EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Usuario:Yanier pal.jovenclub

2010-04-16T17:02:57Z

Yanier pal.jovenclub:

{{Usuario|usuario=Yanier_pal.jovenclub|apellidos=González Barrizontes|nombres=Yanier|fotografía=|estudio=Universitario|título=Licenciado en Informática|postgrado=|temas=|institución=[[Joven Club de Computación y Electrónica]]|país=[[Cuba]]}}'''Me llamo Yanier''', soy trabajador del Palacio Central de Computación en Ciudad de la Habana, me desempeño en el mismo como instructor.

== Publicaciones ==

*Audiovisual
*Género cinematográfico
*Cine Clásico
*Cine Estados Unidos
*Cine

== Proyectos ==

Usuario:Yanier pal.jovenclub

2010-04-16T16:59:12Z

Yanier pal.jovenclub:

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== Publicaciones ==

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*Género cinematográfico
*Cine Clásico
*Cine Estados Unidos
*Cine

== Proyectos ==

Cine Sonoro

2010-03-04T19:19:44Z

Yanier pal.jovenclub:

=  {{Obra_cinematográfica|nombre=Cine Sonoro|imagen=Gaumont1902.jpg|descripcion=|autor_director=|fecha=}}Cine Sonoro =

El cine sonoro es aquel en que la película incorpora sonido sincronizado, o sonido tecnológicamente aparejado con imagen, a diferencia del cine mudo. La primera exhibición pública conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, pero sería décadas antes de que la sincronización fiable fuera hecha comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York en abril de 1923. En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como "películas sonoras". El primer largometraje presentado originalmente como una película sonora fue El cantante de jazz, estrenada en octubre de 1927. A principios de los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos director de cine y críticos, que les preocupaba que el centrarse en los diálogos trastornaría única virtud estética del cine mudo. En Japón, donde la popular tradición de cine integraba cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras se arraigaron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento transformativo que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la industria cinematográfica más productiva en el mundo desde principios de los años 1960. 

 A principios de los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos director de cine y críticos, que les preocupaba que el centrarse en los diálogos trastornaría única virtud estética del cine mudo. En Japón, donde la popular tradición de cine integraba cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras se arraigaron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento transformativo que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la industria cinematográfica más productiva en el mundo desde principios de los años 1960. 

== Historia ==

=== Primeros pasos ===

La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como el propio concepto de cine. El 27 de febrero de 1888, pocos días después de que el pionero fotográfico Edward Muybridge dio una conferencia no muy lejos del laboratorio de Thomas Edison, los dos inventores se reunieron en privado. Muybridge más tarde afirmó que en esta ocasión, seis años antes de la primera exhibición de una película comercial, propuso un esquema para el cine sonoro que combinaría su proyector de imágenes zoopraxiscopio con la tecnología de sonido grabado de Edison. No se llegó a ningún acuerdo, pero durante un año Edison se encargó del desarrollo del Quinetoscopio, esencialmente un sistema de "visionado rápido", como complemento visual para su cilindro fonográfico. Los dos aparatos fueron refundidos en el Quinetófono en 1895, pero el visionado individual de imágenes en movimiento en un armario pasó pronto de moda por los éxitos en la proyección de cine. En 1899, un sistema de sonido de cine proyectado conocido como Cinemacrofonógrafo o Fonorama, basado principalmente en el trabajo que el inventor suizo François Dussaud, expuso en París; similar al Quinetófono, el sistema requería el uso individual de auriculares. Un sistema mejorado basado en el cilindro, Phono-Cinéma-Théâtre, fue desarrollado por Clément-Maurice Gratioulet y Henri Lioret de Francia, permitiendo presentarse cortometrajes de extractos de teatro, ópera y ballet en la Exposición de París de 1900. Estos parecen ser las primeras películas exhibidas públicamente con la proyección de tanto imagen como sonido grabado. Sin embargo, tres importantes problemas persistían, llevando a las imágenes en movimiento y al sonido grabado a tomar caminos separados durante una generación: 1. Sincronización – La imagen y el sonido se grababan y reproducían por aparatos separados, que eran difíciles de comenzar y mantenerlos en sincronización. 2. Volumen de reproducción – Mientras que los proyectores de imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias más grandes de teatro, la tecnología de audio antes del desarrollo de la amplificación eléctrica no podía sobresalir para llenar satisfactoriamente grandes espacios. 3. Fidelidad de la grabación – Los sistemas primitivos de la era producían sonido de muy baja calidad a no ser que los intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de grabación (altavoces de trompeta, por lo general), imponiendo serios límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado en directo. Los innovadores cinemáticos intentaron arreglárselas con el problema fundamental de sincronización de diferentes maneras; un número creciente de sistemas de imágenes en movimiento dependían de discos de vinilo —conocido como tecnología sonido en disco; a las grabaciones se les llamaba a menudo "discos berlineses", no por ninguna conexión geográfica directa, sino en honor de uno de los principales inventores en el campo, el germano-estadounidense Emile Berliner. Léon Gaumont mostró un sistema que involucraba sincronización mecánica entre un proyector de cine y un plato de tocadiscos en la Exposición Universal de París de 1900. En 1902, su Cronofono, involucrando una conexión eléctrica que Gaumont había patentado recientemente, fue mostrado en la Sociedad Fotográfica Francesa. Cuatro años más tarde, introdujo el Elgéphone, un sistema de amplificación de aire comprimido basado en el Auxetophone, desarrollado por los inventores británicos Horace Short y Charles Parsons. A pesar de las altas expectativas, las innovaciones de sonido de Gaumont tuvieron sólo un éxito comercial limitado —aunque se hicieron mejoras, éstas aún no solucionaban satisfactoriamente los tres problemas básicos con el sonido en el cine y eran además caras. Durante algunos años, el Cameraphone del inventor estadounidense E. E. Norton fue el principal competidor del sistema de Gaumont (algunas fuentes difieren en si el Cameraphone estaba basado en disco o en cilindros); al final falló por muchas de las mismas razones que ocurrieron con el Chronophone. A finales de 1910, el movimiento en el cine sonoro había remitido. Las innovaciones continuaron en otros frentes. En 1907, al francés Eugene Lauste —que había trabajado en el laboratorio de Edison entre 1886 y 1892— se le otorgó la primera patente de tecnología de sonido óptico, involucrando la transformación del sonido en ondas de luz que eran grabadas fotográficamente de forma directa en celuloide. Como describía el historiador Scott Eyman, Era un sistema doble, esto es, el sonido estaba en una parte diferente del celuloide que la imagen.... En esencia, el sonido se capturaba con un micrófono y se traducía en ondas de luz a través de una válvula de luz, una delgada cinta de metal sensible sobre una diminuta hendidura. El sonido que llegaba a esta cinta se convertiría en luz por el escalofrío del diafragma, enfocando las ondas de luz resultantes a través de la hendidura, donde sería fotografiado en una parte del celuloide, en una cinta de una décima parte de pulgada de ancho. Aunque el sonido óptico finalmente se convertiría en el estándar universal para cine sonoro sincronizado, Lauste nunca explotó con éxito sus innovaciones, que llegaron en efecto a un callejón sin salida. En 1913, Edison introdujo un nuevo aparato de sonido sincronizado basado en cilindros como su sistema de 1895 llamado Kinetophone; en vez de mostrar las películas individualmente en el cuarto del kinetoscope, ahora se proyectaban en una pantalla. El tocadiscos se conectaba por una complicada serie de poleas hasta el proyector de cine, permitiendo —bajo condiciones ideales— sincronización. Las condiciones, sin embargo, eran raramente ideales, y el nuevo y mejorado Kinetophone fue retirado después de poco más de un año. Otras películas sonoras, basadas en una variedad de sistemas, fueron hechas antes de los años 1920, generalmente con intérpretes sincronizando los labios con grabaciones de audio previamente hechas. La tecnología era mucho más adecuada para propósitos comerciales, y durante muchos años los jefes de los principales estudios de cine de Hollywood vieron poco beneficio en producir películas sonoras. Así estas películas fueron relegadas, junto con las películas de color, al estado de curiosidad. 

 

=== Innovaciones cruciales ===

Un número de desarrollos tecnológicos contribuyeron a hacer el cine sonoro comercialmente viable a finales de los años 1920. Dos involucraron acercamientos opuestos para la reproducción de sonido sincronizado o playback: Sonido óptico avanzado – En 1919, al inventor estadounidense Lee De Forest se le otorgaron varias patentes que llevarían a la primera tecnología de sonido óptico con aplicación comercial. En el sistema de De Forest, la pista de sonido era grabada fotográficamente en un lado de la cinta de la película para crear una copia compuesta o "casada". Si se conseguía una correcta sincronización del sonido y la imagen en la grabación, se podía confiar absolutamente en la reproducción. Durante los siguientes cuatro años, mejoró su sistema con la ayuda de material y patentes autorizadas por otro inventor estadounidense en el campo, Theodore Case. En la University of Illinois, el ingeniero investigador de origen polaco Joseph Tykociński-Tykociner estuvo trabajando independientemente en un proceso similar. El 9 de junio de 1922, hizo la primera demostración de una película con sonido óptico a los miembros de la American Institute of Electrical Engineers. Como con Lauste, el sistema de Tykociner nunca tomaría ventajas comerciales; sin embargo, el de De Forest, pronto lo haría. El 15 de abril de 1923, en el Teatro Rivoli de la ciudad de Nueva York, se proyectó la primera película comercial con sonido óptico, el estándar futuro: una serie de cortos bajo la bandera de De Forest Phonofilms, acompañando una película muda. Ese junio, De Forest entró en una extendida batalla legal con un empleado, Freeman Harrison Owens, por el derecho de una de las patentes cruciales de Phonofilm. Aunque De Forest finalmente ganó el caso en los tribunales, Owens es hoy en día reconocido como un innovador central en el campo. El año siguiente, el estudio de De Forest estrenó la primera película comercial dramática sonora—la película de dos bobinas Love's Old Sweet Song, dirigida por J. Searle Dawley protagonizada por Una Merkel. La especialidad de Phonofilms, no obstante, no eran dramas originales sino documentales de celebridades, actos de música popular y actuaciones de comedia. El Presidente Calvin Coolidge, el cantante de ópera Abbie Mitchell y estrellas de vodevil como Phil Baker, Ben Bernie, Eddie Cantor y Oscar Levant aparecieron en las películas de la firma. Hollywood permaneció receloso, incluso temeroso, de la nueva tecnología. Como el editor de Photoplay James Quirk puso en marzo de 1924, "Las películas sonoras son perfeccionadas, dice Dr. Lee De Forest. También lo es aceite de ricino." El proceso de De Forest continuó usándose en 1927 en los Estados Unidos en docenas de cortos de Phonofilms; en el Reino Unido fue usado unos pocos años más para tanto cortometrajes como largometrajes por British Sound Film Productions, una filial de British Talking Pictures, que compró los principales activos de Phonofilm. A finales de 1930, el negocio de Phonofilm sería liquidado. En Europa, otros también estaban trabajando en el desarrollo de sonido óptico. El mismo año que De Forest recibió sus primeras patentes en el campo, tres inventores alemanes patentaron el sistema de sonido Tri-Ergon. El 17 de septiembre de 1922, presentaron una proyección pública de producciones con sonido óptico-incluyendo una película sonora dramática, Der Brandstifter (El pirómano) —ante una audiencia invitada en el Alhambra Kino de Berlín. En 1923, dos ingenieros daneses, Axel Petersen y Arnold Poulsen, patentaron un sistema en donde el sonido era grabado en tiras de diapositivas separadas funcionando en paralelo con la bobina de imágenes. Gaumont autorizaría y pondría brevemente la tecnología para uso comercial bajo el nombre Cinéphone. Fue una competición nacional, sin embargo, lo que llevaría al eclipse de Phonofilms. En septiembre de 1925, el acuerdo de trabajo entre De Forest y Case había fracasado. El julio siguiente, Case se unió a Fox Film, el tercer estudio más grande de Hollywood, para fundar la Fox-Case Corporation. El sistema desarrollado por Case y su ayudante, Earl Sponable, con el nombre de Movietone, se convirtió en la primera tecnología de sonido óptico viable controlada por un estudio cinematográfico de Hollywood. El año siguiente, Fox compró los derechos en América del Norte del sistema Tri-Ergon, aunque la empresa lo encontró inferior a Movietone y virtualmente imposible de integrar los dos sistemas diferentes para aprovecharlos. En 1927, también, Fox retuvo los servicios de Freeman Owens, que tenía una particular habilidad en construir cámaras para películas sonoras sincronizadas. 

