffalo, Estados Unidos (1891).Dentro de su labor diplomática fue cónsul de [[Chile]] en Venecia [[(1888)]], Sevilla [[(1892)]], Génova [[(1897]] a [[1914)]] y en Roma [[(1915)]].El desarrollo de su extensa labor docente a través de los talleres de la Escuela de Bellas Artes, lo convirtió en un maestro formador de varias generaciones de artistas como ciertos pintores del Grupo Montparnasse y de otros como Augusto
Barcia, [[Roser Bru]] y [[José Balmes]], entre otros.La modernidad del artista inicia una nueva etapa en la pintura chilena.Superado el impresionismo y su visión fragmentada de la naturaleza y de las cosas, los pintores vuelven a interesarse por la forma y la estructura esencial de los objetos.

==Fuente==

*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/20/biografia-alberto-orrego/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Julio-ortiz-de-zarate-150x150.jpg

2011-12-05T23:37:22Z

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== Fuente: ==

Archivo:Julio-ortiz-de-zarate-150x150.jpg

2011-12-05T22:26:03Z

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== Fuente: ==

Kurt Lucian Herdan Söeffer

2011-11-30T20:04:09Z

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==Kurt Lucian Herdan Söeffer==

Nace en [[Austria]] el [[29 de diciembre de 1923]].Realiza estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest, [[Rumania]] entre [[1945 y 1950]]. Suma cursos de especialización con el múltiple Jacobo Eisenscher (1896-1980)-, en la Escuela de Bellas Artes de Jerusalén, Israel. Viaja por [[Francia]], [[Grecia]] e [[Italia]] en 1953. Se especializa en diseño gráfico para señalización de carreteras y dibujos de planos. Radicado en [[Chile]] el año 1955, colabora con la Academia de Arte Libre que dirige el [[escultor]] Tótila Albert Schneider y, vuelca en la [[escenografía]].

==Vida y Obra==

Ingresa al Movimiento Forma y Espacio en los años sesenta y, para 1968 inicia la docencia, como ayudante de Composición en la Escuela de Artes Aplicadas de la Facultad de Bellas Artes y, luego, Profesor de Composición en la Escuela de Diseño de la Facultad de Arquitectura y
Urbanismo, ambas de la Universidad de [[Chile]]. Entre 1975-1981 es Decano de la Facultad de Bellas Artes de la misma universidad.

==Trayectoria==

Al interior de su pintura hay varios ejes que la enclavan. Temprano elige la abstracción, resultado de un observar el entorno con ojos que atienden el orden y razón plásticas de
los motivos analizados. Ejemplo de ello es su adhesión, en los años sesenta, al Movimiento Forma y Espacio, cohorte del arte geométrico en Chile. En esa vertiente campean las composiciones con rectas en libres tratados del cuadrado y el rectángulo. Establece, después, ciclos temáticos, dentro de los cuales la geografía y parajes de Chile son una línea de investigación ocular de referencias topográficas y culturales opuesta a la esclavitud de la mimesis. Su lenguaje pictórico muta de continúo, pero ciertos paradigmas perduran: el color de pigmentaciones fuertes y ariscas, las escrituras gráficos curvilíneas que acrecientan
su lenguaje e imaginario y, el divorcio con el verismo narrativo.

==Aportes==

Selección de Exposiciones, Becas, Premios y Reconocimientos

===Individuales:===

1957 Instituto Chileno Británico de Cultura, Santiago / 1961 Dibujos en Galería Beaux Arts, Santiago / 1966 Instituto Cultural de Providencia, Santiago / 1970 Sala Universitaria,
Casa Central de la Universidad de Chile, Santiago / 1975 Dibujos-Paisajes de Chile, Galería Enrico Bucci, Santiago; Galería Schaub, Stturgart, Alemania / 1980 Sala de Exposiciones Universidad de Talca, Talca / 1983 Sala de Exposiciones Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Universidad de Chile /1985 Sala Davens, Santiago / 1986 Galería Fundación, Santiago / 1992 Instituto Cultural de Providencia, Santiago / 1994 La Casona, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Universidad de Chile, Santiago / 2003 Instituto Cultural de Providencia, Santiago / 2004 Sala Amigos del Arte, Santiago.

===Colectivas:===

1968 Movimiento Forma y Espacio, Sala de Exposición, Casa Central de la Universidad de Chile, Santiago / 1970 Feria de Lausanne, Suiza; I Bienal de Pintura, Montevideo, Uruguay / 1971 Galería Central de Arte, Santiago / 1978 Sala de Exposiciones Universidad Austral de Valdivia / 1979 Certamen Nacional Lircay, Universidad de Chile, Sede Talca / 1981 La poesía Israelí a través de la Expresión Plástica, MNBA, Santiago / 1992 Alicia Blanche y Kurt Herdan, Instituto Cultural de Providencia, Santiago / 1996 Galería Fundación, Santiago.

===Becas, Premios y Reconocimientos:===

1961 Segundo Premio Salón de Pintores Israelitas, Santiago / 1962 Segundo Premio LXXIII Salón Oficial de Artes Plásticas / 1962 Mención de Honor, VII Salón de Primavera de Santiago / 1963 Medalla para Extranjeros, Salón Oficial, Universidad de Chile, Santiago, Primer Premio Salón de Pintores Israelitas, Santiago / 1967 Primer Premio Concurso de Pintura Israelita en Chile / 1980 Invitación del Ministerio de Educación de China; Invitación de la Universidad de Seul, Corea del Sur / 1984 Distinción XVIII Premio de Arte Contemporáneo de Montecarlo, Mónaco.

==Reflexiones propias sobre su obra y sistema creador==

Tengo entre mis antepasados un ancestro que me emparienta en cierto modo con los expresionistas alemanes y a los freudianos. Además, toda la pintura es ornamental. Ahora, que la calidad de las formas cambie en el transcurso de la historia, es otra cosa, pienso yo.
Todo arte nace de reminiscencias, de lo que vamos embodegando en la memoria, en el subconsciente. Ese es el material que nutre al artista.

==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/25/biografias-kurt-herdan/

[[Category:Personalidades]][[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintor]]

Archivo:Kurt-herdan.JPG

2011-11-30T20:01:27Z

Suleimis1402ad may.jc:

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== Fuente: ==

Jorge Tacla

2011-11-30T19:17:53Z

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==Jorge Tacla==

El pintor nació en Santiago en [[1958]]; Estudió licenciatura en Artes en la Universidad de [[Chile]],lugar donde recibió clases de Rodolfo Opazo y Gonzalo Díaz.Tacla es uno de los artistas chilenos contemporáneos de mayor presencia internacional, presencia que se
consolidó cuando se radicó en [[Nueva York]], en [[1981]].Es representado por la galerista Nohra Haime.
Pertenece a la Generación de los ochenta.Durante la década del ’[[90]] fue galardonado en múltiples ocasiones.

==Trayectoria==

Jorge Tacla utiliza medios como el óleo y el acrílico sobre tela, yute y papel, incorporando también elementos de la gráfica, con lo que evidencia un sólido dominio del dibujo.Generalmente realiza obras de gran formato, de fuertes colores
expresivos, ambas cosas que se adecuan como soporte a la gran gestualidad que plasma en cada trazo que conforma el dibujo; cada instrumento utilizado (pincel, lápiz, carbón) genera su particular huella, un residuo gestual-matérico, que es fruto de la enorme carga anímica y energética del artista.De este modo, en su pintura convergen la descarga corporal y psíquica a través de la preeminencia del gesto,tanto gráfico como cromático.En un recorrido por su obra, vemos que en una primera etapa se desarrolla el gesto en forma casi violenta,aceleradamente expresiva; una vez en Nueva York, Tacla detiene un poco tanta fuerza y evoluciona, producto de la marginalidad que vive en la metrópoli, hacia un rescate de la memoria americanista, pero sin caer en el indigenismo que muchas veces sirve como una exótica entrada al arte internacional. Su pintura es la inversión de lo que se supone se espera que haga un latinoamericano: Tacla pone en escena un ser imaginario simbólico, basado en un personaje de amplías líneas morfológicas sobre fondos de colores puros que lo aíslan parcialmente.
Esa monocromía de colores puros, que adquieren una significancia especial, revela y reafirma procesos de la memoria, junto con colocar en una esfera de primera importancia al sujeto marginado.Desde 1989, realiza paisajes de sus viajes reales o imaginarios, entre los que destaca la imagen del desierto de Atacama, con lo que reafirma su identidad cultural en el
medio neoyorkino. Últimamente integra elementos de la arquitectura clásica en sus pinturas.

==Aportes==

En [[1981]] recibió una beca de la corporación Amigos del Arte; en 1988 recibe una beca de la Guggenheim Memorial Foundation.En [[1991]] recibió un Premio de la [[New York]] Foundation for the Arts.En [[1992]], Premio Eco Art, en [[Brasil]].[[1996]], Premio Círculo de Críticos de Arte, Chile.

