EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Dagoberto Vásquez Castañeda

2024-08-27T15:10:43Z

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{{Ficha Persona
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}}
'''Dagoberto Vásquez Castañeda.''', fue uno de los artistas guatemaltecos más destacados del [[siglo XX]] siendo parte de la generación de artistas que revitalizaron el arte en Guatemala después de la [[Segunda Guerra Mundial]].

==Síntesis biográfica==
Nació el [[2 de octubre]] de [[1922]], en la Ciudad de Guatemala.

Realizó sus estudios iniciales en la Academia de Bellas Artes entre [[1937]] y [[1944]], fue ayudante del vitralista [[Julio Urruela Vásquez]] de [[1940]] a 1944 en las obras de decoración del Palacio Nacional, comenzando esta labor, con aproximadamente 18 años.

En [[1945]] recibió una beca del gobierno para estudiar escultura y fundición en bronce en la Escuela de Artes Aplicadas en Santiago, Chile donde permaneció hasta [[1949]].

Retornó a Guatemala, donde trabajó de catedrático en la Escuela de Artes Plásticas, en la Escuela Normal de Maestros de Educación Musical y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

Durante toda su vida viajó a varios países de América y Europa, presentando exposiciones individuales y colectivas.Fue perfeccionando su técnica y estilo abstracto, así como el Expresionismo, el método que utilizó para realizar murales relieves en concreto revolucionó el diseño artístico de la Ciudad de Guatemala.

Desde [[1969]] a [[1990]] dirigió el Departamento de Folklore de la Dirección General de las Bellas Artes siendo su trabajo de investigación muy importante para el país, publicando documentos sobre danzas folklóricas, festividades, música y pintura popular.

==Obras==
* Orígenes de la vida —1951—.
* Fuentes de la vida, mosaico veneciano en el Instituto de Nutrición de Centro América y Panamá —[[1954]]—.
* Canto a Guatemala, en el muro oriente del Palacio Municipal —[[1956]]—.
* Busto de Tecún Umán en la Avenida Las Américas —[[1961]]—.
* Economía y Cultura, en la fachada oriente del Banco de Guatemala —[[1964]]—.
* La presencia indígena en la cultura guatemalteca en el Museo Nacional de Arqueología y Etnología de Guatemala.
* El Arribo, en el Banco inmobiliario.
* Violinista o Concierto, en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida.
* La Ofrenda, en el vestíbulo del Hotel Intercontinental.

==Reconocimientos==
* Segundo premio en Escultura en el Certamen anual Rafael Yela Günther —1944—.
* Primer premio en Escultura en el Certamen anual Rafael Yela Günther —1945—.
* Diploma Emeretissimun de la Facultad de Humanidades de la USAC —1978—.

== Fuentes ==
* https://aprende.guatemala.com/historia/personajes/biografia-dagoberto-vasquez/
* https://lahora.gt/secciones-para-ti/cultura/analucia/2022/03/20/dagoberto-vasquez-un-artista-fiel-a-si-mismo-a-100-anos-de-su-natalicio/
* https://www.renap.gob.gt/sites/default/files/publicaciones-renap/17_dagoberto_vasquez2.pdf
* https://alianzafrancesa.org.gt/evento/pluridimensional-de-dagoberto-vasquez-castaneda/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Escultor]]

Archivo:Dagoberto Vásquez Castañeda.jpg

2024-08-27T14:54:30Z

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Archivo:Eduardo Rubino.jpg

2024-06-12T19:47:14Z

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Teodor Kračun

2024-03-26T16:29:41Z

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}}
'''Teodor Dimitrijević''', conocido como '''Teodor Kračun''' fue un icono y retablo serbio.

==Síntesis biográfica==
Nació en Sremska Kamenica en [[1730]]. Su apellido original era Dimitrijević, pero más tarde se quedó con el apodo de "Kračun".

Estudió arte con [[Dimitrije Bačević]], un conocido pintor de iconos y retratos, antes de tomar votos monásticos y entrar en la Academia de Viena en [[1769]].