=== Advanced sound-on-disc ===

– En paralelo con las mejoras en la tecnología sound-on-film, un número de empresas estaban haciendo progresos con sistemas en donde el sonido de la película era grabado en discos fonográficos. En la tecnología sound-on-disc de la era, un plato fonográfico era conectado por un entrelazado mecánico a un proyector de cine especialmente modificado, permitiendo sincronización. En 1921, el sistema sound-on-disc Photokinema desarrollado por Orlando Kellum fue empleado para añadir secuencias de sonido sincronizado a la fallida película muda Dream Street de D. W. Griffith. Una canción de amor, interpretada por la estrella Ralph Graves, fue grabada, como lo fue una secuencia de efectos vocales en directo. Aparentemente, las escenas de diálogo también fueron grabadas, pero los resultados fueron insatisfactorios y la película incorporando ellas no fue nunca estrenado públicamente. El 1 de mayo de 1921, Dream Street fue reestrenada, con la canción de amor añadida, en el teatro Town Hall de la ciudad de Nueva York, calificándola—no obstante al azar—como el primer largometraje con una secuencia vocal grabada en directo. No habría otras durante más de seis años. En 1925, Warner Bros., entonces un pequeño estudio de Hollywood con grandes ambiciones, comenzó a experimentar con los sistemas sound-on-disc en los Vitagraph Studios de Nueva York, que había comprado recientemente. La tecnología de Warner Bros., llamada Vitaphone, fue introducida públicamente el 6 de agosto de 1926, con el estreno de la película de casi tres horas Don Juan; el primer largometraje en emplear un sistema de sonido sincronizado de cualquier tipo durante toda la película, su banda sonora contenía música y efectos de sonido, pero no diálogo grabado-en otras palabras, había sido pensado y rodado como una película muda. Acompañando Don Juan, no obstante, había ocho cortos de interpretaciones musicales, la mayoría clásicas, así como una introducción filmada de cuatro minutos por Will H. Hays, presidente de la Motion Picture Association of America, todo con sonido grabado en directo. Estas fueron las verdaderas primeras películas sonoras exhibidas por un estudio de Hollywood. Don Juan no sería estrenado de forma general hasta febrero del año siguiente, haciendo de la técnicamente similar The Better 'Ole, presentada por Warner Bros. En octubre de 1926, el primer largometraje con sonido sincronizado durante toda la película para mostrarse a una amplia audiencia. Sound-on-film ganaría finalmente saldría victorioso sobre sound-on-disc por un número de ventajas técnicas fundamentales: • Sincronización: ningún sistema de entrelazado era completamente fiable, y el sonido podía desincronizarse debido a saltos en el disco o cambios de minutos en la velocidad de la película, requiriendo la supervisión constante y el ajuste manual frecuente • Edición: los discos no podían ser editados directamente, limitando severamente la capacidad de hacer alteraciones en sus películas acompañantes después de la edición original • Distribución: los discos fonográficos añadían gastos y complicación extra a la distribución de películas • Uso y desgaste: el proceso físico de reproducir los discos los degradaba, requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte proyecciones Sin embargo, en los primeros años, sound-on-disc tuvo ventajas sobre el sound-on-film de dos maneras considerables: • Coste de producción y capital: era generalmente menos caro grabar sonido en un disco que en el celuloide y los sistemas de exhibición principales—tocadiscos/entrelazado/proyector—eran más baratos de fabricar que los complejos proyectores que leían los patrones de imagen y sonido requeridos por sound-on-film • Calidad de audio: los discos de gramófono, los Vitaphone en particular, tenían un rango dinámico superior al de la mayoría de los procesos sound-on-film del tiempo, al menos durante las primeras reproducciones—mientras el sound-on-film tendía a tener una mejor respuesta en frecuencia, esto era superado por una mayor distorsión y ruido A medida que la tecnología sound-on-film mejoraba, estas dos desventajas fueron superadas. El tercer conjunto de innovaciones cruciales marcó un importante paso hacia adelante en tanto la grabación en directo del sonido como su eficaz reproducción: 

 

=== Triunfo de las películas sonoras ===

En febrero de 1927, fue firmado un acuerdo por cinco importantes productoras de Hollywood—las llamadas Dos Grandes, Paramount y MGM, así como First National (una vez en el ranking de la industria junto con Fox, pero ahora en declive), la de medio tamaño Universal, y la pequeña pero prestigiosa Producers Distributing Corporation (PDC) de Cecil B. DeMille—para seleccionar colectivamente sólo un proveedor para la conversión de sonido. El grupo de las cinco entonces se puso cómodo y esperó para ver qué tipo de resultados proponían los precursores. En mayo, Warner Bros. revendió sus derechos de exclusividad a ERPI (junto con la sub licencia Fox-Case) y firmó un nuevo contrato de regalía similar al de Fox para el uso de la tecnología de Western Electric. A medida que Fox y los Warner avanzaron con el cine sonoro en diferentes direcciones, tanto tecnológicamente como comercialmente—Fox con noticiarios y después dramas musicales, los Warner con películas habladas—también lo hizo ERPI, que buscó hacerse con el mercado firmando con cinco importantes aliados. Todas las películas sonoras de grandes sensaciones del año se aprovecharon de las celebridades preexistentes. El 20 de mayo de 1927, en el Teatro Roxy de Nueva York, Fox Movietone presentó una película sonora del despegue del célebre vuelo a París de Charles Lindbergh, grabado más temprano ese mismo día. En junio, un noticiario sonoro de Fox se muestra presentando su bienvenida de vuelta a Nueva York y Washington, D.C... Estas fueron las dos películas sonoras más aclamadas hasta la fecha. También en mayo, Fox estrenó la primera película de Hollywood de ficción con diálogo sincronizado: el corto They're Coming to Get Me, protagonizado por el químico Chic Sale. Después de reestrenar unos pocos éxitos de películas mudas, como El séptimo cielo, con música grabada, Fox sacó su primera película original Movietone el 23 de septiembre: Amanecer, por el aclamado director alemán F. W. Murnau. Como con Don Juan, la banda sonora de la película estaba compuesta de música y efectos de sonido (incluyendo, en un par de escenas llenas de gente, conversaciones no específicas). Luego, el 6 de octubre de 1927, se estrenó El cantante de jazz de Warner Bros.. Fue un exitazo en taquilla para el estudio de tamaño medio, ganando un total de 2.625 millones de $ en los Estados Unidos y en el extranjero, casi un millón de dólares más que el anterior récord para una película de los Warner. Producida con el sistema Vitaphone, la mayor parte de la película no contiene audio grabado en directo, dependiendo, como Amanecer y Don Juan, en su música y efectos sonoros. Cuando la estrella de la película, Al Jolson, canta, no obstante, la película cambia a sonido grabado en el plató, incluyendo tanto sus interpretaciones musicales como dos escenas con discurso improvisado—uno del personaje de Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin), dirigiéndose a la audiencia de un cabaré; el otro un intercambio de opiniones entre él y su madre. Aunque el éxito de El cantante de jazz fue debido en gran parte a Jolson, ya establecido como una de las más grandes estrellas musicales de Estados Unidos, y su uso limitado de sonido sincronizada apenas se calificaba como una innovadora película sonora (sino como la "primera"), los considerables beneficios fueron prueba suficiente para la industria de que valía la pena invertir en la tecnología. El desarrollo del cine sonoro comercial había avanzado a rachas antes de El cantante de jazz, y el éxito de la película no cambió las cosas de la noche a la mañana. No fue hasta mayo de 1928 que los cuatro principales reacios (PDC había abandonado la alianza)—junto con United Artists y otros—firmaron con ERPI para la conversión de las instalaciones de producción y los teatros para el cine sonoro. Inicialmente, todos los teatros cableados por ERPI fueron hechos compatibles con Vitaphone; la mayoría estaban equipados para proyectar bobinas Movietone también. Incluso con el acceso a ambas tecnologías, no obstante, la mayoría de las empresas de Hollywood continuaron siendo lentas para producir películas habladas propias. Ningún estudio aparte de Warner Bros. estrenaron ni una película con partes sonoras hasta que el pequeño Film Booking Offices of America (FBO) estrenó Perfect Crime el 17 de junio de 1928, ocho meses después de El cantante de jazz.[26] FBO había caído bajo el control efectivo de un competidor de Western Electric, la división RCA de General Electric, que estaba buscando comercializar su nuevo sistema sound-on-film, Photophone. A diferencia del Movietone de Fox-Case y el Phonofilm de De Forest, que eran sistemas de densidad variable, Photophone era un sistema de área variable—un refinamiento en la manera que la señal de audio era inscrito en el celuloide que se convertiría finalmente en la regla. (En ambos sistemas, una lámpara especialmente diseñada, la exposición de cual con el celuloide es determinada por la entrada de audio, es usada para grabar el sonido fotográficamente como una serie de líneas minúsculas. En un proceso de densidad variable, las líneas son de oscuridad variable; en un proceso de área variable, las líneas son de anchura variable.) Para octubre, la alianza FBO-RCA llevaría a la creación de un nuevo e importante estudio de Hollywood, RKO Pictures. Mientras tanto, Warner Bros. había estrenado tres películas habladas más en la primavera, todas rentables, pero no al nivel de El cantante de jazz: en marzo apareció The Tenderloin; fue nombrada por los Warner como la primera película en donde los personajes pronunciaban sus partes, aunque sólo 15 de sus 88 minutos tenían diálogo. En abril le siguió Glorious Betsy y The Lion and the Mouse (31 minutos de diálogo) en mayo. El 6 de julio de 1928 se estrenó la primera película completamente hablada, Lights of New York. La película costó a Warner Bros. sólo $23.000 para producirse, pero ganó $1,252 millones, una tasa récord de rendimiento superando el 5.000%. En septiembre, el estudio estrenó otra película con partes habladas con Al Jolson, The Singing Fool, que dobló con creces el récord de beneficios de El cantante de jazz para una película de los Warner. Este segundo éxito de pantalla de Jolson demostró la capacidad de una película musical de transformar una canción en un éxito nacional: el siguiente verano, el número de Jolson "Sonny Boy" se había anotado unas ventas de 2 millones de discos y 1,25 millones de partituras. En septiembre de 1928 se estrenó Dinner Time de Paul Terry que fue uno de los primeras dibujos animados producidos con sonido sincronizado. Después de ver esto, Walt Disney decidió hacer uno de sus cortos de Mickey Mouse, Steamboat Willie, también con sonido. A lo largo de 1928, a medida que Warner Bros. comenzó a recoger grandes beneficios debido a la popularidad de sus películas sonoras, los otros estudios aceleraron el ritmo de su conversión a la nueva tecnología. Paramount, el líder de la industria, sacó su primera película hablada a finales de septiembre, Beggars of Life; aunque tenía sólo unas pocas líneas de diálogo, demostró el reconocimiento del estudio del poder del nuevo medio. Interference, la primera película completamente hablada de Paramount, debutó en noviembre. Las expectativas cambiaron rápidamente, y la "moda" de 1927 se convirtió en un procedimiento estándar para 1929. En febrero de 1929, dieciséis meses después del debut de El cantante de jazz, Columbia Pictures fue el último de los ocho estudios que serían conocidos como "grandes" durante la Edad de Oro de Hollywood en estrenar su primera película con partes habladas, Lone Wolf's Daughter. La mayoría de los cines estadounidenses, especialmente fuera de áreas urbanas, no estaban aún equipados para el sonido y los estudios no estaban completamente convencidos del interés universal de las películas habladas-a mediados de los años 1930, la mayoría de las películas de Hollywood eran producidas en versiones duales, tanto muda como sonora. Aunque pocos en la industria lo predijeron, el cine mudo como un medio comercial viable en los Estados Unidos sería pronto algo más que un recuerdo. La última película mayoritaria completamente muda sacada por uno de los estudios grandes de Hollywood fue el western Points West de Hoot Gibson, estrenado por Universal Pictures en agosto de 1929. Un mes antes, la primera película completamente en color y completamente hablada se había estrenado públicamente: On with the Show! de Warner Bros. 

