EcuRed - Contribuciones del colaborador [es]

Michael Damaskinos

2024-03-14T13:18:12Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Michael Damaskinos |imagen = Michael_Damaskinos.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1530/35 |lugar de nac…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Michael Damaskinos
|imagen = Michael_Damaskinos.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = 1530/35
|lugar de nacimiento = Creta, Grecia
|fecha de fallecimiento = 1592/93
|lugar de fallecimiento = Creta, Grecia
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos = Antonia
|padres = George Damaskinos
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Michael Damaskinos''' o Michail Damaskenos, fue un destacado pintor cretense posbizantino. Es un importante representante de la escuela de pintura cretense que floreció en los siglos XVI y XVII. Los pintores [[Georgios Klontzas]] y Damaskenos fueron importantes contribuyentes a la escuela cretense durante el mismo período.

==Síntesis biográfica==
Nació en Candia, Herakleion, su padre era George Damaskinos, según cuentan pasó algún tiempo viviendo y trabajando en el monasterio de Vrontisi, donde se guardaron seis de sus iconos hasta [[1800]], se mudó a [[Venecia]] en [[1560]], mientras estuvo allí aprendió a pintar en miniatura.

Viajó extensamente por toda [[Italia]], donde permaneció brevemente en Sicilia, de [[1569]] a [[1571]]. Fue miembro de la Hermandad Griega de Venecia de [[1577]] a [[1582]]. Pintó iconos para la Catedral Ortodoxa Griega de San Giorgio dei Greci en Venecia, trabajó para ambas instituciones católicas y ejecutó encargos privados.

Se hizo amigo del escultor [[Alessandro Vittoria]]. Le vendió una colección de dibujos que acumuló de otros artistas italianos, el manierista Parmigianino. También conocía a [[Palma Giovane]] y pudo haber tenido algún contacto con el taller de Tintoretto. Algunas de sus obras están claramente influenciadas por [[Paolo Veronese]], Tintoretto y Tiziano, muchos de los pintores griegos fueron influenciados por la escuela veneciana, regresó a Candia alrededor de [[1583]].

Su única hija, Antonia, se casó con el pintor Ioannis Mavrikas-Mandouphos o Yannas Mantoufos. Damaskinos permaneció en Grecia y trabajó principalmente en Creta y las Islas Jónicas. La Cofradía Ortodoxa Griega lo invitó a regresar a Venecia. Querían encargarle que pintara la cúpula de San Giorgio dei Greci. Rechazó las invitaciones por motivos personales. Posteriormente, el famoso pintor Emmanuel Tzane-Bounialis completó un extenso trabajo en la iglesia de San Giorgio dei Greci. Fue influenciado por Damaskinos.

Sus obras eran características del estilo tradicional bizantino, usó un particular color rosa que caracterizaba sus pinturas, las dimensiones de su figura estaban definidas por sólo unas pocas pinceladas. Dibujó tronos de madera, pero nunca de mármol, como era típico en la escuela cretense, fue también el primer artista en introducir tonos de piel más pálidos en la pintura posbizantina y fue uno de los rasgos estilísticos de su obra que resultó muy influyente desde la segunda mitad del [[siglo XVI]].

Trabajó extensamente en las Islas Jónicas, contribuyendo a la fusión de las escuelas de pintura cretense y heptanesa. Influyó en las obras de Theodore Poulakis, el famoso pintor y teórico griego Panagiotis Doxaras en su libro El arte de pintar publicado en [[1720]] consideró a Damaskinos como uno de los pintores más importantes.

Damaskinos viajó por todo el Imperio veneciano pintando. Se mantuvo fiel a sus raíces estilísticas griegas, pero incorporó algunos elementos italianos en su trabajo. Estuvo fuertemente influenciado por la escuela veneciana. Pintó partes de la Catedral de San Giorgio dei Greci. Tiene más de 100 obras conocidas.

Veinticinco de sus pinturas más importantes se encuentran en Venecia, completó obras para la iglesia de San Giorgio dei Greci entre [[1560]] y [[1583]] y forman parte de la iglesia de San Giorgio dei Greci. Dieciocho de sus pinturas forman parte del iconostasio. El Arcángel Miguel está representado en uno de los iconos. El dodekaorto, también conocido como las Grandes Fiestas en la Iglesia Ortodoxa Oriental, aparece en nueve de las pinturas. Dos de sus pinturas se encuentran detrás del iconostasio del santo santuario. El Instituto Helénico de Venecia conserva cuatro de sus cuadros. El centro de investigación y el museo están asociados con San Giorgio dei Greci. Uno de sus cuadros Las bodas de Caná forma parte de la colección del Museo Correr de Venecia.

== Fuentes ==
* https://orthodoxwiki.org/San_Giorgio_dei_Greci_(Venice,_Italy)
* https://www.destinationcrete.gr/culture/michael-damaskenos/
* https://smarthistory.org/greek-painters-renaissance-venice/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Michael Damaskinos.jpg

2024-03-14T13:17:59Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Manuel Panselinos

2024-03-14T12:47:35Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Immanuel Panselinos |nombre completo = Manuel Panselinos |imagen = Manuel_Panselinos.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = Sig…»

{{Ficha Persona
|nombre = Immanuel Panselinos
|nombre completo = Manuel Panselinos
|imagen = Manuel_Panselinos.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[Siglo XIII]]
|lugar de nacimiento = Salónica, Macedonia, Imperio Bizantino
|fecha de fallecimiento = [[Siglo XIV]]
|lugar de fallecimiento = Salónica, Macedonia, Imperio Bizantino
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Alabanés
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Iconografía y hagiografía
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Manuel Panselinos''', fue un pintor y escritor bizantino del Renacimiento paleólogo, conocido por introducir patetismo en frescos, murales y especialmente en iconos de los [[siglos XIII]] y [[siglos XIV]]. Estuvo activo en la región de Macedonia y fue ampliamente considerado como la figura más prominente e influyente del renacimiento paleólogo y de la escuela de pintura macedonia con sede en la segunda ciudad más grande del Imperio, Salónica.

==Síntesis biográfica==
Nació a finales del [[siglo XIII]] en [[Salónica]]. Sus obras principales fueron la iconografía y los frescos. Sus obras se pueden encontrar en varios monasterios del Monte Athos: Vatopedi, Megisti Lavra y la Iglesia Protaton en Karyes.

Su obra más importante es la pintura mural de la iglesia del Protatón. Sus contemporáneos fueron Georgios Kalliergis, Michael Astrapas y Eutychios Astrapas. Algunos historiadores creen que Kalliergis fue uno de sus alumnos debido a la similitud en los estilos de pintura.

Las pinturas de [[Athonita a Manuel]] sólo ha sido atestiguada en el siglo XVII, y no fue hasta el siglo XVIII cuando Dionisio de Fourna afirmó que había nacido en Tesalónica y que había derivado algunas de las reglas en su propio trabajar con él. En ocasiones se ha equiparado tentativamente a Manuel con miembros de la familia Astrapas, pero sin pruebas firmes.

Estilísticamente, los historiadores del arte han señalado un estilo distintivo en las obras de Manuel y sorprendentes similitudes entre varias pinturas que se le atribuyen: sus colores suaves, la representación simétrica de las figuras y la singularidad de la forma en las composiciones y proporciones, especialmente en los rostros.

Sus pinturas son obras genuinas, los frescos en el Protaton y el Nártex exterior del Katholikon de Vatopedi, la cabeza de San Nicolás en el Katholikon del Grande. Lavra (el cuerpo ha sido retocado), el icono portátil de San Demetrio en la Gran Lavra y los dos iconos de San Jorge en Vatopedi. También se han localizado obras suyas auténticas en monumentos de Salónica y otras ciudades de la Macedonia griega.

== Fuentes ==
* https://greekreporter.com/2021/01/11/iconic-byzantine-hagiography-goes-digital/
* https://www.metmuseum.org/toah/hd/fwbz/hd_fwbz.htm
* https://www.oxfordreference.com/display/10.1093/oi/authority.20110810105332799

[[Categoría: Iconografía]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: hagiografía]]

Archivo:Manuel Panselinos.jpg

2024-03-14T12:47:25Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Shary Boyle

2024-02-27T14:15:35Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Shary Boyle |imagen = Shary_Boyle.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 26 de mayo de 1972 |lugar de…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Shary Boyle
|imagen = Shary_Boyle.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[26 de mayo]] de [[1972]]
|lugar de nacimiento = Scarborough, Ontario, en Toronto
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación = Escuela de Arte de Ontorio
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Shary Boyle''', es un artista visual canadiense contemporáneo que trabaja en los medios de la escultura, el dibujo, la pintura y el arte escénico. Vive y trabaja en Toronto.

==Síntesis biográfica==
Nació en el suburbio de Scarborough, Ontario, en Toronto, el menor de cinco hermanos. Asistió a la escuela secundaria Wexford Collegiate School for the Arts, donde estudió arte y teatro musical, luego pasó a estudios postsecundarios en el Ontario College of Art, donde se graduó en 1994. Estuvo involucrada en la escena musical punk y hardcore de Toronto en su escuela secundaria y sus primeros años universitarios, cantando en una banda. Su temprano interés por la música y la interpretación incorporó el diseño de vestuario, carteles y camisetas y la creación y distribución gratuita de pequeñas revistas fotocopiadas. Sus primeras revistas y dibujos se recopilaron en la publicación recopilatoria "Witness My Shame".

Entre [[1998]] y [[2006]], Boyle complementó su práctica artística de dibujo y pintura mediante ilustraciones publicadas.

En [[1998]], comenzó a trabajar con una arcilla polimérica sintética llamada Sculpey. La fabricante de muñecas Vivian Hausle en Seattle en [[2002]] le enseñó a comprender el medio de la porcelana y el drapeado de encaje, una técnica para filigranas en encaje.

trabaja en todos los medios y géneros, y es conocida por su simbolismo representativo y narrativo que es personal y a veces inquietante.[3] Su trabajo explora temas de género, identidad, sexualidad, poder y clase, evocando resonancia emocional y psíquica a través de la artesanía.[6] Es particularmente conocida por sus exploraciones de la figura a través de la escultura en porcelana. La primera serie de "figurillas" de porcelana de Boyle donde utilizó moldes comerciales y técnicas tradicionales de encaje de porcelana para crear esculturas que explotaron la relación histórica entre la decoración y la ornamentación excesiva en relación con las mujeres y las cuestiones de género. La serie se presentó en una exposición individual en la Power Plant de Toronto llamada Lace Figures, comisariada por Reid Sheir, [[2006]]. A los primeros experimentos realizados por el pintor con la porcelana y su subversión de la artesanía femenina, desde el kitsch hasta el arte contemporáneo, se les atribuye el mérito de haber revivido la porcelana y la cerámica como medio de arte contemporáneo a principios de la década de 2000 en Toronto.

En [[2006]], tuvo una exposición para dos personas con Ben Reeves en Open Studios, Toronto. En 2008, la Galería de Arte del Sur de Alberta en Lethbridge mostró su trabajo en una exposición individual titulada La historia de la luz, y en 2009 el trabajo de Boyle se exhibió por primera vez con el artista de Kinngait Shuvinai Ashoona en la exposición Noise Ghost en Justina M. Barnicke. Galería, Museo de Arte de la Universidad de Toronto, comisariada por Nancy Campbell.

En 2010, se inauguró la primera exposición itinerante nacional de Boyle, Flesh and Blood, en la Galería de Arte de Ontario. Esta exposición de 28 obras (escultura, instalación, pintura, proyecciones) fue una empresa conjunta entre la Galería de Arte de Ontario, la Galerie de l'UQAM y la Galería de Arte Contemporáneo de Vancouver, y fue comisariada por Louise Déry. Representó a Canadá en la Bienal de Venecia de [[2013]] con su proyecto Music for Silence, una instalación cuyo componente central fue The Cave Painter en yeso, de una sirena sosteniendo a un recién nacido contra su pecho y en el 2014 , participó en Shine a Light: Bienal Canadiense [[2014]].

