EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Andrea Kushi

2024-03-27T17:59:30Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Andrea Kushi |imagen = Andrea_Kushi.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1884 |lugar de nacimiento =…»

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|nombre completo = Andrea Kushi
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|lugar de nacimiento = Shkoder, Imperio Otomano
|fecha de fallecimiento = [[1959]]
|lugar de fallecimiento = Tirana, Albania
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|ciudadania = albanesa
|educación = Educación Belgrado
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}}
'''Andrea Kushi''', fue un pintor albanés y uno de los representantes más importantes de la generación anterior de pintores albaneses.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[1885]] en Shkodër, donde pasó su infancia y recibió sus primeros impulsos artísticos a través de las pinturas del famoso pintor albanés Kolë Idromeno. Estudió Bellas Artes entre [[1912]] y [[1914]] en [[Belgrado]], cuando se vio obligado a interrumpir las clases debido al estallido de la [[Primera Guerra Mundial]], después regresó a Belgrado, donde completó con éxito sus estudios en [[1920]].

Se dedicó a la educación de jóvenes pintores.

Regresó a Albania y se convirtió en profesor de Bellas Artes en el Gimnasio de Elbasan, y luego se mudó a Tirana en [[1931]] y fundó la primera escuela de dibujo del país, que unos meses más tarde, en [[1932]], se convirtió en la escuela oficial de Bellas Artes.

Fue uno de los organizadores de la primera exposición nacional de arte en Albania, que tuvo lugar en mayo de [[1931]] en el Café Kursal de Tirana, este éxito de esta exposición lo llevó a él y a otros pintores a la creación de la Sociedad de Amigos de las Artes (Shoqnia Miqt’ e Artit), que tenía como objetivo principal la fundación de una galería nacional.

Entre [[1937]] y [[1943]] vivió en Korçë donde estuvo en contacto con otros pintores conocidos como [[Vangjush Mio]] y [[Foto Stamo]].

==Obras==
* Portret vajze (Retrato de una niña)
* Bariu me shkop (Pastor con bastón).

Las pinturas de Kushi se pueden admirar en la Galería Nacional de Artes Figurativas de Albania en Tirana y en las galerías de Elbasan y Shkodër.

==Falecimiento==
Regresó a Elbasan en [[1944]] y más tarde, en [[1947]], a Tirana, donde permaneció hasta su muerte en [[1959]].

== Fuentes ==
* http://www.albanianart.net/painting/kushi/
* https://www.facebook.com/media/set/?set=a.624313274342568&type=3
* https://www.pinterest.com/pin/albanian-old-photos-by-selezky--632263235178544169/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Andrea Kushi.jpg

2024-03-27T17:59:12Z

Arianjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Abidin Dino

2024-03-27T17:47:12Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Abidin Dino |imagen = Abidin_Dino.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 23 de marzo de 1913 |lugar d…»

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|nombre completo = Abidin Dino
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|fecha de nacimiento = [[23 de marzo]] de [[1913]]
|lugar de nacimiento = Estambuel, Imperio Otomano (Turquia Moderna)
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|lugar de fallecimiento = Francia, Paris
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|nacionalidad = turco-albanesa
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|cónyuge = Güzin Dino
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|padres = Rasih Dino
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}}
'''Abidin Dino''', fue un artista turco y un conocido pintor.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[23 de marzo]] de [[1913]] en Estambul en el seno de una familia amante del arte. Era nieto de Abedin Dino, un diplomático albanés otomano de la región de Preveza, Chameria e hijo de Rasih Dino. Sus hermanos eran Ali Dino, famoso caricaturista y miembro del Parlamento helénico, Leyla Dino Ileri y Ahmet Dino.

Comenzó a dibujar y pintar desde muy joven influenciado por su familia. De niño vivió en [[Ginebra]], [[Suiza]] y [[Francia]] durante varios años con sus padres, regresando a Estambul en [[1925]]. Comenzó su educación secundaria en la escuela secundaria estadounidense Robert College de Estambul, pero la abandonó para dedicarse a la pintura, el dibujo y la escritura.

Sus artículos y caricaturas fueron publicados en periódicos y revistas, y en [[1933]], él y otros cinco jóvenes pintores innovadores fundaron el "Grupo D", que organizó varias exposiciones de su trabajo, al mismo tiempo, ilustró los libros de poesía de Nazim Hikmet.

En [[1933]], el director soviético [[Sergei Yutkevich]], que había hecho una película sobre Ankara, invitó a Dino a los estudios Lenfil en Leningrado y, con el apoyo de Atatürk, en Leningrado, trabajó como escenógrafo y asistente de dirección en varios estudios cinematográficos y dirigió una película llamada "Mineros" en Moscú, Kiev y Odesa. Poco después de regresar a Turquía, viajó a París, Francia, donde trabajó de [[1937]] a [[1939]], conociendo a artistas tan famosos como [[Gertrude Stein]], [[Tristan Tzara]] y Picasso.

Regresó a Estambul, participó en la famosa "Exposición del Puerto", compuesta por pinturas de los estibadores y pescadores de la ciudad realizadas por conocidos pintores turcos de la época, publicó artículos y caricaturas en varias de las revistas más importantes de la época, estudiando un nuevo enfoque del realismo junto con su hermano mayor, el poeta Arif Dino.

Durante la [[Segunda Guerra Mundial]], hizo dibujos inspirados en el conflicto, pero su tratamiento de los temas políticos en tiempos de guerra provocó el disgusto oficial, y en [[1941]] el comando de la ley marcial de Estambul lo exilió a él y a su hermano mayor al sureste de Anatolia, donde su abuelo había sido un gobernador antes.

Estuvo exiliado hasta [[1945]] fueron artísticamente muy productivos para el artista. Mientras su joven esposa, Güzin Dino, enseñaba francés en la escuela secundaria de Adana, él trabajaba para un periódico local, TurkSozu, produciendo artículos y dibujos que ilustraban con realismo poético las duras vidas y condiciones laborales de los trabajadores agrícolas de la región.

Fue aquí donde escribió sus obras "Calvos" y "Herederos" y comenzó a hacer escultura. En [[1951]] se le permitió salir de [[Turquía]]. Entonces, fue primero a [[Roma]], [[Italia]], donde permaneció nueve meses, pero luego se instaló en París en [[1952]].

==Fallecimiento==
Murió el [[7 de diciembre]] de [[1993]] en el hospital Villejuif de [[París]]. Fue enterrado en el cementerio Aşiyan de [[Estambul]].

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/abidin-dino
* https://fahrenheitmagazine.com/arte/visuales/abidin-dino-diversidad-y-versatilidad

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Abidin Dino.jpg

2024-03-27T17:46:50Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Jeff Wall.jpg

2024-02-27T16:40:08Z

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Archivo:Janet Cardiff.jpg

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== Fuente: ==

Archivo:Jing Hao.jpg

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Archivo:Xiang Shengmo.jpg

2024-01-06T19:01:02Z

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== Fuente: ==

Wang Yuanqi

2023-12-13T19:59:24Z

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|nombre completo = Wang Yuanqi
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}}
'''Wang Yuanqi''', fue un pintor chino de la [[dinastía Qing]].

==Síntesis biográfica==
Wang nació en Taicang en la provincia de Jiangsu y fue instruido en pintura por su abuelo Wang Shimin. Su nombre de estilo era 'Mao-ching' y su apodo era 'Lu-t'ai'.

Es miembro de los Seis Maestros de principios del período Qing, también conocidos como los 'Cuatro Wangs, un Wu y un Yun'. También se les considera a menudo como las figuras principales de la "Escuela Ortodoxa" de pintura de paisajes china.

Tenía dos años cuando se fundó la Nueva [[Dinastía Qing]] en [[1644]]. Saltó a la fama como funcionario de la corte y finalmente fue nombrado curador de la colección imperial durante el reinado del emperador Kangxi. Siguió siendo funcionario de la corte durante toda su larga carrera y murió a los 73 años en [[1715]].

Sus paisajes siguieron el modelo de los artistas de la [[dinastía Yuan]] que rompieron con la tradición Song del Norte de representar paisajes "lo suficientemente reales como para recorrerlos" hacia abstracciones más personales. Su estilo y técnica demuestran influencias, por ejemplo, del artista Huang Gongwang, especialmente en el uso de pinceladas secas y aguadas de tinta y su uso del color, haciendo a menudo "los patrones de color un componente de su densa estructura compositiva, complementando la fuerza de diseño abstracto con el flujo rítmico del color". Pergamino hecho a mano del [[siglo XIX]], The Wang River Villa, también pintado en [[1711]], en el Museo Metropolitano de Arte de [[Nueva York]].

== Fuentes ==
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/62743
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/49187
* https://artsandculture.google.com/entity/wang-yuanqi/m0466lsv

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Wang Yuanqui.jpg

2023-12-13T19:56:36Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Wang wei.jpg

2023-12-13T19:06:25Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Wang Wei

2023-12-13T19:06:20Z

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|padres = Lady Cui, Wang Chulian
|familiares = Abuelo: Wang Zhou, Bisabuelo: Wang Zhijie, Hermanos: Wang Jin
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'''Wang Wei''', fue un poeta chino clásico. Conocido a veces como "El Buda poeta", oriundo de la provincia de Shanxi, fue un famoso poeta, músico, pintor y estadista de la Dinastía Tang.

==Síntesis biográfica==
Nacido en una familia aristocrática, de etnia Han, originalmente de Qixian (actual Qi en la provincia de Shanxi), el padre se mudó al este del río Amarillo a Puzhou, parte de la histórica Hedong (hoy Yongji, Shanxi). Conocido por su precocidad juvenil, el mayor de cinco hermanos, se dirigió a la capital imperial a la edad de diecinueve años, para estudiar y hacer el examen de ingreso al servicio civil de jinshi. En el período que residía en Chang'an, antes de hacer el examen, el dominio de Wang en la poesía y su competencia musical con el pipa lo ayudaron a alcanzar popularidad en la corte real.

Pasó el examen de jinshi, en [[721]], con el premio de primera clase (Zhuangyuan), y comenzó su carrera de servicio civil. La carrera de Wang Wei como oficial tuvo sus altibajos. Su primer nombramiento fue como músico de la corte, o "Subdirector de Música"; sin embargo, fue degradado a una posición de estar a cargo de un granero en la antigua provincia de Jizhou. La razón de esta degradación, según la tradición, fue la violación de la etiqueta de Wang al realizar una danza del león. En cualquier caso, esto fue solo un pequeño revés para su carrera, y tenía una compensación porque le permitía viajar. Luego, una serie de promociones después de esta degradación fueron aparentemente atribuibles a una relación cercana con el prominente ministro de gobierno, poeta y estudioso de literatura [[Zhang Jiuling]], al menos hasta la degradación en [[727]] de Zhang a un puesto en Jingzhou.

En [[728]], estaba de vuelta en Chang'an, donde entretuvo al poeta Meng Haoran,7 que se convertiría en un amigo cercano y colega poético. En este punto, Wang parece haber alcanzado el rango de Censor Asistente, y luego una posterior promoción gubernamental, pero luego fue degradado nuevamente a Censor Asistente, con la pérdida del favor imperial de Zhang Jiuling y la creciente ascendencia política de Li Linfu. Después de la muerte de su esposa en 731,9 nunca se volvió a casar. Fue en su papel de funcionario gubernamental como Wang Wei fue enviado a Liangzhou, que era entonces la frontera noroeste del imperio chino, y escenario de constantes conflictos militares. Por invitación del comandante local, Wang sirvió en este lugar hasta regresar a Chang'an en 738 o principios de 739.
Wang eligió el nombre de cortesía Mojie, y firmaría sus obras Wang Weimojie porque Wei-mo-jie era una referencia a Vimalakirti, la figura central del sutra budista con ese nombre. En este libro sagrado del budismo, que está redactado parcialmente en la forma de un debate con Mañjuśrī (el Bodhisattva de la Sabiduría), un laico, Vimalakīrti, expone la doctrina de Śūnyatā, o vacío, a una asamblea que incluye arhats y bodhisattvas, y luego culmina con la enseñanza sin palabras del silencio.

Conocido como poeta y pintor de la naturaleza. De sus poemas, unos cuatrocientos sobreviven: estos fueron coleccionados primero y originalmente editados en un corpus por su hermano menor, Wang Jin, por orden imperial. De sus pinturas, no existen especímenes autentificados, aunque hay evidencia de su trabajo a través de influencias en pinturas posteriores y descripciones de sus pinturas. Sus talentos musicales fueron muy apreciados, aunque nada sobrevive de su música, excepto los informes. Además, tuvo una exitosa carrera como funcionario judicial. Finalmente, se convirtió en budista Zen devoto y vegetariano, pasó diez años estudiando con el maestro [[Chán Daoguang]].

== Fuentes ==
* https://poets.org/poet/wang-wei
* https://www.poetryfoundation.org/poets/wei-wang
* https://repositorio.uam.es/bitstream/handle/10486/6447/38681_5.pdf?sequence=1
* https://www.britannica.com/biography/Wang-Wei

[[Categoría: Monje]] [[Categoría: Pintores]]

María Zabala

2023-11-02T19:58:03Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = María Zabala |imagen = Maria_Zabala.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 2 de marzo de 1945 |lugar…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = María Zabala
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}}
'''María Zabala''', fue una pintora y grabadora venezolana. Investigadora de las artes que centró sus estudios en la luz como elemento plástico y en la utilización de gráficos computarizados.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[2 de marzo]] de [[1945]] en Maracaibo, en [[1967]] estudió artes gráficas en la Escuela Técnica de Artes Visuales de Caracas Cristóbal Rojas y se formó en técnicas gráficas en el Centro Gráfico del Inciba. Posteriormente viaja a Nueva York y estudia en el Pratt Graphic Center entre el año 1978 y 1979. Además cursó estudios en la Universidad de Nueva York hasta el año 1980.

En [[1967]] estudió artes gráficas en la Escuela Técnica de Artes Visuales de Caracas Cristóbal Rojas y se formó en técnicas gráficas en el Centro Gráfico del Inciba. Posteriormente viaja a [[Nueva York]] y estudia en el Pratt Graphic Center entre el año [[1978]] y [[1979]]. Además cursó estudios en la Universidad de Nueva York hasta el año [[1980]].

fue una pintora y grabadora venezolana. Investigadora de las artes que centró sus estudios en la luz como elemento plástico y en la utilización de gráficos computarizados. Fue galardonada en las primeras dos ediciones del Salón Ernesto Avellán de la Sala Mendoza, en 1973 y 1974, con el primer premio en ambas ocasiones.

A finales de la década de los sesenta realizó obras constructivistas basadas en proposiciones ópticas. A partir de 1971 comienza a investigar la luz realizando estructuras donde aparece lo lineal y la luz pasa a ser elemento esencial. Este año realiza estructuras con proposiciones cinéticas. En 1972 aborda la indagación cibernética basada en las computadoras del Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (IVIC) y realiza un trabajo ambiental utilizando como elemento la luz de neón. Para esta época incursiona en los gráficos por computadora con la colaboración del Centro de Procesamiento de Datos de la Facultad de Ingeniería de la UCV.

En [[1973]] participa en la XII Bienal de São Paulo con la obra ambiental Piel a piel. Para 1975 incursiona dentro del campo de la pintura, en relación con el trabajo desarrollado con el computador. Al año siguiente continúa trabajando dentro de lo pictórico y lo relaciona con la fotografía. Comienza a realizar una serie de dibujos y gráfica con proposiciones figurativas. Para 1981 expone en la “Primera muestra de fotografía contemporánea de Venezuela” (Museo de Bellas Artes de Caracas).

Se destacó en obras de serigrafía en las que buscaba crear efectos en la retina. También hizo énfasis en la estructura primaria para estimular la participación del espectador en la manipulación de elementos desplazables que forman parte de la obra.

==Exposiciones==
* 1972 Galería Arte Grabado, Caracas
* 1981 “Opus 64”, Sala Mendoza / Galería Venezuela, Nueva York
* 1982 Galería G, Caracas

==Premios==
* [[1973]] Primer premio, I Salón Ernesto Avellán, Sala Mendoza
* [[1974]] Primer premio, II Salón Ernesto Avellán, Sala Mendoza

== Fuentes ==
* https://www.enlighted.education/ponentes/maria-zabala/
* https://blogthinkbig.com/maria-zabala-mejor-conectados
*

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Maria Zabala.jpg

2023-11-02T19:57:51Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Pascual Navarro.jpg

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2023-10-21T15:12:48Z

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Archivo:János Vaszary.jpg

2023-10-21T14:56:33Z

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== Fuente: ==

Pío Collivadino

2023-05-10T19:41:26Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Pío Collivadino |imagen =Pio_Collivadino.jpg |tamaño = |descripción = Pintor argentino |fecha de nacimiento = 20 de ago…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Pío Collivadino
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|tamaño =
|descripción = Pintor argentino
|fecha de nacimiento = [[20 de agosto]] de [[1869]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[26 de agosto]] de [[1945]]
|lugar de fallecimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Argentina
|ciudadania =
|educación = Accademia di San Luca, la Academia Nacional de Bellas Artes
|alma máter =
|ocupación = Pintor, grabador y escenógrafo argentino
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|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
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|obras =
|premios = Medalla de Plata de la Exposición Internacional de Bruselas, [[1958]].
|titulos =
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}}
'''Pío Collivadino''', fue un pintor grabador y escenógrafo argentino. Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

==Síntesis biográfica y artística==
Nació en el barrio de Barracas de la ciudad de Buenos Aires en [[1869]] donde estudió dibujo en la sociedad cultural ítalo-argentina de la Societá Nazionale de Buenos Aires.

En [[1889]] viajó a Roma donde en [[1891]], fue aceptado en la Accademia di San Luca, la Academia Nacional de Bellas Artes, egresando de dicha institución siete años después. Allí fue entrenado por [[Cesare Mariani]] y colaboró en los frescos decorativos de la Corte Constitucional de [[Italia]].

No fue hasta [[1896]] que regresó a Argentina y se hizo conocido por sus litografías románticas. Asistió a tres exposiciones internacionales en [[Venecia]], de [[1903]] a [[1907]], donde su cuadro La hora del almuerzo en [[1903]] ganó una medalla de oro.

Participó en la Exposición Universal de San Luis en [[1904]], en [[Estados Unidos]], donde obtuvo una medalla de oro y una de plata.

Honrado con la Orden de la Corona de Italia en [[1905]], Collivadino se convirtió en miembro honorario de la Academia de Brera, en Milán.

Fue nombrado Director de la Academia de Bellas Artes en [[1908]], y fue destacado en la Exposición Internacional del Centenario, en [[1910]].

Ayudó a organizar la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en [[1939]] y el Museo de Calcos y Escultura comparada en [[1941]]. Fue director de la Escuela Prilidiano Pueyrredón hasta [[1944]].

==Muerte==
Falleció en Buenos Aires, el [[26 de agosto]] de [[1945]], a los 75 años.

== Fuentes ==
* https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/collivadino.htm
* http://carpetashistoria.fahce.unlp.edu.ar/carpeta-1/arte/la-representacion-de-la-ciudad-de-buenos-aires-pio-collivadino
* https://artedelaargentina.com.ar/disciplinas/artista/pintura/pio-collivadino

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Grabador]] [[Categoría: Escenógrafo]]

Archivo:Pio Collivadino.jpg

2023-05-10T19:41:04Z

Arianjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Leónidas Gambartes.jpg

2023-05-10T19:17:13Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Herman Braun-Vega

2023-04-06T18:04:57Z

Arianjc:

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Herman Braun-Vega
|imagen = Herman_Braun_Vega.jpg
|tamaño =
|descripción = Pintor mexicano
|fecha de nacimiento = [[ 7 de julio]] de [[1933]]
|lugar de nacimiento = [[Lima]], [[Perú]]
|fecha de fallecimiento = [[2 de abril]] de [[2019]]
|lugar de fallecimiento = [[Paris]], [[Francia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Peruana
|ciudadania =
|educación = Escuela de Bellas Artes de Lima,
|alma máter =
|ocupación = Pintura, Artista
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Camille Mülder, Nicole Boussel, Lisbeth Schaudinn y Violette Wojcik.
|hijos = Eric
|padres = Francisco Braun Weisbrod y Armida Vega Noriega
|familiares = Fernando, Berti, Álex y Aurora
|obras =
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|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
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|notas =
}}
'''Herman Braun-Vega''', fue un pintor y artista peruano, su obra siempre ha sido figurativa, muy cercana a la abstracción, desarrolló el arte de la citación pictóricaadoptando un lenguaje pictórico claro y accesible a los no especialistas, aunque sus obras presenten a menudo varios niveles de lectura. Su pintura, enriquecida con referencias a la historia del arte, presenta a menudo personajes, paisajes, frutas y verduras de su Perú natal.

==Síntesis biográfica==
Su padre, Francisco Braun Weisbrod, era judío, nacido en [[1902]] bajo el Imperio austrohúngaro, en la ciudad de Stuhlweissenberg (Székesfehérvár), en la actualidad en territorio húngaro. Su madre, Armida Vega Noriega, había nacido en Iquitos, capital de la Amazonia peruana.

Nació en Lima. Su hermano mayor, Max (Fernando Vega), nació en febrero de [[1932]]. Después de Herman nacieron otros tres hermanos: Berti (arquitecto y urbanista), Álex (diseñador) y Aurora (pintora y dibujante). Su origen mestizo desempeñó un papel importante en su obra.

Su padre compraba reproducciones en [[París]] y las hacía enmarcar en [[Perú]].

En [[1950]], fue alumno de [[Carlos Quizpez Asín]] en la Escuela de Bellas Artes de Lima, en la que estudió durante un año y medio. A comienzos de [[1951]], su hermano Max, decidió viajar a París para ser pintor. A fines de ese año, Herman, con solo 18 años también se mudó a París para ser pintor. Presentado por su hermano al poeta [[Jean Sénac]], se sumergió en el ambiente artístico parisino de forma privilegiada como residente del Hôtel du Vieux-Colombier, dirigido entonces por [[Maria Manton]] y [[Louis Nallard]].

En París tuvo la primera oportunidad de ver obras originales de grandes maestros que hasta entonces sólo había conocido a través de reproducciones. A partir de entonces, continuó su formación como autodidacta, en contacto con otros artistas, y estudiando las obras de los grandes maestros de la pintura en los museos.

En octubre de [[1952]] nació su hijo Eric, fruto de un romance temporal con una joven francesa, Camille Mülder, modelo del fotógrafo Albert Monier, que frecuentaba Saint-Germain-des-Prés.

Herman tuvo que abandonar la pintura y dedicarse al diseño de interiores, trabajó para [[Jean Royère]], para quien se encargó de abrir una agencia de decoración en Perú.

En [[1955]], llevando consigo a su hijo, regresó a Lima, donde abrió una agencia junto al arquitecto [[Juan Gunther]].

En [[1965]], su hermano Fernando falleció en [[Ibiza]] de una sobredosis de heroína. En Lima, conoció a Nicole Boussel, una joven madre de dos niños rubios. La familia mixta que formó con su hijo, Nicole y sus dos hijos sería una fuente de inspiración recurrente entre los años [[1963]] a [[1966]].

Volvió a vivir en París, solamente con su hijo, en noviembre de [[1967]], donde conoció a Lisbeth Schaudinn, una joven funcionaria alemana de la UNESCO, la cual se convertiría en la mujer de su vida, al visitar con ella en [[1968]], el Museo Picasso de [[Barcelona]], descubrió la serie que el maestro había dedicado a las meninas de Velázquez, lo que marcó un punto de inflexión decisivo en su obra.

Lisbeth, su esposa y modelo, proporcionó a Herman el apoyo logístico que le permitió dedicarse por completo a su arte. Mientras vivía en París, no olvidó Perú e hizo muchos viajes de ida y vuelta a Lima.

La prensa peruana se interesó pronto por el éxito de este compatriota entre la crítica parisina. Expuso en París, Lima, Nueva York, Bruselas en los años 70, de exposición en exposición, desarrolló nuevas técnicas y nuevos temas que enriquecerían sus futuras obras.

Viajó mucho y sus viajes de vuelta a Perú fueron tan frecuentes que se hizo construir una casa. A partir de los años 80, su obra se asemeja a su vida, dividida entre la cultura europea y sus orígenes latinoamericanos.

==Muerte==
En [[2009]], su esposa Lisbeth falleció por enfermedad, tras este doloroso episodio, acabó encontrando una compañera mucho más joven, Violette Wojcik, una entusiasta admiradora, a la que se le diagnosticó leucemia sólo unos meses después de su encuentro.

En [[2014]], él mismo sufrió la enfermedad de Parkinson y completó con dolor sus últimos cuadros. Devastado por la pérdida de Violette en [[2016]], su salud no le permitió asistir al funeral,, se mostró decidido y dijo que tenía en mente su próximo cuadro, pero que no volvería a pintar hasta su muerte el [[2 de abril]] de [[2019]].

==Exposiciones==
* [[2000]]-2001: Museo Ralli, en la ciudad de Cesarea (Israel).
* [[2001]]: Ethnologisches Museum, Berlín, Instituto Ibero-Alemán.Galería Wam, de Caen. Espacio Julio González, de Arcueil.
* [[2002]]: Maison de l'Amerique Latine, París.Galería du Centre, París.Centro Cultural de la PUCP, en Lima.
* [[2003]]: Artparis, Carrusel del Louvre.
* [[2004]]: Galería Le Garage, en Orleans (Francia).
* [[2005]]: Galería Espace Croix-Baragnon, Toulouse, ST'ART, en Estrasburgo.Galeris IUFM-Confluences, en Lyon.Galería du Centre, en París.
* [[2006]]: Galería Dart, en Barcelona.Museo del Castillo de Museo del Castillo de los Duques de Wurtemberg, en Montbeliard.
* [[2012]]: Museo Tessé, Le Mans.
* [[2018]]: Sede de la Unesco, [[París]].

== Fuentes ==
* https://www.braun-vega.com/es/index.htm
* https://braunvega.com/index?/page/braun_vega_y_sus_maestros
* https://elpais.com/cultura/2019/04/06/actualidad/1554501927_560551.html

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Artista]]

Archivo:Herman Braun Vega.jpg

2023-04-06T18:02:52Z

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== Fuente: ==

Herman Braun-Vega

2023-04-06T18:02:47Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Herman Braun-Vega |imagen = Herman_Braun_Vega.jpg |tamaño = |descripción = Pintor mexicano |fecha de nacimiento = 7 de j…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Herman Braun-Vega
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|descripción = Pintor mexicano
|fecha de nacimiento = [[ 7 de julio]] de [[1933]]
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|notas =
}}
'''Herman Braun-Vega''', fue un pintor y artista peruano.

Aunque su obra siempre ha sido figurativa, fue al principio (antes de 1970) cercana a la abstracción. Su trayectoria dio un giro decisivo cuando se trasladó definitivamente a París en 1968. En contacto con las obras de los grandes maestros de la pintura, Braun-Vega desarrolló el arte de la citación pictórica. Decidió no limitar su pintura a una investigación estética, sino adoptar un lenguaje pictórico claro y accesible a los no especialistas, aunque sus obras presenten a menudo varios niveles de lectura. Su pintura, enriquecida con referencias a la historia del arte, presenta a menudo personajes, paisajes, frutas y verduras de su Perú natal. Afirma su origen mestizo a través de una obra sincrética, a menudo muy colorida y salpicada de mensajes políticos, sobre todo pegando o pintando recortes de prensa. Para algunos, su trabajo es indisociable de cierto compromiso. Braun-Vega, que se había marcado la línea de conducta de no pintar para no decir nada, se definía más bien como un testigo que quiere activar la memoria del espectador. Su producción artística se inscribe en las tendencias de la nueva figuración3 y la figuración narrativa

==Síntesis biográfica==
Su padre, Francisco Braun Weisbrod, era judío, nacido en [[1902]] bajo el Imperio austrohúngaro, en la ciudad de Stuhlweissenberg (Székesfehérvár), en la actualidad en territorio húngaro. Su madre, Armida Vega Noriega, había nacido en Iquitos, capital de la Amazonia peruana.

Nació en Lima. Su hermano mayor, Max (Fernando Vega), nació en febrero de [[1932]]. Después de Herman nacieron otros tres hermanos: Berti (arquitecto y urbanista), Álex (diseñador) y Aurora (pintora y dibujante). Su origen mestizo desempeñó un papel importante en su obra.

Su padre compraba reproducciones en [[París]] y las hacía enmarcar en [[Perú]].

En [[1950]], fue alumno de [[Carlos Quizpez Asín]] en la Escuela de Bellas Artes de Lima, en la que estudió durante un año y medio. A comienzos de [[1951]], su hermano Max, decidió viajar a París para ser pintor. A fines de ese año, Herman, con solo 18 años también se mudó a París para ser pintor. Presentado por su hermano al poeta [[Jean Sénac]], se sumergió en el ambiente artístico parisino de forma privilegiada como residente del Hôtel du Vieux-Colombier, dirigido entonces por [[Maria Manton]] y [[Louis Nallard]].

En París tuvo la primera oportunidad de ver obras originales de grandes maestros que hasta entonces sólo había conocido a través de reproducciones. A partir de entonces, continuó su formación como autodidacta, en contacto con otros artistas, y estudiando las obras de los grandes maestros de la pintura en los museos.

En octubre de [[1952]] nació su hijo Eric, fruto de un romance temporal con una joven francesa, Camille Mülder, modelo del fotógrafo Albert Monier, que frecuentaba Saint-Germain-des-Prés.

Herman tuvo que abandonar la pintura y dedicarse al diseño de interiores, trabajó para [[Jean Royère]], para quien se encargó de abrir una agencia de decoración en Perú.

En [[1955]], llevando consigo a su hijo, regresó a Lima, donde abrió una agencia junto al arquitecto [[Juan Gunther]].

En [[1965]], su hermano Fernando falleció en [[Ibiza]] de una sobredosis de heroína. En Lima, conoció a Nicole Boussel, una joven madre de dos niños rubios. La familia mixta que formó con su hijo, Nicole y sus dos hijos sería una fuente de inspiración recurrente entre los años [[1963]] a [[1966]].

Volvió a vivir en París, solamente con su hijo, en noviembre de [[1967]], donde conoció a Lisbeth Schaudinn, una joven funcionaria alemana de la UNESCO, la cual se convertiría en la mujer de su vida, al visitar con ella en [[1968]], el Museo Picasso de [[Barcelona]], descubrió la serie que el maestro había dedicado a las meninas de Velázquez, lo que marcó un punto de inflexión decisivo en su obra.

Lisbeth, su esposa y modelo, proporcionó a Herman el apoyo logístico que le permitió dedicarse por completo a su arte. Mientras vivía en París, no olvidó Perú e hizo muchos viajes de ida y vuelta a Lima.

La prensa peruana se interesó pronto por el éxito de este compatriota entre la crítica parisina. Expuso en París, Lima, Nueva York, Bruselas en los años 70, de exposición en exposición, desarrolló nuevas técnicas y nuevos temas que enriquecerían sus futuras obras.

Viajó mucho y sus viajes de vuelta a Perú fueron tan frecuentes que se hizo construir una casa. A partir de los años 80, su obra se asemeja a su vida, dividida entre la cultura europea y sus orígenes latinoamericanos.

==Muerte==
En [[2009]], su esposa Lisbeth falleció por enfermedad, tras este doloroso episodio, acabó encontrando una compañera mucho más joven, Violette Wojcik, una entusiasta admiradora, a la que se le diagnosticó leucemia sólo unos meses después de su encuentro.

En [[2014]], él mismo sufrió la enfermedad de Parkinson y completó con dolor sus últimos cuadros. Devastado por la pérdida de Violette en [[2016]], su salud no le permitió asistir al funeral,, se mostró decidido y dijo que tenía en mente su próximo cuadro, pero que no volvería a pintar hasta su muerte el [[2 de abril]] de [[2019]].

==Exposiciones==
* [[2000]]-2001: Museo Ralli, en la ciudad de Cesarea (Israel).
* [[2001]]: Ethnologisches Museum, Berlín, Instituto Ibero-Alemán.Galería Wam, de Caen. Espacio Julio González, de Arcueil.
* [[2002]]: Maison de l'Amerique Latine, París.Galería du Centre, París.Centro Cultural de la PUCP, en Lima.
* [[2003]]: Artparis, Carrusel del Louvre.
* [[2004]]: Galería Le Garage, en Orleans (Francia).
* [[2005]]: Galería Espace Croix-Baragnon, Toulouse, ST'ART, en Estrasburgo.Galeris IUFM-Confluences, en Lyon.Galería du Centre, en París.
* [[2006]]: Galería Dart, en Barcelona.Museo del Castillo de Museo del Castillo de los Duques de Wurtemberg, en Montbeliard.
* [[2012]]: Museo Tessé, Le Mans.
* [[2018]]: Sede de la Unesco, [[París]].

== Fuentes ==
* https://www.braun-vega.com/es/index.htm
* https://braunvega.com/index?/page/braun_vega_y_sus_maestros
* https://elpais.com/cultura/2019/04/06/actualidad/1554501927_560551.html

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Artista]]

Víctor Humareda Gallegos

2023-04-06T17:23:24Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Víctor Humareda |nombre completo = Víctor Humareda Gallegos |imagen = Victor_Humareda.jpg |tamaño = |descripción = Pintor mexicano |fecha de…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Víctor Humareda Gallegos
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|descripción = Pintor mexicano
|fecha de nacimiento = [[6 de marzo]] de [[1920]]
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|nacionalidad = Peruana
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|educación = Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú
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}}
'''Víctor Humareda Gallegos''', fue un pintor expresionista peruano reconocido por su creatividad considerada fruto de una personalidad turbada. Artista marginal, en su obra palpita el silencio, la melancolía y las oscuridades de su propia vida.

==Síntesis biográfica==
Nació en Lampa, el [[6 de marzo]] de [[1920]]. Sus padres fueron Emilio Humareda Caballero y Eudocia Gallegos Andía. A los cuatro años de edad perdió a su padre, quien al parecer fue víctima de un crimen pasional. Desde los cinco años ya mostraba un interés por el papel, pinceles y tijeras.

En [[1927]] inició sus estudios escolares en la escuela fiscal de su pueblo natal, pero los abandonó en el tercer año de secundaria, para dedicarse a la enseñanza. Ya por entonces soñaba con ir a Lima para estudiar dibujo y pintura.

En [[1939]] se fugó de su hogar y marchó a Arequipa. Poco después pasó a Lima, donde se hospedó en casa de sus tíos abuelos y logró ingresar a la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, luego de unos meses de estudio las necesidades económicas le apremiaron. Debió trabajar y estudiar al mismo tiempo, por lo que al regresar a la casa de su tía abuela llegaba con el cuerpo molido. Por las mañanas caminaba por la calle Capón, deteniéndose en los restaurantes, ofreciendo pintar rostros a pedido del cliente; por ellos recibía unos cuantos soles que le servían para comprar lápices de carboncillo y alimentarse en el restaurante limeño Cordano. Dejó de estudiar un año, pero en [[1941]] reingresó a la Escuela de Bellas Artes, dirigida entonces por José Sabogal. Tuvo por maestros a destacados pintores como [[Julia Codesido]], [[Ricardo Grau]] y [[Juan Manuel Ugarte Elespuru]]. Al ingresar en [[1947]] ocupó el segundo lugar en su promoción y ganó una beca a la Argentina, pero por motivos de salud lo postergó. Volvió a su tierra natal, donde se dedicó a pintar paisajes.

En [[1950]] hizo al fin efectiva su beca a [[Buenos Aires]], donde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova.

==Trayectoria artística==
En [[1952]] retornó a Lima y en septiembre inauguró en el Instituto Cultural Peruano Argentino su primera exposición individual, compuesta por 19 óleos y hasta [[1956]] presentó en total 21 exposiciones individuales, así como numerosas muestras colectivas.

En [[1966]] viajó a Europa, arribando sucesivamente a [[Barcelona]] y [[París]], donde permaneció apenas un mes, prefiriendo retornar a su patria. En Lima continuó realizando exposiciones individuales desde 1966 a [[1970]], todos los años de forma continua.

Según cuenta las personas que los conocieron, lo caracterizan como un pintor excéntrico, que no tomaba ni fumaba, un hombre tierno al que le gustaba la soledad, aunque sin perder nunca su buen humor, sin domicilio fijo; vivía en hostales de la La Parada en La Victoria.

En [[1983]] fue sometido a cirugía al detectársele un tumor en el cuello y al año siguiente le fueron extirpadas la laringe y las cuerdas vocales. Pese a ello, no flaqueó en su creación artística y expuso en la galería Moll de Miraflores ese mismo año.

En julio de [[1984]], el alcalde de Lima [[Alfonso Barrantes]] le hizo entrega de la Medalla de la Ciudad y, en noviembre del mismo año, el grupo “Quaternario”, integrado por artistas puneños, le dedicó el segundo Salón de Arte Contemporáneo, exhibido en la galería municipal de Puno.

En octubre de [[1986]], en la galería del Centro Cultural de la Municipalidad de Miraflores fueron exhibidos 42 de sus óleos, realizados entre [[1948]] y [[1986]]. La muestra se denominó “Homenaje a Víctor Humareda” y fue promovida por el pintor [[Eduardo Moll]] y el crítico [[Luis Lama]].

==Fallecimiento==
El [[16 de noviembre]] de [[1986]] Humareda empezó a pintar la que sería su última obra: La Quinta Heeren de noche, por encargo del Banco Central de Reserva. Lo terminó el día 18 y al día siguiente sufrió una hemorragia nasal, causada por las emanaciones de sus óleos.

Falleció dos días después, recibiendo homenajes tanto en la Escuela Nacional de Bellas Artes como en el mismo Cementerio Presbítero Maestro, donde reposan sus restos.

==Obras==
Entre sus obras expuestas más importantes podemos encontrar:
* Los camioneros
* Procesión en Lampa
* Los viejos zapatos
* Don Quijote y Sancho Panza
* Procesión serrana (o La diablada puneña)
* Carnaval
* Frailes
* Marinera con guitarra y cajón
* Autorretrato
* Jarana (o Callejón de un solo caño)
* Procesión del Señor de los Milagros
* Torero sentado
* Arlequín tapándose la cara
* Marilyn, la vitrola y yo
* Vendedores ambulantes
* Silvia Kristel
* La chingana
* Uchuraccay
* El puente de los suspiros
* Arlequín con mandolina
* Hamlet

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/victor-humareda
* https://elcomercio.pe/archivo-elcomercio/victor-humareda-el-pintor-que-murio-hace-35-anos-y-que-sufria-y-gozaba-con-los-colores-pintor-expresionista-artista-plastico-peruano-arte-peruano-del-siglo-xx-35-anos-nnsp-noticia/
* https://www.infobae.com/peru/2023/03/03/victor-humareda-la-habitacion-secreta-del-pintor-peruano-que-sobrevive-en-una-galeria-de-gamarra/

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Victor Humareda.jpg

2023-04-06T17:22:31Z

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== Fuente: ==

Jorge Ruiz Linares

2023-03-15T19:11:15Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Jorge Ruiz Linares |nombre completo = Jorge Ruiz Linares |imagen = Jorge_ruiz_linares.jpg |tamaño = |descripción = Pintor mexicano |fecha de na…»

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|obras =
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}}
'''Jorge Ruiz Linares''', Dibujante, pintor, acuarelista, ilustrador docente y caricaturista. Practica los géneros del retrato, paisaje y costumbrismo.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[1922]] en [[Tunja]], [[Boyacá]], [[Colombia]]. De este pintor se desconoce la primera etapa de su niñez.

En [[1932]] gana un concurso infantil organizado por el periódico Mundo al Día.

En [[1937]] participa en la exposición que tuvo lugar durante el IV Centenario de Tunja.

En [[1938]] colabora en El Surco, semanario liberal de Tunja; ese mismo año obtiene una beca para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Hace caricaturas de los profesores y empleados en la Universidad Nacional.

En [[1939]] diseña el escudo oficial de Tunja y pinta Danza campesina, óleo de gran formato.

En [[1945]] participa en la Exposición del Sindicato de Artes Plásticas y gana el primer premio de pintura en el VI Salón de Artistas Colombianos.

Realiza obras al fresco de temas costumbristas y en [[1948]] participa en la exposición colombiana de acuarelas en el Museo Nacional de Colombia.

Es maestro en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá desde [[1951]] hasta [[1964]] y en la Universidad de los Andes en [[1959]].

En [[1963]] obtiene el primer premio en el Salón de Artistas Boyacenses.

==Obras==
Entre sus obras expuestas más importantes podemos encontrar:
* Retrato de Hernando Domínquez Camargo, expuesto en la Academia de Historia de Bogotá.
* Mural, en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá (Antigua Sede).
* Retrato de Luis López de Mesa. Academia Colombiana de la Lengua, Bogotá.

==Premios==
* [[1932]]: gana un concurso infantil de dibujo organizado por el periódico Mundo al Día.
* [[1938]]: comienza a trabajar como caricaturista en el semanario El Surco.
* [[1938]]: gana una beca para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
* [[1945]]: primer premio de pintura en el Salón Nacional de Artistas de Colombia. con el Retrato de Eduardo Mendoza.
* [[1951]] - [[1971]]: profesor de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá.
* [[1963]]: primer premio en el Salón de Artistas Boyacenses.
* [[1966]]: participa en por última vez en una exposición, la de Dibujos de Pintores Contemporáneos en la Galería Bogotá.

== Fuentes ==
* https://es.dbpedia.org/page/Jorge_Ruiz_Linares
* https://www.banrepcultural.org/exposiciones/libretas-de-dibujos-reencuentros-de-memoria-grafica/peter-aldor/jorge-ruiz-linares

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Acuarelista]] [[Categoría: Ilustrador]] [[Categoría: Caricaturista]]

Archivo:Jorge ruiz linares.jpg

2023-03-15T19:10:51Z

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== Fuente: ==

Jesús María Zamora

2023-03-15T18:53:34Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha Persona | nombre = Jesús María Zamora |nombre completo = Jesús María i José Zamora |imagen = Jesus_maria_zamorana.jpg |tamaño = |descripción = Pintor mexic…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Jesús María i José Zamora
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|descripción = Pintor mexicano
|fecha de nacimiento = [[17 de diciembre]] de [[1871]]
|lugar de nacimiento = [[Miraflores]], [[Estado Soberano de Boyacá]], [[Estados Unidos de Colombia]]
|fecha de fallecimiento = [[17 de junio]] de [[1948]]
|lugar de fallecimiento = [[Bogotá]], [[Departamento de Cundinamarca]], [[República de Colombia]]
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|nacionalidad = Colombia
|ciudadania =
|educación = Escuela Nacional de Bellas Artes de Bogotá, Colombia.
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|ocupación = Pintor y dibujante
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|premios = "Primer lugar" en la Exposición del Centenario de la Independencia organizada por la ENBA; con su pintura 1819. "Tercer lugar"; con Retrato de Señora (1910). "Paleta de oro"; por el cuadro Los Lanceros y Patriotas en el Pantano de Vargas (1910). "Cruz de Boyacá", del Orden de Boyacá; por conjunto de sus obras (1938). "Medalla de Plata" en la Exposición de Artistas Boyacenses en Tunja; con la efigie del Libertador Simón Bolívar (1939)
|titulos =
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|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Jesús María i José Zamora''', Pintor y paisajista colombiano, además maestro de profesión.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[17 de diciembre]] de [[1871]], en la ciudad de [[Miraflores]] donde fue bautizado once días después de su nacimiento, localizado en ese tiempo en el Estado Soberano de [[Boyacá]], en los Estados Unidos de [[Colombia]].

Sus padres fueron Epifanía Zamora y el señor Reyes Rubio sus abuelos maternos: Julián Zamora y Josefina Bernal.

Se estableció como pintor y dibujante de profesión y ocupación durante el cambio del [[siglo XX]]. Sus primeras lecciones de pintura las recibió de un restaurador que llegó a su pueblo por casualidad, y sus estudios fueron completados en Bogotá, como discípulo del padre Santiago Páramo y alumno de la Escuela de Bellas Artes, y en [[Europa]] adonde viajó en [[1900]].

Aunque se vio obligado a restaurar cuadros y pintar algunos retratos para ganarse la vida, su obra se caracteriza por los paisajes.

Sus pinturas muestran un mundo no contaminado, en sus cuadros que atrapan la luz, y que logran crear sensaciones diversas como el olor del aire, su transparencia y la humedad del ambiente, en los que son especialmente característicos los cielos.

==Exposiciones y premios==
Realizó pinturas históricas en la que podemos destacar a: Los patriotas en los Llanos ([[1910]]) y Los lanceros del Pantano de Vargas ([[1919]]). Ganó la medalla de oro en la Exposición del Centenario en 1910, y la Cruz de Boyacá en [[1938]] por el conjunto de su obra. En [[1949]] se realizó una exposición póstuma en homenaje a este gran pintor.

Se le fue otorgado durante su vida por el gobierno nacional el título de caballero del Orden de Boyacá por su patriotismo manifestado y representado en sus obras.

===Obras===
* ACADEMIA NACIONAL DE COLOMBIA, Bogotá, [[2014]].
* El Paso de los Llanos, Retrato realizado en [[1819]].
* COLECCIÓN MUSEO NACIONAL DE COLOMBIA, 2014.
* Vista de Bogotá, [[1900]].
* Paisaje Europeo, [[1981]].
* Paisaje, [[2003]].
* Paisaje de la Sabana, [[1948]].
* Marcha del Libertador Bolívar y Santander en La Campaña de los Llanos, [[1960]].
* La Mañana, [[1955]].
* La Tarde, [[1921]].

==Fallecimiento==
Falleció en la ciudad de Bogotá, el día [[17 de junio]] de [[1948]].

== Fuentes ==
* https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=zamora-jesus-maria
* https://www.banrepcultural.org/coleccion-de-arte/artista/jesus-maria-zamora

[[Categoría: Maestros]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujante]]

Archivo:Jesus maria zamorana.jpg

2023-03-15T18:53:22Z

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== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Emma Reyes

2023-02-08T19:26:45Z

Arianjc: Página creada con «{{Ficha de artista |nombre = Emma Reyes |imagen = Enma_reyes.jpg |tamaño imagen = |pie de foto = |nombre nacimiento = Emma Reye…»

{{Ficha de artista
|nombre = Emma Reyes
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|nombre nacimiento = Emma Reyes
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|lugar fallecimiento = [[Burdeos]], [[Francia]]
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|nacionalidad = Colombiana
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|premios2 =  
* Premio.
* Premio.
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}}
'''Emma Reyes''' fue una pintora y escritora realista de Bogotá, Colombia, fue considerada la "madrina" del arte latinoamericano por las representaciones de las luchas de su vida en sus pinturas. La animó a escribir el autor colombiano [[Gabriel García Márquez]]. Quienes conocían sus pinturas las describían como muy antiguas y muy pocas.

== Síntesis biográfica ==
Emma Reyes nació en el año [[1919]] en la Ciudad de [[Bogotá]], a la edad de 6 o 7 años, su madre la abandonó. Reyes y su hermana fueron enviadas a un convento. Mientras estuvo en el convento, a Reyes no se le permitió socializar con el mundo exterior.

A los 19 años, salió del convento y se casó, tuvo un hijo. Su hijo fue asesinado más tarde durante un allanamiento de morada. la pintora pronto huyó a París para comenzar aquí su vida de pintura.

En [[1943]] recibió una beca para estudiar en [[París]].

==Obras==
Gran parte de la obra de arte del artista se basa en su vida y los obstáculos que enfrentó al vivir en la pobreza. A pesar de la crueldad que Reyes experimentó en su infancia, aún intentaba enviar mensajes positivos a través de sus obras al hacer imágenes coloridas asociadas con animales y plantas.

Nunca recibió una educación y fue considerado "analfabeto". Sin embargo, escribió cartas y las reunió como un libro. Fue conocida principalmente por sus escritos más que por sus pinturas.

La mayoría de sus primeros trabajos fueron una representación de la vida que había dejado atrás, entre sus obras se destacan el "Desconocido (Cabra)", utilizó colores vibrantes y pintó principalmente plantas y animales. Su objetivo era usar colores vibrantes para representar su personalidad. Sus pinturas, como esta, fueron hechas con lápices de colores y una tabla. El fondo de esta pintura es un amarillo pastel con hierba verde pastel mientras hay una vaca blanca bebiendo leche de un balde azul.

La "Estatuilla" es una pintura representa una figura humana construida con basura que implica la imaginación de los niños, pero luego destruida por el mal de este mundo.

Los "Pueblos en llamas" en este cuadro pretendía mostrar la soledad en un pueblo corrompido rodeado de problemas económicos, crueldad y abandono. Representa la lucha que enfrentaron Reyes y su hermana.

La mayoría de las obras de Emma Reyes se encuentran en la Colección Essex de Arte de América Latina. Su obra también se conserva en el Museo de Arte y Arqueología de Périgord.

==Fallecimiento==
Murió el [[12 de julio]] de [[2003]] a los 84 años.

== Fuentes ==
* https://books.google.com.cu/books?id=_JgrDwAAQBAJ&q=Emma+reyes&redir_esc=y
* https://www.worldliteraturetoday.org/2018/january/book-emma-reyes-emma-reyes

[[Categoría: Pintora]]

Archivo:Enma reyes.jpg

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Emilia Ortiz

2023-01-18T21:11:36Z

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}}
'''Emilia Ortiz Pérez''', que una pintora mexicana, diestra en el trazo desde su obra temprana. Su padre Abraham D. Ortiz había arribado a Tepic originario de Oaxaca, casó con Elvira Pérez dedicándose al comercio de mercería y ferretería, formando así una familia muy conocida en la sociedad nayarita, que se movía en medio de un inquieto grupo, interesado en afanes culturales.

== Síntesis biográfica ==
Emilia Ortiz fue una gran pintora, además de ser de las pocas mujeres caricaturistas de México. Nació el [[10 de febrero]] de [[1917]] en Tepic, Nayarit.

La trayectoria artística de Emilia Ortiz comenzó en [[1933]], a la edad de 16 años cuando publicó en el diario El Nacional cinco de sus caricaturas que representaban a políticos y empresarios nayaritas. El artículo se tituló: La nota alegre a través de la sutil ironía de mujercita inteligente y bella (Delgado, [[2005]]).

Su padre, al ver la habilidad de su hija la inscribió en clases de pintura en la ciudad de Tepic, y más tarde la pintora viajó a la ciudad de Guadalajara y tomó clases con [[José Vizcarra]], quien la convenció de hacer retratos de cabezas de indios y mestizos, temas que se verían reflejados en sus primeras pinturas.

En [[1939]], Emilia y su hermana Estela viajaron a la Ciudad de México para continuar sus estudios en la Academia de San Carlos con los maestros Manuel Rodríguez Lozano y Luis Ortiz Monasterio, grandes artistas del siglo XX. Después de la Academia y de haber formado una gran amistad con Rodríguez Lozano, la carrera de Emilia fue en ascenso; expuso en varios salones y museos importantes de la Ciudad de México, como en el Palacio de Bellas Artes y en la Casa del Arquitecto.

El hecho de ser mujer, de provenir de una familia conservadora de finales del siglo XIX y de haber crecido en una provincia pequeña, la aisló del medio artístico y provocó su desdeño hacia un país centralista. Aún así, se convirtió en difusora y promotora del arte nayarita y su pintura destacó por ser multitemática, característica valorada por críticos, historiadores, periodistas y artistas mexicanos de su época y actuales, quienes escribieron libros sobre su vida y obra.

==Obras==
La obra de Emilia Ortiz, surge en México como una de las explosiones más perfectas del eco de un trabajo más hecho en la intimidad, apenas murmurante, sin alardes, sin complicidades publicitarias, pero definitivamente total en su grandeza, deslumbrante (...)

De la pintora: una trayectoria más de autodidacta que academismos. Un frenesí de lirismo que desposa paisajes marinos y de rugosa orografía; fauna, flora y minerales como un sueño o como verismo, cielos solares, de perfumes campesinos, y gentes, rostros del contorno diario, ancestrales o del presente.

Experimentaciones en el surrealismo humorístico e irónico cuya veta baña los primeros años de su formación de caricaturista; además incursiones en el abstraccionismo, en el rigor de colorido, línea y alma. Es decir del expresionismo al geometrismo, pero siempre y radicalmente Emilia Ortiz en una poética personalísima, donde la voluntad de la pintura a manera de manantial brota de un hálito de mágica cotidianidad y sorpresa.

==Fallecimiento==
Vivió hasta su muerte al lado de su esposo Aurelio Gutiérrez Ibarra con quien procreó a Elvira, Gabriela y Luisa Fernanda y dirigió también el museo instituido en su nombre.Fallece la mañana del sábado 24 de noviembre

== Fuentes ==
* https://www.mexicodesconocido.com.mx/emilia-ortiz-la-mejor-pintora-de-mexico.html
* https://www.pintoraemiliaortiz.com/biografia
* https://www.pintoraemiliaortiz.com/copia-de-obra

[[Categoría: Pintores]]

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2023-01-18T21:11:06Z

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2023-01-18T19:02:42Z

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May Day Procession

2022-11-19T15:01:30Z

Arianjc:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= May Day Procession (Pintura)
|imagen= Diego-Rivera-May-Day-Procession-in-Moscow.JPG
|descripción= La pintura de Diego Rivera, la pintura muestra la procesión del primero de mayo en Moscú de 1956.
|tipo= Pintura de Historia
|autor= [[Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez]]
|año= [[1956]]
|país= [[México]]
|estilo= Cubismo, Arte Moderno
|técnica= Medio Acuarela y lápiz sobre papel cuadriculado
|alto= 10.5 cm
|ancho= 16.2 cm
localización_pintura= Museo de Arte Moderno
|etiq_cubadebate =
}}
'''May Day Procession''' o Procesión del Primero de Mayo
Como tambien se le conoce en Español es una pintura Procesión del Primero de Mayo en Moscú’ fue creada en [[1956]] por Diego Rivera al estilo del Realismo Social.

==Descripción del Cuadro==
El cuaderno de bocetos que Rivera realizó durante su viaje a Moscú entre [[1927]] y [[1928]] refleja tanto el emocionante espectáculo de las celebraciones masivas organizadas por el décimo aniversario de la Revolución Rusa como detalles más cotidianos de la vida soviética.

Comenzando con una serie de escenas domésticas, los dibujos de Rivera siguen a una familia mientras se prepara para las festividades del día. Fuera de la casa, se enfocan en el espectáculo de los eventos (pancartas coloridas, carteles y carrozas) y capturan los lugares más famosos de la ciudad, como la tumba de Lenin y la Catedral de San Basilio en la Plaza Roja.

El principal interés de Rivera, sin embargo, era la multitud: hombres y mujeres, niños y ancianos, soldados y civiles se mueven en masa por la calle. Más tarde, Abby Aldrich Rockefeller compró el cuaderno de bocetos de Rivera por la impresionante suma de $2500, lo que ayudó a financiar su viaje a Nueva York en noviembre de 1931 para su exposición en el MoMA.

Ella lo donó al Museo en [[1935]]. Museo de Arte Moderno, 13 de noviembre de 2011-14 de mayo de 2012.

==Datos del autor==
Nació el [[8 de diciembre]] de [[1886]] en la ciudad de Guanajuato. Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil, se mantuvo con vida. Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera, y fue bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

En [[1909]], se trasladó a [[París]], donde conoció a [[Angelina Petrovna Belova]], más conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años.

A partir de entonces y hasta mediados de [[1916]], alternó su residencia entre [[México]], [[Ecuador]], [[Bolivia]], [[Argentina]], [[España]] y [[Francia]], país este último en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con [[Alfonso Reyes Ochoa]], [[Pablo Picasso]] y [[Ramón María del Valle-Inclán]] y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes de Europa, como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto.
Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con Angelina Beloff que, sin embargo, murió al año siguiente. En [[1917]], influido por las pinturas de [[Paul Cézanne]], se introdujo en el postimpresionismo, y logró captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

En enero de [[1922]], comenzó a pintar su primer mural, intitulado La creación, en el interior del Anfiteatro [[Simón Bolívar]] de la Escuela Nacional Preparatoria de la entonces llamada Universidad Nacional de México.
Lo asistieron Carlos Mérida, [[Jean Charlot]], [[Amado de la Cueva]] y [[Xavier Guerrero]]. El tema central es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. Su obra pictórica comenzaría a convertirse en un factor considerable y de influencia para el movimiento muralista mexicano y latinoamericano.

En diciembre de ese mismo año, se casó con Guadalupe Marín, también conocida como "La Gata Marín", a quien conoció a través de Julio Torri mientras elaboraba el mural.

Entre agosto de [[1929]] y mayo de [[1930]], fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas. Salió de ahí debido a un movimiento estudiantil organizado en su contra.

Rivera, poco después de ese incidente, regresó en 1934 a México, donde pintó el mismo mural, El hombre en el cruce de caminos, en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Falleció el [[24 de noviembre]] de [[1957]], en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y [[Frida Kahlo]], y sus restos se colocaron en la Rotonda de las Personas Ilustres.

==Fuentes==
* https://www.moma.org/collection/works/85338
* https://www.diego-rivera-foundation.org/May-Day-Procession-In-Moscow-1956.html
* https://www.wikiart.org/en/diego-rivera/may-day-procession-in-moscow-1956
[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]]

May Day Procession

2022-11-19T15:01:09Z

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Archivo:Diego-Rivera-May-Day-Procession-in-Moscow.JPG

2022-11-19T15:00:54Z

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== Fuente: ==

Maternidad Angelina y el Diego Niño

2022-11-19T14:40:42Z

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|nombre= Maternidad Angelina y el Diego Niño (Pintura)
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|descripción= La pintura de Diego Rivera, la pintura muestra a Angelina Beloff, la primer esposa de Diego Rivera durante 12 años, aparece en la imagen amamantando a su bebé.
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|autor= [[Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez]]
|año= [[1916]]
|país= [[México]]
|estilo= Cubismo, Arte Moderno
|técnica= Óleo sobre lienzo
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|etiq_cubadebate =
}}
'''Maternidad Angelina y el Diego Niño''' la pintura muestra a Angelina Beloff, la primer esposa de Diego Rivera durante 12 años, aparece en la imagen amamantando a su bebé.

==Descripción del Cuadro==
Detrás de Angelina y el niño, ese dibujo a lápiz sobre papel que Diego Rivera creó en [[1911]], y que los sinaloenses pueden apreciar en la exposición colectiva de dibujo, en el Museo de Arte de Sinaloa, hay una dolorosa historia de amor.

La conoció el artista mexicano en el verano de [[1909]], cuando hizo un viaje a [[Bélgica]], ambos iniciaban sus trayectorias artísticas, y contrajeron matrimonio dos años después.

Era la época en que Rivera se sentía atraído por la pintura de El Greco, luego por la superposición de formas y superficies, que originó su estilo cubista y del que fue uno de los grandes exponentes más tarde, por la gama de colores más variada que sus contemporáneos.

[[México]], convulsionaba por los movimientos políticos y sociales, alzaba a Zapata como su héroe popular, y él se enteraba por el exilio de algunos de sus amigos mexicanos.

Pero Rivera comienza a triunfar con su obra, expone en grandes galerías, como la Modern Gallery de Marius de Zaya en Nueva York, L'Effort moderne.

El [[11 de agosto]] de [[1916]] nació su primer hijo, Diego, y junto con su madre, los dibujó en Angelina y el niño, dibujo que pertenece al acervo del Masin, y del que también pintó en versión cubista.

Pero en una época de Primera Guerra mundial, el pequeño murió víctima de la epidemia de gripe que azotaba en Europa, en [[1917]].

Y aunque Rivera tenía amoríos con otras pintoras, no fue sino hasta 1921, cuando abandonó a Angelina definitivamente. Dejó [[París]] y volvió a México.

En en texto, Angelina Beloff, la otra mujer de Diego Rivera, Teresa Labios escribe que ésta se resistió a la idea de perder a Diego y se trasladó a México, donde le escribió cartas que él jamás contestó.

Al encontrarla, él fingió no conocerla, y para entonces ya se había casado y divorciado de [[Guadalupe Marín]] y vuelto a contraer nupcias con [[Frida Kahlo]].

==Datos del autor==
Nació el [[8 de diciembre]] de [[1886]] en la ciudad de Guanajuato. Al año y medio de haber nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil, se mantuvo con vida. Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera, y fue bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

En [[1909]], se trasladó a [[París]], donde conoció a [[Angelina Petrovna Belova]], más conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años.

A partir de entonces y hasta mediados de [[1916]], alternó su residencia entre [[México]], [[Ecuador]], [[Bolivia]], [[Argentina]], [[España]] y [[Francia]], país este último en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con [[Alfonso Reyes Ochoa]], [[Pablo Picasso]] y [[Ramón María del Valle-Inclán]] y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes de Europa, como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto.

Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con Angelina Beloff que, sin embargo, murió al año siguiente. En [[1917]], influido por las pinturas de [[Paul Cézanne]], se introdujo en el postimpresionismo, y logró captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

En enero de [[1922]], comenzó a pintar su primer mural, intitulado La creación, en el interior del Anfiteatro [[Simón Bolívar]] de la Escuela Nacional Preparatoria de la entonces llamada Universidad Nacional de México.
Lo asistieron Carlos Mérida, [[Jean Charlot]], [[Amado de la Cueva]] y [[Xavier Guerrero]]. El tema central es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. Su obra pictórica comenzaría a convertirse en un factor considerable y de influencia para el movimiento muralista mexicano y latinoamericano.

En diciembre de ese mismo año, se casó con Guadalupe Marín, también conocida como "La Gata Marín", a quien conoció a través de Julio Torri mientras elaboraba el mural.

Entre agosto de [[1929]] y mayo de [[1930]], fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas. Salió de ahí debido a un movimiento estudiantil organizado en su contra.

Rivera, poco después de ese incidente, regresó en 1934 a México, donde pintó el mismo mural, El hombre en el cruce de caminos, en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

Falleció el [[24 de noviembre]] de [[1957]], en San Ángel, al sur de la Ciudad de México, en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y [[Frida Kahlo]], y sus restos se colocaron en la Rotonda de las Personas Ilustres.

==Fuentes==
* http://datosabiertos.unam.mx/IIE:AFMT:CJVO3809
* https://www.noroeste.com.mx/entretenimiento/cultura/la-historia-detras-de-angelina-y-el-nino-PANO896999
* https://es.wahooart.com/@@/8BWNZQ-Diego-Rivera-Maternidad-Angelina-y-el-Diego-Ni%C3%B1o
* https://www.pinterest.es/pin/470204017323625709/

[[Category:Pintura]] [[Category:Murales]]

Archivo:Diego-Rivera-Motherhood-Angelina-and-the-Child-Diego.JPG

2022-11-19T14:29:30Z

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== Fuente: ==

Roscoe Conkling Giles

2022-10-22T14:11:39Z

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{{Ficha Persona
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}} '''Roscoe Conkling Giles''' fue un médico y cirujano estadounidense, fue el primer afroamericano en obtener un título de la Facultad de Medicina de la [[Universidad de Cornell]], trabajó como cirujano en el Provident Hospital de Chicago y se desempeñó como presidente de la División de Cirugía General del hospital
== Síntesis biográfica ==
[[Roscoe Conkling Giles]] nació el [[6 de mayo]] de [[1890]] en [[Albany]], [[Nueva York]], se graduó de Boys High School en [[Brooklyn]], Nueva York en [[1903]] y ganó una beca para la Universidad de Cornell por sus impresionantes habilidades para hablar. Mientras estuvo en Cornell se convirtió en uno de los primeros miembros de la fraternidad Alpha Phi Alpha que se fundó en la institución en [[1906]].

Debido a su habilidad para hablar muchos creían que seguiría los pasos de su padre y se convertiría en abogado, pero Roscoe Conkling Giles aspiraba a convertirse en médico.

Después de graduarse en [[1911]] se convirtió en el primer afroamericano en asistir a la facultad de medicina de la Universidad de Cornell,era la única persona negra que asistía a la escuela. Le pidieron que se fuera muchas veces y recibió amenazas de muerte en varias ocasiones. Uno de los requisitos para obtener su título de médico incluía una pasantía, pero sus opciones eran limitadas ya que muy pocos centros médicos aceptaban estudiantes afroamericanos. Eventualmente fue aceptado para estudiar en el Provident Hospital en Chicago, [[Illinois]], un centro de atención médica propiedad de negros fundado y propiedad del Dr. Daniel Hale Williams. A pesar de sus dificultades Roscoe Conkling Giles se graduó de la facultad de medicina de la Universidad de Cornell en [[1915]].

Después de graduarse nuevamente enfrentó dificultades en el campo de la medicina debido a su raza. Aunque superó a más de 250 solicitantes mientras tomaba el Examen del Servicio Civil, se eligieron médicos menos calificados en lugar de él tanto en el Sanatorio Municipal de [[Tuberculosis]] como en la Enfermería de Oak Park en Chicago, Illinois debido a su raza.

En 1917 Oscar DePriest líder de los derechos civiles de Chicago y futuro congresista, intervino para apoyar a Giles. Como resultado el alcalde de Chicago, William Hale Thompson, nombró a Giles supervisor del Departamento de Salud de Chicago. Giles fue el primer afroamericano en cualquier lugar del país en ocupar un puesto de este tipo, lo que fue aún más notable porque solo tenía 27 años en ese momento. Además en [[1917]] Giles recibió una cita como médico en el Hospital del Condado de Cook. Sin embargo el nombramiento fue simbólico porque no hay constancia de que haya desempeñado funciones médicas allí.

En cambio el Dr. Giles se concentró en su trabajo en el Provident Hospital. Se convirtió en parte integral de un programa en Provident que se enfocaba en estudiantes negros de posgrado en medicina. Este programa fue el primero de su tipo en los Estados Unidos y abordó los desafíos únicos de los estudiantes negros en el campo de la medicina.

El [[9 de enero]] de [[1917]] se casó con Frances Reeder y la pareja tuvo tres hijos, Roscoe C. Giles, Oscar DePriest Giles y Roscoe C. Giles II. Durante este tiempo Giles también inició una práctica médica privada que continuó hasta su muerte.

Roscoe Conkling Giles falleció el [[9 de febrero]] de [[1970]] en [[Chicago]], [[Illinois]].
== Fuentes ==
* https://news.wttw.com/2022/02/20/black-history-month-spotlight-dr-roscoe-conkling-giles-surgeon

* https://rmc.library.cornell.edu/alpha/earlyalpha/earlyalpha_3.html

[[Categoría: Hombres]]

[[Categoría: Nacidos en 1890]]

[[Categoría: Fallecidos en 1970]]

[[Categoría: Cirujanos estadounidenses]]

[[Categoría: Médicos estadounidenses del siglo XX]]

[[Categoría: Cirujanos del siglo XX]]

[[Categoría: Médicos afroamericanos del siglo XX]]

Roscoe Conkling Giles

2022-10-22T14:04:34Z

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{{Ficha Persona
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|fecha de nacimiento = [[6 de mayo]] de [[1890]]
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}} Roscoe Conkling Giles fue un médico y cirujano estadounidense. Fue el primer afroamericano en obtener un título de la Facultad de Medicina de la Universidad de Cornell. Giles trabajó como cirujano en el Provident Hospital de Chicago y se desempeñó como presidente de la División de Cirugía General del hospital
== Síntesis biográfica ==
Roscoe Conkling Giles nació el 6 de mayo de 1890 en Albany, Nueva York, hijo del reverendo Francis Fenard y Laura Caldwell Giles. Su padre, el reverendo Francis Fenard, era ministro y abogado. Roscoe Giles se graduó de Boys High School en Brooklyn, Nueva York en 1903 y ganó una beca para la Universidad de Cornell por sus impresionantes habilidades para hablar. Mientras estuvo en Cornell, Giles se convirtió en uno de los primeros miembros de la fraternidad Alpha Phi Alpha, que se fundó en la institución en 1906.

Debido a su habilidad para hablar, muchos creían que seguiría los pasos de su padre y se convertiría en abogado, pero Roscoe Conkling Giles aspiraba a convertirse en médico.

Después de graduarse con su B.A. en 1911, Giles se convirtió en el primer afroamericano en asistir a la facultad de medicina de la Universidad de Cornell. Giles era la única persona negra que asistía a la escuela. Le pidieron que se fuera muchas veces y recibió amenazas de muerte en varias ocasiones. Uno de los requisitos para obtener su título de médico incluía una pasantía, pero sus opciones eran limitadas ya que muy pocos centros médicos aceptaban estudiantes afroamericanos. Eventualmente, fue aceptado para estudiar en el Provident Hospital en Chicago, Illinois, un centro de atención médica propiedad de negros fundado y propiedad del Dr. Daniel Hale Williams. A pesar de sus dificultades, Roscoe Conkling Giles se graduó de la facultad de medicina de la Universidad de Cornell en 1915.

Después de graduarse, Giles nuevamente enfrentó dificultades en el campo de la medicina debido a su raza. Aunque superó a más de 250 solicitantes mientras tomaba el Examen del Servicio Civil, se eligieron médicos menos calificados en lugar de él tanto en el Sanatorio Municipal de Tuberculosis como en la Enfermería de Oak Park en Chicago, Illinois debido a su raza.

En 1917, Oscar DePriest, líder de los derechos civiles de Chicago y futuro congresista, intervino para apoyar a Giles. Como resultado, el alcalde de Chicago, William Hale Thompson, nombró a Giles supervisor del Departamento de Salud de Chicago. Giles fue el primer afroamericano en cualquier lugar del país en ocupar un puesto de este tipo, lo que fue aún más notable porque solo tenía 27 años en ese momento. Además, en 1917, Giles recibió una cita como médico en el Hospital del Condado de Cook. Sin embargo, el nombramiento fue simbólico porque no hay constancia de que haya desempeñado funciones médicas allí.

En cambio, el Dr. Giles se concentró en su trabajo en el Provident Hospital. Se convirtió en parte integral de un programa en Provident que se enfocaba en estudiantes negros de posgrado en medicina. Este programa fue el primero de su tipo en los Estados Unidos y abordó los desafíos únicos de los estudiantes negros en el campo de la medicina.

El 9 de enero de 1917, Giles se casó con Frances Reeder y la pareja tuvo tres hijos, Roscoe C. Giles, Oscar DePriest Giles y Roscoe C. Giles II. Durante este tiempo, Giles también inició una práctica médica privada que continuó hasta su muerte. Roscoe Conkling Giles falleció el 9 de febrero de 1970 en Chicago, Illinois. Tenía 79 años.
== Fuentes ==
* https://news.wttw.com/2022/02/20/black-history-month-spotlight-dr-roscoe-conkling-giles-surgeon

* https://rmc.library.cornell.edu/alpha/earlyalpha/earlyalpha_3.html

[[Categoría: Hombres]]

[[Categoría: Nacidos en 1890]]

[[Categoría: Fallecidos en 1970]]

[[Categoría: Cirujanos estadounidenses]]

[[Categoría: Médicos estadounidenses del siglo XX]]

[[Categoría: Cirujanos del siglo XX]]

[[Categoría: Médicos afroamericanos del siglo XX]]

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2022-10-22T14:04:06Z

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== Fuente: ==

Ernest Anderson

2022-10-22T13:45:16Z

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{{Ficha Persona
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|alma máter = [[Universidad Northwestern]]
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|hijos =
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}} '''Ernest Anderson''' fue un actor estadounidense. Se hizo conocido por su papel en In This Our Life en 1942, donde interpretó a un joven asistente legal que es acusado falsamente de homicidio involuntario.
== Síntesis biográfica ==
[[Ernest Anderson]] Nacido el [[25 de agosto]] de [[1915]] en Lynn, [[Massachusetts]], ganó notoriedad por su actuación monumental en la película de [[1942]] In This Our Life, un único papel secundario que facilitó la alteración de las representaciones negativas presentadas de los afroamericanos en las películas de [[Hollywood]].Estudió en la Escuela Secundaria Dunbar en Washington, D.C. y en la Escuela de Drama y Oratoria de la [[Universidad Northwestern]].

Después de obtener su licenciatura se mudó a Hollywood donde trabajó como técnico para el estudio [[Warner Brothers]] antes de recibir su papel debut en In This Our Life. Fue [[Bette Davis]] la protagonista de la película, quien arregló la entrevista de Anderson para el papel de Perry Clay, un aspirante a abogado que es colocado falsamente en el centro de un escándalo de atropello y fuga cometido por una mujer sureña malcriada.

El guión originalmente requería que el personaje de Anderson cumpliera con los patrones de habla dialéctica que los cineastas de Hollywood obligaron a los afroamericanos a pronunciar durante la era anterior a la [[Segunda Guerra Mundial]]. Pero después de que Anderson discutiera la integridad del papel el director John Houston lo autorizó a presentar al personaje con dignidad, inteligencia y emoción.

Tras su éxito en In This Our Life, Anderson apareció en una serie de películas a lo largo de la década de [[1940]] aunque sus papeles fueron menos significativos. Después de su baja honorable del ejército, regresó rápidamente a Warner Brothers en [[1947]] como actor contratado. Permaneció activo en el cine hasta finales de la década de [[1960]] apareciendo en varias películas educativas y concentrándose en tratar de humanizar los papeles degradantes que se les dan a los actores afroamericanos.

Anderson murió en [[Los Ángeles]] el [[5 de marzo]] de [[2011]].

== Fuentes ==
* https://hmong.es/wiki/Ernie_Anderson

* https://blackthen.com/ernest-anderson-known-monumental-performance-life/

* https://www.famousfix.com/topic/ernest-anderson

[[Categoría: Hombres]]

[[Categoría: Nacidos en 1915]]

[[Categoría: Fallecidos en 2011]]

[[Categoría: actores masculinos estadounidenses del siglo XX]]

Archivo:Ernest Anderson.jpg

2022-10-22T13:44:53Z

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