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Cine Sonoro

2010-03-03T18:24:03Z

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{{Otros_usos}} 

== Cine Sonoro ==

El cine sonoro es aquel en que la película incorpora sonido sincronizado, o sonido tecnológicamente aparejado con imagen, a diferencia del cine mudo. La primera exhibición pública[[Image:Gaumont1902.jpg|thumb|right|Cartel de 1902 anunciando las películas sonoras de Gaumont con un amplio público optimista.]] conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, pero sería décadas antes de que la sincronización fiable fuera hecha comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York en abril de 1923. En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como "películas sonoras". El primer largometraje presentado originalmente como una película sonora fue El cantante de jazz, estrenada en octubre de 1927. A principios de los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos director de cine y críticos, que les preocupaba que el centrarse en los diálogos trastornaría única virtud estética del cine mudo. En Japón, donde la popular tradición de cine integraba cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras se arraigaron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento transformativo que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la industria cinematográfica más productiva en el mundo desde principios de los años 1960. 

 A principios de los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos director de cine y críticos, que les preocupaba que el centrarse en los diálogos trastornaría única virtud estética del cine mudo. En Japón, donde la popular tradición de cine integraba cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras se arraigaron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento transformativo que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la industria cinematográfica más productiva en el mundo desde principios de los años 1960. 

== Historia ==

=== Primeros pasos ===

La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como el propio concepto de cine. El 27 de febrero de 1888, pocos días después de que el pionero fotográfico Edward Muybridge dio una conferencia no muy lejos del laboratorio de Thomas Edison, los dos inventores se reunieron en privado. Muybridge más tarde afirmó que en esta ocasión, seis años antes de la primera exhibición de una película comercial, propuso un esquema para el cine sonoro que combinaría su proyector de imágenes zoopraxiscopio con la tecnología de sonido grabado de Edison. No se llegó a ningún acuerdo, pero durante un año Edison se encargó del desarrollo del Quinetoscopio, esencialmente un sistema de "visionado rápido", como complemento visual para su cilindro fonográfico. Los dos aparatos fueron refundidos en el Quinetófono en 1895, pero el visionado individual de imágenes en movimiento en un armario pasó pronto de moda por los éxitos en la proyección de cine. En 1899, un sistema de sonido de cine proyectado conocido como Cinemacrofonógrafo o Fonorama, basado principalmente en el trabajo que el inventor suizo François Dussaud, expuso en París; similar al Quinetófono, el sistema requería el uso individual de auriculares. Un sistema mejorado basado en el cilindro, Phono-Cinéma-Théâtre, fue desarrollado por Clément-Maurice Gratioulet y Henri Lioret de Francia, permitiendo presentarse cortometrajes de extractos de teatro, ópera y ballet en la Exposición de París de 1900. Estos parecen ser las primeras películas exhibidas públicamente con la proyección de tanto imagen como sonido grabado. Sin embargo, tres importantes problemas persistían, llevando a las imágenes en movimiento y al sonido grabado a tomar caminos separados durante una generación: 1. Sincronización – La imagen y el sonido se grababan y reproducían por aparatos separados, que eran difíciles de comenzar y mantenerlos en sincronización. 2. Volumen de reproducción – Mientras que los proyectores de imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias más grandes de teatro, la tecnología de audio antes del desarrollo de la amplificación eléctrica no podía sobresalir para llenar satisfactoriamente grandes espacios. 3. Fidelidad de la grabación – Los sistemas primitivos de la era producían sonido de muy baja calidad a no ser que los intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de grabación (altavoces de trompeta, por lo general), imponiendo serios límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado en directo. Los innovadores cinemáticos intentaron arreglárselas con el problema fundamental de sincronización de diferentes maneras; un número creciente de sistemas de imágenes en movimiento dependían de discos de vinilo —conocido como tecnología sonido en disco; a las grabaciones se les llamaba a menudo "discos berlineses", no por ninguna conexión geográfica directa, sino en honor de uno de los principales inventores en el campo, el germano-estadounidense Emile Berliner. Léon Gaumont mostró un sistema que involucraba sincronización mecánica entre un proyector de cine y un plato de tocadiscos en la Exposición Universal de París de 1900. En 1902, su Cronofono, involucrando una conexión eléctrica que Gaumont había patentado recientemente, fue mostrado en la Sociedad Fotográfica Francesa. Cuatro años más tarde, introdujo el Elgéphone, un sistema de amplificación de aire comprimido basado en el Auxetophone, desarrollado por los inventores británicos Horace Short y Charles Parsons. A pesar de las altas expectativas, las innovaciones de sonido de Gaumont tuvieron sólo un éxito comercial limitado —aunque se hicieron mejoras, éstas aún no solucionaban satisfactoriamente los tres problemas básicos con el sonido en el cine y eran además caras. Durante algunos años, el Cameraphone del inventor estadounidense E. E. Norton fue el principal competidor del sistema de Gaumont (algunas fuentes difieren en si el Cameraphone estaba basado en disco o en cilindros); al final falló por muchas de las mismas razones que ocurrieron con el Chronophone. A finales de 1910, el movimiento en el cine sonoro había remitido. Las innovaciones continuaron en otros frentes. En 1907, al francés Eugene Lauste —que había trabajado en el laboratorio de Edison entre 1886 y 1892— se le otorgó la primera patente de tecnología de sonido óptico, involucrando la transformación del sonido en ondas de luz que eran grabadas fotográficamente de forma directa en celuloide. Como describía el historiador Scott Eyman, Era un sistema doble, esto es, el sonido estaba en una parte diferente del celuloide que la imagen.... En esencia, el sonido se capturaba con un micrófono y se traducía en ondas de luz a través de una válvula de luz, una delgada cinta de metal sensible sobre una diminuta hendidura. El sonido que llegaba a esta cinta se convertiría en luz por el escalofrío del diafragma, enfocando las ondas de luz resultantes a través de la hendidura, donde sería fotografiado en una parte del celuloide, en una cinta de una décima parte de pulgada de ancho. Aunque el sonido óptico finalmente se convertiría en el estándar universal para cine sonoro sincronizado, Lauste nunca explotó con éxito sus innovaciones, que llegaron en efecto a un callejón sin salida. En 1913, Edison introdujo un nuevo aparato de sonido sincronizado basado en cilindros como su sistema de 1895 llamado Kinetophone; en vez de mostrar las películas individualmente en el cuarto del kinetoscope, ahora se proyectaban en una pantalla. El tocadiscos se conectaba por una complicada serie de poleas hasta el proyector de cine, permitiendo —bajo condiciones ideales— sincronización. Las condiciones, sin embargo, eran raramente ideales, y el nuevo y mejorado Kinetophone fue retirado después de poco más de un año. Otras películas sonoras, basadas en una variedad de sistemas, fueron hechas antes de los años 1920, generalmente con intérpretes sincronizando los labios con grabaciones de audio previamente hechas. La tecnología era mucho más adecuada para propósitos comerciales, y durante muchos años los jefes de los principales estudios de cine de Hollywood vieron poco beneficio en producir películas sonoras. Así estas películas fueron relegadas, junto con las películas de color, al estado de curiosidad. 

