EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Archivo:Prilidiano Pueyrredón.jpg

2024-07-29T20:26:58Z

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== Fuente: ==

Edouardo Rubino

2024-06-12T19:18:59Z

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{{Ficha Persona
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'''Edouardo Rubino''', más conocido como Eduardo Rubiño, es un político y activista LGTBI (lucha contra la descriminación) español. Es concejal y portavoz adjunto de Más Madrid en el Ayuntamiento de [[Madrid]].

==Síntesis biográfica==
Nació el [[13 de septiembre]] de [[1991]], en [[Madrid]], [[España]], hijo del profesor y escritor [[Carlos Fernández Liria]]. Estudió filosofía en la Universidad Complutense de Madrid donde se graduó en [[2017]]. Fue representante de los estudiantes en el claustro, así como miembro de la Delegación Central de Estudiantes de la UCM. Es abiertamente homosexual y ha sido activista de colectivos estudiantiles LGBT.

Mientras era estudiante, formó parte de Juventud Sin Futuro, un colectivo en contra de la precariedad económica y social de la juventud española, en el marco del movimiento 15-M. En este contexto, comenzó a trabajar en el terreno de las redes sociales y en el diseño de campañas políticas digitales.

Formó parte del nacimiento del partido político Podemos y, en octubre de 2015, en la Asamblea Ciudadana «Sí se puede» fue escogido miembro del consejo ciudadano estatal y nombrado responsable del área de redes sociales.6 Fue asesor de Pablo Iglesias en materia de redes sociales y trabajó como asesor en comunicación digital en el Parlamento Europeo.

Entre [[2015]] y [[2019]], fue diputado autonómico en la Asamblea de Madrid y portavoz de la Comisión de investigación de universidades sobre el Caso Master de la entonces presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes.

En [[2019]], participó en la creación del partido político Más Madrid y concurrió a las elecciones autonómicas de la Comunidad de Madrid en la candidatura de este partido donde elegido senador en las Cortes Generales por designación autonómica, siendo el senador más joven de la legislatura.

Del [[2021]] a [[2023]] fue presidente del Grupo Parlamentario de Más Madrid en la Asamblea de Madrid.

En [[2023]], abandonó la Asamblea de Madrid para formar parte de la candidatura de Más Madrid a la Alcaldía de Madrid encabezada por Rita Maestre. Durante la campaña de las elecciones del [[28 de mayo]] de [[2023]], ejerció como portavoz de la misma.

Desde junio de [[2023]] se desempeña como concejal de cultura y portavoz adjunto de la formación.

== Fuentes ==
* https://www.editorialegales.com/autores/eduardo-rubino/10577/
* https://www.forodeforos.org/ponentes/eduardo-fernandez-rubino/
*

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Eduardo Fernández Rubiño.jpg

2024-06-12T19:18:45Z

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Archivo:Nexhmedin Zajmi.jpg

2024-06-12T13:09:12Z

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2024-06-12T13:03:26Z

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== Fuente: ==

Nexhmedin Zajmi

2024-06-12T12:43:05Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Nexhmedin Zajmi |imagen = Nexhmedin_Zajmi.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 4 de marzo de 1916…»

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}}
'''Nexhmedin Zajmi''', pintor y escultor albanés.

==Síntesis biográfica==
En [[1931]] se graduó de la escuela técnica en Tirana recibiendo clase de agricultura, en la escuela descubre su talento artístico, lo que significa que en la escuela se estaba preparando las decoraciones, en su siguiente etapa de su educación la realizó en la escuela de arte donde estudió con el renombrado escultor [[Odhise Paskali]].

En [[1939]] se fue a estudiar en la Academia de Bellas Artes de [[Roma]], que completó un diploma en [[1943]]. Durante el próximo año se quedó en [[Italia]] y luego volvió a Albania, a finales de [[1944]].

En sus inicios trabajó como profesor en una escuela pública en Tirana, y poco después se trasladó a la escuela de nueva creación artística de la Misión de [[Jordania]]. Trabajó allí hasta [[1963]], con una pausa en [[1955]] a [[1956]] cuando se desempeñó como director de la Galería Nacional de Arte de Tirana.

En [[1963]] fue nombrado profesor en la Escuela de Bellas Artes de Tirana. Donde se formó la primera generación de pintores de Albania.

En los años 60 y 70 También aprovechó de los artistas más exitosos del [[siglo XX]]. Sus obras se encuentran entre las pocas obras de artistas albaneses que sería ver a la gente de [[Viena]], [[Zagreb]] y [[Sofía]].

Se especializó en los retratos de los habitantes de las montañas del norte de Albania, pintó paisajes y escenas de género. Ya para los años 80 debido al deterioro de la salud la creación artística tuvo que limitarse a un mínimo.

En [[1961]] recibió el título de Pintor Honorable (Alb. Piktor y Merituar), y en [[1989]] Pintor del Pueblo (Alb. Piktor y Popullit).

En la Galería Nacional de Arte de Tirana en la actualidad hay 72 pinturas realizadas por Zajmiego.

Retrospectiva de su obra fue una exposición, abierta en el decimoquinto aniversario de la muerte, en marzo de [[2006]].

== Fuentes ==
* http://www.albanianart.net/painting/zajmi/
* https://www.pinterest.com/pin/764063893038467619/
* https://www.instagram.com/p/ClJfq6eNJDo/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Helidon Gjergji

2024-03-27T14:18:14Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Helidon Gjergji |imagen = Helidon_Gjergji.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1970 |lugar de nacimie…»

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'''Helidon Gjergji''', es un artista contemporáneo que trabaja en diversos medios.

==Síntesis biográfica==
Nació en Shkodër y creció en Tirana, Albania, donde estudió arte y obtuvo un BFA de la Academia de Artes de Tirana. Después de que se abrieron las fronteras de Albania en 1991, se mudó a Italia, donde estudió artes visuales, obtuvo un título en la Academia de Bellas Artes de Nápoles, [[Italia]], y viajó por Italia y [[Europa]].

En [[1997]], se mudó a Chicago, donde obtuvo una maestría en Teoría y Práctica del Arte de la Universidad Northwestern, [[Chicago]], y realizó sus primeras exposiciones en Estados Unidos. Actualmente vive y trabaja entre la ciudad de [[Nueva York]] y Tirana.

A lo largo de su carrera, Gjergji ha trabajado en una variedad de medios, desde pintura hasta instalación de medios y arquitectura.

Más allá de su trabajo site-specific para lugares de exposición, también produjo obras monumentales de arte público.

Para la sección Proyecto Fachadas de la 4ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Tirana en [[2009]], fue invitado a pintar la fachada de un edificio estalinista de gran tamaño, que cubrió con íconos contemporáneos de la era digital.

Para el Proyecto Bienal 3 en Konjic, [[Bosnia]] y Herzegovina en el [[2015]], que encarga obras de arte para el búnker atómico de la ex Yugoslavia, creó para uno de sus corredores en forma de túnel con nervaduras de roca, una sala de espejos en la que se pueden leer los lemas de las ideologías militaristas.

Fue uno de los tres directores del Tirana Open, un festival internacional de arte contemporáneo de artes visuales, cine, arquitectura, música y literatura. Ha enseñado en la Universidad Estatal de [[Nueva York]], la Nueva Escuela de Diseño Parsons, la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, la Universidad Northwestern y la Universidad Northeastern Illinois.

== Fuentes ==
* https://www.helidon-gjergji.org/
* https://prismsus.org/about/helidon_gjergji
* https://www.helidon-gjergji.org/biography

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Helidon Gjergji.jpg

2024-03-27T14:15:14Z

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== Fuente: ==

Archivo:Helen Galloway McNicoll.jpg

2024-03-18T15:30:23Z

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Archivo:Marco Basaiti.jpg

2024-03-14T14:05:30Z

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== Fuente: ==

Marco Basaiti

2024-03-14T14:05:24Z

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'''Marco Basaiti''' o Marco Basarini, fue un pintor veneciano del Renacimiento que trabajó principalmente en Venecia y fue contemporáneo de Giovanni Bellini y Cima da Conegliano.

==Síntesis biográfica==
Nació alrededor de [[1470]], en [[Venecia]] o Friuli. Su familia era de origen albanés o posiblemente de origen griego, como informó Vasari.[6][7][9][13][16][ 17][18] En cualquier caso, esto explica la variedad de nombres por los que se conoce a Basaiti porque las comunidades griega y albanesa, y otras comunidades extranjeras, en su mayor parte se mantuvieron en secreto y no suelen aparecer en los registros venecianos. Un testamento fechado en 1526 puede proporcionar evidencia de su familia, pero se debate la conexión entre Basaiti y este testamento. Debido a esta falta de documentación, no se sabe mucho sobre la vida de Basaiti, excepto lo que los estudiosos pueden aprender sobre el artista a través de su arte.

Hay poca documentación sobre Marco Basaiti además de las firmas de sus pinturas y el libro de contabilidad de un gremio. [[1530]] que lo registra como pintor de figuras.

Sus obras son principalmente retratos y temas religiosos. Aunque se formó en el estilo quattrocento, su carrera comenzó justo al comienzo del estilo cinquecento, lo que le obligó a intentar adaptar su estilo para mantenerse actual.

Se formó con [[Bartolomeo Vivarini]], ya que se cree que las piezas anteriores de Basaiti reflejan el estilo y la composición de Bartolomeo. Después de la muerte de Bartolomeo a finales de la década de 1490, se cree que Basaiti comenzó a trabajar con Alvise Vivarini, el sobrino de Bartolomeo. Esto se ve respaldado por el hecho de que cuando Alvise murió en 1505, Basaiti recibió el encargo de terminar el retablo titulado San Ambrosio entronizado con los santos que Alvise había dejado incompleto. Normalmente, sólo a los asistentes principales que trabajaban en el estudio se les habría pedido que hicieran este tipo de trabajo que parece estar influenciado estilísticamente por ambos Vivarinis, lo que implica aún más el vínculo entre Basaiti y estos dos maestros.