Durante su vida produjo numerosos iconos y retablos que todavía se conservan hoy en día en las iglesias ortodoxas serbias y católicas romanas. y catedrales en toda la provincia de Vojvodina. Fue un maestro reconocido del período barroco, considerado el primer gran pintor serbio moderno y el más renombrado del estilo de pintura barroco y rococó en el norte de Serbia. Sus contemporáneos fueron [[Stefan Tenecki]], [[Dimitrije Popović]], [[Jakov Orfelin]], [[Georgije Mišković]] y [[Grigorije Davidović-Obšić]].

Sus obras más grandes e importantes, realizadas entre [[1771]] y [[1781]], son los dos iconostasios de la Iglesia Catedral de San Nicolás en Sremski Karlovci.

El más pequeño en la capilla de San Jorge en la zona del coro y el otro, de mayor tamaño, en la iglesia que fue la estructura más representativa del barroco serbio construida entre [[1752]] y [[1762]], por el metropolitano [[Pavle Nenadović]].

Para la iglesia catedral, realizó diez iconos montados en madera y para la iglesia superior de Karlovci, una serie de iconos. También se le atribuyen varios iconos del iconostasio de la Iglesia del Santo Archidiácono Stefan en Sremska Mitrovica.

Algunos historiadores señalan el parecido de la pintura de Kračun con el arte del gran El Greco, que se caracteriza por los efectos de luz y oscuridad, los movimientos vibrantes y la interacción de las cortinas y el fondo.

En la obra de también están presentes los elementos del arte rocalla. También pintó retratos. Su mejor obra es el retrato del archimandrita Jovan Jovanović del monasterio de Novo Hopovo. Según los registros de la iglesia de San Nicolás en Sremski Karlovci.

==Fallecimiento==
Murió el [[10 de abril]] de [[1781]].

== Fuentes ==
* https://balcanica.rs/index.php/journal/article/view/158
* https://famouspaintingbynumbers.com/teodor-kracun/
* https://www.galerijamaticesrpske.rs/autori/kracun-teodor/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Teodor Kračun.jpg

2024-03-26T16:29:24Z

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Stefan Gavrilović

2024-03-26T15:59:27Z

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}}
'''Stefan Gavrilović''', fue un pintor serbio de los siglos XVIII y XIX conocido mejor por su iconostasio y frescos.

==Síntesis biográfica==
Se le considera uno de los maestros de la pintura neoclásica y del barroco tardío, y estuvo muy influenciado por [[Jakov Orfelin]] y [[Teodor Kračun]]. Georgije Bakalović fue uno de sus alumnos.

Gavrilović, cuyo trabajo anticipó la llegada de la nueva tendencia artística, el neoclasicismo, tenía su taller en Sremski Karlovci. Hizo muchas banderas para el Primer Levantamiento Serbio contra el Imperio Otomano. Es autor del retrato de Mojsije Putnik, entre muchas otras pinturas, iconos y frescos.

==Obras==
* Flag, early [[1804]]
* Flag, early [[1809]]
* First Serbian Uprising voivode flag, [[1811]]

== Fuentes ==
* https://watchartworks.com/stefan-gavrilovic/
* https://watchartworks.com/stefan-gavrilovic/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Stefan Gavrilović.jpg