La participación en la Bienal de Venecia supuso un hito en su carrera. Desde entonces, ha realizado muchas exposiciones individuales y colectivas, sobre todo con otros artistas, como su colaboración de dibujo/texto de 10 años con la videoartista Emily Vey Duke llamada Shary Boyle & Emily Vey Duke: The Illuminations Project en Oakville Galleries. También ha colaborado por segunda vez con Shuvinai Ashoona, viajando a los estudios Kinngait en la isla de Baffin, Nunavik, para hacerlo en [[2015]]. Los dibujos que crearon juntos, así como sus dibujos y esculturas independientes, se presentaron en una muestra titulada Universal.

En [[2021]], el Museo Gardiner le ofreció al pintor una exposición individual Fuera del palacio de mí, una instalación con dibujos, esculturas de cerámica, espejos y una partitura interactiva, en la que exploró su ansiedad por las crisis globales.

En [[2023]], Outside the Palace of Me viajó a la Galería de Arte de Vancouver.

== Fuentes ==
* https://www.nytimes.com/2023/11/09/arts/design/shary-boyle-museum-of-arts-and-design.html
* https://madmuseum.org/exhibition/shary-boyle
* https://www.thecanadianencyclopedia.ca/en/article/shary-boyle

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Shary Boyle.jpg

2024-02-27T14:15:16Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Emily Carr

2024-02-27T13:28:15Z

Yelenisjc:

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Emily Carr
|imagen = Emily_Carr.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = 13 de diciembre de 1871
|lugar de nacimiento = [[Victoria]], Columbia Británica, [[Canadá]]
|fecha de fallecimiento = [[2 de marzo]] de [[1945]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania = Británica/Canadiense
|educación = Académie de La Palette, Académie Colarossi, Instituto de Arte de San Francisco, Escuela de Arte de Westminster, Escuela Secundaria Victoria
|alma máter =
|ocupación = Pintora y escritora
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Richard Carr y Emily Saunders Carr
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Emily Carr''', pasó su carrera escribiendo y pintando sobre temas relacionados con los pueblos indígenas del noroeste del Pacífico. Los intereses del artista evolucionaron con el paso del tiempo, y los paisajes, en lugar de los indígenas, dominan sus lienzos posteriores.

==Síntesis biográfica==
Emily Carr nació el [[13 de diciembre]] de [[1871]] en Victoria, Columbia Británica. Era la segunda más joven de una familia de nueve hijos, con cuatro hermanas mayores y cuatro hermanos, de los cuales sólo uno, Dick, vivió hasta la edad adulta. Su padre, Richard Carr, nació en Crayford, Kent, Inglaterra, y había viajado por Europa, América y el Caribe en busca de un lugar donde sus proyectos empresariales pudieran florecer, donde pasó su carrera escribiendo y pintando sobre temas relacionados con los pueblos indígenas del noroeste del Pacífico.

Carr viajó a Ucluelet en [[1898]], en su primero de varios viajes inspirados en el arte, para crear trabajo entre la gente Nuu-chah-nulth.

Su padre fue una influencia clave para la joven y aunque estaba orgulloso de su herencia inglesa, según ella, deseaba una “educación canadiense” para su familia. Envió a sus hijas a escuelas públicas en lugar de a las escuelas privadas de acabado que se consideraban como la educación adecuada para las jóvenes victorianas de clase media. Su regalo a Emily en su undécimo cumpleaños fue El libro de historia natural del niño, y animó su independencia y espíritu. Al mismo tiempo, su autoritarismo y severidad la llevaron a un temprano sentimiento de alienación y rebelión, una autoidentificación que nunca abandonó y que describió regularmente en los libros y diarios que produjo a lo largo de su vida.

En [[1898]], a los 27 años, realizó el primero de varios viajes para dibujar y pintar a pueblos aborígenes. Se quedó en un pueblo cerca de Ucluelet en la costa oeste de la isla de Vancouver, hogar del pueblo Nuu-chah-nulth, entonces conocido comúnmente entre los angloparlantes como 'Nootka'. Carr recibió el nombre indígena de Klee Wyck y también lo eligió como título de su primer libro. Más tarde recordó que su estancia en Ucluelet me dejó "una impresión duradera".

En [[1907]], Carr hizo un viaje turístico a Alaska con su hermana Alice donde decidió que su misión artística era documentar todo lo que pudiera de lo que ella y muchos otros percibían como los "tótems en desaparición" y la forma de vida de las Primeras Naciones. Es posible que haya conocido a un artista estadounidense en este viaje, se supone que era [[Theodore J. Richardson]], quien describió su proyecto de documentar el arte y la arquitectura indígenas.

De [[1908]] a [[1910]] realizó varios viajes a comunidades de las Primeras Naciones para registrar arte y pueblos, la artista fue a Europa para aprender sobre las tendencias artísticas dominantes de la época y, a su regreso, conviertiéndose en una de las pioneras del estilo de pintura modernista y posimpresionista en Canadá. Los intereses del artista evolucionaron con el paso del tiempo, y los paisajes, en lugar de los indígenas, dominan sus lienzos posteriores.

En marzo de [[1912]], abrió un estudio en 1465 West Broadway en [[Vancouver]] donde organizó una exposición de setenta acuarelas y óleos representativos de su época en [[Francia]], utilizando su nuevo estilo radical, su paleta de colores atrevidos y su falta de detalles. Fue la primera artista en introducir el posimpresionismo en este país.

Desde [[1924]] a [[1925]], expuso en las exposiciones de Artistas del Noroeste del Pacífico en Seattle, Washington. Invitó a su colega expositor Mark Tobey a visitarla en Victoria en el otoño de [[1928]] para impartir una clase magistral en su estudio. Al trabajar con Tobey, Carr amplió su comprensión del arte moderno, experimentando con los métodos de abstracción total y cubismo de Tobey, pero se mostró reacia a seguir a Tobey más allá del legado del cubismo.

Su obra sigue siendo relevante hoy en día para los artistas contemporáneos. Su pintura Old Time Coast Village (1929-1930) se menciona en A Group of Sixty-Seven (1996) del artista coreano canadiense Jin-me Yoon. La obra está compuesta por sesenta y siete retratos de la comunidad coreano-canadiense en Vancouver parada frente a Old Time Coast Village y una pintura de paisaje del miembro del Grupo de los Siete, [[Lawren Harris]].

== Fuentes ==
* https://www.britannica.com/biography/Emily-Carr
* https://www.aci-iac.ca/art-books/emily-carr/biography/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Emily Carr

2024-02-27T13:26:54Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Emily Carr |imagen = Emily_Carr.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 13 de diciembre de 1871 |lugar de nac…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Emily Carr
|imagen = Emily_Carr.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = 13 de diciembre de 1871
|lugar de nacimiento = [[Victoria]], Columbia Británica, [[Canadá]]
|fecha de fallecimiento = [[2 de marzo]] de [[1945]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania = Británica/Canadiense
|educación = Académie de La Palette, Académie Colarossi, Instituto de Arte de San Francisco, Escuela de Arte de Westminster, Escuela Secundaria Victoria
|alma máter =
|ocupación = Pintora y escritora
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Richard Carr y Emily Saunders Carr
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Emily Carr''',

==Síntesis biográfica==
Emily Carr nació el [[13 de diciembre]] de [[1871]] en Victoria, B.C. Era la segunda más joven de una familia de nueve hijos, con cuatro hermanas mayores y cuatro hermanos, de los cuales sólo uno, Dick, vivió hasta la edad adulta. Su padre, Richard Carr, nació en Crayford, Kent, Inglaterra, y había viajado por Europa, América y el Caribe en busca de un lugar donde sus proyectos empresariales pudieran florecer, donde pasó su carrera escribiendo y pintando sobre temas relacionados con los pueblos indígenas del noroeste del Pacífico.

Carr viajó a Ucluelet en [[1898]], en su primero de varios viajes inspirados en el arte, para crear trabajo entre la gente Nuu-chah-nulth.

Su padre fue una influencia clave para la joven y aunque estaba orgulloso de su herencia inglesa, según ella, deseaba una “educación canadiense” para su familia. Envió a sus hijas a escuelas públicas en lugar de a las escuelas privadas de acabado que se consideraban como la educación adecuada para las jóvenes victorianas de clase media. Su regalo a Emily en su undécimo cumpleaños fue El libro de historia natural del niño, y animó su independencia y espíritu. Al mismo tiempo, su autoritarismo y severidad la llevaron a un temprano sentimiento de alienación y rebelión, una autoidentificación que nunca abandonó y que describió regularmente en los libros y diarios que produjo a lo largo de su vida.

En [[1898]], a los 27 años, realizó el primero de varios viajes para dibujar y pintar a pueblos aborígenes. Se quedó en un pueblo cerca de Ucluelet en la costa oeste de la isla de Vancouver, hogar del pueblo Nuu-chah-nulth, entonces conocido comúnmente entre los angloparlantes como 'Nootka'. Carr recibió el nombre indígena de Klee Wyck y también lo eligió como título de su primer libro. Más tarde recordó que su estancia en Ucluelet me dejó "una impresión duradera".

En [[1907]], Carr hizo un viaje turístico a Alaska con su hermana Alice donde decidió que su misión artística era documentar todo lo que pudiera de lo que ella y muchos otros percibían como los "tótems en desaparición" y la forma de vida de las Primeras Naciones. Es posible que haya conocido a un artista estadounidense en este viaje, se supone que era [[Theodore J. Richardson]], quien describió su proyecto de documentar el arte y la arquitectura indígenas.

De [[1908]] a [[1910]] realizó varios viajes a comunidades de las Primeras Naciones para registrar arte y pueblos, la artista fue a Europa para aprender sobre las tendencias artísticas dominantes de la época y, a su regreso, conviertiéndose en una de las pioneras del estilo de pintura modernista y posimpresionista en Canadá. Los intereses del artista evolucionaron con el paso del tiempo, y los paisajes, en lugar de los indígenas, dominan sus lienzos posteriores.

En marzo de [[1912]], abrió un estudio en 1465 West Broadway en [[Vancouver]] donde organizó una exposición de setenta acuarelas y óleos representativos de su época en [[Francia]], utilizando su nuevo estilo radical, su paleta de colores atrevidos y su falta de detalles. Fue la primera artista en introducir el posimpresionismo en este país.

Desde [[1924]] a [[1925]], expuso en las exposiciones de Artistas del Noroeste del Pacífico en Seattle, Washington. Invitó a su colega expositor Mark Tobey a visitarla en Victoria en el otoño de [[1928]] para impartir una clase magistral en su estudio. Al trabajar con Tobey, Carr amplió su comprensión del arte moderno, experimentando con los métodos de abstracción total y cubismo de Tobey, pero se mostró reacia a seguir a Tobey más allá del legado del cubismo.

Su obra sigue siendo relevante hoy en día para los artistas contemporáneos. Su pintura Old Time Coast Village (1929-1930) se menciona en A Group of Sixty-Seven (1996) del artista coreano canadiense Jin-me Yoon. La obra está compuesta por sesenta y siete retratos de la comunidad coreano-canadiense en Vancouver parada frente a Old Time Coast Village y una pintura de paisaje del miembro del Grupo de los Siete, [[Lawren Harris]].

== Fuentes ==
* https://www.britannica.com/biography/Emily-Carr
* https://www.aci-iac.ca/art-books/emily-carr/biography/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Emily Carr.jpg

2024-02-27T13:26:43Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Choe Buk

2024-01-10T21:03:49Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Choe Buk |imagen = Choi_Buk.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1712 |lugar de nacimiento = Corea…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Choe Buk
|imagen = Choi_Buk.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1712]]
|lugar de nacimiento = [[Corea]]
|fecha de fallecimiento = [[1760]]
|lugar de fallecimiento = [[Lima]], [[Perú]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania = Coreana
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido = Samgijae, Hosaenggwan, Songjae, Giam, Geogijae
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Choe Buk''', fue un pintor coreano de finales del período Joseon. Usó muchos nombres artísticos, incluidos Samgijae, Hosaenggwan, Songjae, Giam y Geogijae.

==Síntesis biográfica==
Fue un artista coreano de antigüedades asiáticas que nació en [[1712]]. Se desconoce su infancia, así como el estatus social de su familia. Sin embargo, la página wiki coreana y da una referencia a AKS . eso explica por qué [[1720]] Se puede adivinar como su año de nacimiento.

Parece que, a pesar de la fama del pintor en Seúl, su consumo excesivo de alcohol lo dejó siempre sin dinero y recurrió a viajes a otras ciudades para vender sus obras.

Era conocido como un hábil pintor de paisajes, pero también dibujaba retratos, flores y animales. La leyenda habla de un poderoso aristócrata que lo obligó a dibujar, pero Choe se negó a hacerlo y como resultado le perforaron un ojo, lo que provocó la pérdida de la vista en ese ojo.

Se sabía que había viajado a [[Japón]] y era conocido por la familia de [[Zheng Zhilong]]; pintando una imagen de la esposa de Zheng y su hijo Koxinga. El original regresó a Corea con Choe, pero se guardó una copia con la familia y luego fue emulada por Bak Jega.

==Obras==
* Pyohun Temple at Diamond Mountains
* Pyohun Temple
* Jo-eo Landscape
* Cho-ok Landscape
* Bull riding

==Fallecimiento==
El artista murió en [[1760]].

== Fuentes ==
* https://artsandculture.google.com/entity/m03ccf1v?hl=es
* https://www.artnet.com/artists/choi-buk/
* https://www.mutualart.com/Artist/Choi-Buk/6C50E0D5AEA43D8B/Biography

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Choi Buk.jpg

2024-01-10T21:03:30Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Kim Jeong-hui

2024-01-10T19:48:57Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Kim Jeong-hui |imagen = Kim_Jeong-hui.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1786 |lugar de nacimiento =…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Kim Jeong-hui
|imagen = Kim_Jeong-hui.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1786]]
|lugar de nacimiento = [[Yesan]], [[Corea]] del Sur
|fecha de fallecimiento = [[7 de noviembre]] de [[1856]]
|lugar de fallecimiento = [[Gwacheon]], [[Corea]] del Sur
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación = Sungkyunkwan
|alma máter =
|ocupación =
|conocido = Wandang, Chusa, Yedang, Siam, Gwapa, Nogwa
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Princesa Hwasun
|hijos = Kim Sang-moo, Kim Sang-woo
|padres = Gim No-gyeong, Kim No-kyeong
|familiares = bisabuelo fue Weolseongui Kim Han-sin
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Kim Jeong-hui''', fue uno de los artistas más célebres de la caligrafía, epigrafistas, y estudiosos de la dinastía Joseon de Corea.

==Síntesis biográfica==
Nació en la casa familiar de Yesan, ahora provincia de Chungcheong del Sur, en [[1786]]. Era el hijo mayor. Su padre biológico fue Kim No-gyeong; su abuelo fue Kim I-ju y su bisabuelo fue Weolseongui Kim Han-sin, quien se casó con la segunda hija del rey Yeongjo, la princesa Hwasun . Sus antepasados y parientes ocuparon muchos altos cargos administrativos y varios se destacaron por su caligrafía. Su madre era miembro del clan Gigye Yu, hija de Yu Jun-ju, el gobernador de Gimhae.

Se dice que ya cuando era niño era un notable calígrafo. Se dice que cuando tenía 7 años, el famoso erudito Chae Je-gong quedó impresionado al ver el amuleto de buena suerte "Ipchun Daegil Cheonha Daepyeongchun" que marca la llegada de la primavera. que había escrito, pegado en la puerta de la casa familiar.

Desde los 15 años recibió instrucción del célebre erudito Bukhak Pak Je-ga (1750-1805).

Es especialmente famoso por haber transformado la epigrafía de Corea y por haber creado el "Chusa-che" estilo de escritura Chusa) inspirado en su estudio de los antiguos epitafios coreanos y chinos.

Sus pinturas de tinta, especialmente de orquídeas, son igualmente admiradas.

Él era un miembro del clan de Gyeongju Kim. Utilizó varios seudónimos: Wandang, Chusa, Yedang, Siam, Gwapa, Nogwa.

En la década de [[1790]], el cabeza de familia, su tío mayor, Kim No-yeong, fue enviado al exilio, mientras que otro tío y sus abuelos murieron en rápida sucesión. Se decidió que debería ser adoptado por Kim No-yeong (que tenía varias hijas pero ningún hijo) y así convertirse en el próximo cabeza de familia. Cuando tenía 15 años, en [[1800]], se casó con un miembro del clan Hansan Yi.

Ese mismo año, el rey Jeongjo murió y la reina Jeongsun, viuda del anterior rey Yeongjo, pasó a ser regente, ya que el nuevo rey era sólo un niño.

El padre biológico de Kim Jeong-hui se benefició de la relación de la familia con el regente y fue elevado a un alto rango.

La madre biológica de Kim Jeong-hui murió en [[1801]], con sólo 34 años. La reina Jeongsun murió en [[1805]], y la joven esposa de Kim Jeong-hui murió sólo unas semanas después que ella.

Su maestro Pak Je-ga también murió ese año y estas múltiples muertes parecen haber alentado su ya profundo interés en el budismo como fuente de consuelo y significado. Su madre adoptiva también murió aproximadamente en esta época y una vez que terminó el luto por ella, se casó con una segunda esposa un poco más joven en [[1808]], miembro del clan Yean Yi. En [[1809]] obtuvo el primer lugar en el examen civil del bajo Gwageo.

==Fallecimiento==
Después del exilio en el norte, se instaló en Gwacheon (al sur de Seúl, donde fue enterrado su padre biológico) en una casa a la que llamó Gwaji Chodang. En 1856 se quedó por un tiempo en el templo Bongeun-sa, en lo que hoy es el área de Gangnam en Seúl, y se dice que se convirtió en monje. Más tarde, ese mismo año, regresó a su casa en Gwacheon y continuó escribiendo hasta el día antes de morir.

En los años posteriores a su muerte, su discípulo Nam Byeong-gil y otros prepararon y publicaron colecciones de sus cartas y de sus poemas (Damyeon Jaesigo 覃糧齋詩藁) en 1867; en 1868 se publicó una colección de sus otros escritos. Su tataranieto Kim Ik-hwan publicó una edición completa de sus obras (Wandang Seonsaeng Jeonjip. en [[1934]].

== Fuentes ==
* https://artsandculture.google.com/entity/kim-jeong-hui/m05_xdx?hl=es
* https://issuu.com/museumofkorea/docs/nmk_v54/s/12066945

[[Categoría: caligrafo]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Kim Jeong-hui.jpg

2024-01-10T19:48:44Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Kim Hong-do.jpg

2024-01-10T19:16:59Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Kim Hong-do

2024-01-10T19:16:53Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Kim Hong-do |imagen = Kim_Hong-do.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1745 |lugar de nacimiento = An…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Kim Hong-do
|imagen = Kim_Hong-do.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1745]]
|lugar de nacimiento = [[Ansan]], [[Corea]]
|fecha de fallecimiento = [[1806]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania = Coreano
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Gim Seok-moo
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Kim Hong-do''', o Danwon fue un famoso pintor del período Joseon. Kim es considerado uno de los más importantes artistas de su época por ser una figura clave de las nuevas tendencias de su época.

==Síntesis biográfica==
Fue un miembro del clan Gimhae Kim. Creció en lo que hoy es Ansan, Corea del Sur. Cuando tenía 7 años, comenzó a estudiar con el renombrado maestro Pyoam Kang Se-hwang, que en ese entonces vivía en aislamiento en Ansan.

En [[1766]], ganando recomendación de su maestro Kang3 Danwon entró a la corte como un miembro (hwawon) de Dohwaseo, órgano de los pintores en Joseon.

En [[1771]], pintó un retrato de príncipe real (luego Rey Jeongjo).

En [[1773]], lo ayudó a Byeon Sang-byeok quien obra fue completar el retrato del Rey Yeongjo (1694–1724–1776).

En [[1776]], pintó "Diecinueve Inmortales Taoístas", que agrandó su reputación dramáticamente. Siguiente, el próximo [[Rey Jeongjo]] comandó al pintor a pintar muchas figuras de la corte.

Pese a todo, no pudo gozar su mismo debido a pobreza y soledad.

Hoy en día es recordado como uno de los «Tres Wons», junto con [[Hyewon]] y [[Owon]]. Además, a menudo es considerado como uno de los tres maestros pintores de todo el período Joseon, junto con Owon y An Gyeon.

La ciudad de Ansan donde vivió en su niñez y aprendió su primera pintura nombró un distrito como danwon-gu, Anualmente, el distrito ha celebrado Danwon festival de arte.

==Obras==
* [[1773]]: Indian Prophet
* [[1776]]: The Nineteen Taoist Immortals
* ChongSeokJeong
* Un gallo y mariposa, Hwangmyonongjeopdo
* Un tigre bajo piña, Songhamaenghodo

== Fuentes ==
* https://artsandculture.google.com/entity/kim-hong-do/m0749cz?hl=es
* https://www.wikiwand.com/es/Kim_Hong-do
* https://www.meisterdrucke.es/artista/Kim-Hong-Do.html

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Gang Se-hwang

2024-01-10T17:12:42Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Gang Se-hwang |imagen = Gang_Sehwang.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 25 de enero de 1713 |luga…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Gang Se-hwang
|imagen = Gang_Sehwang.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[25 de enero]] de [[1713]]
|lugar de nacimiento = [[Jinju]], [[Gyeongsang]] del Sur
|fecha de fallecimiento = [[1791]]
|lugar de fallecimiento = [[Hanseongbu]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Caligrafo y Pintor
|conocido = Kang Sehwang
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Kang Hyeon
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Gang Se-hwang''', o Kang Sehwang fue un alto funcionario del gobierno, pero también un pintor, calígrafo y crítico de arte muy representativo de la Dinastía Joseon de Corea.

==Síntesis biográfica==
Nació en Jinju, Gyeongsang del Sur como hijo de Kang Hyeon.

Entró en servicio real durante sus sesenta años de edad, fue un alto funcionario del gobierno, pero también un pintor, calígrafo y crítico de arte muy representativo de la Dinastía Joseon de Corea.

Kang persiguió y estableció muninhwa ("pinturas de personas cultas", en referencia a los seonbi coreanos o literatos de clase alta) con su propia creatividad. Ayudó a desarrollar el estilo de pintura de la "visión verdadera" y fue profesor de Kim Hongdo.

Fue perseguido y estableció muninhwa con su propia creatividad.

== Fuentes ==
* https://artsandculture.google.com/entity/gang-se-hwang/m03cchmz?hl=es
* https://artsandculture.google.com/entity/gang-se-hwang/m03cchmz

[[Categoría: Caligrago]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Gang Sehwang.jpg

2024-01-10T17:07:01Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Shin Yun-bok

2024-01-10T16:59:03Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Shin Yun-bok |imagen = Shin_Yun-bok.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1758 |lugar de nacimiento = …»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Shin Yun-bok
|imagen = Shin_Yun-bok.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1758]]
|lugar de nacimiento = [[Corea]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación =
|conocido = Hyewon
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Shin Yun-bok''', o más conocido por su seudónimo, Hyewon fue un pintor de Joseon. Con sus contamporáneos, Danwon y Geungjae, tiene un gran nombre en descripciones realistas de las vidas diarias de los públicos. Sus obras son relativamente más eróticas que las de Danwon, resultando su expulsión desde la corte.

==Síntesis biográfica==
Fue un hijo del pintor real Hanpyeong, colaborando un proceso de completar el retrato del rey Yeongjo y Jeongjo.

Hyewon ascendió un rango oficial de cheomjeoljesa, hanja en el organ de dibujos llamado Dohwaseo y fue famoso por los estilos diversos de pinturas: pinturas de género, paisaje y animales. Se considera Hyewon produjo muchas obras debido a su popularidad en su época.

Aunque sus figuras ganaron gran influencia pero fue ocupadas por Kim Hong-do en unos puntos, él continuaba su estilo único. Comparado su estilo con de Danwon, Shin demostraba unos aspectos eróticos por dibujar unas vidas diarias y kisaeng. La selección suya de figuras, composición, y gráfica era muy diferente del estilo de Kim por usar los coroleres claros. Y además, Hyewon pintó unas escenas de chamanismo, vida diaria que ofrecen moda de vidas y costumbres de Joseon.46

Sus paisajes utilizaron pinceladas activas que tuvieron la similitud con las obras de Yoon Jehong (윤제홍), un precursor de adaptar nuevos estilos. Especialmente, la característica fue no dejar margen en lienzo. Normalmente, los dibujos coreanos tuvieron tendencia de no llenar toda parte de lienzo lo que no pasaron sus pinturas.7 Pese a todo que escribiera unas versas cortas y sigilos en gran mayoría de sus obras, ningunas indican no dato ni duración de obra lo que da gran dificultad de definar pregreso de su estilo. Como un gigante pintor, lo ejerció gran influencia a sus seguidores.

==Obras==
* Retrato de belleza
* Espera
* Mujer en sombrero
* Mujer en un mercado de pez
* Mujer jugando geomungo
* Mujer vestiéndose jangot
* Mujer en sombrero rojo
* Scenery on dano
* Una escena de borrachera
* Gummu, el baile de espadas
* Novios bajo luna

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/shin-yun-bok
* https://artsandculture.google.com/entity/sin-yun-bok/m0749t2
* https://spanish.korea.net/NewsFocus/HonoraryReporters/view?articleId=196361
* https://expresionconarte.com/shin-yun-bok/

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Shin Yun-bok.jpg

2024-01-10T16:58:37Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Shengmo Xiang

2023-12-13T21:44:57Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona | nombre = |nombre completo = Xiang Shengmo |imagen = Xiang_Shengmon.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1597 |lugar de nacimiento…»

{{Ficha Persona
| nombre =
|nombre completo = Xiang Shengmo
|imagen = Xiang_Shengmon.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1597]]
|lugar de nacimiento = [[Jiaxing]], [[China]]
|fecha de fallecimiento = [[1658]]
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = China
|ciudadania = China
|educación =
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Xiang Deda
|familiares = Abuelo: Xiang Yuanbian y Bisabuelo: Xiang Quan
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Xiang Shengmo''', fue un destacado pintor chino de la dinastía Ming. Era originario de Xiushui. Su nombre de cortesía era Kongzhang y sus nombres artísticos eran Yi'an y Xushan Qiao. Era nieto del gran coleccionista de pinturas Xiang Yuanbian. La pintura de Xiang siguió el estilo de Wen Zhengming.

==Síntesis biográfica==
Era originario de Xiushui actualmente se conoce como Jiaxing, provincia de Zhejiang.

Su nombre de cortesía era Kongzhang (孔彰) y sus nombres artísticos eran Yi'an (易庵) y Xushan Qiao (胥山樵). Era nieto del gran coleccionista de pinturas Xiang Yuanbian (項元汴).

La pintura de Xiang siguió el estilo de Wen Zhengming. Xiang se especializó en paisajes y flores con un gusto elegante.

Disfrutó de dos ventajas importantes en sus primeros años como pintor ya que su abuelo Xiang Yuanbian poseía la mayor colección de obras maestras antiguas del reino y Dong Qichang, cuyas teorías fueron tan influyentes en los círculos artísticos del [[siglo XVII]], sirvió durante un tiempo como tutor en su casa, mantuvo una amistad con el pintor mayor. Con este trasfondo inusual, lográndo una gama excepcional, como se desprende de este álbum diverso de temas florales y paisajísticos.

== Fuentes ==
* https://www.metmuseum.org/art/collection/search/747457
* https://artsandculture.google.com/entity/m047pnyp?hl=it

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Xiang Shengmon.jpg

2023-12-13T21:44:26Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Carlos Eduardo Cruz-Diez.jpg

2023-11-07T19:32:51Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Carmelo Fernandez.jpg

2023-11-07T19:08:38Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Braulio Choque Mamani

2023-10-20T18:54:15Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Braulio Choque Mamani |imagen = Braulio_Choque.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 25 de marzo de 19…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Braulio Choque Mamani
|imagen = Braulio_Choque.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[25 de marzo]] de [[1980]]
|lugar de nacimiento = [[Huari]], [[Perú]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Boliviana
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Braulio Choque Mamani''', investigador, escritor, pintor y cantautor boliviano, conocido también por su seudónimo artístico como "Sergio Diky".

==Síntesis biográfica y trayectoria artística==
Nació en Oruro, en la localidad de Huari2 el [[25 de marzo]] de [[1980]].

Choque estudio química industrial y construcción civil, además se describe como cantautor y poeta, no ha tenido formación académica en literatura, sin embargo su trabajo ha llamado la atención de investigadores internacionales y ha sido publicado en español, aimara, quechua e inglés por centros de investigación bolivianos y en revistas de antropología en [[España]] y [[Estados Unidos]].

Ha recolectado las tradiciones orales y mitos aimaras, quechuas y urus de la región del sur de Oruro y publicado varias obras acerca de los mitos, leyendas, tradiciones y cuentos de esa región del altiplano boliviano.

Sus investigaciones fueron publicadas el año [[2001]] en la Gazeta Antropológica de la Universidad de Granada de España4 y han sido publicadas en revistas internacionales de antropología.

Entre sus obras, ha publicado dos recopilaciones de leyendas y mitos titulados Layra Parla y Layra Parla 2, que significa "cuentos hablados" o "cuentos antiguos" en aimara; ambos libros además han sido ilustrados por el autor.

Entre las historias que ha recopilado el investigador, sobresale la narración de la travesía de Thunupa o Tunupa, volcán ubicado al sur del departamento de Oruro, al que la tradición del altiplano boliviano atribuye características antropomorfas de una mujer que todos los años realizaba un largo viaje desde el altiplano hacia el valle con caravanas de llamas, cargadas de sal para intercambiarla por maíz. La mitología andina ofrece una explicación fantástica sobre el paisaje de la región del sur del altiplano boliviano.

==Obras==
* Layra Parla, Cuentos e Historia Antiguas de Huari.
* [[1999]] Landscape, Gender, and Community: Andean Mountain Stories.
* [[2001]] Tatira y Sap'achuri, dioses de la mitología chipaya.
* [[2006]] Layra Parla.
* [[2009]] La región de Huari. Recursos naturales y cultura.
* [[2010]] Layra Parla, cuentos e historias antiguas de Huari.
* [[2016]] Layra Parla 3, Cuentos e Historia Antiguas de Tradición Oral.

== Fuentes ==
* https://www.archivoybibliotecanacionales.org.bo/index.php?option=com_joodb&view=article&joobase=6&id=202013:choque-mamani-braulio&Itemid=165
* https://diccionario.sensagent.com/Braulio%20Choque/es-es/
* https://bo.linkedin.com/in/braulio-choque-5274a8199
* https://www.pinterest.com/brauliochp26/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Braulio Choque.jpg

2023-10-20T18:53:56Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Archivo:Banjamin Mendoza.jpg

2023-10-19T20:27:32Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Fanny Ingeborg Matilda Brate

2023-09-02T17:23:04Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Fanny Ingeborg Matilda Brate |imagen = Fanny_Brate.png |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1862 |lugar de…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Fanny Ingeborg Matilda Brate
|imagen = Fanny_Brate.png
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1862]]
|lugar de nacimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|fecha de fallecimiento = [[22 de abril]] de [[1940]]
|lugar de fallecimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Sueca
|ciudadania =
|educación = Real Academia Sueca de las Artes
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Erik Brate
|hijos = Torun Munthe, Ragnhild Brate, Astrid Billström, Ingegärd Langlet
|padres = John Frederic Oscar Gustaf Ekbom y Henriette Alexandrine Dahlgren
|familiares = Nieta: Astrid Munthe de Wolfe, Bisnieto: Lorne de Wolfe
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Fanny Ingeborg Matilda Brate''', fue una pintora sueca. Sus obras influenciaron a [[Carl Larsson]] en sus acuarelas sobre la vida familiar idílica.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[Estocolmo]], [[Suecia]] fue hija del matrimonio formado por John Frederic Oscar Gustaf Ekbom, que trabajaba para el príncipe Carlos, duque de Västergötland, y Henriette Alexandrine Dahlgren.

En [[1880]], a la edad de 18 años, fue aceptada en la Real Academia Sueca de las Artes, tras haberse graduado en el Konstfack.

En 1887 contrajo matrimonio con el runólogo Erik Brate (1857-1924), con quien tuvo cuatro hijas: Astrid (1888–1929), Torun (1891–1993), Ragnhild (1892–1894) e Ingegerd (1899–1952). Tras el matrimonio Brate se vio forzada a dejar la pintura, pero continuó participando en el mundo artístico sueco como mecenas de otros artistas.

==Trayectoria artistica==
En [[1885]] recibió una Medalla Real en reconocimiento por su hábil obra Konstvänner ("Amigos del arte"), la cual retrata a la propia Brate rodeada por una multitud de niños.

Es más conocida, sin embargo, por Namnsdag ("Un día de celebración"), pintada en 1902 y que se exhibe actualmente en el Museo Nacional de Estocolmo.

Además, Fanny Brate ilustró varios libros infantiles, como Mormors eventyr ("Las aventuras de la abuela").

El Museo Nacional organizó en [[1943]] una exposición memorial en la que se exhibieron 126 obras de su autoría. Trabajó tanto óleo como acuarelas. Su trabajo tiene un valor de patrimonio cultural significativo, ya que representa la vida de la burguesía sueca en el [[siglo XIX]].

===Obras===
* 1885 | 23 años. La burla. Óleo sobre lienzo. Colección particular 76 x 98 cm.
* 1889 | 27 años. Duerme dulcemente. Óleo sobre tabla. Colección particular 11 x 19.5 cm.
* 1902 | 40 años. Un día de celebración. Óleo sobre lienzo. Nationalmuseum. Estocolmo 88 x 110 cm.
* 1903 | 41 años. La anciana ciega. Óleo sobre lienzo. Nationalmuseum. Estocolmo 56 x: 47 cm.

==Muerte==
Murió en 1940 en Estocolmo. Tres años después, el Museo Nacional organizó una exposición en la que se exhibieron 126 obras de su autoría. Desde entonces, se ubica entre los pintores más importantes de su país.

== Fuentes ==
* https://www.epdlp.com/pintor.php?id=16507
* https://www.wikiart.org/es/fanny-brate
* https://www.infobae.com/cultura/2021/03/17/la-belleza-del-dia-un-dia-de-celebracion-de-fanny-brate/
* https://www.musee-orsay.fr/es/articulos/adquisicion-konstvanner-amigos-del-arte-de-la-pintora-sueca-fanny-brate-218590

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Gustaf Olof Hjortzberg

2023-09-02T17:08:07Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Gustaf Olof Hjortzberg |imagen = Olle_Hjortzberg.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 14 de noviembre…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Gustaf Olof Hjortzberg
|imagen = Olle_Hjortzberg.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[14 de noviembre]] de [[1872]]
|lugar de nacimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|fecha de fallecimiento = [[8 de marzo]] de [[1959]]
|lugar de fallecimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Sueco
|ciudadania =
|educación = Real Academia Sueca de las Artes
|alma máter =
|ocupación =
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Arvid Hjortzberg
|familiares =
|obras =
|premios = Medalla del Príncipe Eugenio
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Gustaf Olof Hjortzberg''', fue un pintor e ilustrador sueco. Se le recuerda sobre todo por contribuir al renacimiento de las pinturas murales en las iglesias suecas.

==Síntesis biográfica==
Nació [[14 de noviembre]] de [[1872]] en [[Estocolmo]], [[Suecia]] se crió en Linköping, donde su padre le enseñó a pintar acuarelas.

En [[1886]] se trasladó a Estocolmo, donde conoció al arquitecto e ilustrador [[Agi Lindegren]], quien le inició en el trabajo ornamental a partir de [[1892]] estudió en la Real Academia Sueca de las Artes.

Al contraer matrimonio en [[1898]], viajó con su esposa a [[París]] y, en [[1899]], a [[Italia]], donde visitó Florencia y Perugia, luego viajó a [[Siria]] y [[Palestina]] donde el ambiente oriental influyó en su arte. En [[1902]], visitó [[Londres]] antes de regresar a Italia, donde permaneció un tiempo en [[Roma]] estudiando a los antiguos maestros antes de viajar a Rávena para ver el arte bizantino.

En [[1905]], regresó a Suecia donde se dedicó al arte cristiano, primero diseñando vidrieras para la iglesia Katarina de Estocolmo y luego decorando el techo de la iglesia Klara con escenas de la vida de Cristo.

En [[1913]] decoró el Uppenbarelsekyrkan de Saltsjöbaden con figuras cristianas de colores intensos en un estilo inspirado en el arte bizantino y asirio. Pintó otros murales en iglesias suecas y decoró varios retablos.

Participó activamente como ilustrador, contribuyendo a la Biblia de Gustav V (publicada en [[1925]]), creando un cartel para los Juegos Olímpicos de Estocolmo ([[1912]]) y diseñando sellos conmemorativos.

Enseñó en la academia desde [[1911]] a [[1937]] y fue director hasta [[1941]].

==Premios==
En [[1945]], Hjortzberg recibió la Medalla Príncipe Eugen.

==Fallecimiento==
El [[8 de marzo]] de [[1959]] en la Ciudad de Estocolmo, Suecia.

== Fuentes ==
* https://www.artnet.com/artists/olle-hjortzberg/
* https://www.mutualart.com/Artist/Olle-Hjortzberg/A6924F7D6B7C88C3
* https://www.pinterest.co.uk/veenatiernan/olle-hjortzberg-swedish-artist/

[[Categoría: Ilustrador]] [[Categoría: Pintores]]

Gerda Roosval-Kallstenius

2023-08-05T16:16:02Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Gerda Roosval-Kallstenius |imagen = Gerda_Roosval.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 10 de febrero de…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Gerda Roosval-Kallstenius
|imagen = Gerda_Roosval.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[10 de febrero]] de [[1864]]
|lugar de nacimiento = [[Kalmar]], [[Suecia]]
|fecha de fallecimiento = [[21 de agosto]] de [[1939]]
|lugar de fallecimiento = [[Västervik]], [[Kalmar]], [[Suecia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Sueco
|ciudadania =
|educación = Real Academia Sueca de Bellas Artes
|alma máter =
|ocupación = Pintora y Paisajista
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos = Evald Kallstenius
|padres = John Roosval y de Johanna Kramer
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''SGerda Roosval-Kallstenius''', fue una pintora sueca que se especializó en paisajes y escenas con figuras.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[10 de febrero]] de [[1864]] en [[Kalmar]], [[Suecia]], en Era hija del empresario John Roosval y de Johanna Kramer. La familia de su padre tuvo varias personas notables en el mundo de las artes creativas, incluidos sus tíos maternos, el historiador de arte Johnny Roosval y el cineasta temprano Albin Roosval.

Roosval-Kallstenius creció en Kalmar y fue enviada a Montreux después de terminar la escuela de niñas, donde profundizó su dominio del francés y obtuvo inspiración artística. Después de regresar a Kalmar en junio de [[1881]], Christine Sundberg, una de las primeras mujeres en estudiar en la Real Academia Sueca de Bellas Artes, le enseñó dibujo y pintura.

En [[1884]], Roosval-Kallstenius se mudó a Estocolmo para estudiar en la Escuela Técnica (ahora Konstfack) hasta [[1885]]. En este momento recibió orientación en pintura de Ferdinand Stoopendaal. Estos estudios preparatorios finalmente consiguieron que fuera admitida en la Academia de Bellas Artes en el otoño de 1886.1

En 1891 se casó con el también pintor Gottfrid Kallstenius.2 Su hijo, Evald Kallstenius, también se convirtió en pintor.

Al recibir su marido una beca, se trasladaron a París 3 y se establecieron en la colonia de arte sueca de Grez-sur-Loing . Mientras estuvo allí, continuó su formación con Raphaël Collin.2 Tras viajar a Italia, la pareja regresó a Suecia en 1896.

Murió el 21 de agosto de 1939 en Västervik. Su trabajo se encuentra en los principales museos de Suecia, tales como el Museo Nacional de Estocolmo4 el Kialmar Konstmuseum y el Östergötlands museum.

==Obras==
* Parkland con un hombre sentado y un perro (1890)
* Retrato de la Sra. K. (realizado por Elisabeth Warling)
* Día de verano - Clima frío (Le Pouldu, Bretaña 1891)
* París en primavera (1892)
* El hijo del artista, John, come mientras su niñera, Selma, está esperando. (Borsö, c: 1896)
* Jugando al dominó (1912)
* Retrato de Astrid Setterwall Ångström (1914)
* Retrato de Ellen Roosval von Hallwyl (1918)
* Baño en el acantilado (1931)

== Fuentes ==
* https://www.artnet.com/artists/gerda-roosval-kallstenius/
* https://www.instagram.com/roosval_kallstenius/?hl=es
* https://www.pinterest.com/pin/576179346064933274/
* https://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/2022/03/Gerda-Roosval-Kallstenius.html

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Gerda Roosval.jpg

2023-08-05T16:15:48Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Sven Richard Bergh

2023-08-05T16:04:21Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Sven Richard Bergh |imagen = Richard_Bergh.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 28 de diciembre de 18…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Sven Richard Bergh
|imagen = Richard_Bergh.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[28 de diciembre]] de [[1858]]
|lugar de nacimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|fecha de fallecimiento = [[28 de junio]] de [[2002]]
|lugar de fallecimiento = [[Estocolmo]], [[Suecia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Sueco
|ciudadania =
|educación = Real Academia de Bellas Artes de Suecia
|alma máter =
|ocupación = Pintor y Paisajista
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Gerda Ingeborg Winkrans
|hijos =
|padres = Edvard Bergh y Amanda Helander
|familiares = Maja Bergh Holtermann, Kerstin Bergh-Bergman (Hijas), Mona Dan-Bergman (nieta)
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Sven Richard Bergh''', reconocido pintor sueco, destaca por sus pinturas retratistas y paisajistas relacionadas con Suecia. Desde [[1915]] hasta su muerte fue director de la Agencia Sueca en el Museo Nacional Sueco, en cuya actuación también destacó notablemente.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[28 de diciembre]] de [[1858]] en [[Estocolmo]], [[Suecia]], fue hijo del prominente pintor paisajista Edvard Bergh y creció en un hogar con un interés activo por ocupaciones intelectuales y artísticas. Después de cuatro años de estudio en la Real Academia de Bellas Artes de Suecia, en Estocolmo, siguió su formación en Paris en 1881.

Paso su infancia en Estocolmo, su primer contacto con el arte tuvo lugar por parte del profesor y artista Edvard Perseo.

En [[1878]] empieza su formación en la Real Academia Sueca de las Artes en la que concluye en [[1881]] empezando a trabajar en escenas pintadas de la historia de Suecia, en ese mismo año se traslada a París para estudiar en la Académie Colarossi, debutando como pintor en [[1883]].

==Trayectoria artística==
En [[1885]] se une con varios artistas nórdicos "exiliados" a [[París]] al movimiento opositor, motivada por su razón de la dirección conservadora de la academia sueca, por el cual fue secretario del movimiento al año siguiente.

Creó principalmente retratos y paisajes, durante su estancia en [[Francia]], se sintió atraído hacia el naturalismo y la pintura al aire libre, sin ser influenciado por el impresionismo , sino más bien mostrar el rasgo de la familia de Jules Bastien-Lepage.

En la década de [[1880]] sus pinturas se caracterizan por prevalecerse al realismo y los elementos del romanticismo corrientes, también se caracteriza sus primeros retratos de artistas, cómo Nils Kreuger (1883, Statens Museum for Kunst, Copenhague ), hizo su debut en exposiciones de París ese año.

Pintó en [[1885]] fästmöporträttet de Helena Klemming , en los años siguientes se casó y pintó la famosa esposa del retrato.

En el invierno de [[1886]] , trabajó en la "sesión hipnótica" de París. Su esposa Helena era la modelo para el simbólico pintura "Girl and Death" ([[1888]], Prince Eugene Waldemarsudde ), que antes de [[1889]] moriría de una enfermedad incurable.

Los retratos de la década de [[1890]] hacía delante muestran una tendencia similar, con matices psicológicos, como en las tristes representaciones en el retrato de Eva Bonnier, August Strindberg, (colección de retratos de Bonnier) y Gustaf Fröding, este último cautivador igualmente como acertada imagen de una figura de poeta trágico. En 1890 se casó con Gerda Winkrans.

Fue una de las figuras prominentes en la escena del arte sueco desde hace mucho tiempo y también hizo contribuciones importantes a una generación más joven de artistas a través de la escuela de arte en la Asociación de Artistas realizada en Estocolmo, donde Bergh era autodidacta.

En [[1915]] fue nombrado superintendente y director del Museo Nacional , donde comenzó un minucioso trabajo de remodelación, involucrándose en su éxito de los últimos años.

Contribuyó a modernizar la exposición de arte y directrices de compra, y el consumo del arte sueco. También fue un brillante escritor y se dedicó con diligencia a artículos y ensayos considerando nuevas direcciones en la escena del arte contemporáneo.

==Obras==
* Sesión cerrada (1884)
* Eva Bonnier (1889)
* Tarde de verano nórdico (1889-1900)
* Escenas de Visby (1894)
* Retrato de August Strindberg (1905)
* Retrato de Gustav Fröding (1909)
* Retrato de Branting Hjalmar

== Fuentes ==
* https://www.uv.es/capelo/Richard_Bergh.html
* https://trianarts.com/richard-bergh-romanticismo-sueco-del-siglo-xix/#sthash.su788EMe.dpbs
* https://artsandculture.google.com/entity/richard-bergh/m0806vtp?hl=es

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Richard Bergh.jpg

2023-08-05T16:04:07Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Carmelo Heriberto Alves

2023-07-15T14:36:34Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Carmelo Arden Quin |nombre completo = Carmelo Heriberto Alves |imagen = Carmeloardenquin.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento =…»

{{Ficha Persona
|nombre = Carmelo Arden Quin
|nombre completo = Carmelo Heriberto Alves
|imagen = Carmeloardenquin.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[24 de septiembre]] de [[1928]]
|lugar de nacimiento = [[Rivera]], [[Uruguay]]
|fecha de fallecimiento = [[27 de septiembre ]] de [[2010]]
|lugar de fallecimiento = [[Savigny-sur-Orge]], [[Francia]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Uruguayo
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor, escultor y teórico.
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios = Premio Konex
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Carmelo Alves Oyarzum''' o '''Carmelo Heriberto Alves''' como también se le conocía, fue un artista plástico uruguayo que destacó en pintura y escultura, fundador junto al argentino-húngaro Gyula Kosice del arte Madí.

==Síntesis biográfica==
Nació en [[Rivera]], [[Uruguay]], el [[24 de septiembre]] de [[1928]] y no fue hasta [[1932]] que comenzó a tomar clases de pintura en Santana do Livramento, [[Brasil]] con el español [[Emilio Sanz]].

En [[1936]] realizó sus primeras pinturas no ortogonales, transgrediendo los límites tradicionales del marco.

===Trayectoria Artística===
Conoció a [[Joaquín Torres García]] en enero de [[1935]], cuando asistió a su conferencia "Geometría, creación, proporción" en la Sede de la Sociedad Teosófica; este hecho determinó su futura inclinación hacia la abstracción y lo consideró su maestro.

En noviembre de ese mismo año, también exhibió sus formas planas de colores primarios en la exposición colectiva de artes plásticas a beneficio de los intelectuales españoles en el Ateneo de Montevideo.

En [[1938]] se instaló en Buenos Aires donde frecuentó a los artistas de vanguardia y estudió Filosofía y Letras en la Universidad. En esta ciudad comparte el taller con el artista chileno Miguel Martínez.

En julio de [[1939]] asistió a una retrospectiva de Emilio Pettoruti en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo y estableció relación con el pintor uruguayo [[Rhod Rothfuss]]. Poco tiempo después y ya otra vez en Buenos Aires conoció a Gyula Kosice (un adolescente que se dedicaba a la marroquinería), Bayley y [[Godofredo Iommi]].

En [[1941]] participó en la fundación del periódico bimestral El Universitario, donde publicó sus ideas políticas y estéticas.

En [[1944]] publicó el primer y único número de la Revista Arturo, revista de arte abstracto de América Latina, en la que participaron Joaquín Torres García, [[Vicente Huidobro]], [[Tomás Maldonado]], [[Rhod Rothfuss]] y [[Gyula Kosice]], entre otros. El artículo de apertura, firmado por Arden Quin, se tituló “Introducción al manifiesto. El móvil”.

En [[1946]] formó el Grupo Madí, junto a Rhod Rothfuss y Gyula Kosice. [[Arden Quin]] realizó la lectura del Manifiesto Madí en el Instituto Francés de Estudios Superiores y participó en las exposiciones realizadas en la Galería Van Riel y en la Escuela Libre de Artes Plásticas Altamira. Integró la Primera Exposición Madista Internacional, organizada en el Ateneo de Montevideo. Realizó obras de marco poligonal, estructuras móviles, coplanares, cuadros-objeto y obras cóncavo-convexas.

En [[1948]] viajó a [[París]], donde frecuentó a [[Michel Seuphor]], [[Marcelle Cahn]], [[Auguste Herbin]], [[Jean Arp]], [[Georges Braque]] y [[Francis Picabia]], entre otros artistas de vanguardia. Allí realizó numerosas exposiciones y participó en el Salon des Realités Nouvelles.

En [[1954]] regresó por breve tiempo a la Argentina y junto a Aldo Pellegrini fundó la Asociación Arte Nuevo que, integrada por artistas de diferentes tendencias no figurativas (como Ana Sacerdote y Martín Blaszko), realizó su primera exposición en la Galería Van Riel en 1955.

A su regreso a París continuó su trabajo y en este período introdujo en su obra el collage y el découpage, recurso que utilizaría en forma exclusiva hasta [[1971]], año en que retomó la pintura.

En [[1962]] creó la revista Ailleurs y, durante esa década participó en el movimiento de Poesía Concreta.

Entre las últimas exposiciones individuales estuvo en la Galerie Charley Chevalier, París ([[1973]]); Galerie Quincampoix, París ([[1977]]); Exposición Homenaje a sus sesenta años, Espace Latino-Americain, París ([[1983]]); Galería Niza, Brescia ([[1986]]); Galerie Down Town, París ([[1987]]); Galería el Patio Bremen, Alemania (1988) y Fundación Arte y Tecnología, Madrid ([[1997]]).

En [[1998]] la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires organizó una importante muestra monográfica titulada Carmelo Arden Quin. Pinturas y objetos [[1945]]-[[1995]].

Participó en importantes exposiciones colectivas, tales como Art in Latin America. The Modern Era (1820-1990), en la Hayward Gallery de Londres ([[1989]]); [[Argentina]]. Arte Concreto Invención [[1945]]; Grupo Madí [[1946]], en la Rachel Adler Gallery de Nueva York ([[1990]]); Arte Madí, en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid ([[1997]]) y Abstract art from Río de la Plata. Buenos Aires and Montevideo [[1933]] a [[1953]] en The Americas Society de Nueva York ([[2001]]).

==Premio==
En [[2012]] la Fundación Konex le otorgó el Premio Konex de Honor como figura ya fallecida de sobresaliente relieve en las Artes Visuales.

==Muerte==
Falleció el [[27 de septiembre]] de [[2010]], a los 97 años, en su casa de [[Savigny-sur-Orge]], cerca de [[París]].

== Fuentes ==
* https://www.wikiart.org/es/carmelo-arden-quin
* https://www.artnexus.com/es/magazines/article-magazine-artnexus/5d63063890cc21cf7c09e2f0/47/carmelo-arden-quin
* https://carmeloardenquin.com/

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Carmeloardenquin.jpg

2023-07-15T14:35:10Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Manuel Vicente Lima San Migue

2023-07-15T14:07:59Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Manolo Lima |nombre completo = Manuel Vicente Lima San Miguel |imagen = Manolo_Lima_ok.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 2…»

{{Ficha Persona
|nombre = Manolo Lima
|nombre completo = Manuel Vicente Lima San Miguel
|imagen = Manolo_Lima_ok.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[24 de mayo]] de [[1919]]
|lugar de nacimiento = [[San Miguel]], [[Rocha]], [[Uruguay]]
|fecha de fallecimiento = [[1 de setiembre]] de [[1990]]
|lugar de fallecimiento = [[Maldonado]], [[Uruguay]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Uruguaya.
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Manuel Vicente Lima''', pintor, dibujante y realizador de afiches, mejor conocido en el ámbito artístico como Manolo Lima.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[24 de mayo]] de [[1919]], en [[San Miguel]], [[Rocha]], [[Uruguay]].

Viaja a Montevideo en el año [[1935]], a la edad de dieciséis años, donde a partir de [[1941]] y hasta [[1945]] estudia con el maestro [[Joaquín Torres García]] de quien recibe una importante influencia que marca toda su carrera y al mismo tiempo asistía al taller de Torres García donde trabajaba como carpintero.

Fundó muchas escuela y a la vez tuvo varios estudiantes, no solo de pintura sino también de cerámica en sus talleres de Pinares, sus cursos los daba en forma gratuita siguiendo el ejemplo de su maestro Joaquín Torres García y su taller era financiado con la venta de sus obras.

Expuso desde [[1941]] en muestras colectivas e individuales, en el Centro de Estudiantes de Derecho, Galería Arte Bella, IV Bienal de San Pablo, Casa de la Cultura de Montevideo, Witcomb de [[Buenos Aires]], Casa de las Américas en La Habana, Casa del Pueblo del Partido Socialista, Galería Santos Dumont, y en Punta del Este, donde residió muchos años, en diversos lugares. Es a partir de su primera muestra en Arte Bella en el año [[1958]] que empieza a vender sus obras.

==Trayectoria Laboral==

Sus obras se encuentran en el Museo [[Juan Manuel Blanes]], en la Cámara de Representantes y en diversas colecciones particulares de todo el mundo.

Sostiene sus tonalidades acostumbradas sobre un dibujo que, a veces, no posee la consistencia que sabe el artista darles cuando sus trabajos concentran toda la fuerte riqueza cromática y estructural que le distingue entre los jóvenes pintores uruguayos.

Siempre sus figuras femeninas y sus desnudos coinciden en verificar una estilización del dibujo y el color, que en muchas ocasiones se manifiesta casi neutro de interferencias, para darnos en una tonalidad ocre la armonía que idealiza el tipo que de la figura especializa su cuadro.

Parecería que en otros no pusiera la misma constancia para lograr desentrañar toda esa gama de recursos que le destaca. Entonces pierden la continuidad rítmica del color y el dibujo.

Lima es un pintor que logra vencer obstáculos en la más sencilla demostración de ágil mancha, sin caer nunca en lo fácil ni en la hábil maniobra efectista. Por el contrario, sus telas radican valoraciones a través de una viviente sensación libre, pero ceñida a los principios básicos que sostienen precisamente esa libre pintura que hoy realiza con solvencia.

Existen algunas telas que así lo afirman. Un desnudo de factura eficaz en cuanto a discernir la entrada del color en los fondos pincelados ligeramente, y destacando el encuentro de los tonos con buen criterio de la sobriedad que debe imperar en un buen cuadro.

Su pintura ha llegado a una faceta en que detiene sus evoluciones.

Desde hace tiempo Lima sostiene esa calidad pictórica en la que su paleta invierte un colorido sensible a su espíritu. Si acaso lo objetivo tiene ganado un derecho de comunicación muy a tiempo saldado con la subjetiva sensación que parte de una capacidad técnica y aflora en la expresividad acentuada de sus personajes.

Suelta más la línea y el trazo cuando trata el paisaje o el detalle de alguna “chimenea”. Pero no agrega nada ¡a sus más enteros trabajos, sino que por el contrario, deshace en algo los contornos y la misma pintura. Por lo demás, en el conjunto de la exposición predomina la fina tendencia de Lima en dorados y carnaciones ocres, así como la insinuación suave y feliz de aspectos fundamentales de la pintura en los pasajes de trozos muy acertados, dentro aún de la buena disposición del total. Ello da asidero a sostener que dentro de la obra de Lima se producen altibajos, y que éstos no desvían la intención del artista en el encuentro expansivo de la expresión.

==Premios==
* Primer Premio en el Salón Universitario, [[1943]].
* Segundo Premio en el Salón Universitario, [[1944]].
* Premio adquisición destino Cámara de Representantes, en el Salón San José, [[1960]].

==Muerte==
Falleció en [[1 de setiembre]] de [[1990]] en Maldonado. Uruguay

== Fuentes ==
*https://www.museos.gub.uy/arteactivo/artistas/item/lima-manolo.html
* http://letras-uruguay.espaciolatino.com/vernazza_eduardo/manolo_lima_un_pintor_de_la_figura.htm

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Manolo Lima ok.jpg

2023-07-15T14:07:43Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Emilio Cornelio Agrelo

2023-06-08T17:34:49Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Emilio Agrelo |nombre completo = Emilio Cornelio Agrelo |imagen = Emilio_Agrelo.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 16 de se…»

{{Ficha Persona
|nombre = Emilio Agrelo
|nombre completo = Emilio Cornelio Agrelo
|imagen = Emilio_Agrelo.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[16 de septiembre]] de [[1856]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[16 de septiembre]] de [[1933]]
|lugar de fallecimiento = Buenos Aires, Argentina
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Argentina
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor, grabador, ensayista, crítico de arte, ingeniero y arquitecto
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge = Carmen Maldonado
|hijos = Emilio, Carmen, Aníbal Antonio, Camilo y Daniel Marcos
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Emilio Cornelio Agrelo''', fue un pintor, grabador, ensayista, crítico de arte, ingeniero y arquitecto argentino. Fue uno de los primeros artistas plásticos en practicar la técnica de aguafuerte, que aún no estaba muy desarrollada en el país.

==Síntesis biográfica==
Nacido en Buenos Aires en 1856, siendo hijo de Emilio Antonio Agrelo y Celestina Zoila Benita Peralta. Realizó sus estudios en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires, donde se recibió de ingeniero.

Estudió dibujo con Francisco Romero en la Asociación Estímulo de Bellas Artes en donde tiempo más tarde desempeñó cargos directivos. Fue alumno de Decoroso Bonifanti,Francisco Cafferatta y José Aguyarí.

Su primer trabajo en aguafuerte fue titulado Los Ombúes, luego Cabo Corrientes,El Nido de Cóndores, Rancho Pobre, Los Hornos, Calle de Belgrano y otros. Realizó también puntas secas y litografías. Su trabajo como pintor se redujo a algunos pocos óleos.

Como arquitecto, proyectó importantes edificios de Buenos Aires, como el Jockey Club, El Bon Marche actualmente Galerías Pacífico, La Facultad de Filosofía y Letras, entre otros. Además, fue ensayista y crítico de arte, colaborando con el diario La Prensa de Buenos Aires.

Junto a Eduardo Sivori inició la técnica del grabado al aguafuerte en Argentina y fueron los primeros aguafuertistas, y que además hincaron sus raíces en el campo y paisajes argentinos. Después del campo, las marinas en el Cabo Corrientes y la montaña abrupta con su obra El nido de cóndores, realizó temas evocadores, descriptivos aun con la falta de elementos para la práctica artística de esa época. Diccionario de Artistas Plásticos en la Argentina de Gesualdo, Biglione y Santos Editorial Inca, Buenos Aires [[1988]].

Asistió a los talleres de la academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, donde más tarde fue profesor. Colaboró como articulista de temas relacionados con la arquitectura y el urbanismo en revistas especializadas como Revista de Arquitectura y El arquitecto.

Fue miembro de la Sociedad Central de Arquitectos, en la que formó parte de la comisión directiva como secretario entre [[1890]] y [[1892]] y como vicepresidente en el periodo [[1904]]-[[1905]].

En [[1897]] estuvo a cargo de la organización de la muestra realizada en la Exposición Nacional de [[1898]], junto a [[Ernesto de la Cárcova]], [[Eduardo Schiaffino]], [[Ángel della Valle]], [[Lucio Correa Morales]], el arquitecto [[Julio Dormal]] y [[Víctor de Pol]].

Casado con Carmen Maldonado tuvo los siguientes hijos: Emilio, Carmen, Aníbal Antonio, Camilo y Daniel Marcos. Emilio Cornelio Agrelo era descendiente de Pedro José Agrelo, presidente de la Asamblea Constituyente del año 1813.

==Muerte==
Pasó los últimos años de su vida en una casita de Flores, transformada por su ingenio en chalet francés. Falleció en esta ciudad, el [[16 de setiembre]] de [[1933]].

==Artes plásticas==
* El anarquista. Aguafuerte.
* Los Ombúes. Grabado. Colección Museo Castagnino+macro.3
* Falaisse.
* Cabo Corrientes. Grabado.
* Rancho pobre. Grabado.
* Los hornos. Grabado.
* Calle de Belgrano. Grabado.

== Fuentes ==
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/dibujo/emilio-cornelio-agrelo
* http://www.revisionistas.com.ar/?p=22002

[[Categoría: Grabado]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Ensayista]][[Categoría: Critico]] [[Categoría: Ingeniero]] [[Categoría: Arquitecto]]

Archivo:Emilio Agrelo.jpg

2023-06-08T17:34:22Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Roberto Bosco

2023-06-08T17:13:27Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Roberto Bosco |imagen = ROBERTO_BOSCO.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 12 de julio de 1939 |lug…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Roberto Bosco
|imagen = ROBERTO_BOSCO.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[12 de julio]] de [[1939]]
|lugar de nacimiento = [[Buenos Aires]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento = [[17 de septiembre]] de [[2013]]
|lugar de fallecimiento = Buenos Aires, Argentina
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Argentina.
|ciudadania =
|educación =
|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Roberto Bosco''', fue un pintor argentino. Realizó exposiciones en [[Argentina]], [[Estados Unidos]], [[Chile]] y [[Brasil]]. Trabaja en distintos soportes como madera, cerámica y papel de diario. Publicó libros de artista, fue un destacado docente.

==Síntesis biográfica==
Nació el [[12 de julio]] de [[1939]] en [[Buenos Aires]], [[Argtentina]].

Se forma como artista en el taller de Demetrio Urruchúa. Cursó estudios de dibujo en Asociación Estímulo de Bellas Artes(A.E.B.A.)y en M.E.E.B.A.

En [[1973]] realizó su primera muestra colectiva en la Galería Witcomb. A partir de entonces continuó exponiendo de manera interrumpida. En la Asociación Estímulo de Bellas Artes participó, en el año 1976, en una exposición Homenaje a Demeterio Urruchúa.

En [[1985]] incursionó en el cine. Estrena la película 350 años de pintura argentina Tokio-París-Buenos Aires en la que se desempeña como director.

Las estampas japonesas presentes en el film fueron un aporte de la Embajada del Japón en la Argentina. El guion está basado en el libro Historia del Arte Argentino de [[Jorge Romero Brest]] con complementos del director. Desde [[1987]] desarrolla una destacada labor como docente abriendo un taller a todos aquellos que desearan estudiar pintura y dibujo.

Numerosos artistas surgieron de su trabajo como maestro, emulando la comprensión, observación y trabajo del arte de su maestro Urruchúa pero con su impronta personal. En el año 1992 participa de la VI Muestra Grandes Plásticos Argentinos1 realizada en la ciudad de General Pico; expone junto a Juan Carlos Castagnino, Raul Soldi, Demetrio Urruchúa y Teresio Fara, entre otros.

A partir de [[1994]] desarrolla una técnica única de reproducción de imágenes que se describe en la Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos [[2004]] del siguiente modo: «se dedica a la creación de monocopias, mediante la incorporación de fotografía junto a técnicas antiguas de grabado que después pasan por un proceso de laqueado. Mediante este sistema Roberto Bosco confecciona libros de imágenes, de colección, numerados y encuadernados artesanalmente.»

En el año [[1996]] publica el libro Imágenes de Tango auspiciado por la Academia Nacional del Tango, con prólogo de Horacio Ferrer. Ese mismo año fue declarado de interés nacional por la ley 28.469.4

En el año [[1998]] la America Society Inc. adquiere la serie de Libro de Artista Sueños y Tangos. Un año después, en 1999, Ediciones Institucionales selecciona dos de sus pinturas para el libro Arte Trascendental Argentino.5 Ese mismo año fue seleccionado para la ilustración central de la etiqueta del vino Alma del Sur. Luego realiza una exposición individual invitado por la bodega Wente a la que pertenece dicho vino. La Muestra se realizó en California, Estados Unidos, donde el artista presentó nuevas obras y libros.

En el [[2001]] dos de sus obras se incluyen en el libro Arte Argentino Actual.

Expuso individualmente en la Euroamerica Galleries en Nueva York en el año [[1999]]. En el año 2000 en Cuiaba, Matogrosso. Y en el 2001, nuevamente en la Euroamerica Galleries de Nueva york.

En el [[2004]] fue incluido en la Enciclopedia Ibereoamericana de Artistas plásticos Contemporáneos (QCC, Art Gallery Queensrorough Community College the City University of New York) citada anteriormente. Recientemente editó la colección de cuatro tomos: 'Tangos, Sueños, Lenguaje de las manos y Así es la vida. Los dos primeros están basados en las pinturas de las ediciones anteriores junto con nueva obra mientras que Lenguaje de las manos y Así es la vida presentan obra inédita.

La colección fue editada por Dan Rodríguez Villar. El diseño fue realizado por Micaela Blaunstein y la encuadernación por Eduardo Tarrico. La edición del libro es del año 2008.

Desde el año 2001 hasta la actualidad trabaja en la serie “Diario de Imágenes”. El artista interviene el diario Clarín utilizando tintas, pasteles, lápices.

== Fuentes ==
* https://cargocollective.com/bosco/roberto-bosco
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/roberto-bosco

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:ROBERTO BOSCO.jpg

2023-06-08T17:13:09Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Rubén Albornoz Lombardo

2023-05-19T20:03:09Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = Rubén Albornoz Lombardo |nombre completo = Rubén Óscar Albornoz Lombardo |imagen = Ruben_Albornoz.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de na…»

{{Ficha Persona
|nombre = Rubén Albornoz Lombardo
|nombre completo = Rubén Óscar Albornoz Lombardo
|imagen = Ruben_Albornoz.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[17 de febrero]] de [[1938]]
|lugar de nacimiento = [[Temperley]], [[Argentina]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Argentina
|ciudadania =
|educación = Bellas Artes en la escuela número 1 de la ciudad de Mar del Plata.
|alma máter =
|ocupación = Pintor artístico, Retratista.
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Rubén Albornoz Lombardo''', es un pintor y artista argentino residente en Madrid (España), conocido por sus escenas costumbristas, paisajes y especialmente sus retratos.

==Síntesis biográfica y trayectoria artística==
Nació en Temperley, provincia de Buenos Aires, [[Argentina]].

Estudió Bellas Artes en la escuela número de la ciudad de Mar del Plata, obteniendo dos premios extraordinarios en la especialidad de retratos.

Amplió su formación, como pintor y como artista en Londres, EE.UU. y España. Intelectualmente formado, asume su responsabilidad con apasionado fervor, realizando obras de composición fundamentalmente figurativas.

En el año [[1974]] se instala en [[España]], integrándose en el ambiente artístico madrileño.

En 1979 expuso individual en la Galería Chelsea de Madrid, en 1990 colectiva de Homenaje al Marqués de Pontejos en la Caja de Madrid.

Fue copista del Museo del Prado. En [[1983]] participa en la exposición colectiva "Madrid visto por sus pintores" en el círculo de Bellas Artes de Madrid y fue seleccionado por el Congreso de los Diputados de España para participar en el concurso y exposición pública por su obra titulada Arreglando el país.

En [[1989]] forma parte del colectivo de artistas de la galería Infantas de Madrid. En [[1995]] participa como invitado en la mesa redonda "La pintura de retrato" de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles.

Obtuvo en [[1991]] el Primer Premio Mendelsohn al Retrato en la Asociación de Escritores y Artistas Españoles por el retrato del poeta y humanista Rafael Cansinos Assens.

En [[1995]] ejecutó el retrato de Elena de Borbón y Grecia Duquesa de Lugo encargado por la Asociación de Escritores y Artistas Españoles como regalo de boda. Su producción pictórica se caracteriza por retratos y escenas costumbristas de Madrid de finales del [[siglo XX]], destacando su amplia producción del entorno de la Plaza Mayor.

== Fuentes ==
* https://www.rubenalbornoz.com/
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/ruben-albornoz-lombardo
* https://es.artprice.com/artista/82893/ruben-albornoz-lombardo

[[Categoría: Retratista]] [[Categoría: Pintores]]

Archivo:Ruben Albornoz.jpg

2023-05-19T19:57:23Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Lajos Szalay

2023-05-19T19:17:27Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Lajos Szalay |imagen = Lajos_Szalay.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 26 de febrero de 1909 |lu…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Lajos Szalay
|imagen = Lajos_Szalay.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[26 de febrero]] de [[1909]]
|lugar de nacimiento = [[Miskolc]], [[Hungría]]
|fecha de fallecimiento = [[1 de abril]] de [[1995]]
|lugar de fallecimiento = [[Lima]], [[Perú]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad =
|ciudadania =
|educación = Academia Nacional de Bellas Artes de Budapest
|alma máter =
|ocupación = Dibujante e ilustrador y Pedagógica.
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos = María Clara
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Lajos Szalay''', fue un dibujante e ilustrador nacido en Hungría, de importante labor artística y pedagógica en Argentina.

==Síntesis biográfica==
Nació en una aldea en el distrito de Michalovce, en la actual Eslovaquia.

Comenzó su carrera como pintor, pero pronto abandonó el tono y el color, adoptando el dibujo con tinta como único medio de expresión.

En [[1927]] inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes de Budapest, egresando con honores en [[1935]].

En [[1946]], conoció a [[Iván Boldizsár]] con quien viajó a [[París]]. Al año siguiente estudió con [[Georges Rouault]] por una beca de la UNESCO.

Se dedicó a la docencia artística en la misma academia, sin dejar de producir su obra, hasta que comenzó la Segunda Guerra Mundial y fue reclutado como soldado en el Frente Oriental.

En [[1948]], por consejo médico, viajó al tórrido norte de [[Argentina]]. Rápidamente consiguió trabajo como docente en la Universidad de Tucumán, en San Miguel de Tucumán donde aprendió el idioma.

En [[1949]] realizó una exposición.

[[1956]] ocupó el cargo de jefe de la sección dibujo del Instituto Superior de Artes de la Universidad de Tucumán es allí donde estuvo en contacto con importantes artistas, como [[Gómez Cornet]], [[Lino Spilimbergo]], [[Lorenzo Domínguez]], [[Víctor Rebuffo]] y [[Pompeu Audivert]].

Entre [[1958]] y [[1961]] enseñó arte en escuelas de la capital, Buenos Aires, donde nació su hija María Clara (Mária Klára).

En 1961 se radicó en Estados Unidos y en 1988 retornó a Hungría.

==Premios==
* [[1929]] Gana el Premio KAVA.
* [[1936]] Gana el Gran Premio Székely Bertalau de Budapest y el Gran Premio de la Municipalidad.
* [[1944]] Gana los premios Szinyei Merse Pál Társaság y Zichy Mihály grafikai díja.
* [[1972]] Recibe el premio Dórza György .
* [[1980]] Recibe el prestigioso Premio Magyar Népköztársaság Zászlorendje.
* [[1982]] Recibe el Premio IBA-Internationale Buchkunstaustellung Leipzig. (medalla de plata).
* [[1988]] Es declarado Honoris Causa por la Universidad de Bellas Artes de Budapest y el Premio Téli Tárlat en Miskolc.
* [[1989]] Recibe el Premio Magyar Képzojmuvészeti Foiskola y recibe el Premio Kivaló Muvesz.
* [[1992]] Recibe el Premio Kossuth, el galardón más importante de Hungría.
* [[1993]] Recibe el Premio Miskolc város díszpolgára.
* [[2019]] Museo Bernard Boesch, France.

==Fallecimiento==
El [[1 de abril]] de [[1995]] en [[Lima]], [[Perú]].

== Fuentes ==
* https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/lajos-szalay
* https://buenosaires.gob.ar/lajos-szalay-en-argentina
* https://www.infobae.com/cultura/2019/02/13/lajos-szalay-el-artista-hungaro-que-deslumbro-a-picasso/

[[Categoría: Ilustrador]] [[Categoría: Pedagogo]] [[Categoría: Dibujo]]

Archivo:Lajos Szalay.jpg

2023-05-19T19:17:12Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Ángel Chávez López

2023-04-04T20:39:41Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Ángel Chávez López |imagen = Ángel_Chávez_López.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 31 de mayo…»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Ángel Chávez López
|imagen = Ángel_Chávez_López.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[31 de mayo]] de [[1928]]
|lugar de nacimiento = [[Trujillo]], [[Perú]]
|fecha de fallecimiento = [[2 de febrero]] de [[1995]]
|lugar de fallecimiento = [[Limia]], [[Perú]]
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Peruano
|ciudadania =
|educación = Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú.
|alma máter =
|ocupación = Pintor
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres = Pedro Chávez y Rosa Estela López
|familiares = Gerardo Chávez
|obras = Autorretrato (1954); El niño (1956); Las cholas fruteras (1956).
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Ángel Chávez López''', fue un pintor peruano. Es uno de los artistas plásticos más importantes de la Generación de [[1950]]. Su obra evolucionó desde un figurativismo realista hasta el abstraccionismo. Se Destacaba por su colorismo exuberante.

==Síntesis biográfica y carrera artística==
Hijo de Pedro Chávez y Rosa Estela López, su hermano Gerardo Chávez es otro eximio pintor.

Cursó sus estudios escolares en su ciudad natal. Luego se trasladó a Lima e ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en [[1947]], y tuvo como maestros a Juan Manuel Ugarte Elespuru y Sabino Springett, pero reacio a sujetarse a las moldes académicos, prefirió establecer su propio taller, para definir su estilo.

Dotado de un excelente dominio del pincel y con una paleta de gamas interminables de colores. Su obra evolucionó desde un figurativo realista hasta la abstracción, lo que marcó las diferentes etapas de su amplia producción Marina, 1951.

Sus primeras muestras individuales y colectivas presentadas en Nueva York, México y Santiago de Chile obtuvieron buenas críticas.

Fue premiado en el concurso municipal de Lima por tres años consecutivos (1953, 1954, 1956). Este último año ganó el Primer Premio Nacional “Francisco Laso”.

Fue director de la Escuela de Arte de Bellas Artes de Iquitos de 1968 a 1974.

Participó en la I y II Bienal de Trujillo (1983-1985). Representó al Perú en el Concurso de Pintura Latinoamericana en la OEA con la obra titulada Cazadora de palomas (1993). Sus obras se encuentran en diversos museos y colecciones en Europa, América y Asia.

También se pueden apreciar en varios museos de Lima y en una sala especial del Museo de Arte Contemporáneo de Trujillo, propiedad de su hermano Gerardo .

==Obras==
* Autorretrato (1954)
* El niño (1956)
* Las cholas fruteras (1956).

== Fuentes ==
* https://slideplayer.es/slide/126976/
* https://www.wikiwand.com/es/%C3%81ngel_Ch%C3%A1vez_L%C3%B3pez
* https://es.scribd.com/document/352226814/Angel-Chavez-Lopez
* https://es.dbpedia.org/page/%C3%81ngel_Ch%C3%A1vez_L%C3%B3pez

[[Categoría: Pintores]]

Archivo:Ángel Chávez López.jpg

2023-04-04T20:39:24Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Claudia Coca

2023-04-04T20:24:54Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona |nombre = |nombre completo = Claudia Coca |imagen = Claudia-coca.jpg |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 1970 |lugar de nacimiento = …»

{{Ficha Persona
|nombre =
|nombre completo = Claudia Coca
|imagen = Claudia-coca.jpg
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[1970]]
|lugar de nacimiento = [[Lima]], [[Perú]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Peruana
|ciudadania =
|educación = Escuela Nacional de Bellas Artes (1994)
|alma máter =
|ocupación = Pintura, Escultura, Fotografía
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Claudia Coca''', es una artista visual, docente y activista política peruana. Ella es conocida por sus autorretratos y su extensa obra temática sobre el racismo, el mestizaje y la revalorización de la autoestima peruana. También es conocida por haber sido parte del grupo fundador del Colectivo Sociedad Civil, agrupación que entre [[2000]] y [[2002]] desarrolló una serie de acciones artísticas callejeras con el fin de llamar a un cambio cultural y político en el [[Perú]]. Fue directora académica de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna en Lima desde [[2011]] hasta [[2018]].

==Síntesis biográfica==
Nació en Lima (Perú) en [[1970]]. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad, de Lima de [[1989]] a [[1994]], un período de aprendizaje que le permitió acercarse a la realidad social, que era muy distinta a la suya. Comenzó su carrera pintando algunos autorretratos marcados por cierto carácter lúdico.

Empezó a desarrollarse artísticamente durante los años noventa. Esta época está muy marcada por el conflicto interno en Perú, el cual ha sido históricamente definido desde 1980 hasta el 2000, que corresponde al gobierno de Fujimori, un tiempo en el que imperó la autocensura en el arte.

Desde [[1993]], ha ejercido como docente en diversas instituciones artísticas, entre ellas la Escuela de Formación Artística Corriente Alterna, el Centro de la Imagen de Lima, Mod’art Internacional Perú y el Instituto de Diseño Toulouse Lautrec.

Si bien Coca —como muchos artistas peruanos en los comienzos de la década de los noventa, comenzó su carrera pintando algunos autorretratos marcados por cierto carácter lúdico, a partir del 2000 su obra se compromete con una visión crítica de la realidad cultural y política del Perú.

Es durante esta década que colabora con los trabajos políticos y anti-dictatoriales del Colectivo Sociedad Civil. En los siguientes años, seguirá produciendo trabajos comprometidos con la realidad peruana, especialmente enfocados en el componente racial y discriminatorio de la cultura contemporánea en este país.

En al año [[2003]], realizó, junto a la artista Susana Torres, la dirección de arte de la entrega simbólica del Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación (documento donde se detallan las investigaciones realizadas sobre el conflicto armado interno ocurrido en el Perú entre [[1980]] y [[2000]]) en Ayacucho.

==Obra==
* Serie ¡Qué tal Raza! (2002)
* Serie Peruvian Beauty: Centro de Estéticas (2004)
* Serie Globo Pop (2007)
* De castas y mala raza (2009)

==Exposiciones Individuales==
* 1996. "Hasta morder tu corazón", Galería Forum, Lima.
* 1998. "Cielito Lindo", Galería Forum, Lima.
* 2002. "Que tal Raza", Galería Forum, Lima.
* * 2004. "Peruvian Beauty: Centro de Estéticas" (A dúo con la artista Susana Torres), Sala Miró Quesada, Lima.
* 2007. "Globo Pop", Galería Vértice, Lima.
* 2011. "Revelada e Indeleble", Antología 2000-2011, Museo de Arte de San Marcos, Lima.
* 2014. "Mestiza", Antología 2000-2014, MAC, Museo de Arte Contemporáneo de Lima.
* 2015. "Cuentos Bárbaros", Sala de Proyectos UNESPACIO, Lima

==Premios y distinciones==
* En el 2000, el Colectivo Sociedad Civil al que pertenecía obtuvo el premio “A la Resistencia”18 otorgado por la revista Caretas en virtud a la resistencia pacífica, realizada mediante acciones en la ciudad de Lima, contra el régimen dictatorial de turno.
* En el 2001, gracias al trabajo, nuevamente, con el Colectivo Sociedad Civil, gana el Premio Flora Tristán,19 “en mérito a la defensa y fortalecimiento de los derechos ciudadanos y la democracia”.
* En 2003 ganó una beca para asistir al Tercer Coloquio de Derechos Humanos en Sao Paulo, Brasil.
* En 2009 ganó el segundo Premio del Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú, y participó en la "Trienal de Chile", en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago.
* En 2014, realizó su primera exposición retrospectiva, Mestiza, en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, MAC. Esta exposición fue reconocida con el "Premio Luces" del diario El Comercio a la mejor retrospectiva.

== Fuentes ==
* https://claudiacoca.com/mestiza
* https://claudiacoca.com/bio
* https://conchamayordomo.com/2020/02/03/claudia-coca/

[[Categoría: Fotógrafos]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Escultores]]

Archivo:Claudia-coca.jpg

2023-04-04T20:23:38Z

Yelenisjc:

== Información de copyright: ==

== Fuente: ==

Beatriz González

2023-03-16T18:18:27Z

Yelenisjc: Página creada con «{{Ficha Persona | nombre = Beatriz González |nombre completo = Beatriz González |imagen = Beatriz_gonzalez.png |tamaño = |descripción = |fecha de nacimiento = 16 de…»

{{Ficha Persona
| nombre = Beatriz González
|nombre completo = Beatriz González
|imagen = Beatriz_gonzalez.png
|tamaño =
|descripción =
|fecha de nacimiento = [[16 de noviembre]] de [[1932]]
|lugar de nacimiento = [[Bucaramanga]], [[Santander]], [[Colombia]]
|fecha de fallecimiento =
|lugar de fallecimiento =
|causa muerte =
|residencia =
|nacionalidad = Colombiana
|ciudadania =
|educación = Universidad de los Andes (Colombia), Universidad Nacional de Colombia
|alma máter =
|ocupación = Escultora, pintora, grabadora, historiadora del arte, crítica de arte y conservadora de museo
|conocido =
|titulo =
|término =
|predecesor =
|sucesor =
|partido político =
|cónyuge =
|hijos =
|padres =
|familiares =
|obras =
|premios =
|titulos =
|récords =
|plusmarcas =
|web =
|notas =
}}
'''Beatriz González''', artista colombiana que en sus obras expresa a través del dibujo, gráfica y la escultura gasuntos relacionados con el entorno histórico y cultural colombiano.

==Síntesis biográfica==
Nació en la ciudad de Bucaramanga en el año de [[1932]], es la hija menor de Valentín González Rangel y Clementina Aranda Mantilla.

En [[1956]], viaja a Europa por primera vez y regresa a Colombia e inicia sus estudios en Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Pese a que no finaliza este pregrado, los dos años de permanencia en el programa le permitieron tomar el camino definitivo por las Artes Plásticas. Regresa a Bucaramanga en [[1958]].

Retorna a Bogotá en [[1959]] e ingresa a la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes. En dicha institución, fue estudiante de la historiadora y crítica de arte argentina [[Marta Traba]] y del pintor español [[Juan Antonio Roda]].

==Trayectoria laboral==
Pintora y grabadora de la Universidad de los Andes y de la academia de artes visuales (Rijksakademie van Beeldende Kunsten) de [[Ámsterdam]].

Crítica de arte. Realizó su primera exposición individual en [[1964]], en el Museo de Arte Moderno de [[Bogotá]].

En [[1965]] un premio en el XVII Salón Nacional de Artistas de Colombia. Ha expuesto individual y colectivamente desde 1964 en Colombia, [[España]], [[Venezuela]], [[Estados Unidos]], y [[Brasil]]. Ganadora del I Salón de pintura de Cali, del I Salón Austral y colombiano del grabado; obtuvo una mención especial el XXXIII Salón Nacional de Artistas de Colombia. Fue directora del departamento de educación del Museo de Arte Moderno de Bogotá.

Se ha destacado por sus variaciones sobre pintores clásicos y sobre temas cotidianos y personajes del país. Su obra se encuentra en el Museo Nacional de Bogotá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo La Tertulia de Cali, el Museo de Arte de la Universidad Nacional y en otros museos de Cali, Medellín y Bucaramanga.

Ha sido curadora de exposiciones para la Biblioteca Luis Ángel Arango, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Religioso de Bogotá, además, ha sido colaboradora de la Gran enciclopedia de Colombia, asesora del Museo Nacional de 1975 a 1982 y curadora de sus colecciones de arte e historia (1990-2004). “Beatriz González –comenta la crítica de arte Ana María Escallón- pinta sobre tela, en muebles, sobre objetos; pinta cortinas, vasijas de barro, imágenes religiosas, etc., y en ellos va plasmando sus “comentarios” pictóricos, en colores planos y bajo la estructura asumida de una figuración ‘torpe’, donde queda plasmada la situación sociopolítica del país.

González ocupa un lugar único en el arte latinoamericano. Es la autora de la icónica Los suicidas del Sisga, que inauguró en los años 60 su estilo de arte nacido a partir de registros de prensa que ella transfigura con su pintura y logra convertir en iconos que se instalan en la memoria.

== Fuentes ==
* https://historia-arte.com/artistas/beatriz-gonzalez
* https://elpais.com/america-colombia/2022-09-15/beatriz-gonzalez-los-artistas-estamos-para-que-la-memoria-no-se-tire-a-la-basura.html

[[Categoría: Grabadora]] [[Categoría: Pintores]] [[Categoría: Escultura]] [[Categoría: Critica de arte]]

Archivo:Beatriz gonzalez.png

2023-03-16T18:17:53Z

Yelenisjc: