EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Archivo:John Reed.jpg

2024-07-29T19:50:03Z

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== Fuente: ==

Archivo:Mihal Grameno.jpg

2024-06-10T17:20:58Z

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Mihal Grameno

2024-06-10T17:20:53Z

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'''Mihal Grameno''', fue un nacionalista, político, escritor, luchador por la libertad y periodista albanés. Fue uno de los cuatro delegados designados inicialmente por Korçë en el Congreso Nacional Albanés que proclamó la Independencia de Albania el [[28 de noviembre]] de [[1912]].

==Síntesis biográfica==
Nació en [[Korçë]] en una familia de comerciantes albaneses ortodoxos. Estudió en la escuela secundaria local antes de emigrar a Rumania en [[1885]] y no fua hasta su llegada a [[Bucarest]] donde se involucró en el Despertar Nacional albanés, donde el movimiento pronto colapsó debido a razones financieras de la familia extendida que dependía del dinero.

En [[1907]], se unió a la recién formada banda kachak de [[Çerçiz Topulli]], una de las primeras unidades guerrilleras que luchaban contra las tropas otomanas que en su mayoría albanesas y las políticas del sultán [[Abdul Hamid II]] en Albania. Se les consideraba los apóstoles del albanismo y iban de pueblo en pueblo para discutir la situación de Albania.

Durante la Revolución de los Jóvenes Turcos ([[1908]]), el mayor adjunto albanés [[Ahmed Niyazi Bey]] se reunió con los líderes guerrilleros Topulli y Grameno el [[23 de julio]] en [[Resne]], donde expresó su gratitud y consideró que la declaración de la constitución de la CUP era ventajosa para los albaneses. Grameno junto a Topulli y Niyazi aparecieron en fotografías tomadas por los hermanos Manakis durante la revolución.

En [[1909]], Grameno fundó en Korçë la Liga o también conocida como la Alianza Ortodoxa desempeñandose como editor de su periódico del mismo nombre durante [[1909]]-[[1910]].

En 1910, la organización proclamó el establecimiento de una iglesia albanesa independiente y no fue reconocida por el Imperio Otomano ni por el Patriarcado de Constantinopla en este mismo año fue arrestado por las autoridades otomanas por su trabajo en el periódico Bashkimi i Kombit.

Durante los levantamientos de [[1911]], viajó como intermediario entre los revolucionarios albaneses en tierras habitadas por albaneses y los líderes del movimiento nacional albanés en [[Estambul]] para coordinar actividades armadas contra el Imperio Otomano y asegurar una separación de las tierras albanesas del estado otomano.

Fue uno de los cuatro delegados designados inicialmente por Korçë en el Congreso Nacional Albanés que proclamó la independencia de Albania el [[28 de noviembre]] de [[1912]].

Se desempeñó como editor del semanario Koha, publicado inicialmente en Korçë y luego en [[Jamestown]], [[Nueva York]], donde vivió de [[1915]] a [[1919]]. Viajó de regreso a Europa para representar a Albania a través de la comunidad albano-estadounidense. en la Conferencia de Paz de París de [[1919]] y al año siguiente regresó a Albania.

En la década de [[1920]] desarrolló su actividad periodística y literaria hasta retirarse de la vida pública por problemas de salud.

==Muerte==
Gravemente enfermo, murió el [[5 de febrero]] de [[1931]] en [[Korçë]].

==Publicaciones==
* Vdekja (La Muerte), poema patriótico publicado en [[1903]];
* La maldición sobre la lengua albanesa, comedia publicada en Bucarest, [[1905]];
* Vdekja e Piros (La muerte de Pirro), tragedia histórica publicada en Sofía en [[1906]];
* El hogar, el beso y la tumba del bautismo, Korçë, [[1909]], cuentos;
* Las llagas, Manastir, [[1912]], un volumen de poesía;
* The Albanian Uprising, Korçë, [[1925]] (El levantamiento albanés), memorias de sus experiencias como guerrillero contra las tropas turcas y griegas.

== Fuentes ==
* https://www.epdlp.com/escritor.php?id=12015
* http://www.albanianhistory.net/1907_Grameno/index.htm

[[Categoría: periodista]] [[Categoría: poeta]] [[Categoría: escritor]]

Kajo Babjeni

2024-06-10T16:58:36Z

Jccarmen: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Kajo Babjeni |imagen = Kajo_Babjeni.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1833 |lugar de nacimiento =…»

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}}
'''Kajo Babjeni''', fue un kachak albanés, revolucionario y activista del Despertar Nacional Albanés de la región de Gorë, en el sureste de [[Albania]]. Era conocido como Kapedani i Gorës ('El Capitán de Gorë') y dirigía una banda armada en la región de Gorë.

==Síntesis biográfica==
Nació en el pueblo de [[Babjen]]. Provenía de una familia de combatientes kachak; su tío materno era Shahin Matraku, un conocido kachak, y Kajo inicialmente formó parte de la çeta que era una banda de luchadores de su tío.

El mismo en la última década del [[siglo XIX]], formó su propia çeta para luchar contra los turcos otomanos.La banda armada de Gorë de Babjeni estaba formada por 50-60 miembros.

Junto con las bandas armadas albanesas de Sali Butka y Spiro Bellkameni, Babjeni y sus combatientes liberaron brevemente Korçë en agosto de [[1912]]. Cuando el ejército helénico invadió el sur de Albania, comenzó a atacar Korçë el 5 de julio de [[1914]]; Kajo Babjeni defendió Nikolicë con 200 soldados.

Después de que el ejército francés ocupara Korçë el [[18 de octubre]] de [[1916]], los líderes albaneses locales, incluidos Sali Butka, Themistokli Gërmenji y Babjeni, coordinaron sus esfuerzos y tomaron medidas para protegerse contra una mayor fragmentación de las tierras albanesas; crearon el Comité de Defensa (Komiteti i Mbrojtjes), rodearon la ciudad con sus fuerzas e iniciaron negociaciones con los franceses que finalmente culminaron con la creación de la Provincia Autónoma de Korçë.

== Fuentes ==
* https://peoplepill.com/i/kajo-babjeni
* https://www.kajo.com/news/news.php

[[Categoría: combatiente]] [[Categoría: revolucionario]]

Archivo:Kajo Babjeni.jpg

2024-06-10T16:57:55Z

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== Fuente: ==

Lumturi Blloshmi

2024-03-27T12:55:42Z

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'''Lumturi Blloshmi''', fue una pintora, artista de performance, fotógrafa, artista de instalación que siempre experimentó con materiales y combinaciones de medios para lograr lo que llamó "un universo tangible distinto". Fue la primera artista albanesa en incorporar la performance en su obra.

==Síntesis biográfica==
Nacida en Tirana en [[1944]], se graduó en [[1968]] en la Academia de Bellas Artes de su Albania natal.

Quedó sorda a la edad de cinco años, creció como artista en un régimen que criticaba las representaciones artísticas y a menudo prohibía la expresión del arte, además de su condición de mujer en un campo dominado por hombres, como el arte albanés durante la era comunista, influyó mucho en su trabajo.

Siempre experimentó con materiales y combinaciones de medios para lograr lo que llamó "un universo tangible distinto". Situada dentro de los límites del arte figurativo, sus obras están fuertemente influenciadas por la imaginación y la transformación.

Trabajó antes y después de la caída del régimen comunista en [[1990]]. Al principio fue pintora, después de sus estudios, pero luego tuvo experiencias artísticas también como fotógrafa, artista de instalación y artista de performance.

Probablemente fue la primera artista albanesa en incorporar la performance en su obra. Su trabajo a menudo se presenta en series.

Sus obras están fuertemente influenciadas por su experiencia personal y el entorno en el que creció.

==Exposiciones individuales==
* 2006 Museo de Arte de Chelsea, [[Nueva York]], [[Estados Unidos]].
* 2004 Ambigüedad, Galería Nacional de Artes, [[Tirana]], [[Albania]]
* 2003 Menú Kama-Sutra, Galería Nacional de Artes, Tirana, Albania
* 2002 Espejo de identidad facial de los Balcanes, Kraljevo, [[Serbia]]
* 2001 Galería Jacques Cartier, Channy, [[Francia]]
* 1989 Galería Nacional de Artes, Tirana, Albania
* 2022 Pabellón de Albania, 59.a Bienal de [[Venecia]], [[Italia]]

==Premios==
* [[1997]] Onufri, Galería Nacional de Artes, Tirana, Albania

==Muerte==
Murió de Covid en [[2020]].

== Fuentes ==
* https://ejalbum.com/en/for/imago-mundi/lumturi-blloshmi/
* https://tiranapost.al/english/art-dhe-kulture/ishte-infektuar-me-covid-humb-jeten-piktorja-lumturi-blloshmi-73
* https://euronews.al/en/arts/2021/12/08/albania-represented-by-lumturi-blloshmi-at-the-59th-venice-biennale/

[[Categoría: Fotografo]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Artista]]

Archivo:Lumturi Blloshmi.jpg

2024-03-27T12:55:30Z

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Archivo:Kolë Idromeno.jpg

2024-03-13T21:00:09Z

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Shamsia Hassani

2024-03-13T18:56:09Z

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'''Shamsia Hassani''', es un artista callejero afgano, profesor de bellas artes y profesor asociado de Dibujo y Dibujo Anatómico en la Universidad de Kabul. Ha popularizado el "arte callejero" en las calles de Kabul y ha expuesto su arte en varios países, incluidos [[India]], [[Irán]], [[Alemania]], [[Estados Unidos de América]], [[Suiza]], [[Vietnam]], [[Noruega]], [[Dinamarca]], [[Turquía]], [[Italia]], [[Canadá]] y en misiones diplomáticas. Pinta graffitis en Kabul para crear conciencia sobre los años de la guerra. En [[2014]], fue nombrado uno de los 100 principales pensadores globales de FP y reconocida como una de las 100 mujeres de [[2021]] de la BBC.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[1988]] y pasó su infancia en [[Irán]]; sus padres habían inmigrado temporalmente allí, desde Kandahar, Afganistán, durante la guerra, mostró interés por la pintura desde muy joven. En noveno grado, no tuvo acceso a clases de arte, ya que no estaba permitido a los afganos en Irán. A su regreso a su pais en [[2005]], obtuvo una licenciatura en artes en la Universidad de Kabul. Hassani tiene una licenciatura en pintura y una maestría en artes visuales de la Universidad de Kabul en Afganistán.

Más tarde comenzó a dar conferencias y finalmente se convirtió en profesora asociada de Dibujo y Dibujo Anatómico en la Universidad de Kabul, estableciendo Berang Arts, un colectivo de arte contemporáneo. Creando coloridos graffitis, Hassani trabaja para enmascarar la negatividad de la guerra.[9] Afirma que "la imagen tiene más efecto que las palabras y es una forma amistosa de luchar". También utiliza su arte para luchar por los derechos de las mujeres, recordando a la gente las tragedias que las mujeres han enfrentado y continúan enfrentando en Afganistán.

Hassani estudió el arte del graffiti en Kabul en diciembre de 2010 durante un taller organizado por Chu, un artista de graffiti del Reino Unido.[10] Después del taller, Hassani comenzó a practicar arte callejero en las paredes de las calles de Kabul. Debido a que los materiales para graffiti son más baratos que los materiales para las formas de arte tradicionales, Hassani decidió continuar con esta forma de arte. Una de sus obras está en las paredes del Centro Cultural de Kabul y muestra a una mujer vestida con burka sentada debajo de una escalera. La inscripción debajo dice (en inglés): "El agua puede regresar a un río seco, pero ¿qué pasa con los peces que murieron?" Para evitar el acoso público y las acusaciones de que su trabajo es "no islámico", lo completa rápidamente (en 15 minutos).

== Fuentes ==
* https://www.theguardian.com/global-development/2021/oct/23/we-planted-a-seed-the-afghan-artists-who-painted-for-freedom
* https://www.dw.com/en/shamsia-hassani-the-afghan-female-graffiti-artist-capturing-womens-voices/a-58905958

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Shamsia.jpg

2024-03-13T18:55:57Z

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Archivo:A. Y. Jackson.jpg

2024-02-21T21:59:02Z

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== Fuente: ==

Jean-Paul Riopelle

2024-02-21T21:36:54Z

Jccarmen: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Jean-Paul Riopelle |imagen = Jean-Paul.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 7 de octubre de 1923 |l…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Jean-Paul Riopelle
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|fecha de nacimiento = [[7 de octubre]] de [[1923]]
|lugar de nacimiento = [[Montreal]], [[Canadá]]
|fecha de fallecimiento = [[12 de marzo]] de [[2002]]
|lugar de fallecimiento = Saint-Antoine-de-l'Isle-aux-Grues, Canadá
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|ciudadania = Canadiense
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|cónyuge = Joan Mitchell y Françoise Riopelle
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'''Jean-Paul Riopelle''', fue un pintor y escultor canadiense. Nacido en Montreal, estudió con [[Paul-Émile Borduas]] en los años [[1940]] y fue un miembro del movimiento Les Automatistes y uno de los firmantes del manifiesto Refus global.

==Síntesis biográfica==
Nacido en Montreal (Quebec), [[Canadá]] el [[7 de octubre]] de [[1923]]. De niño se inicia al dibujo y a la pintura. Estudia en la Escuela Politécnica y tras una breve y decepcionante estadía en la Escuela de Bellas Artes, en la Escuela del Mueble en Montreal, allí encuentra, estudiando con él, a Paul-Emile Borduas que pretende ser surrealista y el iniciador de la vanguardia. Riopelle realiza sus primeras obras abstractas a mediados de los años 40, años durante los cuales el artista participa a las actividades del grupo dicho ‘’los automatistas’’ canadienses. Comienza a exponer con el grupo y vive en Francia desde [[1946]], trabaja también la escultura y las artes gráficas.

Jean-Paul Riopelle vive por primera vez en Francia en 1947 y se instala en [[París]] donde sobresale en muy poco tiempo. Encuentra a [[André Breton]], firma el manifiesto surrealista, ‘’Ruptura inaugural’’ que será fuente de inspiración para la redacción, en [[1948]], del manifiesto de los automatistas canadienses ‘’Rechazo global’’. Por poco tiempo se asocia con los surrealistas y expone con el grupo en [[1947]].

En [[1949]] se trasladó a París y siguió su carrera como artista, donde él comercializó su imagen como «salvaje canadiense». Su compañera de pintura y también en la vida fue la pintora estadounidense [[Joan Mitchell]]. Mantuvieron casas y estudios separados cerca de Giverny, donde había vivido Monet. Se influyeron mutuamente en gran medida, tanto intelectual como artísticamente, pero su relación fue tormentosa, alimentada por el alcohol. En ciertas épocas, sus estilos eran marcadamente similares.

Su estilo cambió gradualmente del Surrealismo al Expresionismo abstracto, en el cual usaba una miríada de suaves cubos de color.

Está considerado como uno de los exponentes del tachismo, en el que las pinturas están elaboradas con manchas de color aplicadas en el lienzo de una manera espontánea o al azar, similar a las que se utilizaron en la pintura de grandes superficies de colores planos, realizó una serie de obras que pueden ser descritas como improvisaciones pintadas. En sus trabajos posteriores a 1950 aparecen gruesas bandas de pintura sacadas directamente del tubo, que crean unos diseños a modo de mosaicos de brillante intensidad. Sus obras posteriores, en especial las que pintó a partir de [[1956]], muestran grandes espacios en blanco, logrando un efecto libre y espacioso,

Diversifica sus medios de expresión, interesándose tanto a la tinta sobre papel, a la acuarela, la litografía, al collage como al óleo. A mediados de los años 60 es cuando el artista comienza su colaboración con la Galería Maeght ; de ahora en adelante en ella va a exponer con regularidad. Su carrera internacional cobra una nueva dimensión. Se organizan importantes retrospectivas de su obra en el mundo entero. Recibe el Premio Paul Emile Borduas en [[1981]].

Deja Francia en [[1989]] y en [[1992]] en homenaje a la pintora americana Joan Mitchell que acaba de morir y que fue su compañera durante veinte y cinco años, ejecuta una última obra de gran amplitud, ‘’Homenaje a Rosa Luxembourg‘’. Se debe considerar al pintor como un gigante de la historia del arte de la segunda parte del [[siglo XX]]; sus obras figuran en las colecciones de casi todos los mayores museos del mundo.

==Fallecimiento==
Jean-Paul Riopelle vive en Québec los últimos años de su vida y muere en la [[Isla de las Garzas]] en [[2002]].

== Fuentes ==
* https://www.mchampetier.com/biografia-Jean-Paul-Riopelle.html
* https://www.wikiart.org/es/jean-paul-riopelle/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry
* https://www.artnet.com/artists/jean-paul-riopelle/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Escultor]]

Archivo:Jean-Paul.jpg

2024-02-21T21:36:38Z

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== Fuente: ==

Xu Daoning

2024-01-06T18:13:58Z

Jccarmen: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Xu Daoning |imagen = |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 970 d.C |lugar de nacimiento = Shaanxi, Ch…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Xu Daoning
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|fecha de nacimiento = [[970]] d.C
|lugar de nacimiento = [[Shaanxi]], [[China]]
|fecha de fallecimiento = [[1052]]
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|nacionalidad = China
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|ocupación = Pintor,
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}}
'''Xu Daoning''', fue un pintor chino de la [[dinastía Song]] del Norte de Chang'an o Hejian. Comenzó su vida vendiendo recetas de medicamentos en [[Kaifeng]].

==Síntesis biográfica==
De Chang’an, provincia de Shaanxi. Al igual que [[Guo Xi]], era seguidor de [[Li Cheng]] y era muy apreciado por sus contemporáneos. Su pesca en un arroyo de montaña , el Museo Nelson-Atkins, Kansas City, es un majestuoso recorrido con pescadores y viajeros, una posada en la carretera y pabellones apartados, todos eclipsados por una serie extravagante de precipicios precipicios y cordilleras escarpadas.

Mientras vendía recetas, también comenzó a pintar escenas de la naturaleza al estilo de [[Li Cheng]].

Después de ganar popularidad, pintó murales para nobles chinos. Su obra más notable es la Canción nocturna de los pescadores (ca. [[1049]]).

== Fuentes ==
* https://br.pinterest.com/pin/818951513461615970/
* https://es.gallerix.ru/pedia/east-asian-art--chinese-painters/

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Shitao.jpg

2024-01-05T21:09:21Z

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== Fuente: ==

Archivo:Guan Tong.jpg

2023-12-12T21:51:20Z

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== Fuente: ==

Humberto Jaimes Sánchez

2023-11-02T16:30:43Z

Jccarmen: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Humberto Jaimes Sánchez |nombre completo = Ángel Humberto Jaimes Sánchez |imagen = Humberto_Jaimes.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de n…»

{{Ficha Persona
|nombre = Humberto Jaimes Sánchez
|nombre completo = Ángel Humberto Jaimes Sánchez
|imagen = Humberto_Jaimes.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[25 de junio]] de [[1930]]
|lugar de nacimiento = [[San Cristobal]], [[Tachira]], [[Venezuela]]
|fecha de fallecimiento = [[18 de junio]] de [[2003]]
|lugar de fallecimiento = [[Caracas]], [[Venezuela]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Venezolana
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|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Aleida Quero
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|padres = Ambrosio Jaimes y Zoila Rosa Sánchez
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'''Humberto Jaimes Sánchez''', fue un pintor, grabador, diseñador y docente venezolano. Es considerado uno de los artistas más importantes en la historia del arte de Venezuela de la segunda mitad del [[siglo XX]].

==Síntesis biográfica==
Nació el [[25 de junio]] de [[1930]] en San Cristóbal, estado Táchira. Fue el primero de nueve hijos de Ambrosio Jaimes y Zoila Rosa Sánchez. Su padre tenía como oficio la ebanistería y su madre se dedicaba al hogar. Las primeras letras las aprende con Regina Mujica, madre de Ramón J. Velásquez.

Luego de concluir los estudios de primaria ejerce diferentes oficios como pintor de carteles y realizador de artesanías y pesebres. Comienza el bachillerato en el liceo Simón Bolívar (San Cristóbal), los cuales concluirá en el liceo La Candelaria, en Caracas.

En esa época demuestra un interés por la pintura que llama la atención de sus maestros, quienes además de promover una exposición en la Biblioteca de la ciudad, influyen ante sus padres para que viaje a Caracas con la intención de estudiar arte. En 1947 se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas.

En la capital, como un modo de paliar los gastos de su manutención, trabajó en la oficina de Correos hasta [[1954]].

==Trayectoria Artistica==
En [[1950]], debido a desacuerdos con la dirección de la escuela y con sus métodos de enseñanza, participa en actividades de protesta que provocan su expulsión, junto con la de sus compañeros Omar Carreño, Jacobo Borges, Alirio Rodríguez, Víctor Valera, Ángel Hurtado, José Antonio Dávila, Genaro Moreno y Daniel Rincón, entre otros.

En [[1953]] decidió estudiar economía en la Universidad Central de Venezuela, carrera que abandonó un año después cuando asume la necesidad de dedicarle más tiempo a la pintura.

En [[1954]] recibe una beca de estudios y viaja a Europa. Allí se residencia primero en Roma y luego en Francia, donde recibe la influencia de la llamada Nueva Escuela de [[París]].

En [[1956]], se inscribe en la École nationale supérieure des Beaux-Arts para iniciar estudios de arquitectura, a los cuales renuncia antes de cumplir el año.

En [[1957]] atiende una invitación para exponer individualmente en la Pan American Union, Washington, donde reside durante un año. En esta ciudad participa en el encuentro de pintores latinoamericanos, junto con José Luis Cuevas, Alejandro Obregón, Armando Morales y Rodolfo Abularach, entre otros.

En [[1958]] regresa a Venezuela y se incorpora como profesor en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas.

A mediados de [[1960]] acompaña al artista y arqueólogo catalán José María Cruxent en una expedición por el estado Falcón, una experiencia que influirá en su obra, amén de las corrientes informalistas que comienzan a promoverse en el país. A finales de este año asume como director encargado de la Escuela Cristóbal Rojas, cargo que ocupará hasta el año siguiente.

En 1962 obtiene el Premio Nacional de Pintura en el XXIII Salón Oficial, por la obra Fragmento de tierra. En 1963 obtiene el premio de la Fundación Fina Gómez que le permite una estadía en Francia, a la cual renuncia a los pocos meses de iniciada. Viaja a Chile, Argentina y Uruguay como comisario de la exposición “22 pintores venezolanos de hoy”, organizada por el Museo de Bellas Artes y auspiciada por la Fundación Neumann.

En [[1964]] es nombrado director del Instituto de Diseño de la Fundación Neumann/Ince (1964-1970), y regresa a la Escuela Cristóbal Rojas como profesor de historia del arte. Obtiene el Primer Premio en el X Salón d’Empaire. En 1965 asiste como delegado por Venezuela al Seminario sobre arte y artesanía celebrado en México.

Este año contrae matrimonio con Aleida Quero. Entre [[1966]] y [[1969]] nacen sus tres hijos: Arturo, Humberto y Bárbara.

En [[1971]] forma parte de la Comisión Nacional Asesora para las Artes Plásticas del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. Participa en las actividades del grupo Presencia 70 que reúne a varios artistas de la generación de Jaimes Sánchez. Este año se instala con su familia en Valencia, estado Carabobo, donde asume la dirección de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena. En 1975 es nombrado comisario de la representación de Venezuela en la XIII Bienal de São Paulo. Al año siguiente participa en la creación del Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA).

