EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Pablo Picasso

2020-01-28T14:30:31Z

Jesús Zatón: Ampliación mas narrativa de la introducción del articulo

{{Ficha de artista
|nombre = Pablo Picasso
|imagen = picasso_pintor.jpg
|tamaño imagen =
|pie de foto = Retrato de Pablo Picasso
|nombre nacimiento = Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso
|fecha nacimiento = [[25 de octubre]] de [[1881]]
|lugar nacimiento = [[Málaga]] ([[Andalucía]]), {{bandera2|España}}
|fecha fallecimiento = [[8 de abril]] de [[1973]]
|lugar fallecimiento = [[Mougins]], {{bandera2|Francia}}
|residencia = {{bandera2|Francia}}
|nacionalidad = {{bandera2|España}}
|seudónimo =Picasso
|ocupación =Pintor
|período =
|área = [[Pintura]], [[dibujo]] y [[escultura]]
|educación = Escuela de Artes y Oficios de Málaga<br/>[[Real Academia de Bellas Artes de San Fernando|Academia de San Fernando de Madrid]]
|influido por = José Ruiz Blasco (su padre)
|obras_notables = ''[[Guernica]]'', ''[[Las Señoritas de Avignon]]'', ''[[Arlequín]]''
|relacionados =
|pareja = [[Marie Thérèse Walter]]
|hijos =
|firma = Picasso Firma 1977.png
|premios =
|movimiento =[[Cubismo]]<br/>[[Surrealismo]]
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}

'''Pablo Ruiz Picasso.''' Pintor español, probablemente, la figura más importante del siglo 20, en términos de arte, y el arte de los movimientos que se han producido durante este período. Antes de los 50 años, el español nacido artista se había convertido en el más conocido nombre en el arte moderno, con la mayoría de distinto estilo y buen ojo para la creación artística. No había otros artistas, antes de Picasso, que tuvo tal impacto en el mundo del arte, o tenía una masa de seguidores y detractores por igual, como él lo hizo.Considerado el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del [[cubismo]] junto a [[Georges Braque|Braque]], su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial.

==Síntesis biográfica ==
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació en [[Málaga]], [[España]], el [[25 de octubre]] de [[1881]], en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco [[José Ruiz Blasco]] y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción.

En [[1891]] la familia Ruiz Picasso se traslada a [[La Coruña]] y de allí a [[Barcelona]], donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión.

En [[1898]] realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año [[1900]] hace una visita a [[París]] para ver la Exposición Universal. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno.

Entre [[1901]] y [[1907]] se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del [[Siglo XX|siglo XX]] está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por [[Cézanne]] y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo [[Georges Braque|Braque]]: el cubismo.

Pero Picasso no se queda ahí y en [[1912]] practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas.

El movimiento surrealista de [[1925]] no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia.

Igual que le ocurre a [[Goya]], a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la [[Guerra Civil Española]] y el bombardeo de [[Guernica]], que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado.

== Su obra ==
En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del [[Siglo XX|siglo XX]].

Es la clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma.

Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una época.

Es clara la dimensión histórica en la obra del gran pintor español; porque su objetivo no se cifró en la búsqueda de la belleza sino en testificar y aclarar los grandes procesos sociales. Así lo manifestó en una ocasión: "el artista trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar claridad ante su conciencia y sus contemporáneos de sí mismo y de su tiempo". La forma armoniosa de otros siglos del arte reflejaba una concepción armónica del hombre; la forma desgarrada de Picasso traduce el sufrimiento del hombre de nuestro tiempo.

En medio de sus símbolos y sus renovaciones incesantes es posible detectar una constante, la sensibilidad por la época, reflejada en la alternancia de períodos plácidos y dramáticos. Pero en todo momento mantuvo Picasso viva su obsesión dolorosa por el hombre que sufre. Desde los ciegos azules hasta los gritos de los cuadros expresionistas es constante la meditación compasiva del artista sobre sus contemporáneos.

=== Período Azul ===
Entre [[1900]] y [[1902]] Picasso hizo tres viajes a [[París|París]], estableciéndose finalmente allí en [[1904]]. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del [[Postimpresionismo]] de [[Paul Gauguin]] y del [[Simbolismo]] de los pintores nabis. Los temas de la obra de [[Edgar Degas]] y [[Henri Marie Raymond]] de [[Toulouse-Lautrec]], así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro [[Habitación azul]] ([[1901]], [[Colección Phillips]], [[Washington]]) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los [[Valores tonales (Artes visuales)|tonos]] azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de [[El Greco]].

=== Período Rosa ===
Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, [[Fernande Olivier]]. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años [[1904]] y [[1905]] se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas ([[1905]], National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su álter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta [[Max Jacob]], el escritor [[Guillaume Apollinaire]], los marchantes [[Ambroise Vollard]] y [[Daniel Henry Kahnweiler]] y los ricos estadounidenses residentes en Francia [[Gertrude Stein]] y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

=== Protocubismo ===
En el verano de [[1906]], durante una estancia de Picasso en [[Gosol]], [[Andorra]], su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, [[Museo Metropolitano de Arte de Nueva York|Museo Metropolitano de Arte]], Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon ([[1907]], [[Museo de Arte Moderno de Nueva York]]), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de [[Línea (Artes visuales)|líneas]] y planos cortantes y angulosos.

=== Cubismo analítico y Sintético ===
Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de [[Paul Cézanne]], Picasso y [[Georges Braque]] pintaron en [[1908]] una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y [[1911]] trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes, Daniel Henry Kahnweiler ([[1910]], [[Instituto de Arte de Chicago]]). En [[1912]] realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, [[París]]), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color desempeña un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de [[1915]] demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: [[Arlequín]] (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Museo Metropolitano de Arte), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés [[Jean Auguste Dominique Ingres]]. De [[1923]] es su Arlequín con espejo ([[Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid]]). Obra de su llamado periodo clásico ([[1921]]-[[1925]]), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en [[Italia]] en [[1917]].

=== Escultura cubistta ===
El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete ([[1914]], [[Museo Picasso]], París) formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su [[Vaso de ajenjo]] ([[1914]], Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven ([[1951]], Museo de Arte Moderno), como los objetos [[Pop art]] de la década de [[1960]].

=== Realismo y Surrealismo ===
Durante la [[I Guerra Mundial]], Picasso viajó a [[Roma]] para realizar los decorados de los ballets rusos de [[Sergei Diáguilev]]. Conoció allí a la bailarina [[Olga Koklova]], con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a [[1917]] Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en Pablo vestido de Arlequín, [[1924]], Museo Picasso, [[París]]) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente ([[1921]], Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan ([[1923]], Museo Picasso, [[París]]). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón ([[1927]], Colección Privada, [[Bruselas]]) y [[Bañista sentada]] ([[1930]], Museo de Arte Moderno).

=== Pinturas: 1930-1935 ===
Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de [[1930]], en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, [[Marie Thérèse Walter]], con la que tuvo a su hija Maya en [[1935]]. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo ([[1932]], Museo de Arte Moderno). En [[1935]] Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del [[Siglo XX]].

=== Guernica ===

[[Image:Guernica_pintura.JPG|thumb|left|El Guernica, una de las obras más importantes del arte contemporáneo.]]

El [[26 de abril]] de [[1937]], durante la [[Guerra Civil Española]], la aviación alemana, por orden de [[Francisco Franco]], bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de [[París]] de [[1937]]. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de [[Nueva York]] desde [[1939]] hasta [[1981]], año en el que regresó a España; allí se emplazó en el [[Casón del Buen Retiro]], junto al Museo del Prado, en [[Madrid]], hasta que en [[1992]] se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el [[Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía]], también en Madrid.

=== La II Guerra Mundial y los años de postguerra ===
El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey ([[1942]], [[Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen]], [[Dusseldorf|Düsseldorf]]) y en [[El osario]] ([[1945]], Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora [[Françoise Gilot]], con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental fue [[Jacqueline Roque]], a la que conoció en [[1953]] y con la que se casó en [[1961]]. También pintó su imagen en bastantes ocasiones, como en Jacqueline sentada ([[1954]], Museo Picasso, Málaga). Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

=== Últimos trabajos ===
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como [[Diego Velázquez]], [[Gustave Courbet]], [[Eugene Delacroix]] y [[Edouard Manet|Édouard Manet]]. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de [[Fernande Mourlot]]. Se interesó también por la cerámica, y así, en [[1947]], en [[Vallauris]], realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero ([[1944]], [[Museo de Arte de Filadelfia]]), un bronce a tamaño natural, y [[La cabra]] ([[1950]], Museo de Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En [[1964]] llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en [[1966]] en acero soldado en el [[Civic Center de Chicago]]. En [[1968]], y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las Corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en [[1971]] con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

== Sus últimos años ==
[[París]] fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de [[Francia]], trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció el [[8 de abril]] de [[1973]] en [[Mougins]], cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

== Fuente ==
* https://pablo-picasso.space/
* [http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/listado.htm Arte Historia]
* [http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/ Biografías y Vidas]
* Consejo Nacional de las Artes Plásticas. Arte Universal, Selección. [[La Habana]], [[2001]]

[[Category:Artistas_de_la_plástica]]

Las señoritas de la calle Aviñón (cuadro de Picasso)

2020-01-28T14:25:07Z

Jesús Zatón: he ampliado la introducir basándome en un gran articulo sobre esta obra de arte

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=''Las Señoritas de Avignon.''
|imagen=Las_Señoritas_de_Avignon.jpg
|descripción= Las señoritas de Avignon (Les demoiselles d’Avignon)
|tipo=Pintura
|autor=[[Pablo Picasso ]]
|año=[[1907]]
|país= {{Bandera2|España}}
|estilo= [[Cubismo]].
|técnica= [[Óleo sobre lienzo]].
|alto= [[244]]
|ancho= [[233]]
|localización_pintura= [[Museum of Modern Art. New York]]
}}
'''Las Señoritas de Avignon''' (Les Demoiselles d Avignon), es un cuadro del pintor español [[Pablo Picasso]] pintado en [[1907]] al óleo sobre lienzo. Hace referencia a las prostitutas que estaban en un burdel situado en dicha calle barcelonesa, donde al parecer no era difícil encontrar al joven Picasso que por entonces formaba parte del grupo de “Els cuatre gats”. Se trata de una de las primeras obras de movimiento cubista.

== La obra y su época histórica. ==

Si en la historia del arte de los últimos siglos hay alguna obra que podamos etiquetarla como “rompedora”, “revolucionaria”, “trasgresora”, esa es ''[https://pablo-picasso.space/obras-de-picasso/las-senoritas-de-avignon-les-demoiselles-davignon/ Las señoritas de Avignon]'' (o de Aviñón, o Avinyó), de Picasso, pintada en 1907. No cabe duda de que esta obra marca un antes y un después, en el hacer del propio pintor.

Toda obra artística es hija de su tiempo, por eso, para entender mejor ''Las señoritas de Avignon'' conviene tener presente el ambiente cultural de su época. Cuatro años antes de que fuera pintada, esto es, en 1903, se celebró por primera vez el “Salón de Otoño” parisino, exposición anual que pretendía ofrecer oportunidades a los jóvenes artistas, al tiempo que protestar contra el academicismo sofocante de la época (en muchos aspectos compartía presupuestos artísticos con el Salón de los Independientes). Cézanne había muerto el 22 de octubre de 1906 y el “Salón de Otoño” de 1907 honró su memoria con una exposición retrospectiva.

Las señoritas de Avignon se considera el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura. En [[Europa]] durante el [[siglo XX]], la cultura tuvo que valorar el impacto que generaba en las ideas del espectador, reformar los mecanismos de consumo. El mundo se encontraba en procesos contrarios, Picasso en el momento de la creación de “las señoritas de Aviñón”, se encontraba en [[París]] por eso conoció la abstracción.
Picasso quiso ser reconocido, en el [[verano]] de [[1907]]. Reunió a un selecto grupo de pintores cuyo criterio le importaba, para mostrarles en privado su primera gran composición. Una tela al óleo de casi dos metros y medio de altura y anchura, preparada con centenares de dibujos y bocetos: «Las señoritas de Avignon».
La opinión de aquellos modernistas fue conforme, decían que la obra era una burla al arte moderno. Harto y furioso, Picasso escondió la tela. Muchos años después, en plena gloria de Picasso, la crítica vió en «Las señoritas de Avignon» la primera fuente del cubismo, contra la evidencia de que la [[geometría]] dominante no es cúbica, sino triangular, y de que aquel estilo fue iniciado en su versión analítica por Braque y en su versión sintética por Juan Gris.

== Sobre el título. ==

Picasso no tituló la obra que pretendía fuera la más importante que había pintado hasta el momento. Comenzó con los estudios preparatorios en [[1906]], y trabajó con la obra durante varios meses de 1907. La llamaba simplemente “mi burdel”. Durante el proceso de trabajo la mostró en el taller del Bateau-Lavoir a colegas y amigos, pero no la expuso al público durante casi una década. El poeta Guillaume Apollinaire, amigo de Picasso que frecuentaba el Bateau-Lavoir, se refería a la gran tela como El burdel filosófico. El también poeta André Salmon fue el primero que escribió sobre la obra en La jeune peinture francaise, pero sin darle título. Fue Salmon quién acuñó la denominación Les demoiselles d’Avignon cuando organizó el Salón d’Antin en [[1916]], ocasión en que la obra fue expuesta públicamente por primera vez. Algo que demuestra que la obra sería considerada una de las más significativas del siglo XX sólo varias décadas más tarde, fue el hecho de que fue expuesta sólo una vez más durante los próximos veinte años. El título dado por Salmon, por el que la obra sería luego conocida, es ambivalente, ya que puede referirse tanto a la calle de Barcelona Carrer d’Aviñó, como a la ciudad francesa de Avignon.
Hay consenso en cuanto a que la primera alternativa es la más factible. Cuando Picasso era niño vivía en las cercanías del Carrer d’Aviñó, calle de [[Barcelona]] en la que entonces había varios burdeles, lo que habría inspirado el tema de la obra: un grupo de prostitutas en un burdel. Pero no debe descartarse una posible referencia a la ciudad de Avignon, por lo que tampoco corresponde titular la obra Las señoritas del Carrer d’Aviñó, como a veces se hace.
El propio Picasso, a quién siempre le gustó jugar con ambivalencias, confirmó en una entrevista dada al galerista Daniel-Henry Kahnweiler en [[1933]] que el título Las señoritas de Avignon fue dado por Salmon, agregando a su vez un nuevo dato: que la obra en un principio fue llamada El burdel de Avignon. También contó que el nombre Avignon era familiar para él, no sólo por la calle de Barcelona, sino también porque la abuela del poeta Max Jacob – amigo con el Picasso compartía su pieza era proveniente de la ciudad de Avignon. Según Picasso las bromas entre los amigos identificando a las mujeres del cuadro con las mujeres de su entorno eran frecuentes. Se imaginaban a la abuela de Jacob, a Fernande Olivier (compañera de Picasso) y a Marie Laurencin (compañera de Apollinaire) en un burdel de Avignon. Un autor que va contra el consenso y relaciona el título exclusivamente a la ciudad de Avignon, es William Rubin, quién escribió un texto para el catálogo de la exposición sobre Las señoritas de Avignon organizada por el Museo Picasso de París en [[1988]]. Pero Rubin no se refiere a la proveniencia de la abuela de Max Jacob, sino a la época en que los Papas tuvieron su sede en Avignon (entre [[1309]] y [[1377]]), donde llevaban una vida licenciosa, lo que relaciona con el tema del cuadro. En consecuencia el título Las señoritas de Avignon aunque ambivalente es amplio, cubriendo todas las posibilidades de interpretación.

==Análisis formal. ==

En esta Obra podemos identificar a cinco figuras femeninas que, por el título, podemos identificar como cinco prostitutas de un burdel situado en dicha calle de Barcelona.
Formalmente el cuadro está dividido de manera clara en tres franjas organizadas verticalmente. La parte central es la más “clásica” en cuanto al aspecto, sin embargo se percibe ya en estas dos figuras una compartimentación de sus cuerpos, pese a esto existen referencias a la pintura tradicional de desnudos con especial similitud con las “majas” de Goya, incluso en su posición pues aunque parecen de pie están tumbadas como indica su postura con los brazos tras la cabeza.
En estas dos figuras se observa un principio importante de lo que luego sería la pintura cubista, el diferente punto de vista con que se ven partes de una misma obra. De la misma manera que los egipcios utilizaban una ley de frontalidad en la que las figuras aparecían
con el rostro de perfil y el torso de frente, Picasso sitúa a estas dos figuras como si se vieran desde arriba, ya que así son mucho más reconocibles que viéndolas desde su mismo plano horizontal. En esta franja los colores son más clásicos, menos fuertes (entre blancos y celestes), y el tono de las dos muchachas es más amable en relación con el de las otras tres.
Pero a diferencia de lo que puede parecer en un primer momento, ya que están en el centro, lo más importante del cuadro no está en estas figuras, pues las líneas quebradas que pueblan el lienzo nos hacen llevar la mirada fuera del cuadro. Si queremos mirar el cuadro debemos regresar al lienzo una y otra vez ya que la obra nos lleva fuera de sus límites.

Las líneas de composición son siempre oblicuas, dando un gran dinamismo a la obra, incluso algunas de estas líneas nos llevan a la naturaleza muerta de la parte baja del cuadro, detalle que aunque parezca anecdótico, no lo es tanto, como veremos
posteriormente.
Las otras dos franjas del cuadro están pintadas sobre otras figuras ya realizadas anteriormente por Picasso.
Estas figuras tenían estéticamente un aspecto parecido a las figuras del centro (una de ellas era de un marinero que aparecía tras una cortina y que entraba en el prostíbulo), sin embargo Picasso decidió cambiar tanto estas figuras como el tratamiento estético. La mujer que está a la izquierda corriendo una cortina de color rojo cálido aparece con su rostro de perfil de color más oscuro que el resto del cuerpo, que a su vez es más rojizo que los cuerpos de las mujeres que hay en el centro. El color y la forma del rostro de esta
figura lateral hay que relacionarlos con la influencia que recibió Picasso poco tiempo antes en un viaje por [[Cataluña]], y por las pequeñas figuritas religiosas del Románico que supusieron para el pintor una nueva visión del arte, suponiendo un primer paso en su de
cantamiento por otro tipo de estética en vez de la naturalista.
La franja de la derecha es algo más compleja en su interpretación desde el punto de vista de la pintura de corte más tradicional, y posiblemente por ello es más importante para la comprensión del cuadro.
En esta parte aparecen dos figuras con unos rostros extraños directamente influenciados por las máscaras que Picasso pudo ver en el Museo etnográfico de París, el entonces Museo del Trocadero, actualmente [[Museo del Hombre]].
Estas máscaras, venidas de [[Costa de Marfil]] o [[Congo]], llegaron por primera vez a occidente a principios de siglo traídas por antropólogos y supusieron para los artistas de la vanguardia parisina un descubrimiento tal que revolucionó para siempre la Historia del Arte. No sólo Picasso sino que muchísimos artistas, como Matisse, Brancusi, Braque o Derain entre otros, se vieron impresionados por la frescura y la fuerza de estas obras de arte africano.
La concepción geométrica de los espacios que se disolvían en planos para configurar conjuntos de gran sencillez, pero con una gran claridad a la hora de mostrar con el mínimo de rasgos rostros con identidad propia, fue lo que las hizo tan interesantes para Picasso y sus contemporáneos. Así que Picasso decidió cambiar las figuras de la derecha por las mujeres con rostros como máscaras, que llegan a un nivel de expresividad mucho mayor que el de las otras figuras.
Las máscaras son representaciones de rostros, Picasso no quiso hacer mujeres escondidas tras máscaras, sino rostros de mujeres de una mayor expresividad, con un nuevo planteamiento estético. De esas dos máscaras una, la de abajo, tiene mayor abstracción; mientras que la de arriba todavía tiene referencias perspectivas, la de abajo, que pertenece a una figura mucho más radical, ya es plana e inicia lo que se llama “respeto al lienzo”, el respeto a las dos dimensiones sin que aparezca la tercera, la profundidad, que desde el [[Renacimiento]] ha sido el fundamento de la pintura occidental.

Así se inicia el desaprendizaje, casi diríamos el “ olvido” de toda la tradición pictórica tradicional desde el [[siglo XV]], y el invento de la perspectiva [[matemática]] . Olvido que es un punto de partida esencial para la comprensión de toda la pintura del siglo XX.

Las figuras de las derecha son aún más fragmentadas, incluso hay una descompensación entre distintas partes del cuerpo, con gran diferencia de formas y tamaños, algo que llegará a su máxima expresión en el cubismo de años posteriores. Por ejemplo, la figura
de abajo está sentada de espaldas mientras que su máscara nos mira, su brazo es desmesurado en comparación con su torso, dando un gran paso hacia la libertad de formas en la pintura.

El pequeño bodegón de la parte más baja del cuadro tiene importancia no sólo en la composición, sino también en la simbología del cuadro. El bodegón recoge muchas de las líneas oblicuas de composición, es difícil imaginarse el cuadro sin él ya que quedarían las figuras agitadas y descompuestas. El bodegón es el símbolo de unión entre lo viejo y lo nuevo, entre la tradición del bodegón español del siglo de Oro y Cézanne, su maestro y punto de partida de la pintura del siglo XX.

== Comentario de la Obra. ==

Este cuadro de Picasso, cuyo título es equívoco en cuanto al origen de las muchachas resultó rompedor en cuanto a la manera de entender la pintura. Por primera vez, Picasso se acerca a un viejo tema de la pintura, el desnudo femenino, pero desde un óptica radicalmente distinta. Así, las formas blandas, redondeadas y sensuales de otros tiempos (Tiziano, Velázquez o Goya) dan paso a cuerpos de formas angulosas y planas. Las formas han sido simplificadas como si Picasso quisiera olvidar la evolución de los últimos quinientos años de historia de la pintura para volver a una pintura que busca sus referentes en el arte románico europeo, el arte del centro de África e, incluso, en el arte cicládico (3000-2000 a.C).
Picasso, como ya empezaran a hacer otros pintores con anterioridad, rompe las leyes de la perspectiva aunque ahora llega mucho más lejos pudiendo mostrar un mismo rostro desde el dos punto de vista, lateral y frontal.
Quizás haya que ver en esta obra un manifiesto del pintor sobre los caminos que debía seguir la pintura en el siglo XX, de manera que esta obra parte del pasado, los modelos más clásicos de las mujeres del centro del cuadro, para evolucionar hacia posiciones pictóricas más radicales en los extremos del mismo. Así mismo, el bodegón de la parte inferior sería un nexo de unión entre "lo antiguo" y "lo moderno" al tratarse de un tema tradicional pero mostrado desde una óptica diferente.

== Conclusión. ==

Esta obra ha sido considerada en muchas ocasiones como el "pistoletazo de salida" del nuevo estilo cubista, un estilo del que Picasso junto al pintor Braque fueron precursores y que suponía un nuevo acercamiento a la pintura en el que las leyes de la perspectiva se veían alteradas y las formas de los objetos quedaban reducidas a formas geométricas planas en un intento de captación más intelectual y menos emocional de la realidad.

== Fuentes. ==

* https://pablo-picasso.space/obras-de-picasso/las-senoritas-de-avignon-les-demoiselles-davignon/
* http://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/las-senoritas-de-avignon-de-picasso-causa-furor
* http://seordelbiombo.blogspot.com/2014/02/analisis-y-comentario-picasso-las.html
* http://www.artehistoria.com/v2/obras/363.htm
* http://html.rincondelvago.com/las-senoritas-de-avignon_pablo-picasso.html
* https://artepedrodacruz.wordpress.com/2010/12/14/las-senoritas-de-avignon-y-el-inicio- del-cubismo/
* http://www.juntadeandalucia.es/averroes/ceautrera/comentario_picasso.pdf
* http://blogarteehistoria.blogspot.com/2013/05/las-senoritas-de-avignon.html

[[Category:Pintura]]