Pintura gótica

Pintura Gótica Concepto: Es una de las expresiones del arte gótico, que surge alrededor del año 1200.

La pintura gótica. Implica un gran cambio respecto a la pintura románica, debido a la progresiva reducción de los muros y su sustitución por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla.

Etapas

La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.

El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano donde las escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI. En este periodo las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo muy buenos resultados.

Características Generales

Aunque en pintura gótica es más difícil hablar de características generales, ya que se suele analizar las diversas escuelas y tendencias, podemos señalar las siguientes:

• Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

• El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos.

• Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces

• La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico

• El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

• El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

• La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

• Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

• La temática religiosa, y en menor escala también la profana

• Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional

Evolución

La evolución de la pintura gótica se realiza en cinco etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los artistas:

• Protogótico: Se da en el último cuarto del siglo XII. Vislumbramos dos tendencias: neobizantina, del mundo oriental y evolutivo, la evolución del propio románico.
• Gótico lineal o Francogótico: La línea del dibujo es el elemento de expresividad. Línea gruesa, contornos y entornos. Se iniciará hacia el 1230 y en torno a 1300 finalizará.
• Italogótico: Es el estilo que predomina sobre el siglo XIV. Desde 1300-1380 se comienza a acusar un estilo por una nueva Roma, creándose la 1ª gran corte de artistas y habrá relación entre este estilo y el Franco gótico dando paso al siguiente estilo.
• Gótico Internacional: 1380-1430
• Gótico Flamenco: siglo XV, ya muchos flamencos han viajado por el mediterráneo y muchos pintores italianos al norte.

Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal

En Francia, durante la segunda mitad del siglo XIII y la primera del XIV se origina la dificultad de desarrollar la pintura mural debido a la ausencia de muros en las grandes construcciones góticas. Ello provoca que el interés principal de la actividad pictórica se dirigiera hacia las vidrieras y las miniaturas.

En este contexto, la pintura románica precedente va a sufrir influencias italianas (clasicismo de las figuras y las composiciones) y bizantinas (ordenamiento simétrico, elegancia y el recargamiento lujoso de las imágenes) Nace así la pintura gótica lineal o franco-gótica, aplicada especialmente a los libros miniados y las vidrieras.

Tanto en unos como en otras, la técnica de representación se cifra en hacer resaltar las figuras, de colores planos primarios (azul, amarillo, rojo) muy intensos (para imitar el efecto de las vidrieras) y recortadas por líneas, sobre el fondo monocromo. El resultado final no es radicalmente distinto al del románico, pero en la pintura gótica lineal se produce menor hieratismo y mayor movilidad, con ciertas emociones representadas en los personajes. Los mejores vidrieras francesas del siglo XIII se encuentran en París (Notre-Dame y la Saint-Chapelle) y Chartres.

La miniatura se caracteriza por los encuadramientos arquitectónicos, así como por la viveza cromática, el abundante empleo del oro, las orlas de temas vegetales y decoración historiada de las letras capitales.

Del Scriptorium de París durante la corte de San Luis nace el famoso “salterio de la Reina Doña Blanca de Castilla y de San Luis”, obra del primer tercio del siglo XIII. En España, la pintura franco-gótica se desarrolla durante el siglo XIII y parte del XIV en Castilla y Aragón.

En España son muy importantes los libros miniados de carácter profano como Las Cantigas Santa María de Alfonso X "El Sabio".

La fusión de lo francés con lo hispano va a conferir a esta pintura un cierto mudejarismo que se detecta en los fondos planos dorados con decoración geométrica (a la manera árabe) que se emplean.

En el campo de las vidrieras, pertenecen a este estilo algunas vidrieras de la catedral de León. También hay que destacar los frescos de la catedral de Salamanca. En la hoya de Huesca hay diversos templos con pinturas murales como en San Miguel de Barluenga, Arbaníes, San Miguel de Foces de Ibieca, etc.

En Inglaterra hay una gran variedad de talleres, en torno a Oxford, donde las universidades, en torno a los monasterios y en torno a los cortesanos mas influyentes de Londres. Hay una importancia francesa con respecto al valor de la línea, estilizaciones.

• El salterio de Arundel: fechado a finales del siglo XII, en una de las zonas más activas, es este de Inglaterra. Compartimentación geométrica, dentro: cuadrifolios, círculo quebrado por un cuadrado. Los temas son la adoración de los magos al niño, presentación de Jesús en el templo y huída a [Egipto]]. Es un templo pagano donde los ídolos se derrumban al paso de la sagrada familia.

• Salterio de la reina María: compuesto por más de doscientas miniaturas. Las páginas miniadas de los salterios británicos solían enmarcarse en cuadrilóbulos, un rasgo que las hace fácilmente reconocibles. Sienten además cierto horror al vacío, lo cual les lleva a llenar absolutamente todo el espacio con figuras, sujetas a un carácter fuertemente narrativo. Otra característica inglesa son los fondos de damero o reticulados, que apoyan el aspecto de tapiz.

Uno de los libros más famosos es el “Salterio de la Reina María”, realizado en el siglo XIV. La pintura sobre tabla tiene las mismas características que la miniatura, aunque puede resultar algo arcaizante en sus modelos, al igual que ocurre con los frescos o los bordados. En el bordado de textiles, llamado Opus Anglicarum, se llegaron a realizar auténticas maravillas, cotizadísimas en el mercado, en especial para realizar las ropas talares de las altas jerarquías eclesiásticas.

• Retablo de la crucifixión: el fondo es dorado y reticulado, típico del gótico lineal. El tema de la Deesis en el centro, Pedro y Pablo a los extremos. Triunfo del diseño, carácter expresivo que le da la línea. Es muy fuerte la relación de la miniatura con la tabla y la pintura mural.

• Cámara real de westminster: Los frescos hoy solo copias del siglo XVI. El tema es la coronación de Eduardo el confesor, tiene un carácter cívico. Con escenas de la pasión, un ciclo de infancia de cristo, Ángeles con instrumentos y coronas, resalta la seda de los colores.

En Alemania aquí no hay tanta influencia francesa. Como ejemplo:

• El códice Manesse:Manesse es el nombre del caballero que reunió cantos del amor cortes y mandó ilustrar con ciento veinticinco miniaturas con un realismo dado por el realismo del lenguaje de los poemas, a veces con cierto humor.

Estilo Italo-gótico

Pintura Italo-Gótico Alcaniz

Se refiere al arte del siglo XII italiano. Se caracteriza por:

• Es un arte para el pueblo
• Tendencia al naturalismo
• Espiritualidad franciscana
• Tiene mucha expresión, de los sentimientos y emociones.
• La iconografía viene dada por los evangelios apócrifos, y los libros de viajes con
• Elementos profanos y elementos fantásticos.

-Se hace una humanización del hombre como un camino a la salvación.

• Humanización también de la figura de Cristo que sufre

- Maria es fraternal, una nueva Eva, aparecen nuevos temas sobre María. - Temas nuevos, de carácter profano: muerte, peste guerras…, de carácter

• Simbólico, las alegorías, y en la escuela de Siena sobre todo el paisaje.

Hay influencia bizantina en dos focos: Sicilia y Venecia que influyen en Roma, la “Maniera grieca” es un estilo bizantiniziante, lleno de subjetividad, decoración, es conservadora y la “Maniera italo-bizantina” es más humanizado y natural, se desarrolla en la escuela de Florencia.

En el ábside de Santa María la Mayor, una coronación de la virgen del maestro Jacopo Torriti, con roleos vegetales que están alrededor es una referencia al mundo clásico. En Santa María del Trastevere, podemos ver una alineación de personajes igual que en Bizancio con un Cristo de en majestad más naturalista de Pedro Carallini.

El segundo centro de actividad es la Toscaza, siglo XII, XIV. Encontramos cristos crucificados con un marcado carácter procesional, pintado al temple sobre tabla, son cruces con prolongaciones en los brazos para personajes o escenas.

A fines del siglo XII encontramos pintores populares imitando obras de metal o esmalte, son figuras medio desnudas, con ojos cerrados y sufrimiento, la evolución del arte bizantino, hay mayor realismos anatómico, ojos abiertos y cuerpos que se curvan, la intención es luchar contra las herejías y acercar a Jesús a los hombre, espíritu muy franciscano.

En el siglo XIII y XIV, los pintores son más especializados, son maestros. La estructura de sus obras generalmente es la misma, arriba Dios padre, arcángeles y a los lados, María y Juan, es el tema de la Deesis. A los lados del cuerpo el tema de la pasión y a bajo cualquiera de Adán o Anastasio que es la redención de los pecados. Un crucifico muy famoso es el de Giunta Pisano, con luces de dentro hacia fuera y más naturalista.

Hace el Retablo de San Francisco, a finales del siglo XIII, En la calle central San Francisco con la cabeza flanqueada por arcángeles. En las calles laterales vidas de santos. Es poco naturalista, sin expresión, se caracteriza por el hábito, el libro y los estigmas, es la orden franciscano.

La transición al Treccento se ve muy bien en la Basílica de san Francisco de Asís: su antecedente es Cimbaue, en la parte superior trabaja Giotto con grandes murales en la nave sobre la ida de San Francisco.

En la parte de abajo, hay más espacialidad, los angeles llorantes alrededor de Cristo, María muy expresiva y San Francisco a los pies.

Giotto: 1226-1337

Hace avances técnicos en: el naturalismo franciscano, en perspectiva, su caja espacial, y en el color donde busca armonía uso simbólico del color. La luz da cuerpo con diferentes tonos. Giotto fue ayudante de Cimbaue, su dramatismo está inspirado en la divina comedia. Está considerado el primer pintor moderno, fue también escultor y arquitecto. Sus obras importantes:

En un primero momento en la basílica de Asís con su maestro, y en un segundo momento sin su maestro crea las obras de de la vida de san francisco, escritas sus escenas por Buenaventura. Utiliza un grandioso espacio, con espíritu heroico. Las figuras tienen peso, los pies posados en el suelo y ambientación paisajística y busca las escalas para hacer segundos planos. Esta escena es en la plaza pública donde San Francisco renuncia a sus bienes y se los da a sus padres, hay dos grupos y detrás dos cajas arquitectónicas con diferentes perspectivas y elementos clásicos.

Otra escena de las más famosas es la de san Francisco expulsando a los demonios de Arezzo, es una alegoría de Arezzo que estaba en guerra civil. Esta representada la ciudad medieval, con torres y fortaleza y una iglesia con elementos góticos.

• En la capilla de Arena de Padua: Las pinturas están divididas en cuatro niveles.

En la parte superior la vida de Santa Ana y San Joaquín, padres de María, en el segundo nivel, escenas de la vida de Cristo, infancia y presentación en el templo. En el tercer nivel la muerte y pasión de Cristo, es importante la escena del lamento sobre el cuerpo de Cristo. En el cuarto nivel alegorías de los niños y virtudes hechos en grisalla con claro-oscuro. A los pies el juicio final. Se caracteriza por rostros ovalados y ojos rasgados como orientales, no hay efecto de claro-oscuro en la noche. La expresión es de dolor, llanto cuerpos, quebrados. Muestra una gran influencia clásica.

• La capilla Barda en Florencia:

Expresiones mejor conseguidas al igual que la arquitectura más real y proporcionada. Se cuenta la historia de San Juan Evangelista y su ascensión al cielo.

Estilo Gótico Internacional (1390-1400)

Es una influencia de varios estilos: las escuelas italianas más los miniaturistas franceses. Cierto renacer en el territorio germánico en Bohemio (Praga). Hay elementos nuevos.

Características

La conformación del estilo se da en torno a 1380-90, tiene una riquísima iconografía, se sigue manteniendo el carácter lineal cada vez más grafista. De Italia influye el mejor estudio anatómico, una preocupación espacial y lumínica, y la tendencia a la idealización más la idea de movimiento, son figuras menos estables. Es un arte aristocrático por la influencia francesa donde preocupa la estética. El paisaje es introducido desde Siena y cobra un inmenso desarrollo Este estilo se desarrolla en todas las cortes Europeas vinculadas a las monarquías. Se tiende a la desacralización de los temas al incorporar la narrativa, un arte reclamado por la alta burguesía. Es una época donde se incrementan los viajes, internacionalizando el gusto, todo influye en el arte.

• La corte de Berry, trabajan los hermanos Limbourgo, “las muy ricas horas del duque de Berry”, es un libro de oras, 1413-1416, es la plenitud del estilo internacional y se anuncia el próximo estilo. Aparece la epifanía, con efectos lineales florentinos, ricos vestidos, gesto de arrodillarse de toda una corte fastuosa con hombre tocados con turbantes, vestidos de seda colorista, el paisaje está inspirado en la realidad.
• La corte de Borgoña, Melchor Broederlam, es el artista que trabaja en esta corte con influencia francesa.
• La corte de París, retrato de Juan, el bueno. Muy retocado, representado como duque de normandía de perfil. Se le atribuye a Gerardo de Orleáns, dentro de la misma escuela se encuentra una seda blanca encargada por Carlos V y Juana de Borbón.

En Alemania, en la zona de Colonia, trabaja en la primera mitad del siglo XV Stefan Lochner y hace el tríptico de las naves laterales de la catedral de Colonia, en la tabla central una epifanía, con un colorido magistral, gama de amarillos y rojos: utiliza sobre el fondo oro para efecto de riqueza. La virgen esta coronada con corona imperial.

Estilo Gótico Flamenco

Virgen de los Consellers, de Luis Dalmau

Es un estilo muy realista, es el “ars-nova”, abandona el grafismo internacional en busca de la realidad. Incorporación de detalles, vinculado a la forma de vivir del mundo flamenco el amor a las cosas cotidianas. Espiritualidad intensa, equiparación en la preocupación entre la figura y el detalle, hay un gran avance entre los géneros.

Figuras relevantes

Hermanos Van Eyck: figuras muy importantes de 1420 a 1441. En 1420 trabajan para el rey de Vaviera, y en 1426 en la corte de Felipe el bueno, composiciones muy equilibradas y gran sentido práctico.

Maestro Flemalled: 1378-1449 Es contemporáneo de Van Eyck. Un pintor que tiene valores más pictóricos, predomina más el carácter escultórico de las figuras, el volumen y los pliegues. Una luz que aísla más los objetos. En general tiene una representación espacial pero menos convincente que Van Eyck, sensación de profundidad muy buena.

Roger Van Deir Wayden: En 1450 viaja a Roma y entra en contacto con la pintura italiana, sobre todo en las composiciones, rítmicas y movidas. El dramatismo: expresión de los sentimientos. Estéticamente hay ritmos que nos recuerdan y recuperan ese valor ornamental. La estilización de los personajes es superior a lo clásico, hay una gran naturalidad. Introduce la labor de Grisalla como elemento que trasciende a otros pintores. Tiene un ritmo horizontal en todas sus obras.

Dirck Bouts: Realiza un pórtico en Grisalla con el tema de la vida de la virgen en la 2ª mitad del siglo XV. El paisaje adquiere un gran realismo, gradación de tonos, es lo contrario de los colores luminosos.

Hugo Van Deir Goes: Tiene una clarísima relación con el políptico de Dante “Adán y Eva”, buen estudio anatómico sin idealización, fue un importante pintor con sentido crítico que dotaba a sus cuadros de una expresividad especial.

Memblin: Nació en 1430 en Alemania, trabajará en Brujas. Sus obras llegarán a España y será uno de los maestros favoritos de Isabel la Católica una de sus obras es: “la Justicia de Cambrises” y será un antecedente de Rembrant.

El Bosco1450-1516: Fue un gran creador, no sabemos donde se formó ni quien fue su maestro suponemos que su padre:

• “la mesa de los pecados capitales”, 1475, es el ojo de Dios, en la pupila Cristo enseñando las yagas con la inscripción de Dios y los siete pecados capitales en el iris, es la clave de los trípticos. Es una burla muy sarcástica, la cultura flamenca está llena de proverbios y muchas interpretaciones de los dichos populares de entonces.

• “El carro del heno”, Toda la vida es como la flor del campo. Surgen dichos: la vida es como un carro de heno y coge todo lo que puedas. Detrás del carro está el papa, el rey, los nobles, los mendigos y en lo alto están los amantes y un ángel pidiendo a Dios.

Se considera a el Bosco uno de los creadores del surrealismo. Se relata en ella como todas las clases sociales pretenden conseguir su parte de heno, su ración de placeres.

Fuentes

• Universidad de Alicante
• Arte Guias desde 2001
• Rincón del vago