EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Claude Monet

2017-12-12T16:38:56Z

Sergio06028: /* Otras obras */

{{Ficha Persona
|nombre = Claude Oscar Monet
|nombre completo = Claude Oscar Monet
|otros nombres =
|imagen = Monet.jpg
|tamaño =
|descripción = Pintor impresionista francés.
|fecha de nacimiento = [[14 de noviembre]] de [[1840]]
|lugar de nacimiento = [[París]], {{bandera2|Francia}}
|fecha de fallecimiento = [[5 de diciembre]] de [[1926]]
|lugar de fallecimiento =[[Giverny]], {{bandera2|Francia}}
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Francesa
|ciudadania = francesa
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor Impresionista
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
<div align="justify">
'''Claude Oscar Monet'''.Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la [[Luz|luz natural]].

==Síntesis biográfica==
===Niñez===
Nació en [[París]] el [[14 de noviembre]] de [[1840]], aunque pasó la mayor parte de su niñez en [[Le Havre|El Havre]], donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con [[Eugène Boudin]]. Hacia [[1859]] había decidido firmemente comenzar su carrera de artista y para ello pasaba largas temporadas en [[París]].

===Trayectoria===
[[Archivo:Casamonet1.jpg‎|thumb|left|110px|Casa de Monet]]En la década de [[1860]] se le asoció con el pintor pre-impresionista [[Edouard Manet|Édouard Manet]] y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista: [[Camille Pissarro]], [[Auguste Renoir|Pierre Auguste Renoir]] y [[Alfred Sisley]].
Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales.
Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, comenzó un proceso de trasgresión de los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando plasmar la luz del día por medio de la aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una brillante carrera como pintor convencional en la línea del arte oficial.

====Pintores independientes====
[[Archivo:Impression,_soleil_levant,_1872.jpg|thumb|right|130px|Impresión: sol naciente]]En [[1874]] Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público renunciando a participar en el Salón Oficial y organizando sus propias exposiciones, lo que les liberaba del veto del jurado. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de "impresionistas" a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título ''Impresión: sol naciente'' ([[1872]], Museo Marmottan, [[París]]). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.

====Escenarios franceses====
Durante las décadas de [[1870]] y [[1880]] Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. ''El deshielo de Vétheuil'' de [[1881]] (Museo Thyssen-Bornemisza de [[Madrid]]) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. Para poder pintar sobre el agua, acondicionó su estudio sobre una barca, como constató Manet en el cuadro titulado ''Claude Monet en su estudio flotante''. De esta forma realizó la magnífica serie de regatas en el Sena, que marcó su vocación definitiva de pintor de la luz y la atmósfera en sus aspectos más fugaces.
A mediados de la década de [[1880]] Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos.

====Otras obras====
En [[1890]] tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con [[nenúfares]] atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En [[1906]] comenzó a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de [[París]], en el Instituto de Arte de [[Chicago]] y en el Museo de Arte Moderno de [[Nueva York]]. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet afirmó en reiteradas ocasiones que estas series perdían por completo su significado si los lienzos que las componían se contemplaban por separado, y que era necesario admirar varias versiones, diversas y complementarias, de cada una de ellas.Entre otras de sus tanatas obras tenemos:

*[[La terraza de Sainte-Adresse.]]

===Sus últimas obras===
[[Archivo: ultimaobramonet1.jpg|260x240px |thumb|right| Lirios acuáticos]]Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el[[5 de diciembre]] de [[1926]] en Giverny. Las obras realizadas en sus últimos años supusieron una evolución peculiar de su arte, del que la serie titulada ''Ninfeas'' constituye la culminación. La figura humana es abandonada y la naturaleza se recrea con una visión distorsionada por la enfermedad, dando como resultado obras de gran formato con un estilo más suelto y un aspecto abstracto de extraordinaria intensidad pictórica.
La obra de Claude Monet no sólo domina el impresionismo sino que se adelanta a las corrientes más vanguardistas de la primera mitad del [[siglo XX]]. Su importancia ha sido decisiva en el desarrollo de la abstracción lírica, y su influencia poderosa en artistas como Kandinsky o el francés [[Jean Fautrier]].

== Fuentes ==
*[http://www.intermonet.com/ Intermonet]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/monet/ Biblio]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet/ Wikipedia]
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2775.htm/ Arte Historia]

[[Categoría:Pintores]][[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Categoría:Pintores de Europa‎]]

Archivo:Claudemontel.jpg

2017-12-12T16:17:07Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Édouard Manet

2017-08-31T15:54:36Z

Sergio06028: /* Principales obras */

{{Ficha de artista
|nombre = Édouard Manet
|imagen = Edouard_Manet.jpg‎
|tamaño imagen =
|pie de foto = Pintor Francés
|nombre nacimiento = Édouard Manet
|fecha nacimiento = [[23 de enero]] de [[1832]]
|lugar nacimiento = [[París]], {{bandera2|Francia}}
|fecha fallecimiento = [[30 de abril]] de [[1883]]
|lugar fallecimiento = [[París]], {{bandera2|Francia}}
|residencia =
|nacionalidad = Francesa
|seudónimo =
|ocupación =Pintor
|período =
|área = Pintor
|educación = alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre.
|influido por =
|obras_notables =
* El pífano
* La cantante callejera
* Lola de Valencia
|relacionados =
|pareja = Suzanne Manet
|hijos =
|firma =
|premios =
|premios2 =  
* Premio.
* Premio.
|movimiento =Impresionismo
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
<div align="justify">
'''Édouard Manet'''. Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].
== Síntesis biográfica ==
Nació en [[París]] el [[23 de enero]] de [[1832]].
=== Estudios ===
Realizó sus primeros estudios en el Colegio Rollin, donde desarrolló su gusto y afición por el [[dibujo]].

Luego intentó dos veces ingresar a la escuela naval para convertirse en marino, pero fue rechazado; su deseo de abandonar el país a cualquier costo lo llevó a emprender viaje hacia [[Brasil]] en [[1848]].

A su regreso a [[Francia]], tomó clases con el pintor académico Thomas Couture y viajó por [[Alemania]], [[Holanda]] e [[Italia]] para estudiar a los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos.
=== Estilos de pintar ===
Manet fue desarrollando su destreza pictórica en la realización de temas genéricos como mendigos, pícaros, personajes de cafés y escenas taurinas españolas.

En [[1863]] presentó la que llegaría a ser la famosa obra "Le dèjuner sur l' herbe", lienzo que representa a una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres perfectamente vestidos, merendando al aire libre, que atrajo la atención general pero fue duramente atacada por los críticos.

De este modo, Manet se convirtió en figura central de la naciente disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su tiempo.

Dos años después de su primera polémica artística, el pintor presentó "[[Olympia]]", desnudo basado en la Venus de Tiziano, que generó resquemores en los circuitos de críticos por el realismo poco ortodoxo de la representación, la actitud relajada y desenfadada de la muchacha y el quiebre en el prototipo del género del desnudo, que exigía la presentación del cuerpo femenino en actitud virginal y, formalmente, ubicado sobre un fondo claro que sublimara las líneas y curvas de las formas femeninas.

Esta obra debió ser expuesta bajo la protección de guardias armados, y colocada a una altura tal que impedía los ataques de fanáticos, pero también imposibilitaba su correcta apreciación.

Manet, molesto por la actitud negativa hacia su producción, se trasladó a [[España]], donde residió por un tiempo y pudo conocer en profundidad la obra de [[Goya]].

En 1868, el joven novelista [[Émile Zola]] escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de [[1870]]-[[1871]], en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con [[Claude Monet]], aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el [[naturalismo]] de su temática, para otorgar el protagonismo de sus [[pintura]]s a prostitutas y coquetas sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la [[luz]].
=== Exposiciones y éxito ===
En [[1873]] exhibió con gran éxito ''El buen Bock'', y un año después, participó en la primera exposición del movimiento que fue bautizado peyorativamente con la denominación de [[Impresionismo]].

En [[1882]] una de las mejores obras de Manet ''El bar del Folies- Bergère'' fue expuesta en el Salón Oficial de [[París]] y el ministerio de Bellas Artes reconoce su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor.

Los reconocimientos a la calidad pictórica de Manet se fueron acrecentando en sus últimos años de vida, sobre todo, su talento para contraponer grandes masas de color claras y oscuras.
=== Críticas ===
Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias histórico-artísticas.
===Muerte===
Su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue.
El [[20 de abril]] de [[1883]], a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde el [[30 de abril]] falleció a los 51 años de edad en París.

A su muerte, se contaron alrededor de 420 óleos y otros tantos pasteles y acuarelas.
== Principales obras ==
*''[[Música en las Tullerías|La música en las Tullerías]] (La Musique aux Tuileries )'', [[1862]], 76 x 118 cm, National Gallery ([[Londres]]).
* ''[[Olympia]]'', [[1863]], 130,5 x 190 cm, [[Museo de Orsay]] ([[París]]).
* ''[[Desayuno sobre la hierba]] (Le Déjeuner sur l'herbe)'', 1863, 214 x 269´9 cm. , Museo de Orsay (París). También conocida por Almuerzo campestre.
* ''[[La lectura (Obra pictórica)]] (La lecture)'', 1865-1873, 60,5 x 73,5 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[El pífano]] (Le Joueur de fifre),'' [[1866]], 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[La ejecución del emperador Maximiliano]] (L'Exécution de Maximilien)'', 1868, 252 x 305 cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim).
* ''[[Retrato de Émile Zola]] (Portrait d'Émile Zola)'' [[1868]], 146 x 114 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[El almuerzo]]'' 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, ([[Múnich]]).
* ''[[El balcón (Pintura)]]'' hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París).
* ''[[Monet en su barca]] (Monet sur son bateau)'' 1874, 50 x 64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich).
* ''[[Argenteuil (Pintura)]]'' 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai).
* ''[[El bar del Folies Bergère]] (Un bar aux Folies Bergère)'', 1882, 96 x 130 cm, Courtauld Institute (Londres).
* ''[[Claveles y clemátides en un jarro de cristal]]'', 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[Amazona de Frente]]'', Museo Thyssen-Bornemisza, [[Madrid]]
* ''[[El espárrago]]'', Museo de Orsay (París).
* ''[[The_Plum_(obra) ]]'', Museo de Orsay (París).

==Galería==
<center>
<gallery>
Archivo:musicatu.jpg|[[Música en las Tullerías|La música en las Tullerías]].
Archivo:Retrato Zola.jpg|[[Retrato de Émile Zola]].
Archivo:El Almuerzo .jpg|[[El almuerzo]].
</gallery>
</center>
== Véase también ==

===Otras Obras===
*[[A la orilla del lago]]
*[[Madame Jacob]]
*[[La madre de Manet en el jardín]]
*[[Manojo de espárragos]]
*[[Muchacha en el jardín]]
*[[Condesa de Albazzi]]
*[[Muchacha delante del mar]]
*[[El paseo (Pintura)]]
*[[Cantante de café concierto]]
*[[Bodegón con brioche y limón]]
*[[Jardín en Bellevue]]

=== Pintores impresionistas ===
*[[Jean François Millet]].
*[[Eugène Carrière]].
*[[Francisco Bonnín Guerín]].
* [[Frédéric Bazille]].
* [[Gustave Caillebotte]].
* [[Mary Cassatt]].
* [[Paul Cézanne]].
* [[Edgar Degas]].
* [[Armand Guillaumin]].
* [[Claude Monet]].
* [[Berthe Morisot]].
* [[Claude Achille Debussy]].
* [[Camille Pissarro]].
* [[Pierre-Auguste Renoir]].
* [[Alfred Sisley]]

== Fuentes ==
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/manet.htm Biografías y vidas]
*[http://www.es.wikipedia.org/wiki/Édouard_Manet Wikipedia]
*[http://www.musee-orsay.fr/es/.../le-dejeuner-sur-lherbe-7123.html? Musee-Orsay]
*[http://www.cuscatla.com/manet.htm Cuscatla]
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2635.htm arte Historia]

[[Categoría:Pintores]][[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintores_europeos]]

Édouard Manet

2017-08-30T13:15:12Z

Sergio06028: /* Principales obras */

{{Ficha de artista
|nombre = Édouard Manet
|imagen = Edouard_Manet.jpg‎
|tamaño imagen =
|pie de foto = Pintor Francés
|nombre nacimiento = Édouard Manet
|fecha nacimiento = [[23 de enero]] de [[1832]]
|lugar nacimiento = [[París]], {{bandera2|Francia}}
|fecha fallecimiento = [[30 de abril]] de [[1883]]
|lugar fallecimiento = [[París]], {{bandera2|Francia}}
|residencia =
|nacionalidad = Francesa
|seudónimo =
|ocupación =Pintor
|período =
|área = Pintor
|educación = alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre.
|influido por =
|obras_notables =
* El pífano
* La cantante callejera
* Lola de Valencia
|relacionados =
|pareja = Suzanne Manet
|hijos =
|firma =
|premios =
|premios2 =  
* Premio.
* Premio.
|movimiento =Impresionismo
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
<div align="justify">
'''Édouard Manet'''. Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].
== Síntesis biográfica ==
Nació en [[París]] el [[23 de enero]] de [[1832]].
=== Estudios ===
Realizó sus primeros estudios en el Colegio Rollin, donde desarrolló su gusto y afición por el [[dibujo]].

Luego intentó dos veces ingresar a la escuela naval para convertirse en marino, pero fue rechazado; su deseo de abandonar el país a cualquier costo lo llevó a emprender viaje hacia [[Brasil]] en [[1848]].

A su regreso a [[Francia]], tomó clases con el pintor académico Thomas Couture y viajó por [[Alemania]], [[Holanda]] e [[Italia]] para estudiar a los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos.
=== Estilos de pintar ===
Manet fue desarrollando su destreza pictórica en la realización de temas genéricos como mendigos, pícaros, personajes de cafés y escenas taurinas españolas.

En [[1863]] presentó la que llegaría a ser la famosa obra "Le dèjuner sur l' herbe", lienzo que representa a una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres perfectamente vestidos, merendando al aire libre, que atrajo la atención general pero fue duramente atacada por los críticos.

De este modo, Manet se convirtió en figura central de la naciente disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su tiempo.

Dos años después de su primera polémica artística, el pintor presentó "[[Olympia]]", desnudo basado en la Venus de Tiziano, que generó resquemores en los circuitos de críticos por el realismo poco ortodoxo de la representación, la actitud relajada y desenfadada de la muchacha y el quiebre en el prototipo del género del desnudo, que exigía la presentación del cuerpo femenino en actitud virginal y, formalmente, ubicado sobre un fondo claro que sublimara las líneas y curvas de las formas femeninas.

Esta obra debió ser expuesta bajo la protección de guardias armados, y colocada a una altura tal que impedía los ataques de fanáticos, pero también imposibilitaba su correcta apreciación.

Manet, molesto por la actitud negativa hacia su producción, se trasladó a [[España]], donde residió por un tiempo y pudo conocer en profundidad la obra de [[Goya]].

En 1868, el joven novelista [[Émile Zola]] escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de [[1870]]-[[1871]], en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con [[Claude Monet]], aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el [[naturalismo]] de su temática, para otorgar el protagonismo de sus [[pintura]]s a prostitutas y coquetas sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la [[luz]].
=== Exposiciones y éxito ===
En [[1873]] exhibió con gran éxito ''El buen Bock'', y un año después, participó en la primera exposición del movimiento que fue bautizado peyorativamente con la denominación de [[Impresionismo]].

En [[1882]] una de las mejores obras de Manet ''El bar del Folies- Bergère'' fue expuesta en el Salón Oficial de [[París]] y el ministerio de Bellas Artes reconoce su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor.

Los reconocimientos a la calidad pictórica de Manet se fueron acrecentando en sus últimos años de vida, sobre todo, su talento para contraponer grandes masas de color claras y oscuras.
=== Críticas ===
Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias histórico-artísticas.
===Muerte===
Su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue.
El [[20 de abril]] de [[1883]], a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde el [[30 de abril]] falleció a los 51 años de edad en París.

A su muerte, se contaron alrededor de 420 óleos y otros tantos pasteles y acuarelas.
== Principales obras ==
*''[[Música en las Tullerías|La música en las Tullerías]] (La Musique aux Tuileries )'', [[1862]], 76 x 118 cm, National Gallery ([[Londres]]).
* ''[[Olympia]]'', [[1863]], 130,5 x 190 cm, [[Museo de Orsay]] ([[París]]).
* ''[[Desayuno sobre la hierba]] (Le Déjeuner sur l'herbe)'', 1863, 214 x 269´9 cm. , Museo de Orsay (París). También conocida por Almuerzo campestre.
* ''[[La lectura (Obra pictórica)]] (La lecture)'', 1865-1873, 60,5 x 73,5 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[El pífano]] (Le Joueur de fifre),'' [[1866]], 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[La ejecución del emperador Maximiliano]] (L'Exécution de Maximilien)'', 1868, 252 x 305 cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim).
* ''[[Retrato de Émile Zola]] (Portrait d'Émile Zola)'' [[1868]], 146 x 114 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[El almuerzo]]'' 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, ([[Múnich]]).
* ''[[El balcón (Pintura)]]'' hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París).
* ''[[Monet en su barca]] (Monet sur son bateau)'' 1874, 50 x 64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich).
* ''[[Argenteuil (Pintura)]]'' 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai).
* ''[[El bar del Folies Bergère]] (Un bar aux Folies Bergère)'', 1882, 96 x 130 cm, Courtauld Institute (Londres).
* ''[[Claveles y clemátides en un jarro de cristal]]'', 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París).
* ''[[Amazona de Frente]]'', Museo Thyssen-Bornemisza, [[Madrid]]
* ''[[El espárrago]]'', Museo de Orsay (París).
* ''[[La Ciruela ]]'', Museo de Orsay (París).

==Galería==
<center>
<gallery>
Archivo:musicatu.jpg|[[Música en las Tullerías|La música en las Tullerías]].
Archivo:Retrato Zola.jpg|[[Retrato de Émile Zola]].
Archivo:El Almuerzo .jpg|[[El almuerzo]].
</gallery>
</center>
== Véase también ==

===Otras Obras===
*[[A la orilla del lago]]
*[[Madame Jacob]]
*[[La madre de Manet en el jardín]]
*[[Manojo de espárragos]]
*[[Muchacha en el jardín]]
*[[Condesa de Albazzi]]
*[[Muchacha delante del mar]]
*[[El paseo (Pintura)]]
*[[Cantante de café concierto]]
*[[Bodegón con brioche y limón]]
*[[Jardín en Bellevue]]

=== Pintores impresionistas ===
*[[Jean François Millet]].
*[[Eugène Carrière]].
*[[Francisco Bonnín Guerín]].
* [[Frédéric Bazille]].
* [[Gustave Caillebotte]].
* [[Mary Cassatt]].
* [[Paul Cézanne]].
* [[Edgar Degas]].
* [[Armand Guillaumin]].
* [[Claude Monet]].
* [[Berthe Morisot]].
* [[Claude Achille Debussy]].
* [[Camille Pissarro]].
* [[Pierre-Auguste Renoir]].
* [[Alfred Sisley]]

== Fuentes ==
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/manet.htm Biografías y vidas]
*[http://www.es.wikipedia.org/wiki/Édouard_Manet Wikipedia]
*[http://www.musee-orsay.fr/es/.../le-dejeuner-sur-lherbe-7123.html? Musee-Orsay]
*[http://www.cuscatla.com/manet.htm Cuscatla]
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2635.htm arte Historia]

[[Categoría:Pintores]][[Category:Artistas_de_la_plástica]][[Category:Pintores_europeos]]

The Plum (obra)

2017-08-29T19:58:58Z

Sergio06028: Página creada con «{{Ficha_Obra_de_Arte |nombre= The Plum (El ciruelo) |imagen= The_PlumManet.jpg |descripción=Cuadro del Impresionismo de Francia |tipo=Cuadro |autor=Édouard Manet...»

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre= The Plum (El ciruelo)
|imagen= The_PlumManet.jpg
|descripción=Cuadro del Impresionismo de Francia
|tipo=[[Cuadro]]
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1879]]
|país=[[Francia]]
|estilo= [[Impresionismo]], [[ Arte moderno]]
|técnica=Óleo del óleo-en-lona
|tamaño=74cm x 50cm
|géneros: Pintura de historia, Escena de género
|localización_pintura=[[ Galería Nacional de Arte en Washington DC, Estados Unidos]]
}}<div align="justify">
''' The Plum (French: La Prune).''' Obra del pintor [[Edouard Manet|Édouard Manet]].

==Historia==
La atracción hacia los temas de la vida moderna llevó a Manet a tomar como protagonista de este lienzo en el que la pintura fue hecha en el estudio de Manet, anticipándose en algunos años a la obra de Monet. El cuadro empezó a pintarlo en el otoño de [[1872]]. The Plum (La ciruela) (francés: La Prune) - también conocido como Plum brandy (el brandy de Ciruela) - es una pintura del óleo-en-lona de Édouard Manet. Es sin fecha, pero se cree que se pintó alrededor de [[1877]].

La pintura mide 29,0 pulgadas por 19,8 pulgadas. Manet vendió la pintura al colector Charles Deudon en 1881. Fue heredado por la esposa de Deudon en su muerte en 1914 y vendido antes de 1919. Entró en la colección de Arthur Sachs y entonces fue vendido por M. Knoedler & Co a Paul Mellon en Fue donado a la Galería Nacional de Arte en Washington DC en 1971.

Manet pudo haber basado la pintura en observaciones en el Café de la Nouvelle Athènes en la Place Pigalle de París. Sin embargo, el fondo -la rejilla decorativa y su marco de oro- no coincide con otras representaciones de la cafetería, y sugiere que la pintura fue hecha en el estudio de Manet, donde se sabe que tenía una mesa de mármol de estilo café con patas de hierro. Manet utiliza un estilo simple: por ejemplo, la ciruela en su copa y los dedos de la mano izquierda de la mujer se crean con sólo unos pocos dabs de color.

==La obra==
La pintura es un estudio de soledad, que representa una escena tranquila, casi melancólica, de una joven trabajadora sentada en un café. El tema se ve desde cerca, tal vez por otro cliente sentado. Ella puede ser una prostituta que espera a un cliente, o posiblemente a un trabajador de la tienda que espera una cierta conversación. Sobre la mesa hay una ciruela empapada en brandy, una especialidad de los cafés parisinos de la época (originalmente pintada como un vaso de cerveza), que le da el título a la pintura. Ella puede estar esperando a un camarero para traer una cuchara para comer su ciruela. La [[ciruela]] puede ser una referencia a la sexualidad de la mujer, ya que la fruta se usó en Ulises de James Joyce. Se inclina hacia adelante, con la mejilla apoyada en la mano derecha y el codo derecho sobre la mesa de mármol, mirando a lo lejos con una mirada pensativa en blanco. Su mano izquierda descansa sobre la mesa sosteniendo un cigarrillo apagado. Viste un vestido rosa con puños bordados, una blusa blanca y un sombrero negro cubierto de seda y encajes. Su cabeza está enmarcada por la parrilla decorativa detrás de ella, por encima de la banqueta roja tapizada en la que se sienta.

==Ubicaciones de la obra==
La obra fue presentada en:
*Manet, Grand Palais, Paris , [[1983]]; The Metropolitan Museum of Art, New York, [[1983]], Manet, Grand Palais, París; El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, 1983.
* Impressionisti della Galería Nacional de Arte de Washington, Ala Napoleónica y Museo Correr, Venecia, y Palazzo Reale, Milán, 1989, sin numerar catálogo, repro.
* Manet, Fondation Pierre Gianadda, Martigny, Suiza, 1996, núm. 49, repro., Como El ciruelo [[1996]].
* La subida del mundo del arte en América: Knoedler en 150, M. Knoedler & Company, Nueva York, 1996-1997, catálogo sin numerar, repro. Y la contraportada, como The Plum.
* Bilder einer Metropole: Die Impressionisten en París, Museo Folkwang, Essen, 2010-2011, no. 47, repro.

==Descripción de la obra==
En este cuadro, Manet trata de : una chica bebiendo y fumando sola en un bar. La obra de Manet es anterior y la mujer va mejor vestida (quizás trabaje en una tienda de modas o una sombrerería), pero sigue siendo una joven de clase trabajadora que ha salido a desfogarse un rato. Aunque su gesto denota cansancio, parece estar mirando al vacío con un aire ausente y soñador, como si estuviese imaginándose una vida mejor. Su rostro es más fresco que el de Madeleine, por eso no la vemos derrotada, sino más bien esperanzada.

La modelo que posó para la obra, en el estudio Manet, era Ellen Andrée, una actriz y modelo que posó bastante para los impresionistas. La profesión de modelo estaba mal vista y muchos la asociaban a la prostitución (los límites entre una y otra eran algo difusos), pero Ellen Andrée era una mujer liberada, que pasaba de habladurías y hacía lo que le venía en gana. De hecho, posó para una de las obras más escandalosas de esa época: Rolla de Henri Gervex. También aparece al fondo de El almuerzo de los remeros de Renoir, bebiendo una copa de vino.

La combinación de colores es magistral y están aplicados de forma que nos obliguen a recorrer el cuadro de un extremo a otro. El estampado burdeos del banco nos lleva a los labios de la chica, y a los bordados y al lazo que adornan su vestido rosa, que a su vez tiene un color muy parecido al de su piel. El blanco del mármol de la mesa, nos remite al cigarrillo, a la blusa, a los botones y al encaje del sombrero. Del verde de la celosía, pasamos a la pata de hierro de la mesa, y del dorado de la pared, al flequillo y a la ciruela en aguardiente que se está tomando. Otro elemento subliminal que nos hace pasearnos por el cuadro son las líneas paralelas horizontales (los dos bordes de la mesa, el respaldo del banco y las molduras de la pared) y verticales (la moldura de la pared, el brazo en el que apoya la cara y la pata de la mesa). Es obligatorio ampliar la imagen para comprobar como Manet, con unas pinceladas grandes y muy visibles, consigue modelar perfectamente las formas y crear diferentes materiales y texturas (el cristal de la copa es un prodigio).

==Datos del autor==
[[Edouard Manet|Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.com/v2/obras/1555.htm ArteHistoria]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Museo de Orsay]
*[https://www.trenvista.net/cultura/pinceladas/el-ferrocarril-de-manet/ Trenvista]

[[Category:Pintura]] [[Category:Cuadro]]

Archivo:The PlumManet.jpg

2017-07-21T16:22:56Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

El ferrocarril (pintura de Manet)

2017-06-30T14:33:19Z

Sergio06028: Página creada con «{{Ficha_Obra_de_Arte |nombre=El ferrocarril |imagen=Manetferrocarril.jpg |descripción=Estación de Paris Saint-Lazare |tipo= |autor=Édouard Manet |añ...»

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El ferrocarril
|imagen=Manetferrocarril.jpg
|descripción=Estación de Paris Saint-Lazare
|tipo=
|autor=[[Edouard Manet|Édouard Manet]]
|año=[[ 1872-73 ]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=Impresionismo
|técnica=[[Óleo]] sobre [[lienzo]]
|alto=1.12
|ancho=93
|localización_pintura= [[National Gallery of Art West Building]] ([[EE.UU]]) {{Bandera2| Estados Unidos de Norte America}}
}}
<div align="justify">
'''El ferrocaril (Obra).''' Obra del pintor [[Edouard Manet|Édouard Manet]] presentada al Salón de National Gallery of Art West Building .El cuadro empezó a pintarlo en el otoño de [[1872]] y lo presentó en el Salón de 1874. Este cuadro se realiza gracias a que el artista se traslada a un taller cercano a la estación de Saint-Lazare. Después de la guerra, en 1872, Manet dejó su taller de la rue Guyot, para alquilar con el dinero de la venta de un conjunto de obras al marchante Durand Ruel un espléndido estudio en la rue de Saint Petersbourg, cuyas ventanas daban hacia la rue Mosnier, que corría para lela a la parte trasera de la estación. Desde aquí podía ver el movimiento de los trenes y el tráfico de viajeros que entraban a la estación por esa zona.

==Historia==
La atracción hacia los temas de la vida moderna llevó a Manet a tomar como protagonista de este lienzo a la estación de Saint-Lazare, anticipándose en algunos años a la obra de Monet.

El ferrocarril tenía el suficiente atractivo como para hacer pensar a Manet que los maquinistas estaban dotados de una excepcional sangre fría. Las modelos empleadas fueron Victorine Meurent - de regreso en [[París]] tras una romántica escapada a [[América]] - y Suzanne, la hija del pintor [[Alphonse Hirsch]], en cuyo jardín fue realizada la obra, a excepción de los detalles, que se ejecutaron en el estudio; por lo tanto, se puede considerar esta escena como casi plenairista, siguiendo los dictados del [[Impresionismo]]. Bien es cierto que la estación se podía contemplar desde el estudio de Manet, en la rue Saint Petersbourg.

La obra fue presentada en el Salón de [[1874]], junto a otras dos que fueron rechazadas - Baile de máscaras en la ópera era una de ellas - obteniendo numerosas críticas negativas, entre otras cosas por no saber a qué género artístico pertenecía. Aun así, recibió comentarios que alababan su especial interés por la [[luz]].
==La obra==
Las dos figuras aparecen en primer plano y sus siluetas se recortan sobre el humo blanco del tren y los barrotes. Victorine abandona la lectura para mirar al espectador, mientras la pequeña continúa observando la entrada del tren en la estación, mostrándose de espaldas. El interés por los contrastes de colores claros y oscuros sigue presente en la producción del artista, acentuados por la eliminación de las tonalidades intermedias. Su alta calidad como dibujante le permite mostrar las dos excelentes figuras, empleando una pincelada algo más suelta que de costumbre, aunque continúa interesándose por los detalles: el libro, el perrito, las flores del sombrero o los pendientes de ambas. Tras la verja aparecen las vías, las señales y los edificios a través del vapor, creándose así un interesante efecto atmosférico.

===Ubicaciones de la obra===
*El [[1873]] el cuadro fue exhibido en National Gallery of Art, Washington.
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
Para el artista, la estación de ferrocarril de Saint-Lazare se presenta como un microcosmos, donde se dan cita los elementos pictóricos y sensoriales que más interesan al artista. Si analizamos con profundidad cualquiera de sus cuadros dentro de la serie de Saint-Lazare, observaremos que existen dos sistemas atmosféricos, ya que se conjuntan distintos factores de la climatología y fenómenos lumínicos del exterior con otros espacios interiores, que se originan a partir del humo y las luces artificiales que genera la potente maquinaría del mundo ferroviario. Se trata de todo un microcosmos donde se observa un auténtico movimiento de ultitudes, masas y humos. De igual manera, en anteriores trabajos sus otros microcosmos fueron el Sena en Argenteuil, con el jardín de su casa o la propia catedral de Rouen.

La atracción hacia los temas de la vida moderna llevó a Manet a tomar como protagonista de este lienzo a la estación de Saint-Lazare, anticipándose en algunos años a la obra de Monet. El ferrocarril tenía el suficiente atractivo como para hacer pensar a Manet que los maquinistas estaban dotados de una excepcional sangre fría. Las modelos empleadas fueron Victorine Meurent - de regreso en París tras una romántica escapada a América - y Suzanne, la hija del pintor Alphonse Hirsch, en cuyo jardín fue realizada la obra, a excepción de los detalles, que se ejecutaron en el estudio; por lo tanto, se puede considerar esta escena como casi plenairista, siguiendo los dictados del Impresionismo. Bien es cierto que la estación se podía contemplar desde el estudio de Manet, en la rue Saint Petersbourg. Las dos figuras aparecen en primer plano y sus siluetas se recortan sobre el humo blanco del tren y los barrotes. Victorine abandona la lectura para mirar al espectador, mientras la pequeña continúa observando la entrada del tren en la estación, mostrándose de espaldas. El interés por los contrastes de colores claros y oscuros sigue presente en la producción del artista, acentuados por la eliminación de las tonalidades intermedias. Su alta calidad como dibujante le permite mostrar las dos excelentes figuras, empleando una pincelada algo más suelta que de costumbre, aunque continúa interesándose por los detalles: el libro, el perrito, las flores del sombrero o los pendientes de ambas. Tras la verja aparecen las vías, las señales y los edificios a través del vapor, creándose así un interesante efecto atmosférico. La obra fue presentada en el Salón de 1874, junto a otras dos que fueron rechazadas - Baile de máscaras en la ópera era una de ellas - obteniendo numerosas críticas negativas, entre otras cosas por no saber a qué género artístico pertenecía. Aun así, recibió comentarios que alababan su especial interés por la luz.

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Edouard Manet|Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[ http://www.artehistoria.com/v2/obras/1555.htm ArteHistoria]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Museo de Orsay]
*[https://www.trenvista.net/cultura/pinceladas/el-ferrocarril-de-manet/ Trenvista]

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Archivo:Manetferrocarril.jpg

2017-06-29T21:24:01Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Jan Fyt

2016-01-05T16:23:50Z

Sergio06028:

{{Ficha de artista
|nombre = Jan Fyt
|imagen =
|tamaño imagen =
|pie de foto =
|nombre nacimiento = Jan Fyt
|fecha nacimiento = [[15 de marzo]] de [[1611]]
|lugar nacimiento = [[Amberes]], {{Bandera2|Bélgica}}
|fecha fallecimiento = [[11 de septiembre]] de [[1661]]
|lugar fallecimiento = [[Amberes]], {{Bandera2|Bélgica}}
|residencia =
|nacionalidad = Belga
|seudónimo =
|ocupación =[[Pintor]]
|período =[[Barroco]]
|área = [[Pintura]]
|educación =
|influido por = [[Frans Snyders]]
|obras_notables = Los dos lebreles
|relacionados =
|pareja =
|hijos =
|firma =
|premios =
|movimiento =
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
'''Jan Fyt.'''(Amberes, 1611 - id., 1661) Pintor flamenco. Es uno de los principales maestros en el género de bodegones y de escenas de caza dentro de
la pintura flamenca del [[siglo XVII]] junto a [[Frans Snyders]], y al pintor de cacerías [[Paul de Vos]].
==Trayectoria profesional==

Jan Fyt fue discípulo de [[Frans Snyders]] y, como él, destacó como pintor de bodegones (caza, flores, frutos) y de escenas de caza, que supo captar con especial finura gracias a su notable dominio de la composición de la escena y de la gradación cromática. Sus naturalezas muertas conservan una vívida vibración que recuerda a [[Rubens]], y que resulta especialmente atractiva en la evocación de animales muertos recientemente.

Dentro del barroquismo de su línea, Jan Fyt buscó, más que lo puramente decorativo, los efectos plásticos, las iluminaciones y colores en contraste, los efectos de luz y sombra.
==Obras==
Entre sus obras principales cabe citar Los dos lebreles ([[Museo de Amberes]]), Legumbres y setas ([[Museo de Bruselas]]), Pájaros muertos ([[Museo de Londres]]) y Perro y caza ([[Museo del Louvre]]). El [[Museo del Prado]] expone una buena representación de su pintura.

==Fuente==
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fyt.htm Biografias y Vidas]
*[http://www.museothyssen.org/en/thyssen/ficha_artista/217 Museo de arte Thyssen-Bornemisza]

[[Category:Pintores_europeos]]
[[Categoría:Artistas de la plástica]]
[[Category:Pintor]]

Jan Fyt

2016-01-05T16:18:58Z

Sergio06028: Página creada con «{{Ficha de artista |nombre = Jan Fyt |imagen = |tamaño imagen = |pie de foto = |nombre nacimiento = |fecha nacimiento = ...»

{{Ficha de artista
|nombre = Jan Fyt
|imagen =
|tamaño imagen =
|pie de foto =
|nombre nacimiento =
|fecha nacimiento = [[1611]]
|lugar nacimiento = [[Amberes]], {{Bandera2|Holanda}}
|fecha fallecimiento = [[1661]]
|lugar fallecimiento = [[Amberes]], {{Bandera2|Holanda}}
|residencia =
|nacionalidad = Holandés
|seudónimo =
|ocupación =[[Pintor]]
|período =
|área = [[Pintura]]
|educación =
|influido por =
|obras_notables = Los dos lebreles
|relacionados =
|pareja =
|hijos =
|firma =
|premios =
|movimiento =
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
'''Jan Fyt.'''(Amberes, 1611 - id., 1661) Pintor flamenco. Es uno de los principales maestros en el género de bodegones y de escenas de caza dentro de
la pintura flamenca del [[siglo XVII]] junto a [[Frans Snyders]], y al pintor de cacerías [[Paul de Vos]].
==Trayectoria profesional==

Jan Fyt fue discípulo de [[Frans Snyders]] y, como él, destacó como pintor de bodegones (caza, flores, frutos) y de escenas de caza, que supo captar con especial finura gracias a su notable dominio de la composición de la escena y de la gradación cromática. Sus naturalezas muertas conservan una vívida vibración que recuerda a [[Rubens]], y que resulta especialmente atractiva en la evocación de animales muertos recientemente.

Dentro del barroquismo de su línea, Jan Fyt buscó, más que lo puramente decorativo, los efectos plásticos, las iluminaciones y colores en contraste, los efectos de luz y sombra.
==Obras==
Entre sus obras principales cabe citar Los dos lebreles ([[Museo de Amberes]]), Legumbres y setas ([[Museo de Bruselas]]), Pájaros muertos ([[Museo de Londres]]) y Perro y caza ([[Museo del Louvre]]). El [[Museo del Prado]] expone una buena representación de su pintura.

==Fuente==
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fyt.htm Biografias y Vidas]

[[Category:Pintores_europeos]]
[[Categoría:Artistas de la plástica]]
[[Category:Pintor]]

Jakob van Loo

2015-11-24T17:00:06Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha de artista
|nombre = Jakob van Loo
|imagen =
|tamaño imagen =
|pie de foto =
|nombre nacimiento = Jakob van Loo
|fecha nacimiento = [[Sluis]], {{Bandera2|Países Bajos}}
|lugar nacimiento = [[1614]]
|fecha fallecimiento = [[1670]]
|lugar fallecimiento = [[París]], {{Bandera2|Francia}}
|residencia =
|nacionalidad = [[neerlandés]]
|seudónimo =
|ocupación =[[Pintor]]
|período =[[Barroco]]
|área = [[Pintura]]
|educación =
|influido por =
|obras_notables =
|relacionados =
|pareja =
|hijos =
|firma =
|premios =
|movimiento =
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
'''Jakob van Loo.''' Fue un [[pintor]] [[barroco]] neerlandés de género, con trabajos muy similares a los de [[Barent Graat]], de mitologías y de retratos. Realizó también pinturas galantes e históricas, demostrando su maestría en el tratamiento de los desnudos.
==Síntesis biográfica==
Hijo del pintor de género [[Jan van Loo]], con quien inició su formación, Jacob van Loo nació en [[1614]], en Sluis, cerca de [[Brujas]]. En [[1642]] está documentado en [[Amsterdam]], donde contrajo matrimonio con Anna Lengele, hermana del pintor [[Maerten Lengele]].

Durante los diez primeros años de su estancia en Amsterdam sus pinturas estuvieron bajo la fuerte influencia de la escuela flamenca, en especial de [[Anton Van Dyck|Van Dyck]]. Las obras de esta primera etapa son complejas composiciones, casi siempre de tema mitológico.

En la década de [[1650]] comenzó a pintar escenas galantes que presentan músicos, soldados y jóvenes muchachas entretenidos en juegos, conversaciones y coqueteos, en las que se enfatiza la relación entre los personajes y la narratividad de la escena. Estas composiciones están consideradas uno de los primeros ejemplos de este género y fueron fuente de inspiración para obras similares de Vermeer. En este periodo Van Loo se aproximó a la obra de [[Gerard ter Borch]] y [[Nicolaes Maes]], y está considerado, junto con [[Gerbrand van den Eeckhout]], el creador de las llamadas «piezas de conversación». Van Loo también fue muy apreciado como retratista, recibiendo en [[1658]] dos importantes encargos: Las regentas y Los regentes de Almshouse de Haarlem (Frans Hals Museum, Haarlem)

En. el otoño de [[1660]], Van Loo se involucró en una pelea que acabó con un fallecimiento. Siendo acusado del homicidio, huyó de [[Holanda]], estableciéndose en [[París]]. En Francia continuó su carrera artística con gran éxito, y fue admitido en [[1663]] en la Real Academia de Pintura y Escultura como retratista. Su obra de ingreso fue el retrato de Michel Corneille el Viejo (París, [[Museo del Louvre]]), en el que Van Loo consiguió, a través de la elocuencia de los gestos y sin ningún atributo, trasmitirnos los rasgos más característicos de su personalidad. Sus dos hijos, Jean van Loo y Abraham, siguieron los pasos de su padre, trabajando ambos como pintores en el sur de Francia. Sus descendientes también continuaron la tradición familiar que llegó hasta el [[siglo XIX]].
==Fuente==
*[http://mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=van-loo-jakob MCNbiografias]
*[http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van_loo.htm .Biografias y Vidas]
*[http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/349 Museo Thyssen Bornemisza]
[[Category:Pintores_europeos]]
[[Categoría:Artistas de la plástica]]
[[Category:Pintor]]

Jakob van Loo

2015-11-24T16:56:01Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha de artista
|nombre = Jakob van Loo
|imagen =
|tamaño imagen =
|pie de foto =
|nombre nacimiento = Jakob van Loo
|fecha nacimiento = Sluis, {{Bandera2|Países Bajos}}
|lugar nacimiento = 1614
|fecha fallecimiento = [[1670]]
|lugar fallecimiento = París, {{Bandera2|Francia}}
|residencia =
|nacionalidad = neerlandés
|seudónimo =
|ocupación =Pintor
|período =[[barroco]]
|área = [[Pintura]]
|educación =
|influido por =
|obras_notables =
|relacionados =
|pareja =
|hijos =
|firma =
|premios =
|movimiento =
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
'''Jakob van Loo.''' Fue un pintor [[barroco]] neerlandés de género, con trabajos muy similares a los de [[Barent Graat]], de mitologías y de retratos. Realizó también pinturas galantes e históricas, demostrando su maestría en el tratamiento de los desnudos.
==Síntesis biográfica==
Hijo del pintor de género [[Jan van Loo]], con quien inició su formación, Jacob van Loo nació en [[1614]], en Sluis, cerca de [[Brujas]]. En [[1642]] está documentado en [[Amsterdam]], donde contrajo matrimonio con Anna Lengele, hermana del pintor [[Maerten Lengele]].

Durante los diez primeros años de su estancia en Amsterdam sus pinturas estuvieron bajo la fuerte influencia de la escuela flamenca, en especial de [[Van Dyck]]. Las obras de esta primera etapa son complejas composiciones, casi siempre de tema mitológico.

En la década de [[1650]] comenzó a pintar escenas galantes que presentan músicos, soldados y jóvenes muchachas entretenidos en juegos, conversaciones y coqueteos, en las que se enfatiza la relación entre los personajes y la narratividad de la escena. Estas composiciones están consideradas uno de los primeros ejemplos de este género y fueron fuente de inspiración para obras similares de Vermeer. En este periodo Van Loo se aproximó a la obra de [[Gerard ter Borch]] y [[Nicolaes Maes]], y está considerado, junto con [[Gerbrand van den Eeckhout]], el creador de las llamadas «piezas de conversación». Van Loo también fue muy apreciado como retratista, recibiendo en [[1658]] dos importantes encargos: Las regentas y Los regentes de Almshouse de Haarlem (Frans Hals Museum, Haarlem)

En. el otoño de [[1660]], Van Loo se involucró en una pelea que acabó con un fallecimiento. Siendo acusado del homicidio, huyó de [[Holanda]], estableciéndose en [[París]]. En Francia continuó su carrera artística con gran éxito, y fue admitido en [[1663]] en la Real Academia de Pintura y Escultura como retratista. Su obra de ingreso fue el retrato de Michel Corneille el Viejo (París, [[Museo del Louvre]]), en el que Van Loo consiguió, a través de la elocuencia de los gestos y sin ningún atributo, trasmitirnos los rasgos más característicos de su personalidad. Sus dos hijos, Jean van Loo y Abraham, siguieron los pasos de su padre, trabajando ambos como pintores en el sur de Francia. Sus descendientes también continuaron la tradición familiar que llegó hasta el [[siglo XIX]].
==Fuente==
*http://mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=van-loo-jakob
*http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van_loo.htm
*http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/349
[[Category:Pintores_europeos]]
[[Categoría:Artistas de la plástica]]
[[Category:Pintor]]

Jakob van Loo

2015-11-24T16:52:11Z

Sergio06028: Página creada con «{{Ficha de artista |nombre = |imagen = |tamaño imagen = |pie de foto = |nombre nacimiento = |fecha nacimiento = |lugar n...»

{{Ficha de artista
|nombre =
|imagen =
|tamaño imagen =
|pie de foto =
|nombre nacimiento =
|fecha nacimiento =
|lugar nacimiento =
|fecha fallecimiento =
|lugar fallecimiento =
|residencia =
|nacionalidad =
|seudónimo =
|ocupación =
|período =
|área =
|educación =
|influido por =
|obras_notables =
|relacionados =
|pareja =
|hijos =
|firma =
|premios =
|premios2 =  
* Premio.
* Premio.
|movimiento =
|página web =
|facebook =
|twitter =
|notas =
}}
'''Jakob van Loo.''' Fue un pintor barroco neerlandés de género, con trabajos muy similares a los de [[Barent Graat]], de mitologías y de retratos. Realizó también pinturas galantes e históricas, demostrando su maestría en el tratamiento de los desnudos.
==Síntesis biográfica==
Hijo del pintor de género [[Jan van Loo]], con quien inició su formación, Jacob van Loo nació en [[1614]], en Sluis, cerca de [[Brujas]]. En [[1642]] está documentado en [[Amsterdam]], donde contrajo matrimonio con Anna Lengele, hermana del pintor [[Maerten Lengele]].

Durante los diez primeros años de su estancia en Amsterdam sus pinturas estuvieron bajo la fuerte influencia de la escuela flamenca, en especial de [[Van Dyck]]. Las obras de esta primera etapa son complejas composiciones, casi siempre de tema mitológico.

En la década de [[1650]] comenzó a pintar escenas galantes que presentan músicos, soldados y jóvenes muchachas entretenidos en juegos, conversaciones y coqueteos, en las que se enfatiza la relación entre los personajes y la narratividad de la escena. Estas composiciones están consideradas uno de los primeros ejemplos de este género y fueron fuente de inspiración para obras similares de Vermeer. En este periodo Van Loo se aproximó a la obra de [[Gerard ter Borch]] y [[Nicolaes Maes]], y está considerado, junto con [[Gerbrand van den Eeckhout]], el creador de las llamadas «piezas de conversación». Van Loo también fue muy apreciado como retratista, recibiendo en [[1658]] dos importantes encargos: Las regentas y Los regentes de Almshouse de Haarlem (Frans Hals Museum, Haarlem)

En. el otoño de [[1660]], Van Loo se involucró en una pelea que acabó con un fallecimiento. Siendo acusado del homicidio, huyó de [[Holanda]], estableciéndose en [[París]]. En Francia continuó su carrera artística con gran éxito, y fue admitido en [[1663]] en la Real Academia de Pintura y Escultura como retratista. Su obra de ingreso fue el retrato de Michel Corneille el Viejo (París, [[Museo del Louvre]]), en el que Van Loo consiguió, a través de la elocuencia de los gestos y sin ningún atributo, trasmitirnos los rasgos más característicos de su personalidad. Sus dos hijos, Jean van Loo y Abraham, siguieron los pasos de su padre, trabajando ambos como pintores en el sur de Francia. Sus descendientes también continuaron la tradición familiar que llegó hasta el [[siglo XIX]].
==Fuente==
*http://mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=van-loo-jakob
*http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van_loo.htm
*http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/349
[[Category:Pintores_europeos]]
[[Categoría:Artistas de la plástica]]
[[Category:Pintor]]

Usuario:Sergio06028

2014-04-19T19:12:34Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha_Usuario_(avanzada)
|imagen=
|apellidos=Contador del Rosario
|nombre=Sergio
|nivel=Universitario
|título=Licenciado en Informática
|postgrado=
|temas=
|institución={{Usuario:Etiquetas/JCCE}}
|municipio=[[Santiago de Cuba]]
|provincia= Santiago de Cuba
|país=Cuba
|seguimiento=
|colaboradores=
|patrol=
}}
<div style="float:left; width:50%"><br />
{{Usuario:Etiquetas/Equilibrio Ecológico}}
{{Usuario:Etiquetas/Paz}}
{{Usuario:Etiquetas/H-Virgo}}
{{Sistema:Cuadro|rojo
|título=Bienvenido a mi portal
|enlace=
|logo=200px_Logotipo.png
|px=21
|leyenda=EcuRed
|altura=
|contenido='''Hola.'''Mi nombre es Sergio, graduado del Instituto Pedagógico Frank País Gracías y Licenciado en Informática para la [[Educación]]. Soy Colaborador de [[EcuRed]]. Trabajo en el Joven Club Santiago II [[Santiago de Cuba]].
}}

{{Sistema:Cuadro|rojo
|título=Contactarme
|enlace=
|logo=200px_Logotipo.png
|px=21
|leyenda=EcuRed
|altura=
|contenido=
*Mi correo personal es:
[[Image:Email.jpg|40x40px|Email.jpg]][mailto:sergio.contador@scu.jovenclub.cu sergio.contador @scu.jovenclub.cu]
*Teléfono Joven Club Santiago II:
'''635928'''
[[Image:Celular-sony-ericsson.jpg]]
*Usuario para el Jabber:
''' sergio.contador @jabber.scu.jovenclub.cu'''
*Mi página de discusión en EcuRed es:
[[Usuario Discusión:sergio06028|Discusión]]-([[Especial:Contribuciones/ sergio06028|Contribuciones]])
}}

Usuario:Sergio06028

2014-04-19T19:09:48Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha_Usuario_(avanzada)
|imagen=
|apellidos=Contador del Rosario
|nombre=Sergio
|nivel=Universitario
|título=Licenciado en Informática
|postgrado=Master en Nuevas Tecnologías
|temas=
|institución={{Usuario:Etiquetas/JCCE}}
|municipio=[[Santiago de Cuba]]
|provincia= Santiago de Cuba
|país=Cuba
|seguimiento=
|colaboradores=
|patrol=
}}
<div style="float:left; width:50%"><br />
{{Usuario:Etiquetas/Equilibrio Ecológico}}
{{Usuario:Etiquetas/Paz}}
{{Usuario:Etiquetas/H-Virgo}}
{{Sistema:Cuadro|rojo
|título=Bienvenido a mi portal
|enlace=
|logo=200px_Logotipo.png
|px=21
|leyenda=EcuRed
|altura=
|contenido='''Hola.'''Mi nombre es Sergio, graduado del Instituto Pedagógico Frank País Gracías y Licenciado en Informática para la [[Educación]]. Soy Colaborador de [[EcuRed]]. Trabajo en el Joven Club Santiago II [[Santiago de Cuba]].
}}

{{Sistema:Cuadro|rojo
|título=Contactarme
|enlace=
|logo=200px_Logotipo.png
|px=21
|leyenda=EcuRed
|altura=
|contenido=
*Mi correo personal es:
[[Image:Email.jpg|40x40px|Email.jpg]][mailto:sergio.contador@scu.jovenclub.cu sergio.contador @scu.jovenclub.cu]
*Teléfono Palacio de la Computación:
'''635928'''
[[Image:Celular-sony-ericsson.jpg]]
*Usuario para el Jabber:
''' sergio.contador @jabber.scu.jovenclub.cu'''
*Mi página de discusión en EcuRed es:
[[Usuario Discusión:sergio06028|Discusión]]-([[Especial:Contribuciones/ sergio06028|Contribuciones]])
}}

Usuario:Sergio06028

2014-04-19T19:07:49Z

Sergio06028:

Usuario:Sergio06028

2014-04-19T19:04:47Z

Sergio06028: Página creada con ' <div align="justify"> {{Ficha_Usuario_(avanzada) |imagen= |apellidos=Contador del Rosario |nombre=Sergio |nivel=Universitario |título=Licenciado en Informática |postgrado=Mas...'

Epson LX-300+

2013-11-24T15:59:26Z

Sergio06028:

{{Objeto
|nombre=Epson LX-300+
|imagen=Expson2.jpeg
|tamaño=300px
|descripcion= Esta nueva impresora, que mejora en
muchos
aspectos las prestaciones de su antecesora, la [[Epson LX300]], puede
desarrollar una gran multitud de aplicaciones profesionales
}}
<div align="Justify">
'''Epson LX-300+'''. Impresora de agujas Epson LX-300+ (Carro Angosto).
Epson pone al alcance de todos los usuarios la impresora matricial con la mejor relación
precio/prestaciones del mercado: la nueva Epson LX300+. Por sus
pequeñas dimensiones y robustez, su fiabilidad, su versatilidad y su
mantenimiento muy económico, la Epson LX300+ se presenta como una
impresora de lo más indicada para el uso en empresas, industrias y
servicios de todo tipo
==Características==
Esta nueva impresora, que mejora en
muchos aspectos las prestaciones de su antecesora, la Epson LX300+,
puede desarrollar una gran multitud de aplicaciones profesionales.
Así, por ejemplo, gracias a su capacidad para reproducir formularios
pre-impresos de hasta 1 original más 4 copias, puede utilizarse
perfectamente en los sectores de la distribución y las finanzas para
la impresión de formularios, borradores, etiquetas, sobres o
listados con hasta 4 copias, incluyendo sistemas de facturación en
punto de venta y tickets.
==Especificación principal==
*Descripción del producto . Epson LX 300+ - impresora - B/W - matriz de puntos
*Tipo de impresora . Impresora personal - matriz de puntos - 9 espiga - monocromo
*Factor de forma . De sobremesa
*Dimensiones .(Ancho x Profundidad x Altura) 36.6 cm x 27.5 cm x 15.9 cm
*Peso 4.4 kg
*Tamaño máx. soporte (estándar). Legal, A4, Rollo (21.6 cm)
*Tamaño máximo de soporte (personalizado) 257 mm x 364 mm
*Velocidad de impresión. Hasta 337 caracteres/s - velocidad máx.
*Resolución máxima (B/N) 240 ppp x 216 ppp
*Interfaz. Paralelo, serial
*RAM instalada (máx.) 8 KB ( 8 KB ) - integrado
*Simulación idioma. EPSON ESC/P
*Tipo de soporte . Papel normal, formas continuas
*Requisitos del sistema . Microsoft DOS, Microsoft Windows 3.x/95/98, Microsoft WindowsNT 3.51 o posterior,Microsoft Windows 2000, Microsoft Windows Millennium Edition
*Garantía del fabricante 1 año de garantía
=== Especificación extendida general===
*Tipo de impresora. Impresora personal - matriz de puntos - 9 espiga - monocromo
*Factor de forma . De sobremesa
*Anchura 36.6 cm
*Profundidad 27.5 cm
*Altura 15.9 cm
*Peso 4.4 kg
*Color incluido. Blanco
*Compatibilidad PC
===Impresora===
*Velocidad de impresión . Hasta 337 caracteres/s - velocidad máx.
*Tecnología de conectividad . Cableado
*Interfaz . Paralelo, serial
*Resolución máxima (B/N) 240ppp x 216 ppp
*Simulación idioma. EPSON ESC/P
*Fuentes incluidas. 8 x código de barras ¦ 4 x representación de bits
===Memoria Ram===
*RAM instalada (máx.) 8 KB / 8 KB (máx.)
*Tecnología / Factor de forma . Integrado
===Tratamiento soporte===
*Tipo recorrido soporte. Curvo, recto
*Tipo de soporte. Papel normal,formas continuas
*Tamaño máximo de soporte (personalizado) 257 mm x 364 mm
*Tamaño soporte. ANSI A (Letter) (216 x 279 mm), Legal (216 x 356 mm),
*Executive (184 x 267 mm), A4 (210 x 297 mm), A5 (148 x 210 mm), B4 (250 x 353 mm),rollo (25.4 cm)
*Nº máximo de hojas en forma multi-part 5
===Ciclo de funcionamiento===
*Nº Cartuchos/ Cabezales incluidos 1

===Expansión/conectividad===
*Conexiones 1 x paralelo -IEEE 1284 (EPP/ECP) - 36 PIN Centronics ¦ 1 x serial - RS-232D -D-Sub de 25 espigas (DB-25)
*DIVERSO Cumplimiento de normas. Puerto de conformidad con ECP IEEE 1284 RFID
===Alimentación===
*Dispositivo de alimentación.
*Fuente de alimentación - integrado
*Frecuencia requerida 50/60 Hz Consumo eléctrico en funcionamiento 23 vatios
===Software/Requisitos del sistema===
*Software incluido .Controladores y utilidades
*Sistema operativo requerido .Microsoft DOS, Microsoft Windows 3.x/95/98, Microsoft Windows NT 3.51 o posterior, Microsoft Windows 2000, Microsoft Windows Millennium Edition
===Garantía del fabricante===
*Servicio y mantenimiento 1 año de garantía
*Detalles de Servicio y Mantenimiento. Garantía limitada - piezas y mano de obra - 1 año- introducir
===Parámetros de entorno===
*Temperatura mínima de funcionamiento 5 °C
*Temperatura máxima de funcionamiento 35 °C
*Ámbito de humedad de funcionamiento 10 - 80%
*Altitud máxima de funcionamiento 3 km
*Emisión de sonido 49 dBA
*Consumibles para la Epson LX-300+ Cartucho de Cinta Epson S015073 (Color Serie LX-300)
==Enlaces externos==
*[http://www.cav.jovenclub.cu/comunidad/?q=node/544 Como instalar una Epson en Linux]
==Fuentes==
*[http://www.tqm.com.uy/catalog/impresora-agujas-epson-lx300-carro-angosto-p-520.html Características de la Epson-LX300+]

[[Category:Impresoras]]

Cámara digital

2013-11-23T17:44:11Z

Sergio06028:

{{Objeto

|nombre=Cámara Digital

|imagen=CamarasDg.jpeg

|tamaño=

|descripcion=Varias cámaras digitales de diferentes marcas y tipos.

}}<div align="justify">

'''Cámaras Digitales'''. Una cámara digital es una cámara fotográfica que, en vez de captar y almacenar fotografías en películas química como las cámaras fotográficas de película fotográfica, aprovecha el proceso de la fotografía digital para generar y almacenar imágenes.
Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. En este caso, al aparato también se lo denomina cámara filmadora digital. Actualmente se venden más cámaras fotográficas digitales que cámaras con película de 35 mm.1
==Historia==
Los conceptos de digitalizar imágenes en escáneres y convertir señales de vídeo a digital anteceden al concepto de tomar cuadros fijos digitalizando así señales de una matriz de elementos sensores discretos. Eugene F. Lally del Jet Propulsion Laboratory publicó la primera descripción de cómo producir fotos fijas en un dominio digital usando un fotosensor en mosaico. El propósito era proporcionar información de navegación a los astronautas a bordo durante misiones espaciales. La matriz en mosaico registraba periódicamente fotos fijas de las localizaciones de estrellas y planetas durante el tránsito y cuando se acercaba a un planeta, proporcionaba información adicional de distancias para el orbitaje y como guía para el aterrizaje. El concepto incluyó elementos de diseño que presagiaban la primera cámara fotográfica digital.
Texas Instruments diseñó una cámara fotográfica análoga sin película en 1972, pero no se sabe si fue finalmente construida. La primera cámara digital registrada fue desarrollada por la empresa Kodak, que encargó la construcción de un prototipo al ingeniero Steven J. Sasson en 1975. Esta cámara usaba los entonces nuevos sensores CCD desarrollados por Fairchild Semiconductor en 1973. Su trabajo dio como fruto una cámara de aproximadamente 4 kg y que hacía fotos en blanco y negro con una resolución de 0,01 megapíxeles. Utilizó los novedosos chips de estado sólido del CCD. La cámara fotográfica registraba las imágenes en una cinta de cassette y tardó 23 segundos en capturar su primera imagen, en diciembre de 1975. Este prototipo de cámara fotográfica era un ejercicio técnico, no previsto para la producción.

La primera cámara fotográfica completamente digital que registraba imágenes en un archivo de computadora fue probablemente el modelo DS-1P de Fuji, en 1988, que grababa en una tarjeta de memoria interna de 16 MB y utilizaba una batería para mantener los datos en la memoria. Esta cámara fotográfica nunca fue puesta en venta en los Estados Unidos. La primera cámara fotográfica digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaba un sensor CCD, grababa digitalmente las imágenes, y disponía de un cable de conexión para descarga directa en la computadora. En 1991, Kodak lanzó al mercado su modelo DCS-100, el primero de una larga línea de cámaras fotográficas profesionales SLR de Kodak que fueron basadas, en parte, en cámaras para película, a menudo de marca Nikon. Utilizaba un sensor de 1,3 megapixeles y se vendía en unos $13.000.
La transición a formatos digitales fue ayudada por la formación de los primeros estándares JPEG y MPEG en 1988, que permitieron que los archivos de imagen y vídeo se comprimieran para su almacenamiento. La primera cámara fotográfica dirigida a consumidores con una pantalla de cristal líquido en la parte posterior fue la Casio QV-10 en 1995, y la primera cámara fotográfica en utilizar tarjetas de memoria CompactFlash fue la Kodak DC-25 en 1996. El mercado para las cámaras fotográficas digitales dirigidas al consumidor estaba formado originalmente por cámaras fotográficas de baja resolución. En 1997 se ofrecieron las primeras cámaras fotográficas para consumidores de un megapixel. La primera cámara fotográfica que ofreció la capacidad de registrar clips de vídeo pudo haber sido la Ricoh RDC-1 en 1995.

En 1999 con la introducción del Nikon D1, una cámara fotográfica de 2.74 megapixeles, que fue una de las primeras SLR digitales, la compañía se convirtió en un fabricante importante, y, con un costo inicial de menos de $6.000, era asequible tanto para fotógrafos profesionales como para consumidores de alto perfil. Esta cámara fotográfica también utilizaba lentes Nikon F, lo que significaba que los fotógrafos podrían utilizar muchas de las mismas lentes que ya tenían para sus cámaras de película.
En el 2003 se presentó la Digital Rebel de Canon, también conocida como la 300D, una cámara fotográfica dirigida a consumidores de 6 megapixeles y la primera DSLR que tenía un costo inferior a $1.000.En el 2008 se presentó en la Feria de Alemania, una cámara LEICA de medio formato con una resolución de 37 megapixeles.
==Resolución de imagen ==
La resolución de una cámara fotográfica digital está limitada por el sensor de la cámara (generalmente un CCD o un Sensor CMOS) que responde a las señales de luz, substituyendo el trabajo de la película en fotografía tradicional. El sensor se compone de millones de “cubos” que se cargan en respuesta a la luz. Generalmente, estos cubos responden solamente a una gama limitada de longitudes de onda ligeras, debido a un filtro del color sobre cada uno. Cada uno de estos cubos se llama un píxel, y se utiliza un algoritmo de mosaicismo e interpolación para unir la imagen de cada gama de longitud de onda por pixel en una imagen del RGB donde están las tres imágenes por píxel para representar un color completo. Los dispositivos CCD transportan la carga a través del chip hasta un conversor analógico-digital. Éste convierte el valor de cada uno de los píxeles en un valor digital midiendo la carga que le llega. Dependiendo del número de bits del conversor obtendremos una imagen con mayor o menor gama de color. Por ejemplo, si se utilizase un sólo bit tendríamos valores de 0 y 1, y sólo podríamos representar presencia o ausencia de luz, lo que supondría una imagen en blanco y negro puro.
Por otro lado, los aparatos CMOS contienen varios transistores en cada píxel. El proceso de conversión digital se produce en la propia estructura del sensor, por lo que no se necesita un conversor añadido. Su proceso de fabricación es más sencillo, y hace que las cámaras que utilizan esta tecnología resulten más baratas.La cantidad de pixeles resultante en la imagen determina su tamaño. Por ejemplo una imagen de 640 pixeles de ancho por 480 pixeles de alto tendrá 307,200 pixels, o aproximadamente 307 kilopixeles; una imagen de 3872 pixeles de alto por 2592 pixeles de ancho tendrá 10.036.224 pixeles, o aproximadamente 10 megapixeles. Según la experiencia fotográfica de los profesionales en dicho campo afirman que una fotografía química realizada por una cámara compacta daría como resultado una fotografía de 30 megapixeles.
==Calidad de la imagen ==
La cuenta de pixeles comúnmente es lo único que se muestra para indicar la resolución de una cámara fotográfica, pero esta es una idea falsa. Hay varios factores que afectan la calidad de un sensor. Algunos de estos factores incluyen, el tamaño del sensor, la calidad de la lente, la organización de los pixeles (por ejemplo, una cámara fotográfica monocromática sin un mosaico de filtro Bayer tiene una resolución más alta que una cámara fotográfica de color típica) y el rango dinámico del sensor.A muchas cámaras fotográficas compactas digitales son criticadas por tener demasiados pixeles en relación al pequeño tamaño del sensor que incorporan.El aumento de la densidad de pixeles disminuye la sensibilidad del sensor. Pues cada pixel es tan pequeño que recoge muy pocos fotones, y así para conservar la relación señal-ruido se deberá iluminar más el sensor. Esta disminución de la sensibilidad conduce a cuadros ruidosos, calidad pobre en sombras y generalmente a imágenes de pobre calidad si están escasamente iluminadas.
==Métodos para capturar imágenes==
En el corazón de una cámara digital hay un sensor de imagen CCD.Desde que las primeras cámaras digitales fueron introducidas al mercado, han existido tres métodos principales de capturar la imagen, según configuración de hardware del sensor y de los filtros de color. Estos métodos son los siguientes:

#El primer método se denomina de disparo único, en referencia al número de veces que el sensor de la cámara fotográfica se expone a la luz que pasa a través de la lente. Los sistemas de disparo único utilizan un CCD con un filtro de Bayer, o tres sensores de imagen independientes (uno para cada uno de los colores primarios aditivos: rojo, verde, y azul) que se exponen a la misma imagen mediante un sistema óptico de separación de imagen.
#El segundo método se denomina de multidisparo, porque el sensor se expone a la imagen en una secuencia de tres o más aperturas del obturador de la lente. Hay varios métodos de aplicación de esta técnica. El más común era originalmente utilizar un único sensor de imagen con tres filtros (de nuevo rojo, verde y azul) colocados delante del sensor para obtener la información aditiva del color. Otro método de multidisparo utiliza un solo CCD con un filtro de Bayer pero mueve la posición física del sensor en el plano del foco de la lente para componer una imagen de más alta resolución que la que el CCD permitiría de otra manera. Una tercera versión combina los dos métodos sin un filtro de Bayer en el sensor.
#El tercer método se llama exploración porque el sensor se mueve a través del plano focal como el sensor de un explorador (scanner) de escritorio. Sus sensores lineares o tri-lineares utilizan solamente una sola línea de fotosensores, o tres líneas para los tres colores. En algunos casos, la exploración es lograda rotando la cámara fotográfica entera; una cámara fotográfica con línea rotativa ofrece imágenes de resolución total muy alta.
Nota:
La elección del método para una captura dada, por supuesto, es determinada en gran parte por el tema a ser fotografiado. Es generalmente inadecuado intentar fotografiar un tema que se mueva con cualquier cosa que no sea un sistema de disparo único. Sin embargo, con sistemas de exploración o multidisparo, se obtiene la más alta fidelidad de color y tamaños y resoluciones más grandes. Esto hace de estas técnicas más atractivas para fotógrafos comerciales que trabajan con fotografías de temas inmóviles en formato grande.Recientemente, las mejoras drásticas en cámaras fotográficas de disparo único y el procesamiento de archivos RAW de imagen han hecho de las cámaras fotográficas de disparo único, basadas en CCD casi totalmente predominantes en fotografía comercial, para no mencionar la fotografía digital en su totalidad. Las cámaras fotográficas de disparo único basadas en sensores CMOS suelen ser comunesentre las que se encuentran: Mosaicos, interpolación, y aliasing del filtro.
==Conectividad==
La mayor parte de las cámaras digitales se pueden conectar directamente a la computadora para transferir su información. Antiguamente las cámaras tenían que conectarse a través de un Puerto serial. El USB es el método más utilizado aunque algunas cámaras utilizan un puerto FireWire o Bluetooth. La mayor parte de las cámaras son reconocidas como un dispositivo de almacenamiento USB. Algunos modelos, por ejemplo la Kodak EasyShare One puede conectarse a la computadora vía red inalámbrica por el protocolo 802.11 (Wi-Fi).Una alternativa común es el uso de un lector de tarjetas que pueda ser capaz de leer varios tipos de medios de almacenamiento, así como efectuar la transferencia de datos a la computadora a alta velocidad. El uso de un lector de tarjetas también evita que la batería de la cámara fotográfica se descargue durante el proceso de la transferencia directa, pues el dispositivo toma energía del puerto USB. Un lector de tarjetas externo permite un adecuado acceso directo a las imágenes en una colección de medios de almacenamiento. Pero si solamente funciona con una tarjeta de almacenamiento, puede ser incómodo el desplazamiento hacia adelante y hacia atrás entre la cámara fotográfica y el lector. Muchas cámaras fotográficas modernas ofrecen el estándar de PictBridge, que permite el envío de datos directamente a las impresoras sin la necesidad de una
==Integración==
La tecnología actual permite la inclusión de cámaras digitales en varios aparatos de uso diario tales como teléfonos celulares. Otros dispositivos electrónicos pequeños (especialmente los utilizados para la comunicación) por ejemplo dispositivos PDA, computadoras portátiles y Blackberry contienen a menudo cámaras fotográficas digitales integradas. Además, algunos camcorders digitales incorporan una cámara fotográfica digital. Debido a la limitada capacidad de almacenamiento y al énfasis de la utilidad por sobre la calidad en estos dispositivos integrados la gran mayoría utiliza el formato JPEG para guardar las imágenes ya que su gran capacidad de compresión compensa la pequeña pérdida de calidad que provoca.
==Almacenamiento de imágenes==
[[Image:memofl.jpeg|thumb|right|134px]]
Las cámaras digitales de los teléfonos celulares o también las cámaras de bajo precio utilizan memoria incorporada o memoria flash. Son de uso común las tarjetas de memoria: CompactFlash (CF), Secure Digital (SD), xD y las tarjetas Memory Stick para las cámaras Sony. Anteriormente se utilizaba discos de 3 1/2" para el almacenamiento de imágenes. Las fotos se almacenan en ficheros JPEG estándares o bien en formato TIFF o RAW para tener una mayor calidad de imagen pese al gran aumento de tamaño en el archivo. Los archivos de video se almacenan comúnmente en formato AVI, DV, MPEG, MOV, WMV, etc.
Casi todas las cámaras digitales utilizan técnicas de compresión para aprovechar al máximo el espacio de almacenamiento. Las técnicas de compresión suelen aprovecharse de dos características comunes en las fotografías:
Los patrones: en una imagen es muy común encontrarse con zonas en las que aparece el mismo color (o la misma secuencia) repetido varias veces (por ejemplo, una pared blanca). Este tipo de áreas pueden codificarse de manera que el espacio de almacenamiento necesario para ellas disminuya. Este tipo de compresión no suele conseguir grandes porcentajes de disminución.
la irrelevancia: igual que la codificación mp3 se aprovecha de la incapacidad del sistema auditivo para detectar ciertos sonidos (o la ausencia de estos), en las cámaras digitales se puede utilizar una compresión que consiste en eliminar información que la cámara ha captado, pero que el ojo humano va a ser incapaz de percibir.
==Formatos==
Los formatos más usados por las cámaras fotográficas digitales para almacenar imágenes son RAW, JPEG y TIFF.
Muchas cámaras fotográficas, especialmente las cámaras profesionales o DSLR, permiten descargar el formato RAW (crudo). Una imagen RAW está formada por el conjunto de pixels sin procesar (ni siquiera la interpolación de color que requiere el filtro de Bayer) obtenidos directamente del sensor de la cámara fotográfica. A menudo se utilizan los formatos propietarios de cada fabricante, tales como NEF para Nikon, CRW o CR2 para Canon, y MRW para Minolta, cuyas especificaciones no son conocidas. La firma Adobe Systems lanzó el formato DNG, un formato de imagen raw libre de derechos que ha sido adoptado por algunos fabricantes.Los archivos raw debían ser procesados ("revelados") en programas de edición de imagen especializados pero con el tiempo los programas más usados, como Picasa de Google, agregaron el soporte para poder editarlos. Editar imágenes en formato raw permite una mayor flexibilidad en ajustes tales como modificar el balance de blancos, compensar la exposición y cambiar la temperatura de color, porque tiene los datos de color sin interpolar, y además poseen mayor profundidad de color que 8 bits por canal: dependiendo del fabricante pueden ser 10, 12, 14 o hasta 16 bits por canal. Esencialmente el formato raw permite al fotógrafo hacer ajustes importantes sin pérdida de calidad de imagen que de otra manera implicarían volver a tomar la fotografía.

Los formatos para video son AVI, DV, MPEG, MOV (a menudo con el motion JPEG), WMV, y ASF (básicamente iguales que WMV). Los formatos recientes incluyen MP4, que se basa en el formato de QuickTime y utiliza nuevos algoritmos de compresión para dar un plazo de tiempos de grabación más largos en el mismo espacio.Otros formatos que se utilizan en las cámaras fotográficas pero no en las fotos son el DCF, una especificación ISO para la estructura y la asignación de nombres de archivo interna de la cámara fotográfica, DPOF que indica cuantas copias se deben imprimir y en que orden y el formato Exif, que utiliza etiquetas de metadatos para documentar los ajustes de la cámara fotográfica y la fecha y la hora en la que fueron obtenidas las fotografías.
==Características ==
#La resolución en fotografía digital se mide multiplicando el alto por el ancho de las fotografías que permite obtener la cámara y generalmente comienza con un millón de píxeles, para las cámaras más económicas, y va en aumento hasta más de diez millones de píxeles, para las cámaras profesionales. El término "píxel" (del inglés picture element), es la unidad más pequeña que capta un valor gris o de color de la fotografía. Una cámara de cuatro millones de píxeles generará imágenes más grandes que una de dos millones, lo que permite obtener una copia impresa de hasta 50 x 75 cm, pero no necesariamente de mayor calidad ya que en este aspecto tiene una mayor importancia la calidad de la óptica utilizada. Sin embargo, dado que a más megapíxeles las cámaras son más caras, es habitual que también posean mejores objetivos.
#Otra característica de la fotografía digital es el zoom digital. Mediante este zoom se puede ampliar una foto, pero el efecto no es el de un zoom óptico. El zoom óptico acerca y amplia lo que se quiere fotografiar sin mermar la resolución de la cámara, ya que el acercamiento se consigue con el objetivo. El zoom digital, por el contrario, amplia la imagen que ya ha recibido, de forma que disminuye la resolución, al igual que ocurriría encargando una ampliación al laboratorio o utilizando un programa de edición de gráficos.
"Actualmente las cámaras digitales también permiten tomar vídeos, generalmente en resoluciones desde 320x240 hasta 1920x1080 píxeles y de entre 12 y 60 fotogramas por segundo, a veces con sonido (normalmente mono) en el caso de los modelos más completos. Estos vídeos están alcanzando un nivel tan alto de calidad que son muchos los profesionales que están utilizando cámaras réflex en lugar de cámaras de vídeo.

==Tipos de cámaras==

*Cámaras digitales compactas
Se caracterizan por tener una gran facilidad de uso, tamaño bastante reducido (la mayoría similares a un teléfono celular) y operación simplificada; este diseño limita las capacidades creativas de capturar imágenes, limitándose al uso aficionado. Por las características ópticas y electrónicas (sensor reducido, objetivos con poca luminosidad), presentan casi siempre una profundidad de campo bastante amplia. Esto permite que varios objetos estén enfocados al mismo tiempo, lo cual facilita el uso, aunque es también una de las razones por las cuales los fotógrafos avanzados encuentran las imágenes tomadas por estas cámaras planas o artificiales. Estas cámaras son ideales para tomar paisajes y uso ocasional. Frecuentemente guardan los archivos de imagen en formato JPEG, poseen un rango dinámico limitado y muchas de ellas aplican reducción de ruido en las imágenes, incluso en la sensibilidad más baja disponible.

*Cámaras compactas avanzadas (o de zoom largo)
Estas cámaras permiten un mayor control de las tomas y tienen más calidad y prestaciones que las anteriores. Físicamente, poseen un tamaño mayor, más mandos y botones y una empuñadura más grande, con lo cual se asemejan a las cámaras réflex, y comparten algunas de sus funciones. Generalmente tienen zoom óptico largo (de ahí su nombre) que asegura una mayor capacidad creativa. Algunas veces son comercializadas como y confundidas con cámaras SLR digitales (dSLR) ya que los cuerpos de cámara se parecen entre sí. En algunos modelos, pueden añadirse convertidores de rosca para mejorar el alcance o la cobertura angular, pueden tomar vídeo, grabar audio y la composición de la escena se lleva a cabo en la pantalla de cristal líquido o en un visor electrónico. La velocidad de respuesta de estas cámaras tiende a ser menor que la de una verdadera SLR digital, pero pueden lograr una muy buena calidad de imagen siendo más ligeras y compactas. Muchas de estas cámaras guardan las fotografías en formato JPEG y cada vez hay más que pueden hacerlo en formato RAW

*Cámaras réflex digitales
Las cámaras réflex digitales son el equivalente a las cámaras de película química. Están orientadas al sector del fotoperiodismo, a la fotografía artística y otros usos avanzados/profesionales, debido a que sus características de respuesta y calidad de imagen son -por lo general- superiores a las de las cámaras compactas. Respecto a las cámaras compactas, tienen un sensor de mayores dimensiones, lo cual equivale a una mayor relación señal/ruido que se traduce en una mejor calidad de imagen. El diseño de los componentes electrónicos está optimizado para proveer un tiempo de respuesta similar al de las cámaras réflex tradicionales. Poseen la capacidad de grabar en formatos de mayor calidad (JPEG de baja compresión, RAW), lo cual es útil en las labores de posprocesamiento de la imagen. Comercialmente se encuentran divididas por sectores: aficionado (pocos controles, funciones automáticas asistidas, tamaño reducido), aficionado avanzado (mayor personalización de la captura, accesorios adicionales) y profesional (alta velocidad de disparo y respuesta, rendimiento ISO elevado, sensor de formato completo).
==Fuente==
*[http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_digital
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Mosaico_filtro_de_color
*[http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_fotogr%C3%A1fica
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa_digital#Caracter.C3.ADsticas
*[http://www.ecured.cu/index.php/Camaras_fotograficas
*[http://www.ecured.cu/index.php/C%C3%A1mara_CCD
*[http://www.monografias.com/trabajos13/lacamf/lacamf.shtml La Cámara Fotográfica]
*[http://mecfunnet.faii.etsii.upm.es/difraccion/camera.html Cámara fotográfica]

[[Category:Ciencias_informáticas]][[Category:Hardware]][[Category:Periféricos_de_computadora]][[Category:Cámaras_digitales]]

Palm PC Tungsten T3

2013-11-23T17:22:54Z

Sergio06028: Página creada con '<div align="justify"> {{Ficha de teléfono móvil |nombre=Palm PC Tungsten T3 |imagen=PalmTungstenT3.jpg |tamañoimagen=10.8 cm por 7.6 cm por 1.6 cm <!-- Información gene...'

<div align="justify">
{{Ficha de teléfono móvil

|nombre=Palm PC Tungsten T3

|imagen=PalmTungstenT3.jpg

|tamañoimagen=10.8 cm por 7.6 cm por 1.6 cm



|fabricante=[[Palm, Inc.]]

|lanzamiento=[[2º semestre de 2003 (10 de octubre)]]

ram=64 Mb de RAM | 16 Mb de Flash-ROM

|procesador=ARM Intel XScale a 400 Mhz.

|sistema operativo=[[Palm OS 5.2.1 | Idioma: MultiIdioma]]

|bluetooth=Si

|red2g=

|red3g=

|otra red=



|dimensiones=10.8 cm por 7.6 cm por 1.6 cm

|peso= 153 gramos.

|teclado=Un teclado Virtual.

|pantalla= 320x480 píxeles, 65.536 colores . Con retroiluminación.



|tipo= LCD

|multitouch=

|protection=

|más pantalla=



|formatos=Slider con teclado QWERTY.

|vibración=Si

|altavoz=Si

|audífonos=Si

|más sonido=

|video=



|memoria interna= 64 Mb de Flash-ROM internos.

|Tarjetas de Expansión=SD (Secure Digital) o MMC (MultiMedia Card).



|agenda telefónica=si

|registro de llamadas=si

|mensajería=si

|navegación=si

|reloj=Si

|calendarios=si

|calculadora=si

|alarma=Si

|juegos=Si

|radio fm=si

|redes sociales=Si

|reproductor audio=Si

|reproductor video=Si

|visor archivos office=si

|visor de archivos pdf=si

|organizador=si

|más aplicaciones=si



|tipo batería= Recargable de Litio. Duración: 5 días (900 mAh)

|inactivo=

|hablando=



|tipo batería=



|antecesor=

|sucesor=

}}
'''Palm Tungsten T3'''. Es un teléfono móvil inteligente por Palm, Inc. Es un dispositivo con características [[multimedia]] y con un software basado fuertemente en la conectividad con [[Internet]], con pantalla táctil.

==Historia==
La serie Tungsten, presentada por primera vez en otoño de 2003 con la Tungsten T, fue parte de la estrategia de Palm, Inc. para renovar los modelos denominados con números, Palm OS 4, y sus antiguos procesadores Motorola. Fue dirigida originalmente a un segmento de mercado diferente a la serie Zire de la misma empresa, lo que llevó la Palm a competir en un mercado que comenzaba a abundar en productos avanzados de diferentes marcas.

La línea Tungsten ha sido la línea de prosumer (consumidor profesional) de PalmOne, pese a no ser fabricada por PalmOne sino por Pilot Computing.También la serie Tungsten fue la línea de agendas digitales personales fabricadas por la empresa Pilot Computing (PDA, por sus siglas en inglés) basada en el sistema operativo Palm OS exclusiva para la clase empresarial. En el 2006, sólo la Tungsten E2 continúa usando el nombre Tungsten, a pesar de que la fabricación de dicho modelo no sea fabricado por Palm. Los modelos diseñados para la clase empresarial que continúan la línea Tungsten se denominan TX. El Palm PC Tungsten T3.Este producto fue lanzado el día 10 de Octubre y actualmente puede ser adquirido por unos 460 Euros. Aunque no se trata del más actual ni potente de Palm es de destacar por su relación calidad precio.

La serie del Tungsteno, se introdujo primero en Otoño de 2002 con el Tungsteno T, era parte de Palma, Inc. El Tungsteno T fue la primera Palma corrida OS 5. El Tungsteno T3 fue el tercer dispositivo de Tungsteno de T-clase, soltó en el 2003 de octubre. Tiene 64 MB de memoria (52 MB utilizable), un 400 MHz Intel el procesador de PXA261, un nuevo 3.7" 320x480 transflective TFT el toque-pantalla de LCD, y ejecuta la Palma OS versión 5.2.1. fue el último producto diseñado por los ingenieros de la Palma en las Alturas de Arlington.El T3 incluyó la Tecnología de la Entrada Activa con el Graffiti 2 Virtual, un teclado Virtual, y el deslizador de línea de Tungsteno típico. El T3 se soltó con la misma $399 etiqueta de precio de menudeo como el Tungsteno T2 hasta el descargo del Tungsteno con muchos otros rasgos adicionales, T5, cuando se redujo a $349. Las críticas tempranas Poco después principios del 2005 aparese el Tungsteno T5, el Tungsteno que T3 fue discontinuado. Desde entonces, ningún handhelds de la Palma ha incluido una alarma vibrante, un deslizador para hacer el dispositivo más pequeño, o la Palma el Conector Universal.

La irrupción de los sistemas operativos Microsoft Windows CE (1997) y Windows Mobile (2003) en el sector los dotó de mayores capacidades multimedia y conectividad, y sobre todo incorporó a un público ya acostumbrado al uso de sus programas y que se los encontraban en versión reducida. La llegada de los teléfonos inteligentes o Comunicadores (híbridos entre ordenadores de bolsillo y teléfono móvil) supuso para el mercado, por un lado, la entrada de nuevos competidores y, por otro, la incorporación a éste de usuarios avanzados de móviles.
==Características generales==
*Pantalla, que puede variar desde un tamaño más reducido, 59 milímetros de altura, a otro mayor,,80 milímetros. Dicha transición viene acompañada de un aumento de tamaño del PDA en sí, y la forma de llevarla a cabo es extremadamente sencilla, pues solo requiere un ligero tirón de la base.
*En la pantalla se pueden mostrar imágenes de hasta 320 por 480 píxeles de resolución con calidad de 65.536 colores.
*La pantalla, que es transflectiva, permite ser configurada de forma que se muestren los datos vertical (es la forma predeterminada) u horizontalmente.
*Permite también mediante software controlar el grado de retroiluminación.
*En los controles nos encontramos con que estos están agrupados, a excepción de tres, en la base del PDA, para el control direccional de algunos programas.
*Se encuentran cuatro nuevos botones de función y cada uno de ellos tiene asignada una función, por ejemplo: Calendario, Contactos y Tareas, entre otros.
*Posee un botón de encendido y el mismo botón cambiaría a la de apagado.
*El sonido final, siempre que usemos unos auriculares de calidad media/alta, es excelente, siendo fácilmente audible en volúmenes bajos y sin distorsionar en los altos.
*Posee un pequeño y escondido botón en la parte trasera cuyo uso reseteará nuestro sistema operativo. Éste tiene el tamaño justo para ser pulsado con la punta de nuestro lápiz óptico.
* Incluye software en el paquete, pero puede ser descargable de forma gratuita.
*Posee en la parte superior un emisor/receptor de infrarrojos.
*Incluye software en el paquete, pero puede ser descargable de forma gratuita.
- Tiene una ranura para introducir tarjetas de expansión de los tipos SD (Secure Digital) o MMC (MultiMedia Card).
* Posee un pequeño lápiz óptico que se incrusta en el interior del aparato desde la parte superior.
*Podemos compartir datos, instalar programas, etc. inalámbricamente, para aquellos que carezcan de receptores BlueTooth se incluye una base en la que además de recargar la batería de nuestro PDA, se conecta mediante el puerto USB a nuestro ordenador y así realizar cualquier tarea.
*Posee un procesador marca Intel XScale. Este es el procesador con más aceptación dentro del mundo de los PDAs, tiene una velocidad a la que trabaja son 400 Mhz, lo que permite realizar cualquier tarea que necesitemos sin ningún tipo de problemas.
*El Tungsten T3 incorpora 64 Mb de memoria, que se reduce a una capacidad real de almacenamiento de 52 Mb.
*La batería de litio, con la consecuente ventaja de poder ser cargada sin esperar a agotarla del todo, y con una autonomía de cinco dias.
*El tamaño es 10.8 cm por 7.6 cm por 1.6 cm, y el peso tan solo 153 gramos.
==Atrubutos comunes==
*65,536 color LCD tocan la pantalla con un 320 x mínimos 320 resolución del pixel metal o metal-entonó el cercamiento la tapa del capirotazo para proteger la pantalla.
*Afiance Digital (SD) la hendedura de la tarjeta con SDIO para las tarjetas de memoria y accesorios
Todos los modelos excepto el Tungsteno C, W, y E tienen Bluetooth. El Tungsteno C tiene Wi-Fi y es optativo en el E2, T3, y T5 vía la Palma la Tarjeta de Wi-Fi ,puso en su SD tarjeta hendedura).
==Modelos aún comercializados==
*Treo 680 (GSM, Palm OS)
*Treo 700w (CDMA, Windows Mobile)
*Treo 700wx (CDMA, Windows Mobile)
*Treo 750 (GSM, Windows Mobile)
*Treo 755p (GSM, Palm OS)
*Treo 800w (CDMA, Windows Mobile)
*Palm Centro (GSM/CDMA, Palm OS)
*Palm Treo Pro (GSM, WiFi, CDMA, Windows Mobile)13
* TX (WiFi, Palm OS)
* Z22 (Palm OS)
* Tungsten E2 (Palm OS)
==Modelos actuales==
*Palm Pre (3G EVDO Rev A, WiFi, Palm webOS)12
*Palm Pre Plus
*Palm Pixi
*Palm Pixi Plus
==Modelos descatalogados==
*Pilot 1000
*Pilot 5000
*PalmPilot Personal
*PalmPilot Professional
*Palm III
*Palm IIIe
*Palm IIIx
*Palm IIIxe
*Palm IIIc
*Handspring Visor
*Palm V
*Palm Vx
*Palm VII
*Palm VIIx
*Palm m100
*Palm m105
*Palm m125
*Palm m130
*Palm m500
*Palm m505
*Palm m515
*Palm i705
*Tungsten T
*Tungsten T2
*Tungsten T3
*Tungsten T5
*Tungsten W
*Tungsten E
*Zire
*Zire 21
*Zire 31
*Zire 71
*Zire 72
*Handspring Treo 90
*Handspring Treo 180
*Handspring Treo 180g
*Handspring Treo 270
*Handspring Treo 300
*Treo 600
* Treo 700p
* Treo 650 (CDMA only)
* Treo 650 (GSM only)
* LifeDrive
* Palm Foleo
==Sincronización==
Una de las funciones más importantes de los organizadores digitales es la sincronización con los ordenadores personales. Esto permite la actualización del directorio, haciendo que la información del computador y de la agenda digital sea la misma. La sincronización también evita la pérdida de la información almacenada en caso de que el accesorio se pierda, sea robado o destruido. Otra ventaja es que se puede ingresar información mucho más rápido desde el computador y transmitirla luego al dispositivo. La sincronización se realiza mediante un programa que entregan los fabricantes, los más conocidos son el HotSync Manager (Palm OS), el ActiveSync (Windows XP); Windows Mobile Device Center (para Windows Vista y Windows 7) y iTunes (iPhone OS).
==Ventajas==
*Conectividad por cable.
Aunque algunos ordenadores de bolsillo antiguos se conectaban al ordenador de escritorio usando un cable serial, en la actualidad la mayoría usan un cable USB. Además de permitir la conexión con la computadora, sirven como puertos de alimentación de corriente eléctrica en especial el USB.
*Conectividad inalámbrica
Utilizando infrarrojo, Bluetooth o WiFi.
*Pantalla táctil
** Las agendas digitales suelen llevar pantalla táctil para la navegación.
**Se usa un teclado virtual, y para agregar las letras hay que tocar cada una de ellas.
** Se puede conectar un teclado externo conectado vía USB o Bluetooth.
**Usando el reconocimiento de letras o palabras, y luego traduciéndolas a letras dentro de la caja texto seleccionada.
**Usando un reconocimiento de símbolos, donde cierto grupo de estos representa una letra. Por lo general estos símbolos son fáciles de recordar.
*Tarjetas de memoria
Aunque algunas computadoras de bolsillo no usan tarjetas de memoria, en la actualidad la mayoría permite el uso de tarjetas SD. Además, unas cuantas tienen un puerto USB. Para obtener un pequeño tamaño, además, ciertas agendas digitales ofrecen tarjetas miniSD o microSD.
==Véase también==
* [[Red social]]
* [[iPhone]]
* [[Smartphone]]
==Fuente==
* [http://www.palm.com Sitio Oficial]
*[http://www.ecured.cu/index.php/Palm_Pre
*[http://www.ecured.cu/index.php/PalmOS
* [http://www.pdaexpertos.com/ PDA Expertos]
* [http://www.palm.com Sitio web de Palm, Inc.] (en español)
* [http://www.smart-gsm.com/moviles/palm-pre Especificaciones en español]

[[Categoría:Teléfono_móvil]]

Cámara digital

2013-11-21T22:46:54Z

Sergio06028:

{{Objeto

|nombre=Cámara Digital

|imagen=CamarasDg.jpeg

|tamaño=

|descripcion=Varias cámaras digitales de diferentes marcas y tipos.

}}<div align="justify">

'''Cámaras Digitales'''. Una cámara digital es una cámara fotográfica que, en vez de captar y almacenar fotografías en películas química como las cámaras fotográficas de película fotográfica, aprovecha el proceso de la fotografía digital para generar y almacenar imágenes.
Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. En este caso, al aparato también se lo denomina cámara filmadora digital. Actualmente se venden más cámaras fotográficas digitales que cámaras con película de 35 mm.1
==Historia==
Los conceptos de digitalizar imágenes en escáneres y convertir señales de vídeo a digital anteceden al concepto de tomar cuadros fijos digitalizando así señales de una matriz de elementos sensores discretos. Eugene F. Lally del Jet Propulsion Laboratory publicó la primera descripción de cómo producir fotos fijas en un dominio digital usando un fotosensor en mosaico. El propósito era proporcionar información de navegación a los astronautas a bordo durante misiones espaciales. La matriz en mosaico registraba periódicamente fotos fijas de las localizaciones de estrellas y planetas durante el tránsito y cuando se acercaba a un planeta, proporcionaba información adicional de distancias para el orbitaje y como guía para el aterrizaje. El concepto incluyó elementos de diseño que presagiaban la primera cámara fotográfica digital.
Texas Instruments diseñó una cámara fotográfica análoga sin película en 1972, pero no se sabe si fue finalmente construida. La primera cámara digital registrada fue desarrollada por la empresa Kodak, que encargó la construcción de un prototipo al ingeniero Steven J. Sasson en 1975. Esta cámara usaba los entonces nuevos sensores CCD desarrollados por Fairchild Semiconductor en 1973. Su trabajo dio como fruto una cámara de aproximadamente 4 kg y que hacía fotos en blanco y negro con una resolución de 0,01 megapíxeles. Utilizó los novedosos chips de estado sólido del CCD. La cámara fotográfica registraba las imágenes en una cinta de cassette y tardó 23 segundos en capturar su primera imagen, en diciembre de 1975. Este prototipo de cámara fotográfica era un ejercicio técnico, no previsto para la producción.

La primera cámara fotográfica completamente digital que registraba imágenes en un archivo de computadora fue probablemente el modelo DS-1P de Fuji, en 1988, que grababa en una tarjeta de memoria interna de 16 MB y utilizaba una batería para mantener los datos en la memoria. Esta cámara fotográfica nunca fue puesta en venta en los Estados Unidos. La primera cámara fotográfica digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaba un sensor CCD, grababa digitalmente las imágenes, y disponía de un cable de conexión para descarga directa en la computadora. En 1991, Kodak lanzó al mercado su modelo DCS-100, el primero de una larga línea de cámaras fotográficas profesionales SLR de Kodak que fueron basadas, en parte, en cámaras para película, a menudo de marca Nikon. Utilizaba un sensor de 1,3 megapixeles y se vendía en unos $13.000.
La transición a formatos digitales fue ayudada por la formación de los primeros estándares JPEG y MPEG en 1988, que permitieron que los archivos de imagen y vídeo se comprimieran para su almacenamiento. La primera cámara fotográfica dirigida a consumidores con una pantalla de cristal líquido en la parte posterior fue la Casio QV-10 en 1995, y la primera cámara fotográfica en utilizar tarjetas de memoria CompactFlash fue la Kodak DC-25 en 1996. El mercado para las cámaras fotográficas digitales dirigidas al consumidor estaba formado originalmente por cámaras fotográficas de baja resolución. En 1997 se ofrecieron las primeras cámaras fotográficas para consumidores de un megapixel. La primera cámara fotográfica que ofreció la capacidad de registrar clips de vídeo pudo haber sido la Ricoh RDC-1 en 1995.

En 1999 con la introducción del Nikon D1, una cámara fotográfica de 2.74 megapixeles, que fue una de las primeras SLR digitales, la compañía se convirtió en un fabricante importante, y, con un costo inicial de menos de $6.000, era asequible tanto para fotógrafos profesionales como para consumidores de alto perfil. Esta cámara fotográfica también utilizaba lentes Nikon F, lo que significaba que los fotógrafos podrían utilizar muchas de las mismas lentes que ya tenían para sus cámaras de película.
En el 2003 se presentó la Digital Rebel de Canon, también conocida como la 300D, una cámara fotográfica dirigida a consumidores de 6 megapixeles y la primera DSLR que tenía un costo inferior a $1.000.En el 2008 se presentó en la Feria de Alemania, una cámara LEICA de medio formato con una resolución de 37 megapixeles.
==Resolución de imagen ==
La resolución de una cámara fotográfica digital está limitada por el sensor de la cámara (generalmente un CCD o un Sensor CMOS) que responde a las señales de luz, substituyendo el trabajo de la película en fotografía tradicional. El sensor se compone de millones de “cubos” que se cargan en respuesta a la luz. Generalmente, estos cubos responden solamente a una gama limitada de longitudes de onda ligeras, debido a un filtro del color sobre cada uno. Cada uno de estos cubos se llama un píxel, y se utiliza un algoritmo de mosaicismo e interpolación para unir la imagen de cada gama de longitud de onda por pixel en una imagen del RGB donde están las tres imágenes por píxel para representar un color completo. Los dispositivos CCD transportan la carga a través del chip hasta un conversor analógico-digital. Éste convierte el valor de cada uno de los píxeles en un valor digital midiendo la carga que le llega. Dependiendo del número de bits del conversor obtendremos una imagen con mayor o menor gama de color. Por ejemplo, si se utilizase un sólo bit tendríamos valores de 0 y 1, y sólo podríamos representar presencia o ausencia de luz, lo que supondría una imagen en blanco y negro puro.
Por otro lado, los aparatos CMOS contienen varios transistores en cada píxel. El proceso de conversión digital se produce en la propia estructura del sensor, por lo que no se necesita un conversor añadido. Su proceso de fabricación es más sencillo, y hace que las cámaras que utilizan esta tecnología resulten más baratas.La cantidad de pixeles resultante en la imagen determina su tamaño. Por ejemplo una imagen de 640 pixeles de ancho por 480 pixeles de alto tendrá 307,200 pixels, o aproximadamente 307 kilopixeles; una imagen de 3872 pixeles de alto por 2592 pixeles de ancho tendrá 10.036.224 pixeles, o aproximadamente 10 megapixeles. Según la experiencia fotográfica de los profesionales en dicho campo afirman que una fotografía química realizada por una cámara compacta daría como resultado una fotografía de 30 megapixeles.
==Calidad de la imagen ==
La cuenta de pixeles comúnmente es lo único que se muestra para indicar la resolución de una cámara fotográfica, pero esta es una idea falsa. Hay varios factores que afectan la calidad de un sensor. Algunos de estos factores incluyen, el tamaño del sensor, la calidad de la lente, la organización de los pixeles (por ejemplo, una cámara fotográfica monocromática sin un mosaico de filtro Bayer tiene una resolución más alta que una cámara fotográfica de color típica) y el rango dinámico del sensor.A muchas cámaras fotográficas compactas digitales son criticadas por tener demasiados pixeles en relación al pequeño tamaño del sensor que incorporan.El aumento de la densidad de pixeles disminuye la sensibilidad del sensor. Pues cada pixel es tan pequeño que recoge muy pocos fotones, y así para conservar la relación señal-ruido se deberá iluminar más el sensor. Esta disminución de la sensibilidad conduce a cuadros ruidosos, calidad pobre en sombras y generalmente a imágenes de pobre calidad si están escasamente iluminadas.
==Métodos para capturar imágenes==
En el corazón de una cámara digital hay un sensor de imagen CCD.Desde que las primeras cámaras digitales fueron introducidas al mercado, han existido tres métodos principales de capturar la imagen, según configuración de hardware del sensor y de los filtros de color. Estos métodos son los siguientes:

#El primer método se denomina de disparo único, en referencia al número de veces que el sensor de la cámara fotográfica se expone a la luz que pasa a través de la lente. Los sistemas de disparo único utilizan un CCD con un filtro de Bayer, o tres sensores de imagen independientes (uno para cada uno de los colores primarios aditivos: rojo, verde, y azul) que se exponen a la misma imagen mediante un sistema óptico de separación de imagen.
#El segundo método se denomina de multidisparo, porque el sensor se expone a la imagen en una secuencia de tres o más aperturas del obturador de la lente. Hay varios métodos de aplicación de esta técnica. El más común era originalmente utilizar un único sensor de imagen con tres filtros (de nuevo rojo, verde y azul) colocados delante del sensor para obtener la información aditiva del color. Otro método de multidisparo utiliza un solo CCD con un filtro de Bayer pero mueve la posición física del sensor en el plano del foco de la lente para componer una imagen de más alta resolución que la que el CCD permitiría de otra manera. Una tercera versión combina los dos métodos sin un filtro de Bayer en el sensor.
#El tercer método se llama exploración porque el sensor se mueve a través del plano focal como el sensor de un explorador (scanner) de escritorio. Sus sensores lineares o tri-lineares utilizan solamente una sola línea de fotosensores, o tres líneas para los tres colores. En algunos casos, la exploración es lograda rotando la cámara fotográfica entera; una cámara fotográfica con línea rotativa ofrece imágenes de resolución total muy alta.
Nota:
La elección del método para una captura dada, por supuesto, es determinada en gran parte por el tema a ser fotografiado. Es generalmente inadecuado intentar fotografiar un tema que se mueva con cualquier cosa que no sea un sistema de disparo único. Sin embargo, con sistemas de exploración o multidisparo, se obtiene la más alta fidelidad de color y tamaños y resoluciones más grandes. Esto hace de estas técnicas más atractivas para fotógrafos comerciales que trabajan con fotografías de temas inmóviles en formato grande.Recientemente, las mejoras drásticas en cámaras fotográficas de disparo único y el procesamiento de archivos RAW de imagen han hecho de las cámaras fotográficas de disparo único, basadas en CCD casi totalmente predominantes en fotografía comercial, para no mencionar la fotografía digital en su totalidad. Las cámaras fotográficas de disparo único basadas en sensores CMOS suelen ser comunesentre las que se encuentran: Mosaicos, interpolación, y aliasing del filtro.
==Conectividad==
La mayor parte de las cámaras digitales se pueden conectar directamente a la computadora para transferir su información. Antiguamente las cámaras tenían que conectarse a través de un Puerto serial. El USB es el método más utilizado aunque algunas cámaras utilizan un puerto FireWire o Bluetooth. La mayor parte de las cámaras son reconocidas como un dispositivo de almacenamiento USB. Algunos modelos, por ejemplo la Kodak EasyShare One puede conectarse a la computadora vía red inalámbrica por el protocolo 802.11 (Wi-Fi).Una alternativa común es el uso de un lector de tarjetas que pueda ser capaz de leer varios tipos de medios de almacenamiento, así como efectuar la transferencia de datos a la computadora a alta velocidad. El uso de un lector de tarjetas también evita que la batería de la cámara fotográfica se descargue durante el proceso de la transferencia directa, pues el dispositivo toma energía del puerto USB. Un lector de tarjetas externo permite un adecuado acceso directo a las imágenes en una colección de medios de almacenamiento. Pero si solamente funciona con una tarjeta de almacenamiento, puede ser incómodo el desplazamiento hacia adelante y hacia atrás entre la cámara fotográfica y el lector. Muchas cámaras fotográficas modernas ofrecen el estándar de PictBridge, que permite el envío de datos directamente a las impresoras sin la necesidad de una
==Integración==
La tecnología actual permite la inclusión de cámaras digitales en varios aparatos de uso diario tales como teléfonos celulares. Otros dispositivos electrónicos pequeños (especialmente los utilizados para la comunicación) por ejemplo dispositivos PDA, computadoras portátiles y Blackberry contienen a menudo cámaras fotográficas digitales integradas. Además, algunos camcorders digitales incorporan una cámara fotográfica digital. Debido a la limitada capacidad de almacenamiento y al énfasis de la utilidad por sobre la calidad en estos dispositivos integrados la gran mayoría utiliza el formato JPEG para guardar las imágenes ya que su gran capacidad de compresión compensa la pequeña pérdida de calidad que provoca.
==Almacenamiento de imágenes==
[[Image:memofl.jpeg|thumb|right|134px]]
Las cámaras digitales de los teléfonos celulares o también las cámaras de bajo precio utilizan memoria incorporada o memoria flash. Son de uso común las tarjetas de memoria: CompactFlash (CF), Secure Digital (SD), xD y las tarjetas Memory Stick para las cámaras Sony. Anteriormente se utilizaba discos de 3 1/2" para el almacenamiento de imágenes. Las fotos se almacenan en ficheros JPEG estándares o bien en formato TIFF o RAW para tener una mayor calidad de imagen pese al gran aumento de tamaño en el archivo. Los archivos de video se almacenan comúnmente en formato AVI, DV, MPEG, MOV, WMV, etc.
Casi todas las cámaras digitales utilizan técnicas de compresión para aprovechar al máximo el espacio de almacenamiento. Las técnicas de compresión suelen aprovecharse de dos características comunes en las fotografías:
Los patrones: en una imagen es muy común encontrarse con zonas en las que aparece el mismo color (o la misma secuencia) repetido varias veces (por ejemplo, una pared blanca). Este tipo de áreas pueden codificarse de manera que el espacio de almacenamiento necesario para ellas disminuya. Este tipo de compresión no suele conseguir grandes porcentajes de disminución.
la irrelevancia: igual que la codificación mp3 se aprovecha de la incapacidad del sistema auditivo para detectar ciertos sonidos (o la ausencia de estos), en las cámaras digitales se puede utilizar una compresión que consiste en eliminar información que la cámara ha captado, pero que el ojo humano va a ser incapaz de percibir.
==Formatos==
Los formatos más usados por las cámaras fotográficas digitales para almacenar imágenes son RAW, JPEG y TIFF.
Muchas cámaras fotográficas, especialmente las cámaras profesionales o DSLR, permiten descargar el formato RAW (crudo). Una imagen RAW está formada por el conjunto de pixels sin procesar (ni siquiera la interpolación de color que requiere el filtro de Bayer) obtenidos directamente del sensor de la cámara fotográfica. A menudo se utilizan los formatos propietarios de cada fabricante, tales como NEF para Nikon, CRW o CR2 para Canon, y MRW para Minolta, cuyas especificaciones no son conocidas. La firma Adobe Systems lanzó el formato DNG, un formato de imagen raw libre de derechos que ha sido adoptado por algunos fabricantes.Los archivos raw debían ser procesados ("revelados") en programas de edición de imagen especializados pero con el tiempo los programas más usados, como Picasa de Google, agregaron el soporte para poder editarlos. Editar imágenes en formato raw permite una mayor flexibilidad en ajustes tales como modificar el balance de blancos, compensar la exposición y cambiar la temperatura de color, porque tiene los datos de color sin interpolar, y además poseen mayor profundidad de color que 8 bits por canal: dependiendo del fabricante pueden ser 10, 12, 14 o hasta 16 bits por canal. Esencialmente el formato raw permite al fotógrafo hacer ajustes importantes sin pérdida de calidad de imagen que de otra manera implicarían volver a tomar la fotografía.

Los formatos para video son AVI, DV, MPEG, MOV (a menudo con el motion JPEG), WMV, y ASF (básicamente iguales que WMV). Los formatos recientes incluyen MP4, que se basa en el formato de QuickTime y utiliza nuevos algoritmos de compresión para dar un plazo de tiempos de grabación más largos en el mismo espacio.Otros formatos que se utilizan en las cámaras fotográficas pero no en las fotos son el DCF, una especificación ISO para la estructura y la asignación de nombres de archivo interna de la cámara fotográfica, DPOF que indica cuantas copias se deben imprimir y en que orden y el formato Exif, que utiliza etiquetas de metadatos para documentar los ajustes de la cámara fotográfica y la fecha y la hora en la que fueron obtenidas las fotografías.
==Características ==
#La resolución en fotografía digital se mide multiplicando el alto por el ancho de las fotografías que permite obtener la cámara y generalmente comienza con un millón de píxeles, para las cámaras más económicas, y va en aumento hasta más de diez millones de píxeles, para las cámaras profesionales. El término "píxel" (del inglés picture element), es la unidad más pequeña que capta un valor gris o de color de la fotografía. Una cámara de cuatro millones de píxeles generará imágenes más grandes que una de dos millones, lo que permite obtener una copia impresa de hasta 50 x 75 cm, pero no necesariamente de mayor calidad ya que en este aspecto tiene una mayor importancia la calidad de la óptica utilizada. Sin embargo, dado que a más megapíxeles las cámaras son más caras, es habitual que también posean mejores objetivos.
#Otra característica de la fotografía digital es el zoom digital. Mediante este zoom se puede ampliar una foto, pero el efecto no es el de un zoom óptico. El zoom óptico acerca y amplia lo que se quiere fotografiar sin mermar la resolución de la cámara, ya que el acercamiento se consigue con el objetivo. El zoom digital, por el contrario, amplia la imagen que ya ha recibido, de forma que disminuye la resolución, al igual que ocurriría encargando una ampliación al laboratorio o utilizando un programa de edición de gráficos.
"Actualmente las cámaras digitales también permiten tomar vídeos, generalmente en resoluciones desde 320x240 hasta 1920x1080 píxeles y de entre 12 y 60 fotogramas por segundo, a veces con sonido (normalmente mono) en el caso de los modelos más completos. Estos vídeos están alcanzando un nivel tan alto de calidad que son muchos los profesionales que están utilizando cámaras réflex en lugar de cámaras de vídeo.

==Tipos de cámaras==

*Cámaras digitales compactas
Se caracterizan por tener una gran facilidad de uso, tamaño bastante reducido (la mayoría similares a un teléfono celular) y operación simplificada; este diseño limita las capacidades creativas de capturar imágenes, limitándose al uso aficionado. Por las características ópticas y electrónicas (sensor reducido, objetivos con poca luminosidad), presentan casi siempre una profundidad de campo bastante amplia. Esto permite que varios objetos estén enfocados al mismo tiempo, lo cual facilita el uso, aunque es también una de las razones por las cuales los fotógrafos avanzados encuentran las imágenes tomadas por estas cámaras planas o artificiales. Estas cámaras son ideales para tomar paisajes y uso ocasional. Frecuentemente guardan los archivos de imagen en formato JPEG, poseen un rango dinámico limitado y muchas de ellas aplican reducción de ruido en las imágenes, incluso en la sensibilidad más baja disponible.

*Cámaras compactas avanzadas (o de zoom largo)
Estas cámaras permiten un mayor control de las tomas y tienen más calidad y prestaciones que las anteriores. Físicamente, poseen un tamaño mayor, más mandos y botones y una empuñadura más grande, con lo cual se asemejan a las cámaras réflex, y comparten algunas de sus funciones. Generalmente tienen zoom óptico largo (de ahí su nombre) que asegura una mayor capacidad creativa. Algunas veces son comercializadas como y confundidas con cámaras SLR digitales (dSLR) ya que los cuerpos de cámara se parecen entre sí. En algunos modelos, pueden añadirse convertidores de rosca para mejorar el alcance o la cobertura angular, pueden tomar vídeo, grabar audio y la composición de la escena se lleva a cabo en la pantalla de cristal líquido o en un visor electrónico. La velocidad de respuesta de estas cámaras tiende a ser menor que la de una verdadera SLR digital, pero pueden lograr una muy buena calidad de imagen siendo más ligeras y compactas. Muchas de estas cámaras guardan las fotografías en formato JPEG y cada vez hay más que pueden hacerlo en formato RAW

*Cámaras réflex digitales
Las cámaras réflex digitales son el equivalente a las cámaras de película química. Están orientadas al sector del fotoperiodismo, a la fotografía artística y otros usos avanzados/profesionales, debido a que sus características de respuesta y calidad de imagen son -por lo general- superiores a las de las cámaras compactas. Respecto a las cámaras compactas, tienen un sensor de mayores dimensiones, lo cual equivale a una mayor relación señal/ruido que se traduce en una mejor calidad de imagen. El diseño de los componentes electrónicos está optimizado para proveer un tiempo de respuesta similar al de las cámaras réflex tradicionales. Poseen la capacidad de grabar en formatos de mayor calidad (JPEG de baja compresión, RAW), lo cual es útil en las labores de posprocesamiento de la imagen. Comercialmente se encuentran divididas por sectores: aficionado (pocos controles, funciones automáticas asistidas, tamaño reducido), aficionado avanzado (mayor personalización de la captura, accesorios adicionales) y profesional (alta velocidad de disparo y respuesta, rendimiento ISO elevado, sensor de formato completo).
==Fuente==
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_digital
http://es.wikipedia.org/wiki/Mosaico_filtro_de_color
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_fotogr%C3%A1fica
http://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa_digital#Caracter.C3.ADsticas

[[Category:Ciencias_informáticas]][[Category:Hardware]][[Category:Periféricos_de_computadora]][[Category:Cámaras_digitales]]

Cámara digital

2013-11-21T22:21:34Z

Sergio06028: Página creada con ' {{Objeto |nombre=Cámara Digital |imagen=CamarasDg.jpeg |tamaño= |descripcion=Varias cámaras digitales de diferentes marcas y tipos. }...'

{{Objeto

|nombre=Cámara Digital

|imagen=CamarasDg.jpeg

|tamaño=

|descripcion=Varias cámaras digitales de diferentes marcas y tipos.

}}<div align="justify">

'''Cámaras Digitales'''. Una cámara digital es una cámara fotográfica que, en vez de captar y almacenar fotografías en películas química como las cámaras fotográficas de película fotográfica, aprovecha el proceso de la fotografía digital para generar y almacenar imágenes.
Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. En este caso, al aparato también se lo denomina cámara filmadora digital. Actualmente se venden más cámaras fotográficas digitales que cámaras con película de 35 mm.1
==Historia==
Los conceptos de digitalizar imágenes en escáneres y convertir señales de vídeo a digital anteceden al concepto de tomar cuadros fijos digitalizando así señales de una matriz de elementos sensores discretos. Eugene F. Lally del Jet Propulsion Laboratory publicó la primera descripción de cómo producir fotos fijas en un dominio digital usando un fotosensor en mosaico. El propósito era proporcionar información de navegación a los astronautas a bordo durante misiones espaciales. La matriz en mosaico registraba periódicamente fotos fijas de las localizaciones de estrellas y planetas durante el tránsito y cuando se acercaba a un planeta, proporcionaba información adicional de distancias para el orbitaje y como guía para el aterrizaje. El concepto incluyó elementos de diseño que presagiaban la primera cámara fotográfica digital.
Texas Instruments diseñó una cámara fotográfica análoga sin película en 1972, pero no se sabe si fue finalmente construida. La primera cámara digital registrada fue desarrollada por la empresa Kodak, que encargó la construcción de un prototipo al ingeniero Steven J. Sasson en 1975. Esta cámara usaba los entonces nuevos sensores CCD desarrollados por Fairchild Semiconductor en 1973. Su trabajo dio como fruto una cámara de aproximadamente 4 kg y que hacía fotos en blanco y negro con una resolución de 0,01 megapíxeles. Utilizó los novedosos chips de estado sólido del CCD. La cámara fotográfica registraba las imágenes en una cinta de cassette y tardó 23 segundos en capturar su primera imagen, en diciembre de 1975. Este prototipo de cámara fotográfica era un ejercicio técnico, no previsto para la producción.

La primera cámara fotográfica completamente digital que registraba imágenes en un archivo de computadora fue probablemente el modelo DS-1P de Fuji, en 1988, que grababa en una tarjeta de memoria interna de 16 MB y utilizaba una batería para mantener los datos en la memoria. Esta cámara fotográfica nunca fue puesta en venta en los Estados Unidos. La primera cámara fotográfica digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaba un sensor CCD, grababa digitalmente las imágenes, y disponía de un cable de conexión para descarga directa en la computadora. En 1991, Kodak lanzó al mercado su modelo DCS-100, el primero de una larga línea de cámaras fotográficas profesionales SLR de Kodak que fueron basadas, en parte, en cámaras para película, a menudo de marca Nikon. Utilizaba un sensor de 1,3 megapixeles y se vendía en unos $13.000.
La transición a formatos digitales fue ayudada por la formación de los primeros estándares JPEG y MPEG en 1988, que permitieron que los archivos de imagen y vídeo se comprimieran para su almacenamiento. La primera cámara fotográfica dirigida a consumidores con una pantalla de cristal líquido en la parte posterior fue la Casio QV-10 en 1995, y la primera cámara fotográfica en utilizar tarjetas de memoria CompactFlash fue la Kodak DC-25 en 1996. El mercado para las cámaras fotográficas digitales dirigidas al consumidor estaba formado originalmente por cámaras fotográficas de baja resolución. En 1997 se ofrecieron las primeras cámaras fotográficas para consumidores de un megapixel. La primera cámara fotográfica que ofreció la capacidad de registrar clips de vídeo pudo haber sido la Ricoh RDC-1 en 1995.

En 1999 con la introducción del Nikon D1, una cámara fotográfica de 2.74 megapixeles, que fue una de las primeras SLR digitales, la compañía se convirtió en un fabricante importante, y, con un costo inicial de menos de $6.000, era asequible tanto para fotógrafos profesionales como para consumidores de alto perfil. Esta cámara fotográfica también utilizaba lentes Nikon F, lo que significaba que los fotógrafos podrían utilizar muchas de las mismas lentes que ya tenían para sus cámaras de película.
En el 2003 se presentó la Digital Rebel de Canon, también conocida como la 300D, una cámara fotográfica dirigida a consumidores de 6 megapixeles y la primera DSLR que tenía un costo inferior a $1.000.En el 2008 se presentó en la Feria de Alemania, una cámara LEICA de medio formato con una resolución de 37 megapixeles.
==Resolución de imagen ==
La resolución de una cámara fotográfica digital está limitada por el sensor de la cámara (generalmente un CCD o un Sensor CMOS) que responde a las señales de luz, substituyendo el trabajo de la película en fotografía tradicional. El sensor se compone de millones de “cubos” que se cargan en respuesta a la luz. Generalmente, estos cubos responden solamente a una gama limitada de longitudes de onda ligeras, debido a un filtro del color sobre cada uno. Cada uno de estos cubos se llama un píxel, y se utiliza un algoritmo de mosaicismo e interpolación para unir la imagen de cada gama de longitud de onda por pixel en una imagen del RGB donde están las tres imágenes por píxel para representar un color completo. Los dispositivos CCD transportan la carga a través del chip hasta un conversor analógico-digital. Éste convierte el valor de cada uno de los píxeles en un valor digital midiendo la carga que le llega. Dependiendo del número de bits del conversor obtendremos una imagen con mayor o menor gama de color. Por ejemplo, si se utilizase un sólo bit tendríamos valores de 0 y 1, y sólo podríamos representar presencia o ausencia de luz, lo que supondría una imagen en blanco y negro puro.
Por otro lado, los aparatos CMOS contienen varios transistores en cada píxel. El proceso de conversión digital se produce en la propia estructura del sensor, por lo que no se necesita un conversor añadido. Su proceso de fabricación es más sencillo, y hace que las cámaras que utilizan esta tecnología resulten más baratas.La cantidad de pixeles resultante en la imagen determina su tamaño. Por ejemplo una imagen de 640 pixeles de ancho por 480 pixeles de alto tendrá 307,200 pixels, o aproximadamente 307 kilopixeles; una imagen de 3872 pixeles de alto por 2592 pixeles de ancho tendrá 10.036.224 pixeles, o aproximadamente 10 megapixeles. Según la experiencia fotográfica de los profesionales en dicho campo afirman que una fotografía química realizada por una cámara compacta daría como resultado una fotografía de 30 megapixeles.
==Calidad de la imagen ==
La cuenta de pixeles comúnmente es lo único que se muestra para indicar la resolución de una cámara fotográfica, pero esta es una idea falsa. Hay varios factores que afectan la calidad de un sensor. Algunos de estos factores incluyen, el tamaño del sensor, la calidad de la lente, la organización de los pixeles (por ejemplo, una cámara fotográfica monocromática sin un mosaico de filtro Bayer tiene una resolución más alta que una cámara fotográfica de color típica) y el rango dinámico del sensor.A muchas cámaras fotográficas compactas digitales son criticadas por tener demasiados pixeles en relación al pequeño tamaño del sensor que incorporan.El aumento de la densidad de pixeles disminuye la sensibilidad del sensor. Pues cada pixel es tan pequeño que recoge muy pocos fotones, y así para conservar la relación señal-ruido se deberá iluminar más el sensor. Esta disminución de la sensibilidad conduce a cuadros ruidosos, calidad pobre en sombras y generalmente a imágenes de pobre calidad si están escasamente iluminadas.
==Métodos para capturar imágenes==
En el corazón de una cámara digital hay un sensor de imagen CCD.Desde que las primeras cámaras digitales fueron introducidas al mercado, han existido tres métodos principales de capturar la imagen, según configuración de hardware del sensor y de los filtros de color. Estos métodos son los siguientes:

#El primer método se denomina de disparo único, en referencia al número de veces que el sensor de la cámara fotográfica se expone a la luz que pasa a través de la lente. Los sistemas de disparo único utilizan un CCD con un filtro de Bayer, o tres sensores de imagen independientes (uno para cada uno de los colores primarios aditivos: rojo, verde, y azul) que se exponen a la misma imagen mediante un sistema óptico de separación de imagen.
#El segundo método se denomina de multidisparo, porque el sensor se expone a la imagen en una secuencia de tres o más aperturas del obturador de la lente. Hay varios métodos de aplicación de esta técnica. El más común era originalmente utilizar un único sensor de imagen con tres filtros (de nuevo rojo, verde y azul) colocados delante del sensor para obtener la información aditiva del color. Otro método de multidisparo utiliza un solo CCD con un filtro de Bayer pero mueve la posición física del sensor en el plano del foco de la lente para componer una imagen de más alta resolución que la que el CCD permitiría de otra manera. Una tercera versión combina los dos métodos sin un filtro de Bayer en el sensor.
#El tercer método se llama exploración porque el sensor se mueve a través del plano focal como el sensor de un explorador (scanner) de escritorio. Sus sensores lineares o tri-lineares utilizan solamente una sola línea de fotosensores, o tres líneas para los tres colores. En algunos casos, la exploración es lograda rotando la cámara fotográfica entera; una cámara fotográfica con línea rotativa ofrece imágenes de resolución total muy alta.
Nota:
La elección del método para una captura dada, por supuesto, es determinada en gran parte por el tema a ser fotografiado. Es generalmente inadecuado intentar fotografiar un tema que se mueva con cualquier cosa que no sea un sistema de disparo único. Sin embargo, con sistemas de exploración o multidisparo, se obtiene la más alta fidelidad de color y tamaños y resoluciones más grandes. Esto hace de estas técnicas más atractivas para fotógrafos comerciales que trabajan con fotografías de temas inmóviles en formato grande.Recientemente, las mejoras drásticas en cámaras fotográficas de disparo único y el procesamiento de archivos RAW de imagen han hecho de las cámaras fotográficas de disparo único, basadas en CCD casi totalmente predominantes en fotografía comercial, para no mencionar la fotografía digital en su totalidad. Las cámaras fotográficas de disparo único basadas en sensores CMOS suelen ser comunesentre las que se encuentran: Mosaicos, interpolación, y aliasing del filtro.
==Conectividad==
La mayor parte de las cámaras digitales se pueden conectar directamente a la computadora para transferir su información. Antiguamente las cámaras tenían que conectarse a través de un Puerto serial. El USB es el método más utilizado aunque algunas cámaras utilizan un puerto FireWire o Bluetooth. La mayor parte de las cámaras son reconocidas como un dispositivo de almacenamiento USB. Algunos modelos, por ejemplo la Kodak EasyShare One puede conectarse a la computadora vía red inalámbrica por el protocolo 802.11 (Wi-Fi).Una alternativa común es el uso de un lector de tarjetas que pueda ser capaz de leer varios tipos de medios de almacenamiento, así como efectuar la transferencia de datos a la computadora a alta velocidad. El uso de un lector de tarjetas también evita que la batería de la cámara fotográfica se descargue durante el proceso de la transferencia directa, pues el dispositivo toma energía del puerto USB. Un lector de tarjetas externo permite un adecuado acceso directo a las imágenes en una colección de medios de almacenamiento. Pero si solamente funciona con una tarjeta de almacenamiento, puede ser incómodo el desplazamiento hacia adelante y hacia atrás entre la cámara fotográfica y el lector. Muchas cámaras fotográficas modernas ofrecen el estándar de PictBridge, que permite el envío de datos directamente a las impresoras sin la necesidad de una
==Integración==
La tecnología actual permite la inclusión de cámaras digitales en varios aparatos de uso diario tales como teléfonos celulares. Otros dispositivos electrónicos pequeños (especialmente los utilizados para la comunicación) por ejemplo dispositivos PDA, computadoras portátiles y Blackberry contienen a menudo cámaras fotográficas digitales integradas. Además, algunos camcorders digitales incorporan una cámara fotográfica digital. Debido a la limitada capacidad de almacenamiento y al énfasis de la utilidad por sobre la calidad en estos dispositivos integrados la gran mayoría utiliza el formato JPEG para guardar las imágenes ya que su gran capacidad de compresión compensa la pequeña pérdida de calidad que provoca.
==Almacenamiento de imágenes==
[[Image:memofl.jpeg|thumb|right|134px]]
Las cámaras digitales de los teléfonos celulares o también las cámaras de bajo precio utilizan memoria incorporada o memoria flash. Son de uso común las tarjetas de memoria: CompactFlash (CF), Secure Digital (SD), xD y las tarjetas Memory Stick para las cámaras Sony. Anteriormente se utilizaba discos de 3 1/2" para el almacenamiento de imágenes. Las fotos se almacenan en ficheros JPEG estándares o bien en formato TIFF o RAW para tener una mayor calidad de imagen pese al gran aumento de tamaño en el archivo. Los archivos de video se almacenan comúnmente en formato AVI, DV, MPEG, MOV, WMV, etc.
Casi todas las cámaras digitales utilizan técnicas de compresión para aprovechar al máximo el espacio de almacenamiento. Las técnicas de compresión suelen aprovecharse de dos características comunes en las fotografías:
Los patrones: en una imagen es muy común encontrarse con zonas en las que aparece el mismo color (o la misma secuencia) repetido varias veces (por ejemplo, una pared blanca). Este tipo de áreas pueden codificarse de manera que el espacio de almacenamiento necesario para ellas disminuya. Este tipo de compresión no suele conseguir grandes porcentajes de disminución.
la irrelevancia: igual que la codificación mp3 se aprovecha de la incapacidad del sistema auditivo para detectar ciertos sonidos (o la ausencia de estos), en las cámaras digitales se puede utilizar una compresión que consiste en eliminar información que la cámara ha captado, pero que el ojo humano va a ser incapaz de percibir.
==Formatos==
Los formatos más usados por las cámaras fotográficas digitales para almacenar imágenes son RAW, JPEG y TIFF.
Muchas cámaras fotográficas, especialmente las cámaras profesionales o DSLR, permiten descargar el formato RAW (crudo). Una imagen RAW está formada por el conjunto de pixels sin procesar (ni siquiera la interpolación de color que requiere el filtro de Bayer) obtenidos directamente del sensor de la cámara fotográfica. A menudo se utilizan los formatos propietarios de cada fabricante, tales como NEF para Nikon, CRW o CR2 para Canon, y MRW para Minolta, cuyas especificaciones no son conocidas. La firma Adobe Systems lanzó el formato DNG, un formato de imagen raw libre de derechos que ha sido adoptado por algunos fabricantes.Los archivos raw debían ser procesados ("revelados") en programas de edición de imagen especializados pero con el tiempo los programas más usados, como Picasa de Google, agregaron el soporte para poder editarlos. Editar imágenes en formato raw permite una mayor flexibilidad en ajustes tales como modificar el balance de blancos, compensar la exposición y cambiar la temperatura de color, porque tiene los datos de color sin interpolar, y además poseen mayor profundidad de color que 8 bits por canal: dependiendo del fabricante pueden ser 10, 12, 14 o hasta 16 bits por canal. Esencialmente el formato raw permite al fotógrafo hacer ajustes importantes sin pérdida de calidad de imagen que de otra manera implicarían volver a tomar la fotografía.

Los formatos para video son AVI, DV, MPEG, MOV (a menudo con el motion JPEG), WMV, y ASF (básicamente iguales que WMV). Los formatos recientes incluyen MP4, que se basa en el formato de QuickTime y utiliza nuevos algoritmos de compresión para dar un plazo de tiempos de grabación más largos en el mismo espacio.Otros formatos que se utilizan en las cámaras fotográficas pero no en las fotos son el DCF, una especificación ISO para la estructura y la asignación de nombres de archivo interna de la cámara fotográfica, DPOF que indica cuantas copias se deben imprimir y en que orden y el formato Exif, que utiliza etiquetas de metadatos para documentar los ajustes de la cámara fotográfica y la fecha y la hora en la que fueron obtenidas las fotografías.
==Características ==
#La resolución en fotografía digital se mide multiplicando el alto por el ancho de las fotografías que permite obtener la cámara y generalmente comienza con un millón de píxeles, para las cámaras más económicas, y va en aumento hasta más de diez millones de píxeles, para las cámaras profesionales. El término "píxel" (del inglés picture element), es la unidad más pequeña que capta un valor gris o de color de la fotografía. Una cámara de cuatro millones de píxeles generará imágenes más grandes que una de dos millones, lo que permite obtener una copia impresa de hasta 50 x 75 cm, pero no necesariamente de mayor calidad ya que en este aspecto tiene una mayor importancia la calidad de la óptica utilizada. Sin embargo, dado que a más megapíxeles las cámaras son más caras, es habitual que también posean mejores objetivos.
#Otra característica de la fotografía digital es el zoom digital. Mediante este zoom se puede ampliar una foto, pero el efecto no es el de un zoom óptico. El zoom óptico acerca y amplia lo que se quiere fotografiar sin mermar la resolución de la cámara, ya que el acercamiento se consigue con el objetivo. El zoom digital, por el contrario, amplia la imagen que ya ha recibido, de forma que disminuye la resolución, al igual que ocurriría encargando una ampliación al laboratorio o utilizando un programa de edición de gráficos.
"Actualmente las cámaras digitales también permiten tomar vídeos, generalmente en resoluciones desde 320x240 hasta 1920x1080 píxeles y de entre 12 y 60 fotogramas por segundo, a veces con sonido (normalmente mono) en el caso de los modelos más completos. Estos vídeos están alcanzando un nivel tan alto de calidad que son muchos los profesionales que están utilizando cámaras réflex en lugar de cámaras de vídeo.
==Fuente==
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_digital
http://es.wikipedia.org/wiki/Mosaico_filtro_de_color
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_fotogr%C3%A1fica
http://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa_digital#Caracter.C3.ADsticas

[[Category:Ciencias_informáticas]][[Category:Hardware]][[Category:Periféricos_de_computadora]][[Category:Cámaras_digitales]]

Archivo:Memofl.jpeg

2013-11-21T05:58:31Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Licencia ==
{{CC}}
== Fuente: ==

Archivo:CamarasDg.jpeg

2013-11-21T05:52:02Z

Sergio06028: subió una nueva versión de «Archivo:CamarasDg.jpeg»

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:CamarasDg.jpeg

2013-11-21T05:48:42Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:PalmTungstenT3.jpg

2013-11-14T15:56:31Z

Sergio06028: PalmTungstenT3

== Sumario ==
PalmTungstenT3
== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Retrato de una familia

2013-04-04T14:15:50Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Retrato de una familia
|imagen=Familia Bazillet retrato.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=[[Jean Frédéric Bazille]]
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=152
|ancho=230
|localización_pintura=[[Museo de Orsay]]
}}
'''Retrato de una familia.''' Es una obra pictórica de [[Jean Frédéric Bazille]]. Se presentó en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en [[1868]]. Actualmente se exhibe en el [[Museo de Orsay]] de [[París]].

==Historia==
Antes de desaparecer prematuramente durante los combates de la guerra franco-prusiana de 1870, Frédéric Bazille estuvo muy próximo de Renoir y de [[Édouard Monet|Monet]], en los que admiraba en particular las escenas al aire libre.

Aprovechando una estancia estival en la residencia familiar de Méric, cerca de Montpellier, comienza este motivo sobre un lienzo de bastante grande formato, reuniendo en una terraza diez de sus parientes cercanos, junto a él, representado de pié, en la extremidad izquierda del cuadro.

A pesar de la aceptación de esta obra, el autor no quedó completamente satisfecho y, tras su presentación en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1868., retocó la obra durante el invierno, cambiando unos perritos por un bodegón poco natural.

==Descripción==

Los zanjantes contrastes muestran el amor del pintor por la luz de la región del Mediodía. El grupo se encuentra bajo la sombra de un imponente árbol, lo que intensifica los colores crudos del paisaje y del cielo, opuestos. La luz filtrada por el follaje hace de hincapié la ropa clara que contrasta con las notas oscuras de las chaquetas, con un chal o un mandil.

En el lienzo cada una de las figuras constituye también un retrato y casi todos los modelos miran al espectador, como si estuvieran con un fotógrafo. Por lo cual, y pese a que se trate en este retrato de grupo de la intimidad familiar, las poses son un poco rígidas. Incluso la ejecución parece ser contenida y Bazille retoca una y otra vez el lienzo durante el invierno, antes de volver a cogerlo una vez más un año después, incluso tras haberlo mostrado en el Salón, sustituyendo unos perritos por un bodegón, muy poco natural.

Estas indecisiones y compromisos explican sin duda alguna, que su cuadro fue aceptado en el Salón de [[1868]].

==Datos del autor==

[[Jean Frédéric Bazille]] ([[6 de diciembre]] de [[1841]] - [[28 de noviembre]] de [[1870]]) fue un pintor francés impresionista conocido por sus pinturas de retratos. Nacido en Montpellier, Hérault, [[Francia]], en el seno de una familia protestante de clase media, se interesó por la pintura tras ver algunas de las obras de Eugène Delacroix. Su familia consintió en permitirle estudiar bellas artes con la condición de que estudiara también medicina.

Fréderic empezó a estudiar medicina en 1859 y se trasladó a París en 1862 para continuar los estudios. Allí conoció a [[Pierre-Auguste Renoir]], quedó cautivado por el impresionismo y empezó a asistir a clases en el estudio de [[Charles Gleyre]]. Al suspender sus exámenes médicos en 1864, comenzó a pintar a tiempo completo. Entre sus amigos más cercanos estaban [[Claude Monet]], [[Alfred Sisley]] y [[Edouard Manet|Édouard Manet]].

Bazille tenía solamente veintitrés años cuando pintó varias de sus más famosas obras, entre ellas: El vestido rosa. Su obra más conocida es Reunión familiar (1867 - 1868).

Fréderic Bazille se unió a un regimiento Zuavo en agosto de [[1870]], un mes después del estallido de la Guerra Franco-prusiana y murió en combate el mismo año en Beaune-la-Rolande cuando sólo contaba veintinueve años.

==Fuentes==
*[http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/reunion-de-familia-2531.html?tx_commentaire_pi1pidLi=509&tx_commentaire_pi1 Museo de Orsay]
*[http://www.taringa.net/posts/imagenes/4657870/Las-Mejores-Pinturas-del-impresionismo.html Taringa]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_una_familia Wikipedia]

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Archivo:Familia Bazillet retrato.jpg

2013-04-04T14:13:50Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

La ejecución del emperador Maximiliano

2013-04-04T13:58:56Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=La ejecución del Emperador Maximiliano
|imagen=Manet maximilian 1867.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=[[Edouard Manet|Édouard Manet]]
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=252
|ancho=305
|localización_pintura=Städtische Kunsthalle (Mannheim)
}}

<div align="justify">
'''La ejecución del Emperador Maximiliano'''. Es un cuadro de [[Edouard Manet|Édouard Manet]], que relata la ejecución del emperador mexicano [[Maximiliano I]] de México, ocurrida en [[Querétaro]] el 19 de junio de [[1867]].

==Análisis==

En este cuadro se aprecia a Miramón y a un soldado revisando su fusil. Un fondo azul, sustituido por un paredón, remarcan al influencia de Goya. La principal fuente gráfica del pintor para este cuadro son unas fotografías tomadas el día de la ejecución.
Manet descuella aquí un verismo fotográfico que permite al espectador sentir impresión crítica en el cuadro, con colorido oscuro que crea un contraste habitual en su producción, predecesora, como la del aragonés, del impresionismo.

El mismo pintor fue crudamente impresionado por la muerte del emperador, acompañado de sus generales Tomás Mejía y Miguel Miramón. Uno de los bocetos fue destrozado —en circunstancias extrañas— por el mismo Manet.

==Historia==

Manet realizó tres bocetos preparatorios para esta obra, de los cuales éste es el más logrado y el más conocido a nivel internacional. Probablemente lo hizo con intención de generar un hondo sentimiento en la sociedad parisina, afectada por el fusilamiento del que fuera archiduque de Austria y a quien su gobernante [[Napoleón III]] había ayudado. Incluso, el escritor [[Víctor Hugo]] pidió al presidente mexicano [[Benito Juárez]] perdonar la vida a Maxmiliano, siéndole negada la petición.

En 1864, el archiduque Maximiliano de Austria fue llevado al trono de México por Napoleón III, emperador de la Restauración francesa. El objetivo era conservar un Estado títere sometido al neocolonialismo francés tras el período revolucionario. Esta política no fue vista con buenos ojos por el pueblo francés, ya que sus gobernantes se vieron obligados a subir los impuestos para financiar la empresa. En cuanto las tropas francesas que habían apoyado al nuevo emperador se retiraron del territorio mexicano, los nacionalistas del liberal Juárez capturaron y fusilaron al intruso, junto a sus generales Miramón y Mejía, el 19 de junio de 1867, en Querétaro. El suceso motivó la airada crítica de los liberales y los republicanos franceses, entre los que se contaba el pintor.

Manet interpreta este episodio desde el punto de vista del crítico feroz al sistema imperialista del régimen francés. Así, Maximiliano aparece como el chivo expiatorio de los pecados de Francia, fusilado por un escuadrón de soldados que no visten el uniforme mexicano sino el francés, ataviados con el kepis para culpar a Napoleón III del suceso. Quien sí lleva sombrero mejicano es Maximiliano, como si fuera un halo de heroicidad. Esta provocación al gobierno fue contestada mediante la prohibición a Manet de exhibir públicamente el lienzo, veto que se mantuvo hasta 1879.

==Datos del Autor==

[[Edouard Manet|Édouard Manet]], (23 de enero de 1832, [[Paris]] - 20 de abril de 1883, Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan Impresión: sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.

Uno de los pintores más destacados y elegantes de Francia que causó profunda impresión en París desde el comienzo de su carrera.

Entre [[1850]] y [[1855]] estudió con Thomas Couture, severo corrector de los trabajos de sus discípulos. Viajó en esos años a Italia, Holanda y Alemania.En 1859 envió su obra El bebedor de ajenjo al Salón y fue rechazada, tiempo después, en 1863, su obra Le déjeneur sur l'herbe provoca un escándalo en el Salón de los Rechazados, una exposición auspiciada por Napoleón III en la que el emperador se escandalizó ante la obra y la emperatriz fingió ignorarla

==Fuentes==

*http://es.wikipedia.org/wiki/El_fusilamiento_de_Maximiliano
*http://www.indexarte.com.ar/obras/110/la-ejecucion-del-emperador-maximiliano.htm
*http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/22.htm

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Archivo:Manet maximilian 1867.jpg

2013-04-04T13:57:51Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

El pífano

2013-04-04T13:44:14Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=ManetPifano.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Edouard Manet|Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo]] sobre [[lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
<div align="justify">
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Edouard Manet|Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]] en la sala 14 del nivel 0.

==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Museo del Louvre|Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era <center>{{Sistema:Cita|el pintor de los pintores.}}</center>
El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Edouard Manet|Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Archivo:ManetPifano.jpg

2013-04-04T13:17:41Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Olympia

2013-04-04T13:05:20Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Pintura de Manet,Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Edouard Manet|Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}
<div align="justify">
'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Edouard Manet|Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Edouard Manet|Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Edouard Manet|Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan :Impresión, sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha
considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Manet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático–lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz
engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Archivo:Pintura de Manet,Olympia.jpg

2013-04-04T13:03:06Z

Sergio06028:

== Sumario ==

== Estado de copyright: ==

== Fuente: ==

Retrato de una familia

2011-12-26T15:50:05Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Retrato de una familia
|imagen=Retrato de una familia.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=[[Jean Frédéric Bazille]]
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=152
|ancho=230
|localización_pintura=Museo de Orsay
}}

'''Retrato de una familia'''. El cuadro Retrato de una familia es una obra pictórica de [[Jean Frédéric Bazille]]. Se presentó en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1868. Actualmente se exhibe en el [[Museo de Orsay]] de [[París]].

==Historia==

Antes de desaparecer prematuramente durante los combates de la guerra franco-prusiana de 1870, Frédéric Bazille estuvo muy próximo de Renoir y de Monet, en los que admiraba en particular las escenas al aire libre.

Aprovechando una estancia estival en la residencia familiar de Méric, cerca de Montpellier, comienza este motivo sobre un lienzo de bastante grande formato, reuniendo en una terraza diez de sus parientes cercanos, junto a él, representado de pié, en la extremidad izquierda del cuadro.

A pesar de la aceptación de esta obra, el autor no quedó completamente satisfecho y, tras su presentación en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1868., retocó la obra durante el invierno, cambiando unos perritos por un bodegón poco natural.

==Descripción==

Los zanjantes contrastes muestran el amor del pintor por la luz de la región del Mediodía. El grupo se encuentra bajo la sombra de un imponente árbol, lo que intensifica los colores crudos del paisaje y del cielo, opuestos. La luz filtrada por el follaje hace de hincapié la ropa clara que contrasta con las notas oscuras de las chaquetas, con un chal o un mandil.

En el lienzo cada una de las figuras constituye también un retrato y casi todos los modelos miran al espectador, como si estuvieran con un fotógrafo. Por lo cual, y pese a que se trate en este retrato de grupo de la intimidad familiar, las poses son un poco rígidas. Incluso la ejecución parece ser contenida y Bazille retoca una y otra vez el lienzo durante el invierno, antes de volver a cogerlo una vez más un año después, incluso tras haberlo mostrado en el Salón, sustituyendo unos perritos por un bodegón, muy poco natural.

Estas indecisiones y compromisos explican sin duda alguna, que su cuadro fue aceptado en el Salón de [[1868]].

==Datos del autor==

[[Jean Frédéric Bazille]] ([[6 de diciembre de 1841]] - [[28 de noviembre de 1870]]) fue un pintor francés impresionista conocido por sus pinturas de retratos. Nacido en Montpellier, Hérault, [[Francia]], en el seno de una familia protestante de clase media, se interesó por la pintura tras ver algunas de las obras de Eugène Delacroix. Su familia consintió en permitirle estudiar bellas artes con la condición de que estudiara también medicina.

Fréderic empezó a estudiar medicina en 1859 y se trasladó a París en 1862 para continuar los estudios. Allí conoció a [[Pierre-Auguste Renoir]], quedó cautivado por el impresionismo y empezó a asistir a clases en el estudio de [[Charles Gleyre]]. Al suspender sus exámenes médicos en 1864, comenzó a pintar a tiempo completo. Entre sus amigos más cercanos estaban [[Claude Monet]], [[Alfred Sisley]] y [[Édouard Manet]].

Bazille tenía solamente veintitrés años cuando pintó varias de sus más famosas obras, entre ellas: El vestido rosa. Su obra más conocida es Reunión familiar (1867 - 1868).

Fréderic Bazille se unió a un regimiento Zuavo en agosto de [[1870]], un mes después del estallido de la Guerra Franco-prusiana y murió en combate el mismo año en Beaune-la-Rolande cuando sólo contaba veintinueve años.

==Fuentes==

*http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/reunion-de-familia-2531.html?tx_commentaire_pi1[pidLi]=509&tx_commentaire_pi1[from]=841&cHash=2e26de23e1
*http://www.taringa.net/posts/imagenes/4657870/Las-Mejores-Pinturas-del-impresionismo.html
*http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_una_familia

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

La ejecución del emperador Maximiliano

2011-12-26T15:47:51Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=La ejecución del Emperador Maximiliano
|imagen=La-ejecucion-del-emperador-Maximiliano.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=252
|ancho=305
|localización_pintura=Städtische Kunsthalle (Mannheim)
}}

<div align="justify">
'''La ejecución del Emperador Maximiliano'''. Es un cuadro de [[Édouard Manet]], que relata la ejecución del emperador mexicano [[Maximiliano I]] de México, ocurrida en [[Querétaro]] el 19 de junio de [[1867]].

==Análisis==

En este cuadro se aprecia a Miramón y a un soldado revisando su fusil. Un fondo azul, sustituido por un paredón, remarcan al influencia de Goya. La principal fuente gráfica del pintor para este cuadro son unas fotografías tomadas el día de la ejecución.
Manet descuella aquí un verismo fotográfico que permite al espectador sentir impresión crítica en el cuadro, con colorido oscuro que crea un contraste habitual en su producción, predecesora, como la del aragonés, del impresionismo.

El mismo pintor fue crudamente impresionado por la muerte del emperador, acompañado de sus generales Tomás Mejía y Miguel Miramón. Uno de los bocetos fue destrozado —en circunstancias extrañas— por el mismo Manet.

==Historia==

Manet realizó tres bocetos preparatorios para esta obra, de los cuales éste es el más logrado y el más conocido a nivel internacional. Probablemente lo hizo con intención de generar un hondo sentimiento en la sociedad parisina, afectada por el fusilamiento del que fuera archiduque de Austria y a quien su gobernante [[Napoleón III]] había ayudado. Incluso, el escritor [[Víctor Hugo]] pidió al presidente mexicano [[Benito Juárez]] perdonar la vida a Maxmiliano, siéndole negada la petición.

En 1864, el archiduque Maximiliano de Austria fue llevado al trono de México por Napoleón III, emperador de la Restauración francesa. El objetivo era conservar un Estado títere sometido al neocolonialismo francés tras el período revolucionario. Esta política no fue vista con buenos ojos por el pueblo francés, ya que sus gobernantes se vieron obligados a subir los impuestos para financiar la empresa. En cuanto las tropas francesas que habían apoyado al nuevo emperador se retiraron del territorio mexicano, los nacionalistas del liberal Juárez capturaron y fusilaron al intruso, junto a sus generales Miramón y Mejía, el 19 de junio de 1867, en Querétaro. El suceso motivó la airada crítica de los liberales y los republicanos franceses, entre los que se contaba el pintor.

Manet interpreta este episodio desde el punto de vista del crítico feroz al sistema imperialista del régimen francés. Así, Maximiliano aparece como el chivo expiatorio de los pecados de Francia, fusilado por un escuadrón de soldados que no visten el uniforme mexicano sino el francés, ataviados con el kepis para culpar a Napoleón III del suceso. Quien sí lleva sombrero mejicano es Maximiliano, como si fuera un halo de heroicidad. Esta provocación al gobierno fue contestada mediante la prohibición a Manet de exhibir públicamente el lienzo, veto que se mantuvo hasta 1879.

==Datos del Autor==

[[Édouard Manet]], (23 de enero de 1832, [[Paris]] - 20 de abril de 1883, Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan Impresión: sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.

Uno de los pintores más destacados y elegantes de Francia que causó profunda impresión en París desde el comienzo de su carrera.

Entre [[1850]] y [[1855]] estudió con Thomas Couture, severo corrector de los trabajos de sus discípulos. Viajó en esos años a Italia, Holanda y Alemania.En 1859 envió su obra El bebedor de ajenjo al Salón y fue rechazada, tiempo después, en 1863, su obra Le déjeneur sur l'herbe provoca un escándalo en el Salón de los Rechazados, una exposición auspiciada por Napoleón III en la que el emperador se escandalizó ante la obra y la emperatriz fingió ignorarla

==Fuentes==

*http://es.wikipedia.org/wiki/El_fusilamiento_de_Maximiliano
*http://www.indexarte.com.ar/obras/110/la-ejecucion-del-emperador-maximiliano.htm
*http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/22.htm

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Retrato de una familia

2011-12-24T17:41:53Z

Sergio06028: Página creada con '{{Ficha_Obra_de_Arte |nombre=Retrato de una familia |imagen=Retrato de una familia.jpg |descripción= |tipo=Pintura |autor=Jean Frédéric Bazille |año=1867 |país= |estilo=Imp...'

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Retrato de una familia
|imagen=Retrato de una familia.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=Jean Frédéric Bazille
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=152
|ancho=230
|localización_pintura=Museo de Orsay
}}

'''Retrato de una familia'''. El cuadro Retrato de una familia es una obra pictórica de Frédéric Bazille. Se presentó en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1868. Actualmente se exhibe en el Museo de Orsay de París.

==Historia==

Antes de desaparecer prematuramente durante los combates de la guerra franco-prusiana de 1870, Frédéric Bazille estuvo muy próximo de Renoir y de Monet, en los que admiraba en particular las escenas al aire libre.

Aprovechando una estancia estival en la residencia familiar de Méric, cerca de Montpellier, comienza este motivo sobre un lienzo de bastante grande formato, reuniendo en una terraza diez de sus parientes cercanos, junto a él, representado de pié, en la extremidad izquierda del cuadro.

A pesar de la aceptación de esta obra, el autor no quedó completamente satisfecho y, tras su presentación en el Salón de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1868., retocó la obra durante el invierno, cambiando unos perritos por un bodegón poco natural.

==Descripción==

Los zanjantes contrastes muestran el amor del pintor por la luz de la región del Mediodía. El grupo se encuentra bajo la sombra de un imponente árbol, lo que intensifica los colores crudos del paisaje y del cielo, opuestos. La luz filtrada por el follaje hace de hincapié la ropa clara que contrasta con las notas oscuras de las chaquetas, con un chal o un mandil.

En el lienzo cada una de las figuras constituye también un retrato y casi todos los modelos miran al espectador, como si estuvieran con un fotógrafo. Por lo cual, y pese a que se trate en este retrato de grupo de la intimidad familiar, las poses son un poco rígidas. Incluso la ejecución parece ser contenida y Bazille retoca una y otra vez el lienzo durante el invierno, antes de volver a cogerlo una vez más un año después, incluso tras haberlo mostrado en el Salón, sustituyendo unos perritos por un bodegón, muy poco natural.

Estas indecisiones y compromisos explican sin duda alguna, que su cuadro fue aceptado en el Salón de 1868.

==Datos del autor==

[[Jean Frédéric Bazille]] (6 de diciembre de 1841 - 28 de noviembre de 1870) fue un pintor francés impresionista conocido por sus pinturas de retratos. Nacido en Montpellier, Hérault, [[Francia]], en el seno de una familia protestante de clase media, se interesó por la pintura tras ver algunas de las obras de Eugène Delacroix. Su familia consintió en permitirle estudiar bellas artes con la condición de que estudiara también medicina.

Fréderic empezó a estudiar medicina en 1859 y se trasladó a París en 1862 para continuar los estudios. Allí conoció a Pierre-Auguste Renoir, quedó cautivado por el impresionismo y empezó a asistir a clases en el estudio de Charles Gleyre. Al suspender sus exámenes médicos en 1864, comenzó a pintar a tiempo completo. Entre sus amigos más cercanos estaban Claude Monet, Alfred Sisley y Édouard Manet.

Bazille tenía solamente veintitrés años cuando pintó varias de sus más famosas obras, entre ellas: El vestido rosa. Su obra más conocida es Reunión familiar (1867 - 1868).

Fréderic Bazille se unió a un regimiento Zuavo en agosto de [[1870]], un mes después del estallido de la Guerra Franco-prusiana y murió en combate el mismo año en Beaune-la-Rolande cuando sólo contaba veintinueve años.

==Fuentes==

*http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/reunion-de-familia-2531.html?tx_commentaire_pi1[pidLi]=509&tx_commentaire_pi1[from]=841&cHash=2e26de23e1
*http://www.taringa.net/posts/imagenes/4657870/Las-Mejores-Pinturas-del-impresionismo.html
*http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_una_familia

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

La ejecución del emperador Maximiliano

2011-12-24T17:01:30Z

Sergio06028: Página creada con ' {{Ficha_Obra_de_Arte |nombre=La ejecución del Emperador Maximiliano |imagen=La-ejecucion-del-emperador-Maximiliano.jpg |descripción= |tipo=...'

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=La ejecución del Emperador Maximiliano
|imagen=La-ejecucion-del-emperador-Maximiliano.jpg
|descripción=
|tipo=Pintura
|autor=Édouard Manet
|año=1867
|país=
|estilo=Impresionismo
|técnica=Oleo sobre lienzo
|alto=252
|ancho=305
|localización_pintura=Städtische Kunsthalle (Mannheim)
}}

<div align="justify">
'''La ejecución del Emperador Maximiliano'''. Es un cuadro de Édouard Manet, que relata la ejecución del emperador mexicano Maximiliano I de México, ocurrida en Querétaro el 19 de junio de 1867.

==Análisis==

En este cuadro se aprecia a Miramón y a un soldado revisando su fusil. Un fondo azul, sustituido por un paredón, remarcan al influencia de Goya. La principal fuente gráfica del pintor para este cuadro son unas fotografías tomadas el día de la ejecución.
Manet descuella aquí un verismo fotográfico que permite al espectador sentir impresión crítica en el cuadro, con colorido oscuro que crea un contraste habitual en su producción, predecesora, como la del aragonés, del impresionismo.

El mismo pintor fue crudamente impresionado por la muerte del emperador, acompañado de sus generales Tomás Mejía y Miguel Miramón. Uno de los bocetos fue destrozado —en circunstancias extrañas— por el mismo Manet.

==Historia==

Manet realizó tres bocetos preparatorios para esta obra, de los cuales éste es el más logrado y el más conocido a nivel internacional. Probablemente lo hizo con intención de generar un hondo sentimiento en la sociedad parisina, afectada por el fusilamiento del que fuera archiduque de Austria y a quien su gobernante Napoleón III había ayudado. Incluso, el escritor Víctor Hugo pidió al presidente mexicano Benito Juárez perdonar la vida a Maxmiliano, siéndole negada la petición.

En 1864, el archiduque Maximiliano de Austria fue llevado al trono de México por Napoleón III, emperador de la Restauración francesa. El objetivo era conservar un Estado títere sometido al neocolonialismo francés tras el período revolucionario. Esta política no fue vista con buenos ojos por el pueblo francés, ya que sus gobernantes se vieron obligados a subir los impuestos para financiar la empresa. En cuanto las tropas francesas que habían apoyado al nuevo emperador se retiraron del territorio mexicano, los nacionalistas del liberal Juárez capturaron y fusilaron al intruso, junto a sus generales Miramón y Mejía, el 19 de junio de 1867, en Querétaro. El suceso motivó la airada crítica de los liberales y los republicanos franceses, entre los que se contaba el pintor.

Manet interpreta este episodio desde el punto de vista del crítico feroz al sistema imperialista del régimen francés. Así, Maximiliano aparece como el chivo expiatorio de los pecados de Francia, fusilado por un escuadrón de soldados que no visten el uniforme mexicano sino el francés, ataviados con el kepis para culpar a Napoleón III del suceso. Quien sí lleva sombrero mejicano es Maximiliano, como si fuera un halo de heroicidad. Esta provocación al gobierno fue contestada mediante la prohibición a Manet de exhibir públicamente el lienzo, veto que se mantuvo hasta 1879.

==Datos del Autor==

[[Édouard Manet]], (23 de enero de 1832, [[Paris]] - 20 de abril de 1883, Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan Impresión: sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.

Uno de los pintores más destacados y elegantes de Francia que causó profunda impresión en París desde el comienzo de su carrera.

Entre 1850 y 1855 estudió con Thomas Couture, severo corrector de los trabajos de sus discípulos. Viajó en esos años a Italia, Holanda y Alemania.En 1859 envió su obra El bebedor de ajenjo al Salón y fue rechazada, tiempo después, en 1863, su obra Le déjeneur sur l'herbe provoca un escándalo en el Salón de los Rechazados, una exposición auspiciada por Napoleón III en la que el emperador se escandalizó ante la obra y la emperatriz fingió ignorarla

==Fuentes==

*http://es.wikipedia.org/wiki/El_fusilamiento_de_Maximiliano
*http://www.indexarte.com.ar/obras/110/la-ejecucion-del-emperador-maximiliano.htm
*http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/22.htm

[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

Olympia

2011-12-05T15:33:19Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}
<div align="justify">

'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan :Impresión, sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha
considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Manet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático–lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz
engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Olympia

2011-12-05T15:25:54Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}

'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Olympia

2011-12-05T15:15:10Z

Sergio06028: /* Fuentes */

{{Normalizar|motivo=Revisar contenido, enlaces internos categorís}}

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}
'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno en la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Olympia

2011-12-05T14:11:31Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}

<div align="justify">
'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan :Impresión, sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha
considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Manet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático–lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz
engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Olympia

2011-12-05T14:10:13Z

Sergio06028:

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}
<div align="justify">
'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan :Impresión, sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha
considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Manet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático–lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz
engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

Olympia

2011-12-05T14:08:39Z

Sergio06028: /* Datos del autor */

{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=Olympia
|imagen=Olympia.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1863]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=190
|ancho=130,5
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2|Francia}}
}}

'''Olympia.''' Pintura del pintor francés [[Édouard Manet]]. Posiblemente sea esta la obra más famosa de Manet, junto a [[Desayuno sobre la hierba]]. Fue presentada al Salón de [[París]] de [[1865]] junto a [[Cristo]] escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo [[Impresionismo|impresionista]].

==Historia==
Realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el año de [[1863]], sin embargo sólo fue expuesta en [[1865]], en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

==Descripción de la obra==
Sus dimensiones son 130,5 cm de altura y 190 de largo y se encuentra expuesta actualmente en el museo [[Museo de Orsay]] ([[París]]).

Inspirada en las [[Venus]] de [[Urbino del Tiziano]], sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En la obra se muestra llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. El cuadro recibió el nombre no por parte de [[Édouard Manet]] sino por Charles Baudelaire.

Las carnaduras de la [[mujer]] desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto [[gato]] negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Otra de las causas que motivó el escándalo fue que la mujer pintada era la modelo y también pintora [[Victorine Meurent]].

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

Es, probablemente, el pintor impresionista más reconocido, lleva al movimiento a su más alta significación. Entre sus obras destacan :Impresión, sol naciente, La Grenouillère, y las series de la catedral de Rouen, La estación de San Lázaro y de las Ninfeas. Siempre se ha
considerado a Manet como el máximo representante del Impresionismo.
Indudablemente, Manet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático–lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz
engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral.

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1530.htm arte Historia]
*[http://jssgallery.org/other_artists/manet/Olympia.htm Jss Gallery]
*[http://www.pbs.org/wgbh/cultureshock/flashpoints/visualarts/olympia_a.html Culture Shock]
*[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/manet/olympia/ WebMuseum]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia Wikipedia]
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

[[Category:Pintura]][[Category:Pintura]][[Category:Obras_pictóricas]][[Category:Cuadros]]

El pífano

2011-11-25T16:29:24Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]] en la sala 14 del nivel 0 .
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Museo del Louvre|Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era <center>{{Sistema:Cita|el pintor de los pintores.}}</center>
El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

El pífano

2011-11-25T16:19:31Z

Sergio06028: /* Descripción de la obra */

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]].
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Museo del Louvre|Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era <center>{{Sistema:Cita|el pintor de los pintores.}}</center>
El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

El pífano

2011-11-25T16:17:14Z

Sergio06028: /* Descripción de la obra */

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]].
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Museo del Louvre|Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era <center>{{Sistema:Cita|el pintor de los pintores.}}</center>
El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

El pífano

2011-11-25T16:15:25Z

Sergio06028: /* Descripción de la obra */

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]].
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Museo del Louvre|Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez|Velázquez]] que era <center>{{Sistema|Cita:el pintor de los pintores.}}</center>
El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

El pífano

2011-11-25T16:12:35Z

Sergio06028:

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]].
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al [[Louvre]]. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era el pintor de los pintores. El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]

El pífano

2011-11-25T16:12:34Z

Sergio06028: /* Ubicaciones de la obra */

<div align="justify">
{{Ficha_Obra_de_Arte
|nombre=El pífano
|imagen=Pifano mainet.jpg
|descripción=
|tipo=
|autor=[[Édouard Manet]]
|año=[[1866]]
|país={{Bandera2|Francia}}
|estilo=
|técnica=[[Óleo sobre lienzo]]
|alto=160
|ancho=97
|localización_pintura= [[Museo de Orsay]] ([[París]]) {{Bandera2| Francia}}
}}
'''El pífano.''' Obra del pintor [[Édouard Manet]] presentada al Salón de [[1866]]. Fue víctima del rechazo por parte del jurado de este Salón. Actualmente se conserva en el [[Museo de Orsay]] en [[París]].
==Historia==
Cuando Édouard Manet presentó esta obra recibió el enésimo rechazo por parte del jurado. Esta actitud contraria de la pintura oficial hacia Manet motivó las alabanzas del escritor [[Émile Zola]] a este cuadro, expresadas en un artículo que provocó las protestas de los lectores y el inmediato cese de su puesto.

La obra refleja la influencia de la pintura española pues fue creada luego que Mainet regresara de un viaje a [[España]] en [[1865]].

En [[1884]] estuvo presente en la gran exposición retrospectiva de la obra del pintor que se organizó como homenaje, tras su muerte en [[1883]].

===Ubicaciones de la obra===
*Entre [[1872]] y [[1873]] el cuadro permaneció en la colección particular de Paul Durand-Ruel, galerista y marchante de arte que apoyó a los jóvenes pintores que formarían el grupo [[Impresionismo|impresionista]].
*Entre 1873 y [[1893]] el cuadro estuvo en poder de Jean-Baptiste Faure, compositor y barítono francés, amigo de Manet.
*En 1893, la tela volvió a la colección de Durand-Ruel, para ser adquirida el año siguiente por el conde Isaac de Camondo, en cuya colección permaneció hasta [[1911]].
*En 1911 fue entregado al estado francés como donación y destinado al [[Museo del Louvre]], donde no se expondrá al público hasta [[1914]].
*En [[1947]] fue traslado, junto con las demás obras de autores impresionistas, a la Galería del Jeu de Paume, una sala de exposición situada en el Jardín de las Tullerías y perteneciente al Louvre. Allí permaneció hasta [[1986]].
*En 1986 con la creación del [[Museo de Orsay]], fue trasladado a ese museo, al igual que el resto de la colección de pintura impresionista del Louvre.
*En la actualidad puede contemplarse en la sala 14 del nivel 0 del Museo de Orsay.

==Descripción de la obra==
El artista muestra a un pequeño instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial. El muchacho, que pertenecía a dicho cuerpo militar, fue llevado al estudio de Manet por el comandante Lejosne, amigo común de Baudelaire y Manet.

Algunos especialistas consideran que las manos y el rostro serían los de su hijo, Leon Köella, al no poder posar las suficientes sesiones el pequeño músico. La figura se recorta sobre un fondo neutro que no separa pared y suelo; sin embargo, el joven no resulta una figura plana ni se eleva sino que, al contrario, es muy volumétrica y se asienta perfectamente en el espacio. Esta sensación es conseguida al situar una pequeña sombra entre sus piernas, que recuerda al Pablillos de Valladolid que había hecho más de dos siglos atrás el genial [[Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |Velázquez]] y que Manet había admirado en el madrileño [[Museo del Prado]]. Su atracción por el artista español se inició en las frecuentes visitas al [[Louvre]], donde acudía a copiar obras de artistas consagrados, llegando a decir de Velázquez que era el pintor de los pintores. El homenaje a la pintura velazqueña se refuerza con la sensación de aire, que demuestra el respeto de Manet a la tradición pictórica. Al incorporar un elemento contemporáneo - como el tocador de pífano - a esa tradición, el artista une los conceptos de modernidad y tradición, unión muy atractiva para él. Manet también incorpora novedades en sus obras y aquí se observa claramente la influencia de la estampa japonesa, especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas lisas de color. El empleo de la estampa japonesa como referencia será habitual en la mayor parte de los artistas del [[Impresionismo]].

El perfecto dibujo, que define toda la obra del pintor, modela la figura y la hace más volumétrica. Es destacable cómo retoma su afición por los contrastes entre tonos claros y oscuros, que refuerza mediante la supresión de las tonalidades intermedias.

==Datos del autor==
[[Édouard Manet]], ([[23 de enero]] de [[1832]], [[Paris]] - [[20 de abril]] de [[1883]], Paris). Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del [[impresionismo]].

==Enlaces relacionados==
*[http://www.ecured.cu/index.php/%C3%89douard_Manet EcuRed]

==Fuentes==
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm arte Historia]
*[http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=3&tx_commentaire_pi1showUid=317&no_cache=1 Musee-Orsay]
*[http://es.wikipedia.org/wiki/El_p%C3%ADfano Wikipedia]
[[Category:Cuadros]][[Category:Obras_pictóricas]]