En [[1978]] asiste como crítico, organizador y artista plástico al Encuentro Iberoamericano de Críticos de Arte y Artistas Plásticos, que se celebra en Caracas. Es jubilado por el gobierno regional de Carabobo y deja la dirección de la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena. En 1979 forma parte del equipo fundador de la Galería de Arte de la Universidad de Carabobo (hoy Galería Braulio Salazar). Este año obtiene el primer premio en el XXXVII Salón Arturo Michelena y regresa a Caracas.

En [[1980]] presenta la exposición individual "Tierras psicológicas" en la Galería de Arte Nacional, donde reúne una antología de su producción hasta entonces. En 1981 es condecorado con la Orden Andrés Bello en primera clase. En 1984 es removido de la Universidad de Carabobo. En 1990 ofrece una individual de su serie de Pueblos oblicuos en el Centro de Arte Armitano. En 1992 recibe la Orden Francisco Fajardo en primera clase, la Orden del Banco de Fomento de los Andes y una condecoración del gobierno de la República de Italia. Su obra es incluida en la exposición “Mirando a la América Latina y el Caribe” que se presenta en la Organización de Estados Americanos, Washington y en “De Venezuela. Treinta años de arte contemporáneo 1960-1990” que se muestra en Expo Sevilla 92. En 2001 recibe la Orden Manuel Felipe Rugeles. El Museo de Artes Visuales y del Espacio de San Cristóbal ofrece la exposición homenaje a sus 50 años de vida artística.

==Exposiciones==
* [[1945]]. Biblioteca y Salón de Lectura. San Cristóbal, Venezuela.
* [[1957]]. Humberto Jaimes Sánchez. Pan American Union. Washington.
* [[1958]]. Jaimes Sánchez. Gres Gallery. Washington, Humberto Jaimes. Roland de Aenlle Gallery. Nueva York y Humberto Jaimes. Instituto de Arte Contemporáneo. Lima.
* [[1959]]. Jaimes Sánchez. Museo de Bellas Artes, Caracas.
* [[1966]]. 16 pinturas. Galería Conkright. Caracas.
* [[1967]]. Imagen sin nombre. Galería 22. Caracas.
* [[1975]]. Humberto Jaimes Sánchez. Obras recientes. Sala Mendoza. Caracas.
* [[1976]]. Obras recientes. Universidad de Carabobo. Valencia, Venezuela.
* [[1978]]. Humberto Jaimes Sánchez. Sala Mendoza. Caracas.
* [[1979]]. Paisajes psicológicos y otras especies. Galería El Parque. Valencia, Venezuela.
* [[1980]]. Humberto Jaimes Sánchez. Tierras psicológicas. Galería de Arte Nacional. Caracas.
* [[1985]]. Piedra y muro. Galería Durban. Caracas.
* [[1989]]. Paisajes oblicuos. Galería Sin Límite. San Cristóbal, Venezuela.
* [[1990]]. Pueblos oblicuos. Centro Armitano Arte. Caracas.
* [[1994]]. H. Jaimes Sánchez. Sala Edeberto Barboza. San Cristóbal, Venezuela.
* [[1997]]. Fragmentos. Collages del pintor Humberto Jaimes Sánchez. Galería Trazos. Caracas.
* [[2001]]. Exposición homenaje 50 años de vida artística. Museo de Artes Visuales y del Espacio. San Cristóbal, Venezuela.
* [[2004]]. Humberto Jaimes Sánchez. Exposición antológica. Galería de Arte Nacional. Caracas.
* [[2007]]. Itinerario íntimo. Pinturas y dibujos. Galería Durban. Caracas.
* [[2008]]. Una primera modernidad. Colección Mercantil. Feria Iberoamericana de Arte. Caracas y Humberto Jaimes Sánchez. Centro Cultural Corp Group.

==Fallecimiento==
El [[18 de junio]] de [[2003]] Humberto Jaimes Sánchez fallece en [[Caracas]]. Al año siguiente se conforma la Fundación Humberto Jaimes Sánchez, la cual es administrada por su viuda e hijos.

== Fuentes ==
* http://humbertojaimessanchez.org.ve/obra.html
* https://www.instagram.com/fundacionhumbertojaimessanchez/?hl=es
* https://www.wikiwand.com/es/Humberto_Jaimes_S%C3%A1nchez
*

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Humberto Jaimes.jpg

2023-11-02T16:30:26Z

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== Fuente: ==

Aimée Battistini

2023-11-01T20:50:56Z

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'''Aimée Battistini''', fue una pintora venezolana. Desde joven reprodujo clásicos de la pintura al óleo. Al mudarse a [[París]] en [[1928]] junto a su familia, inicia cuatro años de estudios en la Academia Julian.

==Síntesis biográfica==
Nació en el año [[1916]] en [[El Callao]], [[Venezuela]], desde joven reprodujo clásicos de la pintura al óleo. Al mudarse a París en [[1928]] junto a su familia, inicia cuatro años de estudios en la Academia Julian. Trabaja en su propio estudio entre [[1936]] y [[1939]], período que estará marcado por una tendencia impresionista, aunque durante esta época también incursionó en el estilo cubista.

==Trayectoria artistica==
En [[1940]] regresa a Venezuela y nace su amistad con el pintor y escultor Alejandro Otero. Después de 1941 viviría en Nueva York y Ciudad de México, hasta que en 1945 regresa a Francia después de finalizada la Segunda Guerra Mundial. Su casa en París fue el centro de reunión del grupo llamado Los Disidentes, conformado por artistas venezolanos que eran partidarios del estilo abstraccionista y se encontraban en contra del canon plástico que estaba vigente en Venezuela, donde predominaban los estilos paisajistas, anecdóticos e indigenistas). Desde marzo de 1950 comenzaron a publicar una revista de arte abstracto homónima.

Participa en una exposición colectiva organizada en París por la Galería Denise René en [[1953]], aquí estuvo junto a importantes artistas de la vanguardia abstracto-geométrica se disuelve al año y se crea un nuevo grupo de artistas que funcionaba alrededor de su taller y que llevaba por nombre La Sapoara.

Desde [[1954]] hasta [[1961]] vivió en [[Buenos Aires]], y entonces regresa a París, donde estaría radicada hasta el día de su muerte. Tres años más tarde se retiraría definitivamente de la creación plástica.

Expuso en algunas colectivas como la "Primera muestra internacional de arte abstracto" en la Galería Cuatro Muros en la ciudad de Caracas durante [[1952]].

En la Galería Arnaud de París estuvo junto a Alirio Oramas en [[1953]].

A partir de [[1955]] expuso de nuevo en Venezuela, pero esta vez en el Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo en "Exposición internacional de pintura", luego en "Arte constructivo venezolano de [[1945]] a [[1965]] en la Galería de Arte Nacional de Caracas en [[1980]].

==Fallecimiento==
El [[8 de julio]] de [[1989]] en [[París]], [[Francia]].

== Fuentes ==
* http://www.ebefavenezuela.com/battistini_aimee.html
* http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/Battistini,_Aim%C3%A9e
* https://www.flickr.com/photos/ctam/5640158626

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Aimee Vereda.jpg

2023-11-01T20:50:35Z

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== Fuente: ==

Miguel Alandia Pantoja

2023-10-19T17:04:04Z

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}}
'''Miguel Alandia Pantoja''', fue un pintor y muralista boliviano.

==Síntesis biográfica==
Nació [[27 de marzo]] de [[1914]], en la zona minera de Catavi, Potosí, combatió en la Guerra del Chaco ([[1932]]-[[1935]]) y fue hecho prisionero. Gran parte de sus trabajos están inflamados por el tema del patriotismo y la exaltación de la clase obrera-trabajadora (en especial, minera) campesina e indigenista.

Su infancia estuvo marcada por las injusticias sociales y por un ambiente familiar donde se incentivó el amor al arte y la literatura. De ahí que el olor al óleo y a la copagira fueron las sensaciones que más perduraron en su vida. No cursó estudios en academias de bellas artes, pero atesoró un talento innato que lo convirtió en un artista autodidacta, con una vocación creadora que lo llevó a escalar las cumbres más elevadas de la plástica latinoamericana.

A muy temprana edad, por influencias de su padre, tomó conciencia de los antagonismos entre la oligarquía minera y las pujantes organizaciones obreras, y no tardó mucho en asumir una filosofía revolucionaria que más tarde sería uno de los motivoS.

El período que siguió a la guerra se caracterizó por la afirmación de la identidad nacional boliviana, la fractura profunda del poder oligárquico de los "barones del estaño" y los grandes propietarios de tierras; y por el ascenso de nuevas fuerzas políticas, la organización de sindicatos obreros en las minas de estaño y movilizaciones indígenas y campesinas.

Miguel Alandia empuñó un fusil junto con miles de activistas por las calles de La Paz en los combates entre el 9 y el [[11 de abril]] de [[1952]]. El ejército fue derrotado por las milicias populares, junto con el poder de las oligarquías. Participó de la fundación de la Central Obrera Nacional, predecesora de la Central Obrera Boliviana (COB), y fue el responsable de la edición de su primer periódico La Rebelión y miembro de la comisión de organización del primer congreso da COB.

Con el impulso de las medidas revolucionarias, se erigieron los murales y otras obras de arte en el 'Museo Nacional de la Revolución y en otros espacios culturales, políticos y sindicales para conmemorar los acontecimientos de 1952.6 Fueron incentivados artistas dispuestos a tematizar el nacionalismo a partir de las imágenes y letras de las comunidades indígenas y las masas populares.

Enesa época hay una confluencia de artistas y poetas en torno a las ideas del pintor, tal es el ejemplo del Poeta, escritor [[Jaime Saenz]], también el futuro guionista y cineasta Oscar Soria, quienes lanzaron la revista Hombre, en [[1954]]; otros artistas afines al MNR y a su gobierno; y otro grupo de artistas distanciados del compromiso político y dedicados a temas y formas abstractos.

==Trayectoria Artistica==
Los murales de Miguel Alandia se multiplicaron en los espacios públicos. En el Palacio Quemado pintó en 1953 Historia de la Mina, con 86 m², obra que conoció [[Diego Rivera]] en su viaje a La Paz, ese año.

En el auditorio principal del Hospital Obrero de La Paz está el mural Historia de la medicina, elaborado en 50 m² el año de [[1956]], que representa el avance de la ciencia médica, en diálogo con los saberes indígenas y la medicina tradicional. La serie de cinco murales Petróleo en Bolivia está en la sede de Yacimientos Petrolíferos Fiscales Boliviano desde [[1957]].

A partir de este año [[1957]], el pintor fue invitado a México para exponer sus pintura en el Palacio de Bellas Artes del Distrito Federal. Durante este viaje pintó el lienzo de [[Fidel Castro]] que en ese momento combatía a las tropas de Batista en la Sierra Maestra.

El cuadro era exhibido en la calles de México en campañas para recaudar dinero para ayudar a financiar la revolución se gestaba en Cuba.

En [[1959]], apenas triunfaron los revolucionario cubanos, Alandia llegó a exponer en el Museo de Arte y otros lugares de La Habana. El lienzo de está ahora en el hall de la embajada cubana en [[Bolivia]].

==Exposiciones y premios==
Su primera exposición se realizó en 1937.
Sus exposiciones más importantes tuvieron lugar en Buenos Aires (1945).
[[1947]] Santiago de Chile.
[[1957]] a 1970 México y Costa Rica.
[[1958]] Gran Premio Nacional de Pintura de La Paz.
[[1959]] La Habana y Caracas
[[1960]] Obtuvo Mención Honrosa, en la Primera Bienal de México de 1958.
Checoslovaquia (1964), Hungría, Yugoslavia y Viena.
En 1963 recibe la Condecoración Estrella de Águila, (Antigua Yugoslavia)
[[1965]] Montevideo
[[1967]] Lima.