El pintor aparece en un libro de contabilidad de un gremio de pintores en [[1530]], durante esta época se centró principalmente en los retratos, que fue el área en la que mejor supo adaptar su estilo a los nuevos tiempos.[4] Los paisajes empezaron a perder importancia en sus pinturas aunque su presencia nunca desapareció por completo.

Una excepción a esta tendencia es el cuadro La Lamentación, que demuestra una vez más la capacidad del pintor para componer escenas narrativas. La Lamentación combina muchas de las influencias a lo largo de su vida y muestra su progreso hacia una iluminación y formas más orgánicas.

Algunos lo llaman como uno de los últimos maestros del Renacimiento temprano y sus obras demuestran un refinado estilo quattrocento. Sin embargo, a pesar de sus mejores esfuerzos, sus obras todavía se consideran generalmente un paso por detrás de las tendencias de la pintura veneciana de esa época.

== Fuentes ==
* https://www.artfortune.com/marco-basaiti/artistbiographies-199786/
* https://research.rkd.nl/en/detail/https%3A%2f%2fdata.rkd.nl%2fartists%2f4844

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Bill Reid

2024-02-27T15:09:11Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Bill Reid |imagen = Bill_Reid.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 12 de febrero de 1920 |lugar de…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Bill Reid
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|lugar de nacimiento = Victoria, British Columbia, Canada
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|lugar de fallecimiento = Vancouver, British Columbia, Canada
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|nacionalidad = canadiense
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}}
'''Bill Reid''', fue un artista Haida cuyas obras incluyen joyería, escultura, serigrafía y pinturas, produjo más de mil obras originales durante sus cincuenta años de carrera, es considerado uno de los artistas más importantes de la costa noroeste de finales del [[siglo XX]].

==Síntesis biográfica==
Nació en Victoria, Columbia Británica; su padre era el estadounidense William Ronald Reid Sr., de ascendencia escocesa-alemana y su madre, Sophie Gladstone Reid, era del Kaadaas gaah Kiiguwaay, Clan Cuervo/Lobo de T'anuu, más comúnmente conocido como Haida, uno de las Primeras Naciones de la costa del Pacífico. Sin embargo, en sus primeros años, se crió sin mucho conocimiento de su herencia Haida debido a las medidas opresivas de la Ley Indígena.

Cuando tenía poco más de veinte años, visitó su hogar ancestral de Skidegate por primera vez desde que era un bebé. Deseaba conectarse con sus familiares y su identidad indígena, comentando más tarde que "al recurrir a sus antepasados, al reclamar su herencia para sí mismo, estaba... buscando una identidad que no había encontrado en la sociedad occidental moderna". En Skidegate, pasó tiempo con su abuelo materno, Charles Gladstone, un platero tradicional Haida. Gladstone enseñó por primera vez a Reid sobre el arte Haida y, a través de él, Bill heredó sus herramientas de su tío abuelo Charles Edenshaw, un renombrado jefe y artista que murió el año en que nació el escultor.

En [[1944]], Reid se casó con su primera esposa, Mabel van Boyen. En [[1948]], la pareja se mudó a Toronto, donde desarrolló aún más su gran interés por el arte Haida mientras trabajaba como locutor de radio para CBC Radio y estudiaba fabricación de joyas en el Instituto de Tecnología Ryerson. Durante su tiempo libre, hacía viajes regulares al Museo Real de Ontario y admiraba el poste Haida tallado instalado en la escalera principal, que se originó en el pueblo de T'aanuu de su abuela. Al completar sus estudios, Reid hizo su primera pieza de joyería inspirada en Haida, una pulsera parecida a las que vio usar a su tía materna cuando era niño.

En [[1951]], regresó a Vancouver, donde finalmente estableció un estudio en Granville Island. Se interesó mucho en las obras de su tío tatarabuelo Edenshaw, trabajando para comprender el simbolismo de su obra, gran parte del cual se había perdido junto con muchas tradiciones Haida. Durante este tiempo, Reid también trabajó en la recuperación de artefactos, incluidos muchos tótems intrincadamente tallados, que luego se pudrían en sitios de aldeas abandonadas. Ayudó en la reconstrucción parcial de una aldea Haida en el Museo de Antropología de la Universidad de Columbia Británica (MOA).

En [[1986]], el trabajo de Reid apareció en una exposición en el MOA, "Más allá de la forma esencial", comisariada por William McClennan.

Trabajando con las formas tradicionales y los medios modernos (generalmente oro, plata y argilita), comenzó haciendo joyas y exploró esculturas más grandes en bronce, cedro rojo y ciprés de Nootka (cedro amarillo), que generalmente representan figuras, animales y escenas de la mitología Haida. Su intención era expresar las tradiciones visuales de sus antepasados en una forma contemporánea.

Recibió muchos honores en su vida, incluidos títulos honoríficos de la Universidad de Columbia Británica, la Universidad de Toronto, la Universidad de Victoria, la Universidad de Western Ontario, la Universidad de York y la Universidad de Trent, también el Premio Nacional a los Logros Aborígenes, los Premios Indspire, por su trayectoria en [[1994]], y fue nombrado miembro de la Orden de Columbia Británica y Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. Fue nombrado miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes.

El [[30 de abril]] de [[1996]], Canada Post publicó 'El espíritu de Haida Gwaii, 1986-1991, Bill Reid' en la serie Obras maestras del arte canadiense. El sello fue diseñado por Pierre-Yves Pelletier basándose en la escultura El espíritu de Haida Gwaii (1991) de William Ronald Reid en la Embajada de Canadá en Washington, [[Estados Unidos]].

== Fuentes ==
* https://www.thecanadianencyclopedia.ca/en/article/william-ronald-reid
* https://www.billreidgallery.ca/pages/about-bill-reid

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Bill Reid.jpg

2024-02-27T15:06:48Z

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== Fuente: ==

Agnes Martin

2024-02-27T14:45:12Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Agnes Martin |imagen = Agnes_Martin.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 22 de marzo de 1912 |luga…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Agnes Martin
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|fecha de nacimiento = [[22 de marzo]] de [[1912]]
|lugar de nacimiento = Macklin, Saskatchewan, Canadá
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|lugar de fallecimiento = Taos, New Mexico, United States
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|educación = Universidad de Nuevo México, Teachers College, Universidad de Columbia
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}}
'''Agnes Martin''', es considerada una pintora minimalista, es conocida por haber visto su trabajo como expresionismo abstracto.

==Síntesis biográfica==
Al crecer en la zona rural de Canadá e influenciado por el desierto de Nuevo México, el arte de Martin se caracterizó por composiciones serenas con cuadrículas y líneas. Sus obras eran predominantemente monocromáticas y empleaban colores sutiles como el negro, el blanco y el marrón. El enfoque minimalista de Martin transmitía tranquilidad y espiritualidad, y sus pinturas a menudo llevaban nombres positivos que reflejaban su filosofía.

pero se mudó a los Estados Unidos en [[1931]], es considerada una pintora minimalista, es conocida por haber visto su trabajo como expresionismo abstracto. Mientras estudiaba en la Universidad de Columbia en [[Nueva York]], el artista se introdujo en el budismo zen y se interesó por el pensamiento asiático como un conjunto de principios rectores. Martin veneraba al pintor estadounidense de mediados de siglo Mark Rothko por su éxito al llevar el arte a cero, para que la verdad pura pudiera revelarse a través de su pintura. Inspirada en esta estética reduccionista, decidió reducir su propio trabajo, volviendo a las representaciones del mundo en favor de la expresión de la perfección pura y la realidad trascendente. Sus cuadros se caracterizan por cuadrículas sutiles y campos de colores suaves.

En [[1947]], asistió a la Escuela de Campo de Verano de la Universidad de Nuevo México en Taos, después de escuchar conferencias del erudito budista zen D. T. Suzuki en Columbia, se interesó por el pensamiento asiático, no como una religión. disciplina, sino como un código de ética, una guía práctica para vivir la vida. Unos años después de graduarse, Martin se matriculó en la Universidad de Nuevo México, Albuquerque, donde también impartió cursos de arte antes de regresar a la Universidad de Columbia para obtener su maestría (1952) en arte moderno. Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1957 y vivió en un loft en Coenties Slip en el bajo [[Manhattan]].

Su carrera incluyó numerosas exposiciones, con un total de más de 85 exposiciones individuales, y participación en importantes eventos como la Bienal de Venecia y la Documenta. El trabajo de Martin obtuvo reconocimiento por su contribución única al arte contemporáneo y recibió premios como la Medalla Nacional de las Artes del Fondo Nacional de las Artes en [[1998]]. Fue elegida miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes en 2004.

A pesar de las luchas personales contra la esquizofrenia, la dedicación de Martin a su arte persistió y su legado continúa inspirando a artistas contemporáneos. Documentales y películas han explorado su vida y obra, arrojando luz sobre su proceso e impacto artístico. Más allá del mundo del arte, su influencia se extiende a la cultura popular, como se ve en un doodle de Google y una canción dedicada a ella. La visión artística de Martin, que combina minimalismo y espiritualidad, sigue siendo una fuerza duradera e influyente en el ámbito del arte abstracto.

En [[1976]] hizo su primera película, Gabriel, una película de paisajes de 78 minutos que presenta a un niño dando un paseo y una segunda película, Cautiverio.

Se convirtió en una inspiración para artistas más jóvenes, desde [[Eva Hesse]] hasta [[Ellen Gallagher]].

