EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Víctor Hugo Baralis

2025-04-10T13:21:21Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Víctor Hugo Baralis
|nombre completo = Víctor Hugo Baralis
|otros nombres =
|imagen=Hugobarais.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[2 de abril]] de [[1914]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires)]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[4 de febrero]] de [[2002]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
|ciudadanía =
|educación =
|alma máter =
|conocido =
|ocupación = Violinista, director y arreglador
|titulo =
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|sucesor =
|partido político =
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
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|notas =
}}
'''Víctor Hugo Baralis.''' Violinista, director y arreglador.
== Síntesis Biográfica==
Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[Elvino Vardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro]], [[Vicente Spina]], [[Ismael Gómez]], [[José Galarza]] y la cancionista [[Herminia Velich]]. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo]] y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[Pedro Caracciolo]] en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante, esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primera orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por [[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y [[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone]], [[Leopoldo Federico]], [[Horacio Malvicino]], [[José Bragato]] y [[Juan Vasallo]].

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y las voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires]].

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero, sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/]
[[Categoría: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2025-04-10T13:14:53Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Víctor Hugo Baralis
|nombre completo = Víctor Hugo Baralis
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|fecha de nacimiento = [[2 de abril]] de [[1914]]
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|fecha de fallecimiento = [[4 de febrero]] de [[2002]]
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|ocupación = Violinista, director y arreglador
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
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}}
'''Víctor Hugo Baralis.''' Violinista, director y arreglador.
== Síntesis Biográfica==
Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[Elvino Vardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro]], [[Vicente Spina]], [[Ismael Gómez]], [[José Galarza]] y la cancionista [[Herminia Velich]]. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo]] y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[Pedro Caracciolo]] en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante, esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primera orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por [[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y [[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone]], [[Leopoldo Federico]], [[Horacio Malvicino]], [[José Bragato]] y [[Juan Vasallo]].

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y las voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires]].

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero, sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Categoría: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2025-04-10T13:12:46Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Víctor Hugo Baralis
|nombre completo = Víctor Hugo Baralis
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|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
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}}
'''Víctor Hugo Baralis.''' Violinista, director y arreglador.
== Síntesis Biográfica==
Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[Elvino Vardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro]], [[Vicente Spina]], [[Ismael Gómez]], [[José Galarza]] y la cancionista [[Herminia Velich]]. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[Pedro Caracciolo]] en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante, esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primera orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por [[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y [[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y las voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero, sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Categoría: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Rafael Fiorentino

2025-03-25T11:54:00Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo {{Ficha Persona |nombre = Rafael Fiorentino |nombre completo = Rafael Fiorentino |otros nombres = Raúl Iriarte |Imagen = |tamaño = |descr…»

{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Rafael Fiorentino
|nombre completo = Rafael Fiorentino
|otros nombres = Raúl Iriarte
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|fecha de nacimiento = [[15 octubre]] de [[1916]]
|lugar de nacimiento = [[Barracas, Buenos Aires]], [[Argentina]]
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|notas =
}}
''' Rafael Fiorentino. Cantor

== Síntesis biográfica==
Raúl Iriarte nació en ([[Barracas]] [[Buenos Aires]], el [[15 de octubre]] de [[1916]] cuyo nombre Rafael Fiorentino, es un cantor dedicado al género del tango y una de las voces del tango más famosa y requerida de América. Revistó en la Orquesta de las Estrellas dirigida por [[Miguel Caló]] y trabajó luego como solista en su país y en otros lugares de América finalizando su carrera en [[Colombia]].
Desde joven se siente atraído por la música, su pasión eran el canto y la guitarra.a los 17 años en Radio Prieto acompañado por las guitarras de Disario, Durante y Deluchi, pasando luego por distintas emisoras.

Voz de barítono y una coloratura especial acongojada, dicción perfecta y buena pinta, fue desarrollando su labor como solista, hasta que es convocado por el maestro [[Mario Azerboni]] en 1938.

Luego de un breve paso por [[Edgardo Donato]] se integra a la orquesta de [[Enrique Forte]], dada la fama de [[Francisco Fiorentino]], deja de actuar con su nombre verdadero para presentarse con el de [[Raúl Iriarte]].

A principios de 1943 [[Alberto Podestá]] se desvincula de [[Miguel Caló]] y pasa a integrar la orquesta de [[Pedro Laurenz]], razón por la cual se inicia una búsqueda para reemplazarlo.

El autor [[Oscar Rubens]] le comenta sobre [[Raúl Iriarte]] y van a verlo, después de escucharlo lo contrata y el [[17 de mayo]] de [[1943]], [[Raúl Iriarte]] graba su primer disco: el tango de [[Oscar Rubens]] y [[Alberto Suárez Villanueva]], “[[Es en vano llorar]]”, que tenía en el acople con la voz de [[Jorge Ortiz]] , el bello tango de Piana y Manzi, “[[De Barro]]”.

En el debut de Iriarte, la orquesta dirigida por [[Miguel Caló]] estaba integrada, en el piano por [[Osmar Maderna]], violines [[Enrique Mario Francini]], [[Aquiles Aguilar]],[[Antonio Bogas]] y [[Mario Lalli]], los bandoneones, [[Domingo Federico]], [[Armando Pontier]], [[José Cambareri]] y [[Felipe Richiardi]] y en el contrabajo [[Armando Caló]].

El éxito llega rápidamente logrando imponer en el gusto del público dos temas de [[Carlos Bahr, “[[Mañana iré temprano]]” y “[[Cada día te extraño más]]” que graba el [[10 de agosto]] de [[1943]]Al año siguiente regresa [[Raúl Berón]] a Caló, luego de su paso por la orquesta de [[Lucio Demare]]. La formación compite de igual a igual en la demanda del público con las de [[Aníbal Troilo]], [[Carlos Di Sarli]] y [[Juan D'Arienzo]], en una época en la que los binomios de cantores eran de suma importancia.

A fines de 1945 la orquesta sufre un gran golpe al alejarse de la misma los principales ejecutantes, para formar sus propias orquestas, [[Osmar Maderna]], [[Domingo Federico]], Francini y Pontier. Pero los aportes de Iriarte y Berón permiten la vigencia del éxito de la orquesta.

Luego la llegada, por un breve lapso, del cantor [[Luis Tolosa]], en reemplazo de [[Raúl Berón]], quien pasa a integrar la orquesta de [[Francini-Pontier]], y después Iriarte compartirá el escenario con otro correcto cantor: [[Roberto Arrieta]]. En ese período, Iriarte logra nuevos éxitos con los tangos "[[Nada]]", "[[Tabaco]]", "[[Trenzas]]" y "[[Marión]]".

Durante el tiempo que integró la orquesta del maestro Caló, entre mayo de 1943 y diciembre de 1945, la orquesta grabó 43 temas y apenas 7 tangos en forma instrumental.

A fines de 1947 es requerido por empresarios para actuar como solista. Iriarte se desvincula de [[Miguel Caló]], dejando grabado como último tema “[[Óyeme]]”, obra de [[Homero Expósito]] y [[Enrique Francini]].

Debuta en Radio Belgrano, en 1948, con el acompañamiento de la orquesta dirigida por el bandoneonista y arreglador [[Ismael Spiltanik]].

En 1949 es acompañado por el conjunto del pianista [[Armando Lacava]] y, en 1950, dada su gran popularidad, parte hacia [[Chile]], [[Perú]], [[Venezuela]] y [[México]], radicándose finalmente en [[Colombia]]. En 1956, en México supera todos los cálculos previos y cumple una de las etapas mas brillantes de su carrera. El éxito de esta gira, iniciada en 1954, culmina con una notable temporada en un teatro del Distrito Federal y entre sus compañeros de elenco participa la destacada actriz mejicana [[Marga López]]. Además actúa en el famoso cabaret “[[El Patio]]”, donde graba, con el acompañamiento de conjunto dirigido por el bandoneonista [[Luis Álvarez]] los tangos “[[Prohibido]]” y “[[Noche de locura]]”, ambos de [[Manuel Sucher]] y [[Carlos Bahr]]. Finaliza la gira en México en 1957 y parte para Cuba a cumplir un contrato para actuar en televisión, radios y cabarets de la isla.

Al regreso compra un gran bar y restaurant, en sociedad con su bandoneonista [[Luis Pérez Álvarez]], en pleno centro de Bogotá.

Aclamado y admirado en todos los lugares donde llegó su voz y simpatía, fue uno de los más importantes embajadores del tango argentino.

En toda América su nombre gozó de inmensa popularidad. Tanto es así que en los programas radiales de música porteña sólo incluían los discos de Iriarte y de Gardel. Sus obras más logradas con [[Miguel Caló]] fueron sin duda la clave de tamaño éxito, una llave que lo catapultó a un mercado donde fueron llegando los compases de “[[El plebeyo]]”, “[[La vi llegar]]”, “[[Me duele el corazón]]” y otras páginas de notable calidad.

Regresa a Buenos Aires en febrero de 1972 a grabar nuevamente con Caló: “[[La mentirosa]]”, “Nubes de humo”, “[[Un lugar para los dos]]” y a dúo con Arrieta: “[[Mis flores negras]]” y “[[Todos vuelven]]”. El 24 de mayo de ese mismo año, producto de un infarto, fallece el gran maestro [[Miguel Caló]].

Iriarte regresa a Colombia, su lugar de residencia, continuando en forma espaciada su labor artística. En algunas giras fue acompañado por un conjunto dirigido por el pianista [[Osvaldo Berlingieri]].

A partir de 1977 abandona el canto para dedicarse a la función de empresario, orientando y organizando giras a distintas figuras argentinas del tango, entre ellas a [[Juan Carlos Godoy]], [[–––Armando Moreno]], [[Roberto Mancini]]. Promovió y organizó la mayoría de los homenajes a Gardel en Medellín, donde participaron las más importantes figuras del tango.

==Muerte==

El [[24 de agosto]] de [[1982]], próximo a cumplir 66 años y luego de una penosa enfermedad, fallece en Bogotá, Colombia.

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/57/Raul-Iriarte/]
[[Category:Músicos de Argentina]] [[Categoría:Compositores]]

Osmar Héctor Maderna

2025-03-25T06:31:15Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo {{Ficha Persona |nombre = Osmar Héctor Maderna |nombre completo = Osmar Héctor Maderna |otros nombres = Osmar Maderna |Imagen = |tamaño =…»

{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Osmar Héctor Maderna
|nombre completo = Osmar Héctor Maderna
|otros nombres = Osmar Maderna
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|fecha de nacimiento = [[26 febrero]] de [[1918]]
|lugar de nacimiento = [[Pehuajó, Buenos Aires]], [[Argentina]]
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|padres = Juan Maderna
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|premios =
|titulos =
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}}
''' Osmar Héctor Maderna ''' Pianista, director, compositor
y arreglador.

== Síntesis biográfica==
Osmar Maderna nació en Pehuajó [[26 febrero]] de [[1918]], pequeña ciudad provinciana, situada 300 kilómetros al sudoeste de [[Buenos Aires]], en una fértil zona rural. Era el octavo hijo de don [[Juan Maderna, músico lugareño que tocaba el acordeón a piano y el armonio a fuelle. Con apenas 13 años, Osmar formó con músicos de la comarca una orquesta, llamada Vitaphone. En 1938 llegó a Buenos Aires, donde logró pequeños espacios radiales como solista para ejecutar piezas clásicas, ligeras y tangos, además de integrarse a una orquesta típica de segundo orden. Pero su suerte cambió al ser convocado en octubre de 1939 por el bandoneonista [[Miguel Caló]] para cubrir la deserción del pianista [[Héctor Stamponi]].

Maderna cambió la historia de esa orquesta, aunque interactuando con otros jóvenes músicos de talento que la integraban o fueron incorporándose a ella, como el violinista [[Enrique Francini]] y los bandoneonistas [[Eduardo Rovira]], [[Armando Pontier]] y [[Domingo Federico]], todos los cuales alcanzarían vuelo propio tiempo después. De aquella experiencia quedaron ochenta grabaciones antológicas, como las de los instrumentales “[[Sans souci]]”, de [[Enrique Delfino]], o “[[Inspiración]]”, de [[Peregrino Paulos]], entre otras, que permiten apreciar tanto el concepto orquestal de Maderna como sus inefables solos. No puede omitirse tampoco la gravitación de cantores de gran mérito, como [[Raúl Berón]], [[Alberto Podestá]], [[Jorge Ortiz]] y [[Raúl Iriarte]], este último no el mejor pero sí el más identificado con esa orquesta.

Pianista de marcada inclinación romántica, es considerado el Chopin del tango. De toque sutil y casi etéreo, ligero y sugerente, opuesto a cualquier énfasis, ampulosidad o marcación enérgica, creó todo un estilo orquestal basado en las mismas líneas. Con esquemas armónicos simples y transparentes, sus arreglos concebían fantasiosos solos alternados de piano, bandoneón y volín.
Su modalidad, surgida hacia 1940, impregnó toda aquella década, contrastando tanto con la variante populista (ejemplo saliente de la cual ifue [[Juan D'Arienzo]]) como con la académica ([[Aníbal Troilo]]). Su tango huye de la reciedumbre y del trazo grueso, pero también de cualquier pretensión sinfónica. Prefiere la emoción austera y la expresión precisa, en un ejercicio de permanente autocontención.

Aquella etapa deslumbrante culminó en 1945, cuando Maderna e Iriarte acordaron independizarse para integrar un binomio. Pero éste tuvo corta vida. El vocalista volvió con Caló —que era mejor empresario que músico—, y Osmar siguió adelante con su propia orquesta. Debutó con ésta en el mítico Marzotto, uno de los legendarios cafés tangueros de la avenida Corrientes, eje del downtown porteño, que sucumbirían en la década siguiente. Fue estrella también de otro de ellos, el Tango Bar, y de las dos principales emisoras de radio de la época, El Mundo y Belgrano.

Maderna grabó en 1946 para el sello uruguayo Sondor sus dos primeros discos de pasta. Sobresale allí el instrumental “[[Chiqué]]”, un clásico de [[Ricardo Brignolo]] que el pianista tamiza con su estilo. Pero se destaca también, en dos temas, el cantor [[Orlando Verri]], que sería el de mayor gravitación en la historia de esta orquesta. En mayo de ese mismo año inicia sus registros en la Argentina para el sello Víctor, hasta totalizar 52 temas con su último disco, el [[29 de marzo]] de [[1951]]. Un mes después, el 28 de abril, pereció pilotando su propio avión.

En esa discografía sobresalen varios instrumentales, como una nueva versión de “[[Chiqué]]” (o “[[El elegante]]”, como obligó a rebautizarlo la censura impuesta desde 1943); “[[Ojos negros]]”, de [[Vicente Greco]]; “[[Loca bohemia]]”, de [[Francisco De Caro]]; “El bajel”, hermoso tango virtualmente ignorado de Julio y [[Francisco De Caro]]; “[[El Marne]]”, de [[Eduardo Arolas]]; “[[El baquiano]]”, “[[Qué noche]]” y “[[El rodeo”, de [[Agustín Bard]]; “[[El pillete]]”, de [[Graciano de Leone; “[[Charamusca]]”, de [[Francisco Canaro]]; “[[Inspiración]]”, de [[Peregrino Paulos]]; “La cautiva”, de [[Carlos Vicente]] [[Geroni Flores]], y “[[Aromas]]”, de [[Osvaldo Fresedo]], entre otros. Este repertorio expone el elaborado gusto con que Maderna elegía los tangos.

Además del mencionado Verri, Maderna contó con otras voces importantes, como las de [[Mario Corrales]] (quien luego triunfaría, rebautizado como [[Mario Pomar]], con la orquesta de [[Carlos Di Sarli]]), [[Héctor de Rosas]] (posteriormente vocalista del primer quinteto de [[Astor Piazzolla]]) y [[Adolfo Rivas]]. [[Pedro Dátila]] fue, a su vez, el vocalista de numerosas grabaciones de la orquesta. De los tangos instrumentales que compuso Maderna el más difundido es “[[Lluvia de estrellas]]”, que como otros traducen su doble carácter de pianista romántico (muy influido por el Chopin de los valses y los nocturnos) y aviador. También es célebre su “[[Concierto en la luna]]”, y ya menos “[[Escalas en azul]]”, pese a la belleza de su tema. El mayor suceso lo alcanzó con su vals “[[Pequeña]]”, con letra de [[Homero Expósito]], que Maderna grabó en 1949 con la voz de [[Héctor de Rosas]]. Otras páginas destacables son los tangos “[[La noche que te fuiste]]”, con [[José María Contursi]], “[[olvió a llover]]” y “[[Rincones de París]]”, ambos con [[Cátulo Castillo]].

Tras el accidente fatal, el violinista [[Aquiles Roggero]], su paisano y compañero de toda la vida, dio continuidad a su estilo con la Orquesta Símbolo [[Osmar Maderna]] durante la década del 50. [[Adolfo Rivas]] fue la principal voz de ese notable conjunto. Entre las grabaciones de esta orquesta figura “[[Notas para el cielo]]”, un tango que el pianista [[Orlando Tripodi]] escribió en homenaje a Maderna, cuyo lugar había tomado ante el teclado. Interesa destacar que también [[Miguel Caló]] continuó apegado al madernismo, aun después de haber perdido el concurso de su creador.
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/38/Osmar-Maderna/]
[[Category:Músicos de Argentina]] [[Categoría:Compositores]]

Luis Rubistein

2025-03-13T13:10:49Z

Yaliuska.sanchezjc:

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''' Moisés Rubistein. ''' Letrista y compositor

==Síntesis Biográfica==

Moisés Rubistein nació en [[Buenos Aires]], [[Argentina]] el [[8 de julio]] de [[1908]] La familia provenía de [[Ekaterinoslav]], en [[Ucrania]]. Los padres, el zapatero Motl y [[María Kaplán]], maestra de escuela hebrea, decidieron emigrar ante el azote del antisemitismo, recrudecido en tiempos de la guerra ruso-japonesa, y llegaron a [[Buenos Aires]] a comienzos de 1906 con tres hijas. En la [[Argentina]] tendrían siete hijos más, el segundo de los cuales fue Luis, venido al mundo en 1908 y con quien se inició la dinastía tanguera. En los documentos de algunos de los Rubinstein desapareció la "n", pasando a apellidarse Rubistein, como en el caso de Luis. Este, como varios de sus hermanos, nació en la humilde casa familiar de la [[calle Catamarca 945]], del barrio de [[San Cristóbal]], trozo del profundo sur de la capital argentina. En esa vivienda ejercía el padre su oficio de zapatero remendón y la familia se hacinaba en dos cuartos.

[[Carlos Gardel]] llegó a grabar sólo uno de los tangos de [[Luis Rubistein]]: “[[Tarde gris]]”, con música de [[Juan Bautista Guido]]. Eso ocurrió en junio de 1930. Ya muerto el Zorzal, [[Armando Defino, que fuera su representante, le acercó a Luis una música inédita de Gardel para que la versificara. Así nació Amor, un tema que nunca alcanzó repercusión, pese a la grabación de [[Francisco Canaro]] con [[Roberto Maida]] en 1936. Pero, como en tantos otros casos, el disco de Gardel le aseguró perduración a “[[Tarde gris]]”, que sólo en 1946 tuvo tres magníficas grabaciones, por [[Aníbal Troilo]] con [[Floreal Ruiz]], por [[Osmar Maderna]] con [[Pedro Dátila]] y por[[ Miguel Caló]] con [[Raúl Iriarte]].

Luis había sido echado del colegio en tercer grado por tirarle un tintero a la maestra, que lo reprendió al descubrirlo escribiendo versos. En ese momento concluyó su breve carrera estudiantil. Ni siquiera completó la escuela primaria. Pese a ello, además de letrista prolífico fue periodista en la revista del editor [[Julio Korn]] La Canción Moderna, luego devenida Radiolandia, y dirigió Sintonía, creada en 1933 por [[Emilio Kartulovic]], «Kartulo», publicaciones que acompañaban el auge de la radiofonía y del tango en ésta.

Callejero, indomable, Luis se mezcló muy pronto en los ambientes del tango, con su ambición y su voracidad, que con los años lo convirtió en un obeso incontrolable. Cuando conversaba con el popularísimo cantor [[Agustín Magaldi, que era tartamudo como Luis, parecían estar mofándose mutuamente. Siendo todavía un adolescente, Luis cantó con [[Juan D'Arienzo, pero luego abandonó ese intento. Hizo del cabaret su mundo, con todo lo imaginable.

En mayo de 1935 creó una escuela de arte popular en la casa familiar de Tejedor 154, en un barrio chato, algo apartado. Aquella academia, que terminaría absorbiéndolo por completo, se mudó rápidamente a Callao 420, casi en el centro, en los altos de la funeraria de los Iribarne, la familia de la esposa del presidente Ortiz (quien gobernó entre 1938 y 1940), dueña de todo ese vasto edificio. Allí fue bautizada como PAADI, Primera Academia Argentina de Interpretación.

Bajo aquel techo se concentraría el imperio de los Rubistein: la editorial Select, la mencionada [[PAADI]], cuyo negocio consistía en proveer artistas a las radios, y [[PACA]], Primer Archivo Cinematográfico Argentino, que pretendía surtir de extras a los estudios de cine. PAADI estaba tan orientada a explotar el auge radiofónico que hasta contaba con una sala de transmisión, desde la cual se irradiaban por línea telefónica programas en los que actuaban alumnos seleccionados. Las audiciones de PAADI cesaron con el golpe de Estado derechista de junio de 1943, que prohibió esa modalidad, entre tantas medidas de represión y control.

“[[Cadenas]]”, el primer tango que lleva música y letra de Luis, es de 1933. Tema de trazo grueso, fue estrenado por [[Mercedes Simone]]. Allí comenzó una seguidilla de éxitos que le pertenecen totalmente, como “[[Venganza”, de argumento despiadado y estilo burdo, que sin embargo conmovió al público, a punto tal que un cantor como [[Oscar Ferrari]], que lo grabó con [[José Basso]] en 1950, quedó identificado con él y debió seguir cantándolo por décadas, aun a su pesar.

En la profusa obra de Luis son raros los momentos de poesía, las ideas originales. Entre sus pocas letras significativas figura la de “Noctámbulo”, un hermoso tango que en 1930 escribió con música de [[Armando Baliotti]] y del que quedaron las versiones grabadas de [[Roberto Maida]] y de [[Julio de Caro]] con el estribillista [[Luis Díaz]], pero luego fue olvidado. Aquellos versos terminan así: «Es un noctámbulo sin fe/ que por la noche del dolor busca olvidar/ la luna llena del hastío/ y el imposible de su soñar». Desde luego que «la luna llena del hastío» es una frase bella pero contradictoria. Si a Rubistein le sonaba bien, ¿para qué iba a preguntarse por el sentido?

Otro punto alto fue “[[Carnaval de mi barrio]]”, de 1938, que le pertenece íntegramente a Luis y que ese mismo año grabó [[Mercedes Simone]]. Rubistein caracterizó a su obra como «Pintura callejera en tiempo de tango». Se sentía sin duda orgulloso de aquellos versos agridulces, cuyo narrador confiesa que «una ternura extraña» le invade el corazón. En la misma línea y con igual inspiración forjó “[[De antaño]]”, una milonga que [[Juan D'Arienzo]] grabó con [[Alberto Echagüe]].

Pero la pieza cumbre llegaría en 1940 con “[[Charlemos]]”, historia de un acercamiento romántico entre dos desconocidos a través del teléfono: « [[Charlando soy feliz]],/ [[la vida es breve]]./ [[Soñemos en la gris]]/ [[tarde que llueve]]./ [[Hablemos de un amor]],/ [[seremos Ella y El]],/ [[y con su voz]]/ [[mi angustia cruel]] / [[será más leve]]...» Como impactante final, el golpe bajo de la anécdota: él es ciego. « [[No puedo... no puedo verla]]; / [[es doloroso, lo sé.]] / [[¡Cómo quisiera quererla]]!/ [[Soy ciego... Perdóneme]].»

Algo que ocultar para lograr la aceptación del otro. Algo por lo que pedir perdón. ¿No se habrá estado refiriendo Rubistein, inconscientemente, a su condición de judío? ¿No sería el verdadero final de su tango: «Soy judío... Perdóneme»? Esa letra la escribió cuando en Europa había comenzado el exterminio, la Shoá, el Holocausto, y en la Argentina campeaban los fascistas. Había llegado al mundo el cataclismo que cinco años antes presagiara Luis en “La caída de la estantería” (música de [[Edgardo Donato]]) de manera farsesca, hasta torpe, pero certera, anunciando que «se aproxima el ciclón».

“[[Charlemos]]”, que en menos de un año tuvo cinco grabaciones diferentes, [[Carlos Di Sarli]] con [[Roberto Rufino]], [[Enrique Carbel]], [[Francisco Canaro]] con [[Ernesto Famá]], [[Ignacio Corsini]] y [[Alberto Gómez]], conmovió a los públicos, desde [[Buenos Aires]] hasta [[La Habana]]. Condensaba en menos de tres minutos toda una radionovela, y en cierto modo dejaba abierto el final. ¿Cómo reaccionaría ella? Tal vez lo amase igual, a pesar de su ceguera. Quizá pasaría Él a ver a través de aquellos ojos de mujer.

El teléfono como mediador ya le había inspirado en 1933 la letra de “[[Cuatro palabras]]”, que grabaron [[Mercedes Simone]] y [[Charlo]]: «Que te vaya bien, me dijiste / [[colgándome el tubo de tu telefón]]./ Que te vaya bien, murmuré,/ mascullando entre dientes una maldición». En 1936 dio a conocer “[[Olvido]]”, en colaboración con [[Luis César Amadori]], un tango de particular belleza, que grabaron desde [[Charlo]] hasta [[Roberto Goyeneche]], pasando por [[Lágrima Ríos]], y en el que el personaje repasa su caída de la opulencia a la privación: «Si pensara alguna vez en lo que fui / no tendría ni la fuerza de vivir...».

En “[[Decime]]”, de 1938, Luis presenta dos variantes para la misma letra: una femenina y otra masculina. Parece suponer que los sentimientos amorosos son iguales en el varón y la mujer. De hecho, sólo una cantante, [[Mercedes Simone]], grabó este tango. Pero el relativo fracaso de un tema no podía preocupar a un autor que durante dos décadas acumuló una serie interminable de sucesos, muchos de ellos con múltiples grabaciones. Entre sus tangos más cautivantes se cuentan el ya mencionado “[[Nada más]]”; “[[Juro]]”, con música de [[Ciriaco Ortiz]], de 1936; “[[Yo también]]”, de 1940, con [[Nicolás Luis Visca]], y del mismo año “[[Igual que ayer]]”, con [[Luis Bayón Herrera]]; “[[Ya lo ves]]”, con D'Arienzo, de 1941, como también “[[Cautivo]]”, con [[Egidio Pittaluga]], que se oye en la película [[La tregua, de [[Sergio Renán; “[[Si tú quisieras]]”, de 1943 (música de [[Francisco Pracánico]]); “[[Marión]]” (aparente plagio musical de un tango llamado “[[Sentimientos]]”) y “[[Dos palabras por favor]]” (éste con música de Visca), también de 1943; “[[Rosa de tango]])”, de 1944 (en el que reutilizó la melodía de su anterior “[[Cuatro palabras]])”); “[[Dos ojos tristes]])” (música de Oscar de la Fuente) y “[[Plomo]])”, de 1947, y “Tu perro pequinés”, de 1948. Este último es, quizá, el mejor tango de todos los que concibió Luis, y aunque sólo fue grabado por [[Aníbal Troilo]] con [[Edmundo Rivero]], esta inigualable versión bastó para mostrar todo su valor.

Aunque Rubistein nunca fue una letrista sutil, qué lejos estaba ya de aquél que escribiera Dominio veinte años antes, superponiendo a la fina melodía de [[ElvinoVardaro]] aquellos versos brutales: «Yo sé que sos tan falsa y tan canalla / como la vil serpiente ponzoñosa./Sos tan ruin mujer, tan venenosa,/ que está en tu ser la víbora del mal». En 1948 escribía, en cambio: «La vida, tal vez,/ se ensañó y a sangre fría / me regala la ironía / de este cuadro hecho al revés./ ¡Cómo quisiera tener / para mi frío espantoso / ese abrigo tan celoso / de tu perro pequinés!». Así es otra cosa.

Luis podía idear varios temas en un mismo día. Hubo épocas de su vida en que se convirtió en un verdadero fabricante de canciones, acumulando una obra indeterminable. En 1928 utilizó como seudónimo Nietsibur, leyendo su apellido al revés, para firmar “[[Callejas solo]],”, con música de [[Juan D'Arienzo]], dedicado a un jockey. Este tango se había llamado en 1926 “[[Rodolfo Valentino]]”, con su primera letra, que exaltaba al actor tras su prematura muerte, y se llamaría “[[Nada más]]”, en 1938, con la tercera, convirtiéndose recién entonces en un éxito.

La vasta creación de Luis incluyó algunas obras comprometidas. La más primitiva de ellas fue el tango “El camino de Buenos Aires”, con música de [[Francisco Pracánico]], grabado por éste y por [[Juan D'Arienzo]] con [[Carlos Dante, ambos para el sello Electra y en 1928. Esta pieza está inspirada, desde su nombre mismo, en «Le Chemin de Buenos Aires (La Traite des Blanches)», libro que en 1927 publicó el periodista [[Albert Londres]] para describir y denunciar el tráfico de mujeres sometidas a prostitución entre [[Europa]] y el [[Río de la Plata]]. Esta letra de un Rubistein aún muy rudimentario, que habla de un «caften (rufián) criminal», lo enfrentaba con la poderosa ZviMigdal, mafia de tratantes judíos.

En 1942 Luis escribió la letra de “[[Yánkele (Mi muchacho]])”, intercalando algunos versos en ídisch y con música de su hermano Elías. Esta canción, que grabó dos veces el conjunto del acordeonista [[Feliciano Brunelli]],, fue compuesta especialmente para [[Soy judío]], una obra de [[Luis PozzoArdizzi]] que se propalaba por Radio del Pueblo con enorme éxito, al mismo tiempo que en Europa ser judío equivalía a una condena al suplicio y a la muerte. La actriz que cantaba el tema era [[Teresita Padró]], que debió aprender fonéticamente las frases en ídisch. En “Yánkele” una madre judía le canta a su niño, en medio de «esta vida horrible y atroz», pidiendo que acaben los sufrimientos. Pero estaban muy lejos de haber terminado.

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/56/Luis-Rubistein/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Antonio Arcieri

2025-03-05T15:11:28Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Muerte */

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}}
'''Antonio Arcieri'''. Violinista y compositor argentino.

== Síntesis biográfica==
Antonio Arcieri, violinista, que nace el [[9 de septiembre]] de [[1909]], en [[Buenos Aires]].

==Trayectoria==
Antonio Arcieri de chico le atrae aprender a tocar el violín, como lo hace su hermano mayor y, finalmente, convence a su padre, que se opone, que le permitiera recibir lecciones mientras paralelamente trabaja en la zapatería de este. Por otra parte, con [[Juan Carlos Aquilini]], un amigo del barrio que estudia piano, se reúne para ensayar juntos, lo que atrae la atención del almacenero de la esquina de ambos, aficionado a la música, que los ayuda a lucirse en algunas fiestas de la vecindad. Ambos integran un cuarteto con el bandoneonista [[Antonio Sureda]] y el guitarrista [[Humberto Canataro]] y comienzan a actuar en cines poniéndole música a las películas mudas y en bailes, ayudados por [[Adolfo Rafael Avilés]]. Al separarse [[Canataro]] se convierte en un exitoso.

Arma el [[Trío América]], muy exitoso, junto a Aquilini y Sureda. Luego la Orquesta Rostan nombre que combina los apellidos Rosich y [[Ricardo Tanturi]]. Incursiona brevemente en la formación de [[Julio De Caro]] con la cual viaja tres años consecutivos a [[Brasil]]; De Caro lo pone al frente de uno de sus conjuntos mientras él actúa en aquel país con el "titular".

En [[1920]], tiene su Orquesta Los Matreros, en la que canta [[Juan Carlos Miranda]]. Como compositor le pertenecen entre otros tangos: “Delirando”, “Campanario”, “Pinta orillera”, “Cachivache”, “Derrotado”. Su primera composición se tituló: “Mi nena”.

En [[1930]] Arcieri forma en [[Brasil]] su primer conjunto, en el que revistaba, entre otros, el pianista [[Luis Visca]], y está actuando bastante tiempo en [[Río de Janeiro]] antes de regresar a [[Buenos Aires]].
En la universidad [[Ricardo Tanturi]] con [[Raúl Sánchez Reynoso]], que más adelante funda la orquesta [[Santa Paula Serenaders]], y Antonio Arcieri forman una jazz band que actúa ante un público universitario y que cuenta como vocalista con [[Juan Carlos Thorry]], y a muchos de los músicos que son incorporándose más adelante a su orquesta.

En [[1931]] o [[1933]] las fuentes difieren en la fecha Tanturi forma un sexteto, que incluye a Arcieri, bautizado “Los Indios” en homenaje a un equipo de polo, deporte al que es aficionado, con el que actúa en cines y teatros. La orquesta debuta en [[1934]] en el Alvear Palace Hotel y desde entonces anima las temporadas veraniegas del Hotel Carrasco de [[Montevideo]], en cuya mítica terraza su carta de presentación es precisamente la marcha Carrasco.

Arcieri sigue durante unos años en la orquesta de [[Ricardo Tanturi]], que en la década de [[1940]] actúa con gran popularidad.

Entre sus temas como compositor se destacan Pinta orillera, que graba [[Rodolfo Biagi]] con [[Jorge Ortiz y Derrotado]], con letra de [[José Terragno]] y [[Antonio Bernárdez]], que tiene versiones de [[Carlos Di Sarli]], con la voz de [[Roberto Florio]], y de [[Enrique Rodríguez]].

==Muerte==
Antonio Arcieri fallece a los 43 años en [[Buenos Aires]]. el [[5 de mayo]] de [[1952]].

==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/1764/Antonio-Arcieri/]

[[Category:Músicos de Argentina]] [[Categoría:Compositores]]

Víctor Hugo Baralis

2025-02-27T21:38:23Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Síntesis Biográfica */

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Víctor Hugo Baralis
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}}
'''Víctor Hugo Baralis.''' Violinista, director y arreglador.
== Síntesis Biográfica==
Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[Elvino Vardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro]], [[Vicente Spina]], [[Ismael Gómez]], [[José Galarza]] y la cancionista [[Herminia Velich]]. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[Pedro Caracciolo]] en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante, esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primera orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por [[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y [[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y las voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero, sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Categoría: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2025-02-27T21:28:24Z

Yaliuska.sanchezjc:

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'''Víctor Hugo Baralis.''' Violinista, director y arreglador.
== Síntesis Biográfica==
Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[Elvino Vardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro, [[Vicente Spina, [[Ismael Gómez]], [[José Galarza y la cancionista [[Herminia Velich. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[ Pedro Caracciolo en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante, esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primera orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por [[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y [[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y las voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero, sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Categoría: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Juan Carlos Miranda

2025-02-24T17:53:24Z

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|nombre completo = Rafael Miguel Sciorra
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''' Juan Carlos Miranda'''. Cantor

== Síntesis biográfica==
Juan Carlos Miranda Cantor, nacio el [[23 de julio]] de [[1917]], en [[Chivilcoy]] [[Buenos Aires]].

==Trayectoria==
En su lugar de trabajo, en la Escuela Técnica, dependencia del Ejército ubicada en la avenida Cabildo, allí ejercía su oficio de peluquero. Varias generaciones de soldados y suboficiales pasaron por sus tijeras.

Pocos años antes, todavía cantaba en el barrio de La Paternal y, en un viejo club situado en la calle [[Fragata Sarmiento]] y [[Avenida San Martín]], cuando el retiro de la actividad era casi un hecho.

Algunas fotos suyas, de los años cuarenta, ya nada tenían que ver con la actualidad. Las facciones de aquel jovencito carilindo habían desaparecido por completo. Alguna patología había afectado sus piernas y debía esforzarse para caminar con un bastón.

En ese tiempo que lo invité a mi programa Siempre el tango, en Radio Municipal. Ocurrió en los meses iniciales de 1992, justo se cumplían cincuenta años del estreno del tango “[[Malena]]”. Cuando llegó el momento dejó su bastón, se puso de pie y, aferrado al respaldo de una silla, comenzó a cantarlo. Aquel delicado tenor ya no lo era, los años lo habían convertido en barítono. Lo hizo con todo su sentimiento y con esfuerzo.

Recordó después, que lo había estrenado en el Cabaret Novelty de la calle Esmeralda 473 y que en el mismo local, compartiendo una mesa con los autores, fue testigo de los trazos finales que realizaron para completar la pieza.

Miranda registró “[[Malena]]” —luego que lo hiciera Troilo con Fiorentino—, el [[23 de enero]] de [[1942]], la partitura la publicó la Editorial [[Julio Korn]] recién el día 27. [[Azucena Maizani]] lo graba el [[13 de marzo]]. Fue el primero en cantarlo pero no de llevarlo al disco.

El [[29 de abril, en el cine Broadway, se estrenó el film de [[Lucas Demare]] El Viejo Hucha, la música estaba a cargo de su hermano Lucio y el argumento —basado en una obra teatral—, fue adaptado por [[Ulises Petit de Murat]] y [[Homero Manzi]]. En él, uno de los hermanos de la familia protagonista sueña con componer un tango. Así sucede y, él mismo, lo da a conocer en un café. El papel lo encarna el actor [[Osvaldo Miranda]], pero cuando canta, su voz es doblada por Miranda. En aquel momento, parte del público llegó a confundirse y no pensó en un doblaje. Hasta algunos medios fantasearon que actor y cantor eran hermanos, pero Osvaldo, nacido en 1915, se llamaba en realidad [[Osvaldo Isaías Mathón]] y era sobrino del renombrado payador [[Arturo Mathón]].

Los comienzos de nuestro personaje, fueron en su ciudad natal: Chivilcoy, realizó algún estudio musical, aprendió su oficio y cantó en algunas reuniones con el extraño apodo de Pájaro Rojo. Pero su afán era llegar a la gran ciudad, lo cual ocurrió en 1935. Durante varios años vivió en el barrio de Boedo.

Como tantos muchachos ilusionados en la interpretación, se inscribió en la academia de los hermanos Rubistein, Callao 420, tuvo la oportunidad que su voz saliera por un par de radios.

El recordado actor y humorista [[Fidel Pintos]] era un empleado de Correos que luego de su actividad, junto a su esposa, oficiaban de porteros en el edificio donde funcionaba la academia donde además vivían. Como entendía de música y aporreaba el piano, por amistad, colaboraba muchas veces en las clases y conocía mucho de lo que allí sucedía, incluso tomaba pruebas a los aspirantes. Así fue que, cuando se enteró que Demare buscaba un cantor para su orquesta recién formada, le recomendó a Sciorra que venía de ganar un concurso en Radio Splendid.

Lucio le tomó tres pruebas para aceptarlo, una de ellas ante la presencia de [[Francisco Canaro]] y [[Roberto Fugazot]]. Pasó airoso el examen y de inmediato, el [[13 de junio]] de [[1938]], grabó el tango “[[Telón]]” y “[[Din Don]]”, de [[Alberto Suárez Villanueva]] y [[Evaristo Frattantoni.

A fin de ese año, Demare forma rubro con [[Elvino Vardaro]] y el cantor lo sigue. No hay registros de esta formación. En 1941 arranca Demare nuevamente solo y no se detiene hasta junio de 1945. Pero el cantor se queda con él hasta diciembre del 42, dejando en el disco 12 registros más. Destaco, porque son los que más me gustan, además de “[[Malena]]”: “[[Al compás de un tango]]”, “[[Mañana zarpa un barco]]”, "[[Nunca supe por qué”, “[[Milonga en rojo]]”, “[[No me apures Carablanca]]”, “[[Sorbos amargos]]” y “[[Pa' mí es igual]]”.

Si bien la orquesta era excelente, no estaba entre las más populares, no obstante, fue su etapa artística más importante.

Sin conocer los motivos uno bien puede preguntarse la razón por la que no fue requerido por otros conjuntos. Quizás, simplemente, intentó ser independiente, buscar nuevos aires. Pero la realidad es que la historia del tango sólo lo tendrá en cuenta por la trayectoria con Demare. Este director impuso un estilo delicado y cálido que se correspondía, de la misma manera, con el del cantor.

El tiempo fue pasando, no encontró el rumbo y lentamente, fue desapareciendo de un primer plano. Estuvo con [[Ciriaco Ortiz]], más tarde con [[Antonio Arcieri]]. En 1944, hizo radio, actuó en locales, alguna gira breve y dos temas desconocidos, grabados en homenaje a la Colonia Mi Esperanza de enfermos de lepra: la marcha “[[Mi esperanza]]”, a dúo con [[Alberto Ayerza]] y el tango “[[Soldadito ausente]]”.

En 1945, grabó en [[Buenos Aires]] con la orquesta de [[Jorge Huirse]], en el sello Odeon, pero para ser distribuidos en el Perú. Actuó en Montevideo, también con una orquesta mendocina en [[Chile]], retornó al Novelty cuando fue llamado para formar parte de la efímera Orquesta Argentina, integrada por los músicos que se habían ido de la de [[Osvaldo Fresedo]]. Siguió con Campos-Calabró en 1948. Cuando se retira Calabró continuó junto a [[Enrique Campos]] sin cambiar la rutina. El resto fueron «changas» para ganarse algunos pesos y un poco de radio.

Para los interesados en discografías cabe agregar unas grabaciones, que posiblemente no se hayan comercializado, con el conjunto de Francisco Grillo: el vals “[[Tus manos]]” y “[[Romance popular]]”. Y con el de [[Amadeo Raffo]] dos temas: los tangos “[[Mi calendario” y “[[Mírame]]”.

Esta es la sencilla y breve historia artística de quien estrenó “[[Malena]]” y fue el primer cantor de la orquesta inicial de [[Lucio Demare]]. Suficientes méritos para tenerlo en cuenta y prestar atención a su legado sonoro.
==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/954/Juan-Carlos-Miranda/]
[[Category:Músicos de Argentina]] [[Categoría:Compositores]]

Antonio Sureda

2025-01-22T13:28:39Z

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'''Antonio Sureda'''. Bandoneonista y compositor Argentino.

== Síntesis biográfica==
Antonio Sureda, Bandoneonista y compositor, nació el [[4 octubre]] de [[1904]],. en el barrio de Boedo [[Buenos Aires]]. Atraído por el bandoneón, tomó lecciones hasta 1918 con uno de los ejecutantes de lo que fue denominado la generación del 10: [[Julián Divasto]], o Di Basto

==Trayectoria==
Ya para 1920, Sureda había formado junto con [[Antonio Arcieri]] (violín) y con Aquilino (piano) su primera agrupación: el [[Trío América]]. Tras un debut en el cine [[Londres Palace]], de la Av. [[Coronel Díaz]], actuaron en cuanto escenario hallaron disponible por un lapso de más de un año, hasta la dispersión de sus integrantes. Es interesante notar que este comienzo profesional en un trío determinó una predisposición continua en el joven bandoneonista: a lo largo de su carrera, preferirá siempre los conjuntos reducidos (tríos o cuartetos) a las orquestas.

Al poco tiempo, reunido con el violinista [[Oscar Valpreda]] y el pianista Alpredi, arma el [[Trío del Plata]], cuyo nombre originaba el cine de Boedo en donde tocaban. En los últimos meses de 1922, el Trío del Plata es contratado por el empresario [[Federico del Ponte para actuar en la recién inaugurada Radio Cultura, medio que como complemento de sus emisiones (orientadas por lo general a la música clásica, aunque también las había de música popular) llegó a editar una revista propia de distribución gratuita. A partir de la regulación ministerial de noviembre de 1923, esta broadcasting pasó a ser LOX Radio Cultura; hasta entonces, había sido la única radio que había gestionado un permiso de propalar. Las demás simplemente se habían instalado y comenzado a irradiar.

Cuando se hizo evidente que el motor del conjunto era Sureda, el trío pasó a llevar su nombre. Durante siete meses, Sureda es al mismo tiempo el bandoneonista de un conjunto de [[Adolfo Avilés]], debido a un hecho que no está del todo claro. En un reportaje que le hicieron por Radio Fénix en 1935, Sureda dijo que para ingresar a Radio Cultura le habrían exigido una prueba, tras lo cual reaccionó yéndose a las filas de Avilés, que estaba en LOZ Radio Sudamérica. Esto reviste una contradicción, ya que poco antes dijera que estaba en Cultura desde 1921 (en realidad, esta radio comienza en diciembre de 1922). Para conjugar ambas historias, podría suponerse que Sureda, aún estando molesto, de todos modos se quedó en Cultura desde el principio, pero tocando paralelamente con Avilés. Esto tiene algún asidero, ya que es un hecho que Sureda en ningún momento deshizo su trío.

Con Avilés cobraba cien pesos mensuales; luego, según sus propias palabras, trabajó gratis durante más de cuatro años, con el sólo propósito de darse a conocer. Esto pareciera pecar de exageración. Lo cierto es que el trío trabajó regularmente en salas cinematográficas, ya sea como número vivo o poniendo música de fondo a las proyecciones en aquellos tiempos en que las películas eran mudas. También fue constante su presencia en distintas radios porteñas y así, para mediados de la década del treinta, los hermanos Bates en su libro podían asegurar de Sureda que «...no hay un solo micrófono ante el cual no haya actuado.»

Sin embargo, la verdadera popularidad le llegó con su faceta de compositor. Desde la primera mitad de los años veinte fue dejando “[[Adiós juventud]]”, “[[Amor de payaso]]”, “[[Amor y sacrificio]]” (uno de sus primeros valses), “[[A oscuras]]”, “[[A su memoria]]”, “[[Barreras de amor]]” (del cual hay una bella interpretación por la orquesta de [[Roberto Firpo]]), “[[Botellero]]” (grabado por [[Libertad Lamarque]] en 1926), “[[Callecita del suburbio]]”, “[[Ciudad de mis sueños]]”, “[[Decime adiós]]”, “[[Dos amores]]”, “[[Ensueño]]”, “[[Gorrión]]”, “[[Ilusión marina]]” (su caballito de batalla junto al vals "[[A su memoria]]"), “[[Juanillo]]”, “[[Mala suerte]]”, “[[Nido de amor]]”, “[[Nostalgias]]”, “[[Nunca]]”, “[[Nunca es tarde]]”, “[[Para la muchachada]]”, “[[Plegaria]]”, “[[Quién te ha visto y quién te ve]]”, “[[Quiero que me quieras]]”, “[[Ronda del querer]]”, “[[Te quiero mucho más]]”, “[[Valsecito de antes]]”, “[[Venga de donde venga]]” (propaganda del analgésico Geniol), “[[Vincha bruja]]”, “[[Volvió la princesita]]”, “[[Yo quiero que sepas]]”, etc.

El letrista habitual de sus composiciones es su hermano menor [[Gerónimo Sureda]], iniciando su colaboración con el vals “[[Ilusión marina]]”. Antonio, luego, acompañaría con su bandoneón algunas funciones de recitados de Gerónimo.

Una mención especial merecen dos valses de Antonio con excelentes versos de [[Homero Manzi]]: “[[Valsecito de antes]]”, del que [[Acho Manzi]] asegura haber detectado su escritura ya en 1922; y “[[A su memoria]]”, al que Homero puso versos hacia 1925, constituyendo uno de sus más grandes éxitos. Este vals había sido estrenado en aquel año; [[Ignacio Corsini]] lo grabó en 1926, aunque recién hacia 1930-1931 comenzó a ser un éxito gracias a las versiones de [[Santiago Devin]] (1931), la Orquesta [[Típica Brunswick]] con estribillo cantado por [[Teófilo Ibáñez]] (1931), [[Francisco Lomuto]] y su orquesta con estribillo por [[Fernando Díaz]] (1931), [[Alberto Gómez]] (1931) y [[Francisco Canaro]] con estribillo por [[Charlo]] (1931). Se sentía realmente cómodo con el vals, y con este ritmo quedó identificado.

Volviendo a su trabajo de intérprete, es convocado por el sello Nacional Odeón para realizar grabaciones junto al cantor [[Santiago Devin]]. El 17 de diciembre hace su primer registro: es el vals “[[A su memoria]]”, publicado en el disco 7.890 lado A, en donde Sureda acompaña sólo con su bandoneón. Pero en el lado B, para la zamba “[[Vincha bruja”, aparece al frente de un cuarteto. Al año siguiente ([[9 de septiembre]] de [[1932]]) se graba el siguiente disco: es el Nacional Odeón Nº 7.891, en donde el cantor interpreta el tango “[[Dos amores]]” y el pasodoble “[[Juanillo]]”, con Sureda acompañando con su trío. Hasta aquí, los cuatro temas grabados por Devin como solista eran composiciones de Sureda, siendo acompañado por él con una u otra formación; pero se separan y desde entonces tanto el acompañamiento como el repertorio de Devin pertenecerán a otros.

Es evidente que Odeon consideraba a Devin y a Sureda como un único rubro, ya que el próximo (y último) disco de Devin como solista es con guitarras, pero manteniendo el serial; de hecho, sale a la venta bajo el Nº 7.892. Pero el disco que vino después de este serial, el Nº 7.893, volvía a estar a cargo de Sureda; data de 1936 y traía nuevamente dos temas propios: “[[Barreras de amor]]” y “[[Dos amores]]”.

En 1940, apareció en Su Nombre es Mujer, película protagonizada por [[Herminia Franco]] y dirigida por [[Julio Irigoyen]], que tuvo la rara distinción de no ser bien recibida por absolutamente ningún sector de la crítica.

El [[7 de septiembre]] de [[1942]], graba nuevamente en Odeon dirigiendo una orquesta típica, dejando el disco Nº 5.500 con la milonga “[[Para la muchachada]]” y el tango “[[Yo te bendigo]]”. El estribillista que aparece en ambos registros no ha podido ser identificado con certeza, aunque se ha propuesto el nombre de [[Carlos Lafuente]]. Y no hubo más discos, cancelándose con esta única placa el serial de Sureda y su orquesta típica.

Pero su actividad continuó. Por los distintos conjuntos que dirigió pasaron músicos como [[Carlos Figari]], [[Ángel Condercuri]], [[Damián Ficarra]] y [[Jorge Dragone]]; y entre los cantantes estuvieron [[Agustín Volpe]] y [[Alberto Tagle]] (con el trío) y [[Roberto Maida]] (con la orquesta, en 1942).

[[Antonio Sureda]] falleció en 1951. Quince años antes, sus primeros cronistas decían de él que «...está entre quienes denotan un esfuerzo por acrecentar sus condiciones artísticas y renovar las virtudes que le valieron su encumbramiento. Sobre el nombre de nuevos valores o sobre la extinguida popularidad de muchos se ha ido cada día más alto el de este moderno rey del vals, como acertadamente se le calificara. Es, en resumidas cuentas, una de las famas más largas en la radio.»

==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/920/Antonio-Sureda/]
[[Category:Músicos de Argentina]] [[Categoría:Compositores]]

Roberto Florio

2025-01-22T13:18:43Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Fuentes */

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'''Roberto Florio'''. Cantante argentino.

== Síntesis biográfica==

Roberto Florio, cantor nace el [[9 de noviembre]] de [[1929]] en [[Buenos Aires]], [[Argentina]].

==Trayectoria==

Roberto Florio, resulta que [[Don Chicho]], obrero textil, ha armado en su casa un telar y busca la ayuda de algún joven que supiera el oficio, lo necesario para que le enseñe a su sobrino, un pibe de 14 años. Cuando lo encuentra hay días que los muchachos quedan solos por unas horas, entonces, pese al ruido de las máquinas, el mayor de ellos se pone a cantar tangos y tiene la sorpresa que de inmediato, el chico, mientras aprende el trabajo, comienza a seguirlo en su actitud tanguera. Desde entonces, amigos para toda la vida. El mayor pasa a ser conocido como [[Jorge Casal]] y el otro, Roberto Florio. El tiempo los ve crecer artísticamente, pero cada uno sigue su propio camino.

Cuando Roberto cumple veinte años su familia lo alienta a que se presente a un concurso de cantantes, organizado por [[Raúl Outeda]] y [[Roberto Casinelli]] en el club Federal Argentino del barrio de Saavedra y lo gana. Entre los concursantes esta [[Roberto Goyeneche]], vaya el dato solamente con anécdota.

El [[Chocho Florio]] es un cantor emotivo, apasionado, que dramatiza con justeza los temas de su repertorio.

Después del premio, tiene varias propuestas menores pero que indica que ha llamado la atención. Es entonces, que acepta hacerle cambios a [[Alberto Marino]] en el Café [[Los Andes]], del barrio de [[Chacarita]].

Canta como pibe de barrio, sin mayores conocimientos musicales, pero sigue consejos y estudia con unos muchachos guitarristas, más tarde con una profesora de música.

Pasa a actuar en La Armonía de Corrientes al 1400 y [[Lorenzo Barbero]] que forma parte del elenco lo incorpora a su Orquesta de la Argentinidad. Pasan juntos tres años, y llega al disco en [[1951]], para el sello Pampa. Graba “Tomá mate, tomá mate”, a dúo con [[Carlos Del Monte]]. Y a comienzos de [[1952]] dos temas como solista: “Serranita” y “La virgen del perdón”.

Tiempo después, cambia de rumbo para colaborar con el conjunto de [[Oscar Castagnaro]]. Tiene varias presentaciones y una grabación para el sello TK: “Madre hay una sola” y retorna a Barbero para registrar un chamamé: “El recluta”.

[[Jorge Casal]] lo recomienda a Francini-Pontier, es aceptado y entre tantas presentaciones lleva al disco para RCA en [[1954v: “Los cosos de al lao” y, en [[1955]], “Por una muñeca”, “Cuartito azul”, “Por unos ojos negros”. Cuando los directores se separan sigue con [[Armando Pontier]], con el que graba “Lágrimas de sangre” y “Quemá esas cartas”. Su compañero de rubro es, el todavía no consagrado, [[Julio Sosa]].

Y llega su mejor época, cuando se interesa por él el maestro [[Carlos Di Sarli]]. Su repertorio comprende temas que hoy siguen vigentes y que son éxitos entre [[1956]] y comienzos de [[1958]]: “Fogón de huella”, “Por qué regresas tú”, “Buenos Aires”, “Derrotado”, “Y todavía te quiero”, “Cantemos corazón”, “Pobre buzón”, “Quién sino tú” a dúo con [[Jorge Durán]], “Calla”, “Soñemos”, “Nuestra noche”, “Destino de flor”, “Cuanta angustia”, “Por un te quiero”, “Serenata mía” a dúo con [[Jorge Durán]] y “Adiós corazón”.

Su trayectoria continua con [[Alfredo De Angelis]] haciendo pareja con el cantor [[Juan Carlos Godoy]]. Durante [[1958]], registra seis temas, todos para el sello Odeon.

Con [[Jorge Durán]] forman una orquesta propia que dirige desde el piano [[Orlando Tripodi]], tienen la posibilidad de grabar para el sello RCA, es el año [[1959]] cuando llega aquella despiadada orden desde la casa central en [[Estados Unidos]] de terminar virtualmente con el tango. Ellos están por la mitad de un larga duración que finalmente no se edita, pero con el tiempo se rescata lo hecho y es llegando a manos de muchos interesados, son: “Dame mi libertad”, “Yo no quise hacerte mal”, “Un amor imposible”, “Estrella” y, a dúo con [[Jorge Durán]], “Regresa a mí”, “Amor de resero” y “Ojos de canela”.

Casado con una hermana del bailarín [[Eber Lobato]] y por su mediación, llega a cantar en [[Norteamérica]]. Ahí habría dejado un disco con dos temas, acompañado por una formación dirigida por [[Héctor Garrido]]. Regresa, esta vez llamado por un bailarín tanguero, [[Juan Carlos Copes]].

Por un breve lapso, se incorpora a [[José Basso]] donde ya esta [[Jorge Durán]] y [[Floreal Ruiz]]. Es [[1962]] y para el sello Music Hall deja “Mano cruel”, “Un amor imposible” y un éxito impensable con la versión de “Por qué la quise tanto”.

A partir de entonces continúa como solista presentándose en todos los locales de [[Buenos Aires]], en la televisión, en el interior del país. Graba con [[José Libertella]] en [[1967]], acompañado por [[Carlos García]] en [[1969]] y, en ese mismo año, con [[Roberto Pansera]].

En [[1974]] sale un cassette para el sello Magenta con el respaldo del Trío Yumba. Hay dos temas más acompañado por la formación dirigida por [[Dante Smurra]]: “Estrella” y “Tu angustia y mi dolor”. Finalmente lo acompaña [[Armando Lacava]], en [[1980]], en “El último escalón”.

Poco a poco se va retirando por problemas de salud. Hay una intervención quirúrgica y pocos años más tarde, los mismos reaparecieron hasta poner fin a su vida.

Junto a su esposa [[Gladys Lobato]], atendían un local de venta de zapatos a metros de la estación Primera Junta, “El buscapié», en la calle Centenera 108: «Donde compran los tangueros», según los avisos de propaganda.

Es autor de varios temas, uno de ellos llevado al disco por [[Roberto Rufino]], “Tabaco rubio”, justamente un gran enemigo suyo porque afirma que lo imita.

Es un cantante intimista, cálido y delicado, con muy buena afinación y distintiva personalidad, no obstante recordarnos, por momentos, al [[Pibe Rufino]], quien por otra parte, tiene un gran ascendiente no sólo en Florio sino en otros muchos cantores que luego se consagrarían.

==Muerte ==

Roberto Florio fallece el [[5 de octubre]] de [[1993]], en [[Buenos Aires]], [[Argentina]].

==Fuentes==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/780/Roberto-Florio/]

[[Category:Cantantes de Argentina]] [[Categoría:Músicos]]

Antonio Arcieri

2024-10-02T14:41:27Z

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'''Antonio Arcieri''' Violinista y compositor
== Síntesis Biográfica==
[[Antonio Arcieri]], violinista, que nace el [[9 de septiembre]] de [[1909]], en [[Buenos Aires]].
==Trayectoria==
[[Antonio Arcieri]], de chico le atrae aprender a tocar el violín, como lo hace su hermano mayor y, finalmente, convence a su padre, que se opone, que le permitiera recibir lecciones mientras paralelamente trabaja en la zapatería de este. Por otra parte, con [[Juan Carlos Aquilini]], un amigo del barrio que estudia piano, se reúne para ensayar juntos, lo que atrae la atención del almacenero de la esquina de ambos, aficionado a la música, que los ayuda a lucirse en algunas fiestas de la vecindad. Ambos integran un cuarteto con el bandoneonista [[Antonio Sureda]] y el guitarrista [[Humberto Canataro]] y comienzan a actuar en cines poniéndole música a las películas mudas y en bailes, ayudados por [[Adolfo Rafael Avilés]]. Al separarse [[Canataro]] se convierte en un exitoso.
Arma el [[Trío América]], muy exitoso, junto a [[Aquilini]] y [[Sureda]]. Luego la Orquesta Rostan nombre que combina los apellidos [[Rosich y [[Ricardo Tanturi]]. Incursiona brevemente en la formación de [[Julio De Caro]] con la cual viaja tres años consecutivos a [[Brasil]]; [[De Caro]] lo pone al frente de uno de sus conjuntos mientras él actúa en aquel país con el "titular".
En [[1920]], tiene su Orquesta [[Los Matreros]], en la que canta [[Juan Carlos Miranda]]. Como compositor le pertenecen entre otros tangos: “Delirando”, “Campanario”, “Pinta orillera”, “Cachivache”, “Derrotado”. Su primera composición se tituló: “Mi nena”.
En [[1930]] [[Arcieri]] forma en [[Brasil]] su primer conjunto, en el que revistaba, entre otros, el pianista [[Luis Visca]], y está actuando bastante tiempo en [[Río de Janeiro]] antes de regresar a [[Buenos Aires]].
En la universidad [[Ricardo Tanturi]] con [[Raúl Sánchez Reynoso]], que más adelante funda la orquesta [[Santa Paula Serenaders]], y [[Antonio Arcieri]] forman una jazz band que actúa ante un público universitario y que cuenta como vocalista con [[Juan Carlos Thorry]], y a muchos de los músicos que son incorporándose más adelante a su orquesta.
En [[1931]] o [[1933]] las fuentes difieren en la fecha [[Tanturi]] forma un sexteto, que incluye a [[Arcieri]], bautizado “Los Indios” en homenaje a un equipo de polo, deporte al que es aficionado, con el que actúa en cines y teatros. La orquesta debuta en [[1934]] en el [[Alvear Palace Hotel]] y desde entonces anima las temporadas veraniegas del Hotel Carrasco de [[Montevideo]], en cuya mítica terraza su carta de presentación es precisamente la marcha Carrasco.
[[Arcieri]] sigue durante unos años en la orquesta de [[Ricardo Tanturi]], que en la década de [[1940]] actúa con gran popularidad.
Entre sus temas como compositor se destacan Pinta orillera, que graba [[Rodolfo Biagi]] con [[Jorge Ortiz y Derrotado]], con letra de [[José Terragno]] y [[Antonio Bernárdez]], que tiene versiones de [[Carlos Di Sarli]], con la voz de [[Roberto Florio]], y de [[Enrique Rodríguez]].
==Muerte==
[[Antonio Arcieri]], Fallece a los 43 años en [[Buenos Aires]] el [[5 de mayo]] de [[1952].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/1764/Antonio-Arcieri/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Roberto Florio

2024-09-24T20:32:56Z

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|nombre completo = Roberto Florio
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|fecha de nacimiento = [[9 de noviembre]] de [[1929]]
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'''Roberto Florio''' Cantor.

== Síntesis Biográfica==

[[Roberto Florio]], cantor nace el [[9 de noviembre]] de [[1929]] en [[Buenos Aires]], [[Argentina]].

==Trayectoria==

[[Roberto Florio]], resulta que [[Don Chicho]], obrero textil, ha armado en su casa un telar y busca la ayuda de algún joven que supiera el oficio, lo necesario para que le enseñe a su sobrino, un pibe de 14 años. Cuando lo encuentra hay días que los muchachos quedan solos por unas horas, entonces, pese al ruido de las máquinas, el mayor de ellos se pone a cantar tangos y tiene la sorpresa que de inmediato, el chico, mientras aprende el trabajo, comienza a seguirlo en su actitud tanguera. Desde entonces, amigos para toda la vida. El mayor pasa a ser conocido como [[Jorge Casal]] y el otro, [[Roberto Florio]]. El tiempo los ve crecer artísticamente, pero cada uno sigue su propio camino.

Cuando [[Roberto]] cumple veinte años su familia lo alienta a que se presente a un concurso de cantantes, organizado por [[Raúl Outeda]] y [[Roberto Casinelli]] en el club Federal [[Argentino]] del barrio de [[Saavedra]] y lo gana. Entre los concursantes esta [[Roberto Goyeneche]], vaya el dato solamente con anécdota.

El [[Chocho Florio]] es un cantor emotivo, apasionado, que dramatiza con justeza los temas de su repertorio.

Después del premio, tiene varias propuestas menores pero que indica que ha llamado la atención. Es entonces, que acepta hacerle cambios a [[Alberto Marino]] en el Café [[Los Andes]], del barrio de [[Chacarita]].

Canta como pibe de barrio, sin mayores conocimientos musicales, pero sigue consejos y estudia con unos muchachos guitarristas, más tarde con una profesora de música.

Pasa a actuar en La Armonía de Corrientes al 1400 y [[Lorenzo Barbero]] que forma parte del elenco lo incorpora a su Orquesta de la [[Argentinidad]]. Pasan juntos tres años, y llega al disco en [[1951]], para el sello Pampa. Graba “Tomá mate, tomá mate”, a dúo con [[Carlos Del Monte]]. Y a comienzos de [[1952]] dos temas como solista: “Serranita” y “La virgen del perdón”.

Tiempo después, cambia de rumbo para colaborar con el conjunto de [[Oscar Castagnaro]]. Tiene varias presentaciones y una grabación para el sello TK: “Madre hay una sola” y retorna a Barbero para registrar un chamamé: “El recluta”.

[[Jorge Casal]] lo recomienda a [[Francini]]-[[Pontier]], es aceptado y entre tantas presentaciones lleva al disco para RCA en [[1954v: “Los cosos de al lao” y, en [[1955]], “Por una muñeca”, “Cuartito azul”, “Por unos ojos negros”. Cuando los directores se separan sigue con [[Armando Pontier]], con el que graba “Lágrimas de sangre” y “Quemá esas cartas”. Su compañero de rubro es, el todavía no consagrado, [[Julio Sosa]].

Y llega su mejor época, cuando se interesa por él el maestro [[Carlos Di Sarli]]. Su repertorio comprende temas que hoy siguen vigentes y que son éxitos entre [[1956]] y comienzos de [[1958]]: “Fogón de huella”, “Por qué regresas tú”, “Buenos Aires”, “Derrotado”, “Y todavía te quiero”, “Cantemos corazón”, “Pobre buzón”, “Quién sino tú” a dúo con [[Jorge Durán]], “Calla”, “Soñemos”, “Nuestra noche”, “Destino de flor”, “Cuanta angustia”, “Por un te quiero”, “Serenata mía” a dúo con [[Jorge Durán]] y “Adiós corazón”.

Su trayectoria continua con [[Alfredo De Angelis]] haciendo pareja con el cantor [[Juan Carlos Godoy]]. Durante [[1958]], registra seis temas, todos para el sello Odeon.

Con [[Jorge Durán]] forman una orquesta propia que dirige desde el piano [[Orlando Tripodi]], tienen la posibilidad de grabar para el sello RCA, es el año [[1959]] cuando llega aquella despiadada orden desde la casa central en [[Estados Unidos]] de terminar virtualmente con el tango. Ellos están por la mitad de un larga duración que finalmente no se edita, pero con el tiempo se rescata lo hecho y es llegando a manos de muchos interesados, son: “Dame mi libertad”, “Yo no quise hacerte mal”, “Un amor imposible”, “Estrella” y, a dúo con [[Jorge Durán]], “Regresa a mí”, “Amor de resero” y “Ojos de canela”.

Casado con una hermana del bailarín [[Eber Lobato]] y por su mediación, llega a cantar en [[Norteamérica]]. Ahí habría dejado un disco con dos temas, acompañado por una formación dirigida por [[Héctor Garrido]]. Regresa, esta vez llamado por un bailarín tanguero, [[Juan Carlos Copes]].

Por un breve lapso, se incorpora a [[José Basso]] donde ya esta [[Jorge Durán]] y [[Floreal Ruiz]]. Es [[1962]] y para el sello Music Hall deja “Mano cruel”, “Un amor imposible” y un éxito impensable con la versión de “Por qué la quise tanto”.

A partir de entonces continúa como solista presentándose en todos los locales de [[Buenos Aires]], en la televisión, en el interior del país. Graba con [[José Libertella]] en [[1967]], acompañado por [[Carlos García]] en [[1969]] y, en ese mismo año, con [[Roberto Pansera]].

En [[1974]] sale un cassette para el sello Magenta con el respaldo del Trío [[Yumba]]. Hay dos temas más acompañado por la formación dirigida por [[Dante Smurra]]: “Estrella” y “Tu angustia y mi dolor”. Finalmente lo acompaña [[Armando Lacava]], en [[1980]], en “El último escalón”.

Poco a poco se va retirando por problemas de salud. Hay una intervención quirúrgica y pocos años más tarde, los mismos reaparecieron hasta poner fin a su vida.

Junto a su esposa [[Gladys Lobato]], atendían un local de venta de zapatos a metros de la estación Primera Junta, “El buscapié», en la calle Centenera 108: «Donde compran los tangueros», según los avisos de propaganda.

Es autor de varios temas, uno de ellos llevado al disco por [[Roberto Rufino]], “Tabaco rubio”, justamente un gran enemigo suyo porque afirma que lo imita.

Es un cantante intimista, cálido y delicado, con muy buena afinación y distintiva personalidad, no obstante recordarnos, por momentos, al [[Pibe Rufino]], quien por otra parte, tiene un gran ascendiente no sólo en Florio]] sino en otros muchos cantores que luego se consagrarían.

==Muerte ==

[[Roberto Florio]], fallece el [[5 de octubre]] de [[1993]] en [[Buenos Aires]], [[Argentina]].

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/780/Roberto-Florio/]

[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Robeto Pansera

2024-09-24T19:08:02Z

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{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Robeto Pansera
|nombre completo = Robeto Pansera
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|fecha de nacimiento = [[20 de mayo]] de [[1932]]
|lugar de nacimiento = [[Mar del Plata (Buenos Aires)]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[6 de marzo]] de [[2005]]

|lugar de fallecimiento = [[Mar del Plata (Buenos Aires)]], [[Argentina]]
|causa muerte = infarto
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|nacionalidad = [[Argentina]]
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|ocupación = Bandoneonista, compositor, director y arreglador
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|cónyuge = María Cristina Carlesi
|hijos = Aníbal Troilo
|padres = Vicente y Elisa Carmen Petraso
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'''Robeto Pansera''' Bandoneonista, organista, director, arreglador y compositor.

== Síntesis Biográfica==

[[Robeto Pansera]] , bandoneonista, organista, director, arreglador y compositor. Nace el
[[20 de mayo]] de [[1932]] en [[Mar del Plata (Buenos Aires)]] [[Argentina]]. Sus padres [[Vicente]] y [[Elisa Carmen Petraso]]. Se casa con [[María Cristina Carlesi]], tiene un hijo varón que bautiza [[Aníbal]], en honor a su admirado [[Aníbal Troilo]].

==Trayectoria==

[[Robeto Pansera]], tiene 4 años cuando su familia se radica en el barrio de Constitución, en [[Buenos Aires]]. Comienza a tocar el bandoneón de oído, hasta que su padre lo manda a estudiar con el maestro [[Domingo Federico]] quién, en [[1945]], lo vincula a [[Juan Carlos Cobián]]. El creador de “Mi refugio”, incluye al niño bandoneonista en su formación. Un año antes había debutado en el sexteto de [[Cristóbal Herreros]], junto al adolescente [[José Libertella]], con la formal autorización de su padre.

Al poco tiempo se incorpora a la orquesta de [[Francini-Pontier]], compartiendo la fila de bandoneones con el propio [[Armando Pontier]], [[Ángel Domínguez]] y [[Nicolás Paracino]].

En esa época conoce a [[Astor Piazzolla]], quien lo estimula para que estudie armonía y lo conecta con el maestro [[Alberto Ginastera]]. Con él aprendería todos los secretos de la música, especialmente en lo relacionado a la armonización y composición y al estudio del piano.

El maestro le consigue una beca para que perfeccione sus estudios en el Instituto [[Santa Cecilia]] de [[Italia]]. Al regreso del viaje, se incorpora a la orquesta dirigida por el pianista [[Lalo Scalise]], para tocar en el balneario de [[Punta del Este]] [[Uruguay]].

En [[1950]], [[Scalise]] pasa a integrar la orquesta de [[Osvaldo Fresedo]] y lo lleva con él. A los pocos meses de su incorporación, [[Roberto]] pasa a ser el arreglador de los nuevos temas de la orquesta. Sus ideas vanguardistas contribuyen a uno de los ciclos más destacados de [[Fresedo]] en el sello Odeon y, posteriormente, en [[Columbia]]. En esa década, el maestro incorpora a su repertorio temas de [[Piazzolla]] y renueva algunos de sus clásicos. Resulta importante señalar el aporte de ese gran músico que es [[Roberto Pérez Prechi]], a quien ya [[Pansera]] conoce de la época del sexteto de [[Herreros]].

En [[1954]] compone la música para la película Se necesita un hombre con cara de infeliz, dirigida por [[Homero Cárpena]]. En [[1955]], es convocado por [[Piazzolla]] para integrar el Octeto [[Buenos Aires]]. En la primera formación esta [[Astor]] y [[Pansera]] en bandoneones, [[Enrique Francini]] y [[Hugo Baralis]] en violines, [[José Bragato]] en violoncello, [[Horacio Malvicino]] en guitarra eléctrica, [[Atilio Stampone]] en piano y [[Juan Vasallo]] en contrabajo.

En [[1956]], se retira del octeto, siendo reemplazado por [[Leopoldo Federico]]. Entonces, vuelve a [[Fresedo]] para actuar todas las noches en la boite Rendez-Vous, propiedad del director.

Una noche, se produce un hecho histórico para la música en [[Buenos Aires]] cuando, sorpresivamente, aparece en la boite uno de los más grandes trompetistas del mundo, el [[Norteamericano]] [[Dizzy Gillespie]]. Invitado que al subir al escenario, el hombre no sólo participa del espectáculo, sino que arma un pequeño concierto, improvisando con su trompeta sobre los temas que tocaba la orquesta. Participa en “Vida mía”, “Adiós muchachos”, “Capricho de amor”, de [[Pérez Precchi y “Preludio N°3”, de [[Pansera. Al finalizar el espectáculo [[Gillespie]], muy atraído por el tema de [[Pansera]], invita a este a viajar a los [[Estados Unidos]].

Y así es que, casi finalizando el año, [[Roberto]] emprende el viaje al país del norte. Ahí radica y realiza varias giras por distintos países de la costa del Pacífico. En su estadía, hace amistad con el actor [[Jerry Lewis]] y edita un álbum discográfico con temas propios y de autores conocidos con el titulo de Pansera 3.

A su regreso, forma su propio conjunto con la voz de [[Gloria Wilson]], incluyendo instrumentos no convencionales.

En [[1964]], dirige la orquesta que acompaña a [[Néstor Fabián]] en sus actuaciones y grabaciones. Posteriormente, compone con [[Fresedo]] y [[Roberto Lambertucci]], los doce temas del disco Los 10 mandamientos.

En [[1969]] graba, con [[Roberto Florio]], “Barriada de tango”, con [[Carlos Dante]], “Yo pecador”, para el sello Alanicky. Acompaña en los discos a [[Reynaldo Martín]], a [[Roberto Goyeneche]] y a la folclorista [[Mercedes Sosa]].

En [[1970]], integra la orquesta de [[José Basso]] en una larga gira por [[Japón]], en la que esta: [[Oscar Rodríguez]], [[José Fernández]], [[Armando Husso]] y [[José Singlia]] (violines); [[Juan Carlos Bera]], [[Eduardo Corti]] y [[Lisandro Adrover]] (bandoneones); [[Francisco de Lorenzo]] (contrabajo) y las voces de [[Alfredo Belusi]] y [[Carlos Rossi]]. Luego parte a [[Venezuela]], donde están mucho tiempo, al regreso a la [[Argentina]], ingresa a la orquesta de [[Mariano Mores]].

En [[1982]], es elegido presidente de la Sociedad [[Argentina]] de Autores y Compositores (SADAIC), donde realiza una importante gestión dado su gran contacto con distintas asociaciones del mundo. Esto permite abrir muchos mercados para nuestros autores.

En [[1984]], recibe en la Universidad de Yale el premio a la mejor obra Latinoamericana por su obra Concierto en instrumentos de viento.

En [[1985]], compone junto a [[Domingo Federico]], sobre texto de [[Miguel Jubany]], la ópera-tango sobre [[Eva Perón]] titulada [[Evita]]. Volveré y seré millones, con las voces de [[Carlos Acuña]], [[Antonio Tormo]], [[Nelly Vázquez]] y [[Héctor Gagliardi]].

Con sus inquietudes creativas intactas, en el [[2003]], forma la típica juvenil El Espejo de [[Aníbal Troilo]], cuyos arreglos y dirección, al estilo [[Pichuco]], le pertenecían.

De su obra se destaca: “Miedo”, “Mi canción de ausencia”, “Preludio Nº 3”, “El pibe de La Paternal”, “Desconocida”, “Que lejos de mi Buenos Aires”, “Trenzas de ocho”, “Sombra de humo” y “Naturaleza muerta”.

Es un hombre muy querido, un músico talentoso y vanguardista que toca todos los instrumentos. Tengo la suerte de grabar con él un disco simple, en la década del 60. Compartí gratos momentos y siempre, seguí su consejo: «El misterio del tango hay que buscarlo escuchando a [[Troilo]] y a [[Gardel]].

==Muerte ==

[[Robeto Pansera]], mientras actúa en un local en el barrio de [[San Telmo]], sufre un infarto del que no pudo recuperarse y fallece en el Sanatorio [[Güemes]] el [[6 de marzo]] de [[2005]].

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/956/Roberto-Pansera/]

[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Argentino Galván

2024-09-24T19:03:43Z

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'''Argentino Galván''' Violinista, arreglador, director y compositor

== Síntesis Biográfica==

[[Argentino Galván]], violinista, arreglador, director y compositor en [[Chivilcoy (Buenos Aires)]] [[Argentina]] el [[13 de julio]] de [[1913]].

==Trayectoria==

[[Argentino Galván]],artífice admirable del arreglo instrumental, conjuntamente con [[Héctor María Artola]], es el responsable de su sistematización. Conforme las palabras del investigador [[Luis Adolfo Sierra]].

El propio [[Galván]], en un reportaje en [[Radio Splendid]], en [[1960]] decía: Se puede ejecutar admirablemente un instrumento sin saber música, pero si no se tienen profundos conocimientos musicales, no se puede hacer un arreglo.»

En [[Chivilcoy]], su ciudad natal, realiza los estudios primarios y comienza a estudiar violín. Su padre es guitarrista orejero y no mal payador, amigo de músicos y cantores que llegan a diario a su casa. Sin haber aún estudiado música, sorprende más de una vez a los visitantes, soplando sobre un peine envuelto en papel de seda la parte de violín del tema que se estuviera ejecutando e improvisando armonías.

En [[1931]], resuelve formar su primer sexteto en el que participa [[Raúl]], su hermano menor. Ya en ese tiempo, comienza a manifestarse su inclinación hacia el arreglo.

A mediados de ese año tiene un encuentro crucial para su futuro. Se disuelve el sexteto [[Vardaro]]-[[Pugliese]] y se forma otro con [[Osvaldo Pugliese]] en el piano, [[Alfredo Gobbi]] y [[Enrique Cantore]] en los violines, [[Alfredo De Franco]] y [[Carlos Angelotti]] en bandoneones y en contrabajo [[José Díaz]]. Cuando el nuevo sexteto actúa en [[Chivilcoy]], dos de sus músicos, [[Gobbi]] y [[Cantore]] lo escuchan ejecutar el violín y descubren que está lleno de intenciones que demuestran un talento musical en ciernes y lo estimulan para que viaje a [[Buenos Aires]].

Como autor ya cuenta con un vals en su haber: "Madre mía" y al año siguiente publica "Mariposa", tango con letra de [[Ramón Giachetta]], otro vecino del pueblo. Este tema forma parte del repertorio de [[Osvaldo Fresedo]], aunque sin llegar al disco.

A finales de [[1933]], prepara un trío de guitarras para que lo acompañen en unos solos de violín y más adelante incorpora un cantor, [[Carlos Claudel]] [[Carlos Devenutto]], más tarde, en [[Buenos Aires]], canta con el conjunto de [[José Luís Padula]]. Con este trío deja plasmadas algunas ideas completamente originales, muy similares a las que habría de aplicar [[Charlo]] en sus acompañamientos con guitarras.

En [[1934]], se hace algunas escapadas a la Capital, compone un estilo criollo titulado "Jubileo a Don Prudencio", dedicado a un viejo vecino [[Prudencio Moras]]. En [[agosto]] de [[1935]] hace su última actuación con su conjunto y decide probar suerte en [[Buenos Aires]]. El cantor [[Claudel]] lo vincula a [[José Luis Padula]], tiene breves actuaciones en la orquesta de [[Alberto De Caro]], con [[Enrique Delfino]] por Radio Splendid. Luego trabaja con varias formaciones, la de [[Juan Canaro]], la de [[Florindo Sassone]] y, en [[1937]], la de [[Miguél Caló]], como primer violín de la línea que completa [[José Paz]] y [[Carlos Aiello]].

Por aquel entonces, vivía en la bohemia pensión La Alegría de la calle Salta y es ahí cuando vislumbra su porvenir haciendo su propio análisis. Llega a dos conclusiones: la primera, que no es un eximio ejecutante del instrumento, la segunda, que su verdadera vocación apunta al arreglo y a la orquestación.

[[Luis Adolfo Sierra]] explica este momento de [[Galván]] de la siguiente manera: Es entonces que la orquesta de [[Caló]] tiene un momento excepcional, cuando [[Galván]] toma a su cargo los arreglos instrumentales de la misma. Entre las innovaciones interpretativas surge el llamado virtuosismo violinístico en el tango. Predomina hasta entonces la forma clásica de cantar las melodías, expuestas por [[Agesilao Ferrazzano]], [[Cayetano Puglisi]], [[Julio De Caro]], [[Manlio Francia]] y [[Elvino Vardaro]]. Pero con [[Raúl Kaplún]] como primer violín de [[Caló, [[Galván explota las notables aptitudes técnicas de aquel, escribiéndole pasajes solistas con dificultades tales que exigían al máximo su destreza. El virtuosismo en el violín, cuyo precursor es [[Antonio Rodio]] y que [[Kaplún]] exalta gracias a [[Galván]], se continua en [[Enrique Mario Francini]] y en [[Szymsia Bajour]].

La década del '40 presenta un gran número de jóvenes y capacitados directores que se agregan a los que ya están. Se hace necesario, por razones de competencia, el aporte de una especialización profesional que haga efectivas las pretensiones de evolución. Así aparece en pleno, la figura del arreglador e instrumentador, el que de acuerdo a su capacidad, tiene como misión contribuir a armonizar y pulir los estilos interpretativos de los conjuntos.

Entre los antecedentes de arregladores, podemos citar: [[Julio]] y [[Francisco De Caro]], [[Julio Perceval]], [[Julio Rosemberg]], [[Alejandro Gutiérrez del Barrio]] y algunos más. Y el importante aporte de [[Héctor María Artola]] para varias formaciones.

[[Galván]] y [[Artola]] llevan el tango al atril en forma definitiva. Y es en la orquesta de [[Troilo]] donde [[Galván]] va plasmando un estilo renovador con su marcada tendencia de hacer prevalecer las cuerdas en el tratamiento del conjunto.

Cuando [[Troilo]] debuta en Radio El Mundo en [[1940]], ya tiene el respaldo de [[Galván]] y el primer trabajo es el tango de [[Fresedo]]: "Pimienta". La enumeración sería extensa, pero se debe nombrar la obra que [[Troilo]] considera más importante, "Recuerdos de bohemia", una revolución en ese tiempo [[1945]], donde el arreglador deja traslucir al músico de su predilección, [[Claude Debussy]]. Sin embargo es en la "Selección de tangos de [[Julio De Caro]]" [[1949]], cuando alcanza la cumbre, porque [[De Caro]] no deja de estar presente en toda la obra, a pesar de estar abreviados sus temas, cortados, variados y reordenados.

Realiza un trabajo similar con los tangos de [[Bardi]] y de [[Cobián]], pero que no llegan al disco, pues igual que "Recuerdos de bohemia", excedían las dos caras del disco en 78 rpm. Una frustración que puede saldar cuando crea Los Astros del Tango.

Entre sus principales arreglos para [[Troilo]] podemos mencionar muchos temas de [[Edmundo Rivero]], siendo el supremo testimonio el arreglo de "Sur" de [[1948]] y antes, en [[1944]], el del vals "Palomita blanca", para el dúo [[Alberto Marino]]-[[Floreal Ruíz]]. Todo esto no empaña para nada la figura de [[Pichuco]], al contrario, es relevante destacar el hecho de haber aceptado las audaces proposiciones de innovadores de la envergadura de [[Galván]], [[Piazzolla]], [[Spitalnik]], [[Artola]], [[Plaza]] y otros.

Es un tiempo de febril actividad, pues trabaja para las orquestas de [[Osvaldo Pugliese ("Adiós Bardi" y "La beba"), [[Francini]]-[[Pontier]] ("Tigre viejo"), [[Osvaldo Fresedo]] ("El día de tu ausencia"), [[José Basso]] ("Rosicler").

Incursiona en el jazz integrando varias formaciones, la más importante de ellas es la Brighton Jazz, cuya dirección comparte con [[Elvino Vardaro]], quedando para la posteridad la composición de [[Galván]] dedicada a [[Vardaro]] en su honor y para su lucimiento: "Violinomanía".

En este período de gran creatividad compone sus tangos: "El día de tu ausencia" con [[Manuel Arcos]], "Me están sobrando las penas" con [[Basso]] y [[Bahr]], "Cafetín" y "Esta noche estoy de tangos" con [[Homero Expósito]] y "Nuestra cita" con [[Agustín Delamónica]].

En [[1948]], se presenta en Radio El Mundo dirigiendo una orquesta de 35 músicos. En los comienzos de [[1950]] realiza la banda sonora de algunas películas [[Argentinas]] de muy bajo nivel artístico. Dirige las orquestas de [[Oscar Alonso]], [[Roberto Maida]], [[Horacio Deval]], [[Carmen Duval, [[Jorge Vidal]], [[María de la Fuente]], [[Eduardo Adrián]], [[Raúl Berón]], [[Virginia Luque]], [[Roberto Quiroga]], [[Oscar Fuentes]] y [[Ranko Fujisawa]].

En [[1956]], dirige la orquestación del Ballet [[Folklórico Argentino]] de [[Santiago Ayala]], [[El Chúcaro]]. Lleva a la práctica una antigua teoría suya, el agregado de la voz femenina sin palabras, que se adapta y enriquece convenientemente a la masa orquestal, prueba que realiza con la voz de [[Ana María Pons]].

En [[1953]], promueve la creación de la Sociedad [[Argentina]] de Orquestadores y Arregladores. Los músicos pretendían el reconocimiento de su trabajo intentando reformar los estatutos de la Sociedad [[Argentina]] de Autores y Compositores (SADAIC). Piden la difusión del nombre del arreglador en la etiqueta de los discos y en las ediciones impresas. La fuerte resistencia por parte de las empresas grabadoras y de los directores de orquesta frustra el intento.

En [[1958]], forma Los Astros del Tango, un verdadero conjunto de cámara, con marcado predominio de cuerdas. Es director y arreglador del conjunto formado por: [[Elvino Vardaro]], [[Enrique Francini]], [[Mario Lalli]], [[José Bragato]], [[Julio Ahumada]], [[Jaime Gosis]] y [[Rafael del Bagno]]. En algunas versiones está el violín de [[Szymsia Bajour]] y el contrabajo de [[Italo Bessa]]. Debutan en [[octubre]] en Radio Splendid. y llegan al disco en tres oportunidades, en el sello Music Hall, con la particularidad de dedicar cada disco a dos autores. Así presentan los tangos de [[Bardi]], [[Arolas]], [[Delfino]], [[Aieta]], [[De Caro]] y [[Cobián]].

En [[1960]], graba un disco donde se reseña La Historia de la Orquesta Típica, con el subtítulo: El Tango en su Evolución Instrumental. Comienza con "Don Juan" por un trío de guitarra, flauta y violin, hasta llegar a [[Piazzolla]]. Los principales instrumentistas se encargan de recrear a los homenajeados, según el criterio de [[Galván]].

Son interesantes algunas opiniones del propio [[Galván: Ante todo no creo en el tango moderno, creo en el tango simple y sencillo. En cambio, creo sí, en la orquesta moderna. Y ésta es la que no se conforma con repetir siempre lo mismo, con monotonía y falta de impulso creativo, si no que busca nuevos timbres que van a enriquecer y modernizar el tango sin desvirtuarlo.»

Otra: «No puede haber tango sinfónico ni orquesta sinfónica de tango, sencillamente porque no existen piezas sinfónicas en el campo del tango. Aunque no me niego a ver un sutil cambio a través del tiempo en la riqueza musical del tango, que proviene, en mi opinión, del decisivo progreso en la orquestación.»

En [[marzo]] de [[1960]], dirige la Orquesta Gigante del Tango, actuando en el Cine-Teatro Ópera. En el mes de [[agosto]] comienza a trabajar en un repertorio para llevar a [[Japón, encabezando una embajada musical. Piensa en [[Vardaro]], [[Gosis]], [[Ahumada]], del [[Bagno]] y el resto integrarla con músicos [[Japoneses]]. Ya tiene compuesto para la ocasión un tango titulado "Sayonara". Radio Belgrano, a manera de despedida, pone a su disposición una orquesta de 50 músicos para que exponga dicho repertorio. Pero nada de esto pudo ser, el [[8 de noviembre]] le llega la muerte.

==Muerte ==

[[Argentino Galván]], fallece el [[8 de noviembre]] de [[1960]] en [[Chivilcoy (Buenos Aires)]], [[Argentina]].

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/822/Argentino-Galvan/]

[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T20:10:15Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Hugo Duval
|nombre completo = Luciano Hugo Giurbino
|otros nombres =
|Imagen =
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[13 de diciembre]] de [[1928]]
|lugar de nacimiento =[[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[22 de Agosto]] de [[2003]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
|ciudadanía =
|educación =
|alma máter =
|conocido =
|ocupación = Cantor
|titulo =
|termino =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|web =
|notas =
}}<div align="justify">

'''Hugo Duval''' Cantor

== Síntesis Biográfica==

Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T20:02:13Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo

{{Ficha Persona

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|otros nombres = Luciano Hugo Giurbino

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|lugar de fallecimiento =

|causa muerte =

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|ciudadanía =

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|ocupación = Cantor

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|termino =

|predecesor =

|sucesor =

|partido político =

|cónyuge =

|hijos =

|padres =

|familiares =

|obras =

|premios =

|titulos =

|récords =

|web =

|notas =

}}<div align="justify">

''' Hugo Duval''' Cantor

== Síntesis Biográfica==

Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:56:51Z

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|obras =
|premios =
|titulos =
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}}<div align="justify">
''' Hugo Duval''' Cantor

== Síntesis Biográfica==

Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:49:10Z

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}}<div align="justify">

'''Hugo Duval'''Cantor

== Síntesis Biográfica==

Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:48:39Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo

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}}<div align="justify">

'''Hugo Duval'''Cantor

== Síntesis Biográfica==

Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:46:16Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo
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}}

''' Hugo Duval'''Cantor

== Síntesis Biográfica==
Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:45:16Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Hugo Duval
|otros nombres = Luciano Hugo Giurbino
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|fecha de nacimiento = [[13 diciembre]] de [[1928]]
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
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}}<div align="justify">
''' Hugo Duval'' Cantor

== Síntesis Biográfica==
Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Duval

2024-06-24T19:44:36Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo {{Ficha Persona |nombre = Hugo Duval |otros nombres = Luciano Hugo Giurbino |Imagen = |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = …»

{{Desarrollo
{{Ficha Persona
|nombre = Hugo Duval
|otros nombres = Luciano Hugo Giurbino
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|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
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}}<div align="justify">
''' Hugo Duval'' Cantor

== Síntesis Biográfica==
Hugo Duval nacio el [[13 diciembre]] de [[1928]]en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia]], con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”.

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas.

Como dice Jorge Palacio, [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de [[Rodolfo Biagi]]. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, [[don Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en [[Ramos Mejía]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/966/Hugo-Duval/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Antonio Balverdi

2024-06-24T13:15:24Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Antonio Balverdi
|nombre completo = Antonio Balverdi
|otros nombres =
|imagen =
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[10 de mayo]] de [[1920]]
|lugar de nacimiento = [[Santiago Temple (Córdoba)]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
|ciudadanía =
|educación =
|alma máter =
|conocido =
|ocupación = Cantor
|titulo =
|termino =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
''' Antonio Balverdi.''' Cantor.

== Síntesis Biográfica==

Antonio Balverdi Nació el [[10 de mayo]] de [[1920]] en la localidad de Santiago Temple, en la Provincia de Córdoba. Siendo un adolescente, se inició cantando temas folclóricos con algunos valses y tangos. A veces, se acompañaba con su guitarra y otras, con conjuntos de músicos amigos de la zona, con los que hacía giras por toda la provincia.

Luego del servicio militar, decidió viajar a [[Buenos Aires]]. Apenas llega, se incorporó al cuarteto Fuster y comenzó a vocalizar con el maestro [[Eduardo Bonessi]], quien le sugirió al violinista [[Mario Azzerboni]] que lo incorporara a su orquesta.

A mediados de 1946, [[Alfredo Gobbi]] cambió a algunos integrantes de su orquesta y a los vocalistas, eligiendo en este caso a [[Hugo Soler]] y [[Carlos Heredia]].

Dado el éxito de la orquesta en el Café Nacional y en Radio El Mundo, los directivos la empresa RCA-Victor, la contratan y así, compartió la sala de grabación con las grandes formaciones del 40: [[Aníbal Troilo]], [[Carlos Di Sarli]], [[Juan D'Arienzo]] y [[Osvaldo Fresedo]], nada menos.

En mayo de 1947, en dúo con Soler, registró el vals “[[La entrerriana]]”, cuyo autor es [[Alfredo Gobbi]] padre. En julio, volvió al disco, nuevamente a dúo, con el tango “[[Amor de forastero]]”, música de [[Guillermo López]] y versos de [[Domingo Roldán]]. En noviembre registraron, también a dúo, el vals de [[Pedro Pidoto y [[Ramón Argüello]], “[[Adoración]]”, que tuvo un gran éxito comercial y, en enero del año siguiente, “[[Amémonos]]”, de [[Carlos Montbrun Ocampo]] y [[Manuel Ceferino Flores]].

Al finalizar los bailes de carnaval de 1948, Heredia fue requerido para actuar en Radio El Mundo, como solista con acompañamiento de guitarras y, además, en el mítico Tango Bar de la calle Corrientes.

En 1950, ingresó a la orquesta de [[Rodolfo Biagi]] y compartió los cantables con [[Hugo Duval]]. Llegó al disco en el mes de abril, con el tango “[[Matala]]” y a dúo con Duval, “[[Serenata campera]]”, en septiembre y en octubre del año siguiente, nuevamente “[[Adoración]]”. Previamente, en septiembre, había registrado el tango “[[Caricias]]” cuyo acople era “[[Bailarina de tango]]”, un suceso en la voz de [[Hugo Duval]].

En mayo de 1953, se despidió de Biagi. Durante 1954, realizó actuaciones como solista en Radio El Mundo, y actuaciones en el interior del país.

En 1955, se incorporó a la orquesta dirigida por [[Rubén Sosa]] y vuelve a grabar para el sello T.K. Luego, en 1958, hace otro tanto para el sello Bemol, acompañado por la orquesta dirigida por su ex compañero en la orquesta de Biagi, el violinista y arreglador, [[Oscar de La Fuente]].

Sus últimas actuaciones en Buenos Aires las realizó, a fines de la década del sesenta, con el cuarteto de [[Eduardo Risso]].

Luego emprendería el regreso a su provincia de Córdoba y desde allí emprendería giras artísticas, por distintos lugares del país.

Con esta breve semblanza quise rescatar del olvido a un cantante del 40, que merece todo mi respeto y admiración.
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1226/Carlos-Heredia/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Antonio Balverdi

2024-06-24T13:13:31Z

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}}
''' Antonio Balverdi.''' Cantor.

== Síntesis Biográfica==

Antonio Balverdi Nació el [[10 de mayo]] de [[1920]] en la localidad de Santiago Temple, en la Provincia de Córdoba. Siendo un adolescente, se inició cantando temas folclóricos con algunos valses y tangos. A veces, se acompañaba con su guitarra y otras, con conjuntos de músicos amigos de la zona, con los que hacía giras por toda la provincia.

Luego del servicio militar, decidió viajar a [[Buenos Aires]]. Apenas llega, se incorporó al cuarteto Fuster y comenzó a vocalizar con el maestro [[Eduardo Bonessi]], quien le sugirió al violinista [[Mario Azzerboni]] que lo incorporara a su orquesta.

A mediados de 1946, [[Alfredo Gobbi]] cambió a algunos integrantes de su orquesta y a los vocalistas, eligiendo en este caso a [[Hugo Soler]] y [[Carlos Heredia]].

Dado el éxito de la orquesta en el Café Nacional y en Radio El Mundo, los directivos la empresa RCA-Victor, la contratan y así, compartió la sala de grabación con las grandes formaciones del 40: [[Aníbal Troilo]], [[Carlos Di Sarli]], [[Juan D'Arienzo]] y [[Osvaldo Fresedo]], nada menos.

En mayo de 1947, en dúo con Soler, registró el vals “[[La entrerriana]]”, cuyo autor es [[Alfredo Gobbi]] padre. En julio, volvió al disco, nuevamente a dúo, con el tango “[[Amor de forastero]]”, música de [[Guillermo López]] y versos de [[Domingo Roldán]]. En noviembre registraron, también a dúo, el vals de [[Pedro Pidoto y [[Ramón Argüello]], “[[Adoración]]”, que tuvo un gran éxito comercial y, en enero del año siguiente, “[[Amémonos]]”, de [[Carlos Montbrun Ocampo]] y [[Manuel Ceferino Flores]].

Al finalizar los bailes de carnaval de 1948, Heredia fue requerido para actuar en Radio El Mundo, como solista con acompañamiento de guitarras y, además, en el mítico Tango Bar de la calle Corrientes.

En 1950, ingresó a la orquesta de [[Rodolfo Biagi]] y compartió los cantables con [[Hugo Duval]]. Llegó al disco en el mes de abril, con el tango “[[Matala]]” y a dúo con Duval, “[[Serenata campera]]”, en septiembre y en octubre del año siguiente, nuevamente “[[Adoración]]”. Previamente, en septiembre, había registrado el tango “[[Caricias]]” cuyo acople era “[[Bailarina de tango]]”, un suceso en la voz de [[Hugo Duval]].

En mayo de 1953, se despidió de Biagi. Durante 1954, realizó actuaciones como solista en Radio El Mundo, y actuaciones en el interior del país.

En 1955, se incorporó a la orquesta dirigida por [[Rubén Sosa]] y vuelve a grabar para el sello T.K. Luego, en 1958, hace otro tanto para el sello Bemol, acompañado por la orquesta dirigida por su ex compañero en la orquesta de Biagi, el violinista y arreglador, [[Oscar de La Fuente]].

Sus últimas actuaciones en Buenos Aires las realizó, a fines de la década del sesenta, con el cuarteto de [[Eduardo Risso]].

Luego emprendería el regreso a su provincia de Córdoba y desde allí emprendería giras artísticas, por distintos lugares del país.

Con esta breve semblanza quise rescatar del olvido a un cantante del 40, que merece todo mi respeto y admiración.
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1226/Carlos-Heredia/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Carlos Mateo Gardella

2024-06-17T15:41:35Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
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}}
''' Carlos Mateo Gardella. ''' Cantor.

== Síntesis Biográfica==

Carlos Mateo Gardella nació el [[2 de octubre]] de [[1920]] en Bragado, provincia de Buenos Aires. Desde adolescente, la pasión por el tango y su bohemia lo atrajo definitivamente, ya cantaba en los bailes de carnaval que se realizaban en los clubes de su ciudad natal con una orquesta que integraban, entre otros, [[Fito Del Bue]] hermano de Angélica que después sería su esposa (piano) , Francia ,no confundir con Manlio, (violín), el padre de [[Héctor Larrea]] (bandoneón) y Quinta (batería). También cantó en la orquesta de [[Argentino Galván]] que era de la vecina ciudad de Chivilcoy.

En abril de 1940, con la orquesta Zerrillo se presenta en O'Brien. El maestro [[Roberto Zerrillo]] había instituido una medalla de oro para el mejor aficionado que se presentara a una especie de «concurso relámpago» que había organizado.

La medalla, demás estar decir, le correspondió a [[Carlitos Gardella]]. De todos los aficionados que se presentaron fue el que más agradó, siendo felicitado por el maestro Zerrillo y demás integrantes de la orquesta. Después se fue para la Capital Federal.

Por la onda de Radio Prieto hizo su debut con el nombre de [[Carlos Braga]] acompañado por la orquesta de [[Enrique De Lorenzo]] —El Pibe de Oro—. La actuación que le cupo fue excelente. Fue presentado en la audición de [[Malta Palermo]], junto a [[Hugo Del Carril]], [[Azucena Maizani]], [[Alita Román]], [[Pedro Quartucci]] y que tuvo como animador a [[Oscar Catalano]].

También canta con la disciplinada orquesta de [[Jorge Pino]] a través de LR2 Radio Argentina, en el popular Bar Marzotto y otros lugares de gira por el interior de Argentina.

A los 25 años volvió a Bragado, contrajo enlace con [[Angélica Del Bue]] en marzo de 1946 y juntos partieron hacia Buenos Aires. De este matrimonio han nacido cinco hijos Carlos, Jorge, María, Olga y Angélica.

En ese mismo año, 1946, comenzó a cantar ya con el seudónimo definitivo de [[Carlos Saavedra]] (apellido materno), en la orquesta de [[Rodolfo Biagi]]. Con el maestro, graba siete obras que es toda la discografía que realizó: “[[Mientras duerme la ciudad]]”, tango de [[Oscar Rubens]] y [[Alberto Suárez Villanueva]] (23/5/1946); “[[Gracias]]” (18/6/1946); “[[Por eso grito]]”, tango de [[Edgardo Donato]] y César Córdoba]] (seudónimo de César José Fábregas) (16/8/1946); “[[Sin palabras” (22/11/1946); “[[Esta noche me emborracho]]” (30/12/1946); “[[Margot]]”, (23/9/1947) y “[[Por la güeya]]”, milonga de [[Rodolfo Biagi]] y [[Homero Manzi]] (22/7/1948).

Cuando termina la temporada de carnaval de 1950, se desvincula —junto con Alberto Amor—, de la orquesta de [[ Rodolfo Biagi]] y decide continuar su carrera de cantor nacional como solista, en bares, confiterías y cantinas de Buenos Aires. Cantó también en la orquesta típica del maestro [[Dionisio Delgado]] y en El Sótano acompañado por la guitarra de [[José Canet]].

Incursionó en programas radiales de Radio El Mundo y Splendid, como así también en el [[Uruguay]].

La muerte —un accidente cerebro vascular— lo sorprendió en su casa de Lanús en la primavera del 72, cuando, entusiasmado, esa noche esperaba debutar en un nuevo restaurante de Buenos Aires.

Pasaron los años y en diciembre de 1993, en la esquina de Pellegrini y Mitre de Bragado, sus amigos y vecinos descubrieron una placa recordándolo y homenajeándolo. También al poco tiempo de su muerte, en la cantina (que ya no existe) El Buzón, de San Juan y Solís, en [[Buenos Aires, se descubrió otra placa en su homenaje.

[[Carlos Saavedra]] fue, al decir de su esposa —en un homenaje allá en Bragado—, en diciembre de 1993: «Fue un muchacho bohemio, que no le importaba ganar mucho o poco, jamás pensaba que le iba a pasar algo y que cuando conversaba, hablaba del año 2000».
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1458/Carlos-Saavedra/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Carlos Mateo Gardella

2024-06-17T15:40:43Z

Yaliuska.sanchezjc:

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|premios =
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}}
''' Carlos Mateo Gardella. ''' Cantor.

== Síntesis Biográfica==

Carlos Mateo Gardella nació el [[2 de octubre]] de [[1920]] en Bragado, provincia de Buenos Aires. Desde adolescente, la pasión por el tango y su bohemia lo atrajo definitivamente, ya cantaba en los bailes de carnaval que se realizaban en los clubes de su ciudad natal con una orquesta que integraban, entre otros, [[Fito Del Bue]] hermano de Angélica que después sería su esposa (piano) , Francia ,no confundir con Manlio, (violín), el padre de [[Héctor Larrea]] (bandoneón) y Quinta (batería). También cantó en la orquesta de [[Argentino Galván]] que era de la vecina ciudad de Chivilcoy.

En abril de 1940, con la orquesta Zerrillo se presenta en O'Brien. El maestro [[Roberto Zerrillo]] había instituido una medalla de oro para el mejor aficionado que se presentara a una especie de «concurso relámpago» que había organizado.

La medalla, demás estar decir, le correspondió a [[Carlitos Gardella]]. De todos los aficionados que se presentaron fue el que más agradó, siendo felicitado por el maestro Zerrillo y demás integrantes de la orquesta. Después se fue para la Capital Federal.

Por la onda de Radio Prieto hizo su debut con el nombre de [[Carlos Braga]] acompañado por la orquesta de [[Enrique De Lorenzo]] —El Pibe de Oro—. La actuación que le cupo fue excelente. Fue presentado en la audición de [[Malta Palermo]], junto a [[Hugo Del Carril]], [[Azucena Maizani]], [[Alita Román]], [[Pedro Quartucci]] y que tuvo como animador a [[Oscar Catalano]].

También canta con la disciplinada orquesta de [[Jorge Pino]] a través de LR2 Radio Argentina, en el popular Bar Marzotto y otros lugares de gira por el interior de Argentina.

A los 25 años volvió a Bragado, contrajo enlace con [[Angélica Del Bue en marzo de 1946 y juntos partieron hacia Buenos Aires. De este matrimonio han nacido cinco hijos Carlos, Jorge, María, Olga y Angélica.

En ese mismo año, 1946, comenzó a cantar ya con el seudónimo definitivo de [[Carlos Saavedra]] (apellido materno), en la orquesta de [[Rodolfo Biagi]]. Con el maestro, graba siete obras que es toda la discografía que realizó: “[[Mientras duerme la ciudad]]”, tango de [[Oscar Rubens]] y [[Alberto Suárez Villanueva]] (23/5/1946); “[[Gracias]]” (18/6/1946); “[[Por eso grito]]”, tango de [[Edgardo Donato]] y César Córdoba]] (seudónimo de César José Fábregas) (16/8/1946); “[[Sin palabras” (22/11/1946); “[[Esta noche me emborracho]]” (30/12/1946); “[[Margot]]”, (23/9/1947) y “[[Por la güeya]]”, milonga de [[Rodolfo Biagi]] y [[Homero Manzi]] (22/7/1948).

Cuando termina la temporada de carnaval de 1950, se desvincula —junto con Alberto Amor—, de la orquesta de [[ Rodolfo Biagi]] y decide continuar su carrera de cantor nacional como solista, en bares, confiterías y cantinas de Buenos Aires. Cantó también en la orquesta típica del maestro [[Dionisio Delgado]] y en El Sótano acompañado por la guitarra de [[José Canet]].

Incursionó en programas radiales de Radio El Mundo y Splendid, como así también en el [[Uruguay]].

La muerte —un accidente cerebro vascular— lo sorprendió en su casa de Lanús en la primavera del 72, cuando, entusiasmado, esa noche esperaba debutar en un nuevo restaurante de Buenos Aires.

Pasaron los años y en diciembre de 1993, en la esquina de Pellegrini y Mitre de Bragado, sus amigos y vecinos descubrieron una placa recordándolo y homenajeándolo. También al poco tiempo de su muerte, en la cantina (que ya no existe) El Buzón, de San Juan y Solís, en [[Buenos Aires, se descubrió otra placa en su homenaje.

[[Carlos Saavedra]] fue, al decir de su esposa —en un homenaje allá en Bragado—, en diciembre de 1993: «Fue un muchacho bohemio, que no le importaba ganar mucho o poco, jamás pensaba que le iba a pasar algo y que cuando conversaba, hablaba del año 2000».
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1458/Carlos-Saavedra/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Carlos Mateo Gardella

2024-03-27T14:56:11Z

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''' Carlos Mateo Gardella ''' Cantor

== Síntesis Biográfica==

Carlos Mateo Gardella nació el [[2 de octubre]] de [[1920]] en Bragado, provincia de Buenos Aires. Desde adolescente, la pasión por el tango y su bohemia lo atrajo definitivamente, ya cantaba en los bailes de carnaval que se realizaban en los clubes de su ciudad natal con una orquesta que integraban, entre otros, [[Fito Del Bue]] —hermano de Angélica que después sería su esposa (piano) —, [[Francia —no confundir con Manlio— (violín), el padre de [[Héctor Larrea]] (bandoneón) y Quinta (batería). También cantó en la orquesta de [[Argentino Galván]] que era de la vecina ciudad de Chivilcoy.

En abril de 1940, con la orquesta Zerrillo se presenta en O'Brien. El maestro [[Roberto Zerrillo]] había instituido una medalla de oro para el mejor aficionado que se presentara a una especie de «concurso relámpago» que había organizado.

La medalla, demás estar decir, le correspondió a [[Carlitos Gardella]]. De todos los aficionados que se presentaron fue el que más agradó, siendo felicitado por el maestro Zerrillo y demás integrantes de la orquesta. Después se fue para la Capital Federal.

Por la onda de Radio Prieto hizo su debut con el nombre de [[Carlos Braga]] acompañado por la orquesta de [[Enrique De Lorenzo]] —El Pibe de Oro—. La actuación que le cupo fue excelente. Fue presentado en la audición de [[Malta Palermo]], junto a [[Hugo Del Carril]], [[Azucena Maizani]], [[Alita Román]], [[Pedro Quartucci]] y que tuvo como animador a [[Oscar Catalano]].

También canta con la disciplinada orquesta de [[Jorge Pino]] a través de LR2 Radio Argentina, en el popular Bar Marzotto y otros lugares de gira por el interior de Argentina.

A los 25 años volvió a Bragado, contrajo enlace con [[Angélica Del Bue en marzo de 1946 y juntos partieron hacia Buenos Aires. De este matrimonio han nacido cinco hijos Carlos, Jorge, María, Olga y Angélica.

En ese mismo año, 1946, comenzó a cantar ya con el seudónimo definitivo de [[Carlos Saavedra]] (apellido materno), en la orquesta de [[Rodolfo Biagi]]. Con el maestro, graba siete obras que es toda la discografía que realizó: “[[Mientras duerme la ciudad]]”, tango de [[Oscar Rubens]] y [[Alberto Suárez Villanueva]] (23/5/1946); “[[Gracias]]” (18/6/1946); “[[Por eso grito]]”, tango de [[Edgardo Donato]] y César Córdoba]] (seudónimo de César José Fábregas) (16/8/1946); “[[Sin palabras” (22/11/1946); “[[Esta noche me emborracho]]” (30/12/1946); “[[Margot]]”, (23/9/1947) y “[[Por la güeya]]”, milonga de [[Rodolfo Biagi]] y [[Homero Manzi]] (22/7/1948).

Cuando termina la temporada de carnaval de 1950, se desvincula —junto con Alberto Amor—, de la orquesta de[[ Rodolfo Biagi]] y decide continuar su carrera de cantor nacional como solista, en bares, confiterías y cantinas de Buenos Aires. Cantó también en la orquesta típica del maestro [[Dionisio Delgado]] y en El Sótano acompañado por la guitarra de [[José Canet]].

Incursionó en programas radiales de Radio El Mundo y Splendid, como así también en el [[Uruguay]].

La muerte —un accidente cerebro vascular— lo sorprendió en su casa de Lanús en la primavera del 72, cuando, entusiasmado, esa noche esperaba debutar en un nuevo restaurante de Buenos Aires.

Pasaron los años y en diciembre de 1993, en la esquina de Pellegrini y Mitre de Bragado, sus amigos y vecinos descubrieron una placa recordándolo y homenajeándolo. También al poco tiempo de su muerte, en la cantina (que ya no existe) El Buzón, de San Juan y Solís, en [[Buenos Aires, se descubrió otra placa en su homenaje.

[[Carlos Saavedra]] fue, al decir de su esposa —en un homenaje allá en Bragado—, en diciembre de 1993: «Fue un muchacho bohemio, que no le importaba ganar mucho o poco, jamás pensaba que le iba a pasar algo y que cuando conversaba, hablaba del año 2000».
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1458/Carlos-Saavedra/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Antonio Balverdi

2024-03-27T14:37:22Z

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}}
''' Antonio Balverdi ''' Cantor

== Síntesis Biográfica==

Antonio Balverdi Nació el [[10 de mayo]] de [[1920]] en la localidad de Santiago Temple, en la Provincia de Córdoba. Siendo un adolescente, se inició cantando temas folclóricos con algunos valses y tangos. A veces, se acompañaba con su guitarra y otras, con conjuntos de músicos amigos de la zona, con los que hacía giras por toda la provincia.

Luego del servicio militar, decidió viajar a [[Buenos Aires]]. Apenas llega, se incorporó al cuarteto Fuster y comenzó a vocalizar con el maestro [[Eduardo Bonessi]], quien le sugirió al violinista [[Mario Azzerboni]] que lo incorporara a su orquesta.

A mediados de 1946, [[Alfredo Gobbi]] cambió a algunos integrantes de su orquesta y a los vocalistas, eligiendo en este caso a [[Hugo Soler]] y [[Carlos Heredia]].

Dado el éxito de la orquesta en el Café Nacional y en Radio El Mundo, los directivos la empresa RCA-Victor, la contratan y así, compartió la sala de grabación con las grandes formaciones del 40: [[Aníbal Troilo]], [[Carlos Di Sarli]], [[Juan D'Arienzo]] y [[Osvaldo Fresedo]], nada menos.

En mayo de 1947, en dúo con Soler, registró el vals “[[La entrerriana]]”, cuyo autor es [[Alfredo Gobbi]] padre. En julio, volvió al disco, nuevamente a dúo, con el tango “[[Amor de forastero]]”, música de [[Guillermo López]] y versos de [[Domingo Roldán]]. En noviembre registraron, también a dúo, el vals de [[Pedro Pidoto y [[Ramón Argüello]], “[[Adoración]]”, que tuvo un gran éxito comercial y, en enero del año siguiente, “[[Amémonos]]”, de [[Carlos Montbrun Ocampo]] y [[Manuel Ceferino Flores]].

Al finalizar los bailes de carnaval de 1948, Heredia fue requerido para actuar en Radio El Mundo, como solista con acompañamiento de guitarras y, además, en el mítico Tango Bar de la calle Corrientes.

En 1950, ingresó a la orquesta de [[Rodolfo Biagi]] y compartió los cantables con [[Hugo Duval]]. Llegó al disco en el mes de abril, con el tango “[[Matala]]” y a dúo con Duval, “[[Serenata campera]]”, en septiembre y en octubre del año siguiente, nuevamente “[[Adoración]]”. Previamente, en septiembre, había registrado el tango “[[Caricias]]” cuyo acople era “[[Bailarina de tango]]”, un suceso en la voz de [[Hugo Duval]].

En mayo de 1953, se despidió de Biagi. Durante 1954, realizó actuaciones como solista en Radio El Mundo, y actuaciones en el interior del país.

En 1955, se incorporó a la orquesta dirigida por [[Rubén Sosa]] y vuelve a grabar para el sello T.K. Luego, en 1958, hace otro tanto para el sello Bemol, acompañado por la orquesta dirigida por su ex compañero en la orquesta de Biagi, el violinista y arreglador, [[Oscar de La Fuente]].

Sus últimas actuaciones en Buenos Aires las realizó, a fines de la década del sesenta, con el cuarteto de [[Eduardo Risso]].

Luego emprendería el regreso a su provincia de Córdoba y desde allí emprendería giras artísticas, por distintos lugares del país.

Con esta breve semblanza quise rescatar del olvido a un cantante del 40, que merece todo mi respeto y admiración.
==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/1226/Carlos-Heredia/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Pedro Enrique Delfino

2024-03-27T14:18:41Z

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{{Ficha Persona
|nombre = Pedro Enrique Delfino
|nombre completo = Pedro Enrique Delfino
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|fecha de nacimiento = [[15 noviembre]] de [[1895]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[10 enero]] de [[1967]]
|lugar de fallecimiento = [[Barrio de Caballito]]
|causa muerte =
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|nacionalidad = [[Argentina]]
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|ocupación = Pianista, compositor, director, actor y humorista
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}}

''' Pedro Enrique ''' Pianista, compositor, director, actor y humorista.

== Síntesis Biográfica==

Delfino nació en [[Buenos Aires]] el [[15 de noviembre]] de [[1895]]. Sus padres eran dueños de la confitería del Teatro Politeama y allí, desde niño, se mezcló con gente de las tablas dándole forma a su vocación artística. En sus primeros tiempos de pianista debutó como clown musical con el seudónimo de Rock en el biógrafo Defensa, de [[Montevideo]].

El más prolífico de los compositores del tango, especialmente del tango canción, al cual dio innumerables páginas de gran sabor ciudadano.En la capital uruguaya ingresa al teatro con su orquesta en funciones con compañías argentinas en gira: [[Muiño-Alippi]], [[Ballerini-Podestá]], [[Vittone-Pomar]]. Allí debutó con [[Alberto Ballerini]] como actor. También actuó con [[Orfilia Rico]].

Ya en [[Buenos Aires]] integró el Cuarteto de Maestros, con [[Osvaldo Fresedo]], [[David Rocatagliatta]] y [[AgesilaoFerrazzano]]; con los dos primeros fue a Norteamérica en 1920 a grabar discos para la casa Victor, cuyas versiones aparecieron en Buenos Aires el año siguiente. (Una propaganda de dicha grabadora aparecida en Mundo Argentino del [[2 de marzo]] de [[1921]], dice así: «Ha regresado de [[Estados Unidos]] la Orquesta Típica Argentina «Select» (Delfino-Tito-Fresedo) donde fue enviada expresamente para imprimir tangos nacionales en los discos Victor». Detalla a continuación una lista de veinte tangos con sus correspondientes números).

En ese año 21 debutó en el varieté como Delfy, en el Teatro Esmeralda (hoy Maipo) llamándosele desde entonces «el humorista del piano».

Fue a [[Europa]] en 1924 debutando en el Teatro Maravillas de [[Madrid]], para pasar a otras ciudades españolas y también [[París]], [[Londres]], [[Berlín]], [[Italia]], [[Brasil]], en los años sucesivos. En uno de esos viajes y hallándose en [[Francia]] colaboró con [[Carlos Gardel]] en la película [[Luces de Buenos Aires]]; en la Argentina musicalizó después muchas otras e intervino como protagonista en la titulada [[Ronda de Estrellas]] de 1938.

Su inicio como compositor lo hizo también en Montevideo en 1912 con el tango “El Apache Oriental”, al que siguieron “Rancho viejo”, “Sauce llorón”, “[[Sans souci]]” y “[[Re fa si]]”, los dos últimos clásicos memorables.

Muchos de sus tangos con letras de autores teatrales fueron escritos para las obras que se representaban y popularizadas en los escenarios por grandes intérpretes: [[Azucena Maizani]], [[María Esther Podestá]], [[Tita Merello]], [[Sofía Bozán]], [[Ignacio Corsini]], [[José Cicarelli]], [[José Muñiz]].

Entre la inmensidad de obras que publicó merecen la cita especial aquellas que grabó [[Carlos Gardel]], el amigo de siempre, desde sus comienzos: “[[Al pie de la Santa Cruz]]” (con [[Mario Battistella]]), “[[Aquel tapado de armiño]]” ([[Manuel Romero]]), “[[Araca corazón]]” ([[Alberto Vacarezza]]), “[[Araca la cana]]” (Rada), “[[Dicen que dicen]]” (Ballestero), “[[Estampilla]]” (Romero), “[[Francesita]]” (Vacarezza), “[[Griseta]]” ([[José González Castillo]]), “[[Haragán” (Romero), “[[La copa del olvido]]” (Vacarezza), “[[Milonguita (Esthercita]])” ([[Samuel Linnig), “[[Muñequita de lujo]]” ([[Pedro Numa Córdoba]]), “[[No le digas que la quiero]]” (Vacarezza), “[[Otario que andás penando]]” (Vacarezza), “[[Padre nuestro]]” (Vacarezza), “[[Padrino pelao]]” ([[Julio Cantuarias]]), “[[Palermo]]” ([[Villalba-Braga]]), “[[Porotita]]” (Viergol), “[[El rey del cabaret]]” (Romero), “[[Talán talán]]” (Vacarezza), “¿Se acuerdan, muchachos?” (Suero), tangos; “[[Adiós, que te vaya bien]]” (Vacarezza), “[[Cocorocó]]” ([[Tagle Lara]]), “[[Tucumana]]” (Navarrine), zambas; “[[Sevilla]]” (Moreno), paso doble; “[[Eche otra caña pulpero]]” (Vacarezza), estilo.

Hay que mencionar, y pena da que Gardel no los grabara, sus tangos “[[Ventanita florida]]” (Amadori), “[[Santa milonguita]]” (Cadícamo), “[[Canto por no llorar]]” ([[Gerardo Matos Rodríguez]]), “[[Don Segundo Sombra]]” (Romero), “[[Lucecitas de mi pueblo]]” (Oyarzábal), “[[No salgas de tu barrio]]” ([[Rodríguez Bustamante]]), “[[Qué lindo es estar metido]]!” (Parra-Contursi), aunque alguna de ellas llegó a interpretar.

Hay que agregar que sus inquietudes lo han llevado a todos los campos; como intérprete musical ha manejado casi todos los instrumentos y a menudo varios a la vez, convertido en hombre orquesta. Actuó en numerosos teatros capitalinos y del interior y radios.

Grabó en solos de piano en discos Nacional y Victor, y acompañó en grabaciones a figuras como [[Sofía Bozán]], [[Azucena Maizani]], tenor [[Raúl Laborde]].

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/410/Enrique-Delfino/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2024-03-27T14:11:44Z

Yaliuska.sanchezjc:

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|premios =
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''' Víctor Hugo Baralis ''' Violinista, director y arreglador

== Síntesis Biográfica==

Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[ElvinoVardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro, [[Vicente Spina, [[Ismael Gómez]], [[José Galarza y la cancionista [[Herminia Velich. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[ Pedro Caracciolo en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primer orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por[[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y[[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y la voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2024-03-27T14:11:07Z

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''' Víctor Hugo Baralis ''' Violinista, director y arreglador

== Síntesis Biográfica==

Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[ElvinoVardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro, [[Vicente Spina, [[Ismael Gómez]], [[José Galarza y la cancionista [[Herminia Velich. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[ Pedro Caracciolo en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primer orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por[[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y[[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y la voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Víctor Hugo Baralis

2024-03-27T14:09:09Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo}} {{Ficha Persona |nombre = Víctor Hugo Baralis |nombre completo = Víctor Hugo Baralis |otros nombres = |Imagen = |tamaño = |descripci…»

{{Desarrollo}}
{{Ficha Persona
|nombre = Víctor Hugo Baralis
|nombre completo = Víctor Hugo Baralis
|otros nombres =
|Imagen =
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[2 de abril]] de [[1914]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires)]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[4 de febrero]] de [[2002]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
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|conocido =
|ocupación = Violinista, director y arreglador
|titulo =
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|sucesor =
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|familiares =
|obras =
|premios =
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|récords =
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}}<divalign="justify">

''' Víctor Hugo Baralis ''' Violinista, director y arreglador

== Síntesis Biográfica==

Hugo Baralis nació el [[2 de abril]] de [[1914]], en [[Buenos Aires)]], [[Argentina]] hijo de [[Hugo Ricardo Baralis]] —aquel excelente contrabajista que se inició con Eduardo Arolas—, fue un exquisito violinista, enraizado en la escuela de [[ElvinoVardaro]] y, también, dueño de un sonido muy tanguero y de un singular fraseo.

A los 14 años debutó en Radio Cultura y en la orquesta de [[Minotto Di Cicco]], que actuaba en el legendario cabaret Armenonville.

Luego de participar en distintos conjuntos acompañando a cancionistas y cantores, se integró a la orquesta nativa dirigida por el bandoneonista y compositor [[Rafael Rossi]]. Eran sus compañeros, los músicos: [[ElvinoVardaro, [[Vicente Spina, [[Ismael Gómez]], [[José Galarza y la cancionista [[Herminia Velich. En 1933, se produjo un acontecimiento muy importante en el tango, el gran violinista [[ElvinoVardaro]] creaba su famoso sexteto, formado por los bandoneones de [[Aníbal Troilo y [[Jorge Argentino Fernández]], el piano de [[José Pascual]], [[ Pedro Caracciolo en contrabajo y en los violines, el propio director y el joven Baralis.

En 1935, la mayoría de sus integrantes se pasaron a la formación de [[Ángel D'Agostino]]: Pichuco, Baralis, Fernández y Caracciolo. El cantor era un muchachito: [[Alberto Echagüe]]. Dos años después, luego de un breve paso por la orquesta del bandoneonista [[César Ginzo]], Baralis regresa con Vardaro. Al año siguiente, su amigo Troilo, quien ya había formado su propia orquesta, lo convocó a ella. Esta unión no sólo lo identificaba con la misma sensibilidad musical, también, con los códigos de vida y la bohemia tan especial de esa generación.

La participación se extendería hasta el mes de agosto de 1943. El alejamiento fue producto de un enojo de Troilo con [[Orlando Goñi]], motivado por la indisciplina laboral del pianista. Lamentablemente, la noche de la determinación del desahucio, también Baralis había faltado, por lo tanto, el director les mandó los telegramas de despido a los dos. No obstante esto, la amistad perduró hasta la muerte de Troilo.

Después de este episodio, fue convocado por [[Juan Carlos Cobián]] a sumarse a su orquesta. Estuvo muy poco tiempo, porque su amigo [[Francisco Fiorentino]], quien también se había desvinculado de Troilo, le ofreció la conducción de su orquesta, pero Hugo decide pasarle la batuta a [[Astor Piazzolla]], quedando él como primer violín.

Luego, esa agrupación se transformó en la primer orquesta de Astor, cuando Fiorentino decidió tomar otros caminos y se alejó de la misma. Baralis continuó allí, hasta 1951, salvo un breve paso con [[Francisco Rotundo]].

En ese año, se puso al frente de la dirección de la orquesta de [[Alberto Marino]], debutando en discos Odeon, el 21 de mayo, con la grabación de los tangos: “[[Margot]]” y, en el reverso: “[[Domani]]”, de [[Cátulo Castillo]] y [[Carlos Viván]].

La relación Baralis - Marino duró un año, pero antes de disolverse, dejaron grabados cuatro temas más, entre ellos, el éxito más popular de Marino como solista, “[[Venganza]]”, una canción brasileña de [[Lupicínio Rodrigues]], traducida al castellano por el escritor [[Augusto Roa Bastos]]. Los otros tres: “[[Mi vieja viola]]”, “[[Noche de luna]]” y “[[Viejo cochero]]”.

En 1953, debutó en Radio Belgrano dirigiendo su propia orquesta. Al año siguiente, fue invitado por[[Juan Canaro]] a participar de su gira a [[Japón]], junto a otros músicos de gran jerarquía, entre ellos: [[Arturo Penón]], [[Emilio González]], [[Alfredo Marcucci]], [[Osvaldo Tarantino]] y los cantores [[María De La Fuente]] y[[Héctor Insúa]], al regreso de ese viaje, compone el tango “[[Anone]]”, que en japonés quiere decir: escuchen.

En 1955, fue músico fundador del histórico Octeto Buenos Aires, de Piazzolla, que lo completaban [[Enrique Francini]], [[Atilio Stampone, [[Leopoldo Federico, [[Horacio Malvicino, [[José Bragato y [[Juan Vasallo.

Entre 1956 y 1957, fue el primer violín de la orquesta de [[José Basso]] y, entre 1960 y 1961, participó del cuarteto Estrellas de [[Buenos Aires]], junto a [[Armando Cupo]], [[Jorge Caldara]] y [[Quicho Díaz]], reemplazado algunas veces, por [[José Alegre]] y la voces de [[Marga Fontana]] y [[Héctor Ortiz]].

El aporte de Baralis ha sido extenso, además de todo lo relatado, hay que agregar su paso con [[Julio de Caro]], con [[Carlos García]], con quien también viajó a Japón, con el [[Sexteto Mayor]], con [[Raúl Garello]] y su último trabajo, durante muchos años, en la Orquesta del Tango de [[Buenos Aires.

Quiero para el final, destacar la importancia de Hugo en la carrera de [[Astor Piazzolla]]. Fue él quien lo integró a la orquesta de [[Aníbal Troilo]]; quien le cedió la batuta en la dirección de la orquesta de Fiorentino; él que integró y colaboró, en todo sentido, en sus primeras formaciones, en el Noneto, en el Octeto Buenos Aires, en la Operita María de Buenos Aires. Es decir, en toda la idea musicalmente novedosa del maestro. Pero sobre todo, quiero resaltar la admiración y el afecto que sentía por el creador de “[[Adiós Nonino]]”.

Tuve el privilegio de conocer a Hugo y de construir una linda amistad, a partir de 1990, ya alejado profesionalmente de la música a causa de una hemiplejía. Recuerdo que lo atormentaba no poder estar con su amigo El Gato, como lo llamaba a Piazzolla, del cual no pudo despedirse en vida. Sus anécdotas, sus historias, me permitieron aumentar no sólo mis conocimientos, también indagar y penetrar en el alma de aquellos grandes del tango.

==Fuente==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/915/Hugo-Baralis/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Luciano Hugo Giurbino

2024-03-26T17:32:33Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Luciano Hugo Giurbino
|nombre completo = Luciano Hugo Giurbino
|otros nombres = Hugo Duval
|Imagen =
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[12 de diciembre]] de [[1928]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[22 de agosto]] [[2003]]
|lugar de fallecimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
|ciudadanía =
|educación =
|alma máter =
|conocido =
|ocupación = Cantor
|titulo =
|termino =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Luciano Hugo Giurbino '''. Cantor argentino.

==Síntesis biográfica==
Luciano Hugo Giurbino, nació en [[Buenos Aires]], fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro [[Rodolfo Biagi]] con quien realizó sus más rutilantes éxitos.
Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro [[Eduardo Bonessi]], quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que

Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.
A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados «números vivos». Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.
Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista [[Raúl Kaplún]], quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al [[Roberto Goyeneche]]. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de [[Goyeneche y Duval]] no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de [[Rodolfo Biagi]], los cantores [[Alberto Amor]] y [[Carlos Saavedra]], quienes fueron reemplazados por [[Carlos Heredia]] que había estado con Gobbi y por [[Hugo Duval]], ya con su nombre artístico. El [[13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con [[Carlos Heredia, con el vals de [[Feliciano Brunelli]] y [[Lito Bayardo]] “[[Serenata campera]]”. Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962. Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el [[sello Odeon]], trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue “[[Bailarina de tango]]”, al que le siguieron: “[[Sangre de mi sangre]]”, “[[Triste comedia]]”, “[[Santa milonguita]]” y el vals “[[Adoración]]”.

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental “[[Organito de la tarde]]” y, con la voz de Duval, “[[Alguien]]”. A fines de agosto del mismo año, el binomio [[Biagi-Duval]] registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals “[[Ramona]]” y el tango “[[El carrerito]]”. Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: “[[Espérame en el cielo]]”, “[[Como un cuento]]”, “[[Mi alondra]]” y “[[Andrajos]]”.

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor [[Carlos Almagro]] y la orquesta graba para [[Music Hall]] un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de “[[Mariposita]]”.En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el [[2 de agosto]] de [[1969]], en el baile realizado en el [[Club Hurlingham]], de la Provincia de [[Buenos Aires]], un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el Conjunto Don Rodolfo, evocativo del gran Manos Brujas. Como dice [[Jorge Palacio]], [[Hugo Duval]] y [[Jorge Ortiz]] fueron las voces emblemáticas de Rodolfo Biagi. Además, fueron los que más temas grabaron con él. La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, don [[Osvaldo Castillón]], el [[7 de septiembre]] de [[1980]], en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en Ramos Mejía.

==Fuentes==
*[Biografía de Hugo Duval por Abel Palermo - Todotango.com]
*[https://ancestors.familysearch.org/es/G4PL-VKH/luciano-hugo-giurbino-1928-2003]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Juan Polito

2024-03-25T04:48:04Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo}}
{{Ficha Persona
|nombre = Juan Polito
|nombre completo = Juan Polito
|otros nombres =
|Imagen =
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[11 de julio]] de [[1908]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[25 de octubre]] de [[1981]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = [[Argentina]]
|ciudadanía =
|educación =
|alma máter =
|conocido =
|ocupación = Pianista, compositor, arreglador y director
|titulo =
|termino =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Saverio Polito e Isabel Romano
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
''' Juan Polito ''' Pianista, compositor, arreglador y director

== Síntesis Biográfica==

Juan Polito nació en el porteño barrio del Once el dia 11 julio 1908. sus padres [[Saverio Polito]] e [[Isabel Romano]]. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.

De niño, ingresó en el [[Conservatorio Fracassi]] como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el [[Bar Domínguez]] en la famosa orquesta de[[ Juan Maglio]], donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, [[Juan Maglio]], [[Rafael Rossi]] y [[Nicolás Primiani]] (bandoneones); [[E. Bonis]] y [[Emilio Puglisi]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de [[ElvinoVardaro]] como destacado primer violín.

Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: “[[Se mira y no se toca]]”. Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de [[Anselmo Aieta]], con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban [[Anselmo Aieta ]]y [[Luis Moresco]] (bandoneones); [[Dimas Lurbes]], Zendra y Menéndez (violines) y [[Juan Polito]] (piano).

Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el [[Salón Imperio]], [[Lavalle 708]], con [[Juan G. Bracco]] y [[Luis Moresco]] (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por [[Alberto Benito Cima]]; [[Dimas Lurbes]] y S. Menéndez (violines).

Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D’Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con [[Juan Polito]] (piano); [[Ciriaco Ortiz]], [[Nicolás Primiani]] y [[Florentino Ottaviano ]] (bandoneones); [[Alfredo Mazzeo]], [[Juan D'Arienzo y [[Luis Álvarez Cuervo]] (violines) y [[José Puglisi]] (contrabajo). Actuaba como estribillista [[Carlos Dante]].

En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el Salón Imperio, formado por [[Luis Moresco]] y [[Anselmo Esmella]] (bandoneones); [[Alberto Mercy]] y [[Remo Bernasconi]] (violines); [[Francisco Vitali]] (contrabajo) y él en el piano.

Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a [[Juan Polito]] la dirección de la Orquesta [[Típica Brunswick]], labor que había desempeñado anteriormente [[Pedro Maffia]]. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por [[Juan Polito]] (piano); Fernando y [[Ángel Martín]], [[Armando Blasco]] y [[Félix Verdi]] (bandoneones); [[Salvador Polito]], N. Salvador y [[Eugenio Nobile]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo).

En 1937, formaba en un conjunto llamado [[Los Magos del Tango]], con [[Daniel Álvarez]] y[[ Nicolás Pepe]] en bandoneones, [[Bernardo Sevilla]] único violín y, el cantor [[Pedro Arrieta]].

En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de [[Juan D'Arienzo]], sustituyendo a [[Rodolfo Biagi]], prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor [[Alberto Echagüe]]. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango “[[La bruja]]” con versos de [[Francisco Gorrindo]] y “[[Castigo]]”, un vals con letra de [[Luis Rubistein]]. Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.

En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por [[Juan D'Arienzo]] para suplir a [[Fulvio Salamanca]], pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El [[8 de mayo]] de [[1957]], con la grabación del tango “[[Llegando a puerto]]”, de [[Mario Demarco]] y [[Enrique Lary]], se produjo su nuevo debut junto al autor de “[[El vino triste]]”, labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.

Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con [[Juan Polito]] una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.

Su primer tango data de 1924 y fue titulado “[[Mano larga]]”. Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: “[[Gurrumina]]”, con versos de [[Enrique Dizeo, “[[Volvé hermanita]]”, con letra de [[Salvador Polito]], “[[Entre sueños]]”, compartido en música con [[Anselmo Aieta]] y letra de [[Francisco García Jiménez]], los instrumentales “Se mira y no se toca]]” y “[[Responso malevo]]”, la milonga “[[Serenata]]” con letra de [[Luis Rubistein]], “[[Quedó en venir a las nueve]]”, con letra de[[ Luis Caruso]] y “[[Fui]]”, con [[Juan Alberto Leiva]].

Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D’Arienzo, entre ellos: “[[La pista está que arde]]” (1968) y “[[Que cante Ignacio]]” (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.

Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a [[Juan Polito, importante figura del tango.

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/942/Juan-Polito/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Juan Polito

2024-03-25T04:46:15Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Desarrollo}}
{{Ficha Persona
|nombre = Juan Polito
|nombre completo = Juan Polito
|otros nombres =
|Imagen =
|tamaño =
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|fecha de nacimiento = [[11 de julio]] de [[1908]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[25 de octubre]] de [[1981]]
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|causa muerte =
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|ocupación = Pianista, compositor, arreglador y director
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|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
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|padres = Saverio Polito e Isabel Romano
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}<divalign="justify">
''' Juan Polito ''' Pianista, compositor, arreglador y director

== Síntesis Biográfica==

Juan Polito nació en el porteño barrio del Once el dia 11 julio 1908. sus padres [[Saverio Polito]] e [[Isabel Romano]]. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.

De niño, ingresó en el [[Conservatorio Fracassi]] como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el [[Bar Domínguez]] en la famosa orquesta de[[ Juan Maglio]], donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, [[Juan Maglio]], [[Rafael Rossi]] y [[Nicolás Primiani]] (bandoneones); [[E. Bonis]] y [[Emilio Puglisi]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de [[ElvinoVardaro]] como destacado primer violín.

Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: “[[Se mira y no se toca]]”. Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de [[Anselmo Aieta]], con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban [[Anselmo Aieta ]]y [[Luis Moresco]] (bandoneones); [[Dimas Lurbes]], Zendra y Menéndez (violines) y [[Juan Polito]] (piano).

Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el [[Salón Imperio]], [[Lavalle 708]], con [[Juan G. Bracco]] y [[Luis Moresco]] (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por [[Alberto Benito Cima]]; [[Dimas Lurbes]] y S. Menéndez (violines).

Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D’Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con [[Juan Polito]] (piano); [[Ciriaco Ortiz]], [[Nicolás Primiani]] y [[Florentino Ottaviano ]] (bandoneones); [[Alfredo Mazzeo]], [[Juan D'Arienzo y [[Luis Álvarez Cuervo]] (violines) y [[José Puglisi]] (contrabajo). Actuaba como estribillista [[Carlos Dante]].

En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el Salón Imperio, formado por [[Luis Moresco]] y [[Anselmo Esmella]] (bandoneones); [[Alberto Mercy]] y [[Remo Bernasconi]] (violines); [[Francisco Vitali]] (contrabajo) y él en el piano.

Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a [[Juan Polito]] la dirección de la Orquesta [[Típica Brunswick]], labor que había desempeñado anteriormente [[Pedro Maffia]]. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por [[Juan Polito]] (piano); Fernando y [[Ángel Martín]], [[Armando Blasco]] y [[Félix Verdi]] (bandoneones); [[Salvador Polito]], N. Salvador y [[Eugenio Nobile]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo).

En 1937, formaba en un conjunto llamado [[Los Magos del Tango]], con [[Daniel Álvarez]] y[[ Nicolás Pepe]] en bandoneones, [[Bernardo Sevilla]] único violín y, el cantor [[Pedro Arrieta]].

En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de [[Juan D'Arienzo]], sustituyendo a [[Rodolfo Biagi]], prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor [[Alberto Echagüe]]. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango “[[La bruja]]” con versos de [[Francisco Gorrindo]] y “[[Castigo]]”, un vals con letra de [[Luis Rubistein]]. Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.

En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por [[Juan D'Arienzo]] para suplir a [[Fulvio Salamanca]], pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El [[8 de mayo]] de [[1957]], con la grabación del tango “[[Llegando a puerto]]”, de [[Mario Demarco]] y [[Enrique Lary]], se produjo su nuevo debut junto al autor de “[[El vino triste]]”, labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.

Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con [[Juan Polito]] una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.

Su primer tango data de 1924 y fue titulado “[[Mano larga]]”. Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: “[[Gurrumina]]”, con versos de [[Enrique Dizeo, “[[Volvé hermanita]]”, con letra de [[Salvador Polito]], “[[Entre sueños]]”, compartido en música con [[Anselmo Aieta]] y letra de [[Francisco García Jiménez]], los instrumentales “Se mira y no se toca]]” y “[[Responso malevo]]”, la milonga “[[Serenata]]” con letra de [[Luis Rubistein]], “[[Quedó en venir a las nueve]]”, con letra de[[ Luis Caruso]] y “[[Fui]]”, con [[Juan Alberto Leiva]].

Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D’Arienzo, entre ellos: “[[La pista está que arde]]” (1968) y “[[Que cante Ignacio]]” (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.

Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a [[Juan Polito, importante figura del tango.

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/942/Juan-Polito/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Juan Polito

2024-03-25T04:45:05Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Síntesis Biográfica */

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|nombre completo = Juan Polito
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}}<divalign="justify">

''' Juan Polito ''' Pianista, compositor, arreglador y director

== Síntesis Biográfica==

Juan Polito nació en el porteño barrio del Once el dia 11 julio 1908. sus padres [[Saverio Polito]] e [[Isabel Romano]]. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.

De niño, ingresó en el [[Conservatorio Fracassi]] como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el [[Bar Domínguez]] en la famosa orquesta de[[ Juan Maglio]], donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, [[Juan Maglio]], [[Rafael Rossi]] y [[Nicolás Primiani]] (bandoneones); [[E. Bonis]] y [[Emilio Puglisi]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de [[ElvinoVardaro]] como destacado primer violín.

Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: “[[Se mira y no se toca]]”. Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de [[Anselmo Aieta]], con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban [[Anselmo Aieta ]]y [[Luis Moresco]] (bandoneones); [[Dimas Lurbes]], Zendra y Menéndez (violines) y [[Juan Polito]] (piano).

Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el [[Salón Imperio]], [[Lavalle 708]], con [[Juan G. Bracco]] y [[Luis Moresco]] (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por [[Alberto Benito Cima]]; [[Dimas Lurbes]] y S. Menéndez (violines).

Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D’Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con [[Juan Polito]] (piano); [[Ciriaco Ortiz]], [[Nicolás Primiani]] y [[Florentino Ottaviano ]] (bandoneones); [[Alfredo Mazzeo]], [[Juan D'Arienzo y [[Luis Álvarez Cuervo]] (violines) y [[José Puglisi]] (contrabajo). Actuaba como estribillista [[Carlos Dante]].

En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el Salón Imperio, formado por [[Luis Moresco]] y [[Anselmo Esmella]] (bandoneones); [[Alberto Mercy]] y [[Remo Bernasconi]] (violines); [[Francisco Vitali]] (contrabajo) y él en el piano.

Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a [[Juan Polito]] la dirección de la Orquesta [[Típica Brunswick]], labor que había desempeñado anteriormente [[Pedro Maffia]]. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por [[Juan Polito]] (piano); Fernando y [[Ángel Martín]], [[Armando Blasco]] y [[Félix Verdi]] (bandoneones); [[Salvador Polito]], N. Salvador y [[Eugenio Nobile]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo).

En 1937, formaba en un conjunto llamado [[Los Magos del Tango]], con [[Daniel Álvarez]] y[[ Nicolás Pepe]] en bandoneones, [[Bernardo Sevilla]] único violín y, el cantor [[Pedro Arrieta]].

En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de [[Juan D'Arienzo]], sustituyendo a [[Rodolfo Biagi]], prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor [[Alberto Echagüe]]. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango “[[La bruja]]” con versos de [[Francisco Gorrindo]] y “[[Castigo]]”, un vals con letra de [[Luis Rubistein]]. Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.

En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por [[Juan D'Arienzo]] para suplir a [[Fulvio Salamanca]], pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El [[8 de mayo]] de [[1957]], con la grabación del tango “[[Llegando a puerto]]”, de [[Mario Demarco]] y [[Enrique Lary]], se produjo su nuevo debut junto al autor de “[[El vino triste]]”, labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.

Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con [[Juan Polito]] una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.

Su primer tango data de 1924 y fue titulado “[[Mano larga]]”. Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: “[[Gurrumina]]”, con versos de [[Enrique Dizeo, “[[Volvé hermanita]]”, con letra de [[Salvador Polito]], “[[Entre sueños]]”, compartido en música con [[Anselmo Aieta]] y letra de [[Francisco García Jiménez]], los instrumentales “Se mira y no se toca]]” y “[[Responso malevo]]”, la milonga “[[Serenata]]” con letra de [[Luis Rubistein]], “[[Quedó en venir a las nueve]]”, con letra de[[ Luis Caruso]] y “[[Fui]]”, con [[Juan Alberto Leiva]].

Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D’Arienzo, entre ellos: “[[La pista está que arde]]” (1968) y “[[Que cante Ignacio]]” (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.

Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a [[Juan Polito, importante figura del tango.

==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/942/Juan-Polito/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Juan Polito

2024-03-25T04:44:26Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo}} {{Ficha Persona |nombre = Juan Polito |nombre completo = Juan Polito |otros nombres = |Imagen = |tamaño = |descripción = |fecha de n…»

{{Desarrollo}}
{{Ficha Persona
|nombre = Juan Polito
|nombre completo = Juan Polito
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}}<divalign="justify">

''' Juan Polito ''' Pianista, compositor, arreglador y director

== Síntesis Biográfica==

Juan Polito nació en el porteño barrio del Once el dia 11 julio 1908. sus padres [[Saverio Polito]] e [[Isabel Romano]]. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.

De niño, ingresó en el [[Conservatorio Fracassi]] como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el [[Bar Domínguez]] en la famosa orquesta de[[ Juan Maglio]], donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, [[Juan Maglio]], [[Rafael Rossi]] y [[Nicolás Primiani]] (bandoneones); [[E. Bonis]] y [[Emilio Puglisi]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de [[ElvinoVardaro]] como destacado primer violín.

Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: “[[Se mira y no se toca]]”. Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de [[Anselmo Aieta]], con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban [[Anselmo Aieta ]]y [[Luis Moresco]] (bandoneones); [[Dimas Lurbes]], Zendra y Menéndez (violines) y [[Juan Polito]] (piano).

Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el [[Salón Imperio]], [[Lavalle 708]], con [[Juan G. Bracco]] y [[Luis Moresco]] (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por [[Alberto Benito Cima]]; [[Dimas Lurbes]] y S. Menéndez (violines).

Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D’Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con [[Juan Polito]] (piano); [[Ciriaco Ortiz]], [[Nicolás Primiani]] y [[Florentino Ottaviano ]] (bandoneones); [[Alfredo Mazzeo]], [[Juan D'Arienzo y [[Luis Álvarez Cuervo]] (violines) y [[José Puglisi]] (contrabajo). Actuaba como estribillista [[Carlos Dante]].

En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el Salón Imperio, formado por [[Luis Moresco]] y [[Anselmo Esmella]] (bandoneones); [[Alberto Mercy]] y [[Remo Bernasconi]] (violines); [[Francisco Vitali]] (contrabajo) y él en el piano.

Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a [[Juan Polito]] la dirección de la Orquesta [[Típica Brunswick]], labor que había desempeñado anteriormente [[Pedro Maffia]]. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por [[Juan Polito]] (piano); Fernando y [[Ángel Martín]], [[Armando Blasco]] y [[Félix Verdi]] (bandoneones); [[Salvador Polito]], N. Salvador y [[Eugenio Nobile]] (violines) y [[Francisco De Lorenzo]] (contrabajo).

En 1937, formaba en un conjunto llamado [[Los Magos del Tango]], con [[Daniel Álvarez]] y[[ Nicolás Pepe]] en bandoneones, [[Bernardo Sevilla]] único violín y, el cantor [[Pedro Arrieta]].

En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de [[Juan D'Arienzo]], sustituyendo a [[Rodolfo Biagi]], prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor [[Alberto Echagüe]]. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango “[[La bruja]]” con versos de [[Francisco Gorrindo]] y “[[Castigo]]”, un vals con letra de [[Luis Rubistein]]. Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.

En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por [[Juan D'Arienzo]] para suplir a [[Fulvio Salamanca]], pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El [[8 de mayo]] de [[1957]], con la grabación del tango “[[Llegando a puerto]]”, de [[Mario Demarco]] y [[Enrique Lary]], se produjo su nuevo debut junto al autor de “[[El vino triste]]”, labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.

Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con [[Juan Polito]] una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.

Su primer tango data de 1924 y fue titulado “[[Mano larga]]”. Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: “[[Gurrumina]]”, con versos de [[Enrique Dizeo, “[[Volvé hermanita]]”, con letra de [[Salvador Polito]], “[[Entre sueños]]”, compartido en música con [[Anselmo Aieta]] y letra de [[Francisco García Jiménez]], los instrumentales “Se mira y no se toca]]” y “[[Responso malevo]]”, la milonga “[[Serenata]]” con letra de [[Luis Rubistein]], “[[Quedó en venir a las nueve]]”, con letra de[[ Luis Caruso]] y “[[Fui]]”, con [[Juan Alberto Leiva]].

Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D’Arienzo, entre ellos: “[[La pista está que arde]]” (1968) y “[[Que cante Ignacio]]” (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.

Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a [[Juan Polito, importante figura del tango.
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/942/Juan-Polito/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Luis Rubistein

2024-03-20T13:09:28Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Normalizar|motivo=Redactar en estilo enciclopédico.Crear secciones. Revisar redacción}}
{{Ficha Persona
|nombre = Moisés Rubistein
|nombre completo = Luis Rubistein
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|fecha de nacimiento = [[8 de julio]] de [[1908]]
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|obras =
|premios =
|titulos =
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}}
''' Moisés Rubistein. ''' Letrista y compositor

==Síntesis Biográfica==

Moisés Rubistein nació en [[Buenos Aires]], [[Argentina]] el [[8 de julio]] de [[1908]] La familia provenía de [[Ekaterinoslav]], en [[Ucrania]]. Los padres, el zapatero Motl y [[María Kaplán]], maestra de escuela hebrea, decidieron emigrar ante el azote del antisemitismo, recrudecido en tiempos de la guerra ruso-japonesa, y llegaron a [[Buenos Aires]] a comienzos de 1906 con tres hijas. En la [[Argentina]] tendrían siete hijos más, el segundo de los cuales fue Luis, venido al mundo en 1908 y con quien se inició la dinastía tanguera. En los documentos de algunos de los Rubinstein desapareció la "n", pasando a apellidarse Rubistein, como en el caso de Luis. Este, como varios de sus hermanos, nació en la humilde casa familiar de la [[calle Catamarca 945]], del barrio de [[San Cristóbal]], trozo del profundo sur de la capital argentina. En esa vivienda ejercía el padre su oficio de zapatero remendón y la familia se hacinaba en dos cuartos.

[[Carlos Gardel]] llegó a grabar sólo uno de los tangos de [[Luis Rubistein]]: “[[Tarde gris]]”, con música de [[Juan Bautista Guido]]. Eso ocurrió en junio de 1930. Ya muerto el Zorzal, [[Armando Defino, que fuera su representante, le acercó a Luis una música inédita de Gardel para que la versificara. Así nació Amor, un tema que nunca alcanzó repercusión, pese a la grabación de [[Francisco Canaro]] con [[Roberto Maida]] en 1936. Pero, como en tantos otros casos, el disco de Gardel le aseguró perduración a “[[Tarde gris]]”, que sólo en 1946 tuvo tres magníficas grabaciones, por [[Aníbal Troilo]] con [[Floreal Ruiz]], por [[Osmar Maderna]] con [[Pedro Dátila]] y por[[ Miguel Caló]] con [[Raúl Iriarte]].

Luis había sido echado del colegio en tercer grado por tirarle un tintero a la maestra, que lo reprendió al descubrirlo escribiendo versos. En ese momento concluyó su breve carrera estudiantil. Ni siquiera completó la escuela primaria. Pese a ello, además de letrista prolífico fue periodista en la revista del editor [[Julio Korn]] La Canción Moderna, luego devenida Radiolandia, y dirigió Sintonía, creada en 1933 por [[Emilio Kartulovic]], «Kartulo», publicaciones que acompañaban el auge de la radiofonía y del tango en ésta.

Callejero, indomable, Luis se mezcló muy pronto en los ambientes del tango, con su ambición y su voracidad, que con los años lo convirtió en un obeso incontrolable. Cuando conversaba con el popularísimo cantor [[Agustín Magaldi, que era tartamudo como Luis, parecían estar mofándose mutuamente. Siendo todavía un adolescente, Luis cantó con [[Juan D'Arienzo, pero luego abandonó ese intento. Hizo del cabaret su mundo, con todo lo imaginable.

En mayo de 1935 creó una escuela de arte popular en la casa familiar de Tejedor 154, en un barrio chato, algo apartado. Aquella academia, que terminaría absorbiéndolo por completo, se mudó rápidamente a Callao 420, casi en el centro, en los altos de la funeraria de los Iribarne, la familia de la esposa del presidente Ortiz (quien gobernó entre 1938 y 1940), dueña de todo ese vasto edificio. Allí fue bautizada como PAADI, Primera Academia Argentina de Interpretación.

Bajo aquel techo se concentraría el imperio de los Rubistein: la editorial Select, la mencionada [[PAADI]], cuyo negocio consistía en proveer artistas a las radios, y [[PACA]], Primer Archivo Cinematográfico Argentino, que pretendía surtir de extras a los estudios de cine. PAADI estaba tan orientada a explotar el auge radiofónico que hasta contaba con una sala de transmisión, desde la cual se irradiaban por línea telefónica programas en los que actuaban alumnos seleccionados. Las audiciones de PAADI cesaron con el golpe de Estado derechista de junio de 1943, que prohibió esa modalidad, entre tantas medidas de represión y control.

“[[Cadenas]]”, el primer tango que lleva música y letra de Luis, es de 1933. Tema de trazo grueso, fue estrenado por [[Mercedes Simone]]. Allí comenzó una seguidilla de éxitos que le pertenecen totalmente, como “[[Venganza”, de argumento despiadado y estilo burdo, que sin embargo conmovió al público, a punto tal que un cantor como [[Oscar Ferrari]], que lo grabó con [[José Basso]] en 1950, quedó identificado con él y debió seguir cantándolo por décadas, aun a su pesar.

En la profusa obra de Luis son raros los momentos de poesía, las ideas originales. Entre sus pocas letras significativas figura la de “Noctámbulo”, un hermoso tango que en 1930 escribió con música de [[Armando Baliotti]] y del que quedaron las versiones grabadas de [[Roberto Maida]] y de [[Julio de Caro]] con el estribillista [[Luis Díaz]], pero luego fue olvidado. Aquellos versos terminan así: «Es un noctámbulo sin fe/ que por la noche del dolor busca olvidar/ la luna llena del hastío/ y el imposible de su soñar». Desde luego que «la luna llena del hastío» es una frase bella pero contradictoria. Si a Rubistein le sonaba bien, ¿para qué iba a preguntarse por el sentido?

Otro punto alto fue “[[Carnaval de mi barrio]]”, de 1938, que le pertenece íntegramente a Luis y que ese mismo año grabó [[Mercedes Simone]]. Rubistein caracterizó a su obra como «Pintura callejera en tiempo de tango». Se sentía sin duda orgulloso de aquellos versos agridulces, cuyo narrador confiesa que «una ternura extraña» le invade el corazón. En la misma línea y con igual inspiración forjó “[[De antaño]]”, una milonga que [[Juan D'Arienzo]] grabó con [[Alberto Echagüe]].

Pero la pieza cumbre llegaría en 1940 con “[[Charlemos]]”, historia de un acercamiento romántico entre dos desconocidos a través del teléfono: « [[Charlando soy feliz]],/ [[la vida es breve]]./ [[Soñemos en la gris]]/ [[tarde que llueve]]./ [[Hablemos de un amor]],/ [[seremos Ella y El]],/ [[y con su voz]]/ [[mi angustia cruel]] / [[será más leve]]...» Como impactante final, el golpe bajo de la anécdota: él es ciego. « [[No puedo... no puedo verla]]; / [[es doloroso, lo sé.]] / [[¡Cómo quisiera quererla]]!/ [[Soy ciego... Perdóneme]].»

Algo que ocultar para lograr la aceptación del otro. Algo por lo que pedir perdón. ¿No se habrá estado refiriendo Rubistein, inconscientemente, a su condición de judío? ¿No sería el verdadero final de su tango: «Soy judío... Perdóneme»? Esa letra la escribió cuando en Europa había comenzado el exterminio, la Shoá, el Holocausto, y en la Argentina campeaban los fascistas. Había llegado al mundo el cataclismo que cinco años antes presagiara Luis en “La caída de la estantería” (música de [[Edgardo Donato]]) de manera farsesca, hasta torpe, pero certera, anunciando que «se aproxima el ciclón».

“[[Charlemos]]”, que en menos de un año tuvo cinco grabaciones diferentes, [[Carlos Di Sarli]] con [[Roberto Rufino]], [[Enrique Carbel]], [[Francisco Canaro]] con [[Ernesto Famá]], [[Ignacio Corsini]] y [[Alberto Gómez]], conmovió a los públicos, desde [[Buenos Aires]] hasta [[La Habana]]. Condensaba en menos de tres minutos toda una radionovela, y en cierto modo dejaba abierto el final. ¿Cómo reaccionaría ella? Tal vez lo amase igual, a pesar de su ceguera. Quizá pasaría Él a ver a través de aquellos ojos de mujer.

El teléfono como mediador ya le había inspirado en 1933 la letra de “[[Cuatro palabras]]”, que grabaron [[Mercedes Simone]] y [[Charlo]]: «Que te vaya bien, me dijiste / [[colgándome el tubo de tu telefón]]./ Que te vaya bien, murmuré,/ mascullando entre dientes una maldición». En 1936 dio a conocer “[[Olvido]]”, en colaboración con [[Luis César Amadori]], un tango de particular belleza, que grabaron desde [[Charlo]] hasta [[Roberto Goyeneche]], pasando por [[Lágrima Ríos]], y en el que el personaje repasa su caída de la opulencia a la privación: «Si pensara alguna vez en lo que fui / no tendría ni la fuerza de vivir...».

En “[[Decime]]”, de 1938, Luis presenta dos variantes para la misma letra: una femenina y otra masculina. Parece suponer que los sentimientos amorosos son iguales en el varón y la mujer. De hecho, sólo una cantante, [[Mercedes Simone]], grabó este tango. Pero el relativo fracaso de un tema no podía preocupar a un autor que durante dos décadas acumuló una serie interminable de sucesos, muchos de ellos con múltiples grabaciones. Entre sus tangos más cautivantes se cuentan el ya mencionado “[[Nada más]]”; “[[Juro]]”, con música de [[Ciriaco Ortiz]], de 1936; “[[Yo también]]”, de 1940, con [[Nicolás Luis Visca]], y del mismo año “[[Igual que ayer]]”, con [[Luis Bayón Herrera]]; “[[Ya lo ves]]”, con D'Arienzo, de 1941, como también “[[Cautivo]]”, con [[Egidio Pittaluga]], que se oye en la película [[La tregua, de [[Sergio Renán; “[[Si tú quisieras]]”, de 1943 (música de [[Francisco Pracánico]]); “[[Marión]]” (aparente plagio musical de un tango llamado “[[Sentimientos]]”) y “[[Dos palabras por favor]]” (éste con música de Visca), también de 1943; “[[Rosa de tango]])”, de 1944 (en el que reutilizó la melodía de su anterior “[[Cuatro palabras]])”); “[[Dos ojos tristes]])” (música de Oscar de la Fuente) y “[[Plomo]])”, de 1947, y “Tu perro pequinés”, de 1948. Este último es, quizá, el mejor tango de todos los que concibió Luis, y aunque sólo fue grabado por [[Aníbal Troilo]] con [[Edmundo Rivero]], esta inigualable versión bastó para mostrar todo su valor.

Aunque Rubistein nunca fue una letrista sutil, qué lejos estaba ya de aquél que escribiera Dominio veinte años antes, superponiendo a la fina melodía de [[ElvinoVardaro]] aquellos versos brutales: «Yo sé que sos tan falsa y tan canalla / como la vil serpiente ponzoñosa./Sos tan ruin mujer, tan venenosa,/ que está en tu ser la víbora del mal». En 1948 escribía, en cambio: «La vida, tal vez,/ se ensañó y a sangre fría / me regala la ironía / de este cuadro hecho al revés./ ¡Cómo quisiera tener / para mi frío espantoso / ese abrigo tan celoso / de tu perro pequinés!». Así es otra cosa.

Luis podía idear varios temas en un mismo día. Hubo épocas de su vida en que se convirtió en un verdadero fabricante de canciones, acumulando una obra indeterminable. En 1928 utilizó como seudónimo Nietsibur, leyendo su apellido al revés, para firmar “[[Callejas solo]],”, con música de [[Juan D'Arienzo]], dedicado a un jockey. Este tango se había llamado en 1926 “[[Rodolfo Valentino]]”, con su primera letra, que exaltaba al actor tras su prematura muerte, y se llamaría “[[Nada más]]”, en 1938, con la tercera, convirtiéndose recién entonces en un éxito.

La vasta creación de Luis incluyó algunas obras comprometidas. La más primitiva de ellas fue el tango “El camino de Buenos Aires”, con música de [[Francisco Pracánico]], grabado por éste y por [[Juan D'Arienzo]] con [[Carlos Dante, ambos para el sello Electra y en 1928. Esta pieza está inspirada, desde su nombre mismo, en «Le Chemin de Buenos Aires (La Traite des Blanches)», libro que en 1927 publicó el periodista [[Albert Londres]] para describir y denunciar el tráfico de mujeres sometidas a prostitución entre [[Europa]] y el [[Río de la Plata]]. Esta letra de un Rubistein aún muy rudimentario, que habla de un «caften (rufián) criminal», lo enfrentaba con la poderosa ZviMigdal, mafia de tratantes judíos.

En 1942 Luis escribió la letra de “[[Yánkele (Mi muchacho]])”, intercalando algunos versos en ídisch y con música de su hermano Elías. Esta canción, que grabó dos veces el conjunto del acordeonista [[Feliciano Brunelli]],, fue compuesta especialmente para [[Soy judío]], una obra de [[Luis PozzoArdizzi]] que se propalaba por Radio del Pueblo con enorme éxito, al mismo tiempo que en Europa ser judío equivalía a una condena al suplicio y a la muerte. La actriz que cantaba el tema era [[Teresita Padró]], que debió aprender fonéticamente las frases en ídisch. En “Yánkele” una madre judía le canta a su niño, en medio de «esta vida horrible y atroz», pidiendo que acaben los sufrimientos. Pero estaban muy lejos de haber terminado.

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/56/Luis-Rubistein/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Luis Rubistein

2024-03-05T19:35:52Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Síntesis Biográfica */

{{Normalizar|motivo=Redactar en estilo enciclopédico.Crear secciones. Revisar redacción}}
{{Ficha Persona
|nombre = Moisés Rubistein
|nombre completo = Luis Rubistein
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|fecha de nacimiento = [[8 de julio]] de [[1908]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
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|ocupación = Letrista y compositor
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
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}}
''' Moisés Rubistein. ''' Letrista y compositor

==Síntesis Biográfica==

La familia provenía de [[Ekaterinoslav]], en [[Ucrania]]. Los padres, el zapatero Motl y [[María Kaplán]], maestra de escuela hebrea, decidieron emigrar ante el azote del antisemitismo, recrudecido en tiempos de la guerra ruso-japonesa, y llegaron a [[Buenos Aires]] a comienzos de 1906 con tres hijas. En la [[Argentina]] tendrían siete hijos más, el segundo de los cuales fue Luis, venido al mundo en 1908 y con quien se inició la dinastía tanguera. En los documentos de algunos de los Rubinstein desapareció la "n", pasando a apellidarse Rubistein, como en el caso de Luis. Este, como varios de sus hermanos, nació en la humilde casa familiar de la [[calle Catamarca 945]], del barrio de [[San Cristóbal]], trozo del profundo sur de la capital argentina. En esa vivienda ejercía el padre su oficio de zapatero remendón y la familia se hacinaba en dos cuartos.

[[Carlos Gardel]] llegó a grabar sólo uno de los tangos de [[Luis Rubistein]]: “[[Tarde gris]]”, con música de [[Juan Bautista Guido]]. Eso ocurrió en junio de 1930. Ya muerto el Zorzal, [[Armando Defino, que fuera su representante, le acercó a Luis una música inédita de Gardel para que la versificara. Así nació Amor, un tema que nunca alcanzó repercusión, pese a la grabación de [[Francisco Canaro]] con [[Roberto Maida]] en 1936. Pero, como en tantos otros casos, el disco de Gardel le aseguró perduración a “[[Tarde gris]]”, que sólo en 1946 tuvo tres magníficas grabaciones, por [[Aníbal Troilo]] con [[Floreal Ruiz]], por [[Osmar Maderna]] con [[Pedro Dátila]] y por[[ Miguel Caló]] con [[Raúl Iriarte]].

Luis había sido echado del colegio en tercer grado por tirarle un tintero a la maestra, que lo reprendió al descubrirlo escribiendo versos. En ese momento concluyó su breve carrera estudiantil. Ni siquiera completó la escuela primaria. Pese a ello, además de letrista prolífico fue periodista en la revista del editor [[Julio Korn]] La Canción Moderna, luego devenida Radiolandia, y dirigió Sintonía, creada en 1933 por [[Emilio Kartulovic]], «Kartulo», publicaciones que acompañaban el auge de la radiofonía y del tango en ésta.

Callejero, indomable, Luis se mezcló muy pronto en los ambientes del tango, con su ambición y su voracidad, que con los años lo convirtió en un obeso incontrolable. Cuando conversaba con el popularísimo cantor [[Agustín Magaldi, que era tartamudo como Luis, parecían estar mofándose mutuamente. Siendo todavía un adolescente, Luis cantó con [[Juan D'Arienzo, pero luego abandonó ese intento. Hizo del cabaret su mundo, con todo lo imaginable.

En mayo de 1935 creó una escuela de arte popular en la casa familiar de Tejedor 154, en un barrio chato, algo apartado. Aquella academia, que terminaría absorbiéndolo por completo, se mudó rápidamente a Callao 420, casi en el centro, en los altos de la funeraria de los Iribarne, la familia de la esposa del presidente Ortiz (quien gobernó entre 1938 y 1940), dueña de todo ese vasto edificio. Allí fue bautizada como PAADI, Primera Academia Argentina de Interpretación.

Bajo aquel techo se concentraría el imperio de los Rubistein: la editorial Select, la mencionada [[PAADI]], cuyo negocio consistía en proveer artistas a las radios, y [[PACA]], Primer Archivo Cinematográfico Argentino, que pretendía surtir de extras a los estudios de cine. PAADI estaba tan orientada a explotar el auge radiofónico que hasta contaba con una sala de transmisión, desde la cual se irradiaban por línea telefónica programas en los que actuaban alumnos seleccionados. Las audiciones de PAADI cesaron con el golpe de Estado derechista de junio de 1943, que prohibió esa modalidad, entre tantas medidas de represión y control.

“[[Cadenas]]”, el primer tango que lleva música y letra de Luis, es de 1933. Tema de trazo grueso, fue estrenado por [[Mercedes Simone]]. Allí comenzó una seguidilla de éxitos que le pertenecen totalmente, como “[[Venganza”, de argumento despiadado y estilo burdo, que sin embargo conmovió al público, a punto tal que un cantor como [[Oscar Ferrari]], que lo grabó con [[José Basso]] en 1950, quedó identificado con él y debió seguir cantándolo por décadas, aun a su pesar.

En la profusa obra de Luis son raros los momentos de poesía, las ideas originales. Entre sus pocas letras significativas figura la de “Noctámbulo”, un hermoso tango que en 1930 escribió con música de [[Armando Baliotti]] y del que quedaron las versiones grabadas de [[Roberto Maida]] y de [[Julio de Caro]] con el estribillista [[Luis Díaz]], pero luego fue olvidado. Aquellos versos terminan así: «Es un noctámbulo sin fe/ que por la noche del dolor busca olvidar/ la luna llena del hastío/ y el imposible de su soñar». Desde luego que «la luna llena del hastío» es una frase bella pero contradictoria. Si a Rubistein le sonaba bien, ¿para qué iba a preguntarse por el sentido?

Otro punto alto fue “[[Carnaval de mi barrio]]”, de 1938, que le pertenece íntegramente a Luis y que ese mismo año grabó [[Mercedes Simone]]. Rubistein caracterizó a su obra como «Pintura callejera en tiempo de tango». Se sentía sin duda orgulloso de aquellos versos agridulces, cuyo narrador confiesa que «una ternura extraña» le invade el corazón. En la misma línea y con igual inspiración forjó “[[De antaño]]”, una milonga que [[Juan D'Arienzo]] grabó con [[Alberto Echagüe]].

Pero la pieza cumbre llegaría en 1940 con “[[Charlemos]]”, historia de un acercamiento romántico entre dos desconocidos a través del teléfono: « [[Charlando soy feliz]],/ [[la vida es breve]]./ [[Soñemos en la gris]]/ [[tarde que llueve]]./ [[Hablemos de un amor]],/ [[seremos Ella y El]],/ [[y con su voz]]/ [[mi angustia cruel]] / [[será más leve]]...» Como impactante final, el golpe bajo de la anécdota: él es ciego. « [[No puedo... no puedo verla]]; / [[es doloroso, lo sé.]] / [[¡Cómo quisiera quererla]]!/ [[Soy ciego... Perdóneme]].»

Algo que ocultar para lograr la aceptación del otro. Algo por lo que pedir perdón. ¿No se habrá estado refiriendo Rubistein, inconscientemente, a su condición de judío? ¿No sería el verdadero final de su tango: «Soy judío... Perdóneme»? Esa letra la escribió cuando en Europa había comenzado el exterminio, la Shoá, el Holocausto, y en la Argentina campeaban los fascistas. Había llegado al mundo el cataclismo que cinco años antes presagiara Luis en “La caída de la estantería” (música de [[Edgardo Donato]]) de manera farsesca, hasta torpe, pero certera, anunciando que «se aproxima el ciclón».

“[[Charlemos]]”, que en menos de un año tuvo cinco grabaciones diferentes, [[Carlos Di Sarli]] con [[Roberto Rufino]], [[Enrique Carbel]], [[Francisco Canaro]] con [[Ernesto Famá]], [[Ignacio Corsini]] y [[Alberto Gómez]], conmovió a los públicos, desde [[Buenos Aires]] hasta [[La Habana]]. Condensaba en menos de tres minutos toda una radionovela, y en cierto modo dejaba abierto el final. ¿Cómo reaccionaría ella? Tal vez lo amase igual, a pesar de su ceguera. Quizá pasaría Él a ver a través de aquellos ojos de mujer.

El teléfono como mediador ya le había inspirado en 1933 la letra de “[[Cuatro palabras]]”, que grabaron [[Mercedes Simone]] y [[Charlo]]: «Que te vaya bien, me dijiste / [[colgándome el tubo de tu telefón]]./ Que te vaya bien, murmuré,/ mascullando entre dientes una maldición». En 1936 dio a conocer “[[Olvido]]”, en colaboración con [[Luis César Amadori]], un tango de particular belleza, que grabaron desde [[Charlo]] hasta [[Roberto Goyeneche]], pasando por [[Lágrima Ríos]], y en el que el personaje repasa su caída de la opulencia a la privación: «Si pensara alguna vez en lo que fui / no tendría ni la fuerza de vivir...».

En “[[Decime]]”, de 1938, Luis presenta dos variantes para la misma letra: una femenina y otra masculina. Parece suponer que los sentimientos amorosos son iguales en el varón y la mujer. De hecho, sólo una cantante, [[Mercedes Simone]], grabó este tango. Pero el relativo fracaso de un tema no podía preocupar a un autor que durante dos décadas acumuló una serie interminable de sucesos, muchos de ellos con múltiples grabaciones. Entre sus tangos más cautivantes se cuentan el ya mencionado “[[Nada más]]”; “[[Juro]]”, con música de [[Ciriaco Ortiz]], de 1936; “[[Yo también]]”, de 1940, con [[Nicolás Luis Visca]], y del mismo año “[[Igual que ayer]]”, con [[Luis Bayón Herrera]]; “[[Ya lo ves]]”, con D'Arienzo, de 1941, como también “[[Cautivo]]”, con [[Egidio Pittaluga]], que se oye en la película [[La tregua, de [[Sergio Renán; “[[Si tú quisieras]]”, de 1943 (música de [[Francisco Pracánico]]); “[[Marión]]” (aparente plagio musical de un tango llamado “[[Sentimientos]]”) y “[[Dos palabras por favor]]” (éste con música de Visca), también de 1943; “[[Rosa de tango]])”, de 1944 (en el que reutilizó la melodía de su anterior “[[Cuatro palabras]])”); “[[Dos ojos tristes]])” (música de Oscar de la Fuente) y “[[Plomo]])”, de 1947, y “Tu perro pequinés”, de 1948. Este último es, quizá, el mejor tango de todos los que concibió Luis, y aunque sólo fue grabado por [[Aníbal Troilo]] con [[Edmundo Rivero]], esta inigualable versión bastó para mostrar todo su valor.

Aunque Rubistein nunca fue una letrista sutil, qué lejos estaba ya de aquél que escribiera Dominio veinte años antes, superponiendo a la fina melodía de [[ElvinoVardaro]] aquellos versos brutales: «Yo sé que sos tan falsa y tan canalla / como la vil serpiente ponzoñosa./Sos tan ruin mujer, tan venenosa,/ que está en tu ser la víbora del mal». En 1948 escribía, en cambio: «La vida, tal vez,/ se ensañó y a sangre fría / me regala la ironía / de este cuadro hecho al revés./ ¡Cómo quisiera tener / para mi frío espantoso / ese abrigo tan celoso / de tu perro pequinés!». Así es otra cosa.

Luis podía idear varios temas en un mismo día. Hubo épocas de su vida en que se convirtió en un verdadero fabricante de canciones, acumulando una obra indeterminable. En 1928 utilizó como seudónimo Nietsibur, leyendo su apellido al revés, para firmar “[[Callejas solo]],”, con música de [[Juan D'Arienzo]], dedicado a un jockey. Este tango se había llamado en 1926 “[[Rodolfo Valentino]]”, con su primera letra, que exaltaba al actor tras su prematura muerte, y se llamaría “[[Nada más]]”, en 1938, con la tercera, convirtiéndose recién entonces en un éxito.

La vasta creación de Luis incluyó algunas obras comprometidas. La más primitiva de ellas fue el tango “El camino de Buenos Aires”, con música de [[Francisco Pracánico]], grabado por éste y por [[Juan D'Arienzo]] con [[Carlos Dante, ambos para el sello Electra y en 1928. Esta pieza está inspirada, desde su nombre mismo, en «Le Chemin de Buenos Aires (La Traite des Blanches)», libro que en 1927 publicó el periodista [[Albert Londres]] para describir y denunciar el tráfico de mujeres sometidas a prostitución entre [[Europa]] y el [[Río de la Plata]]. Esta letra de un Rubistein aún muy rudimentario, que habla de un «caften (rufián) criminal», lo enfrentaba con la poderosa ZviMigdal, mafia de tratantes judíos.

En 1942 Luis escribió la letra de “[[Yánkele (Mi muchacho]])”, intercalando algunos versos en ídisch y con música de su hermano Elías. Esta canción, que grabó dos veces el conjunto del acordeonista [[Feliciano Brunelli]],, fue compuesta especialmente para [[Soy judío]], una obra de [[Luis PozzoArdizzi]] que se propalaba por Radio del Pueblo con enorme éxito, al mismo tiempo que en Europa ser judío equivalía a una condena al suplicio y a la muerte. La actriz que cantaba el tema era [[Teresita Padró]], que debió aprender fonéticamente las frases en ídisch. En “Yánkele” una madre judía le canta a su niño, en medio de «esta vida horrible y atroz», pidiendo que acaben los sufrimientos. Pero estaban muy lejos de haber terminado.

==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/56/Luis-Rubistein/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Eduardo Arolas

2024-03-05T19:29:55Z

Yaliuska.sanchezjc:

{{Ficha Persona
|nombre = Eduardo Arolas
|nombre completo =
|otros nombres =
|imagen = Eduardo Arolas.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[24 de febrero]] de [[1892]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]] {{Bandera2|Argentina}}
|fecha de fallecimiento = [[29 de septiembre]] de [[1924]]
|lugar de fallecimiento = {{Bandera2|París}}
|causa muerte = Tuberculosis pulmonar
|residencia =
|nacionalidad = Argentino
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = [[Músico]], Bandoneísta, Guitarrista, Director y [[Compositor]]
|conocido =
|titulo =
|termino =
|predecesor =
|sucesor =
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|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}

'''Eduardo Arolas'''. Es un artista cuyo nombre, su bandoneón, sus [[tango]]s y su semblante romántico alumbran la mitología popular de [[Buenos Aires]].

Desde el punto de vista musical, compartió junto con Roberto Firpo, Celestino Ferrer y la Orquesta Típica Select, la consolidación de la estructura instrumental del tango entre [[1915]] y [[1920]]; así lo demuestran las grabaciones de las melodías “De vuelta y media”, “Comme il faut” y “El jaguar”. Su presencia en cafés y cabarés perfiló definitivamente la imagen emocional del hombre del bandoneón. Su mayor riqueza artística la volcó en su obra como compositor, de un talento innato para la invención musical.

Temperamentalmente afín a la corriente de compositores como Francisco Canaro, sus temas invocaban el influjo anímico y emocional del tango de los ambientes criollos del sur porteño. Se encuentran reminiscencias de la música campesina en las melodías “Una noche de garufa” y “La guitarrita”, entre otras. Tocó en las principales orquestas de [[Buenos Aires]], como la de Firpo. Desde 1922 se radicó en París, donde impuso su forma de ejecución y sus tangos en los cabarés Parisien, Ermitage y en el café de la Rue des Abesses. Entre los innumerables tangos que compuso están: “Lágrimas”, “Derecho viejo”, “Adiós, Buenos Aires” y “Araca”. Falleció en [[París]] en 1924.
odos los tangueros tenemos una particular visión respecto de los valores de los artistas y esto está bien, nuestros gustos y experiencias personales nos definen en la elección por unos u otros.

Seguramente, cuando hablamos del tango canción, se produce un acuerdo unánime en la figura incomparable de Carlos Gardel, lo que no ocurre cuando la discusión se dispara a las orquestas o al resto de los músicos o cantantes.

El caso de Eduardo Arolas, es otra excepción, su extraordinario talento como compositor, lo colocan un peldaño arriba del resto, lo que constituye un mérito aún mayor si tomamos en cuenta que en su generación surgieron los más grandes creadores de tango. Baste recordar a músicos de la talla de Agustín Bardi, Vicente Greco, Arturo De Bassi, Juan Carlos Cobián, Roberto Firpo, entre tantos otros.

Así Gardel y Arolas, son a mi juicio, la piedra basal del tango moderno, el primero francés de nacimiento y porteño de adopción, el segundo argentino, hijo de padres franceses.

Dueño de una creatividad melódica increíble, irrumpe en la actividad musical como modesto ejecutante de la guitarra, su primer instrumento, de la mano de su amigo Ricardo González, (Muchila).

Pero será el bandoneón el responsable de su consagración y el fiel testigo de su genio y de su vida atormentada.

Unos pocos años le fueron suficiente para componer más de cien obras de excelente calidad, en las que hace gala de una estructura moderna y compleja, llena de posibilidades para los arreglos y las variaciones.

Las melodías no son menos, transmiten melancolía, romanticismo y en algunas, un dramatismo sobrecogedor, pero todas ellas de una infinita belleza, propia del espíritu modernista del autor.

Parafraseando al querido investigador Héctor Ernié, estamos en presencia de «un fenómeno con mayúscula», que sólo vivió 32 años.

La excelencia tributa en toda su obra, “El Marne”, “La cachila”, “Comme il faut”, “La guitarrita”, “Lágrimas”, “Maipo”, “Retintín”, “Viborita” (“Vivorita”, en la partitura original), “Catamarca” y “Derecho viejo”, este último de un éxito impresionante.

Su primer tema “Una noche de garufa” (1909) fue concebida intuitivamente, de oreja, repetida de memoria, ya que no sabía solfeo y menos escribir en un pentagrama. Fue Francisco Canaro el primero que lo ayudó a perpetuarla, haciendo la partitura del violín, luego Carlos Hernani Macchi escribió la parte correspondiente al piano.

En este primer período que culmina en 1912, compuso varios tangos entre los que se destacan “Nariz” y “El rey de los bordoneos”, este último en homenaje al guitarrista Graciano De Leone.

En 1911 inicia sus estudios musicales en el conservatorio del maestro José Bombig y en tres años aprende teoría, solfeo y armonía.

Ese mismo año formó su primer conjunto con el guitarrista Leopoldo Thompson y el violín de Eduardo Ponzio, actuando en diversos cafés de Buenos Aires y Montevideo.

Al poco tiempo integra un trío con el gran Agustín Bardi al piano, y el violinista Tito Roccatagliata y, en 1912, un cuarteto con éste último y el flautista José Gregorio Astudillo y la guitarra de nueve cuerdas de Emilio Fernández.

Al año siguiente es requerido por el director Roberto Firpo para tocar en el cabaret Armenonville del barrio de Palermo y en otros escenarios, para finalmente formar su propia orquesta.

Entre 1913 y 1916, ya con estudios de solfeo y armonía, aparecen sus temas “Delia”, “Derecho viejo”, “La guitarrita” y “Rawson”, entre otros menos conocidos. También el tango “Fuegos artificiales”, obra realizada conjuntamente con Roberto Firpo.

Después sucederían incontables viajes al Uruguay, actuando con gran éxito en Teatro Casino de Montevideo, ciudad donde se radicaría para intentar olvidar un drama amoroso que lo marcaría el resto de sus días (ver Apuntes sobre Arolas y su tiempo).

No obstante, volvía frecuentemente a Buenos Aires para cumplir contratos puntuales y presentaciones, pero su autoexilio se repetía al término de cada trabajo.

En 1917 participa como bandoneonista estrella en la gran orquesta surgida de la fusión Canaro-Firpo, formada especialmente para los carnavales rosarinos.

A partir de 1917 y hasta su muerte, escribe sus tangos más famosos, algunos de ellos obras magistrales del acervo cultural de nuestra música ciudadana, me estoy refiriendo a “La cachila” y “El Marne”.

De esa época son también: “Comme il faut”, “Retintín”, “Moñito (Marrón Glacé)”, “Rocca”, “Taquito”, “Lágrimas”, entre muchas otras.

En 1922 se embarca a Francia y al poco tiempo regresa a Buenos Aires que lo verá por última vez. De vuelta en París, enfermo y alcohólico, muere el 29 de septiembre de 1924, dejando su última obra, la única escrita en Francia: “Place Pigall”.

Arolas fue vanguardia en la composición y también en la ejecución del tango.

Su orquesta lucía distinta a las otras, en 1917, comienza a grabar para el sello Victor, donde se comprueba su sonoridad, su brillo y un ritmo de una particular vibración.

Ernié nos dice: «Su marcación rítmica en este período es mucho más elástica, no es tan rígida y denota un mayor vuelo musical, más cantante, mayor caudal sonoro. Resulta —en comparación a las demás orquestas de la época— la más avanzada».

Después menciona la inclusión de instrumentos no contemplados por otros directores, como el violoncello, el saxofón y el banjo.

El hecho del poco reconocimiento al Arolas intérprete se debe, esencialmente, a la mala calidad de los registros discográficos.

Un párrafo aparte para tres de sus obras que no fueron tan difundidas.

Me refiero en primer lugar a “Viborita”, de una melodía exquisita que podemos valorar en toda su medida en el registro de la orquesta del violinista Agesilao Ferrazzano del año 1927.

Después “Lágrimas” donde destaco la versión de la orquesta de Alberto Mancione de 1953, con un arreglo respetuoso y delicado de la obra original.

Y, finalmente, “Qué querés con esa cara (La guitarrita)”, el ejemplo más acabado de la influencia que la música criolla ejercía en nuestro bohemio compositor urbano. Son muchas las versiones que me gustan de este tango, pero propongo dos: la de Francisco Canaro de 1930 y la de Osvaldo Pugliese de 1954.

En cuanto a sus obras más difundidas e importantes, “La cachila” tiene tantas grabaciones que merecería un capítulo aparte, ya que la mayoría de las orquestas la incorporó a su repertorio. De todas ellas me quedo con la versión del maestro Carlos Di Sarli, de 1941.

Lo mismo podemos decir sobre “El Marne”, que además es la cortina musical de nuestro programa radial Siempre el Tango —orquesta de Osvaldo Fresedo de 1980— pero sin duda se destacan la versión de Aníbal Troilo de 1952 y la de Horacio Salgán registrada al año siguiente.

Arolas fue un genio irrepetible que se renueva permanentemente y que nos conmueve cada vez que escuchamos la hondura de su obra.
==Fuente==

*[http://www.eltangoysusinvitados.com/2010/10/eduardo-arolas.html/ www.eltangoysusinvitados.com]

*[http://www.nuevos-libros.com.ar/Enciclopedia-E/21055/Eduardo-Arolas.htm/ www.nuevos-libros.com.ar]

[[Categoría:Músicos]][[Categoría:Compositores]][[Categoría:Guitarristas]]

Eduardo Arolas

2024-03-05T19:29:23Z

Yaliuska.sanchezjc:

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}}

'''Eduardo Arolas'''. Es un artista cuyo nombre, su bandoneón, sus [[tango]]s y su semblante romántico alumbran la mitología popular de [[Buenos Aires]].

Desde el punto de vista musical, compartió junto con Roberto Firpo, Celestino Ferrer y la Orquesta Típica Select, la consolidación de la estructura instrumental del tango entre [[1915]] y [[1920]]; así lo demuestran las grabaciones de las melodías “De vuelta y media”, “Comme il faut” y “El jaguar”. Su presencia en cafés y cabarés perfiló definitivamente la imagen emocional del hombre del bandoneón. Su mayor riqueza artística la volcó en su obra como compositor, de un talento innato para la invención musical.

Temperamentalmente afín a la corriente de compositores como Francisco Canaro, sus temas invocaban el influjo anímico y emocional del tango de los ambientes criollos del sur porteño. Se encuentran reminiscencias de la música campesina en las melodías “Una noche de garufa” y “La guitarrita”, entre otras. Tocó en las principales orquestas de [[Buenos Aires]], como la de Firpo. Desde 1922 se radicó en París, donde impuso su forma de ejecución y sus tangos en los cabarés Parisien, Ermitage y en el café de la Rue des Abesses. Entre los innumerables tangos que compuso están: “Lágrimas”, “Derecho viejo”, “Adiós, Buenos Aires” y “Araca”. Falleció en [[París]] en 1924.
odos los tangueros tenemos una particular visión respecto de los valores de los artistas y esto está bien, nuestros gustos y experiencias personales nos definen en la elección por unos u otros.

Seguramente, cuando hablamos del tango canción, se produce un acuerdo unánime en la figura incomparable de Carlos Gardel, lo que no ocurre cuando la discusión se dispara a las orquestas o al resto de los músicos o cantantes.

El caso de Eduardo Arolas, es otra excepción, su extraordinario talento como compositor, lo colocan un peldaño arriba del resto, lo que constituye un mérito aún mayor si tomamos en cuenta que en su generación surgieron los más grandes creadores de tango. Baste recordar a músicos de la talla de Agustín Bardi, Vicente Greco, Arturo De Bassi, Juan Carlos Cobián, Roberto Firpo, entre tantos otros.

Así Gardel y Arolas, son a mi juicio, la piedra basal del tango moderno, el primero francés de nacimiento y porteño de adopción, el segundo argentino, hijo de padres franceses.

Dueño de una creatividad melódica increíble, irrumpe en la actividad musical como modesto ejecutante de la guitarra, su primer instrumento, de la mano de su amigo Ricardo González, (Muchila).

Pero será el bandoneón el responsable de su consagración y el fiel testigo de su genio y de su vida atormentada.

Unos pocos años le fueron suficiente para componer más de cien obras de excelente calidad, en las que hace gala de una estructura moderna y compleja, llena de posibilidades para los arreglos y las variaciones.

Las melodías no son menos, transmiten melancolía, romanticismo y en algunas, un dramatismo sobrecogedor, pero todas ellas de una infinita belleza, propia del espíritu modernista del autor.

Parafraseando al querido investigador Héctor Ernié, estamos en presencia de «un fenómeno con mayúscula», que sólo vivió 32 años.

La excelencia tributa en toda su obra, “El Marne”, “La cachila”, “Comme il faut”, “La guitarrita”, “Lágrimas”, “Maipo”, “Retintín”, “Viborita” (“Vivorita”, en la partitura original), “Catamarca” y “Derecho viejo”, este último de un éxito impresionante.

Su primer tema “Una noche de garufa” (1909) fue concebida intuitivamente, de oreja, repetida de memoria, ya que no sabía solfeo y menos escribir en un pentagrama. Fue Francisco Canaro el primero que lo ayudó a perpetuarla, haciendo la partitura del violín, luego Carlos Hernani Macchi escribió la parte correspondiente al piano.

En este primer período que culmina en 1912, compuso varios tangos entre los que se destacan “Nariz” y “El rey de los bordoneos”, este último en homenaje al guitarrista Graciano De Leone.

En 1911 inicia sus estudios musicales en el conservatorio del maestro José Bombig y en tres años aprende teoría, solfeo y armonía.

Ese mismo año formó su primer conjunto con el guitarrista Leopoldo Thompson y el violín de Eduardo Ponzio, actuando en diversos cafés de Buenos Aires y Montevideo.

Al poco tiempo integra un trío con el gran Agustín Bardi al piano, y el violinista Tito Roccatagliata y, en 1912, un cuarteto con éste último y el flautista José Gregorio Astudillo y la guitarra de nueve cuerdas de Emilio Fernández.

Al año siguiente es requerido por el director Roberto Firpo para tocar en el cabaret Armenonville del barrio de Palermo y en otros escenarios, para finalmente formar su propia orquesta.

Entre 1913 y 1916, ya con estudios de solfeo y armonía, aparecen sus temas “Delia”, “Derecho viejo”, “La guitarrita” y “Rawson”, entre otros menos conocidos. También el tango “Fuegos artificiales”, obra realizada conjuntamente con Roberto Firpo.

Después sucederían incontables viajes al Uruguay, actuando con gran éxito en Teatro Casino de Montevideo, ciudad donde se radicaría para intentar olvidar un drama amoroso que lo marcaría el resto de sus días (ver Apuntes sobre Arolas y su tiempo).

No obstante, volvía frecuentemente a Buenos Aires para cumplir contratos puntuales y presentaciones, pero su autoexilio se repetía al término de cada trabajo.

En 1917 participa como bandoneonista estrella en la gran orquesta surgida de la fusión Canaro-Firpo, formada especialmente para los carnavales rosarinos.

A partir de 1917 y hasta su muerte, escribe sus tangos más famosos, algunos de ellos obras magistrales del acervo cultural de nuestra música ciudadana, me estoy refiriendo a “La cachila” y “El Marne”.

De esa época son también: “Comme il faut”, “Retintín”, “Moñito (Marrón Glacé)”, “Rocca”, “Taquito”, “Lágrimas”, entre muchas otras.

En 1922 se embarca a Francia y al poco tiempo regresa a Buenos Aires que lo verá por última vez. De vuelta en París, enfermo y alcohólico, muere el 29 de septiembre de 1924, dejando su última obra, la única escrita en Francia: “Place Pigall”.

Arolas fue vanguardia en la composición y también en la ejecución del tango.

Su orquesta lucía distinta a las otras, en 1917, comienza a grabar para el sello Victor, donde se comprueba su sonoridad, su brillo y un ritmo de una particular vibración.

Ernié nos dice: «Su marcación rítmica en este período es mucho más elástica, no es tan rígida y denota un mayor vuelo musical, más cantante, mayor caudal sonoro. Resulta —en comparación a las demás orquestas de la época— la más avanzada».

Después menciona la inclusión de instrumentos no contemplados por otros directores, como el violoncello, el saxofón y el banjo.

El hecho del poco reconocimiento al Arolas intérprete se debe, esencialmente, a la mala calidad de los registros discográficos.

Un párrafo aparte para tres de sus obras que no fueron tan difundidas.

Me refiero en primer lugar a “Viborita”, de una melodía exquisita que podemos valorar en toda su medida en el registro de la orquesta del violinista Agesilao Ferrazzano del año 1927.

Después “Lágrimas” donde destaco la versión de la orquesta de Alberto Mancione de 1953, con un arreglo respetuoso y delicado de la obra original.

Y, finalmente, “Qué querés con esa cara (La guitarrita)”, el ejemplo más acabado de la influencia que la música criolla ejercía en nuestro bohemio compositor urbano. Son muchas las versiones que me gustan de este tango, pero propongo dos: la de Francisco Canaro de 1930 y la de Osvaldo Pugliese de 1954.

En cuanto a sus obras más difundidas e importantes, “La cachila” tiene tantas grabaciones que merecería un capítulo aparte, ya que la mayoría de las orquestas la incorporó a su repertorio. De todas ellas me quedo con la versión del maestro Carlos Di Sarli, de 1941.

Lo mismo podemos decir sobre “El Marne”, que además es la cortina musical de nuestro programa radial Siempre el Tango —orquesta de Osvaldo Fresedo de 1980— pero sin duda se destacan la versión de Aníbal Troilo de 1952 y la de Horacio Salgán registrada al año siguiente.

Arolas fue un genio irrepetible que se renueva permanentemente y que nos conmueve cada vez que escuchamos la hondura de su obra.
==Fuente==

*[http://www.eltangoysusinvitados.com/2010/10/eduardo-arolas.html/ www.eltangoysusinvitados.com]

*[http://www.nuevos-libros.com.ar/Enciclopedia-E/21055/Eduardo-Arolas.htm/ www.nuevos-libros.com.ar]

[[Categoría:Músicos]][[Categoría:Compositores]][[Categoría:Guitarristas]]

Luis Rubistein

2024-02-27T14:44:17Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo}} {{Ficha Persona |nombre = Moisés Rubistein |nombre completo = Luis Rubistein |otros nombres = |Imagen = |tamaño = |descripción = |f…»

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|nombre completo = Luis Rubistein
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}}<divalign="justify">

''' Moisés Rubistein ''' Letrista y compositor

== Síntesis Biográfica==

La familia provenía de [[Ekaterinoslav]], en [[Ucrania]]. Los padres, el zapatero Motl y [[María Kaplán]], maestra de escuela hebrea, decidieron emigrar ante el azote del antisemitismo, recrudecido en tiempos de la guerra ruso-japonesa, y llegaron a [[Buenos Aires]] a comienzos de 1906 con tres hijas. En la [[Argentina]] tendrían siete hijos más, el segundo de los cuales fue Luis, venido al mundo en 1908 y con quien se inició la dinastía tanguera. En los documentos de algunos de los Rubinstein desapareció la "n", pasando a apellidarse Rubistein, como en el caso de Luis. Este, como varios de sus hermanos, nació en la humilde casa familiar de la [[calle Catamarca 945]], del barrio de [[San Cristóbal]], trozo del profundo sur de la capital argentina. En esa vivienda ejercía el padre su oficio de zapatero remendón y la familia se hacinaba en dos cuartos.

[[Carlos Gardel]] llegó a grabar sólo uno de los tangos de [[Luis Rubistein]]: “[[Tarde gris]]”, con música de [[Juan Bautista Guido]]. Eso ocurrió en junio de 1930. Ya muerto el Zorzal, [[Armando Defino, que fuera su representante, le acercó a Luis una música inédita de Gardel para que la versificara. Así nació Amor, un tema que nunca alcanzó repercusión, pese a la grabación de [[Francisco Canaro]] con [[Roberto Maida]] en 1936. Pero, como en tantos otros casos, el disco de Gardel le aseguró perduración a “[[Tarde gris]]”, que sólo en 1946 tuvo tres magníficas grabaciones, por [[Aníbal Troilo]] con [[Floreal Ruiz]], por [[Osmar Maderna]] con [[Pedro Dátila]] y por[[ Miguel Caló]] con [[Raúl Iriarte]].

Luis había sido echado del colegio en tercer grado por tirarle un tintero a la maestra, que lo reprendió al descubrirlo escribiendo versos. En ese momento concluyó su breve carrera estudiantil. Ni siquiera completó la escuela primaria. Pese a ello, además de letrista prolífico fue periodista en la revista del editor [[Julio Korn]] La Canción Moderna, luego devenida Radiolandia, y dirigió Sintonía, creada en 1933 por [[Emilio Kartulovic]], «Kartulo», publicaciones que acompañaban el auge de la radiofonía y del tango en ésta.

Callejero, indomable, Luis se mezcló muy pronto en los ambientes del tango, con su ambición y su voracidad, que con los años lo convirtió en un obeso incontrolable. Cuando conversaba con el popularísimo cantor [[Agustín Magaldi, que era tartamudo como Luis, parecían estar mofándose mutuamente. Siendo todavía un adolescente, Luis cantó con [[Juan D'Arienzo, pero luego abandonó ese intento. Hizo del cabaret su mundo, con todo lo imaginable.

En mayo de 1935 creó una escuela de arte popular en la casa familiar de Tejedor 154, en un barrio chato, algo apartado. Aquella academia, que terminaría absorbiéndolo por completo, se mudó rápidamente a Callao 420, casi en el centro, en los altos de la funeraria de los Iribarne, la familia de la esposa del presidente Ortiz (quien gobernó entre 1938 y 1940), dueña de todo ese vasto edificio. Allí fue bautizada como PAADI, Primera Academia Argentina de Interpretación.

Bajo aquel techo se concentraría el imperio de los Rubistein: la editorial Select, la mencionada [[PAADI]], cuyo negocio consistía en proveer artistas a las radios, y [[PACA]], Primer Archivo Cinematográfico Argentino, que pretendía surtir de extras a los estudios de cine. PAADI estaba tan orientada a explotar el auge radiofónico que hasta contaba con una sala de transmisión, desde la cual se irradiaban por línea telefónica programas en los que actuaban alumnos seleccionados. Las audiciones de PAADI cesaron con el golpe de Estado derechista de junio de 1943, que prohibió esa modalidad, entre tantas medidas de represión y control.

“[[Cadenas]]”, el primer tango que lleva música y letra de Luis, es de 1933. Tema de trazo grueso, fue estrenado por [[Mercedes Simone]]. Allí comenzó una seguidilla de éxitos que le pertenecen totalmente, como “[[Venganza”, de argumento despiadado y estilo burdo, que sin embargo conmovió al público, a punto tal que un cantor como [[Oscar Ferrari]], que lo grabó con [[José Basso]] en 1950, quedó identificado con él y debió seguir cantándolo por décadas, aun a su pesar.

En la profusa obra de Luis son raros los momentos de poesía, las ideas originales. Entre sus pocas letras significativas figura la de “Noctámbulo”, un hermoso tango que en 1930 escribió con música de [[Armando Baliotti]] y del que quedaron las versiones grabadas de [[Roberto Maida]] y de [[Julio De Caro]] con el estribillista [[Luis Díaz]], pero luego fue olvidado. Aquellos versos terminan así: «Es un noctámbulo sin fe/ que por la noche del dolor busca olvidar/ la luna llena del hastío/ y el imposible de su soñar». Desde luego que «la luna llena del hastío» es una frase bella pero contradictoria. Si a Rubistein le sonaba bien, ¿para qué iba a preguntarse por el sentido?

Otro punto alto fue “[[Carnaval de mi barrio]]”, de 1938, que le pertenece íntegramente a Luis y que ese mismo año grabó [[Mercedes Simone]]. Rubistein caracterizó a su obra como «Pintura callejera en tiempo de tango». Se sentía sin duda orgulloso de aquellos versos agridulces, cuyo narrador confiesa que «una ternura extraña» le invade el corazón. En la misma línea y con igual inspiración forjó “[[De antaño]]”, una milonga que [[Juan D'Arienzo]] grabó con [[Alberto Echagüe]].

Pero la pieza cumbre llegaría en 1940 con “[[Charlemos]]”, historia de un acercamiento romántico entre dos desconocidos a través del teléfono: « [[Charlando soy feliz]],/ [[la vida es breve]]./ [[Soñemos en la gris]]/ [[tarde que llueve./ [[Hablemos de un amor,/ [[seremos Ella y El,/ [[y con su voz]]/ [[mi angustia cruel]] / [[será más leve]]...» Como impactante final, el golpe bajo de la anécdota: él es ciego. « [[No puedo... no puedo verla]]; / [[es doloroso, lo sé. ]] / [[¡Cómo quisiera quererla]]!/ [[Soy ciego... Perdóneme]].»

Algo que ocultar para lograr la aceptación del otro. Algo por lo que pedir perdón. ¿No se habrá estado refiriendo Rubistein, inconscientemente, a su condición de judío? ¿No sería el verdadero final de su tango: «Soy judío... Perdóneme»? Esa letra la escribió cuando en Europa había comenzado el exterminio, la Shoá, el Holocausto, y en la Argentina campeaban los fascistas. Había llegado al mundo el cataclismo que cinco años antes presagiara Luis en “La caída de la estantería” (música de [[Edgardo Donato]]) de manera farsesca, hasta torpe, pero certera, anunciando que «se aproxima el ciclón».

“[[Charlemos]]”, que en menos de un año tuvo cinco grabaciones diferentes, [[Carlos Di Sarli]] con [[Roberto Rufino]], [[Enrique Carbel]], [[Francisco Canaro]] con [[Ernesto Famá]], [[Ignacio Corsini]] y [[Alberto Gómez]], conmovió a los públicos, desde [[Buenos Aires]] hasta [[La Habana]]. Condensaba en menos de tres minutos toda una radionovela, y en cierto modo dejaba abierto el final. ¿Cómo reaccionaría ella? Tal vez lo amase igual, a pesar de su ceguera. Quizá pasaría Él a ver a través de aquellos ojos de mujer.

El teléfono como mediador ya le había inspirado en 1933 la letra de “[[Cuatro palabras]]”, que grabaron [[Mercedes Simone]] y [[Charlo]]: «Que te vaya bien, me dijiste / [[colgándome el tubo de tu telefón]]./ Que te vaya bien, murmuré,/ mascullando entre dientes una maldición». En 1936 dio a conocer “[[Olvido]]”, en colaboración con [[Luis César Amadori]], un tango de particular belleza, que grabaron desde [[Charlo]] hasta [[Roberto Goyeneche]], pasando por [[Lágrima Ríos]], y en el que el personaje repasa su caída de la opulencia a la privación: «Si pensara alguna vez en lo que fui / no tendría ni la fuerza de vivir...».

En “[[Decime]]”, de 1938, Luis presenta dos variantes para la misma letra: una femenina y otra masculina. Parece suponer que los sentimientos amorosos son iguales en el varón y la mujer. De hecho, sólo una cantante, [[Mercedes Simone]], grabó este tango. Pero el relativo fracaso de un tema no podía preocupar a un autor que durante dos décadas acumuló una serie interminable de sucesos, muchos de ellos con múltiples grabaciones. Entre sus tangos más cautivantes se cuentan el ya mencionado “[[Nada más]]”; “[[Juro]]”, con música de [[Ciriaco Ortiz]], de 1936; “[[Yo también]]”, de 1940, con [[Nicolás Luis Visca]], y del mismo año “[[Igual que ayer]]”, con [[Luis Bayón Herrera]]; “[[Ya lo ves]]”, con D'Arienzo, de 1941, como también “[[Cautivo]]”, con [[Egidio Pittaluga]], que se oye en la película [[La tregua, de [[Sergio Renán; “[[Si tú quisieras]]”, de 1943 (música de [[Francisco Pracánico]]); “[[Marión]]” (aparente plagio musical de un tango llamado “[[Sentimientos]]”) y “[[Dos palabras por favor]]” (éste con música de Visca), también de 1943; “[[Rosa de tango]])”, de 1944 (en el que reutilizó la melodía de su anterior “[[Cuatro palabras]])”); “[[Dos ojos tristes]])” (música de Oscar de la Fuente) y “[[Plomo]])”, de 1947, y “Tu perro pequinés”, de 1948. Este último es, quizá, el mejor tango de todos los que concibió Luis, y aunque sólo fue grabado por [[Aníbal Troilo]] con [[Edmundo Rivero]], esta inigualable versión bastó para mostrar todo su valor.

Aunque Rubistein nunca fue una letrista sutil, qué lejos estaba ya de aquél que escribiera Dominio veinte años antes, superponiendo a la fina melodía de [[ElvinoVardaro]] aquellos versos brutales: «Yo sé que sos tan falsa y tan canalla / como la vil serpiente ponzoñosa./Sos tan ruin mujer, tan venenosa,/ que está en tu ser la víbora del mal». En 1948 escribía, en cambio: «La vida, tal vez,/ se ensañó y a sangre fría / me regala la ironía / de este cuadro hecho al revés./ ¡Cómo quisiera tener / para mi frío espantoso / ese abrigo tan celoso / de tu perro pequinés!». Así es otra cosa.

Luis podía idear varios temas en un mismo día. Hubo épocas de su vida en que se convirtió en un verdadero fabricante de canciones, acumulando una obra indeterminable. En 1928 utilizó como seudónimo Nietsibur, leyendo su apellido al revés, para firmar “[[Callejas solo]],”, con música de [[Juan D'Arienzo]], dedicado a un jockey. Este tango se había llamado en 1926 “[[Rodolfo Valentino]]”, con su primera letra, que exaltaba al actor tras su prematura muerte, y se llamaría “[[Nada más]]”, en 1938, con la tercera, convirtiéndose recién entonces en un éxito.

La vasta creación de Luis incluyó algunas obras comprometidas. La más primitiva de ellas fue el tango “El camino de Buenos Aires”, con música de [[Francisco Pracánico]], grabado por éste y por [[Juan D'Arienzo]] con [[Carlos Dante, ambos para el sello Electra y en 1928. Esta pieza está inspirada, desde su nombre mismo, en «Le Chemin de Buenos Aires (La Traite des Blanches)», libro que en 1927 publicó el periodista [[Albert Londres]] para describir y denunciar el tráfico de mujeres sometidas a prostitución entre [[Europa]] y el [[Río de la Plata]]. Esta letra de un Rubistein aún muy rudimentario, que habla de un «caften (rufián) criminal», lo enfrentaba con la poderosa ZviMigdal, mafia de tratantes judíos.

En 1942 Luis escribió la letra de “[[Yánkele (Mi muchacho]])”, intercalando algunos versos en ídisch y con música de su hermano Elías. Esta canción, que grabó dos veces el conjunto del acordeonista [[Feliciano Brunelli]],, fue compuesta especialmente para [[Soy judío]], una obra de [[Luis PozzoArdizzi]] que se propalaba por Radio del Pueblo con enorme éxito, al mismo tiempo que en Europa ser judío equivalía a una condena al suplicio y a la muerte. La actriz que cantaba el tema era [[Teresita Padró]], que debió aprender fonéticamente las frases en ídisch. En “Yánkele” una madre judía le canta a su niño, en medio de «esta vida horrible y atroz», pidiendo que acaben los sufrimientos. Pero estaban muy lejos de haber terminado.
==Fuente==

*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/56/Luis-Rubistein/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Eleuterio Yribarren

2024-02-27T13:46:37Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo}} {{Ficha Persona |nombre = Eleuterio Yribarren |nombre completo = Eleuterio Yribarren |otros nombres = |Imagen = |tamaño = |descripción…»

{{Desarrollo}}
{{Ficha Persona
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|nombre completo = Eleuterio Yribarren
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}}<divalign="justify">

''' Eleuterio Yribarren ''' Compositor y director

== Síntesis Biográfica==
Iribarren nació en [[Navarra]] ([[España]]) Allá en su tierra natal aprendió música y la ejecución de varios instrumentos, casi todos los de viento y también piano. Cuando llegó a [[Buenos Aires]], en la década de 1910, traía un bagaje con músicas españolas de distintos motivos que fueron "su pan de cada día", mas los años lo convirtieron en uno de los primeros propulsores del jazz en el [[Río de la Plata]].

Por 1917 tuvo orquesta zígana con la que actuó en el "[[Royal Pigall]]" y también en el año 18. En 1923 inició con su jazz grabaciones en discos "[[Electra]]" y enseguida en "[[Nacional]]" en la que tanto renombre obtuvo con formaciones que se llamaron "[[Red Hot Panamerican Jazz]]" y "[[American Jazz Band]]"; luego grabó en "[[Víctor]]".

Los mejores salones de aquel entonces lo conocieron con su ruidosa orquesta y de los locales en que actuó, el "[[Tabarís]]" fue el más conocido y el que más tiempo lo contó en sus veladas cuando tenía a sus órdenes músicos de la talla de [[Manlio Francia]]; [[Enrique Mizes]]; [[Julián Robledo]], el gran pianista y autor del vals "[[Las tres de la mañana]]", conocido mundialmente, que al enfermar dejó su puesto a [[Oscar Frederickson]] (de origen dinamarqués criado en [[EE.UU]].) antes de formar la famosa "[[jazz]]" de su nombre.

Musicó las primeras películas sonoras argentinas, "[[Corazón ante la ley]]" de 1929 y "[[El cantar de mi ciudad]]", alrededor de 1930, componiendo los temas que en ellas se cantaron. Por ejemplo el tango "[[Chinita]]" fue interpretado en la primera por el actor [[Miguel Gómez Bao]]; [[Carlos Gardel]], que creía en la cinematografía hablada donde podía lucir su canto, concurrió a aquel estreno y le gustó el tema que Gómez Bao cantaba por lo cual decidió pedírselo para grabarlo.
Era viejo conocido del cantor, pues tantos años de grabar en la misma marca estrecharon los lazos de una profunda amistad.

Sus composiciones fueron motivos españoles, shimmys, fox-trots, steps, etc., que no trascendieron mayormente: "[[Corazón ante la ley]]", "[[Ensueños]]", "[[Pantaleón]]", "[[Sirenas]]", "[[Gatito Negro]]".
y falleció en [[Buenos Aires]] el [[25 de octubre]] de [[1932]].
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/485/Eleuterio-Iribarren/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Carlos Camba

2024-02-27T13:43:31Z

Yaliuska.sanchezjc: Página creada con «{{Desarrollo}} {{Ficha Persona |nombre = Carlos Camba |nombre completo = Carlos Camba |otros nombres = |Imagen = |tamaño = |descripción = |fecha de…»

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{{Ficha Persona
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}}<divalign="justify">

''' Carlos Camba ''' Saxofonista, letrista y compositor

== Síntesis Biográfica==
Camba nació en Buenos Aires el [[29 de setiembre]] de [[1879]] Excéntrico musical. Autor, compositor, artista múltiple; tocaba concertina inglesa, saxofón, platillos sobre mármol haciéndolos girar musicalmente, cascabeles en los pies, cintura, muñecas y cabeza. Por eso se le llamó «hombre pentagrama».

Su labor la desarrolló en circos, teatros y varietés, tanto en la capital como en el interior y [[Uruguay]]. Actuó mucho tiempo en el [[Circo Piambón]].

.

Es de los buenos amigos que tuvo en el ambiente [[Carlos Gardel, tan es así que le grabó todas sus canciones; no se conoce obra de su pertenencia que no cantara el Zorzal: “[[Allá en la ribera]]”, tango, “[[Esas no volverán]]”, canción, “[[Pasan las horas]]”, vals, “[[Y si la ves dale un beso]]”, tango, con músicas propias; “[[Misterio]]”, tango con música de [[Hugo Ricardo Baralis]]; “[[Beso ingrato]]” y “[[Midinette porteña]]”, tangos con músicas de [[Rafael Tuegols]], el gran violinista y amigo que le llevó al papel las melodías que él creaba.

A este gran músico dedicóle su fotografía artística en la que dice: «Al buen amigo Rafael, que me dijo un día que mi pobre música inspirada en los bellos versos de Las golodrinas, valía la pena de oírse». [[Carlos Camba]] - [[Montevideo]], [[3 de marzo]] de [[1919]].

Era primo hermano del renombrado escritor español [[Julio Camba]], fallecido en Madrid en 1962. Rehizo el Trío Palos, número de varieté, con su esposa [[María Palos]] y su cuñado [[Pablo Palitos]]
==Fuente==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/344/Carlos-Camba/]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Ricardo Baralis

2024-02-19T14:09:31Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Síntesis biográfica */

{{Ficha Persona
|nombre = Hugo Ricardo Baralis
|nombre completo = Hugo Ricardo Baralis
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''' Hugo Ricardo Baralis '''. Contrabajista, mandolinista y compositor nacido en [[Italia]].

== Síntesis biográfica==
Hugo Ricardo Baralis nació en [[Cuneo]] ([[Turín]]-[[Italia]]) el [[22 de diciembre]] de [[1890]]. Su hijo Víctor Hugo ([[Hugo Baralis]]), alcanzó gran renombre como violinista Se inició con [[Eduardo Arolas]] en 1912-1913 y otras formaciones que integró fueron las de [[Minotto Di Cicco]], [[Juan Polito]], [[Francisco Lomuto]], [[Eleuterio Iribarren]], [[José María Rizzuti]], [[José Tinelli]], y entre demás dancings, cafés, y diferentes lugares se contaron [[Armenonville]], [[A.B.C]]., [[Maipú Pigall]], [[Florida]], y radios, teatros y grabaciones en todas las marcas.

Muchos conjuntos orquestales, «típicos» en su mayoría, integró en su larga trayectoria de andar con el contrabajo de un lado para otro y así actuó en los más famosos «dancings» y cafés de su tiempo: en [[L'Abaye]] con [[Roberto Firpo]]; en el Montmartre con [[Francisco Canaro]]; en el Teatro Ópera con [[Osvaldo Fresedo]]; en el Casino con [[Julio de Caro]]; por citar algunos de los locales más famosos donde marcó el compás de centenares de tangos en ejecuciones de orquestas de ritmos tan disímiles. Fue un ejecutante muy codiciado por los directores.

No compuso mucha música aunque tuvo facilidad para crear nuevas melodías. Sus primeras obras quedaron olvidadas pero recordamos el fox-trot “[[Marión]]” y los tangos “[[No seas tonta]]”, “[[Las cuarenta]] [b]”, “[[Quién diría]]”, “[[El loco manso]]”, “[[La caprichosa]]”, “[[Misterio]]” que con letra de [[Carlos Camba]] grabó [[Carlos Gardel]].
A Gardel lo conoció en el [[Armenonville]] y al actuar con Fresedo en el [[Maipú Pigall]] por el año 1924 una noche abordó al cantor (que con su compañero José Razzano era habitué de dicho cabaret) para hablarle de un tango, que Rizzuti al piano se lo hizo conocer. Como le gustó ahí nomás aprendió su melodía que entregó a Camba allí presente, para que le pusiera letra que días después grabó en discos el inolvidable intérprete: era el tango “[[Misterio]]”.

==Muerte==
Baralis falleció en [[Buenos Aires]], el [[7 de octubre]] de [[1949]].

==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/191/Hugo-Ricardo-Baralis/ ]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Ricardo Baralis

2024-02-19T14:08:28Z

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''' Hugo Ricardo Baralis '''. Contrabajista, mandolinista y compositor nacido en [[Italia]].

== Síntesis biográfica==
Hugo Ricardo Baralis nació en [[Cuneo]] ([[Turín]]-[[Italia]]) el [[22 de diciembre]] de [[1890]]. Su hijo Víctor Hugo ([[Hugo Baralis]]), alcanzó gran renombre como violinista Se inició con [[Eduardo Arolas]] en 1912-1913 y otras formaciones que integró fueron las de [[Minotto Di Cicco]], [[Juan Polito]], [[Francisco Lomuto]], [[Eleuterio Iribarren]], [[José María Rizzuti]], [[José Tinelli]], y entre demás dancings, cafés, y diferentes lugares se contaron [[Armenonville]], [[A.B.C]]., [[Maipú Pigall]], [[Florida]], y radios, teatros y grabaciones en todas las marcas.

Muchos conjuntos orquestales, «típicos» en su mayoría, integró en su larga trayectoria de andar con el contrabajo de un lado para otro y así actuó en los más famosos «dancings» y cafés de su tiempo: en [[L'Abaye]] con [[Roberto Firpo; en el Montmartre con [[Francisco Canaro]]; en el Teatro Ópera con [[Osvaldo Fresedo]]; en el Casino con [[Julio De Caro]]; por citar algunos de los locales más famosos donde marcó el compás de centenares de tangos en ejecuciones de orquestas de ritmos tan disímiles. Fue un ejecutante muy codiciado por los directores.

No compuso mucha música aunque tuvo facilidad para crear nuevas melodías. Sus primeras obras quedaron olvidadas pero recordamos el fox-trot “[[Marión]]” y los tangos “[[No seas tonta]]”, “[[Las cuarenta]] [b]”, “[[Quién diría]]”, “[[El loco manso]]”, “[[La caprichosa]]”, “[[Misterio]]” que con letra de [[Carlos Camba]] grabó [[Carlos Gardel]].
A Gardel lo conoció en el [[Armenonville]] y al actuar con Fresedo en el [[Maipú Pigall]] por el año 1924 una noche abordó al cantor (que con su compañero José Razzano era habitué de dicho cabaret) para hablarle de un tango, que Rizzuti al piano se lo hizo conocer. Como le gustó ahí nomás aprendió su melodía que entregó a Camba allí presente, para que le pusiera letra que días después grabó en discos el inolvidable intérprete: era el tango “[[Misterio]]”.

==Muerte==
Baralis falleció en [[Buenos Aires]], el [[7 de octubre]] de [[1949]].

==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/191/Hugo-Ricardo-Baralis/ ]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Jorge Argentino Fernández

2024-02-19T14:06:51Z

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''' Jorge Argentino Fernández,''' Bandoneonista, director y compositor argentino.

== Síntesis biográfica==

Hijo de Justo y Teresa Peirano, nació el [[18 de junio]] de [[1915]] en [[Buenos Aires]], en el barrio de [[Villa Crespo]]. Sus inclinaciones musicales comenzaron desde niño, con un bandoneón que su padre había adquirido para su hermano mayor, Miguel, quien, finalmente, no tendría vocación por la música. Inició el estudio instrumental con su tío Reinaldo Peirano, continuó luego con un amigo de su padre, nada menos que [[Anselmo Aieta]], para luego, completarlos con [[Mario Maurano]].

A los 14 años debutó profesionalmente en la agrupación de Aieta y a los pocos meses se incorporó a la orquesta de [[Manuel Buzón]], compartiendo la línea de bandoneones junto a [[Antonio Ríos]], [[Eduardo Marino]] y Cachito Presas.

En 1932, participó en la gran orquesta de [[Francisco Lomuto]], actuando también en forma temporaria en la orquesta [[Visca-D'Arienzo]]. Tenía de compañeros a [[Juan José Visciglio]] y a [[Domingo Moro]], músicos importantes en la primera etapa de la orquesta del Rey del Compás.

Con apenas 18 años y una gran formación musical, se integró al sexteto más importante de la década, el dirigido por el violinista [[Elvino Vardaro]]. Dicha formación estaba integrada por el violinista [[Hugo Ricardo Baralis]], el joven bandoneonista [[Aníbal Troilo]], el contrabajista [[Pecho Caracciolo]] y en el piano otro joven, [[Osvaldo Pugliese]]. Debutan en el cabaret Tabaris, el [[1 de abril]] de [[1933]], pasando luego al Café Germinal donde lograron un éxito extraordinario, el público los bautizó: [[Sexteto Germinal]].

Por diferencias económicas se disolvieron en 1935. Tanto Fernández, como Troilo y Baralis pasaron a integrar la orquesta de [[Ángel D'Agostino]]. Fernández por breve tiempo ya que volvió con Vardaro reencontrándose con [[Eduardo Marino]]. El cantor del sexteto Vardaro fue Francisco [[Alfredo Marino, autor de los tangos “[[El ciruja]]” y “[[El batidor]]”. En julio de 1937, el bandoneonista Marino se incorpora junto a Baralis a la flamante orquesta de [[Aníbal Troilo]], en la cual permanecería durante 38 años.

En 1938, Fernández y Vardaro participan junto a [[Juan Baüer]] en el Cuarteto del Novecientos, cuyo director fue el pianista y luego consagrado acordeonista, [[Feliciano Brunelli]].

Durante los años 1940 y 1941 integra la formación de [[Rodolfo Biagi]], y, al año siguiente, debuta con su propia agrupación orquestal en Radio Mitre. Logra un importante suceso y, por ese motivo, fue tentado por [[Radio Belgrano]] con un contrato muy interesante. También, durante tres años, fue exclusivo en el Café El Nacional y en el Salón de [[Ambassadeurs]].

En 1946 formó rubro con el cantor [[Jorge Ortiz]] que se había separado de Biagi. La sociedad duró apenas un año. Después de la ruptura, Fernández se incorporó con su orquesta a Radio El Mundo, donde permaneció hasta 1950.

Al año siguiente fue requerido por el sello discográfico Pampa, recientemente creado por la Odeon. Grabó en un disco 78 RPM, dos instrumentales: del pianista de su orquesta [[José Pascual]], “[[Arrabal]]” y de [[Astor Piazzolla]], “[[Contratiempo]]”.

En 1952, participó en Canal 7 de televisión con su cantor [[Alberto Aguirre]], quien en la década del sesenta adquiriría fama como autor y cantante folklórico litoraleño, bajo el nombre de [[Cholo Aguirre]].

Luego la orquesta de Fernández pasó a grabar en Odeon, realizando una versión importante de “[[La cumparsita]]” y del vals “[[Rosa de otoño (Rosas de otoño]]”, con la voz de Aguirre.

A partir de 1960, producto del avance de la música impuesta por los sellos grabadores, la fatídica «nueva ola», todo lo relacionado con el tango tendió a desaparecer. Las grandes formaciones tangueras se disolvieron o se achicaron. Fernández optó por formar un cuarteto.

Recién volvió a grabar en 1967, en el sello [[Disc Jockey. Al año siguiente, realizó un ciclo en Radio Nacional a dúo con el pianista [[José Pascual]].

En 1970 grabó su último long play. Hacía ya unos años que se había incorporado a la empresa petrolera estatal Y.P.F., donde llegó a ocupar importantes cargos hasta su jubilación.

Con este excelente músico, con quien tuve la suerte de conversar y aprender mucho sobre el tango, nos solíamos encontrar en nuestro querido barrio [[Santa Rita de Villa del Parque]]. Fue sin duda, uno de los artistas que más jerarquizaron y aportaron al desarrollo de nuestra música ciudadana, no sólo como intérprete y director, también por su vena de compositor, prueba de ello son sus bellos tangos: “[[Pena de amor]]”, ” [[Otra vez]]” y “[[Ayer y hoy]]”.

==Fuentes==
https://www.todotango.com/creadores/biografia/124/Jorge-Argentino-Fernandez/
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]

Hugo Ricardo Baralis

2024-02-17T14:24:14Z

Yaliuska.sanchezjc: /* Síntesis biográfica */

{{Ficha Persona
|nombre = Hugo Ricardo Baralis
|nombre completo = Hugo Ricardo Baralis
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|fecha de nacimiento = [[22 diciembre]] de [[1890]]
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''' Hugo Ricardo Baralis '''. Contrabajista, mandolinista y compositor nacido en [[Italia]].

== Síntesis biográfica==
Hugo Ricardo Baralis nació en [[Cuneo]] ([[Turín]]-[[Italia]]) el [[22 de diciembre]] de [[1890]]. Su hijo Víctor Hugo ([[Hugo Baralis]]), alcanzó gran renombre como violinista Se inició con [[Eduardo Arolas]] en 1912-1913 y otras formaciones que integró fueron las de [[Minotto Di Cicco]], [[Juan Polito]], [[Francisco Lomuto]], [[Eleuterio Iribarren]], [[José María Rizzuti]], [[José Tinelli]], y entre demás dancings, cafés, y diferentes lugares se contaron [[Armenonville]], [[A.B.C]]., [[Maipú Pigall]], [[Florida]], y radios, teatros y grabaciones en todas las marcas.

Muchos conjuntos orquestales, «típicos» en su mayoría, integró en su larga trayectoria de andar con el contrabajo de un lado para otro y así actuó en los más famosos «dancings» y cafés de su tiempo: en[[ L'Abaye con [[Roberto Firpo; en el Montmartre con [[Francisco Canaro]]; en el Teatro Ópera con [[Osvaldo Fresedo]]; en el Casino con [[Julio De Caro]]; por citar algunos de los locales más famosos donde marcó el compás de centenares de tangos en ejecuciones de orquestas de ritmos tan disímiles. Fue un ejecutante muy codiciado por los directores.

No compuso mucha música aunque tuvo facilidad para crear nuevas melodías. Sus primeras obras quedaron olvidadas pero recordamos el fox-trot “[[Marión]] [b]” y los tangos “[[No seas tonta]]”, “[[Las cuarenta]] [b]”, “[[Quién diría]]”, “[[El loco manso]]”, “[[La caprichosa]] [c]”, “[[Misterio]]” que con letra de [[Carlos Camba]] grabó [[Carlos Gardel]].
A Gardel lo conoció en el [[Armenonville]] y al actuar con Fresedo en el [[Maipú Pigall]] por el año 1924 una noche abordó al cantor (que con su compañero José Razzano era habitué de dicho cabaret) para hablarle de un tango, que Rizzuti al piano se lo hizo conocer. Como le gustó ahí nomás aprendió su melodía que entregó a Camba allí presente, para que le pusiera letra que días después grabó en discos el inolvidable intérprete: era el tango “[[Misterio]]”.

==Muerte==
Baralis falleció en [[Buenos Aires]], el [[7 de octubre]] de [[1949]].

==Fuentes==
*[https://www.todotango.com/creadores/biografia/191/Hugo-Ricardo-Baralis/ ]
[[Category: Personajes]] [[Categoría: Personalidad]]