Cuando el [[18 de septiembre]] de [[1980]] se inició la demolición del edificio de la Federación de Trabajadores Mineros y de la COB, los militares golpistas no tuvieron el menor reparo en deshacerse del mural titulado “Huelga y Masacre”, de 34 m².

El mural fue rescatado de las manos de los golpistas por la familia del artista y la UNESCO, pero fue a parar a la oficina de la Aduana Nacional.
No solo sufrió daños en el ataque, sino también por factores climáticos, al estar en la intemperie, en la aduana. Fue restaurado desde [[2009]].
En [[2014]], completada la restauración, devuelto a los sindicatos.
En [[2017]], en el que fue el centro minero de Milluni, donde se originaron los combates de la revolución del 52, fue descubierto otro mural de Alandia, que estuvo cubierto por escombros durante décadas.

==Muerte==
Murió durante su exilio en un hospital de Lima (Perú), el [[2 de octubre]] de [[1975]], tras una larga enfermedad. Ese mismo año sus restos fueron inhumados en la ciudad de La Paz; el cortejo fúnebre partió del local de la Federación de Mineros entre llantos y voces que murmullaban: «Alandia sigue vivo. Alandia es inmortal».

== Fuentes ==
* https://laresistencia.info/cementerio-de-elefantes-y-la-recuperacion-de-un-hijo-de-miguel-alandia-pantoja/
* https://pedroquerejazu.wordpress.com/2015/02/19/miguel-alandia-pantoja/
* https://margencero.es/montoya/miguel_alandia.htm

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Miguel Alandia Pantoja.jpg

2023-10-19T17:03:53Z

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== Fuente: ==

Juan Carlos Figari

2023-10-16T18:23:42Z

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}}
'''Juan Carlos Figari''', fue un excelente artista plástico y arquitecto uruguayo, también conocido como Juan Carlos Castro.

==Síntesis biográfica==
Nació en Montevideo, [[5 de diciembre]] de [[1893]], hijo de Pedro Figari Solari y de María de Castro Caravia.

Se graduó como arquitecto en 1915 y fue docente en la Escuela de Artes y Oficios (hoy Universidad del Trabajo) en la época en que la dirigió su padre, de quien también fue su brazo derecho.

Excelente dibujante y buen pintor, colaboró en obras de su padre, lo que puede leerse en algunos cuadros firmados "P.Figari-Col." (colaborador). y seguramente habría sido un grande si hubiera podido despegar. Durante su corta vida su norte fue estar junto a su padre en todo sentido.

En [[1921]] ambos se radicaron en Buenos Aires e hicieron juntos su primera exposición en la Galería Müller.

Su última presentación fue en [[1927]] en la Galería Druet de París, inaugurada pocos días antes de su temprana muerte, a los 33 años.

==Fallecimiento==
En [[1927]], radicados ambos en París, Juan Carlos contrajo una infección al oído y falleció tres días después, de lo que podría haber sido una meningitis, fue enterrado en el cementerio del Père-Lachaise, en [[París]], y luego trasladado definitivamente al Cementerio Central de Montevideo.

== Fuentes ==
* https://issuu.com/bmrproductoracultural/docs/00_2019_manhard_sasson/s/11917446
* http://museos.gub.uy/arteactivo/artistas/item/figari-juan.html

[[Categoría: Artista Plastico]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Juan Carlos Figari.jpg

2023-10-16T18:22:28Z

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== Fuente: ==

Knut Alfred Ekwall

2023-09-02T16:51:35Z

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|familiares = Su hermana Emma se convirtió en artista. Gustaf (1858–1920) y Hugo (1854–?), se convirtieron en grabadores de metales.
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}}
'''Knut Alfred Ekwall''', fue un pintor e ilustrador sueco. Es más conocido por sus obras de género, las mismas tienen como temas mujeres y niños.

==Síntesis biográfica==
Nació [[3 de abril]] de [[1843]] en [[Parroquia de Säby]], su padre era alguacil de la Crown Enforcement Authority.

[[Marcus Larson]] se dio cuenta de su talento y en [[1858]] le ofreció espacio en su estudio. El estudio se quemó, pero aun así pudo estudiar con él y, sobre esa base, obtener la admisión en la Real Academia Sueca de Bellas Artes, donde Estudió de [[1860]] a [[1866]], con énfasis en la tala de madera. Después de graduarse, trabajó como caricaturista en el Ny Illustrrad Tidning. Gracias al apoyo financiero del conde [[Gustaf Trolle-Bonde]], pudo estudiar en [[Alemania]]. fue alumno de [[Ludwig Knaus]] en [[Berlín]].

En [[1870]] trabajó como artista en [[Múnich]] y luego se trasladó a [[Leipzig]], donde trabajó para el Illustrirte Zeitung.

En [[1871]] se casó con la cantante de ópera Johanna Maria Theresia Burkowitz-Pönitz (1851-1933) y decidió quedarse en Alemania. En [[1876]] se trasladaron a Berlín, donde estudió con el famoso retratista y pintor de género Ludwig Knaus, trabajó como ilustrador para varias publicaciones, incluida Die Gartenlaube y proporcionó ilustraciones para el poema épico Saga Frithiofs, traducido por Esaias Tegnér.

Él y Johanna regresaron a Suecia en [[1885]], con sus siete hijos, y se instalaron en una casa que él mismo había diseñado, a orillas del lago Sommen. Aunque no ocupaba ningún cargo oficial, los lugareños lo llamaban "Profesor". Sin embargo, viajó constantemente organizando exposiciones. Durante sus ausencias, Johanna daba lecciones de música a los niños. Cinco de ellos se hicieron conocidos como Ekwallska Kvintetten y realizaron giras por toda la zona. En [[1890]] tuvieron otra hija, Runa, que se convirtió en escultora.

==Fallecimiento==
En [[1912]], su casa en el lago Sommen se incendió. La mayor parte de su trabajo y documentos personales se perdieron. Estuvo enfermo en su dormitorio durante algún tiempo, pero fue rescatado y llevado al cercano sanatorio Romanäs. Unas semanas más tarde, murió allí.

==Obras==
Pueden verse en el Nationalmuseum y en el Nordiska museet: El pescador y la sirena.

Su hermana, Emma, también se convirtió en artista. Sus hermanos, Gustaf (1858–1920) y Hugo (1854–?), se convirtieron en grabadores de metales.
== Fuentes ==
* https://www.meisterdrucke.es/artista/Knut-Ekwall.html
* https://www.mutualart.com/Artist/Knut-Ekwall/3726F38473BFA642
* https://www.reprodart.com/a/ekwall-knut/berlinzoologischergkinder.html

[[Categoría: Ilustrador]] [[Categoría: Pintores]]

Gunnar Brynolf Wennerberg

2023-09-02T15:47:32Z

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{{Ficha Persona
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'''Gunnar Brynolf Wennerberg''', fue un pintor y diseñador gráfico sueco-alemán. A veces se le conoce como "El Joven", para distinguirlo de su padre del mismo nombre.

==Síntesis biográfica==
Nació [[12 de agosto]] de [[1866]] en el seno de una familia aristocrática y terrateniente, su padre, Gunnar Brynolf Wennerberg, era un artista especializado en pinturas de animales. A menudo se celebraban salones de arte en su casa.

En [[1885]] inició sus estudios en una escuela de artes y oficios de Estocolmo. Al año siguiente, se trasladó al recién fundado Kunstnernes Frie Studieskoler en Copenhague, donde su instructor principal fue [[Peder Severin Krøyer]].

En [[1888]] se trasladó a Leipzig, que entonces era el centro de la industria editorial alemana, y trabajó como dibujante. Allí conoció y se casó con Helene Pauline Hermann. Tuvieron dos hijas. Su carrera comenzó en serio en [[1892]], cuando empezó a trabajar para la satírica Meggendorfer-Blätter. Crearía dibujos para ellos hasta [[1901]]. En [[1898]] diseñó su primer cartel para un evento.

Hacia [[1900]] se mudó con su familia a Fürstenfeldbruck. Allí nació una tercera hija en [[1902]]. Se trasladaron a Munich en [[1905]] y en [[1908]] abrió su propio estudio.

Al año siguiente, se convirtió en ilustrador de Simplicissimus, otra revista satírica. Estuvo asociado con ellos hasta [[1919]] y produjo 103 ilustraciones, muchas de las cuales serían reproducidas en forma de postales.

En [[1911]], su segunda hija, Ellen, murió de tuberculosis. Helene no pudo recuperarse de la pérdida y su matrimonio se rompió. Murió repentinamente en [[1912]], a la edad de cuarenta años, poco después de que a Brynolf y sus hijas supervivientes se les concediera la ciudadanía bávara.

Después de eso decidió abandonar Munich. Viajó a la Isla de Wight, con su hija menor, Charlotte, y Anny von Řezníček, viuda del artista Ferdinand von Řezníček, con quien se casó allí. Posteriormente se les unió su hija mayor, Astrid. Permanecieron poco tiempo antes de establecerse en París. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se alojaban en su casa de verano cerca de Mammern, Suiza. No pudieron regresar a Francia y todas sus pertenencias se perdieron.

Desde [[1915]] vivió en Bad Aibling y trabajó en un estudio que anteriormente ocupaba el retratista Wilhelm Leibl. Durante la guerra, contribuyó con dibujos a la revista de humor Lustige Blätter.

A partir de [[1920]] y [[1930]], produjo materiales publicitarios en los que aparecían mujeres jóvenes y esbeltas, con una expresión facial que se conoció como la "sonrisa de Wennerberg". Durante la mayor parte de sus últimos años, se concentró en la pintura, más que en el diseño gráfico. Algunos de ellos eran paisajes sencillos de la Alta Baviera.

==Obras==
* Getting Dressed
* Dancers
* Fasching in Munich (Columbina and Pierrot)
* "Mirror, Mirror..."
* Wedding Dowry

== Fuentes ==
* https://es.artprice.com/artista/84065/brynolf-wennerberg
* https://www.reprodart.com/a/wennerberg/tanzpaar-6.html
* https://www.meisterdrucke.es/artista/Brynolf-Wennerberg.html

[[Categoría: Diseño Grafico]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Robert Thegerström

2023-08-02T16:56:59Z

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|nacionalidad = Sueco
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|educación = Real Academia Sueca de Bellas Artes Academia Julian
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|ocupación = Pintor y Artísta plástico
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|premios =
|titulos =
|récords =
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|web =
|notas =
}}
'''Robert Thegerström''', fue un pintor y artista gráfico sueco.

==Síntesis biográfica==
Nacido el [[6 de junio]] de [[1857]] en [[Londres]], hijo de un comerciante sueco, Thegerström se formó en la Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo con [[Ernst Josephson]], [[Carl Larsson]], [[Bruno Liljefors]] y [[Richard Bergh]] (miembros de la Opponenterna).

Más tarde se instaló en París donde frecuentó la Academia Julian y visitó el Salón de los impresionistas, permaneciendo en Francia doce años.

En [[1887]] se casó con Elin Lamm, familia de la esposa del pintor Anders Zorn, con quien Thegerström cultivaría una amistad profesional y practicaría la pintura «au plein air» (al aire libre). Con Zorn viajaría a España y al norte de África, donde tomó muchos apuntes de lo que luego sería su obra más romántica, al filo de lo costumbrista y el orientalismo.

En [[1889]], participó en la Exposición Universal de París y consiguió varias medallas por sus motivos al pastel. Regresó a Suecia en [[1892]], continuando un estilo entre el impresionismo y el tipo de romanticismo que en esos años se practicaba en su país.

Entre [[1895]] y [[1896]] se inició en las artes gráficas con [[Axel Tallberg]], y pintó decorados para el Dramaten de la capital sueca.

Tiene obra en el Museo Nacional de Suecia, en Estocolmo, el Museo de Bellas Artes de Gotemburgo, la Östgöta nation de Upsala, así como en el Museo de Orsay. Miembro del Konstnärsförbundet.

==Muerte==
Murió en Estocolmo, el [[9 de agosto]] de [[1919]].

== Fuentes ==
* https://trianarts.com/maestros-del-paisaje-el-sueco-robert-thegerstrom/
* https://www.meisterdrucke.es/artista/Robert-Thegerstrom.html
* https://es.artsdot.com/@/Robert-Thegerstrom

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Robert Thegerström.jpg

2023-08-02T16:56:24Z

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== Fuente: ==

Eugenio Napoleón Nicolás

2023-08-02T16:36:31Z

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'''Eugenio Napoleón Nicolás de Suecia''', fue príncipe de Suecia y Noruega, y duque de Närke. Era el cuarto y último hijo del rey Óscar II de Suecia y de Sofía de Nassau, y hermano menor del rey Gustavo V. Se lo conoce en Suecia como "Prins Eugen".

==Síntesis biográfica==
Nació el [[1 de agosto]] de [[1865]] en [[ Palacio de Drottningholm]], [[Suecia]].

Siendo el más joven de cuatro hermanos y se siempre fue muy cercano a su madre. La reina Sofía se aseguró de que pusieran a los niños en una escuela privada para varones en lugar de enseñarles en casa, como era costumbre entre los miembros de la realeza. Cuando Eugenio tenía siete años, su padre, el rey Oscar II, fue coronado y la familia se mudó al Palacio Real de Estocolmo, lo que causó una gran tristeza al príncipe, que hubiera preferido seguir viviendo en la tranquilidad del palacio Drottningholm, fuera de la ciudad.

Eugenio provenía de una familia donde no reinaba el amor. La reina Sofía tuvo fue engañada abiertamente por su marido y pasaba largas temporadas en el extranjero para escapar de la humillación que sufría en Suecia. Se llevaba con ella a Eugenio a Heidelberg (Alemania), donde el joven adolescente recibió clases de pintura como parte de su educación general.

Cuando Eugenio declaró que quería ser artista en serio, su padre no puso salir de su asombro: no concebía la idea de que el hijo del rey de Suecia vendiera pinturas en lugar de hacer carrera en el ejército. Pero la reina Sofía se dio cuenta de que su hijo menor había estudiado arte en París y se había dedicado a una vida bohemia a principios de los años veinte.

La colonia de artistas suecos inicialmente se mostró escéptica al traer a un príncipe frívolo al círculo, pero se enamoró de su estilo sencillo y modesto. Allí, Eugen se convirtió en un buen amigo de los artistas Anders Zorn y Carl Larsson. Una vez de vuelta en Suecia, durante la década de 1890 pintó la mayoría de sus pinturas más famosas, «The Old Castle» y «Molnet» se han convertido en tan queridos que ahora están disponibles como carteles. Firmaba sus obras con el nombre de «Eugéne» y popularmente era conocido como el «Målarprinsen» (el príncipe pintor).

Varias de las pinturas del príncipe llegaron a Tyresö, donde pasó una gran cantidad de veranos junto con sus amigos artistas. De lo contrario, vivió durante mucho tiempo con su hermano Carlos en el palacio de Arvfsten. Cuando Eugenio se acercaba a los cuarenta años, construyó la casa con forma de castillo en Waldemarsudde, adonde se mudó [[1905]]. La casa estaba repleta de obras de arte, tenía un parque con esculturas y un jardín con flores espinosas.

Fue un reconocido pintor, coleccionista de arte y patrocinador de artistas. Su carrera fue desestimada por su padre el rey, pero finalmente sería enviado a estudiar en Suecia y a París. Varias de sus obras ilustran paisajes típicos de Suecia. Trabajó en la decoración de los muros del Real Teatro de Arte Dramático en Estocolmo, en el Palacio Municipal de Estocolmo y en el altar de la Iglesia de Kiruna.

En [[1905]] compró la villa de Waldemarsudde, en Djurgården, que sería rediseñada en el estilo del modernismo. Ahí reunió una valiosa colección de arte, que incluye pinturas de importantes artistas suecos como Anders Zorn, Carl Larsson o Ernst Josephson. En el patio de la casa se halla una colección de obras de grandes escultores, como [[Carl Milles]] y [[Carl Eldh]], donó la mansión al Estado sueco por medio de su testamento. En la actualidad funciona como museo.

==Muerte==
Falleció en su casa de Waldemarsudde en 1947. Fue uno de los primeros miembros de la casa real sueca en ser cremados. Su urna funeraria se halla en esa misma casa.

== Fuentes ==
* https://secretoscortesanos.wordpress.com/2021/08/19/la-vida-casi-desconocida-de-eugenio-de-suecia-el-principe-pintor/
* https://principeeugeniodesueciapintor.jimdosite.com/
* https://gocity.com/stockholm/es-us/attractions/prince-eugens-waldemarsudde
* https://www.alamy.es/ingles-el-principe-eugenio-de-suecia-y-noruega-1865-1947-1905-pintor-desconocido-por-desconocidos-en-la-foto-publicada-como-ahlen-holm-198-eugen-de-suecia-1905-image188257675.html

[[Categoría: Rey]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Duke]]

Archivo:Eugenio principe de suecia.jpg

2023-08-02T16:36:12Z

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== Fuente: ==

Emile Mahieu

2023-07-18T19:42:28Z

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'''Emile Mahieu''', fue un pintor de arte y decoración belga de Eernegem.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[24 de octubre]] de [[1861]], tomó clases (pintura decorativa/adornos) en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes (KASKA) en el período [[1880]] a [[1883]]. Su maestro fue [[Lucas Victor Schaefels]].

Su obra incluye docenas de pinturas, incluidos pinturas de paisajes, bodegones, pinturas religiosas y retratos. Estas obras datan del período [[1884]] a la primera mitad del [[siglo XX]].

El estudio de pintura de Mahieu estaba ubicado en la parte trasera de la mansión "Casa de Anna Mahieu". Decoró esta casa con escenas pintorescas. La pintura del techo de la sala de música de la cercana notaría Boedts también fue de su mano.

Un ejemplo notable de un retrato es la "Madonnina de Mahieu" firmada en [[1889]]. Esta pintura parece estar inspirada en la Madonnina del contemporáneo [[Roberto Ferruzzi]], la misma se firmó 8 años antes de que la "Madonnina de Ferruzzi" ganara la segunda Bienal de [[Venecia]] en [[1897]].

[[Therese de Lisieux]] fue una importante fuente de inspiración para su arte religioso, ya que aparece varias veces en su obra. A menudo se la representa con un crucifijo y rosas en la mano. La mayor parte de su obra consiste en composiciones con frutas y flores, siendo innegable la influencia de su maestro [[Lucas Victor Schaefels]], especialmente en sus primeros trabajos.

Tuvo tres hijos y fue el padrino de [[Anthony Devreker]].

==Muerte==
Falleció el [[22 de marzo]] de [[1955]].

== Fuentes ==
* https://www.wikiwand.com/nl/Emile_Mahieu
* https://gw.geneanet.org/teko?lang=fr&n=mahieu&oc=1&p=emile
* https://tel.opendi.be/mouscron/717238.html
* https://www.delcampe.net/es/coleccionismo/imagenes-religiosas/emile-mahieu-1902-1984-1580457052.html

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Emile Mahieu.jpg

2023-07-18T19:42:04Z

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Ernest van den Driessche

2023-07-17T20:20:29Z

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'''Ernest van den Driessche''', fue un pintor belga nacido en Eine, cerca de Oudenaarde.

==Síntesis biográfica==
Nacido en [[1894]] en Eine, fue pintor y dibujante, mayoritariamente autodidacta.

Comenzó a pintar y dibujar alrededor de [[1930]] y se ocupó principalmente de temas folclóricos y religiosos, ferias, procesiones, fiestas.

Fue un importante representante de la pintura naif y sus obras se caracterizan por un uso generoso de pasta pictórica y el uso de una paleta de colores vivos, prestó especial atención a la vida popular flamenca.

==Trayectoria artística==
Su obra se enmarca dentro de la figuración naïve de los pintores belgas, aunque su técnica es claramente heredera de los pintores flamencos costumbristas que influyeron en su formación.

Algunas de sus obras recuerdan composiciones de James Ensor. Fue ciudadano de honor de la ciudad de Oudenaarde. Expuso por primera vez en la galería Elmar de Gante (1958).

Su obra se expuso en numerosas ocasiones en Bruselas, Hasselt, Luik, Bratislava en [[1966]] y [[1969]], Zagreb en [[1970]].

Se le menciona en Visual Arts in and around Waregem (1971), BAS I y Dos siglos de firmas de artistas belgas. (Pirón).

Retrospectiva en [[1978]] en el ayuntamiento de Oudenaarde y en 2013 en Gante 'Mannekens, Meiskes and Peeties'. Podemos encontrar su obra en el museo de Kortrijk, entre otros lugares.

Fue un pintor muy querido en su entorno geográfico, Assenede, Gante, Lokeren, Oudenaarde, Wagerem, Verviers, París, y su obra se encuentra presente en numerosos museos belgas.

===Estilo y obra===
La riqueza de dibujos y pinturas de Ernest Van den Driessche suelen estar relacionada con una interpretación onírica de la realidad. Su pintura se caracteriza por una interacción entre la realidad y la imaginación, dando como resultado una gran riqueza de elementos que aparece muy pormenorizada e individualizada durante la madurez.

Entre sus temáticas habituales destacan la familia, las fiestas populares, las leyendas y lo sacro, sobresaliendo en esta sección las historias bíblicas y religiosas.

Todo ello da lugar a una unidad narrativa que no está exenta de una interpretación personal de la realidad que es poco común en la pintura del período en su entorno geográfico.

Muestra de ello es el hecho de que en su pintura de emadurez rara vez faltan las personas, siendo estas de una gran importancia para conformar un paisaje urbano o rural.

Pintó de manera instintiva y su obra es un fiel reflejo de la tradición popular del mundo rural belga.

==Muerte==
Falleció en [[1985]] en [[Oudenaarde]].

== Fuentes ==
* https://www.belgian-art-gallery.be/ernest-van-den-driessche/
* https://www.mutualart.com/Artist/Ernest-van-den-Driessche/AF5FA879EBCF67E2
* https://www.maisonjules.be/auction-lot/ernest-van-den-driessche-1894-1985_DCD4B70B2
* https://www.artnet.com/artists/ernest-van-den-driessche/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Ernest Van Den D.jpg

2023-07-17T20:20:13Z

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== Fuente: ==

Horacio Cardo

2023-06-07T21:35:32Z

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'''Horacio Fidel Cardo''', fue un pintor, dibujante e ilustrador argentino.
==Síntesis biográfica==
Nació en Temperley, Provincia de Buenos Aires, el [[20 de mayo]] de [[1944]].

Desde muy temprana edad comenzó su carrera profesional publicando en numerosos medios nacionales e internacionales. Prolífico creador, además de sus pinturas y obras tridimensionales, abordó otros géneros, como el humor, el dibujo y la ilustración de libros.
Alberdi 62 casa donde nació Horacio Cardo

Reconoció la influencia de pintores tan disímiles como Amedeo Modigliani, Chaim Soutine, André François, Ronald Searle, Jean Dubuffet, Antonio Saura —su “Retrato imaginario de Briggite Bardot”, expuesto en el Instituto Di Tella, lo impresionó por su calidad, pero más que todo debido a que por aquella época, inadvertidamente, él estaba ejecutando trabajos en esa línea—, entre otros.

==Trayectoria artística==
Realizó varias colaboraciones con infinidades de revistas populares y culturales argentinas, realizó su primer libro ilustrado llamado “El Compadrito”, de [[Jorge Luis Borges]] y [[Silvina Bullrich]], publicado por la Compañía General Fabril Editora a la edad de veintidós años.

Desde [[1983]] hasta [[2007]], colaboró regularmente en forma free-lance con The New York Times, y desde [[1994]] hasta su muerte, hizo lo propio con el International Herald Tribune, con base en París, de circulación en Europa y Asia.

Radicado en los Estados Unidos, colaboró con los medios más prestigiosos de ese país: The Washington Post, Los Angeles Times, The Wall Street Journal, Chicago Tribune, Time magazine, Business Week, Playboy, Bloomberg, Le Monde, The Nation, y decenas de otros. Ilustró pósteres para películas y obras de teatro de Broadway.

Sus decenas de cubiertas para libros de grandes pensadores y políticos, realizadas para la Editorial Planeta, de [[Barcelona]], y el diario El Mundo, de [[Madrid]], lograron una singular notoriedad.

Expuso en numerosas oportunidades, en el Salón Anual de los Dibujantes de la Argentina, Galería Peuser, en 1965. Participó en exposiciones en Knooke-Heist, [[Bélgica]], en [[1974]] y [[1976]], en Montreal, Canadá, en 1976, en el CAyC (Centro de Arte y Comunicación) de [[Buenos Aires]], en [[1988]], varias veces en la Society of Illustrators, Museum of American Illustration, fue seleccionado para la exposición Artists of The Nation, en la Columbia University, [[1990]] a [[1991]], en la Harvard University, en este mismo último año, en el Art Center College of Design de Pasadena, California, y en [[1992]], en el Parson School of Design, de New York.

Participó en la Exposición colectiva: “Human Rights, as seen by the world’s leading catoonists”, en [[Viena]], [[Austria]], [[1993]], conjuntamente con la Conferencia Mundial sobre Derechos Humanos de las Naciones Unidas.

Realizó una especie de acotada exposición retrospectiva, “Testimonios”, en el Teatro Argentino de La Plata, organizada por la citada institución y la Dirección de Arte y Cultura de la Universidad Nacional de La Plata, en [[2009]].

A esta le siguieron otras: “Psicomigraciones”, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, en 2009 hasta 2010, “Evocaciones”, en el Museo Dámaso Arce de Olavarría, y “Testigo ocular”, en el Museo Castagnino, de Mar del Plata.

==Premios y reconocimientos==
* Medalla de Oro otorgada por la Asociación de Dibujantes de la Argentina, en 1965.
* En 1987 fue postulado para el Premio Pulitzer por Jack Rosenthal. Editor en Jefe del The New York Times, que lo convierte, junto a Brad Holland, en los únicos dos ilustradores postulados para ese galardón.
* Recibió numerosos premios de entidades como la Society of Newspaper Design, la Society of Publication Design, la Society of Illustrators de New York, la Print’s Regional Design Annual, la Society of Dimensional Illustrators, todas ellas de los Estados Unidos, como así también por la Aydin Dogan Foundation, Estambul, Turquía, en 2009.
* Gran Premio de Ilustración en el XVIII Salón Internacional de Diseño de Porto Alegre, Brasil, en 2010,3 en el Museo Nacional da Imprensa Portuguese Printing Press Museum, de Portugal y Primer Premio de Pintura en la I Bienal Lucio Correa Morales, organizada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, el Museo Benito Quinquela Martín y la Municipalidad de Navarro, 2010.
* Primer Premio “Así nos ven” (Cosi ci Vedono) en el certamen organizado por la FASI (Federazione Associazione Sarde in Italia).

==Libros==
[[1998]] Abbeville Press Publishers, de Nueva York, publica su primer libro de ficción, escrito, diseñado e ilustrado “Dos reinos en juego”, con el título: The Story of Chess. Luego, el mismo es publicado en francés, portugués y castellano, este en una edición limitada de 10 000 ejemplares con motivo del mayor evento ajedrecístico de la historia: 10 088 contendientes jugaron ajedrez en la plaza del Zócalo, ciudad de México (récord homologado por el Libro Guiness de Records).

En [[2009]] aparece la primera edición de “Sigmund Fraude & Psicoanálisis”, cuyo texto, diseño e ilustraciones le pertenecen (una versión ampliada del mismo, “Sigmund Fraud & PXXXychoanalysis” está próxima a salir en formato eBook).

Casi de inmediato, en [[2010]], aparece otra edición, esta vez en Argentina y en castellano, de “Dos reinos en juego”

==Muerte==
Falleció el [[22 de octubre]] de [[2018]]. Sufrió un ACV en la ciudad de Pinamar, donde residía.

== Fuentes ==
* https://www.horaciocardo.com
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/horacio-fidel-cardo

[[Categoría: Ilustrador]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Horacio Cardo.jpg

2023-06-07T21:35:20Z

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== Fuente: ==

Victoria Aguirre Anchorena

2023-06-07T21:09:05Z

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|ocupación = Pintora, coleccionista de arte y artista visual
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'''Victoria Aguirre Anchorena''', fue una pintora, coleccionista de arte e integrante de la Sociedad de Beneficencia desde 1902. Expuso sus obras en el Ateneo en [[1894]].

==Síntesis biográfica==
Victoria Aguirre nació en [[Buenos Aires]] el [[13 de enero]] de [[1860]], en el seno de una familia del patriciado porteño, o de varias.

Fueron sus padres Manuel Alejandro Aguirre estanciero, hombre de finanzas que llegaría a ser presidente del Banco de la Nación y Mercedes Anchorena. Fue la penúltima de ocho hermanos.

Mercedes Anchorena, su madre, falleció a los 40 años, en [[1866]], cuando sus dos hijas menores (Victoria y Rosa) tenían apenas 6 y 4 años, respectivamente. A diferencia de otros viudos de la época, que trataban de confiarle la crianza de los niños a alguna hermana o cuñada preferentemente soltera, Manuel Alejandro Aguirre se ocupó de forma personal de su cuidado, brindándoles una educación liberal y cosmopolita, y a su vez, las herramientas necesarias para administrar su cuantiosa fortuna. Sin duda, esta moderna formación influyó profundamente en la personalidad de Victoria, quien se caracterizó por su sencillez, seguridad e independencia.

Al fallecer Manuel A. Aguirre en 1911, la quinta la heredaron Victoria y su hermano Manuel José (que era escultor), quienes solicitaron expresamente ser los poseedores de ese histórico edificio para asegurar su preservación.

En 1912, a la par del Barrio Parque Palermo Chico en Buenos Aires, Victoria, su hermana Rosa y la sucesión de su hermano Manuel José encararon la realización del Barrio Parque Manuel A. Aguirre o Barrio Parque Aguirre.

===Victoria (Benefactora)===
Victoria, miembro de la Sociedad de Beneficencia de la Capital desde [[1902]], contribuía año a año para sostener sus obras, entre las que se destacaba la donación de $100.000 en [[1919]] para la construcción de la maternidad en el Hospital Vicente López y Planes, en General Rodríguez.

Formó un museo particular, a partir de la recolección de obras y antigüedades que adquirió en sus viajes, hoy presentes en museos como el Udaondo, Fernández Blanco y Etnográfico.

Además donó los fondos para construir el Paso de Aguirre para unir el pueblo de Puerto Aguirre (posteriormente denominado Puerto Iguazú) con las Cataratas del Iguazú. La avenida principal de la ciudad lleva su nombre.

Sus padres eran Manuel Alejandro Aguirre y Mercedes Anchorena, dueños de una chacra ubicada dentro de lo que posteriormente sería la ciudad de San Isidro.

En el aspecto cultural, su pasión por la arqueología y la historia americana no sólo la motivaron a formar una importante colección personal, sino también a contribuir con la adquisición de piezas para museos nacionales y extranjeros.

Asimismo, en [[1912]] y [[1920]] Victoria donó al Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti un total de 31 piezas originarias de los pueblos Ishir, Wichí, Qom, Mapuche y Uru, del Gran Chaco y de los Andes Meridionales, como así también dos magníficos trajes completos de Sucre usados en las procesiones del Corpus Christi.

==Legado==
Estando en París, en febrero de [[1926]], Victoria sufrió un ataque de apoplejía donde fue atendida por el Dr. Mariano Castex y los médicos franceses Sicard y Leblanc.

Su querida hermana Rosa se encargó de ir a buscarla, y la trajo a Buenos Aires en el mes de mayo. La salud de Victoria ya no se recuperaría.

El verano de [[1927]], Victoria fue llevada a Mar del Plata, quizá con la esperanza de que un clima más benigno pudiera ayudar a mejorar su salud. Entretanto, enfermó también su hermana Rosa y falleció en esa ciudad el [[14 de marzo]].

== Fuentes ==
* https://www.lanacion.com.ar/revista-lugares/victoria-aguirre-la-mecenas-que-dono-los-terrenos-del-casi-y-el-paso-a-las-cataratas-del-iguazu-nid27102021/
* https://gw.geneanet.org/markos1?lang=es&n=aguirre+anchorena&oc=0&p=victoria

[[Categoría: Coleccionista de Arte]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Artista Visual]]

Archivo:Victoria Aguirre.jpg

2023-06-07T21:08:38Z

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== Fuente: ==

Absalón Argañarás

2023-05-24T14:59:41Z

Jccarmen: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Absalón Argañarás |imagen = Absalón_Argañaras.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 12 de agosto de…»

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|nombre completo = Absalón Argañarás
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|fecha de nacimiento = [[12 de agosto]] de [[1903]]
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|causa muerte =
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|nacionalidad = Argentino
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|ocupación = Artísta Plástico, Caricaturista.
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|cónyuge = Alejandra Tazar
|hijos = Marcelo, Hugo y Cecilia
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|plusmarcas =
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'''Absalón Argañarás''' fue un pintor autodidacta argentino.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[12 de agosto]] de [[1903]]en [[Santiago del Estero]], [[Argentina]], hijo de Melitona Ibarra y nieta del caudillo federal Juan Felipe Ibarra y de Roque Argañarás.

Sus condiciones para el dibujo lo llevan en principio a dedicarse a la caricatura, creando en él un trazo ágil que esfilaban risueñamente en sus obras amigos, captando con aciertos los rasgos físicos de ellos, también como políticos y personalidades del medio, Así fue trabajando solo en su propia depuración hasta constituir un estilo que marcó el sello de su personalidad artística en la pintura como pasión y hacia ella incursiona solo, donde bucea en el mundo misterioso del color, para lo cual roba horas de descanso que su actividad de empleado del correo le deja.

El paisaje, el retrato y las costumbres de los paisanos de su tierra constituyen sus motivos. Los pinta con propósito de fidelidad representativa, pero animado de una voluntad de composición y de armonía colorística.

Incursiona en el arte de la escultura, guiado por Rafael y [[Roberto Delgado]], experiencia que sirvió para ejercer la cátedra como profesor en la academias de bellas artes Juan Yaparí desde [[1960]] hasta su desaparición física, le permitió plasmar con igual intensidad que en la pintura las características intrínsecas de los santiagueños.

Durante su trayectoria artística realizó muestras individuales y colectivas, y participó en numerosos certámenes efectuados en [[Buenos Aires]]. [[Córdoba]], [[Tucumán]], [[Santa Fe]], [[Catamarca]] y [[Santiago del Estero]].

Desde su inicio como caricaturista que a través de su trazo ágil desfilaban risueñamente en sus obras amigos, artistas y políticos de la época. Porque, entre sus méritos ostente haberse formado de modo autodidacta en una etapa en que el medio provincial no ofrecía la posibilidad de estudios sistemáticos ni estímulos para el quehacer artístico.

Sus telas muestran con fuerza y carácter a sus personajes masculinos, la dulce ternura de las mujeres, el encanto, y candor de los niños. Pero es el paisaje nativo el que centra su interés expresivo. De sus obras emergen los árboles típicos de la provincia, bañados por el fuerte sol del verano o atenuados por el otoño.

Su técnica lo llevó a ser un diestro maestro en el equilibrio de los colores con los que iba elaborando la réplica artística que usurpaba a los paisajes, y fue contagiando a sus discípulos los artificios y secretos de la magia de la pintura.

En Santiago del Estero, sus obras figuran en el Museo de Bellas Artes, la Casa de Gobierno, el Concejo Deliberante, el Banco de la Provincia, y colecciones privadas. También se encuentran algunas obras en otras provincias argentinas, así como también de la ciudad de Buenos Aires.

Delegaciones artísticas de Estados Unidos, Polonia, Italia, y Francia cuentan con obras adquiridas a este pintor santiagueño.

===Premios y reconocimientos===
* 1939: Premio mención del Salón Correos y Telégrafos, ciudad de Buenos Aires.
* 1940: 4.º Premio Salón Artistas Independientes de Tucumán.
* 1941: 2.º Premio Salón Municipal de Arte de Santiago del Estero.
* 1943: 1.er Premio Gobernador de Santiago del Estero, Salón de Artes Plásticas Tucumán y 2.º Premio Salón Sudamericano de la Asociación de Correos y Telégrafos.
* 1948: 1.er premio Adquisición VIII Salón de la ciudad de Ceres (provincia de Santa Fe).
* 1950: 1.er premio Adquisición Paisaje Santiago del Estero.
* 1953: 1.er premio IV Centenario Fundación de Santiago del Estero, por su óleo Retrato de Francisco de Aguirre, ubicado en el Salón de Audiencias de la Casa de Gobierno de la ciudad de Santiago del Estero).
* 1960: 1.er Premio Adquisición XX Salón de la ciudad de Ceres (provincia de Santa Fe) y 2.º premio Salón Semana de la Tradición del Norte de Córdoba, ciudad de Jesús María (provincia de Córdoba).
* 1968: 2.º Premio Adquisición Ministerio de Gobierno 1.er Salón de Arte Ramón Gómez Cornet, en la ciudad de Santiago del Estero.
* 1970: Premio Martín Fierro, de la Escuela Superior José Hernández, en la ciudad de Santiago del Estero.

==Fallecimiento==
Falleció el [[21 de agosto]] de [[1980]] a los 77 años, en su ciudad natal

== Fuentes ==
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/absalon-arganaras
* https://www.facebook.com/MelipalEsquel/posts/2788863231399692/?paipv=0&eav=AfYwBoW0fGoDmDn_VUfyW4wWhKDIto-dfewrCgrLabSSWuc7ezxzO94hjyuNwwfpU6E&_rdr
* https://www.wiki3.es-es.nina.az/Absal%C3%B3n_Arga%C3%B1ar%C3%A1z.html

[[Categoría: Caricatura]] [[Categoría: Artista plastico]]

Archivo:Absalón Argañaras.jpg

2023-05-24T14:59:16Z

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Alejandro Bonome

2023-05-10T20:00:01Z

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}}
'''Alejandro Bonome''' fue un artista plástico y pintor argentino.

==Síntesis biográfica==
Nació [[Buchardo]], [[Córdoba]], [[Argentina]] el [[29 de enero]] de [[1915]]. Se inició como autodidacta

Fue un maestro de las artes plásticas, en la materia de la pintura, junto con otros profesionales como [[Daniel Cristal]], [[Enrique Mónaco]], [[Diego Cuquejo]], [[Pedro Pont Vergés]], [[Edmundo Giusano]], M[[arcelo Bonevardi]], [[Antonio Monteiro]] y [[Jorge Seguí]].

Fue considerado como un artista serio y culto, que supo presentar durante los años de su funcionamiento valores seleccionados del Arte argentino.

Sus pinturas reflejaban lo armonizador de los colores y de las formas, un conjunto de claros paisajes donde solía imperar el acento lírico. Sus geometrizaciones ostentan claro y ordenado diseño y gamas brillantes de color que suelen resolver con acierto audaces oposiciones.

En [[1944]] organizó un concurso de arte infantil con fines de crear el acervo inicial de un gran Museo que fue el primero de esa índole en América.

En [[1952]] realizó el [[22 de septiembre]], en la "Sociedad Central de Arquitectos de Córdoba", la inauguración de una exposición de 22 obras, entre óleos, temples, monotipos y dibujos.

Su arte se expuso en numerosos sitios de todo el país como "Galería Gutiérrez y Abad", "Galería Córdoba", "Galería Rioboo Nueva" (Buenos Aires, Argentina), "Centro de Arte Ergon", "Sociedad Central de Arquitectos", Galería Witcomb, "Galería Pozzi", "Primer salón C.I.A.E",3 "Galería de Artes del colegio de Escribanos de Córdoba", "Galería de arte Praxis", "Galería Feldman", entre otros. Y en los Museos: "Provincial de Bellas Artes de La Plata" y "Rosa Galisteo de Rodríguez". Sus pinturas llegaron a publicarse hasta en Estados Unidos.

En su provincia fue además profesor de Publicidad en la "Escuela de Artesanía" y director de la "Escuela de Artes Aplicadas" durante la década del 70.

===Obras===
* Paisaje ([[1949]]).
* Los mejores tiempos de Eva.
* Los visitantes
* Barrio Observatorio, óleo
* El beso (1950)
* Naturaleza muerta (1964)
* Hombre con guantes blancos y La lectura ambos en [[1968]]
* Bañistas ([[1971]])
* Paisaje cordobés ([[1978]])
* La esposa del modisto ([[1985]])

==Fallecimiento==
Fallecido en la ciudad de Córdoba en [[1994]].

== Fuentes ==
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/alejandro-bonome
* https://listado.mercadolibre.com.ar/alejandro-bonome-arte
* https://es.artprice.com/artista/729891/alejandro-bonome

[[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Artista plastico]]

Archivo:Alejandor bonome.jpg

2023-05-10T19:58:45Z

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Francisco Fierro Palas

2023-04-04T16:46:49Z

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|ocupación = Pintor, muralista, acuarelista.
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}}
'''Francisco Fierro Palas''', Artista bohemio de mente lenta e intuitiva, se ganó la vida pintando letreros comerciales y carteles taurinos o moldeando figuras toscas para nacimientos. También practicó la pintura mural en miles paredes que aún coinservan su legado, pero sus mejores habilidades artísticas se convirtieron en numerosas acuarelas sobre cartón, en las que retrató tipos y costumbres del final de la era colonial y de las primeras décadas de la República del [[Perú]], transmitiendo la imagen de un mundo pintoresco, que incluye a todas las clases sociales.

==Síntesis biográfica==
Nació en Lima el [[5 de octubre]] de [[1809]] y se le bautizó el [[5 de febrero]] de [[1811]] en la Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús (Parroquia de Los Huérfanos) en ese entonces Vice-Parroquia de la Catedral.

Fue mulato, hijo de Nicolás Rodríguez del Fierro, criollo español ordenado de sacerdote y de Carmen Fierro, esclava de la casa familiar de Antonio Rodríguez del Fierro y Pollos, prior del Tribunal del Consulado de Lima y coronel del Batallón de Milicias del Comercio de Lima, y Nicolasa Ignacia de Robina y Gallegos, dama perteneciente a importantes familias de la sociedad virreinal limeña, padres de Nicolás y abuelos paternos del pintor.

Fue manumitido desde su nacimiento, es decir, nació libre siguiendo la regla no sancionada que rezaba que el hijo de un español no debía nacer esclavo. No se conoce que realizara estudios de pintura pero desde temprana edad mostró su talento para este arte.

En el mes de mayo de [[1828]] contrae matrimonio en [[Lima]] con Gervasia Rosa Cornejo Belzunce, natural de la Hacienda Mataratones en la provincia de Cañete, pero también formó familia con otras mujeres de las que dejó dilatada descendencia.

Artista bohemio, de talento intuitivo, se ganaba el sustento pintando letreros comerciales y carteles de toros o moldeaba figuras toscas para los nacimientos. También practicó la pintura mural en las paredes hoy derruidas o borradas de muchas casas limeñas.

Pero sus mejores dotes de artista las volcó en numerosas acuarelas sobre cartulinas, en las que retrató tipos y costumbres de finales de la época colonial y de las primeras décadas de la República del Perú, transmitiéndonos la imagen de un mundo pintoresco, que abarca todas las clases sociales.

En ese campo tuvo imitadores y competidores nacionales y extranjeros pero Pancho Fierro destacó por su talento. Así lo atestigua los diversos padrones de los gremios de empresarios de los diferentes ramos industriales elaborados para el pago de la patente presentados a la Prefectura de Lima, en cuyas relaciones de pintores Pancho Fierro figuró como pintor de segunda y luego de primera clase al lado de otro afamado pintor, el mulato [[José Gil de Castro]].

===Obras===
Se calcula que llegó a pintar aproximadamente 1200 escenas de la vida de la capital peruana, que abarcan las actividades cotidianas, las costumbres y los personajes más característicos de todas las clases sociales. Esas obras las ofreció a la venta a través de la casa Ricordi, las mismas que tuvieron demanda de los aficionados y entendidos del tema, entre nacionales y extranjeros.

La colección más conocida fue formada por el pedagogo Agustín de la Rosa Toro quien cedió posteriormente al literato Ricardo Palma creando el "Álbum: Lima, tipos y costumbres", cuyos herederos la entregaron a la Municipalidad de Lima. Actualmente se encuentran en la Pinacoteca Municipal Ignacio Merino y abarca 254 acuarelas, entre las donadas por Palma y adquiridas posteriormente.

Entre otras colecciones importantes están las formadas por el pintor francés Léonce Angrand y la colección del etnógrafo ruso Leopoldo Shrenk, cuyas 78 acuarelas se hallan en el Museo de Antropología y Etnografía de Leningrado, y la que se conserva en la Hispanic Society de [[Nueva York]]. Una cabal evaluación de los antecedentes y el carácter del arte de Pancho Fierro ha sido publicada por Manuel Cisneros Sánchez en [[1975]], con reproducciones a color.

Fue admirado por artistas de diversas épocas. En [[1937]] el cajabambino José Sabogal publicó un trabajo sobre el pintor mulato. Además, el Instituto de Arte Peruano (IAP), que Sabogal presidió, reconoció a Pancho Fierro "como el primer artista peruano", para honrarle, se creó una sala del IAP que lleva su nombre.

==Fallecimiento==
Falleció en el hospital Dos de Mayo, el día de Fiestas Patrias de [[1879]], a la edad de 70 años probablemente calculando su edad a partir de su bautismo ocurrido en 1809 y no la de su nacimiento en [[1807]].

La nota necrológica publicada en el diario El Comercio, asegura que, además de sus acuarelas, dejó numerosos cuadros al óleo y retratos a carboncillo "única herencia de su desconsolada familia". También resalta su importancia como artista costumbrista, habiendo sido para la pintura peruana lo que Manuel Ascencio Segura lo fue para la literatura.

== Fuentes ==
* https://biografias.review/pancho-fierro/
* https://artsandculture.google.com/entity/pancho-fierro/m0jwvs83?hl=es

[[Categoría: Fotógrafos]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Pancho Fierro.jpg

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Álvaro Barrios Vásquez

2023-03-17T18:08:21Z

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}}
'''Álvaro Barrios Vásquez''', artista conceptual y dibujante colombiano.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[27 de octubre]] de [[1945]],en [[Cartagena de Indias]], [[Departamento de Bolívar]], [[Colombia]], desde los seis meses de edad vive en Barranquilla, a la que considera su ciudad natal, en el hogar formado por Juan Bautista Barrios Herrera, odontólogo, y Nelly Vásquez, ambos pertenecientes a familias de Cartagena.

En [[1946]] su padre instala su primer consultorio en el centro de la ciudad, y dos años más tarde se mudan al barrio El Prado, donde el artista pasa su infancia, estudió la primaria y la secundaria en esta ciudad e ingresó a la Universidad del Atlántico para estudiar arquitectura, carrera que abandonó para estudiar Historia del Arte en Perugia y [[Venecia]], [[Italia]]; cabe anotar que desde los ocho años estudió pintura y dibujo en la Escuela de Artes de Barranquilla.

En [[1949]] realiza su primer dibujo: un logotipo para el periódico local La Prensa, cuando aún no sabe leer ni escribir.

[[1951]] ingresa al Kindergarten del historiador [[Gabriel Francisco Porras]], hermano de la pintora cartagenera [[Cecilia Porras]]. Su esposa, [[Silvia Ruiz]], es su primera profesora de arte. Allí conoce a [[Manolo Vellojín]], quien más tarde sería un destacado artista del abstraccionismo geométrico.

En el año [[1953]] su padre lo matricula en los cursos infantiles de pintura en la Escuela de Bellas Artes, posteriormente en [[1955]] entra a cuarto elemental en el Colegio Biffi–La Salle dirigido por los hermanos de las Escuelas Cristianas, donde estudia hasta terminar su bachillerato en [[1962]].

[[1962]] la dirección del colegio le encargan la portada de la Memoria Escolar, realizando para esta su primera acuarela sobre plazas de [[Italia]].

[[1963]] empieza el primer año de Derecho en la Universidad del Atlántico y no es hasta [[1964]] que se cambia a la Facultad de Arquitectura donde asombra a sus compañeros y profesores con acuarelas y perspectivas de cuidadosa factura.

En el año de [[1965]] realiza su primera exposición individual en la Galería Casa de Don Benito, en el centro antiguo de Cartagena. Durante el montaje conoce al escultor [[Édgar Negret]] y al pintor [[Norman Mejía]], luego de su sonado Primer Premio en el Salón Nacional. Esta amistad juega un papel importante en el afinamiento de su sensibilidad artística.

Inicia una gran amistad por correspondencia con el fundador del nadaísmo, el poeta [[Gonzalo Arango]], quien lo anima a publicar sus dibujos en la revista mexicana de poesía El corno emplumado dirigida por S[[ergio Mondragón]], también conoce, en Manizales, al dibujante [[Pedro Alcántara Herrán]], donde se destaca Mejía y Alcántara con sus primeras influencias en sus dibujos en sepia, a los que pronto añadiría imágenes de la tira cómica Dick Tracy y no es hasta [[1966]] que realiza su primera exhibición en Barranquilla: "Dibujos, collages y cómics", en la galería de la Escuela de Bellas Artes.

==Excibiciones y premios==
Obtiene el segundo premio del Salón Dante Alighieri en [[Bogotá]]. Conoce a [[Bernardo Salcedo]], ganador del primer premio, a través de [[Gonzalo Arango]] es invitado a exponer individualmente en la Galería Colseguros de Bogotá. Esa noche conoce a la crítica argentina [[Marta Traba]].

El [[14 de marzo]] de [[1967]], realiza su primera exhibición individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, invitado por Marta Traba, directora del mismo, al mes viaja a Italia a estudiar Historia del Arte en la Universitá Italiana [[Per Stranieri]] de Perugia y en la [[Fondazione Giorgio Cini]] de Venecia. Entre sus profesores están el historiador de arte [[Giulio Carlo Argan]] y el cinematografista [[Robert Bresson]].

En [[1968]] regresa vive un año en Bogotá, donde frecuenta el círculo de Marta Traba y en su galería realiza una nueva exposición individual. Después de la inauguración en el Museo de Arte Moderno, dos estudiantes ingresan a las instalaciones del mismo y destruyen la obra de Álvaro Barrios, Pasatiempo con luz intermitente y la maqueta de Bogotá, de Víctor Muñoz, exhibida en el patio del museo. Se trata de la primera exhibición de instalaciones registrada en Colombia.

En 1969 comienza a realizar sus primeras "cajas" que consisten en dibujos tridimensionales metidos en vitrinas de madera. Con dos de ellas participa en el XX Salón de Artistas Colombianos, donde obtiene el tercer premio.

En 1970 comienza su carrera como catedrático en la Facultad de Arquitectura de la Universidad del Atlántico y en la Escuela de Bellas Artes de Barranquilla.

No es hasta 1972 que crea el concepto de sus Grabados populares a partir de la publicación de tres dibujos publicitarios suyos en tres periódicos de Barranquilla —El Heraldo, Diario del Caribe y El Nacional—, y decide declarar estas impresiones como originales múltiples que tienen por objetivo llegar, por un hecho artístico, al mayor abanico de personas posible, utilizando los medios masivos de comunicación. El número de edición de estos impresos es igual a la edición del periódico y firma gratuitamente todos los ejemplares que le son enviados durante el año de publicación de los mismos. Con esta propuesta rompe con las convenciones de los grabados tradicionales, llamados por él grabados "elitistas", de ediciones pequeñas. Los papeles finos para grabado son reemplazados por el papel periódico —que se oxida y envejece rápidamente—, y desmitifica el concepto de la firma como elemento que añade valor a las obras, y hasta [[1974]] que crea un Grabado popular suyo, concebido especialmente para la IX Bienal de Grabados de Tokyo y publicado el [[3 de octubre]] en Diario del Caribe, es premiado con la Medalla de Oro, en este mismo año es nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Barranquilla. Su actividad en este cargo influirá en la creación del grupo conceptual El Sindicato, integrado por alumnos de la Escuela, que obtendría cuatro años más tarde el primer premio del Salón Nacional con el ensamblaje Alacena con zapatos.

1975 publica un Grabado, en Buenos Aires, con motivo del I Coloquio Latinoamericano de la Comunicación organizado por Jorge Glusberg en el CAYC (Centro de Arte y Comunicación) y en 1976 su segundo grabado popular, publicado el [[20 de febrero]] en El Heraldo de Barranquilla y participa en la VI Bienal de Cracovia.

El [[6 de mayo]] el periódico El Pueblo publica un Grabado popular para la Bienal de Cali, en Colombia y en 1977 realiza su segunda exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, donde firma, como Grabado popular, 600 catálogos y además publica su grabado más popular en "El Espectador" con motivo de esta muestra y el otro Grabado popular en junio en la revista Laura de Bogotá, para ser exhibido en la Bienal de Maracaibo.

En 1978 comienza su serie "Sueños" con [[Marcel Duchamp]], creada inicialmente como un Grabado popular publicado en Diario del Caribe para conmemorar los diez años del fallecimiento de Duchamp.

Y no es hasta 1979 que crea un nuevo Grabado popular, publicado en agosto en el periódico El Mundo de Medellín, obtiene el Primer Premio en la I Trienal Latinoamericana de Grabado de Buenos Aires.

A partir de mayo de [[1980]] exhibe, por primera vez, un conjunto de Sueños con Marcel Duchamp y su Pequeño gran vidrio en el Museo de Arte Moderno La Tertulia, de Caliy hasta a [[1996]] crea varios grabados y exhibiciones y no es hasta [[1997]] que la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá que adquieren la colección completa de sus Grabados populares y otras obras gráficas, incluida una versión de El mar Caribe cuyo original fue destruido accidentalmente al regresar de la Bienal de París en [[1971]]. Este conjunto es exhibido posteriormente en el Museo Nacional de la Estampa en Ciudad de [[México]].

1998 Presenta su instalación Ars Longa Vita Brevis, dentro del marco del Premio Luis Caballero en la Galería Santa Fe, de Bogotá. Nuevamente "roba" originales de seis artistas fallecidos para integrarlos en la misma, así como la canción en latín O Caritas, de Cat Stevens.

2001 Publica su libro Orígenes del arte conceptual en Colombia, donde se consignan las reflexiones de los artistas participantes en la exposición "Espacios Ambientales" de 1968.

2004 es donde conoce a [[José Roca]] lo invita a participar en la I Trienal Poligráfica de San Juan, donde exhibe un amplio conjunto de sus Grabados populares y una nueva versión de El mar Caribe.

En el año 2006 el Museo Nacional de Colombia adquiere un conjunto de sus Grabados populares, después de varios años de exposiciones y creación de nuevos grabados, logra publicar su primer grabado en Internet y firmado gratuitamente en el año 2009.

En el 2010 Daros Latin America, de Zúrich, adquiere un conjunto de piezas suyas, el artista en todos estos años logra mantener una ardua carrera donde todos los años realiza importantes exposiciones y grabados y no es hasta noviembre de 2013 a marzo de 2014 que presenta presenta la exhibición "La Leyenda del Sueño" en el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá.

== Fuentes ==
* https://www.banrepcultural.org/alvaro-barrios/autor1.html
* https://revistadiners.com.co/cultura/arte-y-libros/66972_alvaro-barrios-de-los-suenos-a-las-pinturas/
*

[[Categoría: Artista]] [[Categoría: Dibujante]]

Archivo:Alvaro barrios.jpg

2023-03-17T18:06:49Z

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== Fuente: ==

John N. Kennedy

2023-01-11T15:28:33Z

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}}'''John N. Kennedy'''. Es un político estadounidense afiliado al [[Partido Republicano]] que se desempeña como Senador de los [[Estados Unidos]] por el estado de [[Luisiana]].

==Síntesis biográfica==
Kennedy se graduó como magna cum laude en ciencias políticas, filosofía y economía de la [[Universidad de Vanderbilt]], fue presidente de su clase superior y fue elegido miembro de Phi Beta Kappa. Recibió su título de abogado en la Facultad de Derecho de la [[Universidad de Virginia]], donde fue editor ejecutivo de "Virginia Law Review" y fue elegido miembro de la Orden de la Cofia. Obtuvo una licenciatura en derecho civil con honores de primera clase de la [[Universidad de Oxford]] (Magdalen College) en [[Inglaterra]], donde estudió con Sir Rupert Cross y Sir John H. C. Morris.

==Carrera política==
Antes de su elección al Senado, el Kennedy se desempeñó como tesorero del estado de [[Luisiana]] durante cinco mandatos. Como tesorero, supervisó las carteras de inversión multimillonarias del estado. También supervisó emisiones de bonos locales y estatales y devolvió millones de dólares en propiedad no reclamada cada año. Kennedy se desempeñó como secretario del Departamento de Hacienda, asesor especial del gobernador Roemer y secretario del gabinete del gobernador Roemer. También fue abogado y socio en el bufete de abogados Chaffe McCall de Baton Rouge y [[Nueva Orleans]]. El Senador Kennedy es miembro de los Comités de Asignaciones, Banca, Presupuesto, Judicatura y Pequeñas Empresas en el [[Senado de los Estados Unidos]]. Se desempeña como el principal republicano del Subcomité de Asignaciones para el Desarrollo de la Energía y el Agua, el Subcomité Judicial de los Tribunales Federales y el Subcomité Bancario de Política Económica.

==Magisterio==
El Senador Kennedy se desempeñó como profesor adjunto en el Centro de Derecho Paul M. Hebert de la Universidad Estatal de Luisiana de [[2002]] a [[2016]]. Regularmente es voluntario como maestro sustituto en las escuelas públicas de Luisiana.

==Obras==
El Senador Kennedy ha escrito y publicado los siguientes libros y artículos:

* Ley Constitucional del Estado de Luisiana.
* La Dimensión del Tiempo en la Ley de Responsabilidad por Productos de Luisiana.
* El Papel de la Prueba de Expectativas del Consumidor Bajo la Doctrina de Responsabilidad por Productos de Luisiana.
* La Introducción a la Ley de responsabilidad por productos de Luisiana.
* Asunción del riesgo, culpa comparativa y responsabilidad estricta después de Rozell.
* La Comisión Federal de Energía, sesgo laboral y NAACP v. FPC.

==Fuentes==
*[https://www.kennedy.senate.gov/public/biography]
*[https://www.britannica.com/biography/John-Kennedy-American-politician-born-1951]

[[Categoría:Políticos]]

Archivo:John N. Kennedy.jpg

2023-01-11T15:19:56Z

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