2024-03-26T15:59:05Z

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2024-03-21T20:14:17Z

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== Fuente: ==

Lawren Stewart Harris

2024-02-06T20:29:08Z

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|nombre completo = Lawren Stewart Harris
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|fecha de nacimiento = [[23 de octubre]] de [[1885]]
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|lugar de fallecimiento = [[Vancouver]], [[Canadá]]
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|nacionalidad = Canadiense
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|educación = Universidad de Toronto (1903–1904), St. Andrew's College, Central Technical School
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|cónyuge = Bess Larkin Housser Harris, Beatrice (Trixie) Phillips.
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|padres = Thomas Morgan Harris y Annabelle Stewart
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'''Lawren Stewart Harris''', fue un pintor canadiense que jugó un papel fundamental en la creación del Grupo de los Siete, al que pertenecía, un grupo de siete jóvenes pintores canadienses que, influidos por el Impresionismo europeo de finales del [[siglo XIX]], revolucionarían la pintura del país norteamericano en algunos años.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[23 de octubre]] de [[1885]] en Brantford, Ontario. Era hijo de Thomas Morgan Harris y Annabelle Stewart. Su padre era secretario de la firma A. Harris, Sons & Company Ltd., comerciantes de maquinaria agrícola, que se fusionó con la firma Massey en [[1891]], formando la Massey-Harris Company, más tarde conocida como Massey Ferguson. ] La parte de la fortuna resultante que correspondió a Lawren Harris lo liberó de preocupaciones financieras por el resto de su vida. Aunque nació en la riqueza, fue un individuo que hizo su propio camino a su manera individual. En 1894, su padre murió y la familia se mudó a Toronto. En 1899, comenzó a alojarse en St. Andrew's College, que en ese momento estaba ubicado en Rosedale en Toronto, luego, en 1903, asistió al University College de la Universidad de Toronto.

De [[1904]] a [[1908]] estudió en Berlín con Adolf Schlabitz, Franz Skarbina y muy probablemente con Fritz von Wille, obteniendo una base académica similar a la que ofrecían las academias de París. Harris permaneció en Berlín durante tres años, donde aprendió sobre el impresionismo y el postimpresionismo y vio exposiciones de arte moderno alemán y europeo.

Entre estas exposiciones se encontraban varias de la Secesión de [[Berlín]] y una revisión exhaustiva del arte alemán del [[siglo XIX]]. En [[1908]] viajó a [[Austria]], [[Italia]], [[Francia]] e [[Inglaterra]] antes de regresar a Toronto. Trajo consigo la influencia no sólo de sus profesores sino también del movimiento secesionista que había encontrado en Berlín. A través de sus lecturas y maestros, es posible que también haya aprendido sobre Teosofía.

En Toronto, a donde regresó en [[1908]], Harris encontró amigos a través del Arts and Letters Club de Toronto, al que se unió en 1909, entablando amistad con el periodista Roy Mitchell, otro de los primeros miembros. En 1910, se interesó por la filosofía y el pensamiento oriental, probablemente a través de Mitchell, y comenzó a discutir seriamente la Teosofía (aunque no fue hasta 1924[13] que se unió formalmente a la Logia de Toronto de la Sociedad Teosófica Internacional). De 1910 a 1918, centró su pintura en el paisaje urbano de Toronto, presentando una paleta significativamente iluminada, una atención a la luz y un desarrollo del espacio en capas para transmitir una sensación de lugar.

En [[1911]], conoció y se hizo amigo de J. E. H. MacDonald, quien exhibía bocetos en el salón del Club. Harris y MacDonald realizaron viajes de dibujo[15] y juntos visitaron la exposición de arte escandinavo contemporáneo en Buffalo en la Galería Albright en [[1913]].

En [[1913]], dio el primer paso que consolidaría a un grupo de artistas con ideas afines en el arte canadiense, al invitar a A. Y. Jackson, entonces en Montreal, a Toronto. Al año siguiente, él y su amigo, el Dr. James MacCallum, financiaron la construcción de un edificio de estudios en Toronto que proporcionó a los artistas, entre ellos Tom Thomson, un espacio económico para trabajar.

En [[1915]], Harris arregló una choza detrás del Studio Building para Thomson cuyo arte y dedicación a su carrera resultaron inspiradores para Harris.

El [[20 de enero]] de [[1910]], Harris se casó con Beatrice (Trixie) Phillips. La pareja tuvo tres hijos: Lawren P. Harris, Margaret Anne Harris y Howard K. Harris, todos nacidos en la primera década de su matrimonio. Más tarde, Harris se enamoró de Bess, la esposa de su amigo de la escuela, F.B. Housser, pero en ese momento se consideró que el divorcio causaba indignación, especialmente para un hombre tan prominente socialmente como Harris.

Harris finalmente dejó a su esposa durante 24 años, Trixie, y a sus tres hijos, y se casó con Bess Housser en [[1934]]. La familia de Trixie lo amenazó con cargos de bigamia debido a sus acciones. Más tarde ese año, él y Bess dejaron su casa y se mudaron a los Estados Unidos. En [[1940]] se mudaron a Vancouver, Columbia Británica. Bess murió en 1969. Harris murió en Vancouver en [[1970]].