En [[1994]], el Museo de Arte Harwood en Taos, parte de la Universidad de Nuevo México, anunció que renovaría su edificio estilo Pueblo y dedicaría un ala al trabajo de Martin. La galería fue diseñada según los deseos del artista para dar cabida al regalo de Martin de siete grandes pinturas sin título realizadas entre [[1993]] y 1994.

== Fuentes ==
* https://www.imdb.com/name/nm0551868/
* https://www.wikiart.org/en/agnes-martin
* https://www.moma.org/artists/3787

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Agnes Martin.jpg

2024-02-27T14:38:21Z

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== Fuente: ==

Na Hye-Sok

2024-01-09T22:00:38Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Na Hye-Sok |imagen = Na_Hye-sok.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 28 de abril de 1897 |lugar de…»

{{Ficha Persona
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|nombre completo = Na Hye-Sok
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|fecha de nacimiento = [[28 de abril]] de [[1897]]
|lugar de nacimiento = [[Rhode Island]], [[Estados Unidos]]
|fecha de fallecimiento = [[10 de diciembre]] de [[1948]]
|lugar de fallecimiento = [[Seúl]], [[Corea]] del Sur
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|ciudadania = Coreana
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|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido = Jeongwol, Agi y Myeong-soon
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|sucesor =
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|cónyuge = Kim Woo-young
|hijos = Kun Kim, Kim Jin, Kim Sun
|padres = Na Ki-čong, Choi Shi-ui
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'''Na Hye-Sok''', Su pseudónimo era Jeongwol, fue una artista, poeta, escritora, pintora y activista feminista liberal de Corea del Sur.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[1896]] en Suwon, provincia de Gyeonggi. Fue la cuarta en el seno de una familia adinerada. En su infancia la llamaban Agi y Myeong-soon.

Le dieron el nombre de Hye-sok cuando comenzó a asistir a la Escuela de bachillerato femenina Jin Myeong. Demostró talento artístico desde muy temprana edad y se graduó como una de las mejores de su clase.

Animada por su hermano, fue a la universidad y estudió pintura occidental, algo que se pensaba imposible para una mujer en la sociedad coreana en aquel momento.

fue una escritora y pintora feminista coreana. Fue la primera pintora profesional y la primera escritora feminista en Corea.3 Pintó algunas de las primeras obras de estilo occidental de Corea y publicó novelas y relatos cortos feministas.4 Su obra escrita más importante, "Kyunghee", publicada en 1918, trata del autodescubrimiento de una mujer y la posterior búsqueda de sentido en la vida como una "nueva mujer". Es el primer relato corto feminista de la literatura coreana.56

Después de graduarse de la Escuela secundaria femenina Jin Myeong en 1913, se especializó en pintura occidental en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio.7 En abril de 1915, se convirtió en la coordinadora principal de la Asociación de Estudiantes Femeninas Coreanas en Japón. Fue por aquel entonces cuando se enamoró de Ch'oe Sung-gu, un estudiante de la Universidad de Keio y después el editor y director de la revista Hakchigwang. Su relación con Ch'oe tuvo una gran difusión entre los estudiantes coreanos en Japón, así como su cercana relación literaria y personal con Yi Kwang-su. En la primavera de 1915, el padre de Na Hye-sok la hizo volver a Corea y la obligó a aceptar una proposición de matrimonio de una familia bien establecida. Na Hye-sok pudo evitarlo al encontrar un puesto de profesora en una escuela primaria, según relató ella después. Después de enseñar y ahorrar dinero durante un año para pagar la matrícula, volvió a Tokio a finales de 1915 para seguir con sus estudios. Sin embargo, en abril de 1916 Ch'oe Sung-gu murió de tuberculosis y Na Hye-sok tuvo que dejar temporalmente los estudios para recuperarse del colapso nervioso que le sobrevino.8

En 1920, junto con Kim Won-ju y diez literatos más, fundaron la revista literaria P-yeho. aportando una serie de artículos para la primera revista para mujeres coreanas, que se llamó Sinyeoja (“Mujer nueva”), acerca de cómo mejorar la vestimenta de las mujeres coreanas. Sostenían que era necesaria una ropa más funcional y práctica para mejorar la higiene, salud e imagen personal de la mujer coreana, y criticaban los vestidos tradicionales coreanos que no consideraban el confort, la protección y la comodidad de la mujer, en este mismo año contrajo matrimonio con Kim Woo-young en el salón de bodas Jeongdong en Seúl.

En [[1927]] y su marido hicieron un recorrido de tres años por [[Europa]]. Se dice que estando en [[París]] con su marido ausente, tuvo un affaire con Choi Rin, líder de la religión Chendogyo, lo que la convirtió en carne de cañón para los periodistas, su marido pidió el divorció por la infidelidad, aunque nunca se le probó realmente le fue infiel.

Su diario muestra que hasta finales de la década de [[1930]] luchó por mantenerse fiel a los roles tradicionales de esposa y madre a pesar de las muchas humillaciones y frustraciones de su infeliz matrimonio. De cualquier forma, se la tachó de ser una mujer que utilizaba sus pretensiones artísticas como una excusa para tener aventuras sexuales.

Continuó pintando y ganó un premio especial en la 10º Exhibición de Arte Joseon en [[1931]]. También publicó un relato titulado "Confesión de un divorcio" en la revista Samcheolli en [[1934]], donde habló de temas como la desigualdad entre hombres y mujeres según la moral y tradición coreanas, desafiando el sistema social patriarcal y la mentalidad machista de la Corea de aquel entonces.

==Fallecimiento==
Murió sola el [[10 de diciembre]] de [[1948]] en un hospital para mendigos.

== Fuentes ==
* https://mujeresbacanas.com/na-hye-sok-1896-1948/
* https://spanish.korea.net/NewsFocus/HonoraryReporters/view?articleId=198777

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Na Hye-sok.jpg

2024-01-09T22:00:23Z

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Kim Whanki

2024-01-09T21:48:48Z

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'''Kim Whanki''', fue un pintor y artista abstracto pionero de Corea.

==Síntesis biográfica==
Nacido en el pueblo de Eupdong-ri en la isla de Kijwa, de Anjwa-myeon, condado de Sinan, provincia de Jeolla del Sur en Corea bajo el dominio japonés, como el cuarto hijo y único hijo del rico granjero y terrateniente local Kim Sang-hyeon, creció cómodamente en la isla [[Kijwa]].

Después de graduarse de la escuela primaria, Kim fue enviado a Seúl para vivir con su hermana mayor y asistir a la escuela secundaria Choongdong, su familia lo apoyó para estudiar en el extranjero en Tokio, Japón, donde asistió a la escuela secundaria Nishikishiro durante sus cinco años de estudio aprendió a tocar el violín.

Regresó a casa en [[1932]], su padre se opuso a los deseos de Kim de continuar sus estudios y ordenó que se casara, su sobrino nieto es Choi Seung-hyeon (n. [[1987]]), un artista, actor y rapero activo bajo el apodo de T.O.P, además de miembro de Big Bang.

Vivió y trabajó en varias ciudades y países durante su vida, entre ellos [[Tokio]], [[Japón]]; [[Seúl]] y [[Busan]], [[Corea]]; [[París]], [[Francia]]; y la ciudad de Nueva York, EE. UU., donde murió.

Perteneció a la primera generación de artistas abstractos coreanos, que mezclan conceptos e ideales orientales con la abstracción. Con una expresión formativa refinada y moderada basada en el lirismo coreano, creó su característico mundo artístico, sus obras de arte abordaron en gran medida diversos tonos y patrones. Las primeras obras fueron pinturas semiabstractas que permitían a los espectadores ver ciertas formas, pero sus obras posteriores fueron pinturas abstractas más profundamente absorbidas, llenas de líneas y espacios.

Pionero de la pintura abstracta y padrino del movimiento Dansaekhwa, Whanki Kim estableció su lugar en la historia y el arte de Corea a una edad temprana. Whanki Kim fue un artista cuyo profundo impacto en la historia del arte coreano se vio en la primera ola de arte abstracto.

Como artista itinerante que se inspira en artistas de otros orígenes, el estilo de arte abstracto se transformó de la abstracción geométrica al arte con motivos tradicionales coreanos y a pinturas monocromáticas de puntos y líneas. Mantuvo un equilibrio entre mantener cerca los valores y creencias coreanos e incorporar nuevas técnicas extranjeras en sus obras, que evidentemente reflejan su identidad personal y la identidad nacional de Corea, impactada por las condiciones políticas y sociales de mediados del [[siglo XX]].

descubrió la cerámica blanca y los artefactos de madera de la dinastía Yi, y su amor por el arte tradicional coreano fue creciendo hasta el punto de que durante los años 50, estos artefactos se convirtieron en el motivo principal de su pintura.

Después de unos años en París, el pintor se mudó a Nueva York, donde finalmente encontraría la confianza en su arte y en el arte coreano. Llegó a decir que se sentía seguro de que su arte tenía significado. Y esa belleza llega de haber vivido en el campo coreano.

Será en esta ciudad en la que Kim experimentará y trabajará también con collage, papel maché y pinturas al óleo con periódicos. También fue en esta época en la que empezó a pintar puntos, siendo que algunas pinturas se componen nada más que de éstos.

En [[1992]] se abrió el Museo Whanki, de carácter privado, creado por la Fundación Whanki principalmente para conmemorar y mostrar su obra. Se encuentra en Seúl y dispone de dos edificios, uno dedicado al trabajo del pintor y otro en el que se realizan conferencias.

==Fallecimiento==
Finalmente sería en la ciudad estadounidense en la que el artista fallecería un [[25 de julio]] de [[1974]].

== Fuentes ==
* https://signific.art/2021/06/06/el-mundo-segun-whanki-kim/
* https://micorea.wordpress.com/2020/09/16/kim-whanki-el-pionero-del-arte-abstracto/
* https://www.pinterest.es/anxo0068/whanki-kim-corea/

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Kim Whanki.jpg

2024-01-09T21:48:29Z

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Luo Ping

2023-12-12T20:50:51Z

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'''Luo Ping''', fue un pintor chino de la [[dinastía Qing]] que vivió en Ganquan 甘泉; actual Yangzhou, Jiangsu. Su nombre de cortesía era Dunfu (遯夫) y sus seudónimos eran Liangfeng (兩峰; Liǎngfēng; lit. "Dos Picos") y Huazhisi Seng (花之寺僧; Huāzhisì Sēng; lit. "Monje del Templo de las Flores") .

==Síntesis biográfica==
La vida de Luo Ping comenzó con pérdida y tristeza. Su padre murió cuando Luo tenía sólo un año, y su madre poco después. Pero desde temprana edad, el joven huérfano fue reconocido como un poeta talentoso y fue admitido en los exclusivos círculos artísticos de su ciudad natal, Yangzhou. A los diecinueve años se casó -por amor- con el poeta y pintor [[Fang Wanyi]]. Su hija y sus dos hijos (Yǔnshào, 允绍 y Yǔnzuǎn, 允缵) también se convirtieron en artistas. Todas las flores de ciruelo pintadas, la marca familiar (罗家梅派).[2]

Cinco años después de su matrimonio, Luo conoció al hombre que cambiaría su vida. Este fue el poeta, artista y bon vivant de renombre nacional [[Jin Nong]]. El maestro de 70 años tomó gran simpatía por el talentoso joven, quien a su vez se inspiró en el arte emocional y expresivo de su mentor. Luo también pintó cuadros para Jin Nong, quien los firmó con su propio nombre y los vendió. Cuando, después de 6 años de esta estrecha colaboración, Jin Nong murió, Luo enterró a su maestro con tanta reverencia como si fuera el funeral de su propio padre.

En la segunda mitad de su vida, Luo visitó con frecuencia la capital, [[Beijing]], donde causó sensación en la escena cultural de moda. En un largo rollo de pintura que mostró a todos, había pintado fantasmas y afirmó haber visto esas criaturas con sus propios ojos: "Algunos muestran dientes como semillas de melón y tienen dedos tan grandes como muslos". Luo murió, muy estimado, a la edad de sesenta y seis años. A lo largo de su vida se consideró un budista austero y firmaba sus obras con el nombre de "Monje del Templo de las Flores".

==Obras==
* Drinking in the Bamboo Garden
* Plum Blossoms
* Flowering Plum
* Spider Spinning Its Web

== Fuentes ==
* https://uwapress.uw.edu/book/9780295750958/the-ghost-in-the-city/
* https://www.meisterdrucke.es/artista/Luo-Ping.html
* https://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2009/luo-ping/photo-gallery

[[Categoría: Fotógrafos]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Luo Ping.jpg

2023-12-12T20:48:24Z

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Mi-Fei

2023-12-12T20:32:24Z

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'''Mi-Fei''', también conocido como Mi Fu fue un pintor, poeta y funcionario público chino. Había nacido en Taiyuan, Shanxi durante la [[dinastía Song]]. En el ámbito de la pintura ganó reconocimiento por sus paisajes con neblina.

==Síntesis biográfica==
Mi-Fei también conocido como Mi Fu fue un pintor, poeta y funcionario público chino. Había nacido en Taiyuan, Shanxi durante la [[dinastía Song]].

En el ámbito de la pintura ganó reconocimiento por sus paisajes con neblina. Su particular estilo sería denominado «estilo Mi Fu» e incluía el uso de grandes manchas de tinta húmeda aplicada con un pincel chato. Su poesía estaba compuesta en estilo Li Bai, mientras que su caligrafía seguía el estilo de Wang Xizhi. Su estilo desinhibido hizo que no gozara de demasiada simpatía en la corte Song.

Su madre, camarera de la emperatriz (la mujer del emperador Renzong), le consiguió una colocación militar en Anhui. Pero la fama de su talento pictórico le valió ser nombrado pintor de cámara; más tarde fue secretario de la Junta de ritos y luego desempeñó cargos oficiales en diversas provincias, muriendo en una de ellas.

Como literato, su estilo era exagerado e incorrecto en alto grado, pero como pintor mereció justas alabanzas, especialmente por sus paisajes y figuras de hombres y animales.

Mi-Fei tenía la monomanía de la limpieza y se negaba a usar servilletas, platos o vasos que hubiesen servido en otra ocasión. Era grandemente excéntrico y sus rarezas le perjudicaron en su carrera oficial.

Escribió un Tratado de dibujo y algunas obras de amena literatura.

En [[1081]], conoció a Su Shih, el gran poeta, calígrafo y teórico del arte. Este fue el comienzo de la formación de un círculo de algunos de los artistas más brillantes de la historia. Otros miembros fueron Li Kung-lin, pintor y anticuario; Huang T'ing-chien, poeta y calígrafo; y Chao Ta-nien, pintor y coleccionista de arte. El primo de Su Shih, el pintor de bambú Wen T'ung, que había muerto en 1079, también fue una figura clave por su arte y su influencia en Su Shih.

De esta asociación surgió la teoría y la práctica de la wen-jen-hua, o pintura literata, que en todas sus manifestaciones ha seguido siendo hasta el presente la rama más dinámica y creativa del arte. En lugar de la visión dominante durante mucho tiempo de que la pintura era un arte público, sujeto a normas públicas, los pintores eruditos sostuvieron la opinión expresada por Li Kung-lin: "Pinto, como canta el poeta, para dar expresión a mi naturaleza y emociones, y eso es todo."

== Fuentes ==
* https://artsandculture.google.com/entity/mi-fei/m087tg9?hl=es
* https://www.encyclopedia.com/history/encyclopedias-almanacs-transcripts-and-maps/mi-fei

[[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Mi Fei.jpg

2023-12-12T20:23:53Z

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Archivo:Shen Zhou.jpg

2023-12-12T20:07:40Z

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Yan Liben

2023-12-12T18:54:30Z

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'''Yan Liben''', formalmente Barón Wenzhen de Boling, fue un pintor chino y dignatario del gobierno en los inicios de la [[Dinastía Tang]]. Su trabajo más renombrado es el Rollo de los trece emperadores.

==Síntesis biográfica==
Sus antepasados eran originarios de Mayi actualmente en la moderna Shuozhou, Shanxi, pero se mudaron a la región de Guanzhong.

Su padre Yan Pi (閻毘) fue el subdirector de asuntos de palacio durante la [[Dinastía Sui]], y Yan Liben y su hermano mayor Yan Lide (閻立德) fueron conocidos por sus capacidades en arquitectura y al servicio del gobierno imperial en aquella área.

Nacido dentro de una familia aristocrática, fue una persona sobresaliente entre los pintores imperiales. No sólo era un pintor famoso que creó muchas figuras para los personajes en los libros históricos, sino también un arquitecto e ingeniero con brillantes éxitos. Había sido un jefe de los ingenieros para la corte imperial, siendo responsable de la construcción y la fabricación. Aunque era "rey de pintores", todavía Yan Liben sentía la posición baja de los pintores.

Aunque el mismos estaba muy preparado para proyectos de trabajo público, era muy conocido por sus dotes artísticas. Fue por esta razón que el Emperador Taizong, el segundo emperador de la dinastía Tang, encargó a Yan pintar retratos que conmemoraran a los 24 grandes colaboradores de su reinado en el Pabellón Lingyan, así como los de los 18 académicos que le sirvieron cuándo era el Príncipe de Qin. Su El Emperador Taizong recibiendo al emisario tibetano data, probablemente, de este periodo.

Sirvió como arquitecto imperial, como el ministro de trabajos públicos (工部尚書, Gongbu Shangshu). Alrededor del año nuevo de 669, se convierte en Te Xiang (右相) -- cabeza de la agencia de exámenes del gobierno (西臺, Xi Tai); fue promovido a un puesto de canciller y el Emperador Gaozong lo nombró Barón de Boling. Como su compañero canciller, Jiang Ke (suplente de la agencia legislativa (左相, Zuo Xiang)) fue promovido a canciller al mismo tiempo, debido a sus exitosas batallas, unos versos de tono despectivo fueron escritos, declarando "El Zuo Xiang estableció su poder sobre el desierto, y el Tú Xiang estableció su fama sobre un lienzo." En 670, Yan se convierte oficialmente en cabeza de la agencia legislativa, con el título de Zhongshu Ling (中書令).

==Obras==
* Emperador Wen del Reino de Wei
* Emperador Fei de la Dinastía Chen
* Emperador Houzhu de la Dinastía Chen
* Emperador Wen de la Dinastía Chen
* Emperador Xuan de la Dinastía Chen
* Emperador Wu de la Dinastía Jin
* Emperador Da de la Dinastía de los Wu Occidentales
* Emperador Wen de la Dinastía Sui
* Emperador Yang de la Dinastía Sui
* Emperador Wu de la Dinastía Zhou del Norte
* Emperador Zhaolie de la Dinastía Shu
* Emperador Guangwu de la Dinastía Han
* Emperador Zhao de la Dinastía Han
* Emperador Taizong de la Dinastía Tang
* Xiao Yi Adquiriendo el Prefacio de Pabellón de la Orquídea por engaño
* Retratos de la Ofrenda periódica de Tang, describiendo a emisarios extranjeros con portadores de tributos. Copia de la Dinastía Song.
* Uno de los Seis corceles del Mausoleo Zhao, "Saluzi" (颯露紫) o Rocío de Otoño
* Rollo completo de El emperador Taizong recibiendo al emisario tibetano. Copia de la Dinastía Song
* Rollo de los trece Emperadores

== Fuentes ==
* https://www.viajechinaexperto.com/cultura-china/pintura-china/yanliben.html
* https://www.britannica.com/biography/Qiu-Ying
* http://www.chinaonlinemuseum.com/painting-qiu-ying.php

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Yan Liben.jpg

2023-12-12T18:54:16Z

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Li Huasheng

2023-11-16T20:32:11Z

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'''Li Huasheng''', fue un artista chino de Yibin en la provincia de [[Sichuan]]. Recibió su primera formación artística en una de las salas de cultura de Chongqing. Conoció a [[Chen Zizhuang]] en [[1972]] y estudió pintura tradicional china con él, dominando su estilo en solo cuatro años.

==Síntesis biográfica==
Li Huasheng nació en Yibing, provincia de Sichuan en [[1944]].

Es un artista maximalista contemporáneo chino.

Alumno del conocido pintor de Chengdu Chen Zizhuang, las primeras obras en tinta de Li siguieron el estilo de la pintura tradicional de los literatos. A mediados de la década de [[1980]], quedó influenciado por la pintura occidental moderna y comenzó a perseguir un estilo de pintura más subjetivo, a finales de la década de 1980, abandonó su estilo anterior en busca de una forma de expresión más racional. Hacia [[1997]], comenzó a abandonar cualquier referencia a la imagen y su estructura se volvió más simple, dejando sólo obras compuestas por líneas cortas. Su proceso es comparable a la meditación Zen, donde la pincelada es un reflejo del alma. Dibuja líneas en papel Xuan todos los días, centrándose en la composición en relación con las líneas de tinta, superponiéndose unas sobre otras.

La fama de Li fue tan grande que en este mismo año fue invitado a exhibir su arte para el líder supremo chino Deng Xiaoping. En 1985 fue elegido miembro honorario de la Academia de Bellas Artes de Sichuan, y al año siguiente fue aceptado en la Academia de poesía, caligrafía y pintura de Sichuan.

La vida del pintor fue narrada extensamente en Contradicciones: vida artística, el estado socialista y el pintor chino Li Huasheng de Jerome Silbergeld y Gong Jisui, y se ha dicho que su vida "[resume] el camino del artista en la China socialista".

A diferencia del arte abstracto occidental, los dibujos de cuadrículas de Li no se centran en las cuadrículas per se, sino más bien en el proceso de formarlas, porque siente que no pueden representar el orden espiritual del mundo exterior o la existencia objetiva de un objeto material. Las huellas de la retícula son un registro de su meditación diaria.

==Exhibitions==
* [[2016]]: The Meditation Room, Mayor Gallery, London, U.K. y Li Huasheng, Art Basel, [[Hong Kong]] Convention and Exhibition Center, Hong Kong, China.
* [[2014]]: Process, Mind, and Landscape, Ink Studio, [[Beijing]], China
* [[2010]]: Show for 10 Art Cases, Shanghai 800 Art Zone, [[Shanghai]], [[China]]
* [[2006]]: New Literati Paintings, Alisan Fine Arts, Hong Kong, China
* [[2005]]: Alisan Fine Arts, Hong Kong, China
* [[1998]]: An Individualistic Artist, Chinese Culture Center, San Francisco, U.S.A.; Alisan Fine Arts, Hong Kong, China
* [[1992]]: National Museum of Singapore, [[Singapore]]
* [[1991]]: Hanart Gallery, [[Taipei]], [[Taiwan]] y Hong Kong City Hall, Hong Kong
* [[1987]]: Harvard Art Museums, Cambridge; Yale University Art Gallery, New Haven; University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor; Henry Art Gallery, University of Washington, Seattle; and Detroit Institute of Art, [[Detroit]], U.S.A.
* [[1984]]: Du Fu Thatched Cottage, Chengdu, China

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/li-huasheng
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/689627
* https://ocula.com/artists/li-huasheng/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Li Huasheng.jpg

2023-11-16T20:31:18Z

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== Fuente: ==

Numa Pompilio Briceño

2023-11-16T20:00:59Z

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|nombre completo = Numa Pompilio Briceño
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|fecha de nacimiento = [[5 de marzo]] de [[1832]]
|lugar de nacimiento = [[Guayaquil]], [[Ecuador]]
|fecha de fallecimiento = [[4 de abril]] de [[1907]]
|lugar de fallecimiento = [[Guayaquil]], [[Ecuador]]
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|nacionalidad = Ecuatoriano
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|ocupación = Poeta y Filósofo
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|termino =
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|partido político =
|cónyuge = María Laura Ríos Molero
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}}
'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos dos hijos con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-16T20:00:17Z

Karinaadames:

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}}
'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos dos hijos con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-16T19:55:11Z

Karinaadames:

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}}
'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos dos hijos con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Filosofo]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-14T20:12:55Z

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}}'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Numa Pompilio Briceño nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos 1 hijo y 1 hija con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Filosofo]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-14T20:10:57Z

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}}

'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Numa Pompilio Briceño nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos 1 hijo y 1 hija con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Filosofo]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-14T20:09:48Z

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'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Numa Pompilio Briceño nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos 1 hijo y 1 hija con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En [[1864]] se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Poeta]] [[Categoría: Filosofo]]

Numa Pompilio Briceño

2023-11-14T20:06:55Z

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}}
'''Numa Pompilio Briceño''', es y será cuna de artistas, cuna de historias detrás de cada pared colonial. Poeta ecuatoriano que escribió sobre asuntos religiosos y patrióticos, estéticos y filosóficos. Uno de los más distinguidos representantes del tránsito del romanticismo al modernismo.

==Síntesis biográfica==
Numa Pompilio Briceño nació el [[25 de marzo]] de [[1908]], en [[Trujillo]], [[Venezuela]]. Tuvo por lo menos 1 hijo y 1 hija con María Laura Ríos Molero.

De niño se mudó junto a su familia a la ciudad de Cali, Colombia donde cursó sus primeros estudios . En 1845 se mudó a la capital de Perú, Lima donde estudió derecho en la Universidad de San Marcos y fue merecedor del título de Abogado, y poco después se doctoró en Jurisprudencia y Derecho Internacional.

El gobierno peruano le designó el puesto de cónsul en Francia, Italia y España. En 1864 fue nombrado como Secretario del Congreso Americano reunido en Lima. En 1880, Director del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Vivió en [[Colombia]], [[Perú]] y [[Ecuador]] donde fue honrado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en [[1904]]. Su obra es considerada una de las más ricas entre los poetas ecuatorianos del [[siglo XIX]].

En [[1882]] retorna a Ecuador y la Academia Ecuatoriana de la Lengua lo nombró Miembro de Número, y el Gobierno Nacional le confió en su poder relevantes cargos públicos, también fue asignado a rector de la Universidad de Guayaquil donde impulsó el desarrollo educacional de todo el país.

Luego fue representante de Ecuador en Colombia (1885). Residió de nuevo en Lima, retornando a su ciudad natal, ahí fue coronado como poeta nacional en un homenaje público celebrado en 1904.

Entre sus principales obras se destacan: “Cien Sonetos Nuevos”, “Interrogaciones”, “Himnos, Dianas y Elegías”, “De la Penumbra a la Luz”, “La Bandera del Ecuador”, “Odisea del Alma”, “Los Caballeros del Apocalipsis”, “Cantares Americanos”, “Nuevas Poesías” y otras que están reunidas en una obra titulada “Clamores del Occidente”.

Fue nombrado Miembro de Número de la Academia Ecuatoriana de la Lengua y también se desempeñó como Rector de la Universidad de Guayaquil, y algunos cargos diplomáticos.

El contenido filosófico de sus poemas, gozó de gran aceptación en el último tercio del siglo XIX. Entre sus obras poéticas destacan: Cien Sonetos Nuevos, Interrogaciones, Los Caballeros del Apocalipsis, Noches de Dolor en las Montañas, Himnos, Dianas y Elegías, De la Penumbra a la Luz, Canto a la Vida, La Bandera del Ecuador, Odisea del Alma, Cantares Americanos o Nuevas Poesías. Aquellas obras se reunieron con el título de Clamores del Occidente.

En 1864 se casa con Enriqueta Marchena y Bentín. En 1880 vuelve a contraer matrimonio, pero esta vez con la poetisa peruana Lastenia Larrivia y Negrón, también viuda, con quien tuvo un hijo llamado Pablo Emilio.

Tuvo un fuerte impacto como introductor de tendencias literarias en Ecuador, Perú, Colombia e Hispanoamérica. Vinculado a la historia lirica ecuatoriana se encuentra su obra que representa el eslabón intermedio entre el neoclasicismo de José Joaquín Olmedo y el modernismo finisecular.

==Fallecimiento==
Murió el [[4 de abril] de [[1907]], en [[Guayaquil]] murió este poeta, filósofo y abogado ecuatoriano.

La Biblioteca “Simón Rodríguez” del Parlamento Andino conmemora el fallecimiento de Manuel Pompilio Llona y Echeverri.

== Fuentes ==
* https://www.parlamentoandino.org/index.php/centro-de-documentacion/noticias/142-numa-pompilio-llona
* https://marialr2004.blogspot.com/2020/10/numa-pompilio-llona.html

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Numa Pompilio Briceño.jpg

2023-11-14T20:06:26Z

Karinaadames:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Marcos Castillo

2023-11-14T19:29:57Z

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'''Marcos Castillo''',

==Síntesis biográfica==
Nació en [[Caracas]] el [[3 de Abril]] de [[1897]], hijo de Marcos del Castillo y Carmen Rodríguez Álvarez. A los 13 años ya había realizado un retrato de su madre y en [[1915]] concluía 39 láminas de estudios anatómicos (creyón, carboncillo y pastel sobre cartón).

En [[1916]] seguía estudios bajo la dirección de José Eugenio Montoya, retratista colombiano que había estudiado en la Academia Julian con Bonnard y Ferrier, y en [[1917]] ingresó a la Academia de Bellas Artes, en donde asiste a las clases de pintura, historia del arte, anatomía, composición, dibujo y perspectiva.

Recibe clases de [[Cruz Álvarez García]], al comienzo de su aprendizaje artístico copió algunas obras de Cristóbal Rojas (como La miseria) y de Arturo Michelena, recibió la influencia de [[Federico Brandt]], [[Manuel Cabré]], [[Nicolás Ferdinandov]], [[Samys Mützner]], [[Armando Reverón]] y la de [[Emilio Boggio]], el cual había llegado a Caracas para exponer el [[6 de agosto]] de [[1919]], en la Escuela de Música y Declamación más conocido por Academia de Bellas Artes.

A partir de [[1922]] se desempeñó como profesor de pintura y composición en la Escuela de Artes Plásticas y en [[1926]] realizó su segunda exposición individual con 54 obras en el Club Central, tras la cual hizo un breve viaje a [[París]] en el mes de julio.

En los años que le siguieron estudió profundamente la obra de [[Paul Cézanne]] del cual recibiría una gran influencia. Entre [[1927]] y [[1928]] firma sus cuadros con el nombre Maseneth y entre [[1929]] y [[1933]] incursiona en la poesía.

En [[1930]] expone 153 obras, un tercio de ellas pertenecientes a colecciones privadas y entre [[1930]] y [[1940]] fue colaborador de la revista Élite y columnista en El Nacional, El Universal y La Esfera, donde se mostró como un refinado teórico y crítico del arte, es ratificado como profesor de la nueva Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas en [[1936]] y no fue hasta [[1938]], su obra Muchacho de la boina formó parte del nuevo MBA y, en [[1940]], recibe el Premio Oficial de Pintura del I Salón Oficial por su obra Girasoles (colección GAN), reconociéndolo así como el pintor más importante de ese momento.

En [[1954]] y [[1958]], representó a [[Venezuela]] junto con otros artistas en la XXVI y XXIX Bienal de Venecia, y en 1955 en la III Bienal Hispanoamericana de Arte de [[Barcelona]].

En la tradición de Rojas y de Brandt, Castillo se interesó por la naturaleza muerta, logrando efecto de luces, brillos, opacidades y transparencias de vasos y objetos de cobre; llegó a ser un maestro de la expresión del material de los objetos.

Marcos castillo está representado en el Museo de Bellas Artes.

==Exposiciones Individuales==
* M.B.A. en los años [[1944]] y [[1950]]
* Sala de Exposiciones Fundación Mendoza en los años, [[1957]], [[1959]] y [[1962]]
* Ateneo de Caracas, [[1964]]
* Colegio Médico del Distrito Federal, [[1965]]

==Premios==
[[1940]]: Premio de Pintura, Primer Salón Oficial
[[1949]]: Medalla de Honor de la Instrucción Pública y Premio John Boulton, Salón Oficial
[[1950]]: Premio Antonio Esteban Frías, Salón Oficial
[[1954]]: Premio Arístides Rojas y Premio Federico Brandt, Salón Oficial
[[1955]]: Premio Armando Reverón, Salón Oficial
[[1957]]: Premio Planchart
[[1961]]: Premio Armando Reverón, 1 Bienal Armando Reverón, M.B.A (Museo de Bellas Artes)

==Fallecimiento==
Murió en la misma ciudad el [[19 de marzo]] de [[1966]].

== Fuentes ==
* https://www.raquelbalice.com/es/marcos-castillo
* http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/Castillo,_Marcos
* https://www.facebook.com/iartesven/posts/marcos-castillo-fue-un-pintor-y-pedagogo-venezolano-reconocido-en-el-mundo-de-la/3813165528775867/?locale=es_LA

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Marcos Castillo.jpg

2023-11-14T19:29:43Z

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== Fuente: ==

Jorge Imaná

2023-10-19T19:21:29Z

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}}
'''Jorge Imaná Garrón''', fue un pintor y muralista boliviano. Junto a su hermano el pintor muralista [[Gil Imaná]] fueron miembros fundadores del Grupo Anteo. Estudió artes plásticas en la Escuela de Bellas Artes ‘Zacarías Benavides’ y en el Curso Superior de Bellas Artes de Juan Rimsa en Sucre. .

==Síntesis biográfica==
Nació [[Sucre]], [[Bolivia]] en el año [[1930]], a sus siete años comenzó a estudiar artes con el profesor [[Goyo Ayaviri]] y con 12 años ingreso a estudiar artes plásticas en la Academia de Bellas Artes Zacarías Benavides, recibió el reconocimiento del maestro [[Luis Wallpher]] como mejor alumno.

Completo el curso superior de bellas artes de Juan Rimsa en Sucre. Realizó estudios en Ciencias Biológicas.ˈ

Estuvo casado con casado con María Cristina García.

Comienza a exponer sus obras desde el año [[1947]], junto a su hermano Gil Imaná, son protagonistas del arte boliviano en la segunda mitad del [[siglo XX]].

==Murales==
* Educación para la paz y la libertad, Colegio Padilla
* Los Charcas y la conquista, Colegio Junín
* Barricada pobre de la ciudad de Dios y Mariategui
* El despertar social peruano, Sindicato de Construcción Civil, Lima, Perú

==Premios y distinciones==
* Premio Municipal, Sucre, [[1948]]
* Premio Salón de Acuarelistas, Lima, [[1960]]
* Primer Premio Salón "4 de abril", La Paz, [[1962]]
* Premio Sociedad Nacional de Bellas Artes, Lima

==Fallecimiento==
El [[5 de diciembre]] de [[2014]] en [[California]], [[Estados Unidos]], sus restos fueron esparcidos en el océano Pacífico.

== Fuentes ==
* https://www.pub.eldiario.net/noticias/2015/2015_05/nt150513/sociales.php?n=16&
* http://elias-blanco.blogspot.com/2012/02/jorge-imana-garron.html
*

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Muralista]]

Archivo:JORGE IMANA 22.jpg

2023-10-19T19:21:17Z

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== Fuente: ==

Sonia Falcone

2023-10-19T19:06:38Z

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'''Sonia Falcone''', actualmente es una pintora y artista plástica boliviana.

==Síntesis biográfica==
Nació en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, pero desde muy temprana edad se trasladó a los Estados Unidos, donde comenzó a pintar. De pequeña, quería ser dentista, estudió enfermería sin embargo, escogió el arte para seguir su camino.

Se mudó a Argentina donde terminó el colegio y después migró a Estados Unidos para estudiar Inglés y en paralelo, Historia del arte, Filosofía, Poesía y donde comenzó a pintar. De niña, quería ser dentista, pero estudió para convertirse en enfermera. Finalmente, eligió el camino de las artes.

Fue Miss Bolivia International [[1988]], se casó con el francés Pierre Falcone y es madre de tres hijos. Es una activista social en el área de educación para la salud, así como en la promoción de los derechos de los niños y de las que han sufrido violencia de género.

==Trayectoria laboral==
Fue invitada como voluntaria por el Scottsdale Museum Center for the Arts (Arizona, [[Estados Unidos]]) y siendo Presidenta y Fundadora de la (OLU Organización de Latinos Unidos) dedicó su tiempo a proyectos comunitarios relacionados y a favor del arte: mejora y mantenimiento de la Ópera, el Teatro y el Museo de la ciudad. Como miembro de la Junta Directiva, promovió la vinculación de las comunidades latinas marginadas a tareas relacionadas con el arte.

Es fundadora de Essante Corporation, una entidad multinacional creada específicamente para personas que buscan una mejor salud y mayores oportunidades en sus vidas.

Activista de la educación para la salud, partidaria y promotora de los derechos de los niños y protectora de mujeres que sufrieron maltrato en sus vidas, es la representación de su país natal en [[Japón]] con el título de Miss Bolivia Internacional [[1988]].

Es esposa de Pierre Falcone y madre de tres hijos: Perrine, Eugenie y Pierre Philippe.

Como artista, ha expuesto su obra en La Paz(Galería Nota) en julio y septiembre del [[2010]] y Santa Cruz de la Sierra (Galería Lorca) - Bolivia, en Pinta Nueva York en el mes de diciembre del mismo año), Miami International Art Fair1 (enero de 2011) y a partir del [[6 de junio]] expone en Pinta en la ciudad de Londres.

En estas exposiciones, Falcone manifiesta otra fase de su personalidad con su presentación más conocida “Ventanas del Alma”, revela los elementos que reflejan su experiencia de vida.

El tema espiritual es un elemento central en su trabajo. Su ideal espiritual se puede encontrar en todas las estructuras, cósmicas o individuales, orgánicas o inorgánicas, pero logra su plena expresión en la forma humana, así lo cuentan sus monumentales obras multicolores, donde están el Arco Iris, la luz de las altas cumbres nevadas de los Andes, las sombras que destierran los amaneceres, la construcción de un mundo donde hay llamas y peces y, donde, viviendo el arte de la guerra, se ha esperado que salga el sol de la justicia y que las gotas de sangre se conviertan en arte y en poesía.

Ventanas del Alma Video Instalación 3D, una de las principales obras de la artista, participó en la XVII Bienal de Arte de Santa Cruz de la Sierra, donde Sonia fue invitada para participar.

A comienzos del tercer milenio, después de recibir un doctorado Honoris Causa del Trinity College en "Espiritualidad y Psicología", enlazó su trabajo social con el artístico, pensando que el arte es una forma minuciosa de entender los problemas de la gente y de ayudarla a pensar.

"Pasiones del Alma", una de sus más recientes obras, logra una compenetración entre el arte y el juego que trata de llegar al adulto y al niño que todos llevamos dentro mediante la creación de metáforas que expresan una filosofía de la vida.

Hasta el momento, Sonia se ha presentado en varias colectivas, principalmente en Phoenix City Government Convention Center - Civic Plaza, invitada por The National Hispanic Woman Corporation. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Phoenix, en Calvin Charles Gallery de Scottsdale, Arizona y en "La Galería", de Cabo San Lucas, México.

==Obras==
En su corta carrera ha realizado obras muy significativas, a continuación se detalla una lista de algunas de sus obras importantes:
* [[2008]] Agua Azul, Amanecer, Sol de justicia
* En el [[2010]] Pasiones del Alma, Creación, Llama, Ventanas del Alma Video Instalación 3D, Instalación Gotas de Sangre, Instalación Ventanas del Alma.
* [[2011]] All eyes on you, Walking on Eggshells, Self-portrait I, II, III, See no evil, Hear no evil, Speak no evil y Vertigo en dos versiones.

== Fuentes ==
* https://www.facebook.com/p/Sonia-Falcone-100063541689584/?locale=es_LA
* https://www.soniafalcone.com/
*

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Muralista]]

Archivo:Sonia Falcone.jpg

2023-10-19T19:06:27Z

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== Fuente: ==

Johan Severin Nilsson

2023-09-02T18:00:18Z

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}}
'''Johan Severin Nilsson''', fue un pintor y fotógrafo sueco.

==Síntesis biográfica==
Nació en la parroquia de Asige, Halland. Su padre era herrero de profesión.

En [[1865]], a la edad de dieciocho años, se matriculó como estudiante en la Real Academia Sueca de las Artes de Estocolmo; graduándose en [[1871]] en su estancia allí, él y [[Ernst Josephson]] se hicieron buenos amigos.

En [[1873]] fueron juntos a [[París]]. En el camino visitaron al pintor Bengt Nordenberg en Düsseldorf y quedaron influenciados por la Escuela de Düsseldorf donde estudió con [[Léon Bonnat]] durante tres años. También aprendió algo de fotografía.

Al regresar a su casa, consiguió equipo fotográfico y tomó sus primeras fotografías en Halland en [[1875]]. A menudo trabajaba "en paralelo", utilizando tanto la cámara como el pincel. También fue uno de los primeros fotógrafos documentales suecos. Inspirándose en [[Arthur Hazelius]], realizó estudios fotográficos de la vida pública, especialmente en el pueblo donde nació. Sin embargo, la mayoría de sus fotografías de personas parecen haber sido escenificadas.

Sus pinturas fueron en su mayoría retratos, paisajes y escenas de género. Artista prolífico, participó en numerosas exposiciones y dejó una obra amplia y diversa, pueden encontrarse en el Nationalmuseum y el Kalmar Konstmuseum.

==Pinturas y fotografias==
* Patio trasero de Estocolmo con una iglesia (probablemente la iglesia de Katarina)
* Idilio en el patio de la granja
* En los brazos de Papá
* Lillan en el Jardín
* Carro de caballos en Asige
* Dos hermanos peleando
* El fabricante de juguetes

==Fallecimiento==
Murió en Estocolmo en [[1918]].

== Fuentes ==
* https://www.artnet.com/artists/johan-severin-nilson/
* https://www.pinterest.es/pin/494903446540952324/
* https://www.europeana.eu/es/collections/person/35928-severin-nilsson

[[Categoría: Fotografo]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Einar Jolin

2023-09-02T17:43:48Z

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}}
'''Einar Jolin''', fue un pintor sueco más conocido por su estilo expresionista decorativo y ligeramente ingenuo.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[7 de agosto]] de [[1890]] en [[Estocolmo]], era hijo del profesor Severin Jolin y nieto del actor Johan Christopher Jolin.

Creció en Kammakargatan 45 en Jolinska Huset (Residencia Jolin), una casa adosada de tres pisos con jardín, construida por su abuelo ubicada en el centro de Estocolmo, cerca de Tegnérlunden, la iglesia Adolf Fredrik y Vasaparken, lo que puede haber influido en su representación de casas, tejados y vistas de Estocolmo en sus pinturas.

Para las pinturas de interiores, a menudo seleccionaba accesorios de cosas de la casa: muebles de estilo gustaviano e imperio, bordados chinos y vajillas de las Indias Orientales. Otros residentes de la casa eran sus padres, su hermano Eric, sus hermanas Ingrid y Signe, su abuela Mathilde Wigert-Jolin y su tía Ellen Jolin (1854-1939) que era artista, fue la primera en enseñarle a Jolin las técnicas básicas de la pintura.

La educación artística de Jolin comenzó en la Escuela Técnica (más tarde conocida como Konstfack) de Estocolmo en 1906, la misma enseñaba principalmente técnicas de pintura y a principios del [[siglo XX]], la Konstnärsförbundet (Asociación de Artistas) tenía una escuela en Glasbruksgatan en Estocolmo, donde se presentó en el otoño de [[1907]].

Su futuro maestro [[Karl Nordström]] revisó sus dibujos y fue admitido en la escuela ese mismo año, se unió al círculo íntimo de la escuela, un grupo de artistas escandinavos que más tarde serían conocidos como De Unga (Los jóvenes) o 1909 års män (Los hombres de 1909), entre ellos se encontraban [[Isaac Grünewald]], [[Leander Engström]], [[Birger Simonsson]] y [[Gösta Sandels]], describiendolos como: "... un grupo de individuos con cabello largo, grandes bufandas y sombreros caídos torcidos de una manera que realmente me impresionó ya que solo tenía diecisiete años y era el más joven del grupo. La asociación se vio limitada por el cierre de la escuela en la primavera de [[1908]], sin embargo los mismos fueron a París para continuar sus estudios en la academia de Henri Matisse hasta [[1914]].

Pintó retratos, naturalezas muertas y paisajes urbanos, acentuando siempre en sus motivos lo que él llamaba "lo bello". Trabajó principalmente con óleos y acuarelas, utilizando pinceladas delicadas y colores claros. Sus obras más destacadas son sus pinturas de Estocolmo durante las décadas de [[1910]] y [[1920]] en su característico estilo ingenuo.

Realizó numerosos viajes, recopilando impresiones e inspiración para sus pinturas. Viajó a [[África]], la [[India]] y las Indias Occidentales, pero prefirió los países del Mediterráneo, especialmente la isla de Capri, donde también expuso sus obras.

Realizó varias exposiciones en el Liljevalchs konsthall de Estocolmo y en [[1954]] y una gira por los [[Estados Unidos]] con una exposición, durante la cual Dag Hammarskjöld compró un cuadro para su oficina en el edificio de las Naciones Unidas.

===Premios===
En 1957, recibió la Medalla Príncipe Eugen[100] de manos de Su Majestad el Rey Carlos XVI Gustavo de Suecia.

== Fuentes ==
* https://es.artprice.com/artista/14784/einar-jolin
* https://www.pinterest.com/christy7474/einar-jolin/
* https://www.mutualart.com/Artist/Einar-Jolin/9AE2F08F30323433
* https://wolfsgallery.com/artists/einar-johan-einar-jolin
* https://www.barnebys.com/barnepedia/einar-jolin

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Sigrid Hjertén

2023-08-05T15:25:43Z

Karinaadames: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Sigrid Hjertén |imagen = Sigrid_Hjerten.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 27 de octubre de 1885…»

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'''Sigrid Hjertén''', fue una pintora sueca, adscrita al expresionismo.

==Síntesis biográfica==
Nació [[27 de octubre]] de [[1885]] en [[Sundsvall]], [[Suecia]].

Está considerada como una de las figuras más importantes del expresionismo sueco. Tuvo que luchar contra los prejuicios por ser mujer de su tiempo a lo largo de toda su carrera.

Estudió artesanía y diseño en Estocolmo, graduándose como profesora de dibujo. Pasó un tiempo en París, recibiendo la influencia de Matisse y Cézanne, lo que se demuestra en la utilización del color en contraste con unos contornos muy simplificados, esforzándose por encontrar las formas y los colores que puedan transmitir sus emociones.

En [[1912]] realizó su primera exposición en Estocolmo, participando desde entonces en numerosas exposiciones tanto en Suecia como en el extranjero. En su obra describió el papel que desempeñaba como artista, mujer y madre, diferentes identidades en mundos diferentes.

Entre [[1920]] y [[1932]] residió en París, comenzando a manifestarse su dolencia esquizofrénica, lo que se denotó en su obra, con colores más oscuros y composiciones tensas, reflejando su sentimiento de angustia y abandono.

==Trayectoria artística==
Fue una artista muy prolífica, pintó alrededor de quinientos cuadros, además de incontables dibujos y bocetos. En [[1909]] realizó su primera exposición en Estocolmo, participando desde entonces en más de cien muestras. Practicó un estilo muy personal y poco frecuente en su tiempo en su país, recibiendo la influencia de Henri Matisse, Marc Chagall, Paul Cézanne y Ernst Josephson.

En [[1911]] se casó con el pintor Isaac Grünewald, con el que tuvo un hijo, también artista, Ivan Grünewald. La pareja viajó a París con el fin de ampliar su formación, donde Sigrid residió de [[1920]] a [[1932]].

Asistió al taller de [[Henri Matisse]], aunque no pudo pertenecer al grupo “The Young”, que estaba reservado sólo para hombres. Quedó impresionada por los miembros del grupo, en especial por las formas de Matisse y el tratamiento del color de [[Paul Cézanne]].

Sin embargo, no se acercó nunca plenamente a la pintura francesa, estuvo más cercana al expresionismo alemán, sobre todo el de [[Ernst Ludwig Kirchner]], tratando de encontrar formas y colores que podían plasmar sobre lienzo sus emociones, con colores contrastados con contornos simplificados. En los inicios de la década de 1930 sus colores se volvieron más intensos, predominando el amarillo, en unos cuadros en los que ya se adivinaban las crisis de ansiedad que comenzó a sufrir, primeras manifestaciones de su dolencia esquizofrénica.

En [[1937]] dejó de pintar, su locura había estallado y su matrimonio con Isaac terminó en divorcio. Volvió a su país en [[1938]], donde vivió hospitalizada hasta [[1948]] que se le practicó una lobotomía, muriendo a causa de complicaciones de este tratamiento, en Estocolmo.

==Obras==
* A partir de [[1943]] se integra al Salón Nacional de Bellas Artes e intervino en 48 exposiciones colectivas y múltiples exposiciones individuales.
* En [[1994]] es invitado por el gobierno italiano a exponer en su región natal.
* A lo largo de los años obtuvo múltiples premios, medallas de oro en varios salones y premios adquisición del Banco República.

Sus obras se encuentran hoy en museos e instituciones públicas como: Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal de Bellas Artes, Banco República, y múltiples organismos estatales, así como en colecciones privadas de Uruguay y de otros países.

==Muerte==
De vuelta a su país, desde [[1938]] vivió hospitalizada. A modo de tratar su esquizofrenia, se le practicó una lobotomía en [[1948]], murió por complicaciones tras dicho procedimiento.

== Fuentes ==
* https://trianarts.com/mujeres-pintoras-la-expresionista-sueca-sigrid-hjerten/#sthash.d38pmyJZ.dpbs
* https://www.pinterest.es/blogideando/sigrid-hjert%C3%A9n/
* https://www.instagram.com/sigrid_hjerten_artista/?hl=es-la
* https://www.epdlp.com/pintor.php?id=12536

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Sigrid Hjerten.jpg

2023-08-05T15:11:11Z

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== Fuente: ==

Nils Dardel

2023-08-05T14:52:37Z

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|causa muerte =
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|nacionalidad = Sueco
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|educación = Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo.
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|ocupación = Pintor
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|cónyuge = Thora Klinckowström, Edita Morris.
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|padres = Sofia Matilda Norlin, Fritz August von Dardel
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}}
'''Nils Elias Kristofer von Dardel''', conocido como Nils Dardel, fue un pintor postimpresionista sueco, nieto del también pintor sueco Fritz von Dardel.

==Síntesis biográfica==
Nació en Bettna (Södermanland, Suecia) en [[1888]]. Estudió en la Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo entre [[1908]] y [[1910]], en el seno de la familia noble sueca Von Dardel. Fue hijo del terrateniente Fritz August von Dardel y Sofia Matilda Norlin.

Su abuelo fue el pintor sueco Fritz von Dardel, adjunto del que posteriormente sería el [[rey Carlos XV]] de [[Suecia]], y miembro de la Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo,[cita requerida] donde el propio Nils también estudió entre [[1908]] y [[1920]], y en la cual también se convirtió en miembro en [[1934]].

Retrato de Nita Wallenberg en [[1917]], cuando Dardel se reunió con ella en [[Japón]].

En [[1919]] propuso matrimonio a Nita Wallenberg, pero su padre, un diplomático sueco, no lo aprobó y el matrimonio no tuvo lugar. Este hecho estuvo estrechamente vinculado con la creación de su obra Exekution (Ejecución), de la cual se dijo que simbolizaba este rechazo.

En [[1921]], Nils Dardel se casó con Thora Klinckowström (1899–1995), aunque se divorciaron en [[1934]]. Tuvieron una hija, Ingrid von Dardel (1922–1962), quien también se labró una carrera como artista.

Después del matrimonio con Thora, en algún momento de los años [[1930]], Nils conoció a Edita Morris (1902–1988, nacida como Toll), una escritora sueca con quien compartió el resto de su vida.

==Trayectoria artística==
Después de estudiar en [[Suecia]], viajó a [[París]] alrededor de [[1910]], igual que hicieron muchos de sus coetáneos, como [[Leander Engström]], [[Isaac Grünewald]], [[Einar Jolin]] y [[Sigrid Hjertén]], todos los cuales acabaron siendo alumnos de [[Henri Matisse]], se inspiró sobre todo en los fauvistas con su paleta pura y en los postimpresionistas, así como en las xilografías japonesas, hizo una breve incursión en el cubismo, y pintó algunos paisajes urbanos con este estilo.

Exploró el puntillismo utilizando colores fuertes y motivos claros. Un ejemplo de este estilo es Begravning i Senlis (Funeral en Senlis), pintado durante su estancia en la ciudad medieval de Senlis en [[1913]]. El retratro del comerciante de arte alemán [[Alfred Flechtheim]] también es representativo del puntillismo. A lo largo de su vida, pintó sobre todo retratos o cuadros de grupos de personas.

Después de vivir tres años en París, entabló una amistad con [[Rolf de Maré]] que posteriormente creó la compañía Ballets Suecos, actuó en París entre [[1920]] y [[1925]], con una amistad fue fructífera para ambos, este le dio inspiración para sus ballets.

A principios de los años [[1920]], creó varias obras inspiradas en dramas y películas. También creó los decorados para Midsummer Wake (música de Hugo Alfvén) y Maison de Fous (una obra de baile con composiciones de Viking Dahl). Crime passionnel (Delito pasional) de [[1921]] es propio de los cuadros de Dardel de esta época.

Vivió una vida nómada sin llegar a establecerse en ninguna parte, fue un viajero prolífico, y tomó influencias y motivos de distintos países.

Hubo que esperar a los años [[1950]], cuando la [[Liljevalchs konsthall]] mostró una retrospectiva de la vida y obra, para que captara la atención del público.

==Fallecimiento==
Falleció en la ciudad de [[Nueva York]] en [[1943]] y fue enterrado en el cementerio de Ekerö, en las afueras de [[Estocolmo]].

==Obras==
Sus obras están expuestas en varios museos y galerías, como el Museo Nacional de Estocolmo, el Museo de Arte de Gotemburgo, el Museo Nacional de Malmö, la Galería Nacional de Noruega y el Waldermarsudde. Sus obras Självporträtt (Autorretrato) y Visit hos en excentrisk dique (Visita a una señora excéntrica) fueron reflejadas en la serie filatélica Svenska konstnärer i Paris (Artistas suecos en París), emitida en [[1988]].

En [[1918]] Den döende dandyn (El dandy moribundo) fue vendido dos veces por cifras récord en la casa de subastas Bukowskis de Estocolmo: primero en [[1984]] por 3,4 millones de coronas suecas y de nuevo en [[1988]] por 13 millones de coronas. Simultáneamente, la imagen adoptó un papel de icono del movimiento gay sueco de los años [[1980]].

"Vattenfallet", de [[1921]], fue vendido en [[2012]] por una cifra récord de 25 millones de coronas.

Su obra Vattenfallet (Cascada) se vendió en [[2012]] a una persona anónima por 25 millones, siendo el cuadro modernista sueco más caro hasta la fecha, y superando el registro anterior de El dandy moribundo.

== Fuentes ==
* https://historia-arte.com/artistas/nils-dardel
* https://trianarts.com/nils-von-dardel-simbolismo-naivista/#sthash.kMiFNKIZ.dpbs
* https://www.epdlp.com/pintor.php?id=15906
* https://www.photocircle.net/es/eu/photos/art-exhibition/112759-Nils-Dardel-Familjeidyl

[[Categoría: Pintores]]

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Sergio Curto

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'''Sergio Curto''', fue un artista plástico uruguayo de origen italiano. Se le conoce como un pintor figurativo naturalista autor de numerosas obras al óleo, acuarela y otros materiales, aplicando diferentes estilos artísticos como impresionismo y clásico. Destacado retratista y paisajista cuyas obras figuran en museos, instituciones y colecciones de arte en Uruguay y en el exterior.

==Síntesis biográfica==
Aunque nacido en la provincia de Belluno en Italia el [[20 de julio]] de [[1922]], a los once años de edad, se trasladó con su familia a Montevideo.

Es la década del treinta y copia estas telas del maestro. Aprendió el oficio. Con otro italiano

En 1942 obtiene una beca por oposición en el Círculo de Bellas Artes donde estudia Historia del Arte con el profesor Rodríguez Pintos. Más adelante ingresa a la Escuela de Bellas Artes. Donde estudió dibujo con [[Enzo Kabregú]], dibujo y pintura con [[Domingo Giaudrone]] y modelado con el escultor [[Luis P. Cantu]].

En ausencia del maestro Giaudrone le sustituye con los alumnos de su taller, comenzando así su experiencia docente, una práctica que continuó durante toda su vida.

Además de la docencia fue un investigador de nuevas técnicas pictóricas, que puso en práctica en sus obras retratísticas y de paisajes.

Un artista que en la visión objetiva de las cosas que le rodean lleva implícito todo el sentido del color.

==Obras==
* A partir de [[1943]] se integra al Salón Nacional de Bellas Artes e intervino en 48 exposiciones colectivas y múltiples exposiciones individuales.
* En [[1994]] es invitado por el gobierno italiano a exponer en su región natal.
* A lo largo de los años obtuvo múltiples premios, medallas de oro en varios salones y premios adquisición del Banco República.

Sus obras se encuentran hoy en museos e instituciones públicas como: Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal de Bellas Artes, Banco República, y múltiples organismos estatales, así como en colecciones privadas de Uruguay y de otros países.

== Fuentes ==
* http://maestrocurto.blogspot.com/
* https://uy.linkedin.com/in/sergio-curto-7a610920
* https://www.circulobellasartes.org.uy/site/biografias/sergio-curto/

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