==Fuentes==

*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-jorge-tacla/

[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Jorge-tacla-120x150.jpg

2011-11-30T17:58:57Z

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Archivo:Jose-venturelli.jpg

2011-11-29T22:06:17Z

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Matías Vial

2011-11-29T21:48:16Z

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'''Matías Vial''', escultor, nació en Santiago el [[31 de Octubre de 1931]].Estudió Artes Plásticas en la
Universidad de [[Chile]], y una vez egresado en el año [[1957]], realizó otros estudios en universidades de España y [[EE.UU]]., relacionados tanto con la escultura como con el grabado, la cerámica y la orfebrería.En 1973 se le designó como decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de [[Chile]].

==Trayectoria==

Bronce, madera y piedra conforman la escultura de Matías Vial,materiales, los dos últimos, que el escultor enfrenta por medio de la talla directa, con lo cual genera volúmenes geométricos, a modo de bloques relacionados entre sí, que neutralizan la expresión individual por medio de un esquematismo formal que tiende a la frontalidad.Aquella rigurosidad de líneas se ve suavizada por la exploración que realiza el escultor sobre la textura, la que queda al descubierto en forma de huella dejada por la herramienta sobre el material. Otro
aspecto de su obra es la tendencia a la línea vertical que convierte la escultura en una especie de monolito, sobre cuya superficie surgen signos abstractos trabajados en relieve y que Vial genera bajo la influencia de sus viajes por Latinoamérica, en los que investiga las
culturas precolombinas.
==Aportes==
Matías Vial ha sido becado en dos oportunidades: en 1959 a España y en 1961 a E.E.U.U. Entre otras varias distinciones, ha recibido el Primer Premio en Escultura, en el Salón Oficial de Santiago [[(1960)]], y el Premio de Honor en el Certamen Nacional de Artes Plásticas de la Universidad de Chile (1981). En 1983 fue incorporado a la Academia de Bellas Artes de [[Chile]], como miembro académico de número. Ha realizado una gran cantidad de exposiciones
individuales y colectivas tanto en Chile como en el extranjero y una obra suya, “Composición”, forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes. Es autor de la escultura que aparece reproducida en las monedas de $10 chilenos, imagen que fue adoptada por el gobierno de Pinochet.

==Fuente==

*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-matias-vial/
[[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Matias-vial-150x150.jpg

2011-11-29T21:47:07Z

Suleimis1402ad may.jc:

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José Venturelli

2011-11-29T20:49:41Z

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'''José Venturelli''', pintor y grabador,nació en [[Santiago]] el [[25 de marzo de 1924]], y falleció el [[17 de septiembre de 1988]] en [[Pekín]] (hoy Beijing), China.Estudió en el Instituto Nacional al mismo tiempo que asistía, desde los [[14 años]], a los cursos vespertinos de la Escuela de Bellas Artes.Egresó de la secundaria con un Bachillerato en Ciencias y se matriculó en la Universidad de [[Chile]],para asistir como alumno regular al curso de pintura mural que Laureano Guevara impartía en la Escuela de Bellas Artes.

==Vida y Obra==

Comenzó a participar en la Federación de Estudiantes, ámbito que le permitía canalizar sus convicciones antifascistas, heredadas de su padre, un exiliado italiano.En [[1943]] fue becado a [[Brasil]], país donde permaneció dos años, conociendo a sus artistas más destacados.
A partir de [[1952]], viajó por Latinoamérica, [[Europa]] y [[China]], realizando un importante periplo que le permitió conocer y compartir técnicas plásticas, como la acuarela, que perfeccionó en Oriente. Durante los años sesenta colaboró en el Consejo Cultural de Cuba, donde organizó un taller de gráfica experimental y asumió el proyecto del mural para el Ministerio de Industrias.En [[1974]] se estableció en Ginebra, Suiza, a causa del exilio.En [[1986]] pudo volver a [[Chile]], y permaneció un corto tiempo en nuestro país.Falleció en China mientras hacía los arreglos para instalarse definitivamente en Chile: el 18 de octubre de [[1988]], sus restos fueron inhumados en Santiago.Recibió varias distinciones a nivel nacional e internacional.

==Trayectoria==

Como muralista, pintor y grabador,Venturelli mantuvo siempre la misma temática: el interés por las condiciones de vida del proletariado, las diferencias sociales y la situación de los oprimidos.Como modo de expresar visualmente su compromiso político, y completamente influenciado por la estética del muralismo mexicano, que conocía cercanamente gracias a su amistad con Siqueiros, desde un principio Venturelli se dedicó a crear un estilo que fuese cercano y asequible al pueblo; de este modo, decidió rescatar los rasgos del biotipo autóctono de Latinoamérica, exaltando sus rasgos y trabajando la monumentalidad de las formas.Su obra, entonces, se mantuvo siempre en un ámbito figurativo, con un reconocible sello americano, apreciable tanto en los rasgos de los personajes, como en el uso de colores ocres,rojos y azules que remiten sensiblemente a la tierra y por títulos como “Levantando al caído”, que expresan su convicción de que, como él mismo dijo, “la creación artística es una forma de combate en la transformación de nuestros materiales, de nuestras ideas, de nosotros
mismos.Es una forma de luchar. Su interés artístico encontró otra forma de satisfacción, también, en la creación de escenografías y vestuario para el Teatro Experimental de la
Universidad de [[Chile]] y para el Ballet Nacional.
==Aportes==
Entre los premios y distinciones que recibió la figura de José Venturelli, destacan la Medalla de Oro obtenida en la Exposición de Gráfica Internacional, llevada a cabo en Leipzig (1959), el sello postal que lanzó en la ex República Democrática Alemana, de su obra “Chiquilla” (1968), la fundación en Suiza de una Asociación que lleva su nombre [[(1989)]], la creación de la Fundación José Venturelli en Santiago (1989) y el reconocimiento oficial por parte de la Cámara de Diputados del Congreso Nacional (1990).Realizó muchas exposiciones individuales en todo el mundo, resaltando la llevada a cabo en 1973 en el Palacio de las Minorías Nacionales, en Pekín, pues fue el primer artista no chino en realizar una muestra allí, después de la Revolución Cultural.
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-jose-venturelli/
[[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Ximera Rodríguez Mandiola

2011-11-29T20:43:01Z

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'''Ximera Rodríguez Mandiola''', Emprende estudios en la Escuela de [[Bellas Artes]] de la Universidad de [[Chile]], a partir de [[1964]]. Es alumna de Marta [[Colvin Andrade]] [[(1907-1995)]] y [[Sergio Mallol]] [[(1922-1973)]]. También estudia técnicas de fundición y, corona sus inquietudes artísticas con la práctica del flamenco, guitarra clásica y flauta dulce. Se desempeña como ayudante en la misma Escuela, con los profesores[[Abraham Freifeld]] [[(1922)]], [[Matías Vial]] [[(1931)]] y [[Félix Maruenda]] [[(1942-2004)]].

==Trayectoria==

La clave de su producción es el origen de la vida y la creación, razón que la conduce a morfologías orgánicas primeras, con permanentes alusiones a la fertilidad y maternidad. Por
ende la figura humana femenina o, trozos anatómicos de ellas, en poses sensuales y evocativas, trabajadas en madera, rubrican sus trabajos, en desbastes seguros, a veces ásperos y mínimos, otros acabados de pulimentos esmerados. En el proceso siempre atiende las trazas del
tronco que persuaden sus intervenciones y diseños volumétricos.

===Exposiciones Individuales===

[[1978]] Ocho Esculturas, Sala Imagen, Santiago /[[1995]] Mirada Atrás-Mirada Adentro, Sala de Exposiciones Parque de Las Esculturas, Comuna de Providencia, Santiago / [[2010]] recorrido…Corazón consciente, Instituto Cultural de Las Condes, Santiago.

===Exposiciones Colectivas===

[[1981]] Eros en pequeño formato, Galería del Cerro, Santiago / [[1983]] Homenaje de la mujer a la mujer, Sala Espacio-Arte, Santiago / [[1984]] La madera en la Escultura, Sala Davens, Santiago / [[1990]] Mujeres en el Arte y, Museo Abierto, MNBA, Santiago / [[1992]] Integra Simposio Escultores
Iberoamericanos y del Caribe, Municipalidad de Santiago / [[2000]] Esculturas [[2000]], Galería Artespacio Cristal, Parque Américo Vespucio,Santiago / [[2001]] La Madera en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago / [[1994]] Concurso Internacional de Escultura, Suntory Museum Tokio, Japón.

==Reflexiones propias==

…Un largo y silencioso tránsito por el oscuro laberinto de la escultura, al que entré motivada por el amor incondicional a la materia que me inculcó Marta Colvin, y a la pasión
desenfrenada por dar formas a los sentimientos de Sergio Mallol, mis padres en esta materia…
…Mi material preferido, la madera: mi segunda piel, firme, frágil, perfumada, femenina, caprichosa y dócil,regalándome por su peso la posibilidad de equilibrios inesperados, y de
paso, vetas que dibujan conmigo formas, y cuentan de la vida ya vivida por el árbol

==Fuente==

*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/26/biografia-ximena-rodriguez/
[[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Pedro Reszca

2011-11-29T19:53:31Z

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|descripción = Pintor Chilena
|fecha de nacimiento = 10 de junio de 1872
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|fecha de fallecimiento = 6 de marzo de 1960
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'''Pedro Reszka''' Sus estudios escolares los efectuó en el Liceo de Hombres de [[Valparaíso]], donde tuvo clases de dibujo con [[Juan Francisco González]]. En 1893 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Santiago donde fue alumno de [[Cosme de San Martín]] y [[Pedro Lira]].En [[1901]] fue designado comisario del envío chileno a la Exposición Panamericana en [[Buffalo]], [[Estados Unidos]],donde permaneció un año y medio. De regreso a [[Chile]], el gobierno le otorgó una beca para continuar sus estudios en Francia, donde siguió clases con [[Jean Paul Laurens]] y fue aceptado en el Salón de Artistas Franceses. Se casó con una francesa y regresó a [[Chile]] en [[1914]] cuando estalló la Primera [[Guerra Mundial]].
==Síntesis biográfica==
Pintor chileno. Nació en [[Antofagasta]] el [[10 de junio de 1872]] y falleció en Santiago el [[6 de marzo de 1960]].Perteneció a la Generación de la Pintura Académica del siglo XIX, orientada hacia el naturalismo.Alrededor de [[1915]] abandonó su carrera de pintor y dedicó todo su tiempo a la docencia y a la actividad gremial. Fue fundador de la sociedad Nacional de Bellas Artes en [[1918]] y su presidente por más de un período. Además fue presidente honorario de la misma hasta su muerte.
==Trayectoria==
El pintor se mantuvo fiel, durante toda su trayectoria, a la sensibilidad artística del siglo XIX. Su trabajo durante años en Francia formó en él una fuerte adhesión a ideales plásticos ya olvidados en los ambientes europeos más creativos.Sin embargo, el impresionismo sedujo al
maestro y dejó su huella en obras de tónica realista, en las que los objetos y personas se construyeron mediante una rica pincelada y una acordada entonación cromática.De este modo, sus creaciones oscilaron entre el naturalismo sentimental y el impresionismo mesurado.Sus temas preferidos fueron los retratos y las figuras femeninas, entre los que destacaron [[“El guitarrero”]], [[“La dama de rojo”]] y especialmente [[“Dama con quitasol”]].
===Aportes==
Entre los premios y distinciones que recibió se destacaron: medalla en dibujo, Salón Oficial, Santiago [[(1893)]]; tercera medalla en dibujo, Salón Oficial, Santiago [[(1894)]];segunda medalla en dibujo, Salón Oficial, Santiago [[(1896)]]; tercera medalla en pintura, Salón Oficial, Santiago (1897); segunda medalla en pintura, Salón Oficial, Santiago [[(1898)]]; segunda medalla, Exposición
Panamericana de Buffalo, [[Estados Unidos]] [[(1901)]]; primer premio en el Atelier Internacional de [[Jean Paul Laurens]], [[París]], [[Francia]] [[(1904)]];primer premio en el Atelier Internacional de Jean Paul Laurens, París,Francia [[(1905)]]; pensión del gobierno de Chile para perfeccionarse en
Europa durante un año (1905); prolongación de la pensión por segundo año [[(1906)]]; Premio Nacional de Arte [[(1947)]]; premio de honor mención pintura, XV Salón de Verano, Viña del Mar (1948); condecoración [[“Las Palmas Académicas”]], gobierno de Francia [[(1948)]]; emisión postal de la
obra “La dama de rojo”, empresa de Correos de Chile (1991).Recibió el Premio Nacional de Arte en [[1947]].
==Investigación==
El auge en Chile del estilo pictórico [[“a plein air”]], producto de la influencia de la escuela francesa Barbizon, sedujo al pintor Pedro Reszka, pero no al punto de conseguir que éste abandonara por completo los elementos propios de la pintura de caballete entendida en el sentido académico del término: dibujos muy cuidados, veladuras, retoques, barniz brillante, etc. Por lo tanto Reszka se sitúa en un tránsito entre el estilo genérico que venía
desarrollando, el naturalismo y un nuevo modo de enfrentar la representación, el Impresionismo.
Tenemos, entonces, una primera etapa en la producción del pintor, caracterizada por una fuerte estructura compositiva y firme dibujo, etapa la cual, pese a que Reszka creía ser ajeno a las pautas innovadoras, dio paso a la luz, el aire libre y la desintegración cromática, en lo que se considera un verdadero enriquecimiento de su obra, y además, una versión acondicionada al
ámbito chileno del Impresionismo.Es en esta época en la que las obras de Pedro Reszka reflejan la predilección del pintor por la pasta bien trabajada, es decir, por el alto grado de presencia del pigmento; así mismo, la justeza del modelado, la precisión para captar el color
local, y a la vez, la adecuación de esos valores para establecer el resultado total, reflejan la disciplina didáctica a la que se sometió el pintor, pero acusan también el poco riesgo asumido.Frente a las propuestas innovadoras del Impresionismo, y al escozor que, sobre todo en esos años, causaría en [[Chile]] tales novedades plásticas, Reszka rebajó todos los aspectos
cuestionadores y rebeldes de la tradición del arte, que podía contener este estilo, generando, por lo tanto, una producción cualitativamente mesurada.
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-pedro-reszka/
[[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Ximena-rodriguez.jpg

2011-11-29T19:22:43Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Totila-Albet.jpg

2011-11-28T22:11:34Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Albert Tótila

2011-11-28T20:57:05Z

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'''Albert Tótila''', escultor, nació en [[Santiago]] el [[30 de noviembre de 1892]], y murió en la misma ciudad el [[27 de septiembre de 1967]].Sus padres, de origen germánico, decidieron enviarlo a Alemania a los diez años, para que realizara allí sus estudios escolares.De regreso a nuestro país, en 1912, se matriculó en la Escuela de Agronomía de la Universidad de [[Chile]].Tres años después volvió a [[Berlín]], para estudiar dibujo con el profesor [[Martín Koerte]]. En [[1917]] ingresa a la
Escuela de Bellas Artes de dicha ciudad, para estudiar escultura con Franz Metzner.

==Vida y Obra==

Allí pudo relacionarse con la Berliner Sezession y exponer en la Academia de Bellas Artes de Prusia. Volvió a Chile y hay constancia de que perteneció a la Generación de Becarios de 1928. Viajó en 1929 a Francia, Italia y Alemania para estudiar Escultura Ornamental, permaneciendo en este último país hasta [[1939]],cuando todo su taller fue destruido durante el bombardeo a la capital
alemana. Estuvo un corto tiempo en Bolivia y volvió a Chile.Fue profesor de Escultura en la universidad estatal, y en [[1953]] creó su propia academia, la que funcionó en el subterráneo del [[Teatro Mauri]], hasta su fallecimiento.Realizó obras escultóricas en mármol,bronce, yeso y cemento, con las que exploró, fundamentalmente, en la representación de la figura humana.Recibió Medalla de Oro en la Exposición Iberoamericana de Sevilla [[(1930)]] y Medalla de Plata en la Exposición de Arte Chileno, realizada en Buenos Aires [[(1940)]].

===Trayectoria===

Es considerado parte del grupo de pioneros que, en Chile, rompieron con las normas académicas de representación y ejecución; esto se traduce en el reemplazo de la técnica del boceto en arcilla, que luego se vacía a un molde para conseguir la obra definitiva, por la talla directa sobre el material,
lo que evidencia la “huella” del autor, resalta las diferencias de texturas y consigue obras de resolución Más espontánea y libre.Una de las esculturas más
representativas de su quehacer artístico es un bronce de un cuerpo femenino, que no lleva titulo, y que sirvió como imagen para una muestra sobre escultura chilena realizada en 1998: vemos aquí un manejo impecable en la definición de los músculos, los que, en una cuidada torsión, quedan en evidencia,comprometiendo a la vez, la posición y dirección de toda la figura.
Esta escultura, que posee similar fuerza representativa de un Rodin, es ejemplo del tránsito entre lo netamente académico y lo moderno.

==Aportes==

[[Tótila Albert]] recibió Medalla de Oro en la Exposición Iberoamericana de Sevilla [[(1930)]] y Medalla de Plata en la Exposición de Arte Chileno, realizada en Buenos Aires [[(1940)]] Su obra “Arcoiris” fue seleccionada para participar en la Chilean Contemporary Art Exhibition, en E.E.U.U [[(1942)]].Su trabajo ha formado parte de
numerosas exposiciones individuales y colectivas, y varias de ellas forman parte de espacios públicos de Santiago (Parque Cousiño, Parque Forestal, Cerro [[Santa Lucía]]) y de otras ciudades, como Viña del Mar.Desde [[1996]], el proyecto de un Museo – Parque, que fomente la cultura en la zona costera de Isla Negra, lleva el nombre de Tótila Albert.
==Fuente==

*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/18/biografia-totila-albert/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Ulrich Welss Pommers

2011-11-25T15:49:45Z

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'''Ulrich Welss Pommers'''.Nace en [[Breslau]], [[Alemania]] (hoy Polonia), el 6 de julio de [[1925]].Hijo y nieto de pintores aficionados,pronto detecta su vocación artística. Tras las vicisitudes de la Segunda Guerra Mundial, arriba a [[Chile]] en [[1947]]. Sus estudios formales son en el Goethe Institut Santiago, con el profesor Hartwig Marahrens,desplegando enseguida una activa labor creativa y docente. Es profesor en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de [[Chile]].
==Trayectoria==
El sincretismo visual la clave de su producción de arte. Pintura, dibujos, graffiti, collage más técnicas mixtas, sobresalen como medios para impulsar un imaginario que aborda las coyunturas del hombre histórico. De arraigada filiación con el expresionismo nórdico, el arte en bruto, dejos del pop y, las viñetas cómic, estas cunas convergen en un amasijo morfológico de contenidos graciosos y cotidianos, en el que, a la vez, perviven rasgos infantiles
e ingenuos, inherentes a un mirar el entorno con desparpajo y sin composturas. Los juegos gráficos, las pastas ásperas, a veces con burdas incisiones, sueltas y concluyentes, montan una estrategia que administra sin pudores, elevando su lenguaje a nivel superior.
===Exposiciones Individuales===
1968: Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, Santiago / [[1969]] Galería [[Märklin]], Stuttgart, [[Alemania]] / [[1971]] MNBA, Santiago / [[1978]] Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, [[Santiago]] / 1981 Galería Sur, Santiago / 1985 Galería La Fachada, Santiago / [[1987]] Galería 24,
Freiburg, Alemania / 1990 Galería Weisse Stadt, Colonia, Alemania / 1991 Galería Fundación Patino, Ginebra, Suiza / [[1993]] Galería El Cerro,Santiago / [[1998]] Galería Kramer, Hamburgo, Alemania / 2000 Galería Barsikow, Berlín, Alemania / [[2001]] Galería [[Isabel Aninat]], [[Santiago]] /
[[2002]] Galería El Caballo Verde, Concepción / 2007 Pinturas, Galería de Arte Trece, Santiago.
===Exposiciones Colectivas===
[[1968]] Concurso CRAV, Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de [[Chile]],[[Santiago]] / 1975 Salón de Gráfica PUC, [[MNBA]], Santiago / 1976 Bienal Internacional de Arte de Valparaíso, Valparaíso / [[1977]] Concurso Colocadora Nacional de Valores, MNBA, Santiago / [[1988]] Cinco Pintores de
[[Chile]], Galería Ática, Buenos Aires, Argentina / 1995 XXII Bienal de Sao Paulo, Brasil / [[1998]] V Bienal Internacional de Dibujo, [[República Dominicana]] [[1999]] 22 artistas en el Tarot, Galería [[Isabel Aninat]],[[Santiago]] / [[2006]] MNBA, [[Santiago]]; Retratos, Galería [[Cecilia Palma]],Santiago.
==Becas, Premios y Reconocimientos==
[[1971]] Premio Círculo de Críticos de Arte de [[Chile]] / [[1977]] Primer Premio Bienal Internacional de Arte de [[Valparaíso]] / [[1989]] Premio Concurso Internacional [[Syrling]], [[Stuttgart]], [[Alemania]] / [[1991]] Premio [[Lowis Corinto]],[[Museum Ostdeutsche]], [[Regensburg]], [[Alemania]] / [[1994]] Primer Premio Concurso
El Color del Sur, Puerto Varas / [[1998]] Premio Círculo de Críticos de Arte de [[Chile]].
====Reflexiones propias sobre su obra y sistema creador====
Un cuadro terminado me proporciona una
gran satisfacción. Ésta no dura mucho. No lo miro más y con el siguiente me gustaría sobrepasar esta satisfacción, aguanto la inquieta espera. Las sorpresas surgen de repente, de la mancha, del material, de la línea, me llevan a soluciones inesperadas.Existe una referencia entre el querer hacer tal o cual cosa y el resultado. A veces s como si saliera de una plumada, de la nada. Los cuadros decisivos no fueron planificados,salieron de una condición nueva
==Fuentes==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/26/biografia-ulrich-welss/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Enrique Zañartu

2011-11-23T17:16:17Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Enrique Zañartu
|nombre completo = Enrique Zañartu
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|tamaño =
|descripción = Pintor y Dibujante
|fecha de nacimiento = 6 de septiembre de 1921
|lugar de nacimiento = {{Bandera2|Francia}}
|fecha de fallecimiento =13 de junio del año 2000.
|lugar de fallecimiento = Paris
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}}
'''Enrique Zañartu''', pintor chileno, nació en [[Auteil]], Francia, el 6 de septiembre de [[1921]].Una vez en [[Chile]], hacia [[1938]], se formó como pintor y dibujante, de manera autodidacta. Ligadas al surrealismo,las obras de [[Zañartu]] nos recuerdan, en ciertos aspectos formales, los paisajes oníricos y abstractos de Miró, aunque en el artista chileno se sugiere a menudo la presencia de regiones latinoamericanas, como [[Machu-Picchu]] o la Cordillera de Los Andes, lo que marca una de las diferencias con el pintor español.
==Síntesis biográfica==
Expuso en incontables ocasiones, en diversos museos y galerías de varias ciudades del mundo, como [[Santiago]],[[París]], [[Lima]], [[Berlín]], Caracas, [[La Habana]] y [[Bogotá]].En [[1944]], durante una estadía en los E.E.U.U., decidió utilizar el apellido materno para moverse en el circuito del arte,diferenciándose así de su hermano, el conocido pintor Nemesio Antúnez. Instalado en Nueva York, ingresó al [[“Taller 17″]], un centro de desarrollo del grabado, dirigido por W. Hayter.
Debido a sus excelentes habilidades,que lo hicieron distinguirse como el mejor grabador de su Generación,[[Enrique Zañartu]] recibe la responsabilidad de hacerse cargo de la sucursal que ese taller abrió en París en 1950; se mantuvo en ese puesto durante unos siete años. Zañartu fue también profesor en varias universidades del mundo.
==Trayectoria==
Ligadas al surrealismo, las obras de Zañartu nos recuerdan, en ciertos aspectos formales, los paisajes oníricos y abstractos de Miró, aunque en el artista chileno se sugiere a menudo la presencia de regiones latinoamericanas, como [[Machu-Picchu]] o la Cordillera de Los Andes, lo que marca una de las diferencias con el pintor español.Aunque dominó todas las técnicas del
grabado, sin embargo [[Zañartu]] se consagró fundamentalmente en la pintura; en ésta, desarrolló una mitología personal que de algún modo se convierte en una mitología del siglo XX: personajes errantes, tótems que vagan en el crepúsculo, cerca de extraños mares que surgen de la frontera entre la vida y la muerte, amantes que deambulan, como perdidos, bajo un cosmos grisáceo, horizontes insólitos, algo tenebrosos.
===Características de sus Obras===
Hay una especial soledad que rodea a sus personajes, soledad que de algún modo se relaciona con el carácter insular de [[Chile]], país cercado por la cordillera, la antártica, el océano, el desierto; a su vez, ese aislamiento es padecido también por cada ser humano.El universo trabajado por [[Zañartu]],producto de una vasta imaginación, se compenetró magníficamente con las
tendencias y problemáticas de la pintura contemporánea. El artista eliminó en sus pinturas y grabados, el volumen y la perspectiva central, para validar, por sobre todo los elementos, a los colores puros y las líneas, realizadas éstas últimas con soltura, espontaneidad y decisión, formando, de este modo, figuras de sugerente diseño,livianas pero también sólidas en su aspecto.
==Aportes==
[[Enrique Zañartu]] recibió en 1958 el Premio Guggenheim Internacional, en [[EE.UU]].En [[1963]] recibió el Premio de la Crítica, en [[Santiago]] de [[Chile]].Expuso en incontables ocasiones, en diversos museos y galerías de varias ciudades del mundo, como Santiago,París, [[Lima]], [[Berlín]], [[Caracas]], [[La Habana]] y [[Bogotá]].Una de sus últimas muestras de gran importancia fue la retrospectiva de su obra, montaje realizado en la galería Tomás Andreu, en [[1994]].La Exposición [[“Chile, 100 años”]], realizada durante el [[2000]] en el Museo Nacional de Bellas Artes.
==Muerte==
Falleció en Paris el [[13]] de [[junio]] del año [[2000]].
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/24/biografia-enrique-zanartu/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Alejandra Ruddoff

2011-11-22T20:09:49Z

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'''Alejandra Ruddoff''', escultora, nació en Santiago en el año 1960.En 1985, obtuvo la Licenciatura en Artes Plásticas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de [[Chile]], desempeñándose enseguida como ayudante del taller de escultura,en el mismo centro académico.En [[1987]] se le entregó una beca para que realizara su post grado en la “[[Akademie der Bildenden]] [[Künste”, en München, Alemania]].En [[1988]] volvió a [[Chile]] para realizar veinticinco murales tallados en ciprés, por encargo de Arquitectura y Artesanía Ltda
==Síntesis biográfica==
En[[1990]] participó de un seminario de escultura con el Profesor Tim Scott, en la Universidad de [[Chile]].Entre los años [[1991-93]], disfrutó de la Beca de postgrado DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdienst), siendo alumna del Profesor Hans Ladner, en la misma academia de München donde
ya había estudiado.En [[1992]] siguió un seminario de dibujo,llevado a cabo en el interior de la fábrica de la BMW en Alemania. Dos años después, ya en [[Chile]], obtuvo la Beca “Amigos del Arte”.
Actualmente se desempeña como profesora de escultura en la Universidad de [[Chile]].Realiza una producción escultórica en diversos materiales, tales como madera y acero, en la que se percibe
las influencias de sus maestros en Chile, Egenau y Mandiola, así como también, algunos spectos del estilo alemán conocido como [[“Nueva Objetividad”]].Ha realizado exposiciones individuales
en Galerías de Chile y Alemania, actividades que se suman a una importante participación en numerosos seminarios y simposios de escultura.
==Trayectoria==
Alejandra Ruddoff realiza una producción escultórica en diversos materiales, tales como madera y acero, en la que se percibe las influencias de sus maestros en Chile,Egenau y Mandiola, así como también, algunos aspectos del estilo alemán conocido como [[“Nueva Objetividad”]], traspasado a la escultora por medio de su contacto con Hans Ladner.Con la mirada siempre puesta en el
devenir histórico, Ruddoff busca plasmar, entonces, las tensiones y polaridades de ciertos acontecimientos, mediante una reflexión profunda respecto a la pérdida de materialidad y la ingravidez, cuestionando con toda su producción, lo que se concibe y conoce como estructuras propias de la escultura, o sea, las líneas principales o ejes de la composición.Ejemplo de esto es su obra “Estructura Libre II”, en la que una armazón de bambú nos remite a su exploración entre lo frágil y lo resistente: la aparente transparencia matérica de la obra está equilibrada por su forma, que contiene potencialmente todo lo contrario; con esto, [[Ruddoff]] consigue, en el mismo proceso productivo, la presencia máxima de la tensión positivo-negativo, que plasma mediante contradicciones internas en cada una de las partes de la obra total, con lo que aleja su propio trabajo de la condición de logro absoluto.Otra interesante realización es el homenaje al viento de la Patagonia chilena: imponentes estructuras de metal instaladas al aire libre, se mueven según las fuerzas eólicas del Sur.Nuevamente, cuando vemos el acero sometido al viento, encontramos esa dualidad entre las fuerzas opuestas que domina las reflexiones artísticas de la escultora.
==Aportes==
Alejandra Ruddoff ha recibido, entre otros reconocimientos, el Primer Premio “Bambu-Aktion”, Alemania [[(1992)]], el Tercer Premio [[“Danner Stiftung”]], [[Alemania]] [[(1993)]], el Primer Premio en un Concurso del Ministerio de Obras Públicas [[(1996)]] y una Mención Honrosa, también del MOP [[(1999)]].
Ha realizado exposiciones individuales en Galerías de Chile y Alemania, actividades que se suman a una importante participación en numerosos seminarios y simposios de escultura.
===Investigacion===
Durante el año 2001 la escultora Alejandra Ruddoff participó de importantes eventos internacionales en su área al asistir a actividades que de por sí implican no sólo una
gran oportunidad en la evolución de su carrera, sino que también son una hermosa luz que alumbra el desarrollo artístico nacional, ambiente que como cualquiera, levanta ánimos ante un merecido reconocimiento mundial.La primera de esas estadías de la artista en el extranjero se realizó entre el 23 de junio y el 1 de julio, cuando la escultora participó en la séptima versión del Symposium Internacional de Escultura en Madera, en la localidad de Saint-Jean-Port-Joli, en el estado de Québec, Canadá, y cuyo tema central de reunión fue ‘El Infinito’.[[Ruddoff]] recibió una invitación para enviar un proyecto a los organizadores de ese encuentro; el jurado decidió seleccionarla, junto a otros nueve escultores de diferentes
países del mundo, para que llevara a cabo su proyecto.Posteriormente, las obras fueron
emplazadas en el Parque de Esculturas de Saint-Jean-Port-Joli.“Plicatura II” se llama la escultura que realizó Alejandra Ruddoff especialmente para esta ocasión (“plicatura” es un pliegue que ha de abrirse después de un tiempo). Mide 2.40 metros de alto por 80 por 80
centímetros de ancho y profundidad, y fue tallada en pino canadiense.Algunas semanas después, [[Ruddoff]] partió a un exótico destino: entre [[el 15 de julio]] y el [[9 de septiembre]] se desarrolló el quinto Symposium Internacional de Escultura, en la ciudad de [[Changchun]], China.En dicho encuentro participaron 89 escultores, de los cuales 29 eran de nacionalidad china y el resto
provenía de [[54 países]]; nuestra escultora fue la única representante de Chile.La convocatoria de dicho evento tiene por fin la realización de obras que serán ubicadas en el mayor Parque
de Esculturas del mundo, que se inaugurará en el [[2003]]. El proyecto presentado por Ruddoff y que fue seleccionado se titula “Peace,Friendship and Time “Space”, y se desenvuelve en una unidad constituida por cuatro elementos que se amarran en un gesto de amistad simbolizando
la paz universal. La obra reconoce un aspecto del sentido del transcurso del tiempo representado en cuatro elementos que aluden a las cuatro estaciones del año.Su forma contiene una dinámica de movimiento espacial, no estática, que sugiere una traslación que evoca
el devenir de los tiempos, ubicándose en un contexto de perfección numérica [[china]]: 3.60 m de alto, por 3.60 m de ancho y 1 m de profundidad, con lo que se proyecta un ciclo eterno.Como los anillos internos del árbol,donde podemos reconocer su edad, la obra teje en sus cuatro codos señales del tiempo por medio de los anillos entrecruzados, amarrando hilos antiguos y enunciando los que han de venir.Así es la obra y ésta es la descripción de la interesante escultura que se ubica en el espacio destinado a [[Chile]] en el interior del importante Parque Internacional de Esculturas de China, y que materializa valores positivos y universales.
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-alejandra-ruddoff/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Alejandra-ruddoff.jpg

2011-11-22T20:07:58Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Jaime Antúnez Zañartu

2011-11-22T18:31:03Z

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|nombre completo = Jaime Antúnez Zañartu
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'''Jaime Antúnez Zañartu''', escultor, [[nació el 6 de marzo de 1923]] en [[Santiago de Chile]].Es el menor de tres hermanos que crecieron compartiendo sus afinidades artísticas y desarrollando diversas áreas plásticas.Sus hermanos son los pintores [[Nemesio Antúnez]] y [[Enrique Zañartu]].Comenzó su formación profesional en el taller del escultor [[Samuel Román]], y más tarde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de [[Chile]].
==Síntesis biográfica==
Realiza una producción escultórica empleando materiales tales como arcilla, madera, piedra, alabastro,mármol y bronce, elementos sobre los cuales procura imprimir su huella laboriosa y realizar obras figurativas y otras de corriente abstracta.Jaime Antúnez recibió Segundo Premio en Escultura, Concurso Colocadora de Nacional de Valores, MNBA [[(1977)]].En 1970 viajó a Nueva York, donde trabajó en el Sculpture Center; cuatro años después, se integró al taller del escultor japonés [[Niizuma]], quien también oficiaba de profesor en la Universidad de [[Columbia]].
En dicho taller, [[Antúnez]] definió su estilo, en oposición al constructivismo desarrollado por su maestro nipón, de quien, sin embargo, capturó toda su disciplina y oficio.
===Trayectoria===
El artista mantiene un verdadero
diálogo con la materia bruta, la que enfrenta al momento de iniciar la obra; este método se vuelve parte esencial de su proceso creativo, ya que son los elementos utilizados los que le indican como continuar o solucionar los problemas formales que se le presentan.De todos modos, el control que el escultor ejerce sobre la materia sirve para lograr composiciones donde,ante una aparente serenidad, circulan subterráneamente severos conflictos humanos.El ser humano, enfrentado a un medio aislante y a un destino incierto, es tema constante en la obra de
Antúnez; dichos conceptos son materializados de un modo que formalmente remite a la escultura del suizo Giacometti, sobre todo en los aspectos de devastación del ser y de materialización de un espíritu acongojado.Esto lo percibimos principalmente en las obras más alargadas y angostas de Antúnez; otras esculturas, como ‘Cabeza Oriental’, de [[1967]], apuestan por volúmenes corporales suavizados algo Más amables, aunque conservando de todos modos aires enigmáticos y metafísicos.
==Aportes==
[[Jaime Antúnez]] recibió Segundo Premio en Escultura, Concurso Colocadora de Nacional de Valores, MNBA [[(1977)]].De sus exposiciones individuales,seleccionamos Galería [[Carmen Waugh]] [[(1972)]], Galería Praxis [[(1989)]] y Galería ArtEspacio [[(1999)]], todas en la capital chilena.Además, ha formado parte de muestras colectivas en Museos, Galerías e Institutos de [[Chile]], [[Francia]], [[Perú]], [[España]] y [[EE. UU.]]
==Fuentes==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/18/biografia-jaime-antunez/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Verónica Astaburuaga Escobar

2011-11-22T18:07:11Z

Suleimis1402ad may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Verónica Astaburuaga Escobar |nombre completo = Verónica Astaburuaga Escobar |otros nombres = |imagen = |tamaño ...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Verónica Astaburuaga Escobar
|nombre completo = Verónica Astaburuaga Escobar
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|descripción = Pintora Chilena
|fecha de nacimiento = 25 de Octubre de 1954
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}}
'''Verónica Astaburuaga Escobar''',Realiza sus estudios en la Escuela de Arte de la
Pontificia Universidad Católica de [[Chile]], entre los años [[1983-89]],
accediendo a la respectiva
Licenciatura Mención Escultura. Ejerce docencia, en variados cursos,
para la misma institución.
==Trayectoria==
Sus
trabajos iniciales de los años ochenta -con madera-, son inducidos por
principios geométricos,persiguiendo el acuerdo de materia, forma y
contenido, en volúmenes esenciales de formatos pequeños y medianos. Un
ánimo racional preside sus trabajos que morigeran sus
impulsos
intuitivos al respetar las trazas originarias del tronco, con mínimos
desbastes, que remiten a elementos de la naturaleza sometidos a
abstracciones.Ha derivado al uso de metales,fundiendo aluminio,
bronce y cobre, acoplados en maderas verticales, de acentos totémicos.
También ha diseñado obras monumentales metálicas o,con materiales
industrializados, en espacios públicos, posibles de ser miradas y
recorridas por los ciudadanos, involucrándolos en diálogos estéticos.
==Exposiciones Individuales==
*[[1987]] Espacio, Galería Enrico Bucci, Santiago.
*1995 Taller Puertas Adentro, Sala de Exposiciones, Parque de Las Esculturas, de Providencia, Santiago.
*[[2003]] Gesto en la materia, Galería Cecilia Palma, Santiago.
==Exposiciones Colectivas==
*[[1989]] Madres de fin de siglo, Instituto Cultural de Las Condes, Santiago.
*[[1992]] Primer Salón de Esculturas, Parque Intercomunal de La Reina, Santiago.
*[[1993]] Escultura Pequeño Formato, Parque de Las Esculturas, de Providencia, Santiago.
*1996
Primer Simposio Internacional de Escultura, Valdivia; 50 Años de
Escultura Chilena, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago.
*[[2000]] Esculturas.
*[[2000]] Galería Artespacio Cristal, Parque Américo Vespucio, [[Santiago]]; II Encuentro de SOECH, Plaza de Armas, Santiago.
*[[2001]] La Madera en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago
*[[2002]] El acero en la escultura, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago.
*[[2003]] Juegos Escultóricos, Galería Cecilia Palma, Santiago; Arca de Noé, Corporación Cultural de Viña del Mar, Viña del Mar.
*[[2005]] 6 Escultoras, MNBA, Santiago.
===Becas, Premios y Reconocimientos===
*[[1997]] Mención Honrosa Concurso Ruta Los Conquistadores, Ministerio de Obras Públicas.
*[[1998]] Primer Premio Concurso FAO-PNUD y Ministerio de Obras Públicas.
*[[2004]] Primer Premio Memorial Mapu, Villa Grimaldi.
===Obra y Sistema Creador===
Sobre el Primer Simposio Internacional
de Escultura, [[Valdivia]], enero [[1996]]]… “más que una figura definida, en
el simposio formulé una manera constructiva de enfrentar el material,
aprovechando el cien por ciento. Hice tres cortes generales y luego
comencé a componer los trozos. Una vez que reconocí una pose de figura
humana femenina, traté de acentuar esta presencia.
… Meditando sobre lo que hice descubrí que estaba trasladando a la madera mi manera de trabajar con el fierro”.
==Fuentes==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/24/biografia-veronica-astaburuaga/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Alfredo Jaar

2011-11-18T20:31:26Z

Suleimis1402ad may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre = Alfredo Jaar |nombre completo = Alfredo Jaar |otros nombres = |imagen =Alfredo-jaar-150x150.jpg |tamaño = |d...'

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{{Ficha Persona
|nombre = Alfredo Jaar
|nombre completo = Alfredo Jaar
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|tamaño =
|descripción =Pintor Chileno
|fecha de nacimiento = 1956.
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}}
'''Alfredo Jaar''', nació en Santiago en [[1956]], ha recibido varias becas, entre las que destacan las otorgadas por la Fundación del Pacífico [[(1982)]], la Fundación Guggenheim [[(1985)]] y la Fundación Louis Comfort Tiffany (1987).Realizó estudios de cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en [[1979]], y de arquitectura en la Universidad de[[ Chile]], en [[1981]], pero su formación artística es netamente independiente.
==Trayectoria==
En [[1994]] el artista viajó a [[Ruanda]], impactado por las noticias de la masacre. Allí fotografió los ojos de un niño recientemente huérfano; esos ojos [[Jaar]] los reprodujo en diapositivas, en cantidad de un millón, como el número de víctimas del genocidio en ese país africano, y luego las apiló todas sobre una mesa de luz.
Otras fotografías de ese mismo viaje, [[Jaar]] literalmente las enterró en cajas negras, y sobre éstas escribió la descripción de lo que se podría ver en las fotos (por ejemplo: [[“madre llorando a su hijo masacrado”]], etc.). Su arriesgado propósito fue despertar la conciencia adormecida de la gente, por medio de un ocultamiento visual que devuelva la capacidad de ver el drama humano.Jaar también se interesa por la intervención del espacio público que perturba al espectador distraído: así por ejemplo ocurrió cuando utilizó un letrero luminoso del edificio Time Square en [[New York]], en el que se leía “This is not America” [[(1987)]], denunciando el imperialismo estadounidense.Alfredo Jaar utiliza principalmente la fotografía como registro y soporte de su temática, la cual gira en las crisis geopolíticas y sociales, las relaciones entre los países ricos y los tercermundistas, el conflicto de la inmigración, la violencia, el racismo y los refugiados.Sello característico ya de su estilo es el uso de cajas de luz para colocar las imágenes: de este modo, las fotos se iluminan “desde adentro”, como ocurre con los rostros de mineros del Brasil en “Gold in the morning” [[(1986)]].
===Aportes===
[[Alfredo Jaar]] ha recibido varias becas, entre las que destacan las otorgadas por la Fundación del Pacífico [[(1982)]], la Fundación [[Guggenheim]] [[(1985)]] y la Fundación Louis Comfort Tiffany [[(1987)]].Entre los premios, destacan el Primer Premio de Grabado, II Bienal de Arte Universitario del Instituto Cultural de Las Condes [[(1981)]] y el Deutscher Akademischer Austauschdienst, Berlín (1989).Participó en la Bienal de Venecia en 1986 y al año siguiente fue el primer latinoamericano invitado a la Documenta 8, feria de arte celebrada en [[Kassel]], [[Alemania.]]
Ambas son importantes muestras que se suman a su extensa lista de exposiciones individuales y colectivas llevadas a cabo tanto en [[Chile]] como en [[Canadá]], [[Japón]], [[Brasil]], Austria, [[E.E.U.U]]., etc.Sus obras forman parte de colecciones de galerías y museos de todo el mundo.
==Investigación==
En [[1994]], un genocidio de horribles dimensiones se llevó a cabo en Ruanda; ante los ojos desinteresados de las potencias mundiales y el desconcierto informativo general, fueron asesinadas [[1.000.000]] de personas durante tres meses, es decir, murieron 10.000 personas diarias.
Espantado por el horror y la indiferencia, el artista chileno residente en Nueva York, [[Alfredo Jaar]], viajó hasta Ruanda para capturar imágenes de la tragedia, conocer esa realidad en una dimensión cercana, y generar después un amplio proyecto artístico que llamara la atención sobre lo ocurrido, e incitara a sí mismo a la reflexión sobre la condición humana, el papel social del arte, y las cualidades de la imagen comunicativa.
El [[“Proyecto Ruanda”]], elaborado entre [[1994 y 1998]], y presentado como compendio en la edición [[“Hágase la Luz]]”, consta de diversos productos estéticos coherentes con las investigaciones artísticas de [[Jaar]], exhibidos en diferentes galerías y museos del mundo, y elaborados en variados soportes, que van desde postales enviadas desde Ruanda por Jaar a sus amigos, en las que sólo ponía nombres de sobrevivientes que conoció, hasta trabajos como “Los ojos de [[Gutete Emerita]]”, presentado por primera vez en la Galería de Arte Contemporáneo de [[Carolina del Norte.]]
==Obras==
Esta obra se compone de dos cajas luminosas montadas muy cerca la una de la otra, en las cuales, mediante un mecanismo aparecen de modo secuencial, durante unos 45 segundos, textos de letras blancas sobre negro: “Un domingo por la mañana, en una iglesia de [[Ntarama]], cuatrocientos tutsis fueron asesinados por un escuadrón de la muerte hutu. Gutete Emerita, de 30 años, estaba en misa con su familia cuando empezó la masacre. A Tito [[Kahinamura]], su marido, y a sus dos hijos, Muhoza y Matirigari, los mataron a machetazos en su presencia”.
Este texto se disuelve y aparece otro, cinco líneas más en cada panel, durante 30 segundos: “Por alguna razón, Gutete pudo escapar con su hija Marie-[[Louise Unumararunga]]. Tras pasar varias semanas escondida, Gutete ha vuelto a la iglesia del bosque.
Cuando habla de la familia que ha perdido, hace gestos hacia los cadáveres del suelo, descomponiéndose bajo el fuerte sol africano”. Este texto también desaparece, y es reemplazado por otras dos líneas: “Recuerdo sus ojos. Los ojos de [[Gutete Emerita]]”.
Las dos últimas líneas reverberan durante 15 segundos; después, de pronto, aparece una imagen muy breve: son los ojos de Gutete en un primerísimo plano, que antes de que el espectador alcance a pensar, ya han desaparecido.
===Proyectos===
Otros trabajos de este proyecto son “Real Pictures”, consistente en cubos de dimensiones variables formados por cajas fotográficas negras con un texto que describe las imágenes que guardan en su interior, o [[“Rwanda, Rwanda”]], 100 serigrafías con la palabra Rwanda repetida ocho veces, y dispuestas en los letreros públicos de las calles de [[Malmö]], [[Suecia]], o la obra “Los ojos de Nduwayezu”, ya descrito en la sección Trayectoria. Con más certeza que duda podemos afirmar que [[Alfredo Jaar]] es uno de esos artistas que en las últimas décadas ha pasado a ocupar los primeros lugares de la historia del arte.
Su obra y la marca de su nombre es conocida y solicitada en todos los continentes. Pero [[Jaar]] se diferencia de tantos otros miles de artistas porque es de los pocos que aúna en una sola entidad la consciencia crítica, con un lenguaje claro de denuncia y a la vez de creación de auténticos operativos estéticos y comunicacionales de gran belleza y eficacia.
La denuncia no se reseca, estéril, en sí misma: llega a ser arte donde la estética logra que se eleve el grado de ética.
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/19/biografia-alfredo-jaar/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Alfredo-jaar-150x150.jpg

2011-11-18T20:25:01Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Usuario:Suleimis1402ad may.jc

2011-11-18T16:18:05Z

Suleimis1402ad may.jc:

{{Ficha_Usuario_(avanzada)
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{{Usuario:Etiquetas/JCCE}}

Patricio Vogel

2011-11-16T18:59:56Z

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{{Ficha Persona
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==Patricio Vogel==
'''Patricio Vogel''', artista visual, nació en [[Santiago de Chile]] el [[14 de abril de 1971]].Realizó sus estudios de formación en la Facultad de Artes de la [[Universidad de Chile]], de la cual se licenció con mención en pintura en [[1994]].Luego, durante los años [[1995 y 1996]], realizó el Magíster en Artes Visuales en la misma casa de estudios.Además de su labor como artista, Vogel se desempeña como director de arte en una empresa de diseño.Realizó sus estudios de formación en la Facultad de Artes de la Universidad de[[ Chile]], de la cual se licenció con mención en pintura.
===Trayectoria===
Patricio Vogel realiza una producción que se emplaza como múltiples ejercicios de instalación, cuyas obras constitutivas absorben diversas prácticas disciplinarias: fotografía, video-proyección, pintura, medios digitales, intervención (tanto sobre la obra misma como en el espacio que la acoge) y volumen escultórico.
Las directrices de su trabajo se sustentan en reflexiones sobre la desaparición, fugacidad, transparentación y disolución de los objetos e imágenes, así como sobre la repetición y constitución de la memoria y el comportamiento cartográfico de la ciudad.
En estas líneas conceptuales se ubica la instalación ‘Bajo Continuo’, compuesta por cien cubos de sal de aprox. 20 cm, fotografías del [[Palacio de La Moneda]] impresas en papel radiológico y focos de luz halógenos que producen interesantes juegos de luz y sombra.
Otra obra, ‘[[Memoria Objeto Proyección]]’, es una especie de continuidad de la primera aquí mencionada: diversos cubos de sal se ubican tanto en el suelo como sobre estructuras de acero y son complementadas con una disposición casi escenográfica de las luces; además, las piezas comparten espacio con un número determinado de imágenes impresas en tipo radiografía.
Por otra parte, una de las más importantes “puesta en escena” desarrollada por Vogel es [[‘Territorio Cifrado’]], intervención de una semana en La Moneda, el emblemático Palacio del Gobierno de [[Chile]]. Allí el artista dispuso en uno de los patios interiores, veinte balaustros de yeso similares a los de la cornisa superior de la casa del gobierno, un igual numero de cajas de luces lacadas de blanco, fotografías copiadas en papel radiológico y diez impresiones digitales
==Trabajos Presentados==
Uno de sus trabajos más recientes, presentado el [[2002]], es [[‘Still’]], una exploración sobre la multiplicidad, la no- identidad y la composición pictórica. La obra se compone de mil quinientos retratos de personas, tanto conocidas como anónimas, dispuestos sobre el muro, según los tonos de color. Al centro, un espacio no llenado conforma la palabra inglesa que da título a la pieza.Luego, al interior de la fuente de agua del patio contiguo, el de Los Naranjos, se colocaron treinta y nueve cajas, cada una de ellas con una letra impresa. Leídas de continuo conformaban la frase: “ninguna cosa haya, donde la palabra fracasa”. La intervención se completaba con la proyección nocturna sobre la fachada norte de La Moneda, de fotografías de ciudadanos de la más diversa índole.
===Aportes===
Patricio Vogel ha recibido el FONDART en dos ocasiones (1998 y 2000), además del apoyo financiero para sus producciones de la Corporación Cine Video (1997).
Obtuvo Primer Lugar, Concurso de Pintura ‘Nueva Generación’, Instituto Chileno-Norteamericano de Cultura (1993), y Mención Honrosa, Concurso de Pintura ‘BID Centenario’ (2001).
Entre sus exposiciones individuales destacan ‘Entre Aquí y Acá’, Galería Los Andes, Madrid (1991), ‘Herida del Ojo’, Galería Posada del Corregidor (1996), ‘Memoria Objeto Proyección’, Galería BECH (1999), ‘Territorio Cifrado’, intervención en La Moneda, Palacio de Gobierno de Chile (2001), ‘Cut & Paste’, MAC (dic.2002-ene.2003).Ha participado en numerosas muestras colectivas, de las cuales destacamos:3ª Bienal de Arte Electrónico de Santiago (1997), ‘Lugares de memoria’, KIT Laboratorio 4, Galería Balmaceda 1215 (1999), ‘Genio de la Bastilla’, Proyecto París-Santiago, MAC (1999), ‘Idensidad’, Calaf, Barcelona (2001 y 2002), ‘Frutos del País’, MAC (2002), ‘Color del Sur’, V Salón Sur de Pintura y Grabado, Pinacoteca de Concepción y Museo Nacional de Bellas Artes (2002 y 2003), Primera Muestra de Fotografía Joven Chilena, Galería Animal (2003).Como piezas de arte público, cuenta con una obra emplazada en el Aeropuerto de Punta Arenas (2001) y con un mural realizado en el Colegio JFK de Calama, resultado de un concurso del Ministerio de Obras Públicas (2003).
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-patricio-vogel/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Reinaldo Villaseñor

2011-11-16T17:24:10Z

Suleimis1402ad may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre =Reinaldo Villaseñor |nombre completo =Reinaldo Villaseñor |otros nombres = |imagen =Reinaldo-villanueva.jpg |tama...'

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{{Ficha Persona
|nombre =Reinaldo Villaseñor
|nombre completo =Reinaldo Villaseñor
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|tamaño =
|descripción =Pintor Chileno
|fecha de nacimiento =1925
|lugar de nacimiento ={{Bandera2|Chile}}
|fecha de fallecimiento =17 de marzo de 1994.
|lugar de fallecimiento =Santiago
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}}
'''Reinaldo Villaseñor''', Se interesó primero por la música, pero a los 12 años, mientras estudiaba en la escuela primaria empezó a dibujar para una revista de arte.Ocho años después llegó a [[Santiago]] para estudiar [[Pedagogía]] en [[Artes Plásticas]] en la Escuela de [[Bellas Artes]], donde fue discípulo de Pablo Burchard, Arturo Gordon y Pedro Luna.
==Vida y Obra==
[[Pintor chileno]]. [[Nació en Penco]], [[Concepción]], en [[1925]] y falleció en Santiago el [[17 de marzo de 1994]].En [[1954]] fue nombrado asesor de la sala de exposiciones del Ministerio de Educación. En 1957 viajó a Europa con una beca, premio de la Facultad de Arte de la Universidad de [[Chile]]. Recorrió [[España]], [[Francia]] e [[Italia]], país en el que estudió con el pintor [[ Bruno Saetti]], en [[Venecia]].Desde [[1958 a 1980]] se dedicó a la formación de nuevas generaciones, ejerciendo la docencia en las facultades de Arte y Arquitectura en la Universidad de [[Chile]].
===Trayectoria===
Pintor intimista, de luminoso cromatismo y rica composición producto de un agudo ojo observador de las cosas sencillas, de los elementos domésticos y de las antigüedades evocadoras del pasado.La temática de Villaseñor se centró en lo popular: en las entretenciones infantiles, en el colorido ambiente de la feria, en la carpa de circo, el organillero, el carrito de maní (“Manicero”) y también en paisaje de playa (“Paisaje marino”), naturalezas muertas (“Naturaleza muerta con cardos”) y otras figuras. La naturaleza fue para él una fuente inagotable de inspiración transformando esa realidad en sus creaciones de acuerdo con sus propias vivencias.
Son temas intrascendentes que los “fauves” franceses rescataron y que en el artista chileno adquirieron un cromatismo melancólico, con ambientación de tintas oscuras, de sentida inclinación nostálgica. Su paleta era de pigmentos apastelados, de tonos tizosos y opacos y su trabajo de meticuloso cuidado técnico.Su espíritu siempre estuvo en una búsqueda constante, reiterando motivaciones en exigente análisis e indagando en un ahondamiento pictórico esencial, independizado de formalidades rígidas; la manera de ubicar el color, de tratar el dibujo y plantear la escena fue importantísimo para Villaseñor.
==Aportes==
Recibió algunos premios a lo largo de su trayectoria artística, entre los que destacan: premio de honor del Salón de Alumnos de la Universidad de Chile (1948); tercer premio pintura del Salón Oficial (1958); segundo premio pintura del Salón Oficial (1959); primer premio pintura del Salón Oficial (1960); premio de honor del Salón Oficial (1963); premio de honor del Salón de Ñuñoa (1965); premio de honor del Salón de Invierno de Valparaíso (1966); segundo premio pintura del Salón Crav (1969); primer premio pintura del Concurso Colocadora de Valores (1977); primer premio del Concurso de Pintura de la Municipalidad de Providencia (1985); primer premio del Concurso Nacional de Pintura de Ferrocarriles (1985); primer premio Artistas Invitados del Concurso “Valdivia y su río” en 1986.
==Fuentes==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/21/biografia-reinaldo-villasenor/
[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]

Archivo:Reinaldo-villaseñor.jpg

2011-11-16T17:23:05Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Jorge-tacla-120x150.jpg

2011-11-15T18:20:26Z

Suleimis1402ad may.jc:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Ludwig Zeller

2011-11-11T20:41:23Z

Suleimis1402ad may.jc: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha Persona |nombre =Ludwing Zeller Ocampo |nombre completo =Ludwing Zeller Ocampo |otros nombres = |imagen =Lidwing-Zeller-150x150.jpg |t...'

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{{Ficha Persona
|nombre =Ludwing Zeller Ocampo
|nombre completo =Ludwing Zeller Ocampo
|otros nombres =
|imagen =Lidwing-Zeller-150x150.jpg
|tamaño =
|descripción =Pintor Chileno
|fecha de nacimiento = 1 de febrero de 1927.
|lugar de nacimiento = [[Calama]] {{Bandera2|Chile}}
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
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|alma máter =
|ocupación =
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|termino =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Ludwing Zeller Ocampo'''Realiza estudios parciales en el Instituto Pedagógico y en la Escuela de Bellas Artes de la [[Universidad de Chile]], entre [[1948-1949]]. Discrepancias con la enseñanza recibida determinan su retiro de las aulas. Sus inquietudes se vierten en las artes visuales, arqueología y antropología médica.
Entre [[1952-1970]] se desempeña como gestor de muestras de arte, -algunas de tendencias experimentales-, en la Sala de Exposiciones del [[Ministerio de Educación]]; Instituto [[Chileno]] Norteamericano de Cultura e Instituto Cultural de Las Condes de Santiago.
==Trayectoria==
Ilustrador y poeta visual, dirige varias revistas, funda dos editoriales. Su tarea incluye más de cincuenta libros de poesía; una novela; ensayos y cinco libros de collages. Ha presentado más de cuarenta exposiciones de sus collages en diferentes países (Chile, Argentina, Canadá, [[Estados Unidos]], [[Francia]], [[Alemania]],[[ España]], [[Italia]], [[Islandia]], [[Bélgica]], Venezuela y México), ligado diligente al surrealismo internacional. La mayor parte de su obra literaria está traducida al inglés, francés, portugués y alemán. Un poema suyo ha sido publicado en 43 idiomas, en 52 versiones. Si de buscar filiaciones, asoman lo trabajos de Max Ernst [[(1891-1976)]] y de Braulio Arenas Carvajal [[(1913-1988)]], ambos hacedores de imágenes pletóricas y desbordantes.
===Exposiciones Colectiva===
[[1975]] Exposición Internacional [[Surrealista]], [[Chicago]], USA / [[1997]] Iberoamérica Pinta,[[ Madrid]] / [[2005]] Homenaje a [[Jorge Cáceres]], Museo de la Solidaridad [[Salvador Allende]], [[Santiago]] / [[2008]] El reverso de la mirada, Exposición Internacional Surrealista, [[Coimbra]], [[Portugal]].
==Exposiciones Individuales==
[[1964-1970]] innumerables exposiciones de collages y recortes de papeles, [[Santiago]] / [[1970]] Universidad del Norte, recortes y collages monumentales / 2007 Universidad de San [[Nicolás de Hidalgo]], [[Morelia]],[[ Michoacán]], [[México]] / [[2010]] [[Retorno al Oasis]], Fundación [[Itaú,]] [[Municipalidad de Las Condes]], [[Santiago de Chile.]]
===Premios y Reconocimientos===
[[1979]] Primer Premio de Diseño del [[New York]] Directors Club por su [[libro Alphacollage]], que suma el Premio “Uno de los Diez Libros más bellos de la Década”, en la Feria del Libro de Leipzig, [[Alemania]].
====Reflexiones Propias====
Creo que la poesía es un adentrarse en el contenido de la vida. Es una constante como el viento o las mareas. Es necesario estar atento a este lenguaje interior. Todo cuanto podamos hacer o crear será un testimonio de los alcances logrados por los seres humanos. Las imágenes visuales salen de un fondo de nosotros mismos. Hacer collages es para mí una manera de ampliar mi visión de lo creativo conjugando distintas posibilidades y recuperando las imágenes que escapan al sentir cotidiano.
==Fuente==
*http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/26/biografia-ludwig-zeller/

[[Category:Pintores]][[Category:Pintores_latinoamericanos]]