Sus cenizas y las de Bess están enterradas en los terrenos de la Colección de Arte Canadiense McMichael, Kleinburg.

==Galería==
* Armas y transporte a disposición (1943)
* Teniente coronel J. Beggs (1944)
* Ruta costera camino a Ortona (1945)
* Ataque aéreo nocturno tras las líneas de Hitler (1945)

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/lawren-harris
* https://artsandculture.google.com/entity/m03xhdh?hl=es
* https://www.gallery.ca/collection/artist/lawren-s-harris

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Lawren-harris.jpg

2024-02-06T20:28:48Z

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Archivo:Laura-Muntz-Lyall.jpg

2024-02-06T20:09:59Z

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== Fuente: ==

Yayoi Kasuma

2024-01-23T21:50:40Z

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'''Yayoi Kusama''', es una artista japonesa que a lo largo de su carrera ha trabajado con una gran cantidad de medios incluyendo: pintura, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia por la repetición y los patrones.

==Síntesis biográfica==
Nacida en , era la cuarta hija de una familia próspera y conservadora, cuya bonanza provino de la venta de granos, ha experimentado alucinaciones y pensamientos severamente obsesivos desde su niñez con tendencias suicidas.

En una de sus entrevistas comentó que cuando era pequeña sufrió de abuso físico por parte de su madre. En [[1948]], se fue de su hogar para entrar en la Escuela Municipal de Artes y Artesanías de [[Kioto]], donde estudió Nihonga, un estilo riguroso desarrollado durante la Era Meiji; se graduó el año siguiente.

Odiaba la rigidez del sistema maestro-discípulo donde los estudiantes debían empaparse de tradición a través del sensei.

Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en [[Matsumoto]] y [[Tokio]] durante la década de [[1950]].

A partir de este año comienza a representar formas naturales abstraídas en acuarela, gouache y aceite en papel, principalmente, a cubrir todas las superficies como paredes, pisos, lienzos y más adelante objetos del hogar y cuerpos desnudos con lunares, los cuales se convertirían en la marca personal de su trabajo.

Desde [[1965]], continuó con su serie de cuartos Espejo/Infinito. En estas instalaciones complejas, cuartos hechos a la medida se alinean con vidrios espejo y contienen pelotas de colores neón colgadas a diferentes alturas sobre el espectador. Erguido dentro de una pequeña plataforma, la luz se refleja repetidamente sobre las superficies espejo para crear la ilusión de espacio infinito.

En [[1966]], participó por primera vez en la Bienal de Venecia número 33. Su "Jardín de Narciso" constaba de cientos de esferas espejadas situadas en el exterior en lo que ella llamaba "alfombra cinética". Tan pronto como esta obra fue instalada en el pasto fuera del pabellón italiano

En [[1973]], regresó a Japón con mala salud; ahí comenzó a escribir novelas, historias cortas y poesía muy viscerales y surrealistas.

En [[1973]] se mudó a los [[Estados Unidos]], [[Nueva York]] donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto, cambió al arte y se hizo elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de [[Andy Warhol]], [[Claes Oldenburg]] y [[George Segal]] a principios de la década de [[1980]] cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. contracultura hippie de finales de los años ochenta, llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.

En [[1988]], se mudó de vuelta a Japón, donde encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en [[1990]] se internó voluntariamente en un hospital, donde ha vivido el resto de su vida. Desde entonces, continúa produciendo obras de arte con diferentes medios.

El trabajo de la pintora está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal Kusama también es una novelista y poeta publicada, creando trabajos notables en filmes y diseño de moda.

Del [[15 de julio]] de [[2013]] al [[3 de noviembre]] de este mismo año, cientos de obras de la artista, incluidas docenas de sus últimas piezas fueron exhibidas en el Daegu Art Museum, en Daegu, Corea.

Del [[30 de junio]] de 2013 al [[16 de septiembre]], varias piezas fueron expuestas en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, en Argentina.

De finales de [[2015]] a principios de [[2016]] la exposición de causó estrepitoso furor en la Ciudad de [[México]] con una asistencia aproximdada de 2.000 visitantes diarios al Museo Tamayo por su exposición "Obsesión Infinita".

En [[2023]], del [[27 de junio]] al [[8 de octubre]], se expone la retrospectiva Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy en el Museo Guggenheim Bilbao.

== Fuentes ==
* https://www.japonalternativo.com/blog/vida-en-japon/mejores-artistas-japoneses/
* https://www.siamgodh.com/blog-de-arte/artistas-japoneses/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Yasumasa Morimura

2024-01-23T21:31:19Z

Amaliajc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Yasumasa Morimura |imagen = Yasumasa_Morimura.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 11 de junio de 19…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Yasumasa Morimura
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|fecha de nacimiento = [[11 de junio]] de [[1951]]
|lugar de nacimiento = [[Osaka]], [[Japón]]
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|nacionalidad = Japonesa
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|educación = Universidad de Arte de Kyoto.
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|ocupación = Pintor y Fotógrafo
|conocido = El hombre de las mil caras
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'''Yasumasa Morimura''', es un artista plástico japonés conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como Apropiacionismo.

==Síntesis biográfica==
Nació en Japón pocos años después del fin de la [[Segunda Guerra Mundial]], acontecimiento que supuso profundos cambios en las relaciones entre [[Japón]] y Occidente. Estos cambios influyeron intensamente en su educación y en su posterior obra. Comenzó su formación en Osaka, hasta que en [[1975]] obtuvo una beca para la Kyoto City University of Art, donde permaneció estudiando diseño hasta [[1978]].

En sus primeras creaciones se puede observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo).

A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra donde a través de la cámara, analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva.

Ha sido englobado en el grupo de artistas de los setenta que utilizaron la técnica del “apropiacionismo”, mediante este procedimiento, se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación, cosifica la obra (gran influencia de autores como Marcel Duchamp o Andy Warhol), del mismo modo en el que siente que el pueblo japonés ha sido cosificado por la opresión occidental. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000.

Su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio pintor es el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas.

Sus trabajos representan meticulosamente reconstrucciones de obras maestras. Son obras conocidas a las que añade un tinte de homenaje y parodia. En general se trata de interpretaciones que en ocasiones resultan burlescas o satíricas o que intentan despertar emociones.

Algunos entre la larga lista de personajes plasmados en sus instantáneas son [[Marilyn Monroe]], [[Che Guevara]], la Mona Lisa, [[Liza Minnelli]], [[Audrey Hepburn]], [[Frida Kahlo]], [[Jodie Foster]], [[Albert Einstein]], [[Michael Jackson]], [[Adolf Hitler]], [[Mao Zedong]], [[Diego Velázquez]] y las meninas.

Él mismo define que su identidad está dentro de toda la gama de posibilidades, por lo que califica su obra como “autorretrato abierto”. No juega al travestismo o simple provocación, sino que plantea una reflexión en las convenciones visuales y lo que significan. La relevancia social, el género y la historia varían ampliamente.

Morimura es omnipresente, ubicuo, él representa a todos sus personajes en un minucioso despliegue técnico de caracterización, escenografía e iluminación que lejos de ser un alarde de ego anula por completo su personalidad. Su trabajo tiene una enorme potencia política y ontológica. Es un terrorista. Rompe con lo binario y lo jerárquico, es homenaje, pero también crítica. Podría ser cualquiera y es, a su vez, nadie.

Sorprende la escasa tradición del retrato en el arte japonés por influencia del budismo, pero Morimura lo despliega hábilmente como arma arrojadiza contra el poder de las imágenes de masas, un poder del que se apropia para responder con contundencia a los cánones hegemónicos de la historia del arte y la industria cultural.

En su trabajo se superponen tiempos históricos que yacen en una continua resignificación. Anula la realidad única y evoca una lectura poscolonial, mientras cuestiona la noción de autoría produciendo espectaculares copias digitales y precisos detalles a la altura de la pintura original.

== Fuentes ==
* https://espaidaruma.com/cultura/yasumasa-morimura/
* https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230613/yasumasa-morimura-travestido-historia-arte/769423052_0.html
* https://www.tendenciasdelarte.com/yasumasa-morimura-febrero-2012/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Yasumasa Morimura.jpg

2024-01-23T21:31:07Z

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== Fuente: ==

Guan Daosheng

2023-12-16T20:21:42Z

Amaliajc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Guan Daosheng |imagen = Guan_Daosheng.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1262 |lugar de nacimiento =…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Guan Daosheng
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|fecha de nacimiento = [[1262]]
|lugar de nacimiento = [[China]]
|fecha de fallecimiento = [[1319]]
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|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Zhao Mengfu
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|padres = Guan Shen
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'''Guan Daosheng''', pintora, calígrafa y poetisa china de la dinastía Yuan. Era la esposa del calígrafo Zhao Mengfu, a menudo considerado como el mayor artista de del período Yuan temprano. Su hijo era Zhao Yong. El Emperador Ren fue un gran coleccionista de los pergaminos de los tres.

==Síntesis biográfica==
uan Daosheng , también conocida como Guan Zhongji o Lady Zhongji (su nombre de cortesía ) ( chino :管道昇; Wade–Giles : Kuan Tao-sheng ; 字仲姬; 1262–1319) fue una pintora y poeta china que estuvo activa durante los primeros Dinastía Yuan . Se le atribuye ser "la pintora y calígrafa más famosa de la historia de China... recordada no solo como una mujer talentosa, sino también como una figura destacada en la historia de la pintura con bambú". [1] También es una poeta muy conocida en la dinastía Yuan . [2]

Nació en una familia terrateniente en Huzhou , que se cree que es descendiente del funcionario de alto rango de Wuxing , Guan Zhong . Guan creció en las tierras ancestrales de su familia, apodadas "El Nido de los Estimados", y era una niña bien educada y muy talentosa. [3] Su padre la tenía en muy alta estima, viéndola como una niña excepcional tan pronto como nació; de ahí el nombre Guan Daosheng, que se traduce como "Camino de la rectitud que se eleva como el sol". [2]

En 1286, a la edad de 24 años, Guan se casó con Zhao Mengfu , un renombrado erudito-funcionario y artista a menudo considerado el artista más grande del período Yuan anterior. [4] Guan y Zhao establecieron un hogar en Wuxing "con la compra de una casa en la ciudad con jardines en Huzhou, y un retiro en el campo en el pueblo de Dongheng cerca de Deqing", [5] donde fueron enterrados más tarde. Guan y Zhao tuvieron dos hijos y dos hijas juntos, que se criaron junto con el hijo y las cuatro hijas que Zhao tuvo con su esposa anterior, quien murió antes de casarse con Guan. Debido al trabajo de Zhao para la corte imperial, los dos viajaron mucho, lo que le dio a Guan la oportunidad de conocer a artistas destacados de la época y ver lugares a los que las mujeres de clase alta generalmente no tenían acceso. Se uniría especialmente a Zhao en los viajes entre la capital del norte en Dadu y el centro cultural del sur de Huangzhou , más notablemente un viaje de tres años a Dadu en el año de su matrimonio.

En [[1279]], Kublai Khan finalizó la conquista de los mongoles y fundó la dinastía Yuan (1279-1368). Con el fin de establecer un control cultural sobre los chinos, especialmente los chinos Han, Kublai había buscado a los eruditos chinos más talentosos para que sirvieran en su corte real. Por lo tanto, Zhao comenzó su carrera en los más altos cargos del estado y fue honrado no solo como un gran artista, sino también como un "hombre de letras versátil" que registró las actividades del emperador. Esto, a su vez, le dio a Guan la oportunidad de mostrar su propio talento y ganar renombre. Tanto Guan como Zhao "albergaban una profunda fe budista Chan y disfrutaban de la amistad con los monjes, como su maestro Zhongfeng Mingben y otros que residían en los monasterios de las montañas Tianmu., cerca de sus hogares en Wuxing y Deqing en el norte de Zhejiang..."

Comenzando a pintar alrededor de [[1296]], y a practicar la caligrafía en [[1299]]. Tenía talento en ambas actividades, utilizando pintura de bambú y de ciruela con trazos delicados y elegantes. Se cree que ella y su marido pintaron juntos.

==Muerte==
Guan murió en [[1319]] a la edad de 58 años después de una larga enfermedad. Murió "a bordo del barco oficial en Shandong de camino a casa"; [8] su esposo había pedido permiso para regresar debido a la enfermedad de su esposa. "El texto de su carta informando [a un pariente] de su muerte y su doloroso viaje a casa con su ataúd, conocido como 'Zuimeng tie' ('Delirio alcohólico'), retrata a un hombre devastado por la pérdida".

Debido a que algunos de los escritos de su esposo se centraron en su disgusto por el clima del norte de China donde vivían, "incluso puede [haber] sido que una escasa dieta del norte contribuyó a [su] muerte... posiblemente de beriberi provocado por la desnutrición ."

En los tres años que vivió después de su muerte, se dice que Zhao pintó principalmente bambú, uno de los temas favoritos de Guan, en su memoria. Hoy, su "casa de la ciudad y jardín en Huzhou, Lianhuazhuang, y su tumba en el campo en Dongheng han sido restaurados" y se ha construido un pequeño museo en honor de su esposo.

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/guan-daosheng/all-works
* https://hmn.wiki/es/Guan_Daosheng
* https://www.wikiart.org/es/guan-daosheng

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2023-12-16T20:21:22Z

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Zhao Mengfu

2023-12-16T19:00:43Z

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'''Zhao Mengfu''', Nombre de cortesía Ziang, pseudónimos Songxue, Oubo, y Shuijing-gong Dao-ren, es un príncipe y descendiente de la dinastía Song, y estudioso chino, pintor y calígrafo durante la dinastía Yuan. Casado con Guan Daosheng, que fue poeta, pintora y calígrafa de renombre.

==Síntesis biográfica==
Nació [[1254]] en [[Huzhou]], [[China]] ha sido honrado como uno de los primeros maestros dentro de la tradición de los pintores literatos (wenrenhua), que buscaban la expresión personal más que la representación de la naturaleza.

Aunque era descendiente de la familia imperial de la dinastía Song (960-1279) y había sido educado en la universidad imperial, en [[1286]], Zhao aceptó servir en la recién establecida corte mongol. Sus pinturas estuvieron entre las primeras después del colapso de la dinastía Song y su academia de pintura en mostrar un interés derivado de los temas y estilos de los maestros antiguos. Zhao es recordado popularmente como un pintor de caballos a la manera del maestro Han Gan de la dinastía Tang, pero también pintó otros grupos de animales, paisajes y bambúes.

Casado con Guan Daosheng, que fue poeta, pintora y calígrafa de renombre. Se considera que el rechazo al estilo refinado y de pincel hábil de su época en favor del estilo más rudo del siglo octavo produjo una revolución que dio origen a la pintura china moderna de paisajes. Destacado por sus pinturas de caballos. Se considera que sus paisajes fueron realizados en un estilo que se centra principalmente en un esquema literal del paisaje. En vez de organizar los elementos en primer plano, plano medio y fondo, ubica partes del plano medio en distintas elevaciones creando así una sensación de profundidad. Esta forma de organizar sus cuadros hacen que sus pinturas parezcan muy simples y comprensibles. Mucha gente se sintió por ello atraída por su estilo.

Generalmente evitaba la belleza superficial utilizando colores y composiciones deliberadamente simplificadas y una representación esquemática, incluso infantil, de formas y escalas. Sus obras suelen mostrar una gran variedad de pinceladas. La esposa de Zhao, [[Guan Daosheng]], y su hijo, [[Zhao Yong]] (nacido en 1289), fueron pintores destacados.

==Obras==
* Zhao Mengfu, Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua.
* Un hombre y su caballo frente al viento
* Rocas elegantes y árboles esparcidos
* Una oveja y una cabra
* Viejo árbol y caballos

== Fuentes ==
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/40509
* https://www.britannica.com/biography/Zhao-Mengfu
* https://www.comuseum.com/painting/masters/zhao-mengfu/
* http://afe.easia.columbia.edu/mongols/pop/zhao_pop.htm

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Calígrafa]]

Archivo:Zhao Mengfu.jpg

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