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El sueño del mono loco (película)

2022-03-15T13:40:00Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = El sueño del mono loco (Película) |nombre completo = El sueño del mono loco |título original = El sueño del mono loco |imagen = El_sue_o_d…»

{{Ficha Película
|nombre = El sueño del mono loco (Película)
|nombre completo = El sueño del mono loco
|título original = El sueño del mono loco
|imagen = El_sue_o_del_mono_loco-592404807-mmed.jpg
|duración = 103 min

|descripción =

|estreno = 5 de diciembre de 1989
|guión = Fernando Trueba, Manuel Matji, Menno Meyjes. Novela: Christopher Frank
|año = 1989
|género = Intriga. Drama | Cine dentro del cine
|director = Fernando Trueba
|productora = Coproducción España-Francia; French Productions, International Production, Sofica Valor, Iberoamericana
|fotografía = José Luis Alcaine
|música = Antoine Duhamel
|protagonistas =
|idiomas = español
|país = España

|formato =

}}
<div align="justify">
'''El sueño del mono loco '''. [[Película]] del año [[1989]] es una película de Fernando Trueba basado en el libro Le rêve du singe fou (El sueño del mono loco) del escritor francés Christopher Frank.

== Sinopsis ==
Dan Gillis, un guionista americano que vive en París y que acaba de ser abandonado por su mujer, es contratado para escribir el guión de una película, de título "El sueño del mono loco", que dirigirá un extraño y enigmático joven.
== Premios ==
• 1989: Premios Goya: 6 premios, incluyendo Mejor película y Director
== Críticas ==
• "Trueba demostró un evidente talento para crear una atmósfera turbia e inquietante. (...)
• "La película más extraña de Trueba hasta la fecha"
• "Complejo y denso relato (...) Goldblum y la dirección de Trueba, ambos magistrales en su terreno, compensan algunos gruesos errores del guión y del reparto. (...) bordea permanentemente ese abismo que en cine es una carcajada inoportuna, pero nunca cae en él"
• Hasta El sueño del mono loco Fernando Trueba únicamente había trabajado en el terreno de la comedia, siendo, además, uno de los renovadores del género durante la década de los ochenta desde que a comienzos de la misma dirigiera Ópera prima. A partir de ella, varias comedias le fueron situando en un lugar privilegiado dentro de la cinematografía española y, en particular, dentro del género. Esto explica lo sorpresiva que supuso El sueño del mono loco y no solo por ser rodada en inglés y con actores extranjeros –en esos momentos apenas sucedía esto en España salvo de manera puntual-. Un drama de intriga con el cine dentro del cine como excusa para trazar un itinerario perturbador, inquietante, que Trueba, a partir de una novela de Christopher Clark, construye con mucho más cuidado visual que el que había practicado hasta entonces en sus comedias. La siempre perturbadora presencia de Jeff

== Reparto==
• Jeff Goldblum, Miranda Richardson, Anémone, Liza Walker, Dexter Fletcher, Daniel Ceccaldi, Jerome Natali, Asunción Balaguer, Arielle Dombasle.

== Descripción ==
El año pasado se rodó una película que nunca veréis, Legrand nunca debió producirla, yo nunca debí escribirla, y mi mujer nunca debió abandonarme.
Esto es lo que señala Daniel Gillis, guionista americano que vive en París, y al que Marianne, su mujer abandonó dejando momentáneamente con él a su hijo Danny.
Recibe entonces el encargo del productor Julien Legrand de desarrollar un tema del que cree podrá salir un buen Guion, que dirigirá Malcolm Green, un jovencísimo director inglés.
Le muestra el tema, que consta solo de dos líneas: "Qué te ocurre, Wendy, preguntó otra vez. Me he hecho mayor, Peter", lo que señala le parece poco para un Guion, a lo que Malcolm aduce que no lo fue para su novela, comprobando el productor que la frase de Peter Pan, fue incluida por Dan al principio de una novela que escribió años atrás, y que, pese a estar agotada, la encontró la hermana de Malcolm, interesándose tras leerlo en que fuera Dan quien escribiese el Guion para su película.
Malcolm le explica su idea, hablándole del mono loco, que bajó del árbol y se hizo cazador, mientras que el cuerdo siguió en el árbol comiendo plátanos, debiendo escribir su Guion en torno a esa idea, acordando que el título sea: "El sueño del mono loco", decidiendo en ese momento Dan llamar a Marilyn su agente pare pedirle que deshaga el trato con Legrand pese a que este aceptó pagarles el doble de su caché, prefiriendo otro proyecto para adaptar una novela, aunque tras llamarla conoce a Jenny, la hermana de Malcolm, por la que, pese a su juventud se siente atraído.
Cuando regresa a su casa, encuentra en ella a Marianne, que le dice desear acostarse con él, haciéndolo pese a la confusión que le supone la actitud de esta, llamando tras ello de nuevo a Marilyn para pedirle que no anule el acuerdo con Legrand.
Se le ocurre una primera idea. La de una persona que se lanza desde un rascacielos de Nueva York. Uno de los niños perdidos que recuerda su vida mientras cae".
Y tras esa idea y varias reuniones con Malcolm comenzó a escribir el Guion, que tendrá listo en unas semanas, aunque cuando fue a hablar con Malcolm para rematarlo este le pidió que lo reescribiera entero, y pese al disgusto que ello le supone lo hará, siendo en parte convencido por Jenny, que le dará un "premio", haciéndole una felación.
Acaba el Guion con las indicaciones de Malcolm y va a visitar a Marilyn de madrugada.
Va a llevarle el Guion a Legrand, que le dice que llevar a la pantalla su Guion es inviable, pues no cree que ningún banco le financie ese proyecto tal como está escrito y sin ninguna estrella para interpretarlo, proponiéndole Dan el nombre de una estrella a la que le gustaría hacer un Guion raro, dándole el nombre de Marion Derain.
Pero Legrand no ve claro el proyecto, y pese a la firmeza con que se lo dice a Dan, este ve cómo cuando habla con Malcolm por teléfono se muestra menos firme.
Dan se marcha mientras lo escucha discutir con Malcolm, aunque se queda un rato en su coche observando, y viendo cómo poco después llega Jenny en su moto.
Poco después será el propio Malcolm quien le pida que hable con Marion, a lo que se niega, aunque está seguro de que tratarán de convencerlo con Jenny, que, en efecto aparece en su casa poco después, comprobando que esta aparece cada vez que Malcolm tiene un problema, y ella le confirma que, en efecto, cada vez que Legrand decide no seguir adelante acude ella a verle y le hace una felación.
Él trata de demostrarle que no solo busca eso siendo él quien le haga a ella un cunnilingus siendo sorprendido mientras lo hace, por su hijo.
Finalmente Dan acude a hablar con Marion, convenciéndola para participar en la película, aunque ella desea hablar también con Malcolm, por lo que concierta una cita entre ambos, aunque el día de la misma Malcolm no desea acudir estando muy perturbado debido a que lleva tres días sin saber nada de Jenny, debiendo ofrecerse Dan a quedarse en su casa por si llama o regresa la hermana para que Malcolm acuda a la entrevista.
Mientras espera en casa recibe una llamada, pero no de Jenny, sino de Legrand, que creyendo que habla con Malcolm le pide que le envíe a su hermana.
Finalmente Dan se marcha sin esperar a Malcolm, encontrando a Jenny en su casa, la cual ha ido, según le comenta a despedirse, ya que al día siguiente se marchará con su hermano a realizar localizaciones para la película.
Comenzado el rodaje, Dan no vuelve a saber nada de sus ocasionales amigos, apareciendo además Marianne para llevarse a Danny, ya que este le pidió que lo llevase con ella, observando dolido un día, desde un bar cercano al colegio cómo a la salida Danny abraza con entusiasmo a otro hombre.
Un día se acerca para ver cómo va el rodaje, observando que Jenny actúa en la película.
Se dirige a ella y esta le reta a seguirla, lo que le lleva a cometer varias imprudencias, por la dificultad de seguir a una moto, acabando por tener un accidente al acabar con su coche empotrado en los bajos de un camión de bebidas.
Cuando despierta en el hospital tras varios días sedado Marilyn le informa de que pararon el rodaje debido a que nadie sabe dónde está Jenny, por lo que, cuando le dan el alta la busca también él, encontrando a Malcolm desolado, comprobando que además se droga.
Examinando las cosas de Jenny descubre una foto en la que aparece ella con su hermano en Londres, posando junto a Marilyn, por lo que de inmediato va a interrogarla, deduciendo que conoció a los hermanos en Londres donde vivieron peligrosas experiencias juntos, siendo ella quien les propuso que contrataran a Dan para el Guion de su película, sabiendo que era amigo de Legrand y que a ambos les gustaban las jovencitas.
Dan se siente engañado y utilizado, ante lo que Marilyn, también dolida le reprocha su desinterés por ella debido a que está paralítica, prefiriendo a la joven sana de 16 años.
Convencido de que Legrand sabe algo del paradero de Jenny, Dan acude a verlo, obligándole a confesar que abandonó a la muchacha, muerta, en una cuneta, tras encontrarla muerta en el baño de su casa de campo y que, aunque regresó al día siguiente el cadáver había desaparecido y no había rastro de ella.
Un día coincide mientras cena en un restaurante con la enfermera que le atendió en el hospital y le pregunta qué hacen con los cadáveres que no tienen identificación, hablándole ella de una gran piscina de ácido fénico en la que introducen los cadáveres que luego utilizarán los estudiantes de medicina para sus prácticas, llevando allí, para conseguir dinero a los morbosos que desean ver los cuerpos, consiguiéndole ella una visita al lugar, donde ve flotar cadáveres no identificados, aunque a él le ofrecen algo más espectacular. Podrá ver la piscina desde abajo, estando en ella los cadáveres a flote, observando entre ellos el de Jenny, ante cuya visión grita horrorizado.
Organizó el entierro de la muchacha sin que nadie acudiera al acto.
Un día mientras escribe llaman a su puerta y le dicen que le espera abajo una mujer, comprobando que se trata de Marilyn, que ha regresado de Inglaterra, adonde se marchó tras la discusión con Dan, dispuesta a olvidar su orgullo y el temor al rechazo por su minusvalía, a la que le da a leer su nuevo Guion, contando toda la historia antes de ir a la cama con ella, no considerándola ya una bruja, sino una sirena

== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film765035.html]]
*[[ http://www.nosolocine.es/Pelicula/El+sue%C3%B1o+del+mono+loco]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-31343/]]
* [[https://www.premiosgoya.com/pelicula/el-sueno-del-mono-loco/]]
* [[https://www.tecuentolapelicula.com/peliculase/elsuenodelmonoloco.html]]

[[Categoría:Películas]]

Archivo:El sue o del mono loco-592404807-mmed.jpg

2022-03-15T13:38:52Z

Anyelirodriguez ssp.jc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Como dos gotas de agua (película)

2022-03-10T16:53:45Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = Como dos gotas de agua (Película) |nombre completo = Como dos gotas de agua |título original = Como dos gotas de agua |imagen = Como_dos_gota…»

{{Ficha Película
|nombre = Como dos gotas de agua (Película)
|nombre completo = Como dos gotas de agua
|título original = Como dos gotas de agua
|imagen = Como_dos_gotas.jpg
|duración = 100 min
|clasificación =
|año = 1963
|guión = Gabriel Peña, José María Iglesias
|argumento =
|género = comedia musical
|director = Luis César Amadori
|productora = Producciones Benito Perojo
|fotografia = Antonio L. Ballesteros
|productores_ejecutivos =
|música = Gregorio García Segura
|montaje =
|distribuidora =
|interpretación =
|pais = España
}}
<div align="justify">
'''Como dos gotas de agua'''. [[Película]] del año [[1963]] de producción [[Española]]/ [[España|Española]] Comedia de enredo en la que debutan las populares gemelas Pili y Mili, en un título hecho a medida exclusivamente para su lucimiento. El filme es un 'remake' de un anterior éxito sudamericano titulado "Soñar no cuesta nada" dirigido también por Luis César Amador durante su exilio en Argentina.
== Sinopsis ==
La abogada Ángela Goñi se hace cargo de dos casos a la vez: el de un organillero que quiere llevar a Pili, una joven huérfana que tiene a su cargo, a un colegio para la protección de menores. Y el de Mili, otra joven que al ser desatendida por su padre, un hombre de negocios, su tía Teresa la quiere reclamar por vía judicial. Aprovechando el asombroso parecido que hay entre las muchachas, la abogada arma un gran lío para intentar resolver la situación de la manera más feliz posible
== Reparto==
• Pili y Mili, Pilar Bayona, Emilia Bayona, Isabel Garcés, Emilio Gutiérrez Caba, Luis Dávila, Manolo Morán, Tony Soler, Susana Campos, Trini Montero, Xan das Bolas, Valentín Tornos, Jaime Blanch, Jesús Guzmán, Mariano Azaña, José Morales
== Descripcion ==
El film Como dos gotas de agua tuvo muy buena aceptación cuando se estrenó en cartelera.
El año 1963 fue el elegido para lanzar la película al mundo.
Los años de formación y experiencia de los actores y actrices Pili y Mili, Pilar Bayona, Emilia Bayona, Isabel Garcés, Emilio Gutiérrez Caba se notan en el resultado final.

Los directores de cine son muy importantes en cada creación y es porque el trabajo que realizan es de los más duros y sacrificados del proyecto. En esta ocasión ha sido Luis César Amadori quién ha sufrido a la vez que disfrutado de esta experiencia.
Los personajes van evolucionando a lo largo de 100 min. que dura la película.
La película pertenece a España, uno de los países que más cine genera en el mundo.

El guion es el hilo conductor que conduce al espectador por la película y con el que se da vida al mensaje principal que se quiere trasmitir. Este trabajo ha sido efectuado por Luis César Amadori, José María Iglesias.
La producción de esta película ha podido realizarse ya que Producciones Benito Perojo estaba interesada en el proyecto y confiaba en los buenos resultados.
¿Te imaginas ver una película sin música que acompañe a la historia? Sería todo un desperdicio y más si el equipo de músicos está dirigido y formado por Gregorio García Segura como es en este caso.

Antonio L. Ballesteros tiene una larga experiencia en la fotografía y ahora cuenta con esta gran película en su larga lista.
Esta película se sitúa dentro de los largometrajes que son del género de Comedia, Musical.
== Criticas ==
• La película es bastante mala, las cosas como son, pero cumple su cometido y pasas un rato agradable. Sin olvidar que se trata de cine infantil. El papel de Isabel Garcés es de los mejores. Pero iré a lo que me interesa.
Estoy notando cierta falta de naturalidad, tendemos a ir de "intelectuales" por la vida, y he visto películas que son una auténtico martirio pero con una notaza impresionante, sólo por petenecer al cine "clásico". Aquí hay anonimato, seamos más sinceros que nadie nos va a llamar paletos por decir que no nos gusta Casablanca, El Séptimo Sello o el cine de Akira Kurosawa.
Nuestra vida no es tan corta como para no tener tiempo de ver películas de Orson Welles y de Marisol, ni somos tan limitados como para no disfrutar con las dos cosas. (LMFS)
• Una más de las películas de las hermanas Bayona, esas dos rubitas que bailaban y canturreaban por doquier como si de un musical americano se tratase. Pienso que sin ser mala ni buena marcaron un antes y un después de la sobremesa de los domingos de los años 60 70, simple y para pasar el rato. Sin lugar a dudas lo mejor de todo a mi gusto es esa gran Isabel Garcés, figura emblemática de la interpretación española, representando la figura de mujer despistada y cariñosa…( Olimpo)
• Esta es la primera película de las famosas gemelas Pili y Mili (Pilar y Aurora Bayona), cuando tenían 16 añitos. La peli es flojita, pero tampoco hay que demonizarla. Estas comedias musicales del pizpireto duo son lo que son, un vehículo simpático para que las chavalas bailen y hasta canten (mejor lo primero que lo segundo). Argumentos bobalicones, siempre basados en jugar con el equívoco entre ambas, varios números musicales más o menos conseguidos y poco más.

Esta de su debut quizá no sea la mejor, pero al menos no aburre, más que nada por el protagonismo de Isabelita Garcés como abogada despistada que lo enreda todo. También cumple otro cómico clásico de la época como Manolo Morán y citar como curiosidad a unos jovencísimos Jaime Blanch (23) y Emilio Gutiérrez Caba (21), hoy ya abueletes de setenta y tantos años.

Hay 4 números musicales, dos con Pili, otro con Mili y el clásico numerito final con las dos juntas. Tienen un pase, sobre todo el último porque es una descarada imitación de West Side Story, estrenada dos años antes.