 

=== Innovaciones cruciales ===

Un número de desarrollos tecnológicos contribuyeron a hacer el cine sonoro comercialmente viable a finales de los años 1920. Dos involucraron acercamientos opuestos para la reproducción de sonido sincronizado o playback: Sonido óptico avanzado – En 1919, al inventor estadounidense Lee De Forest se le otorgaron varias patentes que llevarían a la primera tecnología de sonido óptico con aplicación comercial. En el sistema de De Forest, la pista de sonido era grabada fotográficamente en un lado de la cinta de la película para crear una copia compuesta o "casada". Si se conseguía una correcta sincronización del sonido y la imagen en la grabación, se podía confiar absolutamente en la reproducción. Durante los siguientes cuatro años, mejoró su sistema con la ayuda de material y patentes autorizadas por otro inventor estadounidense en el campo, Theodore Case. En la University of Illinois, el ingeniero investigador de origen polaco Joseph Tykociński-Tykociner estuvo trabajando independientemente en un proceso similar. El 9 de junio de 1922, hizo la primera demostración de una película con sonido óptico a los miembros de la American Institute of Electrical Engineers. Como con Lauste, el sistema de Tykociner nunca tomaría ventajas comerciales; sin embargo, el de De Forest, pronto lo haría. El 15 de abril de 1923, en el Teatro Rivoli de la ciudad de Nueva York, se proyectó la primera película comercial con sonido óptico, el estándar futuro: una serie de cortos bajo la bandera de De Forest Phonofilms, acompañando una película muda. Ese junio, De Forest entró en una extendida batalla legal con un empleado, Freeman Harrison Owens, por el derecho de una de las patentes cruciales de Phonofilm. Aunque De Forest finalmente ganó el caso en los tribunales, Owens es hoy en día reconocido como un innovador central en el campo. El año siguiente, el estudio de De Forest estrenó la primera película comercial dramática sonora—la película de dos bobinas Love's Old Sweet Song, dirigida por J. Searle Dawley protagonizada por Una Merkel. La especialidad de Phonofilms, no obstante, no eran dramas originales sino documentales de celebridades, actos de música popular y actuaciones de comedia. El Presidente Calvin Coolidge, el cantante de ópera Abbie Mitchell y estrellas de vodevil como Phil Baker, Ben Bernie, Eddie Cantor y Oscar Levant aparecieron en las películas de la firma. Hollywood permaneció receloso, incluso temeroso, de la nueva tecnología. Como el editor de Photoplay James Quirk puso en marzo de 1924, "Las películas sonoras son perfeccionadas, dice Dr. Lee De Forest. También lo es aceite de ricino." El proceso de De Forest continuó usándose en 1927 en los Estados Unidos en docenas de cortos de Phonofilms; en el Reino Unido fue usado unos pocos años más para tanto cortometrajes como largometrajes por British Sound Film Productions, una filial de British Talking Pictures, que compró los principales activos de Phonofilm. A finales de 1930, el negocio de Phonofilm sería liquidado. En Europa, otros también estaban trabajando en el desarrollo de sonido óptico. El mismo año que De Forest recibió sus primeras patentes en el campo, tres inventores alemanes patentaron el sistema de sonido Tri-Ergon. El 17 de septiembre de 1922, presentaron una proyección pública de producciones con sonido óptico-incluyendo una película sonora dramática, Der Brandstifter (El pirómano) —ante una audiencia invitada en el Alhambra Kino de Berlín. En 1923, dos ingenieros daneses, Axel Petersen y Arnold Poulsen, patentaron un sistema en donde el sonido era grabado en tiras de diapositivas separadas funcionando en paralelo con la bobina de imágenes. Gaumont autorizaría y pondría brevemente la tecnología para uso comercial bajo el nombre Cinéphone. Fue una competición nacional, sin embargo, lo que llevaría al eclipse de Phonofilms. En septiembre de 1925, el acuerdo de trabajo entre De Forest y Case había fracasado. El julio siguiente, Case se unió a Fox Film, el tercer estudio más grande de Hollywood, para fundar la Fox-Case Corporation. El sistema desarrollado por Case y su ayudante, Earl Sponable, con el nombre de Movietone, se convirtió en la primera tecnología de sonido óptico viable controlada por un estudio cinematográfico de Hollywood. El año siguiente, Fox compró los derechos en América del Norte del sistema Tri-Ergon, aunque la empresa lo encontró inferior a Movietone y virtualmente imposible de integrar los dos sistemas diferentes para aprovecharlos. En 1927, también, Fox retuvo los servicios de Freeman Owens, que tenía una particular habilidad en construir cámaras para películas sonoras sincronizadas. 

=== Advanced sound-on-disc ===

– En paralelo con las mejoras en la tecnología sound-on-film, un número de empresas estaban haciendo progresos con sistemas en donde el sonido de la película era grabado en discos fonográficos. En la tecnología sound-on-disc de la era, un plato fonográfico era conectado por un entrelazado mecánico a un proyector de cine especialmente modificado, permitiendo sincronización. En 1921, el sistema sound-on-disc Photokinema desarrollado por Orlando Kellum fue empleado para añadir secuencias de sonido sincronizado a la fallida película muda Dream Street de D. W. Griffith. Una canción de amor, interpretada por la estrella Ralph Graves, fue grabada, como lo fue una secuencia de efectos vocales en directo. Aparentemente, las escenas de diálogo también fueron grabadas, pero los resultados fueron insatisfactorios y la película incorporando ellas no fue nunca estrenado públicamente. El 1 de mayo de 1921, Dream Street fue reestrenada, con la canción de amor añadida, en el teatro Town Hall de la ciudad de Nueva York, calificándola—no obstante al azar—como el primer largometraje con una secuencia vocal grabada en directo. No habría otras durante más de seis años. En 1925, Warner Bros., entonces un pequeño estudio de Hollywood con grandes ambiciones, comenzó a experimentar con los sistemas sound-on-disc en los Vitagraph Studios de Nueva York, que había comprado recientemente. La tecnología de Warner Bros., llamada Vitaphone, fue introducida públicamente el 6 de agosto de 1926, con el estreno de la película de casi tres horas Don Juan; el primer largometraje en emplear un sistema de sonido sincronizado de cualquier tipo durante toda la película, su banda sonora contenía música y efectos de sonido, pero no diálogo grabado-en otras palabras, había sido pensado y rodado como una película muda. Acompañando Don Juan, no obstante, había ocho cortos de interpretaciones musicales, la mayoría clásicas, así como una introducción filmada de cuatro minutos por Will H. Hays, presidente de la Motion Picture Association of America, todo con sonido grabado en directo. Estas fueron las verdaderas primeras películas sonoras exhibidas por un estudio de Hollywood. Don Juan no sería estrenado de forma general hasta febrero del año siguiente, haciendo de la técnicamente similar The Better 'Ole, presentada por Warner Bros. En octubre de 1926, el primer largometraje con sonido sincronizado durante toda la película para mostrarse a una amplia audiencia. Sound-on-film ganaría finalmente saldría victorioso sobre sound-on-disc por un número de ventajas técnicas fundamentales: • Sincronización: ningún sistema de entrelazado era completamente fiable, y el sonido podía desincronizarse debido a saltos en el disco o cambios de minutos en la velocidad de la película, requiriendo la supervisión constante y el ajuste manual frecuente • Edición: los discos no podían ser editados directamente, limitando severamente la capacidad de hacer alteraciones en sus películas acompañantes después de la edición original • Distribución: los discos fonográficos añadían gastos y complicación extra a la distribución de películas • Uso y desgaste: el proceso físico de reproducir los discos los degradaba, requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte proyecciones Sin embargo, en los primeros años, sound-on-disc tuvo ventajas sobre el sound-on-film de dos maneras considerables: • Coste de producción y capital: era generalmente menos caro grabar sonido en un disco que en el celuloide y los sistemas de exhibición principales—tocadiscos/entrelazado/proyector—eran más baratos de fabricar que los complejos proyectores que leían los patrones de imagen y sonido requeridos por sound-on-film • Calidad de audio: los discos de gramófono, los Vitaphone en particular, tenían un rango dinámico superior al de la mayoría de los procesos sound-on-film del tiempo, al menos durante las primeras reproducciones—mientras el sound-on-film tendía a tener una mejor respuesta en frecuencia, esto era superado por una mayor distorsión y ruido A medida que la tecnología sound-on-film mejoraba, estas dos desventajas fueron superadas. El tercer conjunto de innovaciones cruciales marcó un importante paso hacia adelante en tanto la grabación en directo del sonido como su eficaz reproducción: 

 

