Diferencia entre revisiones de «Las Dos Fridas»

(Etiqueta: revisar proyecto)
(Etiqueta: revisar proyecto)
Línea 7: Línea 7:
 
|autor=[[Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón]]
 
|autor=[[Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón]]
 
|año=[[1939]]
 
|año=[[1939]]
|país= México
+
|país= {{Bandera2|MEX}}
 
|estilo=
 
|estilo=
 
|técnica=Óleo sobre lienzo
 
|técnica=Óleo sobre lienzo

Revisión del 10:32 21 sep 2018

Las Dos Fridas
Información sobre la plantilla
Las dos fridas.jpg
Las dos Fridas
Datos Generales
Autor(es):Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón
Año:1939
País:Bandera de los Estados Unidos Mexicanos México
Datos de la Pintura o dibujo
Técnica:Óleo sobre lienzo
Dimensiones:173 X 173 cm
Localización:Museo de Arte Moderno de México.

Las Dos Fridas, Frida Kahlo pintó este doble autorretrato mientras se tramitaba su divorcio con Diego Rivera. Es un lienzo enorme (las figuras son casi de tamaño natural) y como todas sus obras, simboliza lo que estaba viviendo en ese momento.

Impresión

Lo primero que vemos en este cuadro es un doble autorretrato, en donde las dos Fridas están sentadas sobre un banco de madera con paja, se puede ver por encima de su ropa el corazón, el cual está conectado mediante una arteria con el corazón de la segunda Frida, a su vez se encuentran unidas porque están tomadas de las manos.

Cada Frida esta vestida de una manera diferente, se dice que una representa a la Frida Europea y la otra a la Frida mexicana; la europea muestra en su mano derecha unas dijeras, su vestido blanco esta manchado de sangre, su corazón no esta completo; mientras que la Frida mexicana tiene en su mano derecha un mini retrato de Diego Rivera, y su corazón esta completo. La primer impresión que nos da esta obra es la dualidad de una mujer, es la doble visión que Frida tiene sobre ella misma, que por un lado se encuentra fuerte y enamorada y por el otro tiene el corazón completamente roto, en esta Frida se da a notar el dolor y el sufrimiento que esto le causa ya que su vestido blanco se encuentra manchado de sangre.

Se puede concluir que Frida Kahlo a través de esta obra quiso decir o mas bien expresar el profundo dolor que sentía a causa del final de una relación complicada llena de problemas y heridas emocionales; por eso en una Frida el corazón esta destruido, completamente roto, esto demuestra que una parte de ella se murió, porque se la llevo su ex esposo dejándola a la deriva en un mundo lleno de sufrimiento que ella intenta cortar con las tijeras que lleva esta misma Frida en su mano derecha, pero no lo consigue ya que su vestido blanco se ve manchado por la sangre que cae de la vena que esta conectada con el corazón roto, esto simboliza que ahora es una mujer manchada porque esta divorciada, cosa que para esa época era algo muy raro y la gente solía juzgar mucho a las mujeres que pasaban por esto. Por otro lado se ve a una mujer que una vez estuvo enamorada, con el corazón fuerte, grande y latiendo a gran velocidad, ella tiene en su mano derecha un mini retrato de su ser amado, esta vestida con el vestido favorito de su esposo y ambas están unidas a través de una vena que se conecta a sus corazones, esto significa la unión entre el presente y el pasado.

La línea y el color.

Esta obra está fuertemente marcada por la línea,, especialmente en cuanto a las dos figuras humanas, las cuales tienen terminación dibujística; sin embargo no abandona el color ya que lo usa para marcar la diferencia entre ambas: una vestida de blanco demuestra su parte europea (su madre era española), así como lo que espera la sociedad de ella y la que esta vestida mas colorida es la Frida mexicana, y es la ropa que llevaba para dar gusto a su esposo (Diego Rivera). El fondo esta marcado por el color, en especial por los no colores ya que es como un cielo lleno de nuevos en tonos blancos, negros y grises y el suelo es de color tierra.

Luz y volumen.

Las figuras tienen volumen, no son planas, juega con el uso de la luz para dar a notar la textura y volumen tanto de la ropa como del cielo y el suelo, los corazones aparecen como figuras planas sobre puestas sobre el pecho de cada una, haciendo notar como si se pudiera ver a través de la piel.

Espacio.

Parece que están en el exterior ya que en el fondo solo se alcanza a ver un cielo gris lleno de nubes muy cerradas de color negro, blanco y gris; el suelo es como si fuera el de un parque o un lugar abierto ya que es del mismo color que la tierra haciendo notar que se encuentran sentadas en un campo, o en algún lugar en donde el contacto con la tierra es de manera directa ya que no existe ningún tipo de elemento que se interponga entre las Fridas y la tierra.

Composición.

Frida Kahlo opta por el uso de la perspectiva lineal, poniendo el punto de fuga en la unión de las manos de ambas Fridas, de esta manera el centro de la obra es la ambivalencia que puede tener una persona, en este caso ella misma, pero que al mismo tiempo esas dos partes tan diferentes se encuentran profundamente unidas. Todo esta colocado de manera muy especifica para que se centre la atención del espectador en la unión, las tijeras , los brazos, el mini retrato de Diego Rivera, los cuerpos de ambas Fridas están levemente inclinados, están apuntando hacia las manos, hacia el centro de la obra. El gran contraste que se da entre el cielo cerrado y tormentoso con lo calido y ardió de la tierra hace notar la dualidad que existe entre el cielo y la tierra, la vida y la muerta, esta ultima se ve mejor reflejada en los corazones, ya que uno se encuentra en perfecto estado latiendo y el otro esta completamente roto El cual marca un gran contraste para hacer notar la dualidad cielo- tierra, vida-muerte, esta ultima se muestra mejor en los corazones ya que uno está latiendo y el otro está completamente roto. El tema de la dualidad esta presente en todos los aspectos de la composición de “dos Fridas”. Frente a un fondo tormentoso, dos Fridas gemelas, agarradas de la mano, comparten un banco verde. La de la derecha es la Frida amada por Diego y la de la izquierda es la Frida que el pintor ha rechazado. Las dos tienen el corazón a la vista, expuesto y vulnerable, pero el de la Frida de blanco está además roto. Los vestidos que llevan las dos permiten a la artista reivindicar sus raíces europeas e indígenas (su madre, Matilde Calderón, era mexicana y su padre, Guillermo Kahlo, era de origen alemán). La Frida rechazada lleva un vestido de novia estilo colonial, parecido al que llevaba su madre cuando se casó con su padre (podéis verlo en este cuadro: Mis abuelos, mis padres y yo), y la segunda Frida lleva el traje regional de tehuana, el tipo de indumentaria que empezó a utilizar cuando se casó con Diego. Las dos mujeres comparten la misma sangre, que pasa de un corazón a otro a través de una larga vena. Del corazón de la Frida tehuana, sale otra vena que se le enrosca por el brazo y acaba en la miniatura que sujeta en la mano. Es un diminuto retrato de Diego, que hizo a partir de una fotografía de cuando era niño. Sin embargo, la vena que sale del corazón de la Frida rechazada está cortada. A pesar de que ella intenta detener la hemorragia con unas pinzas, la sangre sigue saliendo, manchando su vestido blanco (las gotas se confunden con las flores bordadas de la falda). Gracias a una frase que escribió en su diario, dedicada a Diego, podemos saber qué significaba este cuadro para ella: “Mi sangre es el milagro que viaja por las venas del aire, de mi corazón al tuyo”. Al separarse de Diego, Frida se desdobla en la mujer que era antes de conocerle (la Frida de blanco, más europea) y la mujer que era cuando estaba con él (la Frida tehuana). La ruptura ha cortado la vena que la unía orgánicamente a Diego (la miniatura) y por mucho que intente contener la sangre, símbolo de su amor por él, ésta continuará brotando, hasta desangrarla por completo.

Contexto.

En 1939 Frida Kahlo pinto un autorretrato llamado “ las dos Fridas”, con motivo de asimilar su reciente divorcio, se dice que es la expresión de sus sentimientos ya que ella siempre usaba sus obras como medio de expresar su interioridad así como para liberar sus tensiones y sentimientos. Bretón califico su obra de surrealista en un ensayo que escribió para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York, sin embargo ella misma responde a esta declaración diciendo: “Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinte mis sueños. Pinte mi propia realidad”. En ese mismo año expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón, su estancia en esta ciudad la llevó a relacionarse con Picasso y apareció en la portada del Vogue Francés; en ese momento Frida era conocida en todo el mundo; lo que la llevó posteriormente a ser maestra en la escuela de artes plásticas llamada La esmeralda ubicada en México D.F

Contexto artístico.

Frida plasma en sus obras sus propias vivencias, es exactamente lo que esta viviendo en su presente, como lo interpreta y como cree que los demás lo viven. Ella pinta tras su divorcio, como ya se mención antes, “Las dos Fridas”, la cual la podemos ubicamos dentro del surrealismo (1939), porque los surrealistas no les interesa copiar la realidad sino que prefiera plasmar su realidad, es lo que interpretan de sus sueños, o en el caso de Frida sus propias vivencias, ya que a partir de ellas pudo crear maravillosas obras. El arte de vanguardia surrealista pretende transmitir dolor y busca romper con lo tradicional y es justamente por esto que su obra esta ubicada dentro de esta vanguardia porque ella pretende expresar su dolor a través de la dualidad que ella misma siente en ese momento, que aunque representan algo totalmente contrario están fuertemente unidas por un lazo de sangre (corazones unidos), así como a nivel de tacto (las manos unidas). Frida se diferencia de los surrealista porque ella no pretende pintar sus sueños ni liberar el inconsciente sino que a través de la técnica del surrealismo expresa sus propias vivencias, las cuales emanan sufrimiento; por ejemplo en “las dos Fridas” utiliza el collage a la hora de colocar los corazones en el pecho de ambas Fridas, ya que estos parecen sobrepuestos en la imagen principal. Por lo tanto se puede concluir que su obra se caracteriza por la síntesis de elementos expresionistas (porque pretende expresar su interioridad) y surrealistas y que su temática principal a través de todas sus obras es la autobiografía.

Significado.

Este fue el primer autorretrato que hizo a gran escalada, se puede deducir que lo hizo de este tamaño simbolizando el gran vacío que sentía en su interior y lo logro expresar no solo en la emotividad y fuerza dramática de la obra sino que también lo hizo a través del uso de un gran espacio porque solo ahí podía caber ese enorme sufrimiento. Su obra esta influida por la obra de Diego Rivera ya que adopto el uso de zonas de color amplias y sencillas; ella Quieri que su obra fuera la afirmación de su identidad mexicana por ello siempre recurría a técnicas y a temas extraídos del folclor y del arte popular de su país; pero en esta obra en particular se ve claramente que además de esto se agregaron elementos fantásticos con carácter introspectivo, así como el libre uso del espacio pictórico en donde se reunían objetos incongruentes con el objetivo de realzar el impacto de su obra, por ejemplo en la obra analiza podemos ver las tijeras como un objeto de este tipo.

Fuentes.