En resumen, pasable y simpática película, que gustara a los incondicionales de Pili y Mili, pero que también es recomendable para aficionados al cine español que quieran pasar un rato más o menos entretenido dejando descansar las neuronas. (Sir Lancelot)

== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film602271.html]]
*[[https://www.filmaffinity.com/es/reviews2/1/602271.html]]
*[[ https://www.movistarplus.es/ficha/como-dos-gotas-de-agua?id=5833&tipo=E]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Como dos gotas.jpg

2022-03-10T16:50:32Z

Anyelirodriguez ssp.jc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Surcos-501141061-large.jpg

2022-02-24T15:42:48Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Nocturno 29 (película)

2022-02-11T15:15:00Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = Nocturno 29 (Película) |nombre completo = Nocturno 29 |título original = Nocturno 29 |imagen = Nocturno_29.jpg |duración = 87 min |descripci…»

{{Ficha Película
|nombre = Nocturno 29 (Película)
|nombre completo = Nocturno 29
|título original = Nocturno 29
|imagen = Nocturno_29.jpg
|duración = 87 min
|descripción =
|estreno = 1968
|guión = Joan Brossa, Pere Portabella
|argumento =
|género = Drama | Cine experimental
|director = Pere Portabella
|productora = Films 59
|fotografia = Luís Cuadrado (B&W)
|productores_ejecutivos =
|música = Josep Mª Mestres Quadreny
|montaje =
|interpretación =
|pais = España
}}
<div align="justify">
''' Nocturno 29 '''. [[Película]] del año [[1968]] El primer largometraje de Pere Portabella se adscribió al experimentalismo más arriesgado, siguiendo vagamente los principios de la llamada "escuela de Barcelona".
== Sinopsis ==
Pretende interrelacionar el cine con la vanguardia de las demás artes, y en este sentido resulta significativa la colaboración de personajes como el poeta Brossa, el compositor Mestres Quadreny y artistas plásticos como Tàpies, Saura o Joan Ponç. El resultado es tan atractivo como hermético.
== Reparto==
• Luis Ciges
• Lucía Bosé
• Antonio Saura
• Mario Cabré
• Ramón Julia
==Críticas==
• El primer largometraje de Pere Portabella se adscribió al experimentalismo ìmás arriesgado, siguiendo vagamente los principios de la llamada "escuela de ìBarcelona". Pretende interrelacionar el cine con la vanguardia de las demás ìartes, y en este sentido resulta significativa la colaboración de personajes ìcomo el poeta Brossa, el compositor Mestres Quadreny y artistas ìplásticos como Tàpies, Saura o Joan Ponç. El resultado es tan atractivo como ìhermético.
• Escenas de un matrimonio de la alta burguesía.
==Descripción==
Se adentra en profundidad en la futura estructura eisensteiniana de los filmes de Portabella, que no avanzan mediante una linealidad narrativa, sino por una sucesión de cuadros escénicos semiautónomos y encadenamientos casi siempre inesperados. "Una serie o suite de situaciones que, aunque aparentemente inconexas, giran siempre en torno a un desarrollo temático que da cuerpo y unidad a la historia sin recurrir para ello a la utilización de una anécdota como continuidad argumental" (Portabella 1968). Las evocaciones de Antonioni, Bergman o Buñuel resuenan en el filme más crudamente antiburgués de Portabella.
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film166799.html]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-191835/]]
*[[ https://www.filmin.es/pelicula/nocturno-29]]
*[[https://www.fotogramas.es/peliculas-criticas/a3990/nocturno-29/]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Nocturno 29.jpg

2022-02-11T15:13:34Z

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== Fuente: ==

La madrastra (película)

2022-01-11T15:39:13Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = La Madrastra (Película) |nombre completo = La Madrastra |título original = La Madrastra |imagen = La-madrastra-2.jpg |duración = 80 min |des…»

{{Ficha Película
|nombre = La Madrastra (Película)
|nombre completo = La Madrastra
|título original = La Madrastra
|imagen = La-madrastra-2.jpg
|duración = 80 min
|descripción =
|estreno = 2005
|guión = Stephen Harrigan. Artículo: Michael Shnayerson
|argumento =
|género = drama/ romance
|director = Peter Svatek
|productora = Coproducción Canadá-Estados Unidos;
Lifetime, Granada America, Lionsgate Television, Ontario Film and Television Tax Credit, CPTC

|fotografia = David Greene
|productores_ejecutivos =
|música = Danny Lux
|montaje =
|interpretación =
|pais = Canadá
}}
<div align="justify">
''' La Madrastra '''. [[Película]] del año [[2005]] de producción Canadiense... Una coproducción entre Estados Unidos y Canadá rodada directamente para la pequeña pantalla. La atractiva Natasha Henstridge ("Species") es la encargada de dar vida a la protagonista de la cinta, acompañada del maduro James Brolin, esposo de Barbra Streisand en la vida real y conocio especialmente en nuestro país por su trabajo en la mítica serie "Hotel".
== Sinopsis ==
Hank Cavanaugh es un padre de familia que contrata a Linda Dupree, una atractiva mujer, para que cuide de su esposa enferma. La llegada de Linda al rancho familiar no es vista con buenos ojos por parte de las hijas del matrimonio, que no han oído hablar muy bien de ella y no aceptan su provocativa forma de vestir. Sus temores se confirman cuando, tras la muerte de su mujer, Linda seduce a Hank y acaba casándose con él.
== Premios ==
- Premios Oscar 1973: Nominada a Mejor Canción Original.
== Reparto==
• Natasha Henstridge, James Brolin, Jewel Staite, Gabriel Hogan, Michelle Duquet, Jeff Roop, Marcia Bennett, Tracy Ferencz, Paul De La Rosa, Roman Podhora
==Críticas==
Una extraña en casa
Hank (James Brolin), un hombre rico, contrata a una joven y atractiva enfermera llamada Linda (Natasha Henstridge) para cuidar de su mujer enferma. Cuando ésta fallece, el hombre Hank se casará con Linda. Pero entonces, Hank muere por sorpresa y su hija empieza a sospechar que su madrastra no es tan adorable como parece y que incluso puede tratarse de una asesina.
Con un argumento tan exageradamente trillado es difícil que la pelicula capte demasiado la atención. Aún así se ofrecen buenas interpretaciones y el reparto es suficientemente conocido para despertar el interés.

== Fuente ==
*[[ https://decine21.com/peliculas/la-madrastra-39911]]
*[[ https://www.abc.es/play/pelicula/la-madrastra-17839/]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film202882.html]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:La-madrastra-2.jpg

2022-01-11T15:37:59Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Caracortada

2022-01-06T17:04:36Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = Cara Cortada(Película) |nombre completo = Cara Cortada |título original = Cara Cortada |imagen = Caracortada.jpg |duración = 170 min |año =…»

{{Ficha Película
|nombre = Cara Cortada(Película)
|nombre completo = Cara Cortada
|título original = Cara Cortada
|imagen = Caracortada.jpg
|duración = 170 min
|año = 2014
|estreno = 20 septiembre de 1984
|guión = Oliver Stone
|argumento =
|género = drama
|director = Brian De Palma
|productora =
|fotografia =
|productores_ejecutivos =
|música =
|montaje =
|distribuidora = Universal Pictures
|interpretación =
|pais = Estados Unidos
}}
<div align="justify">
''' Cara Cortada'''. [[Película]] del año [[1983]] de producción [[estadounidense]]/ [[Estados Unidos| estadounidense]] En su ascenso en el negocio del narcotráfico de Miami, un gánster cubano se sumerge en un mundo de adicción, obsesión y crueldad y paga un alto precio.
== Sinopsis ==
Protagonizada por Al Pacino, Caracortada sigue el ascenso y caída de Tony Montana, un emigrante cubano frío e implacable que logra salir de Cuba durante el éxodo de Mariel en 1980 para conseguir una mejor vida en Estados Unidos. Pero se encuentra en un campo de refugiados de Florida y debe lograr salir de ahí lo antes posible. Su buen amigo Manny Rivera tiene una salida para ellos: realizar un asesinato por contrato para que se hagan arreglos para poder entrar legalmente al país. Gracias a ese encargo, pronto están trabajando para el narcotraficante Frank López, pero Tony es impaciente y quiere mucho más, incluido el imperio de Frank y a su amante Elvira Hancock. Con la colaboración de su amigo, Manny inicia una carrera delictiva, como traficante de cocaína, con el objetivo de acceder al mundo de una organización de narcos. Sin embargo, una vez en la cima, será dificil para Tony no sucumbir a la codicia.
== Reparto==
• Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Steven Bauer

== Criticas ==
LOS ÁNGELES.- Excesiva, histriónica, violenta, puro Al Pacino: Así es “Scarface", la película que hace 25 años patentó una estética de videojuego todavía vigente y confirmó al actor italoamericano, trasunto del mafioso cubanoamericano Tony Montana, como un referente de la sobreactuación. Considerada una obra maestra por algunos, o una vulgar y tediosa apología de la violencia, por otros, “Scarface” (Caracortada) no dejó indiferente a nadie tras su estreno el 9 de diciembre de 1983. Pese a que reunía todas las variables para triunfar en la cosecha de los Oscar de Hollywood -historia de mafiosos, metraje largo, operística puesta en escena y grandes raciones de Al Pacino-, la película se tuvo que conformar ese año con una triste candidatura a los Razzie (los anti-Oscar) para su director, Brian de Palma, cuya carrera ha sido siempre una auténtica pesadilla para la crítica. "Scarface", que narra el ascenso y caída de un cubano que abandona la isla en el famoso éxodo de Mariel en 1980 y funda un imperio de la cocaína en Miami, era un proyecto acariciado por Martín Scorsese y Robert de Niro, pero finalmente el productor Martín Bregman decidió que la dirigiera Sidney Lumet a partir de un guión de Oliver Stone. Pero Lumet abandonó el proyecto y dejó vía libre a Brian de Palma porque, como reconoció el propio Oliver Stone en una entrevista, pensaba que el guión era “demasiado violento y exagerado". Brian de Palma dedicó el filme a Howard Hawks y Ben Hetch, director y guionista respectivamente de la primera versión de "Scarface", de 1932, ambientada en el Chicago de la ley seca y donde "Carcortada” era Tony Camonte, un gángster de origen italiano. Todo en “Scarface” es excesivo: desde el metraje a la interpretación de Pacino, que opta expresamente por la caricatura con una gesticulación bovina más propia de Silvester Stallone que de un actor del método. Él mismo reconoció que exageró los rasgos de su personaje convencido de que la sobreactuación casaba con el aire operístico y grandioso de la película. El guión de Oliver Stone, como buena parte de su cine posterior, elude lo políticamente correcto y permite a sus personajes referirse a los negros como “monos", a los latinos como “indios” y "cucarachas", y que el mafioso Frank López (Robert Loggia), jefe de Montana, le presente a su esposa, Elvira (Michelle Pfeiffer), como la típica mujer que “se pasa media vida vistiéndose y la otra mitad desvistiéndose". No son las únicas “perlas” de un relato misógino y verbalizado a través de un lenguaje particularmente soez: si en los casi 170 minutos de metraje el número de muertos se acerca al centenar, esa cifra se queda corta para enumerar las ocasiones en que Pacino conjuga el verbo “fuck” y se acuerda de sus “bowls” mientras cambia de arma con tanta soltura como un soldado de “Call of Duty". "The world is yours” es el lema del imperio montado por "Caracortada". Un mundo del que nadie sale indemne: la policía, los jueces (Montana se cree capaz de sobornar al Tribunal Supremo de EE.UU. con 800.000 dólares), los banqueros y en general una sociedad hipócrita que, como subraya Montana tras montar una escena en un restaurante, necesita que haya gente mala como él para esconder sus propias miserias. Al igual que los trajes de Tony Montana y su música ochentera, firmada por el rey del techno Giorgio Moroder, “Scarface” ha envejecido mal como puro cine pero tiene el valor de haber inspirado una estética de videojuego aún vigente, de haber encumbrado a Michelle Pfeiffer -hasta entonces una casi desconocida protagonista de “Grease 2"- y de que a Al Pacino le salieran decenas de imitadores

== Secretos de rodaje ==
• Un apodo cubano:Tony Montana usa "yeyo" como sobrenombre para la cocaína. Al Pacino aprendió la palabra mientras aprendía el acento cubano, y la improvisó durante la escena de la motosierra. A Brian De Palma le gustó lo suficiente como para seguir usándolo a lo largo de la película.
• Favorito de Pacino: Al Pacino ha dicho que Tony Montana es uno de sus favoritos de todos los personajes que interpretó.
• Los dos lados de la moneda: Para crear la imagen más precisa posible, Oliver Stone pasó un tiempo en Florida y el Caribe entrevistando a personas de ambos lados de la ley para investigar.
== Fuente ==
*[[https://www.emol.com/noticias/magazine/2008/12/09/334386/a-25-anos-de-caracortada-los-criticos-la-siguen-considerando-excesiva-y-vulgar.html]]
*[[ https://www.sensacine.com.mx/peliculas/pelicula-900/]]
*[[ https://www.quepeliculaver.com/movie/?from=klic&movie=scarface]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Caracortada.jpg

2022-01-06T17:03:32Z

Anyelirodriguez ssp.jc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Las troyanas (película)

2022-01-06T16:09:43Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = Las Troyanas (Película) |nombre completo = Las Troyanas |título original = Las Troyanas |imagen = 71ZHBshFJnL._SL1148_.jpg |duración = 105 m…»

{{Ficha Película
|nombre = Las Troyanas (Película)
|nombre completo = Las Troyanas
|título original = Las Troyanas
|imagen = 71ZHBshFJnL._SL1148_.jpg
|duración = 105 min
|año = 1971
|estreno =
|guión = Mihalis Kakogiannis. Obra: Eurípides
|argumento =
|género = Drama | Antigua Grecia
|director =
|productora = Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Grecia;
Josef Shaftel Productions Inc
|fotografia = Alfio Contini
|productores_ejecutivos =
|música = Mikis Theodorakis
|montaje =
|distribuidora =
|interpretación =
|pais = Estados Unidos
}}
<div align="justify">
''' Las Troyanas '''. [[Película]] del año [[1971]] de producción [[estadounidense]]/ [[Estados Unidos| estadounidense]] Basada en una de las obras de Eurípides y protagonizada por un cuarteto de estrellas de la talla de Katharine Hepburn, Vanessa Redgrave, Geneviève Bujold e Irene Papas.
== Sinopsis ==
Tras la caída de la ciudad de Troya en manos de los ejércitos aqueos, las mujeres troyanas deberán afrontar el doloroso hecho de ser convertidas en esclavas y trasladadas a las cortes de los príncipes griegos.
== Reparto==
• Katharine Hepburn, Vanessa Redgrave, Geneviève Bujold, Irene Papas, Patrick Magee, Brian Blessed, Alberto Sanz, Pat Beckett, Pauline Letts, Rosalie Shanks, Anna Bentinck, Elsie Pittas

== Criticas ==
• Ciudad perdida
Adaptación de la tragedia de Eurípides, sobre la caída de Troya y la entrega de la ciudad a los griegos por parte de Hécuba y otras mujeres. Gran reparto.

== Festivales y premios ==
• 1972: National Board of Review: Mejor actriz (Irene Papas)
== Descripción ==
Durante la Guerra de Troya, la reina Hécuba y otras mujeres de la ciudad se resisten a perder y a entregar la ciudad a los griegos.
Mihalis Kakogiannis, prominente cineasta griego-chipriota, es conocido por su película de 1964 "Zorba el griego". Buena parte de su trabajo tiene origen en los textos clásicos, especialmente en el autor de tragedias griegas Eurípides. Y "Las troyanas" no es ninguna excepción. Basándose en la laureada traducción de Edith Hamilton, que ya se había estrenado en Broadway en 1938, la cinta contó con un elenco de lujo, pues agrupó a un internacional cuarteto interpretativo formado por la magistral Katharine Hepburn ("La reina de África"), Vanessa Redgrave ("Las bostonianas"), Geneviève Bujold ("Ana de los mil días") y una Irene Papas ("Electra") que colaboraría con el cineasta en más ocasiones.
A pesar de ello, el largometraje tuvo escaso éxito de crítica y público. Eso se debió al poco sello de Kakogiannis que destila el filme. Como curiosidad, cabe destacar que "Las troyanas", que no llegó a estrenarse en las salas cinematográficas españolas, se rodó en la localidad manchega de Atienza.

== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film380804.html]]
*[[ https://www.filmin.es/pelicula/las-troyanas-clasico]]
*[[ https://www.abc.es/play/pelicula/las-troyanas-27224/]]
*[[https://decine21.com/peliculas/las-troyanas-9022]]

[[Categoría:Películas]]

Archivo:71ZHBshFJnL. SL1148 .jpg

2022-01-06T16:08:21Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

El Chacal de Nahueltoro (película)

2021-12-14T15:57:48Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = El Chacal de Nahueltoro (película) |nombre completo = El Chacal de Nahueltoro |título original = El Chacal de Nahueltoro |imagen = El_chacal_d…»

{{Ficha Película
|nombre = El Chacal de Nahueltoro (película)
|nombre completo = El Chacal de Nahueltoro
|título original = El Chacal de Nahueltoro
|imagen = El_chacal_de_Nahueltoro-160688280-large.jpg
|duración = 89 min
|clasificación =
|estreno = 1969
|guión = Miguel Littin
|argumento =
|género = ficción. Drama social. Basado en hechos reales
|director = Miguel Littin
|productora = Cine Experimental Universidad de Chile, Cinematográfica Tercer Mundo
|fotografia = Héctor Ríos
|productores_ejecutivos = Luis Cornejo, Luis Alarcón
|música = Sergio Ortega
|sonido = Jorge di Lauro
|montaje = Pedro Chaskel
|distribuidora =
|interpretación =
|pais = Chile
}}
<div align="justify">
''' El Chacal de Nahueltoro '''. [[película]] del año [[1969]] basado en hechos reales, de producción [[Chilena]]/ [[Chile|Chilena]]. En 1960 en las cercanías de Chillán, José del Carmen Valenzuela Torres, un campesino de la localidad de Nahueltoro, asesinó con despiadada crueldad a Rosa Rivas Acuña y a sus cinco hijos. == Sinopsis ==
Jorge del Carmen Valenzuela, un campesino de precarias condiciones sociales y económicas, se hizo conocido por protagonizar un homicidio múltiple en la localidad de Nahueltoro. Tras asesinar a su conviviente y los cinco hijos de ésta, fue condenado a muerte por la justicia.
Recluido en el penal de Chillán mientras aguardaba el cumplimiento de su sentencia, aprendió a leer, escribir y fabricar guitarras. Convertido al catolicismo, comprendió la gravedad de los crímenes cometidos, manifestando su arrepentimiento.
Ante semejantes cambios, Eloy Parra, sacerdote y tutor de Valenzuela, solicitó el indulto presidencial, el que fue rechazado por quien entonces ocupaba dicho cargo, Jorge Alessandri. Esta decisión aumentó la desaprobación hacia su gobierno, administración que ya pasaba por un delicado momento debido a traspiés en el manejo económico y en las relaciones políticas con el Congreso.
Jorge del Carmen Valenzuela murió fusilado el 30 de Abril de 1963, dando origen a un incipiente culto, alimentado por un sentimiento de disconformidad ante lo que fue percibido por la población como una injusticia. Su tumba, ubicada en el cementerio de San Carlos, es objeto de devoción hasta hoy

== Reparto==
• Nelson Villagra
• Marcelo Romo
• Héctor Noguera
• Luis Alarcón
• Shenda Román
• Pedro Villagra
• Rafael Benavente
• Luis Melo
• Jorge Yáñez
• Rubén Sotoconil
• Roberto Navarrete
• Armando Fenoglio
== Descripción ==
En 1960 en las cercanías de Chillán, José del Carmen Valenzuela Torres, un campesino de la localidad de Nahueltoro, asesinó con despiadada crueldad a Rosa Rivas Acuña y a sus cinco hijos. El film articula un relato de ficción basado en hechos reales, declaraciones efectuadas por el asesino a lo largo del juicio y por los periodistas que lo entrevistaron antes de que se ejecutara su condena. Treinta y dos meses después de la masacre, a los veintitrés años y tras haber aprendido a leer y a escribir, el Chacal de Nahueltoro se enfrentó al pelotón de fusilamiento.
== Posición en rankings FA==
• 49 Mejores películas basadas en hechos reales
== Premios ==
• 1970: Festival de Berlín: Premio OCIC
== Biofilmografia ==
Miguel Littin formó parte del Nuevo Cine Chileno a fines de los ’60. Su obra emblemática, El Chacal de Nahueltoro (1969), es reconocida como una de las piezas clave del Nuevo Cine Latinoamericano. Fue director de Chile Films durante el gobierno de Salvador Allende. En ese período produjo el largometraje documental Compañero Presidente. Luego filmó La Tierra prometida (1971-1972) y, tras el golpe de Estado, estuvo exiliado en México y en España donde realizó Actas de Marusia (1976, México, nominada al Oscar al Mejor Film Extranjero); El recurso del método o Viva el Presidente, basada en la novela de Alejo Carpentier (1978, Cuba); La viuda de Montiel (1980, México, Premio Especial del Jurado en el Festival de Biarritz, Colón de Oro, Festival de Cine de Huelva); Alsino y el cóndor (1982, Nicaragua-México-Costa Rica); Acta General de Chile (1986); Sandino (1989), Los náufragos (1993), Tierra del Fuego (1999); La última Luna (2005) y Dawson Isla 10 (2009).
== Fuente ==
*[[ https://www.cclm.cl/cineteca-online/el-chacal-de-nahueltoro/]]
*[[ https://tantaku.cl/el-chacal-de-nahueltoro-miguel-littin-1969/]]
*[[ http://www.memoriachilena.gob.cl/602/w3-article-92198.html]]
*[[https://www.filmaffinity.com/es/film864775.html]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:El chacal de Nahueltoro-160688280-large.jpg