=== Triunfo de las películas sonoras ===

En febrero de 1927, fue firmado un acuerdo por cinco importantes productoras de Hollywood—las llamadas Dos Grandes, Paramount y MGM, así como First National (una vez en el ranking de la industria junto con Fox, pero ahora en declive), la de medio tamaño Universal, y la pequeña pero prestigiosa Producers Distributing Corporation (PDC) de Cecil B. DeMille—para seleccionar colectivamente sólo un proveedor para la conversión de sonido. El grupo de las cinco entonces se puso cómodo y esperó para ver qué tipo de resultados proponían los precursores. En mayo, Warner Bros. revendió sus derechos de exclusividad a ERPI (junto con la sub licencia Fox-Case) y firmó un nuevo contrato de regalía similar al de Fox para el uso de la tecnología de Western Electric. A medida que Fox y los Warner avanzaron con el cine sonoro en diferentes direcciones, tanto tecnológicamente como comercialmente—Fox con noticiarios y después dramas musicales, los Warner con películas habladas—también lo hizo ERPI, que buscó hacerse con el mercado firmando con cinco importantes aliados. Todas las películas sonoras de grandes sensaciones del año se aprovecharon de las celebridades preexistentes. El 20 de mayo de 1927, en el Teatro Roxy de Nueva York, Fox Movietone presentó una película sonora del despegue del célebre vuelo a París de Charles Lindbergh, grabado más temprano ese mismo día. En junio, un noticiario sonoro de Fox se muestra presentando su bienvenida de vuelta a Nueva York y Washington, D.C... Estas fueron las dos películas sonoras más aclamadas hasta la fecha. También en mayo, Fox estrenó la primera película de Hollywood de ficción con diálogo sincronizado: el corto They're Coming to Get Me, protagonizado por el químico Chic Sale. Después de reestrenar unos pocos éxitos de películas mudas, como El séptimo cielo, con música grabada, Fox sacó su primera película original Movietone el 23 de septiembre: Amanecer, por el aclamado director alemán F. W. Murnau. Como con Don Juan, la banda sonora de la película estaba compuesta de música y efectos de sonido (incluyendo, en un par de escenas llenas de gente, conversaciones no específicas). Luego, el 6 de octubre de 1927, se estrenó El cantante de jazz de Warner Bros.. Fue un exitazo en taquilla para el estudio de tamaño medio, ganando un total de 2.625 millones de $ en los Estados Unidos y en el extranjero, casi un millón de dólares más que el anterior récord para una película de los Warner. Producida con el sistema Vitaphone, la mayor parte de la película no contiene audio grabado en directo, dependiendo, como Amanecer y Don Juan, en su música y efectos sonoros. Cuando la estrella de la película, Al Jolson, canta, no obstante, la película cambia a sonido grabado en el plató, incluyendo tanto sus interpretaciones musicales como dos escenas con discurso improvisado—uno del personaje de Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin), dirigiéndose a la audiencia de un cabaré; el otro un intercambio de opiniones entre él y su madre. Aunque el éxito de El cantante de jazz fue debido en gran parte a Jolson, ya establecido como una de las más grandes estrellas musicales de Estados Unidos, y su uso limitado de sonido sincronizada apenas se calificaba como una innovadora película sonora (sino como la "primera"), los considerables beneficios fueron prueba suficiente para la industria de que valía la pena invertir en la tecnología. El desarrollo del cine sonoro comercial había avanzado a rachas antes de El cantante de jazz, y el éxito de la película no cambió las cosas de la noche a la mañana. No fue hasta mayo de 1928 que los cuatro principales reacios (PDC había abandonado la alianza)—junto con United Artists y otros—firmaron con ERPI para la conversión de las instalaciones de producción y los teatros para el cine sonoro. Inicialmente, todos los teatros cableados por ERPI fueron hechos compatibles con Vitaphone; la mayoría estaban equipados para proyectar bobinas Movietone también. Incluso con el acceso a ambas tecnologías, no obstante, la mayoría de las empresas de Hollywood continuaron siendo lentas para producir películas habladas propias. Ningún estudio aparte de Warner Bros. estrenaron ni una película con partes sonoras hasta que el pequeño Film Booking Offices of America (FBO) estrenó Perfect Crime el 17 de junio de 1928, ocho meses después de El cantante de jazz.[26] FBO había caído bajo el control efectivo de un competidor de Western Electric, la división RCA de General Electric, que estaba buscando comercializar su nuevo sistema sound-on-film, Photophone. A diferencia del Movietone de Fox-Case y el Phonofilm de De Forest, que eran sistemas de densidad variable, Photophone era un sistema de área variable—un refinamiento en la manera que la señal de audio era inscrito en el celuloide que se convertiría finalmente en la regla. (En ambos sistemas, una lámpara especialmente diseñada, la exposición de cual con el celuloide es determinada por la entrada de audio, es usada para grabar el sonido fotográficamente como una serie de líneas minúsculas. En un proceso de densidad variable, las líneas son de oscuridad variable; en un proceso de área variable, las líneas son de anchura variable.) Para octubre, la alianza FBO-RCA llevaría a la creación de un nuevo e importante estudio de Hollywood, RKO Pictures. Mientras tanto, Warner Bros. había estrenado tres películas habladas más en la primavera, todas rentables, pero no al nivel de El cantante de jazz: en marzo apareció The Tenderloin; fue nombrada por los Warner como la primera película en donde los personajes pronunciaban sus partes, aunque sólo 15 de sus 88 minutos tenían diálogo. En abril le siguió Glorious Betsy y The Lion and the Mouse (31 minutos de diálogo) en mayo. El 6 de julio de 1928 se estrenó la primera película completamente hablada, Lights of New York. La película costó a Warner Bros. sólo $23.000 para producirse, pero ganó $1,252 millones, una tasa récord de rendimiento superando el 5.000%. En septiembre, el estudio estrenó otra película con partes habladas con Al Jolson, The Singing Fool, que dobló con creces el récord de beneficios de El cantante de jazz para una película de los Warner. Este segundo éxito de pantalla de Jolson demostró la capacidad de una película musical de transformar una canción en un éxito nacional: el siguiente verano, el número de Jolson "Sonny Boy" se había anotado unas ventas de 2 millones de discos y 1,25 millones de partituras. En septiembre de 1928 se estrenó Dinner Time de Paul Terry que fue uno de los primeras dibujos animados producidos con sonido sincronizado. Después de ver esto, Walt Disney decidió hacer uno de sus cortos de Mickey Mouse, Steamboat Willie, también con sonido. A lo largo de 1928, a medida que Warner Bros. comenzó a recoger grandes beneficios debido a la popularidad de sus películas sonoras, los otros estudios aceleraron el ritmo de su conversión a la nueva tecnología. Paramount, el líder de la industria, sacó su primera película hablada a finales de septiembre, Beggars of Life; aunque tenía sólo unas pocas líneas de diálogo, demostró el reconocimiento del estudio del poder del nuevo medio. Interference, la primera película completamente hablada de Paramount, debutó en noviembre. Las expectativas cambiaron rápidamente, y la "moda" de 1927 se convirtió en un procedimiento estándar para 1929. En febrero de 1929, dieciséis meses después del debut de El cantante de jazz, Columbia Pictures fue el último de los ocho estudios que serían conocidos como "grandes" durante la Edad de Oro de Hollywood en estrenar su primera película con partes habladas, Lone Wolf's Daughter. La mayoría de los cines estadounidenses, especialmente fuera de áreas urbanas, no estaban aún equipados para el sonido y los estudios no estaban completamente convencidos del interés universal de las películas habladas-a mediados de los años 1930, la mayoría de las películas de Hollywood eran producidas en versiones duales, tanto muda como sonora. Aunque pocos en la industria lo predijeron, el cine mudo como un medio comercial viable en los Estados Unidos sería pronto algo más que un recuerdo. La última película mayoritaria completamente muda sacada por uno de los estudios grandes de Hollywood fue el western Points West de Hoot Gibson, estrenado por Universal Pictures en agosto de 1929. Un mes antes, la primera película completamente en color y completamente hablada se había estrenado públicamente: On with the Show! de Warner Bros. 

[[Category:Cine]]

Género cinematográfico

2010-03-02T22:38:30Z

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== Género cinematográfico ==

El género cinematográfico es el tema general de una película que sirve para su clasificación.

{| cellspacing="0" cellpadding="0" border="0" align="right" style="width: 165px; height: 54px;"
|-
! bgcolor="#999999" scope="col" | Generos del Cine
|-
| [[Image:Generos cinematograficos2.jpg|border|center]]
|}

Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen su primer origen en la cultura clásica.Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace. Estos géneros se fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar. Sin embargo las posibilidades del cine lo desmarcaron completamente de los géneros tradicionales creando nuevos géneros caracterizados por la escasa complejidad de su regulación. 

 

== Evolución ==

Es muy importante señalar que en las primeras décadas del cine, el género de las películas era encorsetado, con características muy delimitadas que ayudaban al espectador a comprender rápidamente la película. Sin embargo, aproximadamente tras la [[Segunda Guerra Mundial]] los géneros empezaron a mezclarse o a adulterar su esencia creando diversas producciones y extraños especímenes. 

== Clasificaciones ==

Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las películas que abarquen, originalmente según sus aspectos formales (ritmo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el espectador, ajuste). Alternativamente, los géneros cinematográficos se definen por su ambientación o por su formato. Los géneros siguientes son a menudo concretados para formar subgéneros, y también pueden ser combinados para formar géneros híbridos. Actualmente no existe un consenso en cuanto a géneros cinematográficos se refiere y se da una compleja serie de clasificaciones. 

=== Por su estilo o tono ===

• Drama — en el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.[1] • Comedia — películas realizadas con la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa en el espectador. • Negro — presentan a sus personajes principales con un estilo nihilista o existencialista. • Acción — cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el «mal» llevada a su fin por la violencia o la fuerza física. • Aventura — contienen situaciones de peligro y riesgo. • Terror — realizadas con la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto en la audiencia. • Cine de misterio — presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el descubrimiento de una serie de enigmas. • Cine romántico — hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos. • Suspense (España)/suspenso (América) — realizadas con la intención de provocar tensión en el espectador. También suele utilizarse la palabra thriller para designar películas de este tipo, aunque hay sutiles diferencias. • Fantasía — contienen hechos, mundos, criaturas o cosas fantasiosas. 

=== Por su ambientación ===

• Histórico — la acción de estas películas ocurre en el pasado, a menudo con intención de recreación histórica. • Policiaco — la derrota del «Mal» en el reino de la actividad criminal. • Bélico — campos de batalla y posiciones que pertenecen a un tiempo de guerra. • del Oeste (o Western) — del período colonial a la era moderna de los Estados Unidos de América, a menudo mitificándolos. • Ciencia ficción — el espacio dominado por el hombre o civilizaciones de un posible futuro. • Fantasía — mundos míticos que provienen únicamente de la imaginación de su autor. • Deportivo — entornos o acontecimientos relacionados con un deporte. 

=== Por su formato ===

 • [[Animación]] — películas compuestas de fotogramas dibujados a mano que, pasados rápidamente, producen ilusión de movimiento. También se incluyen aquí las películas generadas íntegramente mediante la informática. • Imagen real, o live action - en oposición a la animación, películas filmadas con actores reales, de "carne y hueso". 

=== Por su tipo de audiencia ===

• Infantil — dirigidas a niños. • Familiar — realizadas con la intención de resultar atractivas a gente de todas las edades. • Adulta — dirigidas exclusivamente a una audiencia adulta; el contenido suele incluir violencia, temas inquietantes, palabras malsonantes o sexo explícito. 

=== De culto ===

El término película de culto hace referencia a un tipo de película que atrae a un pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que sigue siendo popular con el paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el caso. Algunas veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente elementos inusuales. 

== Lista de géneros ==

{| width="400" cellspacing="0" cellpadding="0" border="0" align="left" style=""
|-
| valign="top" | • Cine arte • Cine BDSM • Cine bélico • Cine catástrofe • Cine costumbrista • Cine cristiano • Cine de acción • Cine de animación • Cine de artes marciales • Cine de autor • Cine de aventuras 
| valign="top" | • Cine de ciencia ficción • Cine de samuráis • Cine de terror • Cine documental • Cine épico • Cine experimental • Cine fantástico • Cine fetichista 
| valign="top" | • Cine gore • Cine histórico • Cine musical • Cine negro • Cine policiaco • Cine político • Cine pornográfico • Cine propagandístico • Cine romántico • Clase B • Comedia (cine) 
|}

 

[[Category:Cine]]

Archivo:Generos cinematograficos2.jpg

2010-03-02T13:53:41Z

Yanier pal.jovenclub:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Cine Clásico

2010-03-01T20:41:50Z

Yanier pal.jovenclub:

'''{{Otros_usos}}''''''Cine Clásico'''

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La expresión '''cine clásico''' puede operar en dos sentidos. En primer lugar se puede vincular el adjetivo “clásico” a aquellas obras cinematográficas calificadas como obras de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos.

En segundo lugar, en un sentido técnico, la expresión '''cine clásico''' hace referencia al cine que es resultado de utilizar las estrategias cinematográficas establecidas en la tradición norteamericana durante el periodo comprendido entre 1900 y 1960.

En este segundo sentido, el '''cine clásico''' sería aquel que respeta las convenciones visuales, sonoras, genéricas e ideológicas que emanaron durante dicho periodo. Es un [[Cine tradicional]], constituido por un sistema de convenciones que constituyen la tradición cinematográfica. Emplea siempre los mismos recursos tradicionales, sin introducir elementos rupturistas, a diferencia del [[Cine independiente]] (el cual se vuelve más individual).

== Historia del término cine clásico ==

El término '''cine clásico''' comienza a acuñarse en los estudios sobre teoría cinematográfica realizados en la década de los 60 para referirse al [[Cine industrial]] hollywoodense desde el año [[1915]] hasta mediados de la [[Década de 1950]].

Este cine se identifica con el sistema de producción de estudios basado en la adopción de los [[Géneros cinematográficos]] y la creación del [[Star System]]. También ya en estos momentos se comienzan a concretar dos series paralelas de films: La [[Serie A]] (películas de alto presupuesto) y la [[Serie B]] (películas de bajo presupuesto en las que tanto directores como actores se estrenaban para llegar a la serie mayor).

== Estilo ==

El '''cine clásico''' pretende ante todo construir una narración que simule ser lo real, dejando oculta la naturaleza del relato. Utiliza el [[Montaje en continuidad]] para enfatizar la continuidad y hacer comprensible la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El film clásico se caracteriza por la búsqueda de una transparencia que esconde la enunciación y por la economía de signos.

La [[Estructura narrativa]] está organizada secuencialmente, de tal manera que la historia y el discurso coinciden puntualmente. El '''cine clásico''' tiene un inicio narrativo con intriga de predestinación, imágenes con una composición estable, sonido didáctico, edición causal, puesta en escena que acompaña a los personajes, organización narrativa de carácter secuencial, su intertextualidad es implícita y el final es epifánico.

== Véase también ==

*[http://www.ecured.cu/index.php/Cine Articulo: Cine]
*[[Géneros cinematográficos]]

== Enlaces externos ==

[http://www.caimanbarbudo.cu/html_total/simpresas/articulos/349/index_08.html Géneros_cinematográficos]

[[Category:Cine]]

Cine Clásico

2010-03-01T20:19:25Z

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'''{{Otros_usos}}Cine Clásico'''

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La expresión '''cine clásico''' puede operar en dos sentidos. En primer lugar se puede vincular el adjetivo “clásico” a aquellas obras cinematográficas calificadas como obras de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos.

En segundo lugar, en un sentido técnico, la expresión '''cine clásico''' hace referencia al cine que es resultado de utilizar las estrategias cinematográficas establecidas en la tradición norteamericana durante el periodo comprendido entre 1900 y 1960.

En este segundo sentido, el '''cine clásico''' sería aquel que respeta las convenciones visuales, sonoras, genéricas e ideológicas que emanaron durante dicho periodo. Es un [[Cine tradicional]], constituido por un sistema de convenciones que constituyen la tradición cinematográfica. Emplea siempre los mismos recursos tradicionales, sin introducir elementos rupturistas, a diferencia del [[Cine independiente]] (el cual se vuelve más individual).

== Historia del término cine clásico ==

El término '''cine clásico''' comienza a acuñarse en los estudios sobre teoría cinematográfica realizados en la década de los 60 para referirse al [[Cine industrial]] hollywoodense desde el año [[1915]] hasta mediados de la [[Década de 1950]].

Este cine se identifica con el sistema de producción de estudios basado en la adopción de los [[Géneros cinematográficos]] y la creación del [[Star System]]. También ya en estos momentos se comienzan a concretar dos series paralelas de films: La [[Serie A]] (películas de alto presupuesto) y la [[Serie B]] (películas de bajo presupuesto en las que tanto directores como actores se estrenaban para llegar a la serie mayor).

== Estilo ==

El '''cine clásico''' pretende ante todo construir una narración que simule ser lo real, dejando oculta la naturaleza del relato. Utiliza el [[Montaje en continuidad]] para enfatizar la continuidad y hacer comprensible la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El film clásico se caracteriza por la búsqueda de una transparencia que esconde la enunciación y por la economía de signos.

La [[Estructura narrativa]] está organizada secuencialmente, de tal manera que la historia y el discurso coinciden puntualmente. El '''cine clásico''' tiene un inicio narrativo con intriga de predestinación, imágenes con una composición estable, sonido didáctico, edición causal, puesta en escena que acompaña a los personajes, organización narrativa de carácter secuencial, su intertextualidad es implícita y el final es epifánico.

== Véase también ==

*[http://www.ecured.cu/index.php/Cine Articulo: Cine]
*[[Géneros cinematográficos]]

== Enlaces externos ==

[http://www.caimanbarbudo.cu/html_total/simpresas/articulos/349/index_08.html Géneros_cinematográficos]

[[Category:Cine]]

Cine

2010-02-26T18:42:46Z

Yanier pal.jovenclub:

[[Image:Muybridge race horse.jpg|frame|right|Caballo en movimiento (Animal locomotion) es una secuencia animada de un caballo de carreras galopando. Las fotos fueron realizadas por Eadweard Muybridge y se publicaron por primera vez en 1887 en Filadelfia.]]'''CINE '''

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El '''cine''' (abreviatura de [http://www.trabajadores.cu/secciones/cuba/cuba_por_dentro/cuba-por-dentro-1/el-primer-cinematografo-en-cuba cinematógrafo]), también llamado '''cinematografía''', es la técnica que consiste en proyectar [[Fotogramas]] de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de '''movimiento''', mostrando algún [[Vídeo]] o [[Filme|película]]). La palabra ''cine'' designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las [[Películas]]. Etimológicamente, la palabra ''cinematografía'' fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (''kiné''), que significa "movimiento"; y por otro de γραφóς (''grafós''). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento". Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o [[Cine arte]] (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "[[Bollywood]]"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

== Historia ==

La historia del cine comienza el [[28 de diciembre]] de [[1895]], fecha en la que los hermanos [http://laventana.casa.cult.cu/modules.php?name=News&file=article&sid=5235 Lumière] proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue [[Georges Méliès]] quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como [[Ernst Lubitsch]], [[Alfred Hitchcock]], [[Fritz Lang]], o [[Charles Chaplin]] que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido [[El cantante de jazz]], a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado. Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de [[Rouben Mamoulian]], aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "[[Lo que el viento se llevó (película)|Lo que el viento se llevó]]". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color. Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al [[Postmodernismo]].

== Realización cinematográfica ==

La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles ([[Presupuesto]] del que se dispone y equipo con que se cuenta).

=== Equipo técnico ===

'''Producción''': El [[Productor cinematográfico]] es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor" También forman parte del área [[Producción cinematográfica|director de producción]], el [[Productor ejecutivo]], el [[Producción cinematográfica|jefe de locaciones]] y el asistente de producción. '''Dirección''': El [[Director cinematográfico]] es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la [[Puesta en escena]], dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el [[Vestuario]], y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje. También forman parte del área el [[Asistente de dirección]] y el denominado ''script'' o [[Continuista]]. Por otro lado, trabaja en conjunto con el [[Dirección cinematográfica|director de actores]]. '''Guión''': El [[Guionista]] es la persona encargada de confeccionar el [[Guión literario|guión]], ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos [[Escritor]]es se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematógráfico se distinguen el ''guión literario'' o ''cinematográfico'', que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el ''[[Guión técnico]]'', que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con [[Guión literario|dialoguistas]] que están especializados en escribir diálogos. El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía. '''Sonido''': En rodaje, los encargados del [[Sonido cinematográfico]] son el [[Sonido cinematográfico|sonidista]] y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el [[Compositor]] de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (''[[Sonido cinematográfico|foley]]'') y de [[Doblaje]], para generar la [[Banda sonora original]]. '''Fotografía''': El [[Director de fotografía]] es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el [[Composición fotográfica|encuadre]], la [[Iluminación]], la [[Objetivo|óptica]] a utilizar, los [[Movimientos de cámara]], etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película. El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del [[Director de fotografía]], del [[Camarógrafo]], el primer asistente de cámara o [[Fotografía en cine|foquista]], el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el ''[[Fotografía en cine|gaffer]]'' o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los ''[[Fotografía en cine|grip]]'' u operadores de ''[[Fotografía en cine|travelling]]'' o ''dolly'', los estabilizadores de cámara (''[[Steady cam]]'') y otros asistentes o aprendices. '''Montaje''': El [[Montaje]] cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los [[Plano (lenguaje audiovisual)|planos]] registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador. El [[Montador]] hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como [[Avid]] u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de [[Edición offline]]. '''Arte''' (''[[Diseño de producción]]''): El área artística puede tener un [[Diseño de producción|director de arte]] o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como [[Escenógrafo]]s, [[Vestuario|encargados de vestuario]], modistas, [[Maquillaje|maquilladores]], [[Peluquería|peluqueros/as]], [[Utilería|utileros]] y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción. '''Stunts''': ([[Doble (cine)]]) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la [[Escena de acción]] demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la [[Escena de acción]] sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación. '''''Storyboards''''': El ''[[Storyboard]]'' se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

== Géneros cinematográficos ==

En la teoría cinematográfica, el [[Géneros cinematográficos|género]] se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena. '''Cine independiente''': Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no [[Cine de autor|de autor]], mientras que el [[Cine independiente]] lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente. '''Cine de animación''': El [[Cine de animación]] es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante [[Dibujo]]s, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad. '''Cine documental''': El cine [[Documental]] es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde [[Documental]] con [[Reportaje]], siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo. '''Cine experimental''': El [[Cine experimental]] es aquél que utiliza un medio de expresión ''más artístico'', olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido. '''Cine de autor''': El concepto de [[Cine de autor]] fue acuñado por los críticos de los ''[[Cahiers du Cinéma]]'' para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la [[Puesta en escena]] obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como [[Alfred Hitchcock]], también pueden ser considerados «autores» de sus películas. Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un súbgenero importante podría ser el [[Cine abstracto]].

== Teoría del cine ==

''La teoría del cine'' se basa en el principio de secuencias de [[Fotografías]] continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones. El [[Cine clásico]] tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El [[Cine moderno]] no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.

== Formatos cinematográficos ==

El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el '''Kinetoscope''' de [[Thomas Alva Edison]]. Y que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento. Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por excelencia, el [[35 mm]], sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia televisión:[[16 mm]], [[9,5 mm]], [[Súper 8]], etc.

== Bibliografía ==

*AUMONT, Jacques. ''Historia general del cine''. Madrid, Cátedra, 1995. ISBN 84-376-1369-8
*BAZIN, André. ''¿Qué es el cine?''. Madrid, Rialp, 2001.
*BURCH, Noël. ''El tragaluz del infinito: contribución a la genealogía del lenguaje cinematográfico.'' Madrid, Cátedra, 1987. ISBN 84-376-0642-X.
*CERAM, C. W.; Donato Prunera, trad. ''Arqueología del cine''. Barcelona, Destino, 1965.
*DUDLEY, Andrew; Alsina Thevenet, D. trad. ''Las principales teorías cinematográficas''. Barcelona, Gustavo Gili, 1981.
*FERNÁNDEZ DÍEZ, F.; MARTÍNEZ ABADÍA, J. ''La dirección de producción para cine y televisión''. Barcelona, Paidós, 1997. ISBN 84-7509-972-6
*FERNÁNDEZ-TUBAU, Valentín. ''El cine en definiciones''. Barcelona, Ixia Llibres 1994.
*[[Henry Giroux]] "Cine y entretenimiento: Elementos para una crítica política del film". Paidós.
*GUBERN, Román. ''Historia del cine''. Lumen, Barcelona, 1993 (2ª edición). ISBN 84-264-1179-7
*RAMOS, Jesús. MARIMON, Joan. "* "Diccionario incompleto del guión audiovisual". Océano 2003.
*RETAMAL, Christian. “¿Por qué la vida no es en Cinemascope?” En “El rapto de Europa”. Nº 7. Madrid. 2005. Disponible en: [http://www.revistasculturales.com/imprimirArticulo.php?cod=465].
*RETAMAL, Christian. “Melancolía y modernidad”. ''Revista de Humanidades'', Nº 10. Universidad Andrés Bello. 2004.
*SÁNCHEZ NORIEGA, José Luis, ''Historia del Cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión'', Madrid, Alianza, 2006. ISBN 84-206-7691-8.
*SEGER, Linda; WHETMORE, E. J. ''Cómo se hace una película: Del guión a la pantalla''. Teià, Ma non tropo, 2004. ISBN 84-96222-06-3
*ZAVALA, Lauro. ''Cine clásico, moderno y posmoderno''. En: ''Razón y Palabra'', Nº 46. México, 2005. Disponible en: [http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n46/lzavala.html].
*ZUNZUNEGUI DÍEZ, Santos. ''Paisajes de la forma: Ejercicios de análisis de la imagen.'' Madrid, Cátedra, 1994. ISBN 84-376-1273-X

[[Category:Cine]]

Cine

2010-02-26T18:32:54Z

Yanier pal.jovenclub:

[[Image:Muybridge race horse.jpg|frame|right|Caballo en movimiento (Animal locomotion) es una secuencia animada de un caballo de carreras galopando. Las fotos fueron realizadas por Eadweard Muybridge y se publicaron por primera vez en 1887 en Filadelfia.]]'''CINE '''

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El '''cine''' (abreviatura de [http://www.trabajadores.cu/secciones/cuba/cuba_por_dentro/cuba-por-dentro-1/el-primer-cinematografo-en-cuba cinematógrafo]), también llamado '''cinematografía''', es la técnica que consiste en proyectar [[Fotogramas]] de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de '''movimiento''', mostrando algún [[Vídeo]] o [[Filme|película]]). La palabra ''cine'' designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las [[Películas]]. Etimológicamente, la palabra ''cinematografía'' fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (''kiné''), que significa "movimiento"; y por otro de γραφóς (''grafós''). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento". Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o [[Cine arte]] (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "[[Bollywood]]"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

== Historia ==

La historia del cine comienza el [[28 de diciembre]] de [[1895]], fecha en la que los hermanos [[Lumière]] proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue [[Georges Méliès]] quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como [[Ernst Lubitsch]], [[Alfred Hitchcock]], [[Fritz Lang]], o [[Charles Chaplin]] que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido [[El cantante de jazz]], a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado. Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de [[Rouben Mamoulian]], aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "[[Lo que el viento se llevó (película)|Lo que el viento se llevó]]". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color. Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al [[Postmodernismo]].

== Realización cinematográfica ==

La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles ([[Presupuesto]] del que se dispone y equipo con que se cuenta).

=== Equipo técnico ===

'''Producción''': El [[Productor cinematográfico]] es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor" También forman parte del área [[Producción cinematográfica|director de producción]], el [[Productor ejecutivo]], el [[Producción cinematográfica|jefe de locaciones]] y el asistente de producción. '''Dirección''': El [[Director cinematográfico]] es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la [[Puesta en escena]], dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el [[Vestuario]], y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje. También forman parte del área el [[Asistente de dirección]] y el denominado ''script'' o [[Continuista]]. Por otro lado, trabaja en conjunto con el [[Dirección cinematográfica|director de actores]]. '''Guión''': El [[Guionista]] es la persona encargada de confeccionar el [[Guión literario|guión]], ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos [[Escritor]]es se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematógráfico se distinguen el ''guión literario'' o ''cinematográfico'', que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el ''[[Guión técnico]]'', que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con [[Guión literario|dialoguistas]] que están especializados en escribir diálogos. El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía. '''Sonido''': En rodaje, los encargados del [[Sonido cinematográfico]] son el [[Sonido cinematográfico|sonidista]] y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el [[Compositor]] de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (''[[Sonido cinematográfico|foley]]'') y de [[Doblaje]], para generar la [[Banda sonora original]]. '''Fotografía''': El [[Director de fotografía]] es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el [[Composición fotográfica|encuadre]], la [[Iluminación]], la [[Objetivo|óptica]] a utilizar, los [[Movimientos de cámara]], etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película. El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del [[Director de fotografía]], del [[Camarógrafo]], el primer asistente de cámara o [[Fotografía en cine|foquista]], el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el ''[[Fotografía en cine|gaffer]]'' o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los ''[[Fotografía en cine|grip]]'' u operadores de ''[[Fotografía en cine|travelling]]'' o ''dolly'', los estabilizadores de cámara (''[[Steady cam]]'') y otros asistentes o aprendices. '''Montaje''': El [[Montaje]] cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los [[Plano (lenguaje audiovisual)|planos]] registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador. El [[Montador]] hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como [[Avid]] u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de [[Edición offline]]. '''Arte''' (''[[Diseño de producción]]''): El área artística puede tener un [[Diseño de producción|director de arte]] o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como [[Escenógrafo]]s, [[Vestuario|encargados de vestuario]], modistas, [[Maquillaje|maquilladores]], [[Peluquería|peluqueros/as]], [[Utilería|utileros]] y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción. '''Stunts''': ([[Doble (cine)]]) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la [[Escena de acción]] demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la [[Escena de acción]] sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación. '''''Storyboards''''': El ''[[Storyboard]]'' se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

== Géneros cinematográficos ==

En la teoría cinematográfica, el [[Géneros cinematográficos|género]] se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena. '''Cine independiente''': Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no [[Cine de autor|de autor]], mientras que el [[Cine independiente]] lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente. '''Cine de animación''': El [[Cine de animación]] es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante [[Dibujo]]s, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad. '''Cine documental''': El cine [[Documental]] es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde [[Documental]] con [[Reportaje]], siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo. '''Cine experimental''': El [[Cine experimental]] es aquél que utiliza un medio de expresión ''más artístico'', olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido. '''Cine de autor''': El concepto de [[Cine de autor]] fue acuñado por los críticos de los ''[[Cahiers du Cinéma]]'' para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la [[Puesta en escena]] obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como [[Alfred Hitchcock]], también pueden ser considerados «autores» de sus películas. Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un súbgenero importante podría ser el [[Cine abstracto]].

== Teoría del cine ==

''La teoría del cine'' se basa en el principio de secuencias de [[Fotografías]] continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones. El [[Cine clásico]] tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El [[Cine moderno]] no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.

== Formatos cinematográficos ==

El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el '''Kinetoscope''' de [[Thomas Alva Edison]]. Y que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento. Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por excelencia, el [[35 mm]], sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia televisión:[[16 mm]], [[9,5 mm]], [[Súper 8]], etc.

== Bibliografía ==

*AUMONT, Jacques. ''Historia general del cine''. Madrid, Cátedra, 1995. ISBN 84-376-1369-8
*BAZIN, André. ''¿Qué es el cine?''. Madrid, Rialp, 2001.
*BURCH, Noël. ''El tragaluz del infinito: contribución a la genealogía del lenguaje cinematográfico.'' Madrid, Cátedra, 1987. ISBN 84-376-0642-X.
*CERAM, C. W.; Donato Prunera, trad. ''Arqueología del cine''. Barcelona, Destino, 1965.
*DUDLEY, Andrew; Alsina Thevenet, D. trad. ''Las principales teorías cinematográficas''. Barcelona, Gustavo Gili, 1981.
*FERNÁNDEZ DÍEZ, F.; MARTÍNEZ ABADÍA, J. ''La dirección de producción para cine y televisión''. Barcelona, Paidós, 1997. ISBN 84-7509-972-6
*FERNÁNDEZ-TUBAU, Valentín. ''El cine en definiciones''. Barcelona, Ixia Llibres 1994.
*[[Henry Giroux]] "Cine y entretenimiento: Elementos para una crítica política del film". Paidós.
*GUBERN, Román. ''Historia del cine''. Lumen, Barcelona, 1993 (2ª edición). ISBN 84-264-1179-7
*RAMOS, Jesús. MARIMON, Joan. "* "Diccionario incompleto del guión audiovisual". Océano 2003.
*RETAMAL, Christian. “¿Por qué la vida no es en Cinemascope?” En “El rapto de Europa”. Nº 7. Madrid. 2005. Disponible en: [http://www.revistasculturales.com/imprimirArticulo.php?cod=465].
*RETAMAL, Christian. “Melancolía y modernidad”. ''Revista de Humanidades'', Nº 10. Universidad Andrés Bello. 2004.
*SÁNCHEZ NORIEGA, José Luis, ''Historia del Cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión'', Madrid, Alianza, 2006. ISBN 84-206-7691-8.
*SEGER, Linda; WHETMORE, E. J. ''Cómo se hace una película: Del guión a la pantalla''. Teià, Ma non tropo, 2004. ISBN 84-96222-06-3
*ZAVALA, Lauro. ''Cine clásico, moderno y posmoderno''. En: ''Razón y Palabra'', Nº 46. México, 2005. Disponible en: [http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n46/lzavala.html].
*ZUNZUNEGUI DÍEZ, Santos. ''Paisajes de la forma: Ejercicios de análisis de la imagen.'' Madrid, Cátedra, 1994. ISBN 84-376-1273-X

[[Category:Cine]]

Cine

2010-02-26T16:41:07Z

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[[Image:Muybridge race horse.jpg|frame|right|Caballo en movimiento (Animal locomotion) es una secuencia animada de un caballo de carreras galopando. Las fotos fueron realizadas por Eadweard Muybridge y se publicaron por primera vez en 1887 en Filadelfia.]]'''CINE '''

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El '''cine''' (abreviatura de [[Proyector cinematográfico|cinematógrafo]]), también llamado '''cinematografía''', es la técnica que consiste en proyectar [[Fotogramas]] de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de '''movimiento''', mostrando algún [[Vídeo]] o [[Filme|película]]). La palabra ''cine'' designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las [[Películas]]. Etimológicamente, la palabra ''cinematografía'' fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (''kiné''), que significa "movimiento"; y por otro de γραφóς (''grafós''). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento". Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o [[Cine arte]] (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado "[[Bollywood]]"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

== Historia ==

La historia del cine comienza el [[28 de diciembre]] de [[1895]], fecha en la que los hermanos [[Lumière]] proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue [[Georges Méliès]] quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como [[Ernst Lubitsch]], [[Alfred Hitchcock]], [[Fritz Lang]], o [[Charles Chaplin]] que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido [[El cantante de jazz]], a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado. Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de [[Rouben Mamoulian]], aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "[[Lo que el viento se llevó (película)|Lo que el viento se llevó]]". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color. Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al [[Postmodernismo]].

== Realización cinematográfica ==

La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles ([[Presupuesto]] del que se dispone y equipo con que se cuenta).

=== Equipo técnico ===

'''Producción''': El [[Productor cinematográfico]] es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor" También forman parte del área [[Producción cinematográfica|director de producción]], el [[Productor ejecutivo]], el [[Producción cinematográfica|jefe de locaciones]] y el asistente de producción. '''Dirección''': El [[Director cinematográfico]] es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la [[Puesta en escena]], dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el [[Vestuario]], y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje. También forman parte del área el [[Asistente de dirección]] y el denominado ''script'' o [[Continuista]]. Por otro lado, trabaja en conjunto con el [[Dirección cinematográfica|director de actores]]. '''Guión''': El [[Guionista]] es la persona encargada de confeccionar el [[Guión literario|guión]], ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos [[Escritor]]es se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematógráfico se distinguen el ''guión literario'' o ''cinematográfico'', que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas, y el ''[[Guión técnico]]'', que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor.

También pueden colaborar con el guionista otros escritores (co-guionistas) o contar con [[Guión literario|dialoguistas]] que están especializados en escribir diálogos. El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guión es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía. '''Sonido''': En rodaje, los encargados del [[Sonido cinematográfico]] son el [[Sonido cinematográfico|sonidista]] y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el [[Compositor]] de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (''[[Sonido cinematográfico|foley]]'') y de [[Doblaje]], para generar la [[Banda sonora original]]. '''Fotografía''': El [[Director de fotografía]] es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el [[Composición fotográfica|encuadre]], la [[Iluminación]], la [[Objetivo|óptica]] a utilizar, los [[Movimientos de cámara]], etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película. El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además del [[Director de fotografía]], del [[Camarógrafo]], el primer asistente de cámara o [[Fotografía en cine|foquista]], el segundo asistente de cámara, el cargador de negativos, el ''[[Fotografía en cine|gaffer]]'' o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los ''[[Fotografía en cine|grip]]'' u operadores de ''[[Fotografía en cine|travelling]]'' o ''dolly'', los estabilizadores de cámara (''[[Steady cam]]'') y otros asistentes o aprendices. '''Montaje''': El [[Montaje]] cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los [[Plano (lenguaje audiovisual)|planos]] registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador. El [[Montador]] hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como [[Avid]] u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de [[Edición offline]]. '''Arte''' (''[[Diseño de producción]]''): El área artística puede tener un [[Diseño de producción|director de arte]] o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como [[Escenógrafo]]s, [[Vestuario|encargados de vestuario]], modistas, [[Maquillaje|maquilladores]], [[Peluquería|peluqueros/as]], [[Utilería|utileros]] y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción. '''Stunts''': ([[Doble (cine)]]) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la [[Escena de acción]] demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la [[Escena de acción]] sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación. '''''Storyboards''''': El ''[[Storyboard]]'' se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.

== Géneros cinematográficos ==

En la teoría cinematográfica, el [[Géneros cinematográficos|género]] se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena. '''Cine independiente''': Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no [[Cine de autor|de autor]], mientras que el [[Cine independiente]] lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente. '''Cine de animación''': El [[Cine de animación]] es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante [[Dibujo]]s, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad. '''Cine documental''': El cine [[Documental]] es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde [[Documental]] con [[Reportaje]], siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo. '''Cine experimental''': El [[Cine experimental]] es aquél que utiliza un medio de expresión ''más artístico'', olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido. '''Cine de autor''': El concepto de [[Cine de autor]] fue acuñado por los críticos de los ''[[Cahiers du Cinéma]]'' para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la [[Puesta en escena]] obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como [[Alfred Hitchcock]], también pueden ser considerados «autores» de sus películas. Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un súbgenero importante podría ser el [[Cine abstracto]].

== Teoría del cine ==

''La teoría del cine'' se basa en el principio de secuencias de [[Fotografías]] continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones. El [[Cine clásico]] tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El [[Cine moderno]] no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de ésta. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.

== Formatos cinematográficos ==

El cine nació en el siglo XIX como consecución de una larga cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía. El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas, podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos Lumière. Pero no hay que olvidar que éstos lo que hicieron fue perfeccionar el '''Kinetoscope''' de [[Thomas Alva Edison]]. Y que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo captar el movimiento. Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato cinematográfico por excelencia, el [[35 mm]], sobre un soporte de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia televisión:[[16 mm]], [[9,5 mm]], [[Súper 8]], etc.

== Bibliografía ==

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*BAZIN, André. ''¿Qué es el cine?''. Madrid, Rialp, 2001.
*BURCH, Noël. ''El tragaluz del infinito: contribución a la genealogía del lenguaje cinematográfico.'' Madrid, Cátedra, 1987. ISBN 84-376-0642-X.
*CERAM, C. W.; Donato Prunera, trad. ''Arqueología del cine''. Barcelona, Destino, 1965.
*DUDLEY, Andrew; Alsina Thevenet, D. trad. ''Las principales teorías cinematográficas''. Barcelona, Gustavo Gili, 1981.
*FERNÁNDEZ DÍEZ, F.; MARTÍNEZ ABADÍA, J. ''La dirección de producción para cine y televisión''. Barcelona, Paidós, 1997. ISBN 84-7509-972-6
*FERNÁNDEZ-TUBAU, Valentín. ''El cine en definiciones''. Barcelona, Ixia Llibres 1994.
*[[Henry Giroux]] "Cine y entretenimiento: Elementos para una crítica política del film". Paidós.
*GUBERN, Román. ''Historia del cine''. Lumen, Barcelona, 1993 (2ª edición). ISBN 84-264-1179-7
*RAMOS, Jesús. MARIMON, Joan. "* "Diccionario incompleto del guión audiovisual". Océano 2003.
*RETAMAL, Christian. “¿Por qué la vida no es en Cinemascope?” En “El rapto de Europa”. Nº 7. Madrid. 2005. Disponible en: [http://www.revistasculturales.com/imprimirArticulo.php?cod=465].
*RETAMAL, Christian. “Melancolía y modernidad”. ''Revista de Humanidades'', Nº 10. Universidad Andrés Bello. 2004.
*SÁNCHEZ NORIEGA, José Luis, ''Historia del Cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión'', Madrid, Alianza, 2006. ISBN 84-206-7691-8.
*SEGER, Linda; WHETMORE, E. J. ''Cómo se hace una película: Del guión a la pantalla''. Teià, Ma non tropo, 2004. ISBN 84-96222-06-3
*ZAVALA, Lauro. ''Cine clásico, moderno y posmoderno''. En: ''Razón y Palabra'', Nº 46. México, 2005. Disponible en: [http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n46/lzavala.html].
*ZUNZUNEGUI DÍEZ, Santos. ''Paisajes de la forma: Ejercicios de análisis de la imagen.'' Madrid, Cátedra, 1994. ISBN 84-376-1273-X

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2010-02-26T14:36:21Z

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