2021-12-14T15:56:32Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

El Mundo sigue (película)

2021-12-07T15:54:43Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = El mundo sigue (Película) |nombre completo = El mundo sigue |título original = El mundo sigue |imagen = El_mundo_sigue.jpg |duración = 115 m…»

{{Ficha Película
|nombre = El mundo sigue (Película)
|nombre completo = El mundo sigue
|título original = El mundo sigue
|imagen = El_mundo_sigue.jpg
|duración = 115 min
|descripción =
|estreno = 1963
|guión = Fernando Fernán Gómez. Novela: Juan Antonio Zunzunegui
|género = Drama | Familia. Melodrama. Pobreza
|director = Fernando Fernán Gómez
|fotografia = Emilio Foriscot (B&W)
|música = Daniel White
|productora = Ada Films
|clasificacion =
|interpretación =
|pais = España
}}
<div align="justify">
''' '''. [[Película]] del año [[1963]] de producción [[española]].
== Sinopsis ==
Barrio madrileño de Maravillas. Eloísa es una abnegada esposa y madre eficiente, que vive con su marido, un guardia municipal más autoritario en casa que en la calle y al que a veces se le va la mano. Su hijo es un beato que salió del seminario poco antes de convertirse en sacerdote, y que se pasa la vida estudiando y rezando para expiar los pecados de su familia. Las hijas, dos hermanas, obsesionadas cada una a su manera por la riqueza, se profesan mutuamente un profundo odio.
== Reparto ==
• Lina Canalejas
• Fernando Fernán Gómez
• Gemma Cuervo
• Milagros Leal
• Francisco Pierrá
• Agustín González
• José Morales
• José Calvo
• Fernando Guillén
• María Luisa Ponte
• Jacinto San Emeterio
• Pilar Bardem
• José María Caffarel
== Posición en rankings FA==
• 8 Mejores películas españolas de la historia
==Críticas==
No se acostumbran a estilar estas conmemoraciones, y menos aún con el cine español, aunque se trate de filmes de ineludible prestigio o que arrastren la categoría de malditos. El mundo sigue cumple cincuenta años desde que se estrenó de manera prácticamente clandestina en Bilbao. Cinco décadas después de aquel 10 de julio de 1965 llega de nuevo a las salas una de las obras cumbre de la mejor época de Fernando Fernán Gómez tras la cámara. Estaban Bardem y Berlanga, y el Buñuel de Viridiana, el Ferreri de la trilogía española, las metáforas combativas (pero hoy algo envejecidas) de Saura, la Escuela de Barcelona con sus filigranas estéticas y narrativas, los ditirambos de Gonzalo Suárez, la vanguardia arcaica de Val del Omar, los juguetes rotos de Summers y el cine mesetario representando por Martín Patino o Picazo. Pero sobre todo, desde finales de los cincuenta hasta bien entrados los sesenta, estaba Fernán Gómez: el díptico formado por La vida por delante (1958) y La vida alrededor (1959), El mundo sigue (rodada en 1963 pero estrenada dos años después) y otro filme maldito, El extraño viaje (1964, estrenado en 1969), así lo demuestran.

El mundo sigue está considerada una película negra, pero en una entrevista de Jesús Angulo y Francisco Llinás incluida en el libro “Fernando Fernán Gómez, el hombre que quiso ser Jackie Cooper” (1993), el director prefiere considerarla “un melodrama sentimental, lo que hoy hubiera llamado un culebrón”. Y claro, en 1963, 1965 o 1969, eso, y más si estaba tratado con distancia casi brechtiana, era carne de fracaso comercial, porque la actitud de los personajes no está dibujada como la gente esperaba (y espera), no hay héroes y malvados en el sentido más clásico del término y la buscada ambigüedad preside las relaciones y las situaciones límite.
Producida por Juan Estelrich, director de la posterior El anacoreta (1976), relato negro y misógino protagonizado por Fernán Gómez, El mundo sigue revela una atractiva tensión interna entre las intenciones del autor y las reglas básicas del melodrama desaforado. Todo es estridente y al mismo tiempo controlado en esta historia de una familia madrileña formada por una esposa abnegada, un marido autoritario preocupado tan solo por las quinielas, un hijo beato y dos hijas que rivalizan entre ellas constantemente. Un drama que asume el estereotipo y no deja títere con cabeza, mísero y desalentador (rivalidad fratricida y suicido incluidos), un filme valiente por lo que relata y por su opción estética –la aparente línea clara y costumbrista del melodrama español– que podría salir hoy mismo de su malditismo para poner en su sitio memorables y castigadas páginas del cine español.
A favor: las características del melodrama (culebrón) elevadas a la enésima potencia.
En contra: que hay tardado cincuenta años en volver a una sala

== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film505862.html]]
*[[https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-45921/ ]]
*[[https://www.filmin.es/pelicula/el-mundo-sigue]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:El mundo sigue.jpg

2021-12-07T15:53:58Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Mi querida señorita (película)

2021-12-07T14:42:59Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = Mi querida señorita (Película) |nombre completo = Mi querida señorita |título original = Mi querida señorita |imagen = Mi_querida_señorit…»

{{Ficha Película
|nombre = Mi querida señorita (Película)
|nombre completo = Mi querida señorita
|título original = Mi querida señorita
|imagen = Mi_querida_señorita.jpg
|duración =
|descripción =
|estreno = 1972
|guión = Jaime de Armiñán, José Luis Borau
|género = Comedia. Drama | Transexualidad / transgénero
|director = Jaime de Armiñán
|fotografia =
|música = Rafael Ferro
|productora = El Imán, InCine S.A, Impala
|clasificacion =
|interpretación =
|pais = España
}}
<div align="justify">
'''Mi querida señorita '''. [[Película]] del año [[1972]] de producción [[Española]]. Adela Castro, una madura solterona que vive en una ciudad provinciana, sabe que no es una mujer normal: se afeita todos los días y se siente atraída por su criada Isabelita. Se ha pasado la vida creyendo que se ha quedado soltera por ser poco agraciada físicamente. Ciertos trastornos psicológicos la llevan a la consulta de un médico.

== Sinopsis ==
Adela es una señora en la cuarentena de un pequeño pueblo de provincias. Soltera y respetada en su comunidad, vive en compañía de su criada, Isabelita, con la que mantiene una buena relación lastrada por lo que puede parecer sobreprotección pero en realidad es otra cosa. Cuando un viejo amigo le propone matrimonio, decide enfrentarse a las dudas que la habían acompañado durante toda su vida y consultar a un médico. Cuando este efectivamente le confirma que es un hombre, decide reiniciar de nuevo su vida y mudarse a Madrid -la presentación que hace el director de Juan, mostrándolo de espaldas en numerosas ocasiones hasta que finalmente se ve reflejado en un espejo, es soberbia- donde volverá a encontrarse con Isabelita.
Mi querida señorita es un clásico imprescindible del cine español que se adelantó a su época en los hechos que narra pero que, como ocurre con las grandes películas, es capaz de emocionar independientemente del contexto en el que se vea. La fuerza de las interpretaciones y la trama se impone con contundencia a puntuales momentos de tosquedad en la dirección hasta llegar a un desenlace redondo en el que cobran sentido todos los pequeños detalles que se habían ido mostrando. Una referencia imprescindible de nuestro cine que resulta incluso más potente ahora que en el momento en el que se estrenó.
== Reparto ==
Uno de los aspectos decisivos del buen resultado de Mi querida señorita es su reparto. El papel principal requería de un actor de talla, y quién mejor que José Luis López Vázquez, identificado con el español medio por sus películas anteriores en las que había dejado prueba de su talento, para interpretarlo. El actor al principio se mostró reacio a involucrarse en el proyecto e incluso poco antes del rodaje estuvo cerca de abandonarlo, aunque finalmente, y por suerte, Jaime de Armiñán pudo contar con él. Flanqueándolo encontramos a una joven Julieta Serrano, maravillosa en la espontaneidad que otorga a Isabelita, y a una galería de secundarios de primer nivel como Chus Lampreave, Lola Gaos, Antonio Ferrandis y Mónica Randall.
• José Luis López Vázquez
• Julieta Serrano
• Antonio Ferrandis
• Enrique Avila
• Lola Gaos
• Chus Lampreave
• Mónica Randall
• Manolo Otero
==Descripción==
Es fácil imaginar el revuelo que una película así causó en la España de 1971. Con el franquismo agonizante pero todavía vigente -algo que se ve perfectamente en la propia película- la historia de un cambio de género no encontraba precisamente su clima más propicio. Y aun así fue un éxito, consiguiendo llevar a las salas a casi dos millones de personas y compitiendo por el Oscar a mejor película de habla no inglesa, que finalmente se llevó Luis Buñuel por El discreto encanto de la burguesía. Un éxito tan poco probable como la propia película.
Jaime de Armiñán, director y guionista de la película junto a José Luis Borau, da con la tecla no solo para contar esta peculiar historia sino, incluso más importante dadas las circunstancias, para hacerlo de una manera que no resultase sospechosa para la censura. La falta de estridencia y la absoluta sobriedad de la propuesta no solo permiten centrarse por completo en la dureza de la trama sino que directamente hicieron que la película fuera posible (una de las claves es que tanto Adela como Juan se comportan en todo momento como buenos ciudadanos).
Esta sutileza no hace, sin embargo, que no se encuentren los aspectos más desagradables de la sociedad del momento. Aunque la película se suela mover en ambientes soleados la oscuridad de la época es más que evidente. El reducido y poco relevante papel reservado a la mujer, la profunda represión y la férrea organización social hacen imposible una vida plena y auténtica, algo llevado el extremo para aquellas personas que no encajen en la normatividad social. Por más que se ensancharan las ciudades y se relajaran las costumbres, la libertad todavía quedaba lejos

== Premios ==
• 1972: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
• 1972: Festival internacional de Chicago: Mejor actor (José Luis López Vázquez)
== Posición en rankings FA==
• 102 Mejores películas españolas de la historia

==Críticas==
• Kieslowski conquista definitivamente Europa con este bello, lento e hipnótico poema visual, primera parte de su magistral trilogía sobre los colores y lemas de la bandera francesa. Julie pierde a su marido, un gran compositor, y a su única hija en un accidente de automóvil. Destrozada, decide comenzar una nueva vida de forma anónima e independiente, intentado librarse de todas las ataduras de su pasado... La impresionante música de Preisner (estremecedoras notas que son parte del argumento como una sinfonía inacabada que retorna del pasado para afligir su presente) pone la banda sonora a este silencioso retrato del dolor reflejado en el suave y claro rostro de la Binoche.

• "La trilogía de los colores de Kieslowski es un fascinante, pesimista y a la vez esperanzado tratado metafísico sobre la banalidad de tres grandes conceptos: Libertad, Igualdad y Fraternidad"
• "Una trilogía incomparable a ninguna otra (...) es una obra inagotable, que lamentablemente agotó a su autor y que afortunadamente nunca, nunca, agotará la mirada y la emoción de cualquier espectador"
• "No consigue la perfección mística que caracterizó a 'The Decalogue', pero presume de una cautivadora interpretación central a cargo de una Juliete Binoche cuidadosamente controlada y maravillosamente iluminada"

== Fuente ==
*[[https://cineconn.es/mi-querida-senorita-un-clasico-improbable/ ]]
*[[https://www.encadenados.org/rdc/todo-lo-demas/5789-mi-querida-senorita-1971-de-jaime-de-arminan]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film323900.html]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Mi querida señorita.jpg

2021-12-07T14:41:57Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

El baile de las locas (película)

2021-11-14T14:31:21Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = El baile de las locas (película) |nombre completo = El baile de las locas |título original = El baile de las locas |imagen = Le_bal_des_folle…»

{{Ficha Película
|nombre = El baile de las locas (película)
|nombre completo = El baile de las locas
|título original = El baile de las locas
|imagen = Le_bal_des_folles-147561908-large.jpg
|duración = 121 min
|clasificación =
|estreno = 2021
|guión = Mélanie Laurent, Chris Deslandes. Novela: Victoria Mas
|argumento =
|género = Thriller. Drama | Siglo XIX
|director = Mélanie Laurent
|productora = Légende Films. Distribuidora: Amazon Prime Video
|fotografia = Nicolas Karakatsanis
|productores_ejecutivos =
|música =
|montaje =
|distribuidora = (Distribuidora: Netflix)
|interpretación =
|pais = Francia
}}
<div align="justify">
'''El baile de las locas'''. [[Documental]] del año [[2021]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]]. Eugénie, una mujer joven y apasionada descubre que tiene el poder especial de oír a los muertos. Cuando su familia descubre su secreto, la llevan al hospital
== Sinopsis ==
París. 1885. Eugénie, una mujer joven y apasionada descubre que tiene el poder especial de oír a los muertos. Cuando su familia descubre su secreto, la llevan al hospital Pitié Salpétrière, una clínica neurológica dirigida por el famoso profesor y pionero de la neurología Dr. Charcot, en la que se internan mujeres diagnosticadas de histeria, locura, epilepsia y otras enfermedades mentales. Su destino se entrelaza con el de Geneviève, una enfermera del hospital a quién la vida se le está pasando de largo. Su encuentro cambiará el futuro de ambas mientras se preparan para el "Bal des folles" que organiza anualmente el hospital.

== Reparto==
• Lou de Laâge, Mélanie Laurent, Gregoire Bonnet, Benjamin Voisin, Emmanuelle Bercot, Lauréna Thellier, Vincent Nemeth, Cédric Kahn, Christophe Montenez, César Domboy, Lomane De Dietrich

== Mélanie Laurent y Lou de Laâge conforman una dupla estupenda ==
Mélanie Laurent, quien a muchos os sonara más por su papel de Shosanna en Malditos Bastardos que por desenvolverse como directora, es quien encabeza este proyecto y quien se atreve no solo a dirigirlo, sino a tomar el rol de coprotagonista junto a Lou de Laâge.
Cabe resaltar que la película El baile de las locas de Amazon Prime Video destaca por decisiones de dirección a priori sencillas, pero bastante atrevidas. Los planos generales y ritmo lento durante la fase inicial con el objetivo de mostrar la soledad que vive Eugénie contrastan con los planos cerrados y cercanos cuando entra en el psiquiátrico. Es interesante observar como Laurent no busca la efectividad de caer en el morbo de los maltratos por parte del colectivo masculino y deja fluir la acción. Destacar el uso del montaje alterno, que se convierte en algo magistral en dos fases de la película, para mostrar las diferencias y las similitudes entre el interior y el exterior; entre el personaje de Eugénie (Lou de Laâge) y Genévieve (Mélanie Laurent).
En segundo lugar, subrayar que el papelazo que desenvuelve Lou de Laâge dando vida a Eugénie es excepcional. La sutileza en cada movimiento, la evolución del personaje acompañado del de su mirada y los cambios de humor provocados por la desesperación del encierro construyen un personaje denso y complicado, pero espléndidamente actuado
== Una adaptación de la novela homónima escrita por Victoria Mas==
Por último, no podríamos terminar sin mencionar a la marionetista de esta historia: Victoria Mas, la escritora de la historia. La novelista adapta una historia real y muy cruda del antaño parisino para convertirlo en una conmovedora historia de dos mujeres que se empoderan para salir de un hospital psiquiátrico controlado por y para el beneficio de los hombres. La historia conforma un viaje bien construido, una historia cerrada y un mensaje muy claro que no necesita de grandes pretensiones ni grandes giros de guion para atrapar al espectador.
== Fuerte debate social como temática subyacente ==
La película El baile de las locas de Amazon Prime Video no queda indemne de retratar una sociedad machista que usaba a las mujeres como conejitos de pruebas para sus pruebas psicológicas con tendencias morbosas. En toda la película subyace una temática que encuentra su clímax en un “esperado” final que cuece a la vista del espectador.
No obstante, como ya apunta un extracto del contexto real en la novela de Victoria Mas, -había mujeres que- “no sufrían ninguna patología, simplemente molestaban a su familia, no las comprendían, subvertían el orden y mantenían una actitud rebelde. Internarlas era tan fácil como que el hombre de la casa hiciera una petición”. La escritora apunta que “basta consultar la prensa de la época para ver que los burgueses venían a pasarlo bien, morbosamente, con la esperanza de observar crisis nerviosas o de convulsiones como aliciente. Ellas soñaban con que un príncipe se las llevara de la institución y esperaban todo el año aquella noche”. Y eso se ve reflejado entre los personajes de Louise (Lomane de Detrich) y Jules (Christophe Montenez), donde Louise genera fascinación por el médico que, según ella, debe convertirse en su príncipe azul.
==Críticas==
• "Un notable drama histórico (...) son las sutiles interpretaciones de Laurent y de Laâge y las relaciones de esas mujeres (...) las que convierten al drama histórico en una pequeña joya que no debería pasar desapercibida."
"Una película dirigida con seguridad, reflejando el ojo hábil de Laurent y su sensibilidad desentrañando temas sociales. Aunque hay momentos en los que carece de la necesaria elegancia"
"Una conmovedora obra de época que cuenta una historia fascinante sobre sororidad y supervivencia, y es un buen presagio para la próxima película feminista de Laurent, 'The Nightingale'"
"Un fascinante psicodrama (...) Aunque a veces resulte artificiosa y probablemente recalentada, hay un verdadero gusto narrativo en ella (...)
"Su final posiblemente divida al público (...) Para los espectadores que desconozcan el trabajo como directora de Mélanie Laurent, es una introducción que transmite un verdadero impacto"
"El entusiasmo de Laurent para confrontar la barbarie del hospital de Charcot tiende a ahogar los mejores detalles de una historia que gira en torno al empoderamiento femenino"
"Una producción notablemente bella que escarba en la fealdad de las raíces de la medicina psiquiátrica (...) Combina valores de producción de primera clase con una tensa narrativa y un toque de extravagancia grandguiñolescaLa película El baile de las locas de Amazon Prime Video es una propuesta visualmente bonita, a la que además se le suma una atmósfera sonora tan buena que el conjunto se convierte una experiencia única. La ambientación te transporta directamente a 1885, concretamente al centro de la capital francesa. Y su sonido, que no solo apoya a la ambientación sino que apoya al thriller y a la construcción de la narrativa, ahoga al espectador entre los gritos de las mujeres que residen en el hospital psiquiátrico Salpêtiere.
La película es una suma de decisiones acertadas. Y si la dirección de Laurent en sí misma ya es remarcable, la fotografía de Nicolas Karakatsanis, el diseño de vestuario de Maira Ramedhan-Levi, el sonido de Cyril Moisson y todos los demás profesionales que envuelven el film conforman una pieza sensacional sin la necesidad de grandes efectos especiales.

== Por qué ver esta pelicula ==
Basada en el libro ‘El baile de las locas’, esta es la quinta película de ficción como directora de la también actriz francesa, Mélanie Laurent (‘Bastardos sin gloria’). Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2021, se trata de una pieza de época excelentemente lograda, aunque un tanto convencional, que destaca por contar un impactante relato de sororidad y supervivencia, en una época en la que los destinos de las mujeres francesas eran dictados por los hombres a su alrededor. La propia Laurent da una actuación contundente como la enfermera del psiquiátrico, Geneviève, pero quien se lleva las palmas es Lou de Laâge (‘Respira’), en una actuación que carga con la película entera.
== Fuente ==
*[[https://losinterrogantes.com/cine/criticas/el-baile-de-las-locas-prime-video]]
*[[ https://www.filmelier.com/mx/film/16444/el-baile-de-las-locas]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film372931.html]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Le bal des folles-147561908-large.jpg

2021-11-14T14:28:21Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

La vida en un hilo (película)

2021-11-14T13:55:31Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = La vida en un hilo (película) |nombre completo = La vida en un hilo |título original = La vida en un hilo |imagen = La_vida_en_un_hilo.jpg |d…»

{{Ficha Película
|nombre = La vida en un hilo (película)
|nombre completo = La vida en un hilo
|título original = La vida en un hilo
|imagen = La_vida_en_un_hilo.jpg
|duración = 92 min
|clasificación =
|estreno = 1945
|guión = Edgar Neville
|argumento =
|género = Comedia. Romance | Historias cruzadas
|director = Edgar Neville
|productora = Edgar Neville
|fotografia = Henri Barreyre (B&W)
|productores_ejecutivos =
|música = José Muñoz Molleda
|montaje =
|distribuidora =
|interpretación =
|pais = España
}}
<div align="justify">
''' La vida en un hilo '''. [[pelicula]] del año [[1945]] de producción [[española]]/ [[España|Española]].
== Sinopsis ==
Después de enterrar con todos los honores a su difunto esposo, una joven viuda abandona la sórdida vida provinciana y se va a Madrid. Fue una etapa muy dura de su vida, que debió soportar con resignación, pero ahora está dispuesta a recuperar el tiempo perdido. En el tren coincide con una adivina.

== Reparto==
• Conchita Montes, Rafael Durán, Guillermo Marín, Julia Lajos, María Brú, Alicia Romay, Eloísa Muro, Juana Mansó, Julia Pachelo, Joaquina Maroto, María Saco, Joaquín Roa, Manuel París.
==Críticas==
• Estupenda comedia, escrita y dirigida con su desparpajo habitual por Edgar Neville. Autor de una obra extremadamente original y de una modernidad sorprendente en los durísimos años 40, Neville adapta aquí la comedia sofisticada hollywoodiense a la muy peculiar idiosincrasia del primer franquismo, sin ahorrar críticas a la hipocresía de una sociedad encerrada en su clasismo y su rancia moral. Magnífica y muy, muy divertida.
• Comedia clave dentro del cine español y demostración palpable del inmenso talento atesorado por su autor, conocedor de los resortes de éxito y ritmo del cine americano con el que tuvo bastante contacto desde su estancia en Hollywood en 1928. El film cuenta cómo una viuda conoce en un tren a una adivina que le cuenta su historia: de cómo pasó una aburrida vida en compañía de un hombre cuando, en realidad, el destino le podría haber brindado la oportunidad de tener una existencia muy distinta.
• Una fábula sentimental sobre las pequeñas causas y los grandes efectos, que logró ganar el premio al mejor guión por el Círculo de Escritores Cinematográficos. No es para menos, después de conocer la importancia que Neville otorgaba a este apartado: “El guión es lo fundamental, más importante que la dirección y que todo. La obra, el diálogo, es lo que contiene el nervio de la película”.
• Poco debió aprender de estas palabras Gerardo Vera cuando, en 1992, dirigió una nueva versión de este argumento en Una mujer bajo la lluvia, cuyo único dato positivo es la aparición de Conchita Montes en un breve papel.
•
== Posición en los Rankings ==
• 69 Mejores películas españolas de la historia
==La influencia del azar en la vida==
La crítica considera a LA VIDA EN UN HILO una de las mejores ideas de Edgar Neville, con la peculiaridad de que primero fue película y, catorce años más tarde, se estrenó en el María Guerrero como obra de teatro. Normalmente suele ocurrir al revés.
La idea central, que constituye la base de LA VIDA EN UN HILO, es la influencia del azar en la vida de las personas, tema que tuvo gran importancia, tanto en la obra de Buñuel como en la mayor parte de los integrantes de la generación del 27. La diferencia de Buñuel con Neville reside en que el primero se limitaba a dar cuenta de la enorme cantidad de casualidades que es preciso que se den para que determinado hombre y determinada mosca coincidan en un determinado instante mientras que el segundo trata de extraer enseñanzas, de utilizar lo que podría haber pasado, para sacar conclusiones con vistas al porvenir.
Para hacerlo Neville se sirve de una artista de circo, la adivina Madame Dupont, cuya singularidad estriba no tanto en adivinar el porvenir, sino más bien en contar lo que hubiera ocurrido si algún personaje hubiera seguido un camino diferente del que ha seguido en la realidad. En el contexto de la historia, lo que habría tenido lugar si en vez de haber aceptado el taxi que le ofreciera Ramón, Mercedes hubiera aceptado el que Miguel ponía a su disposición.
LA VIDA EN UN HILO lo plantea como la encrucijada a partir de la cual nacen dos caminos. Uno lleva al tedio y el otro conduce a la felicidad. Pero Mercedes se equivoca y elige a Ramón en lugar de elegir a Miguel. Tenemos una pareja en la que Neville encarna dos opciones vitales opuestas. Mientras uno de ellos es, en palabras del dramaturgo y cineasta, “buenísimo, honestísimo, muy de derechas, trabajador, rico…, pero un horrible pelmazo. (…) El otro es un artista, un bohemio, y así como el uno lleva el germen del aburrimiento en su ser, el bohemio lleva la alegría, la naturalidad, la falta de preocupación por la etiqueta y, en definitiva un frescor a libertad y a juventud que hubiera podido hacer la felicidad de esta mujer”.
No obstante, Neville no condena a su protagonista a la desdicha permanente. Hechos como la muerte de su marido así como el escuchar a la mencionada Madame Dupont, harán cambiar su escala de valores y así estará en condiciones de no dejar pasar la felicidad cuando el destino permite que los hechos vuelvan a repetirse, tema este, la repetición, otro de los conceptos claves en el cine de Buñuel.
== Curiosidades ==
Como Neville estaba convencido del éxito de la película, puesto que a su juicio se trataba de una buena idea y no era preciso nada más para conseguir un buen filme, se empeñó en que esta octava película suya estuviera producida por él, con objeto de poder obtener el adecuado rendimiento a lo que consideraba un gran hallazgo. Semejante decisión contribuyó a que el presupuesto de la película fuera más bien escaso y el conocido desaliño de las películas del cineasta adquiriera en la presente oportunidad una mayor relevancia. Neville asegura que se la confió a una distribuidora que no se gastó un céntimo en publicidad, con lo que el presunto filón quedó sin explotar y cuando la película comenzó a tener repercusión y a dar dinero, era demasiado tarde para que la grata nueva llegara a tener incidencia sobre el patrimonio del realizador, que siempre reprochó a la crítica haberse detenido en pegas menores y no haber sido capaz de reconocer la brillante idea que fue germen del film.
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film628503.html]]
*[[ https://www.abc.es/play/pelicula/la-vida-en-un-hilo-11634/]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film597152.html]]
*[[ https://lamadraza.ugr.es/cine-y-audiovisual/la-vida-en-un-hilo/]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-11-13T20:43:58Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

La Caza (película 1966)

2021-11-12T15:48:29Z

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|nombre completo = La caza
|título original = La caza
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|duración = 93 min
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|estreno = 1966
|guión = Angelino Fons, Carlos Saura
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|género = Drama | Caza. Amistad
|director = Carlos Saura
|productora = Elías Querejeta
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|música = Luis de Pablo
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|interpretación =
|pais = España
}}
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'''La caza'''. [[Documental]] del año [[1966]] de producción [[Española]] La película de Carlos Saura sobre cuatro amigos cuyo día de caza se convierte en una pesadilla.
== Sinopsis ==
Tres amigos van de caza a un coto que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil. Todos ellos están pasando por momentos difíciles, separaciones, problemas con el alcohol, de modo que lo que iba a ser una tranquila jornada de caza se convierte en un enfrentamiento entre los tres

== Reparto==
• Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada, Emilio Gutiérrez Caba, Violeta García, Fernando Sánchez Polack, Violeta García, María Sánchez Aroca
== Posición en Rankings FA==
• 50 Mejores películas españolas de la historia
== Premios==
• 1966: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor Director
==Críticas==
• "Brutal metáfora sobre la España de la época, además de una asombrosa alegoría sobre la violencia y la animalidad. (...) unas imágenes que desprenden una tensión agotadora."
• "Tan cerca de la perfección como pedirías a cualquier película que sea (...) 'La caza' te proporciona una hora y media arrebatadora"
== Descripción ==
Estamos acostumbrados a ver películas sobre grupos de amigos cuyo feliz día en el campo se transforma en pesadilla. Por lo general se localizan en un paisaje peculiar y habitualmente se enfrentan a una amenaza externa a ellos. Pero en La Caza de Carlos Saura el peligro es el grupo en sí mismo, la dinámica de rencores cocinándose a fuego lento. Y sí, también hay un paisaje singular.
Estamos acostumbrados a ver películas sobre grupos de amigos cuyo feliz día en el campo se transforma en pesadilla. Por lo general se localizan en un paisaje peculiar y habitualmente se enfrentan a una amenaza externa a ellos. Pero en La Caza de Carlos Saura el peligro es el grupo en sí mismo, la dinámica de rencores cocinándose a fuego lento. Y sí, también hay un paisaje singular.
"Todo el mundo dice que La Caza es una metáfora de la Guerra Civil", nos cuenta Carlos Saura, "y puede ser, pero no era esa la única intención. Comenzaba lo que es ahora el pelotazo. Empezaban los industriales a hacer sus negocios, a tener amigos, el compadreo, yo te hago esto, tú me haces aquello. Pero sobre todo era el enfrentamiento de cuatro personas entre sí".
Una de estas cuatro personas fue interpretada por Emilio Gutiérrez Caba que recuerda que "era un equipo de gran calidad, desde Luis Cuadrado (director de fotografía) a Primitivo Álvaro (director de producción), junto al reparto de actores: Alfredo Mayo, que era un símbolo del cine franquista, Ismael Merlo, que era republicano, y José María Prada".
En La Caza tres antiguos amigos de farra y negocios, se reencuentran para disfrutar de un día juntos en el coto de uno de ellos, José (Ismael Merlo), aunque las intenciones de éste superan lo cinegético. Le acompañan Enrique (Emilio Gutiérrez Caba), joven cuñado de Paco (Alfredo Mayo), y Luis (José María Prada) el tercero de los amigos, un hombre amargado y sumiso ante José. A lo largo del día el cuarteto da rienda suelta a sus frustraciones, inseguridades y perversidades en uno de los paisajes más áridos y ariscos recogidos por el cine español, situado en los alrededores de Seseña (Toledo).
Carlos Saura convierte a ese paisaje en un personaje más con planos generales en los que la sombra de un toldo simula la balsa de unos náufragos en un océano de tierra y matojos, sólo que aquí, el que sale de esa sombra no se ahoga, queda abrasado como sugiere uno de los protagonistas: "Nos estamos asando vivos aquí encerrados… Y este dolor."
== El falangista que salvó a 'La Caza' ==
Treinta y cinco años antes, el lugar fue escenario de una cruenta batalla de la Guerra Civil: "A montones murieron aquí, y ahora sólo quedan los agujeros. Buen lugar para matar", dice uno de los personajes a propósito de las cuevas que abundan en el paraje. En uno de los momentos claves el dueño de la finca, José, lleva a su amigo Paco a visitar una de esas grutas en la que yace el esqueleto de un soldado, todo un atrevimiento en los años sesenta en los que el régimen de Franco distaba mucho de caer. Una escena simbólica del conflicto cuyas víctimas del bando perdedor se ninguneaban y ningunean: es inevitable recordar las fosas que siguen hoy en día sin abrirse en centenares de cunetas.
"Es de estos filmes que no te explicas cómo han superado la censura", admite Kepa Sojo, profesor de historia del cine en la UPV/EHU de Vitoria y director de cine. "Posee una carga ideológica detrás bastante fuerte, tiene como trasfondo el enfrentamiento entre las dos Españas y la no superación de la Guerra Civil", añade.
Según explica Emilio Gutiérrez Caba "los críticos sabían que quienes estaban detrás de la película eran gente, entre comillas, un poco sospechosa. Les llamaban los de la Cáscara amarga. Los apelativos que daban esta gente a los progresistas eran totalmente montaraces".
Carlos Saura añade que, sin autocensurarse, sabían "hasta dónde podíamos llegar, no éramos tontos". Y cuenta cómo superaron el filtro de la censura: "Lo que sucedió, y es curioso, es que había un censor que se llamaba Marcelo Arroita Jáuregui, que era falangista. Amaba el cine de verdad y estaba entusiasmado con La Caza. La defendió a muerte y la salvó". Arroita, secretario de la Censura siendo ministro Manuel Fraga, fue un personaje curioso que hasta trabajó como actor en alguna película del transgresor Jess Franco.
El desasosiego de la localización encontró un aliado en la música de Luis de Pablos, "muy sucinta, muy esquemática", comenta el director, de una melodía con ecos de marcha militar: "La caza daba la impresión de que tenía que ver con el ejército". Un hipotético escuadrón portando escopetas cargadas con rencores y balas, interpretados por cuatro actores magníficos encabezados por quien fue alter ego del dictador Franco en la película Raza, Alfredo Mayo.
"Es una de las contradicciones de este país", según Carlos Saura. "Igual que un falangista defendió La caza, que se salvó por eso, Alfredo Mayo fue un entusiasta desde el principio" y efectivamente relanzó su carrera.
"En el 66, cuando se estrenó", recuerda Gutiérrez Caba, "hubo un silencio relativo sobre la alusión a los vencedores y vencidos que está implícita en la película, yo creo que aunque Alfredo lo supiera tampoco le importaba mucho. No creo que estuviera alineado en el bando franquista, estaba alineado como mucha gente porque tenía que comer. Después de una guerra espantosa, el que más y el que menos, intenta sobrevivir".
== Una modernidad técnica insólita ==
"La fuerza de la película reside en la contradicción de presentar a unos personajes atrapados en su pasado en unos paisajes amplios con gran profundidad de campo", afirma el profesor Kepa Sojo. Pero además del plano general, cuanto más amplio más claustrofóbico, tan magistral como en el cine del británico David Lean, también brilla la contrastada fotografía en blanco y negro y las interpretaciones de los actores mirando a cámara.
"Pensé que la única forma era hacer una película muy rompedora", recuerda Saura. "La hicimos con nada. No teníamos luces, sólo unos reflectores de luz, un traveling de 5 metros y una cámara de baterías. Además rodé por orden de guión, cosa que entonces era bastante insólito".
Saura contó con un cómplice esencial en la historia del cine español, el director de fotografía Luis Cuadrado. "Creo que fue la primera o segunda película de Luis", recuerda Saura. "Le hablaba mucho de la fotografía, que tenía que ser en blanco y negro, fuerte y con carácter. Él se lo tomó muy en serio e hizo una foto magnífica, pero tuvo muchos problemas: el propio laboratorio estaba en contra suya y del trabajo que hizo para La caza", explica.
Para el profesor Sojo "la foto de Luis Cuadrado es impresionante. Al empleo de grandes angulares y dominio de la profundidad de campo hay que añadir los planos cerrados muy herméticos, que hacen que la fotografía adquiera una modernidad insólita para España en ese momento".
==La ruptura del aislamiento del cine español==
Para el profesor Kepa Sojo "es una de las películas emblemáticas del llamado Nuevo Cine Español, y recoge el guante de los planteamientos de las Conversaciones de Salamanca de 1955". Se refiere al encuentro organizado por el también director Basilio Martín Patino en aquella ciudad, y que terminó reuniendo a un amplio grupo de cineastas y críticos para hablar sobre la situación del cine español en aquellos años. Uno momento definido por Juan Antonio Bardem como “políticamente ineficaz. Socialmente falso. Intelectualmente ínfimo. Estéticamente nulo. Industrialmente raquítico”.
En las conclusiones de aquel encuentro hubo reflexiones como ésta: "El cine español vive aislado; aislado no sólo del mundo, sino de nuestra propia realidad." Un aislamiento que La Caza quebró con el Oso de plata al mejor director en el Festival de Berlín.
"Pasolini (miembro del jurado) me dijo que merecía el Oso de oro, que no sé si es verdad, porque se lo dieron a Polanski con una película que estaba muy bien, Cul de sac. Fue muy simpático con nosotros".
Por nosotros, Saura se refiere también a Elías Querejeta, La Caza fue la primera película de ambos como pareja profesional, llena de grandes títulos como La prima Angélica, Cría cuervos o Mamá cumple cien años.
"Con él hacíamos las películas muy justas siempre, o sea, lo que era necesario, estaba, porque Elías en eso era maravilloso. A partir de La caza ya llegó a acuerdos con alemanes, franceses: se distribuían en el mundo entero, y se podía rodar con más comodidad".
Juntos filmaron La caza con poco dinero, y en el caso del director tirando del patrimonio familiar. "Mi padre me dijo que de acuerdo, pero que ya formaba parte de mi herencia", recuerda riendo Carlos Saura. "Claro, luego se lo devolví con intereses y me dijo que cuando quisiera le volviera a pedir dinero. Nunca más lo hice, nunca más he vuelto a ser productor".
Un éxito que les pilló por sorpresa. "La primera proyección que se hizo invitamos a un montón de críticos españoles y uno de ellos, no te digo quien, al salir me dijo "Vaya una mierda de película que has hecho, Carlos". Pero lo dijo en serio, no era broma". Emilio Gutiérrez Caba también recuerda el escaso entusiasmo por parte de la prensa hacia la película y su éxito internacional, con proyección incluida en el Lincoln Center de Nueva York "sí, se dijo, se publicó, se hicieron entrevistas, pero vamos, no fue portada en ninguna publicación de la época".
Guerra civil, comienzo de la cultura del pelotazo y también un estudio de la naturaleza humana, porque si este artículo les anima a descubrir o revisar la película, hagan un ejercicio solitario e íntimo. ¿Con quién se sienten más identificados, con el sumiso Luis, con el torturado José, con el orgulloso Enrique o con el interesado y perverso Paco? Ésta capacidad de retratarnos consigue que cincuenta años después La caza sea una película moderna, que junto a títulos como Surcos, Bienvenido Mister Marshall, Esa pareja feliz o Muerte de un ciclista se atrevieron a plantear temas como la emigración, el servilismo, el desarraigo social o el adulterio unido a los incipientes conatos de rebelión en las universidades, en una España que el régimen se esforzaba en vender internacionalmente como una próspera y feliz "dictablanda".
La caza aportó además un órdago narrativo que lanzó definitivamente la carrera de Carlos Saura como cineasta allá en la época de la Nouvelle Vague francesa y el Free Cinema británico.
"Pienso que una película es una aventura, y si no es una aventura, no merece la pena que la hagas", asegura. Y aunque al director aragonés no le gusta mucho mirar hacia atrás en el tiempo, en este caso, y a juzgar por sus palabras, el recuerdo es agradable: "en esas cuatro semanas, fue un reducto en donde, en un lugar muy pequeño, se hizo una película pequeña con cuatro actores, no había más que eso... ¡Y conejos!".

== Fuente ==
*[[https://www.filmin.es/pelicula/la-caza-1966]]
*[[https://www.filmaffinity.com/es/film399542.html]]
*[[ https://www.eldiario.es/cultura/cine/caza-aniversario-saura-censura_1_3757325.html]]
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2021-11-12T15:46:49Z

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== Fuente: ==

El extraño viaje (película)

2021-11-12T15:01:40Z

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{{Ficha Película
|nombre = El extraño viaje (película)
|nombre completo = El extraño viaje
|título original = El extraño viaje
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|duración = 98 min
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|estreno = 1964
|guión = Manuel Ruiz Castillo, Pedro Beltrán. Argumento: Luis García Berlanga
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|género = Intriga. Drama | Comedia negra. Vida rural. Familia. Película de culto
|director = Fernando Fernán Gómez
|productora = Ízaro Films, Pro Artis Ibérica
|fotografia = |productores_ejecutivos = José Fernández Aguayo (B&W)
|música = Cristóbal Halffter
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|distribuidora =
|interpretación =
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}}
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'''El extraño viaje'''. [[Documental]] del año [[1964]] de producción [[Española]] "El Extraño viaje" ha sobrevivido como una de nuestras grandes aportaciones al cine de género. Porque, ¿Quién puede olvidar la descarada secuencia de la bodega? ¿O la maldad escabrosa de la vieja Paquita? Imperdible.
== Sinopsis ==
En un pequeño pueblo de provincias, cercano a la capital, vive una familia compuesta por tres hermanos: la dominante y severa Ignacia y los tímidos y retraídos Paquita y Venancio. La monotonía de la vida del pueblo sólo se rompe los sábados cuando llega un conjunto musical de Madrid para amenizar con sus canciones el fin de semana. Un sábado de tormenta, Paquita y Venancio, que son muy miedosos, oyen ruidos y van buscando protección a la habitación de su hermana. Allí ven a alguien, pero Ignacia lo niega rotundamente

== Reparto==
• Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco, Rafaela Aparicio, Sara Lezana, María Luisa Ponte, Teresa Gisbert, Luis Marín, Goyo Lebrero, Luis Domínguez Luna, Cayetano Torregrosa, Rafael Alcántara, Xan das Bolas, Narciso Ojeda, Carola Fernán Gómez, Emilio Santiago, Joaquín Roa, José Villasante, Pilar Gómez Ferrer, Ángel Menéndez, Alfredo Díaz, Enrique Pelayo, Ricardo G. Lilló.
==Críticas==
• "Uno de los largometrajes más arriesgados y singulares del cine español. (...) una dirección perfectamente hilvanada y unas interpretaciones de verdadero lujo."
• "Título de culto. (...) Su subterráneo sentido del humor, entre negro y sardónico, y su perceptivo retrato de ambientes deprimentes lo convierten en una pequeña pieza maestra.
• "Una de mis diez películas españolas preferidas"
• "Una modesta producción, pero uno de los mejores trabajos como director de Fernán-Gomez (...) gran fracaso de público, pero uno de los mayores éxitos de crítica"
== Rankings ==
• 7 Mejores películas españolas de la historia
• 50 Mejores películas de intriga
== Secretos de rodaje ==
• El extraño viaje fue elegida por la crítica como la séptima mejor película española en el Centenario del Cine que tuvo lugar en 1996.
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film771720.html]]
*[[ https://www.filmin.es/pelicula/el-extrano-viaje]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-3119/]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-11-12T14:42:21Z

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== Fuente: ==

Cleo de 5 a 7

2021-10-21T14:23:40Z

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|nombre = Cleo de 5 a 7 (película)
|nombre completo = Cleo de 5 a 7
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|guión = Agnès Varda
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|género = Drama psicológico. Nouvelle vague
|director = Agnès Varda
|productora = Coproducción Francia-Italia
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|música = Michel Legrand
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|pais =
}}
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'''Cleo de 5 a 7'''. [[pelicula]] del año [[1962]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]]. Cleo (Corinne Marchand), más conocida como Florencia, es una joven cantante francesa que acaba de hacerse una biopsia. El resultado le será comunicado de aquí a dos horas y ella decide vagar por París a la espera de los resultados de su análisis. El temor a tener cáncer y fallecer le asalta la mente una y otra vez. En su travesía se cruza con su adivina, toma café, visita a una amiga... y conoce a un soldado que al día siguiente parte para luchar en la contienda de Argelia.
== Sinopsis ==
Cleo, una joven cantante, espera impaciente los resultados de un examen médico. Cuando una adivina que lee las cartas le revela que tiene cáncer y que puede morir, su inquietud aumenta. Tratando de ocupar su tiempo a la espera de los resultados, Cleo conoce a un joven soldado, a punto de partir para hacer el servicio militar en Argelia, al que confía su temor a la muerte

== Reparto==
• Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dorothée Blanck, Loye Payen, Michel Legrand, Dominique Davray, José Luis de Vilallonga, Jean-Luc Godard, Anna Karina, Eddie Constantine, Jean-Claude Brialy, Sami Frey
==Críticas==
• Agnès Varda aporta su obra maestra -variante femenina- a la 'Nouvelle vague' con el poético relato de Cleo (radiante Corinne Marchand), una sofisticada cantante que espera el resultado de unas pruebas médicas. La mujer, joven y guapa, con el mundo a sus pies, de repente debe enfrentarse a sus peores temores. El arrebato, la belleza y el simbolismo pasean ante una cámara fascinante para entregar una joya rebosante de escenas delicadas. Imprescindible.
• "'Cléo from 5 to 7' sigue siendo sorprendentemente moderna (...) Es tan innovadora e influyente como cualquier película de la Nouvelle Vague
• "Otra película francesa que brilla con estilo fotográfico y cinematográfico, pero que sólo es capaz de rascar la superficie de su críptico drama"
• "Hermosamente grabada y elaborada, esta película ofrece una irremplazable cápsula del tiempo de París (...) Innovadora y emocionante"
• "Una película brillante y pionera (...)
• "Uno de los logros más atrevidos de la Nouvelle Vague
• "Obra maestra (...) Exquisita
== Posición en los rankings FA ==
•El 72 como Mejores películas francesas de todos los tiempos
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film670697.html]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-1191/]]
*[[ https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a25299217/mejores-escenas-cine-peliculas-cleo-agnes-varda/]]
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2021-10-21T14:22:48Z

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== Fuente: ==

Posesión infernal (película)

2021-10-14T14:34:43Z

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{{Ficha Película
|nombre = Posecion Infernal (Película)
|nombre completo = Posecion Infernal
|título original = Posecion Infernal
|imagen = Y8MW6lsIzFsc5u53sO9JeestH0B.jpg
|tamaño =
|descripción = El uruguayo Fede Álvarez (Ataque de pánico) que será el encargado de rodar esta adaptación del culto de terror Posesión infernal, ha elegido un elenco de jóvenes talentos para llevar a cabo el proyecto. Entre otros, podremos ver a Jane Levy (Fun Size), Shiloh Fernández (Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), Lou Taylor Pucci (Infectados (Carriers)) o Jessica Lucas (Esta abuela es mi padre).
|estreno = 2013
|guión = Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Remake: Sam Raimi
|género = Terror. Fantástico | Sobrenatural. Casas encantadas. Posesiones / Exorcismos. Gore. Remake
|director = Fede Álvarez
|productora = FilmDistrict, Ghost House Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE), TriStar Pictures. Productor: Sam Raimi
|fotografia = |productores_ejecutivos =
|música = Roque Baños
|duración = 91 min
|interpretación =
}}
<div align="justify">
''' La cena de los idiotas '''. [[Película]] del año [[1998]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]]
== Sinopsis ==
Cinco amigos se alojan en una cabaña de Tenessee para así poder ayudar a una de los jóvenes, que se encuentra en rehabilitación por drogas. Estar sin sus drogas convierte a la chica en una persona agresiva, lo que llevará a sus amigos a no darse cuenta de que en realidad esta poseída por demonios que fueron desatados al leer el Necromicon... Remake del clásico de Raimi
== Descripción ==
En 1981, Raimi estrenó la que sería una de las principales influencias del cine de terror a lo largo de la historia (junto a El Exorcista, Halloween, Viernes 13 o Poltergeist), con mucha mala baba y una particular falta de complejos muy difícil de igualar. Una cabaña en el Bosque, y una motosierra en lugar de brazo que lo cambiará todo en una película que no es lo que todo el mundo debería esperar de ella desde un principio. Si queréis sorprenderos, tenéis que verla. La trilogía completa. Posesión Infernal es única.
== Reparto==
• Jane Levy
• Shiloh Fernandez
• Lou Taylor Pucc
• Elizabeth Blackmore
• Jessica Lucas
• Phoenix Connolly
• Jim McLarty
• Sian Davis

==Críticas==
• "La película es un sostenido recital de fuerza, que da a su público lo que pide (y más) y sabe culminar en un asombroso clímax"
• "Es de agradecer que esta «Posesión infernal» se tome en serio a sí misma. (...) Álvarez prefiere envolver su homenaje con la sangre, el sudor y los vómitos del «fatum» trágico"
• "El resultado es decoroso, simpático y efervescente. La primera parte parece ir mucho más en serio de lo que iba la de Raimi (...) alcanzando el grand guignol su cúspide en los inenarrables diez minutos finales
• "Este inteligente remake exilia por completo el sentido del humor de su discurso, pero no por ello renuncia a la diversión (...) un tercer acto digno de ovación (...)
• "La nueva 'Posesión infernal' es, por muy distinta que parezca, por muy diferentes que sean sus intenciones y su concepción, el mejor favor que le han podido hacer a la original. No es la misma película, pero el resultado es muy parecido"
• "Lo que realmente importa es ver a esta gente guapa pasar por el escurridor sangriento, y una vez que el espíritu profano es llamando, 'Evil Dead' cumple (...)
== Fuente ==
*[[ https://www.hobbyconsolas.com/listas/mejores-peliculas-terror-miedo-80-333473]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film928830.html]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-138417/]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-10-14T14:16:43Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

La cena de los idiotas

2021-10-14T13:47:38Z

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{{Ficha Película
|nombre = La cena de los idiotas (Película)
|nombre completo = La cena de los idiotas
|título original = La cena de los idiotas
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|tamaño =
|descripción = Basada en la obra de teatro creada por el mismo director de la cinta relata las reuniones de unos ricos excéntricos, que apuestan por ver quién és el que consigue invitar al idiota más destacado de todos.
|estreno = 1998
|guión = Francis Veber
|género = comedia
|director = Francis Veber
|productora = Gaumont, EFVE, TF1 Films Production, TPS Cinéma
|fotografia = |productores_ejecutivos = Luciano Tovoli
|música = Vladimir Cosma
|duración = 77 min
|interpretación =
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}}

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''' La cena de los idiotas '''. [[Película]] del año [[1998]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]]
== Sinopsis ==
Pierre Brochant y sus amigos organizan todos los miércoles una cena que es una especie de apuesta: el que invite al idiota más extraordinario será el ganador. Una noche, Brochant está pletórico: ha encontrado una auténtica joya, un idiota integral. Se trata de François Pignon, un chupatintas del Ministerio de Finanzas con una gran pasion por las construcciones hechas a base de cerillas. Lo que Brochant ignora es que Pignon es un auténtico gafe, un maestro en el arte de provocar catástrofes
== Descripción ==
Basada en la obra de teatro creada por el mismo director de la cinta relata las reuniones de unos ricos excéntricos, que apuestan por ver quién és el que consigue invitar al idiota más destacado de todos. La película fue galardonada con tres premios César, entre ellos, el de mejor actor principal y secundario. Tuvo un presupuesto de 12,5 millones de dólares. Solo en Francia, la cinta se alzó con 53 millones. En nuestro país, lograría lo equivalente a 2.454.788 de euros. Existen tres remakes hechos en la India, y un remake americano, protagonizado por Steve Carell y Paul Rudd. Este último, tuvo un coste de 69 millones de dólares y a nivel mundial obtuvo 86 millones.
== Premios ==
• 1998: Premios César: 3 Premios. 6 nominaciones, incluyendo mejor película
• 1999: Premios Goya: Nominada a mejor película europea
== Reparto==
• Thierry Lhermitte
• Jacques Villeret
• Francis Huster
• Daniel Prévost
• Alexandra Vandernoot
• Catherine Frot
==Críticas==
• "Comedia cruel"
• "Irrebatible prueba del funcionamiento del "boca a boca" (...) Para soltar carcajadas. Lástima que el final, menos ingenioso, enturbie una velada tan estimulante"
• Estrenada casi en el anonimato, estuvo más de un año en cartel en los cines españoles
• "Hacía mucho tiempo que no escuchaba al público de un pase de prensa aplaudir a una película extranjera, pero hacia mucho tiempo que una película francesa no era tan divertida como ésta.
• "El 'timing' de Villeret y Lhermitte es limpio y encantador (...) Sus muchos momentos de farsa son particularmente brillantes"

== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film262256.html]]
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-53738/]]
*[[ https://www.premiosgoya.com/pelicula/la-cena-de-los-idiotas/]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:La-cena-de-los-idiotas--678x381.jpg

2021-10-14T13:35:11Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

La Tia Tula (película)

2021-09-16T14:11:47Z

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{{Ficha Película
|nombre = La Tía Tula (película)
|nombre completo = La Tía Tula
|título original = La Tía Tula
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|duración = 109 min
|clasificación =
|estreno = 1964
|guión = José Miguel Hernán, Luis Sánchez Enciso, Manuel López Yubero, Miguel Picazo.
|argumento =
|género = drama
|director = Miguel Picazo
|productora = Surco Films, Surco Films
|fotografia = |productores_ejecutivos = Juan Julio Baena (B&W)
|música = Antonio Pérez Olea
|montaje =
|distribuidora =
|interpretación =
|pais = España
}}
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'''La Tia Tula'''. [[película]] del año [[1964]] de producción [[Española]]
== Sinopsis ==
A la muerte de su hermana Rosa, Tula recibe en su casa la compañía de su cuñado Ramiro. La convivencia entre Tula y su cuñado, al principio, no está exenta de roces y tensiones, sobre todo cuando Emilio, que desea casarse con Tula, pretende que Ramiro haga valer su influencia sobre ella para facilitarle sus planes de boda. Pero Ramiro se siente atraído por su cuñada, atracción que se ve favorecida por la vida en común.

== Reparto==
• Aurora Bautista
• Carlos Estrada
• Enriqueta Carballeira
• Irene Gutiérrez Caba
• Laly Soldevila
• Paloma Lorena
• Paul Ellis
• Emilia Zambrano
• Coral Pellicer
• Montserrat Julió
• Chir Bermejo
• Esmeralda Adam García
• Margarita Calahorra
==Críticas==
• "Buena adaptación cinematográfica de la obra homónima de Unamuno. Brillante recuadro de la sociedad provinciana de la época"
• "Toda una conmoción para el cine español de los sesenta (...) asombrosa adaptación de la novela de Unamuno que alcanza un rigor dramático y una solidez formal inaudita"
== Premios ==
• 1964: Festival de San Sebastián: Mejor película española. Mejor director
• 1966: National Board of Review: Mejores películas extranjeras
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film884494.html]]
*[[ https://es.slideshare.net/JulioPollinoTamayo/la-ta-tula-1962-miguel-picazo-dossier-cine]]
*[[ https://www.abc.es/play/pelicula/la-tia-tula-7716/]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:La tia tula-463784134-large.jpg

2021-09-16T14:10:51Z

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== Fuente: ==

Amor y balas (película)

2021-09-13T15:05:53Z

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{{Ficha Película
|nombre = Amor y balas (Película)
|nombre completo = Amor y balas
|título original = Amor y balas
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|duración = 1:43 min
|descripción =
|estreno = 1978
|guión = Wendell Mayes, John Melson
|argumento =
|género = Acción
|director = John Huston, Stuart Rosenberg
|productora = Incorporated Television Company, Sir Lew Grade
|fotografia = |productores_ejecutivos = Fred J. Koenekamp, Anthony B. Richmond

|música = Lalo Schifrin
|montaje =
|interpretación =
|pais =
}}
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'''Amor y balas '''. [[Película]] del año [[1978]] de producción española... Charles Bronson es un policía que persigue a una peligrosa red de criminales.
== Sinopsis ==
El teniente Charlie Congers (Charles Bronson, 'El justiciero de la noche') es un experimentado policía del FBI al que le encargan una complicada misión. Tiene que desarticular una importante organización ilegal que opera por varios lugares del mundo. En ella también están implicados importantes empresarios. El capo es el peligroso Joe Bomposa (Rod Steiger, 'En el calor de la noche') cuya amante es Jackie Pruit, una prostitua de lujo que vive en Suiza.

Desde Phoenix, Congers es mandado a este país para localizar a la joven, ya que la podrían utilizar para testificar contra Bomposa. Una vez que la encuentra, Jackie decide colaborar con el teniente y se infiltra en el corazón de la red.

Los mafiosos descubren que ella es un topo y que se encuentra en Suiza. Bamposa manda a unos sicarios para que se deshagan de ellos, comenzando así una dura persecución por las escarpadas montañas de los Alpes.
== Reparto==
•Charles Bronson, Jill Ireland, Rod Steiger
==Críticas==
El lujo y el dinero
Charlie es un policía que debe ir tras la pista de Joe Bomposa y su banda de criminales. Para el caso contará con la ayuda de una bella prostituta de lujo. Ésta se infiltrará en la red de Bomposa, quien lleva a cabo unos asuntos turbios con unos empresarios sospechosos.
Película independiente dirigida por John Huston y Stuart Rosenberg, y con el duro Charles Bronson en el papel de justiciero que tantas veces interpretó. Para el papel del mafioso encontramos a un correcto Rod Steiger y en el papel de la chica a Jill Ireland, la que era por entonces esposa de Bronson.

== Fuente ==
*[[ https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-46967/]]
*[[https://decine21.com/peliculas/amor-y-balas-15176]]
*[[ http://www.cinedor.es/peliculas/amor-y-balas]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:Amor y balas.jpg

2021-09-13T14:31:36Z

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== Fuente: ==

El Sur (película)

2021-03-18T14:28:00Z

Anyelirodriguez ssp.jc: Página creada con «{{Ficha Película |nombre = El Sur (Película) |nombre completo = El Sur |título original = El Sur |imagen = El-sur-9.jpg |duración = 93 min |descripción = |estreno =…»

{{Ficha Película
|nombre = El Sur (Película)
|nombre completo = El Sur
|título original = El Sur
|imagen = El-sur-9.jpg
|duración = 93 min
|descripción =
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|guión = Víctor Erice (Historia: Adelaida García Morales)
|argumento =
|género = Drama | Familia. Infancia. Adolescencia. Posguerra española. Vida rural
|director = Victor Erice
|productora = Co-production España-Francia; Chloe Productions, TVE, Elías Querejeta P.C.
|fotografia = |productores_ejecutivos = José Luis Alcaine
|música = Varios, Enrique Granados
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|interpretación =
|pais = {{Bandera2|España}}
}}
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''' El Sur '''. [[Película]] del año [[1983]] de producción [[Española]]/ [[España|Española]] “La Gaviota” es un caserón situado en las afueras de una ciudad del norte de España. En ella viven Agustín, médico y zahorí, su mujer, maestra represaliada por el franquismo, y su hija Estrella. La niña, desde su infancia, sospecha que su padre oculta un secreto.

== Sinopsis argumental ==
El inicio de la película nos sitúa en el año 1957, concretamente en otoño cuando sucede el suicidio de Agustín Arenas, el padre, médico y zahorí.
A partir de este momento, su hija Estrella comienza una narración retrospectiva en la que recuerda la historia de su padre desde su nacimiento. La familia viaja de un lugar a otro mientras Agustín busca un trabajo fijo que, finalmente, encuentra en el norte como médico. Mientras tanto, en La Gaviota, Agustín se encierra en el desván a realizar experimentos, que Estrella intenta observar tras la cerradura.
Agustín posee poderes que trata de mostrarle a Estrella enseñándole cómo utilizar el péndulo. Agustín proviene del Sur y su pasado es un misterio que Estrella va descubriendo a través de las palabras de su madre. Julia le cuenta a su hija que su padre abandonó el Sur a raíz de una discusión con su abuelo, lo que le hizo no volver más. Sin embargo, el pasado y también el Sur son una fantasía para Estrella, que recrea en su mente de niña ese lugar mediante unas postales.
Una tarde de mayo, la víspera de la primera comunión de Estrella, llegan a La Gaviota dos mujeres, su abuela y Milagros, la criada. Milagros le cuenta a Estrella durante la noche que fueron conflictos políticos los que Agustín tuvo con su padre y el motivo principal de que éste no volviese al Sur. Puesto que Agustín es reacio a entrar en la iglesia, a Estrella le preocupa que su padre no asista a la ceremonia de su primera comunión. Sin embargo, le sorprende verlo al fondo, apartado del resto de los asistentes de la ceremonia.
Tras la celebración de su primera comunión y por esa época, Estrella descubre que en la vida de su padre había otra mujer, a través de un papel donde está escrito el nombre “Irene Ríos” y dibujado el rostro de esa mujer. A partir de ese momento, Estrella trata de conocer quién es esa mujer pero su madre lo desconoce y no puede responderle. Su curiosidad le lleva a descubrir el nombre de Irene Ríos en una cartelera de cine y Agustín va a ver la película.
Pero al terminar, Estrella le espía y le ve escribir una carta. Esta carta va dirigida a un amor pasado quien le responde que no quiere mantener ningún tipo de contacto con él. Agustín huye y a su vuelta se encierra en el desván sin mantener relación con nadie. Estrella, esperando una respuesta de éste, se esconde debajo de la cama. Sin embargo, su padre no acude en su búsqueda y tan solo golpea el suelo con un bastón.
El paso del tiempo provoca el crecimiento de Estrella, quien continúa en su búsqueda, manteniendo la correspondencia con Milagros y buscando información sobre Irene Ríos, aunque no vuelve a ver su nombre.
Agustín, en crisis por haber perdido la relación con su hija, la invita a comer al Gran Hotel, donde trata de recuperar la relación perdida. Allí, Estrella pregunta a su padre por Irene Ríos y él en ningún momento le cuenta la verdad. Al otro lado de la mesa, se está celebrando una boda donde suena el mismo pasodoble que padre e hija bailaron en la ceremonia de la primera comunión. Pero eso ya no significa nada para Estrella y deja a su padre solo y desolado, sentado en la mesa.
Después del reencuentro de ambos y la trágica situación, Agustín se suicida junto al río y, entre sus objetos, encuentra dentro de su cartera el recibo de una conferencia telefónica realizada al Sur la misma noche de su muerte. Tras una llamada de Milagros, Estrella hace sus maletas y decide emprender un viaje al Sur, hacia la tierra de su padre que nunca ha visto y donde, tal vez, pueda conocer el secreto de su pasado.

==Estructura narrativa: fragmentos ==
La película transcurre en un tiempo fechado —aunque no concreto como ocurre en El espíritu de la colmena—, ya que al comienzo de la película, Víctor Erice sitúa al espectador en otoño de 1957, la posguerra española. También existe un espacio fijado geográficamente y es una ciudad del Norte de España, “rodeada de murallas a orillas de un río” como explica Estrella al comienzo de la película. Allí se encuentra La Gaviota, la casa alquilada donde ellos viven, una casa “situada en tierra de nadie, justo entre el campo y la ciudad”.
En cuanto a la estructura, El Sur no se ajusta a la estructura clásica de prólogo, desarrollo y desenlace, es decir, a una estructura lineal. Se podría decir que El Sur está constituida por secuencias como fragmentos de recuerdos —pedazos que van contando una historia— hilvanados mediante elipsis temporales. La lógica de estos fragmentos obedece a la memoria de Estrella —y en ocasiones incluso a ensoñaciones—, quien va contando al espectador la relación con su padre.
El punto de vista desde el que está narrada la película es el de Estrella, la voz en off de una Estrella adulta que va reconstruyendo el pasado de una Estrella niña, quien recorre un camino del desconocimiento al conocimiento, de la inocencia a la sabiduría. Existe un interés en Erice por mantener ese corte intimista y mágico en la narración.
Desde el comienzo de la película, el espectador se identifica con la voz en off de la Estrella adulta, que crea dos mundos diferentes: el mundo que no vemos, el de la voz en off, y el mundo que vemos, el de los recuerdos de Estrella adulta. En esta película, “mirar es instalarse en la cámara objetiva irreal, y sin embargo la realidad está hecha de fragmentos comunes de lo real” (García, 2000), es decir, aquello que se nos está contando no es real, objetivo, sino que es subjetivo y obedece a cómo Estrella recuerda, imagina o inventa.
Es un flash-back a raíz de la muerte de Agustín lo que determina el arranque de la película y de la sucesión de fragmentos de su memoria. Estrella despierta en una habitación oscura, tan solo iluminada por la luz de la pequeña ventana. Los gritos de su madre advierten que Agustín ya no está. Estrella saca el péndulo de su padre, el péndulo que esconde el saber y el pasado y comienza a recordar. Narra al espectador su vida como un diario, como fragmentos de una vida, cuya conexión está solo en su interior y en cómo estos le vienen a la mente.
En cuanto al saber, en El Sur el espectador no logra conocer mucho más que el personaje principal, puesto que el espectador puede ver algunas imágenes del pasado de Agustín, pero sin embargo, la información recibida es escasa. Es decir, que el espectador no logra conocer todo el pasado, aquello que queda oculto en la película, su único punto de vista y, por tanto, de referencia es el de los recuerdos de Estrella.
Aunque en un principio el guion original obedecía a una estructura simétrica, la interrupción de la filmación dejó un desenlace abierto. La estructura narrativa elíptica de El Sur podría dividirse en tres partes diferentes, a saber:
—Una primera parte que comprendería desde la infancia de Estrella y el momento en que emprende este viaje iniciático tratando de abrirse al mundo acompañada de su padre, hasta que toma la primera comunión en compañía de su familia.
—La segunda parte vendría dada por una elipsis, se trata del momento en que Estrella coge su bicicleta siendo una niña y vuelve por “la frontera”, el camino que lleva hasta La Gaviota, siendo ya una adolescente. Esta segunda comprendería el descubrimiento de la amante de su padre, la búsqueda de información y terminaría con la muerte de su padre tras su reunión en el Gran Hotel.
—La tercera parte sería la que nunca llegó a filmarse, en la que Estrella viaja al Sur y la reflexión existente sobre el mito llega a culminarse. Estrella confirmaría la existencia de Irene, conocería a su hermanastro y volvería al Norte como una mujer madura, entregando el péndulo a su hermanastro, perdonando a su padre y cerrando el círculo.
== Análisis de los personajes==
Análisis de personajes
Si algo tienen en común los personajes de esta película es el exilio tanto exterior como interior al que se ven obligados por motivos ideológicos y políticos.
Por un lado, está el exilio exterior que provoca la situación socio-histórica posterior a la Guerra Civil, el régimen franquista condena a los vencidos. Los protagonistas se ven obligados a “trasladarse de un lado a otro”, como cuenta Estrella en la película mientras suena el traqueteo de un tren, hasta encontrar un trabajo estable para Agustín (como médico) y un lugar donde poder quedarse, que es finalmente La Gaviota. La narración de Estrella deja entrever que ese viaje en tren, que tiene lugar al comienzo de la película y que les lleva hasta el Norte, les ha llevado bastante tiempo. Es decir, que ha sido un exilio largo, que les ha llevado un tiempo visitando diferentes lugares.
Por otro lado, encontramos un exilio interior, marcado por la ruptura familiar y social que sufren cada uno de los personajes. Aunque de diferentes maneras, todos tienen un denominador común: están sumidos en la tristeza, la soledad, la desolación y la nostalgia que les ha dejado la Guerra Civil española.
Agustín, ex republicano ha abandonado el Sur, su ciudad natal, su familia y su amor a causa de la guerra y sus ideas políticas; Julia, también es una maestra represaliada que ha tenido que dejar su empleo. Ambos se ven obligados a abandonar su vida anterior.
Este exilio viene también marcado por la dualidad que existe en la película entre el Norte y el Sur, así como la denominación de “la frontera” por parte de Agustín de aquel camino que lleva a la casa y que lo separa del resto de la ciudad.
El ritmo narrativo también se encarga de remarcar este exilio. Se trata de un ritmo narrativo caracterizado por una cierta lentitud, como vemos en la escena del comienzo, desde que comienza a entrar la luz por la ventana, Estrella se despierta, es consciente de la muerte de su padre y descubre el péndulo para comenzar a contar la historia.
A continuación se analizan los personajes más importantes de la película: Estrella, la hija; Agustín, el padre; Julia, la madre, y Milagros, quien cuidó de Agustín cuando era niño. Personajes secundarios serían: la abuela, que viene en compañía de Milagros; Irene Ríos, sólo visible a través de la pantalla del cin,e y Casilda, la mujer que ayuda a Julia en las tareas del hogar.
== Estrella ==
Estrella (Sonsoles Aranguren / Iciar Bollaín) es el personaje principal de la película y quien nos cuenta y revela toda la trama, la voz en off de la narración, la mente que procesa todos esos recuerdos que nos vienen dados en forma de imágenes subjetivas. Es la hija única del matrimonio entre Agustín y Julia.
Al comienzo de la película, Estrella es una niña de ocho años y siente una gran admiración por su padre, médico y zahorí, quien “tiene poderes que los demás consideran milagros”. Esa admiración le empuja a acompañarle y a observar todo lo que éste hace, como en la escena donde el padre encuentra agua con ayuda de su péndulo y ella le mira con fascinación. También le espía al otro lado de la puerta, a través de la cerradura mientras él “hace sus experimentos” en el desván.
Su inocencia le lleva a ensalzar todas las cualidades de su padre, quien es para ella un hombre sorprendente. Estrella otorga a su padre cualidades que no tiene, poderes que podrían considerarse “milagros”, lo que le confiere un carácter secreto. La figura paterna se mitifica, es como una religión para Estrella como se puede ver al comienzo de la película, cuando Agustín, con ayuda de su péndulo trata de descubrir si será niño o niña, una escena que la misma Estrella reconoce haber inventado.
Existe una relación que podría considerarse como amorosa, pero que se ve coartada por los tabúes de la sociedad. Subyace en la relación entre padre e hija un conflicto edípico, que constituye algo prohibido para la sociedad. Podría decirse que Víctor Erice trata de establecer una analogía entre el personaje de Estrella y el de Laura / Irene Ríos, ambas son estrellas. Para Agustín, Estrella sería la encarnación de Irene Ríos.
Otra de las escenas que representan esa mitificación de la figura paterna es la escena del baile durante la celebración de la primera comunión de Estrella. En esta escena, la cámara ofrece al espectador un plano contrapicado que bien podría corresponderse con una jerarquía, con la mirada de Estrella (inferior) hacia su padre (superior). La imagen se mueve al ritmo del pasodoble En er mundo y muestra la complicidad, el amor y la magia que esconde la relación entre el padre y la hija, siempre mitificada por los ojos de Estrella.
Tras la elipsis temporal de Estrella cogiendo la bicicleta con 8 años y volviendo con 15, vemos que mientras que su infancia se caracteriza por la alegría, la curiosidad por aprender y la diversión; su adolescencia viene marcada por la monotonía y la soledad. La relación con su padre se ha enfriado. Agustín ha sustituido la figura de su hija por la de Irene Ríos, nada ha cambiado en la vida y los hábitos de Estrella, tan solo la relación con su padre.
A lo largo de la película, y de todo su recorrido desde la ignorancia al conocimiento, existe también una desmitificación de la figura paterna. Si al comienzo Estrella mitifica a su padre y obedece a todas sus órdenes, al final de la película y con el descubrimiento del pasado oculto de su padre que acompaña a la adolescencia de Estrella, se ve la caída de ese mito. Son elementos externos y objetivos, las palabras de su madre, que ayudan a Estrella a recrear el misterio de su padre que concierne al Sur (un lugar, un tiempo, un pasado) y a descubrir la verdad o los dibujos que su padre hace sobre Irene Ríos, entre otros.
Estrella se enfrenta a interrogantes que no logra responder y que solo podrá hacer observando las acciones de su padre, tal y como hacía cuando era más pequeña y le observaba tras la puerta. La protagonista se convierte en cómplice de lo que está sucediendo y vigila los pasos de su padre, entrando al cine para descubrir el enigma que rodea a Irene Ríos, que sigue sin quedar del todo claro al final de la película.
La reconstrucción de la realidad se lleva a cabo bajo la mirada de Estrella, con tan solo el nombre, un dibujo y una carta, se nos evoca una Irene Ríos que puede existir o no existir.
Al final del film, hay una escena en la que los dos están en el restaurante vacío del Gran Hotel. Allí, él pasa por una profunda crisis (remarcada por su escena en el baño mojándose con agua la cara para verlo todo más claro) y quiere recuperar la relación con su hija. Sin embargo, Estrella muestra una especie de liberación que puede verse a través de sus ojos y las palabras que da a su padre, preguntándole quién es Irene Ríos y contándole cómo descubrió que había algo oculto. El padre no es capaz de contarle la verdad, de modo que se produce una ruptura. Estrella ha madurado, ha accedido al mundo real, alejado de la fantasía de la niñez y ya no cree en él ni en sus palabras.
Tras esta liberación de Estrella, comienza a sonar el pasodoble En er mundo, el mismo que suena durante su primera comunión y que es, en primer lugar, reconocido por Agustín. Sin embargo ya no significa nada para Estrella, quien mira con incredulidad a su padre, la figura paterna pierde la relevancia y el poder que tenía al comienzo de la película, se cuestiona la validez de los mitos. Durante unos segundos se sostiene el plano general de Agustín sentado solo en la mesa del restaurante, nos muestra un Agustín sumido en la soledad, perdido, esperando a la muerte.
Toda la historia contada es para Estrella un abandono de la inocencia, el mundo de la fantasía que caracteriza a la infancia hasta la madurez y el conocimiento en la adolescencia, recorrido que marcado y guiado por la relación con su padre y el descubrimiento de su pasado oculto. Es decir, tal y como explica Arocena “el camino que recorre estrella no es más que un intento de descubrir lo que ella supone que es el secreto que guarda su padre, secreto entendido como algo mágico, hasta descubrir subrepticiamente su verdadero secreto, formado por sus debilidades y carencias” (Arocena, 1996).
Este verdadero secreto, que esconde Agustín, se ve delatado por algunos tics como su afición por el alcohol (en el restaurante pide whisky repetidas veces) o finalmente la muerte (el suicidio de Agustín simboliza el fracaso).
Este viaje de iniciación tomado por Estrella adquiere gran similitud con el viaje de iniciación al conocimiento emprendido por Ana en El espíritu de la colmena. Estrella trata de abrirse al mundo y narra sus primeros pasos, el pasado oculto de su padre y la mentira, le obligan a abandonar el mundo de la ignorancia y de la imaginación rumbo al conocimiento y el saber.
==Agustín==
Agustín (Omero Antonutti), un ex republicano que fue encarcelado durante la Guerra Civil, abandona su ciudad natal en Andalucía tras este hecho histórico en busca de un trabajo estable. Allí deja a su madre y a su padre, a quien ya nunca ve (recordemos la escena de la llegada de la abuela y de Milagros a La Gaviota), y deja también a un amor, Irene Ríos. Es médico y trabaja en un hospital, pero también zahorí, a través de su péndulo y un poder innato es capaz de practicar la adivinación.
Al comienzo de la película, sus orígenes son un misterio, tanto para el espectador como para Estrella, quien asegura “los orígenes de mi padre siempre fueron para mí un auténtico misterio, de su pasado yo lo ignoraba todo, pero eso apenas me afectó”.
Sin embargo, el misterio, el motivo del abandono de su pasado en el Sur, se va descubriendo a medida que avanza la película a través de las palabras de Julia: por motivos políticos e ideológicos, tuvo una fuerte discusión con su padre y se marchó de Carmona para no volver más. También participa en ello Milagros, quien durante la noche anterior a la primera comunión le cuenta cómo era la relación entre Agustín y su padre. Sin embargo, Milagros prefiere mantener a Estrella en la ignorancia sobre ese pasado, puesto que es una niña.
El pasado de Agustín es un enigma, un secreto, un misterio que no queda resuelto tampoco al final de la película. El Sur es el pasado, ese lugar donde dejó todo, solo sabe él qué ocurrió allí. Víctor Erice da a todas las escenas relacionadas con Agustín un tono amarillento, como de arena, con la intención de ensalzar ese fervor religioso que el padre despierta en la hija.
Mientras que él es como la figura religiosa para Estrella, Agustín no es partidario de la religión y se considera ateo. Es por eso que la víspera a la celebración de la primera comunión de Estrella, ésta no sabe bien si su padre asistirá a la iglesia. Finalmente, la estrecha relación que mantiene con su hija vence a sus principios y lo encontramos al fondo, separado del resto de los asistentes y observando a su hija.
En esta secuencia, que tiene lugar en la iglesia, vemos cómo Estrella, esbozando una sonrisa, observa a su padre que aparece de entre las sombras.
Una música eclesiástica en la banda sonora subraya la situación en la que Estrella afianza para sus adentros esa relación que tiene con su padre diciendo “lo ha hecho por mí, lo ha hecho por mí”. El último plano da lugar mediante un fundido encadenado a la secuencia de la celebración.
Agustín recorre un camino paralelo al de Estrella, mientras ésta recorre un camino de la ignorancia al conocimiento pero el camino de Agustín es más escarpado, y va desde la vida hasta la muerte. Sus repetidos encierros en el desván son una búsqueda en sí mismo. Este personaje busca la libertad, la salida de su exilio, que en la película se ve representada con elementos como la gaviota de la veleta, pero que no logrará alcanzar.
La magia y el poder innato que posee Agustín a los ojos de Estrella se irá desvaneciendo a medida que avanza la película. Al tiempo que Estrella va abriendo la puerta del desván (véase la escena de Estrella observándolo a través de la cerradura de la puerta), ese poder irá desapareciendo. Agustín pasa de ser un héroe a un antihéroe a los ojos de Estrella y, por tanto, a los del espectador.
Si bien la figura de Agustín pertenece en un primer momento al mundo de fantasía de la protagonista, al final del relato la figura del padre abandona esa esfera para pasar a pertenecer al mundo real, ya no es tanto un ser fantástico como humano. La figura del padre se humaniza con el paso de la edad y al aumentar el grado de madurez de la protagonista.
“La realidad ya no será la que le muestre su padre, sino la que la niña empieza a descubrir a partir de datos objetivos. Agustín es su compañero de juegos y el que le enseña las reglas, en este caso las de manejo del péndulo, que la capacitarán para ver otra realidad no visible para el resto de los humanos: la realidad que está debajo de las apariencias, la realidad que subsiste en otro lugar (en el Sur o en las entrañas de la tierra) o en otro tiempo (en un tiempo pasado)” (Arocena, 1996)
Como se ha explicado anteriormente, el suicidio de Agustín al lado del río simboliza el fracaso, la rotura y la desesperanza en su interior, su frustración. Un personaje que durante la infancia de Estrella era visto casi como un Dios, durante su adolescencia es visto como un perdedor, alguien que recurre al alcohol para aliviar su angustia interior. Agustín ha perdido todo: la relación con Irene Ríos pero también con su hija, que trata de recuperar en un último momento.
== Julia ==
La madre de Estrella y mujer de Agustín es Julia, un personaje interpretado por Lola Cardona. Como Estrella narra, fue una de las maestras represaliadas después de la Guerra Civil y obligadas al exilio.
Julia enseña a Estrella a escribir y pasa con ella la mayor parte del tiempo, sin embargo, los recuerdos que Estrella guarda de su madre son muy pocos, tal y como explica la narración, por lo que su personaje queda esbozado, pero no se incide demasiado en su psicología.
No es un personaje muy definido, lo que le confiere un carácter enigmático, tanto para el espectador como para la propia protagonista, Estrella. El espectador no recibe apenas información sobre Julia, si Estrella no tiene casi recuerdos sobre su madre, el espectador tampoco los recibirá.
Las tareas que Estrella asigna a este personaje son las propias de un ama de casa como coser o cuidar sus plantas en el invernadero. Sin embargo, su condición de maestra también le da ciertos rasgos de intelectualidad, ya que posee afición por la buena literatura que transmite a su hija (escena en la que ambas están leyendo).
Julia se caracteriza por la cotidianeidad de sus acciones (escena planchando la ropa, cosiendo…) y la disciplina (escena en la que riñe a la niña por jugar con el balón y molestar a su padre). También se caracteriza por su ignorancia cuando Estrella le pregunta si conoce a Irene Ríos, aunque su respuesta no queda demasiado clara.
Su personaje también actúa como guardián del secreto del padre, que revela a su hija. Al igual que ocurre en El espíritu de la colmena con el personaje de Isabel a Ana, es Julia quien introduce el misterio a Estrella.

==Milagros==
El personaje de Milagros es la única referencia física del Sur que existe en la película, a excepción de las postales de Andalucía que bien podrían no ser reales y que no dejan de ser una referencia y un modo de representación de una realidad. Milagros es la mujer que ha cuidado a Agustín desde niño, quien lo ha visto crecer.
Se trata de un personaje estereotipado, con acento andaluz (Estrella le pregunta el porqué de su acento) y un carácter propio del sur. Una mujer entrañable que destaca por su alegría y simpatía, pero también por su carácter más conservador, más propio del régimen de la época, que deja a Agustín como “el malo” en la disputa con el padre o equipara la primera comunión de Estrella con el día de la boda “va a ser uno de los días más bonitos de tu vida, como si te fueras a casar”, le dice a Estrella.
El Sur se muestra como un lugar cálido y cercano, a diferencia del Norte. Milagros es el único vínculo que Estrella tiene con Andalucía. La noche previa a la primera comunión le cuenta a Estrella los estragos que ha causado la Guerra Civil en la sociedad, incluyendo el enfrentamiento entre padre e hijo que provocó un conflicto entre ideas, aunque no queda claro si Agustín decidió irse por su propio pie o fue echado por su padre.
== Espacios ==
Los espacios en este filme adquieren especial relevancia, sobre todo la dualidad existente entre el Norte y el Sur.
El Norte es el lugar donde vive de alquiler la familia, en La Gaviota. Agustín huye desde el Sur hasta el Norte, pero esto es algo que se escapa a la comprensión de Estrella, puesto que es demasiado joven para entenderlo. Mientras que Estrella busca el crecimiento en el Norte, Agustín busca el desarraigo de un Sur que es su pasado.
== El norte ==
El Norte es el primer lugar que se nos presenta, el lugar donde va a transcurrir su vida y toda la historia. Se trata de una casa alquilada a las afueras de la ciudad que está rodeada de murallas, un lugar llamado La Gaviota. Las imágenes referentes al norte adquieren un tono azulado, de frialdad.
Existen diferentes planos generales que nos muestran el entorno en el que se sitúa la casa “en tierra de nadie” y separada por un camino que Agustín llama “la frontera” y que hace referencia a esa necesidad de separación, exilio y refugio a la que se ve sometido escapando de su pasado.
Todas las imágenes referentes a la casa se muestran tal y como las recuerda Estrella: un plano general con una encuadre frontal de la fachada y al fondo la montaña, un plano general del río, un plano que muestra la veleta que da nombre a la casa… Mientras que las imágenes tratan de ser objetivas mediante la frontalidad y los planos generales, la voz en off nos sitúa en un contexto íntimo y subjetivo, en una recreación de la hija.
La casa constituye un espacio, que a su vez está formado por otros diferentes espacios. Uno de los espacios más importantes de la casa es el desván, ese lugar misterioso donde Agustín hace sus experimentos y donde, en un primer lugar, enseña a Estrella a utilizar el péndulo. Más tarde el desván se convierte en el refugio emocional de Agustín y prohíbe su entrada a la familia, pero será su muerte la que volverá a abrir las puertas de ese desván, donde Estrella cree que se encuentra todavía recogida la magia y el poder de su padre.
La habitación de Estrella también juega un papel importante en la narración, ya que es allí donde descubre la muerte de su padre pero también donde se le revela el poder especial que éste posee. Es un espacio de revelaciones.
Por otro lado, el jardín donde se encuentra un columpio donde Estrella se balancea y que puede referirse a una pulsión de muerte siempre presente:
“El destino inevitable de los personajes queda reflejado en una serie de acciones compulsivas que Freud relaciona con el instinto de muerte: Estrella columpiándose; Agustín dando vueltas a sus recuerdos de Irene Ríos o golpeando incesantemente el suelo del desván con su bastón” (Hopewell, 1989).
Esta pulsión de muerte también podría estar presente en la escena en la que Julia está tejiendo con lana roja y se le cae. Podría simbolizar una Parca tejiendo los hilos de la muerte.
También la puerta trasera de la casa, la puerta que remite al pasado, al Sur, por la que escapa Agustín.
== El sur ==
El Sur es un lugar que existe en la narración pero no geográficamente. Se evoca mediante las postales que Estrella descubre. Pero el Sur no es tanto un lugar geográfico como simbólico, porque el Sur es el pasado de Agustín, del que está huyendo, es una utopía.
El Sur adquiere en la película tonos amarillos. El Sur se queda en la nostalgia y se sabe que nunca se podrá conocer, e la punta del iceberg, el mundo que oculta todos los secretos.
Para Estrella, el Sur es un lugar desconocido, fantaseado e imaginado, al que solo puede acercarse mediante su contacto con Milagros, pero que poco a poco será un sitio cada vez más cercano. Es el equivalente al enigma que recorre el pasado de Agustín.
El Sur, a pesar de no verse físicamente, es el origen de toda la película, adquiere una dimensión connotativa, en el Sur se gesta toda la historia, por tanto, esta dualidad entre Norte y Sur está presente constantemente. Mientras el Norte representa el abandono del pasado por parte de Agustín, el descanso y el olvido para empezar de cero, bajo la mirada de Estrella, el Sur es extraño e imaginado.
Milagros describe el Sur como un lugar donde hace calor y eso va formando una imagen mental en la cabeza de Estrella, aunque nunca lo haya visto ni haya estado allí.
Estrella imagina un lugar con palmeras, flores, agua, sol… Un mundo imaginario se va gestando en su cabeza acompañado de una música extra diegética, las Danzas andaluzas de Granados, a medida que va observando una serie de postales mostradas dentro de un encuadre frontal. En las postales se ve a mujeres bailando sevillanas, música, alegría, jardines… Rasgos característicos del Sur.
Por tanto, podemos decir que existen dos visiones del Sur, dependiendo del personaje. Por un lado, para Estrella es un lugar maravilloso y lleno de fascinación, un enigma por descubrir; por otro lado, para Agustín el Sur representa el pasado, un pasado oculto al que no quiere regresar y del que ha tenido que exiliarse.
El hecho de que la película nunca llegase a mostrar el Sur por los problemas de producción ya nombrados anteriormente, le confiere al Sur una gran carga simbólica que en caso de ser mostrado, probablemente no tendría.

== Descripción ==
Se trata del segundo largometraje del director español, rodado diez años después de su primera obra, que le consagró como un director clave dentro de nuestro cine y también a nivel internacional: El espíritu de la colmena (1973).
Este estudio se ha titulado El Sur, un espacio invisible, puesto que, como se analizará a continuación, las circunstancias de producción obligaron a frenar lo que habría sido una continuación de la historia y hacen que el Sur sea, además de una narración jamás filmada, un espacio de sombras y recuerdos, de ahí el espacio invisible: lo que no se ve.
La elección de esta película como elemento a analizar en este trabajo viene dada por su condición de obra maestra: bajo unos elementos formales, una estética muy cuidada y unos personajes con una psicología muy elaborada, Víctor Erice vuelve a tratar el tema del viaje iniciático, del paso de la infancia a la madurez, como ya hizo en El espíritu de la colmena.
También el tema del exilio, ya que los personajes viven un exilio exterior, pero también interior marcado por la soledad y la angustia que se inserta en el contexto socio-histórico en el que se inscribe el film, la España de la posguerra durante los años 50. Aunque, al comienzo se nos muestra el contexto histórico, la narración es intimista y existe un intento de conexión entre la simbología y el imaginario social y político del espectador.
El Sur es un film basado en un relato corto e inédito de la novelista española Adelaida García Morales y relata la historia personal del médico y zahorí Agustín Arenas (Omero Antonutti) desde su llegada al Norte junto a su mujer Julia (Lola Cardona), maestra represaliada tras la Guerra Civil y su hija Estrella (Sonsoles Aranguren / Iciar Bollaín), con quien mantiene una estrecha y mágica relación.
Esta familia convive en una casa llamada La Gaviota durante la España de los años 50, así se inicia la película con el título “Otoño, 1957”. La película narra la relación entre Estrella y su padre, marcada por el difícil recorrido de Estrella desde su infancia hasta su adolescencia bajo la sospecha de que hay algo que está oculto en la vida de su padre.
El Sur fue un largometraje concebido por él como un film de mayor duración en su versión original y con una segunda parte, según ha declarado Víctor Erice en una entrevista concedida a Versión Española (Erice, 2011): “El plan de trabajo contemplaba 81 días de rodaje y la película fue interrumpida por la producción cuando se llevaban apenas 48 días, es decir, que todavía quedaban 33 días de trabajo”.
Sin embargo, esa segunda parte nunca llegó a filmarse por problemas de producción. Erice explica en esta entrevista que, para él, el largometraje tiene un “carácter inacabado, incompleto” y que eso se puede “encontrar en las imágenes”. Víctor Erice, en el guion original, no pretendía reducir el Sur “a unas cuantas postales”, tal y como explica en la entrevista, dada la estrecha relación con Andalucía que le empujaba a mostrarla. En esta continuación del largometraje hablaba de un viaje de Estrella al sur, a Carmona, un municipio de Sevilla, donde conocería a su hermanastro, fruto de Agustín con la otra mujer y en dónde pasaría la adolescencia descubriendo el amor de su padre, dejando atrás la inocencia de la infancia y realizando el viaje que su padre nunca pudo hacer.
La decisión de frenar el rodaje fue tomada por la producción por motivos económicos. Elías Querejeta, quien fue productor de la película, ha hecho que a día de hoy la obra se conciba como lo que es, una pieza maestra donde el Sur es un lugar simbólico que tan solo se deja ver en las postales, enigmático y reflejo de una utopía inexistente, es el lugar que no se ve y que nunca llegará a verse —aunque esto no gustase a Víctor Erice—, invisible a los ojos del espectador pero donde se proyectan las sombras de todos los personajes que aparecen en la película.
En el siguiente trabajo se dará una aproximación al director y realizador, así como al contexto histórico de la producción en el que se enmarca El Sur, un contexto calificado como cine de la transición y marcado por la “ley Miró” y la llegada al poder del Partido Socialista.
Comenzaremos con una sinopsis argumental de la película para entender su posterior análisis: estructura narrativa de la película, punto de vista, retrato psicológico profundo de los personajes, análisis de los diferentes espacios que aparecen en la película, su significado y simbología, a continuación los elementos formales, la fotografía y la puesta en escena que caracterizan el cine de Víctor Erice, para acabar con una conclusión sobre la obra.

== Premios ==
• 1983: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
• 1983: Festival de Chicago: Hugo de Oro - Mejor película

== Reparto==
• Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Icíar Bollaín, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Germaine Montero, Aurore Clément, María Caro, Francisco Merino, José Vivó

==Críticas==
• "Sinfonía inacabada, está bien como está, es una obra maestra de recorrido interior, de sensaciones, de emociones, tristezas y alegrías"
• "La hermosura del filme es indefinible. (...) la historia y su magistral visualización nos sitúan en el borde de lo inefable, más allá de las palabras. (...) un filme de tan singular belleza, que se olvidan y dejan pasar su precipitado final"
• A pesar de ser considerada una obra maestra por muchos críticos tal y como es, la película no llegó a terminarse según la idea original de guión y rodaje de Víctor Erice. El realizador tenía previsto una duración para el film de dos horas y media, según su guión de varios cientos de páginas. Pero el productor de la cinta Elías Querejeta, alegando "cuestiones de criterio", dio por terminado el rodaje cuando sólo se habían "filmado" la mitad de las páginas, cancelando un mes de rodaje y más de la mitad del guión. Con todo, el crítico de cine Ángel Fernández Santos, que había colaborado en la elaboración del guión junto a Erice, defendió el film tal y como está (ver enlace a la crítica de El País adjunta de Fdez. Santos).
• "El drama español inacabado que es perfecto tal y como es. La joya de Erice de 1983 sigue siendo un evocador relato de los secretos de una familia y la pérdida de la posguerra, a pesar de durante el rodaje se quedó mucho sin filmar."
• "Despliega sus preocupaciones a través de detalles pequeños aparentemente poco importantes (...) La película parece que susurra aunque no hay motivos para que no se exprese con normalidad."

== Fuente ==
*[[https://www.filmaffinity.com/es/film725860.html]]
*[[https://www.encadenados.org/rdc/todo-lo-demas/3061-el-sur-victor-erice-1983]]
*[[https://celuloideconalma.wordpress.com/2019/12/11/el-sur-victor-erice-1983/]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-03-18T14:01:38Z

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2021-03-09T15:51:35Z

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El Rey y el ruiseñor (película)

2021-02-16T15:19:53Z

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{{Ficha Película
|nombre = El rey y el Ruiseñor (Película)
|nombre completo = El rey y el Ruiseñor
|título original = El rey y el Ruiseñor
|imagen = El_rey_y_el_ruiseñor.jpg
|duración = 87 min
|descripción =
|estreno = 1979
|guión = Paul Grimault, Jacques Prévert (Cuento: Hans Christian Andersen)
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|género = animación
|director =
|productora = Les Films Paul Grimault
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|música = Wojciech Kilar
|montaje =
|interpretación =
|pais = Francia
}}
<div align="justify">
''' El rey y el Ruiseñor '''. [[Película]] del año [[1979]] de producción francesa... El rey "Carlos V más Tres son Ocho y Ocho Dieciséis", domina de forma tiránica el reino de Taquicardia. Solamente un pájaro, risueño y parlanchín, que ha construido su nido encima de la torre del palacio, se atreve a plantarle cara. El rey está enamorado de una pastora encantadora que, surgiendo de una de las pinturas del palacio, se personifica cada noche para encontrarse con el deshollinador que sale, por su lado, del cuadro vecino. El rey quiere casarse con ella, pero la chica a quien ama de verdad es a su humilde enamorado. Ambos deciden escapar del rey y se esconden en la cima de la torre más alta del palacio, donde salvan a un pajarito inprudente que ha quedado atrapado en una de las trampas del tirano. El pájaro rebelde, agradecido por este acto heróico hacia una de sus crías, promete ayudarlos en su huída.
== Sinopsis ==
El reino de Taquicardia está sometido al poder tiránico del rey "Carlos V + III = VIII + VIII = XVI". Paradójicamente, un pequeño pajarito que ha tiene instalado su nido en una de las torres del palacio es el único ser de todo el reino que le hace frente. El monarca vive enamorado de una joven pastora que sale de un cuadro de palacio cada noche para encontrarse con un deshollinador de un cuadro de al lado. El rey, que no aguanta esta situación y desea contraer matrimonio con la chica, no hace más que poner trabas a su amor y, para colmo, ha enjaulado al pequeño pájaro parlanchín que le hace la vida imposible.
Cuando la pareja decide escapar de las garras del tirano, salvan a un pajarito, que ha quedado aprisionado en un cepo preparado por el rey y sus secuaces. Éste, enormemente agradecido, decide echarles una mano y ser un fiel aliado en su huida.
== Descripción ==
El Rey y el ruiseñor, obra maestra de Paul Grimault, nos traslada en un reino. Esta película de animación, recién restaurada, narra las aventuras de una pastora y de un deshollinador que intentan, mediante el respaldo de un ruiseñor, desbaratar los esbirros del tirano. En efecto, el rey, que se enamora de la pastora, lo intenta todo para casarse con ella. Resulta una persecución sin descanso. Sin embargo, un robot consigue capturar a la pastora, al deshollinador y al ruiseñor. La pastora promete al rey que se casará con él si libera al ruiseñor y al deshollinador…Influida por el cuento de Andersen, La Pastora y el Deshollinador, esta fábula mezcla el amor con la política, lo divertido con lo profundo, con un grafismo por trama de fundo cuyas sobriedad y belleza erigen el cine de animación francés en un pedestal. ==

== Reparto==
• Jean Martin
• Pascal Mazzotti
• Renaud Marx
==Críticas==
• "Un resumen de los placeres de la película apenas haría justicia a esta recuperada delicia"
• "Soñadora, poética e imperdible"

== Fuente ==
*[[ https://losojosdehipatia.com.es/evento/cine-el-rey-y-el-ruisenor/]]
*[[ https://es.unifrance.org/pelicula/1442/el-rey-y-el-ruisenor]]
*[[ http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-29696/]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:El rey y el ruiseñor.jpg

2021-02-16T15:08:06Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

El Ilusionista (película)

2021-02-16T15:01:52Z

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{{Ficha Película
|nombre = El ilusionista (Película)
|nombre completo = El ilusionista
|título original = El ilusionista
|imagen = El_ilusionista-457906393-large.jpg
|duración = 80 min
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|estreno = 07 de octubre de 2011
|guión = Jacques Tati
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|género = animación
|director = Sylvain Chomet
|productora = Canal+, Ciné B, France 3 Cinéma, France Television Distribution, Pathé Cinéma, Ciné Cinéma, Django Film.
|fotografia = |productores_ejecutivos =
|música = Sylvain Chomet.
|montaje =
|interpretación =
|pais = Reino Unido, Francia, 2010
}}
<div align="justify">
''' El ilusionista '''. [[Película]] del año [[2010]] de producción francesa... Cuenta la historia de un viejo mago que trata de no defraudar a una niña convencida de que sus trucos de magia son reales. Segunda película del director de "Bienvenidos a Belleville", basada en un guión de Jacques Tati que nunca fue producido.
== Sinopsis ==
A finales de los 50, un viejo ilusionista deambula por oscuros locales, teatros pequeños con pocos espectadores como claro exponente del fin de una era de entretenimiento y el comienzo de otra: el rock and roll, la televisión y otro tipo de magia, más artificial. En su sensación de decadencia y abatimiento personal, en uno de sus viajes, en Edimburgo, conoce a Alice, una muchacha que es gran admiradora de sus números y con la que establece una relación estrecha de mutua comprensión, de cariño.
== Descripción ==
Segundo largometraje, en animación, de Sylvain Chomet tras su aclamado debut, por la crítica, en la gran pantalla, Bienvenidos a Belleville, y nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación en 2011. El ilusionista (L illusionniste) es una película de animación, destinada tanto al público infantil como al adulto, sobre la decadencia y el olvido del mundo del espectáculo tradicional (en este caso de la magia) ante la llegada de la modernidad (la televisión, los grupos de rock, etc) representado en la figura del veterano ilusionista que siente que su gremio está a punto de desaparecer, ante la falta de interés progresivo del público..sumergiéndole en la más absoluta desesperación hasta la irrupción en su vida de la joven Alice, con la que mantendrá una relación más cercana a padre-hija, su mejor fan y la que le insuflará nuevas energías para continuar y no tener que abandonar el oficio.
Jean-Claude Donda es un actor francés, bastante conocido en el mundo del doblaje, que presta su voz al veterano ilusionista y la joven Eilidh Rankin que debuta en el mundo del celuloide con El ilusionista (L illusionniste), largometraje que nos enseña que, aunque el mundo esté cambiando, siempre hay lugar para la fantasía y el espíritu infantil en el mundo de los adultos.
== Premios ==
• 2010: Oscar: Nominada a la Mejor película de animación
• 2010: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
• 2010: Premios Cesar: Mejor película de animación
• 2010: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación
• 2010: Globos de Oro: Nominado al Mejor largometraje de animación
• 2010: Satellite Awards: Nominada al Mejor largometraje animado
• 2010: NBR - National Board of Review: Mención especial (Sylvain Chomet, Jacques Tati)
• 2010: Premios Annie: 5 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión
• 2010: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor largometraje de animación
• 2010: Nominada a Critics' Choice Awards: Mejor largometraje de animación
• 2010: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor film de animación
• 2010: Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor película de animación
• 2010: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso

== Reparto==
• David Caruso, Stephen Gevedon, Paul Guilfoyle, Josh Lucas, Peter Mullan, Brendan Sexton III, Charley Broderick, Lonnie Farmer, Larry Fessenden, Jurian Hughes, Sheila Stasack, Sean Daly.

==Críticas==
* "Jacques Tati resucita de la mano de Sylvain Chomet en una joya contemporánea del cine animado que reivindica una manera antigua de hacer comedia"
Imposible concebir mejor homenajeador que Sylvain Chomet. El maestro Jacques Tati, autor del guión en que se basa la película, habría estampado su firma sin dudarlo a pie de esta nueva perla de la animación francesa, obra del autor de Bienvenidos a Belleville, cine de referencia y culto para los sibaritas de la animación adulta. El ilusionista rescata las esencias del irresistible minimalismo costumbrista del cine del autor de Mi tío resucitando a Tati en el pellejo de un mago de vieja escuela, de los de conejos en la chistera, que asiste impotente a una nueva era en la que hombres-espectáculo como él son una reliquia del pasado.
Chomet rinde su particular y genial tributo a los artistas de variedades, derramando una sutil lágrima por su ocaso, por su deprimente extinción, y lo hace arrastrándote entre la sonrisa y el llanto, en una comedia triste, melancólica, poblada por artistas decadentes que lloran el olvido y ostracismo como fósiles de un tiempo ya finiquitado.
Sobran las palabras, Chomet no las necesita; su película es puro cine porque despliega un cautivador catálogo de estados de ánimo fiel al principio aquel de que una imagen vale más que mil palabras. El ilusionista es cine semi-mudo, de apabullante carga emotiva que narra los pormenores de una hermosa amistad silenciosa entre una joven criada escocesa necesitada de padre y de cariño y un viejo ilusionista torpe y parco en palabras cuya única felicidad consiste en atender a los caprichos de su nueva compañera de viaje.
A caballo entre París y Edimburgo, con un dibujo hermoso, que resalta los tonos ocres y lluviosos de un paisaje sentimental con un abrumador poder de sugerencia, El ilusionista cita colateralmente al Chaplin de Candilejas con un relato minúsculo y a la vez lleno de vida que Tati nunca filmó por considerarlo demasiado suyo, demasiado personal. Tal es la carga melancólica del delicioso cuento; un absoluto regalo para cinéfilos con memoria y para amantes de la animación sofisticada y perdurable.
• "Obra maestra, que ha llevado a algunos críticos a invocar los pertinentes nombres de John Ford y Hayao Miyazaki
• "Emocionalmente desgarradora y genialmente anticuada tanto en lo estético como en lo temático
• "En homenaje a Jacques Tati, el animador Sylvain Chomet ha creado una exquisita y suave comedia, y un film elegíaco.
• "Hay una combinación de dos artes que desaparecen que le agrega peso y densidad a la película de Chomet. Por un lado, la magia clásica y el antiguo vaudeville.

== Fuente ==
*[[ https://www.guiadelocio.com/cine/archivo-peliculas/el-ilusionista-l-illusionniste]]
*[[https://www.filmaffinity.com/es/film791849.html]]
*[[http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-120782/]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-02-16T14:19:37Z

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== Fuente: ==

Causa Común (película)

2021-01-13T14:43:19Z

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}}
<div align="justify">
'''Causa Común'''. [[Documental]] del año [[2020]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]]. Activistas de todo el mundo luchan contra la injusticia y por el cambio social. Este documental narra su participación en el vídeo musical ‘Solidarité’
== Sinopsis ==
En múltiples rincones del planeta, hombres y mujeres que han sufrido violencia han decidido crear movimientos que aspiran a cambiar el mundo. Stéphane de Freitas, la directora de este largometraje, ha decidido ir al encuentro de algunos de estos activistas que apuestan por el arte, la cultura y la solidaridad con el objetivo de luchar contra la injusticia. De esta forma, este filme sigue la participación de estos artistas en el vídeo musical "Solidarité".

== Reparto==
• Documental
==Críticas==
* ¨Es importante como cualquier otro documental que habla de cambio social, pero este está muy bien hecho¨
* "Empieza con la música de Chedid y concluye con un tono optimista de unidad y curación que ayudará a muchas almas atormentadas, especialmente este año 2020 tan complicado."
* "Aunque no se sitúa por encima de los excelentes documentales que han salido este año, tiene un mensaje interesante que hace que merezca la pena."
== Por qué ver el documental ==
El documental causa común dirigido por Esthefane de Freitas tiene por hilo conductor la filmación del video musical para ¨Solidarite¨ canción de la agrupación franco maliense Lamomali interpretada en colaboración con artistas como Fatoumata Daiwara, Santigold, y Hiba Tawaji. Independientemente de si la canción llega o no a convertirse en un himno al estilo de ¨We are de World¨ el documental por lo menos logra transmitir un inspirador mensaje: que el arte, impulsado por la solidaridad puede ser un verdadero factor de cambio en nuestra sociedad.
== Fuente ==
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film628503.html]]
*[[ http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-268231/]]
*[[https://www.filmelier.com/es/mx/film/10386/causa-comun]]
[[Categoría:Películas]]

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2021-01-13T14:01:38Z

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== Fuente: ==

La Tierra y la sangre

2021-01-12T16:40:48Z

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|duración = 80 min
|clasificación =
|estreno = 2020
|guión = Jérémie Guez, Julien Leclercq, Matthieu Serveau, Jérémie Guez
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|género = Thriller | Mafia. Crimen
|director = Julien Leclercq
|productora = Labyrinthe Films, Umedia (Distribuidora: Netflix)
|fotografia = |productores_ejecutivos = Brecht Goyvaerts
|música = Jean-Jacques Hertz, François Roy
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|distribuidora =
|interpretación =
|pais = Francia
}}
<div align="justify">
''' La Tierra y la sangre '''. [[Película]] del año [[2021]] de producción [[Francesa]]/ [[Francia|Francesa]] Para Saïd (Sami Bouajila), su hija Sarah (Sofia Lesaffre) de 18 años y su aserradero en las Ardenas son su vida. Tras varios años dirigiendo su negocio, contratando a expresidiarios y jóvenes en reintegración, todo cambia cuando uno de ellos utiliza el aserradero para esconder un coche lleno de drogas. Saïd y Sarah recibirán la visita del cártel al que pertenece y harán todo lo posible por proteger lo que se ha convertido en su vida. Además, cuentan con una ventaja: conocen a la perfección cada rincón del aserradero.
== Sinopsis ==
Tras años dirigiendo un próspero aserradero en medio de los bosques de las Ardenas, contratando a ex presidiarios y jóvenes delincuentes, Said recibe la visita inesperada de los miembros de un cártel de drogas que le exigen que guarde dentro de su fábrica una gran cantidad de cocaína.
== Reparto==
• Sami Bouajila, Carole Weyers, Eriq Ebouaney, Sofia Lesaffre, Samy Seghir, Eric Kabongo, Redouanne Harjane, Oumar Diolo, Anis Benbatoul, Blaise Afonso, Mario Stasseyns, Gaëtan Lejeune, Lionël Ruzindana, Eric De Staerke, Edson Anibal, Luc Van Grunderbeeck, Thomas Durcudoy, Frank Onina, Christelle Delbrouck, Thibaut Neve

== Criticas==
• "Es acción pura y dura, pero para mi gusto no tiene suficiente pólvora pese a sus atronadores tiroteos. Parece una versión reducida de una película más larga y compleja.
• "Jugando con un suspense constante y un ritmo que se acelera violentamente y manteniendo la tensión de principio a fin, recicla los códigos del western con un ritmo casi de hard-rock"
• "Luce descuidos que le restan credibilidad. Sin embargo, (...) resulta un vehículo de entretenimiento envolvente y de aceptable manufactura, que, sin ser precisamente novedoso, cumple lo que ofrece."
• "No ofrece nada que no hayamos visto ya antes, pero lo hace bien y se las ingenia para cubrir todos los apartados importantes de la lista de imprescindibles del género
• "Las películas de serie B pueden ser excelentes. Me encantan. Pero esta es de serie C."
La cinta de Julien Leclercq, protagonizada por Sami Bouajila y estrenada en Netflix, transpone con fuerza los códigos del western a una historia sobre pandillas de los suburbios y un héroe solitario. Un revólver, un ojo, una lluvia torrencial que inunda el mundo exterior, un hombre con las manos tensas sobre el volante y sus tres acólitos preparan los fusiles ametralladores y pasamontañas antes de asaltar un puesto de gendarmería para robar 8 kilos de cocaína. Bienvenido a la incisiva La tierra y la sangre [+], de Julien Leclercq, una película franco-belga producida por Netflix que se estrenará en la plataforma el 17 de abril, Con un ritmo enérgico, el guión escrito por el director (que se siente cómodo en el cine de acción, como ya demostró en L’Assaut [+] y Braqueurs [+]) y Jérémie Guez con la colaboración de Matthieu Serveau, sigue a Medhi (Redouanne Harjane), uno de los dos supervivientes del robo, que intenta guardarse la droga para su beneficio en lugar de entregársela a su socio, el temible Adama (Ériq Ebouaney), jefe de una banda del barrio. Para ello, confía el coche donde esconde el botín a su hermanastro, Yanis (Samy Seghir), un joven que intenta reinsertarse en la sociedad, después de una época oscura, mientras trabaja en un bosque en el aserradero dirigido por Saïd (Sami Bouajila), que vive en el lugar con Sarah (Sofia Lesaffre), su hija sordomuda, y que se prepara para vender el negocio familiar debido a sus graves problemas de salud, que mantiene en secreto. Pero la banda de Adama encuentra rápido la pista de “su” droga y el grupo aparece armado para recuperarla…
Los rufianes, de Robert Enrico (1965), ya mezcló los universos viriles de leñadores y delincuentes pero sigue siendo una buena idea cinematográfica que Julien Leclercq ha sabido aprovechar en términos de realismo, de fotografía (con Brecht Goyvaerts en la dirección de fotografía, que también participó en la serie Zone Blanche) y de las múltiples posibilidades que ofrece el decorado para crear una trama explosiva (“escondite” donde la vida está en juego, persecuciones en sotobosque, tiroteos, incendios, sirenas, equipamiento diverso —y cortante— del aserradero, etc.).
La tierra y la sangre juega con un suspenso permanente y un ritmo violento, y recorre la distancia a alta presión, para reciclar los códigos del western sobre un tempo acelerado en torno a figuras icónicas y al duelo que enfrenta al “bueno” y al “malo”, encarnados por Bouajila (excelente como siempre) y el hierático Ebouaney. La película teje a gran velocidad un relato que se apoya en la importancia de los vínculos biológicos (padre e hija, hermanastro y hermano; “¡Es la familia! Son lazos de sangre”) y en los reflejos de venganza (“ojo por ojo”) y supervivencia, sin tener en cuenta la psicología (“no habléis con palabras de expertos”); y apuesta al cien por cien por adrenalina en tiempo real (“¡Es ahora, se juega allí!”), en la urgencia y en la prórroga. Una concentración plena sobre lo esencial (reaccionar o morir) cuyo director domina a la perfección y que ha encontrado en Netflix un socio y un trampolín para llegar a un público muy amplio.
La tierra y la sangre ha sido producida por Julien Madon (Producer on the Move 2016 de l’European Film Promotion) y Julien Leclercq para Labyrinthe Films, y coproducida por los belgas de Umedia, con el apoyo de Wallimage.
== Descripción ==
Dura solo ochenta minutos y todo empieza fuerte desde el principio, con una pandilla robando drogas de una estación de policía. Uno de los miembros de la banda fuerza a su hermanastro Yanis (Samy Seghir) a esconder la droga en el aserradero donde trabaja, pero el jefe criminal, Adama (Eriq Ebouaney), no está contento con ello y se dirige enseguida a la fábrica con su equipo para recuperarla.
Cuando el dueño, Saïd (Sami Bouajila) se da cuenta de lo que ha hecho Yanis, le encarga proteger a su hija Sarah (Sofia Lesaffre), convirtiendo el aserradero en un campo de batalla que usarán para protegerse de los criminales que vienen. ¿Podrá Saïd permanecer con vida el tiempo suficiente para que llegue alguna ayuda?
Aunque la verdadera película empieza cuando la banda llega al aserradero, esta introducción de 30 minutos hace que la segunda parte sea más emocionante. El asalto es superlativo, con Saïd utilizando cada rincón del aserradero contra los criminales. Es algo brutal, sin descanso y lleno de tensión. La acción intercala a Saïd resistiendo mientras Sarah trata de escapar con Yanis.
Pero lo importante aquí es que a continuación vamos a discutir un aspecto clave del final. Si no la has visto ya, aquí vienen algunos spoilers de 'La tierra y la sangre'.
'La tierra y la sangre' no es una película compleja. Sabes lo que va a pasar desde el momento en que Adama ataca el aserradero. Sin embargo, Saïd se las arregla para matar a los bandidos de maneras muy creativas hasta quedarse solo contra el jefe. Adama parece herir mortalmente a Saïd y se dirige a matar a Sarah, en represalia por la muerte de su hermano Moussa.
Pero cuando Adama está a punto de romperle el cuello a Sarah (en cámara lenta), aparece Saïd para matar a Adama con un hacha. Un helicóptero de la policía llega mientras Sarah abraza a su padre pero ¿sigue vivo? No llegamos a saber si Saïd sobrevive, ya que aparecen los créditos antes incluso de que aterrice el helicóptero.
Siendo sinceros, nos parece que muere. Tanto por el disparo de Adama como porque sabemos que tiene cáncer terminal. Así que parece una mala combinación para que sobreviva a sus enorme heridas. Lo sentimos. De todas formas, si queremos creer en un final feliz, no hay nada que nos diga que Saïd no se las arregla para sobrevivir.
== Fuente ==
*[[ http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-272970/]]
*[[ https://cineuropa.org/es/newsdetail/387691/]]
*[[ https://www.filmaffinity.com/es/film848614.html]]
*[[ https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a32196539/la-tierra-y-la-sangre-netflix-final-explicado/]]
[[Categoría:Películas]]

Archivo:La tierra y la sangre.jpg

2021-01-12T16:38:32Z

Anyelirodriguez ssp.jc: