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Marcel Duchamp

Marcel Duchamp
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Artísta de la Plástica.
NombreMarcel Duchamp
Nacimiento28 de julio de 1887
Blainville-Crevol, Bandera de Francia Francia
Fallecimiento2 de octubre de 1968
Nruilly Sur Seine, Bandera de Francia Francia
Obras destacadasDesnudo bajando una escalera
El gran vidrio
Rueda de Bicicleta
Marcel Duchamp. Conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX, constituyendo una de las principales figuras que luchó a favor de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad de una formación, preparación o talento.

Síntesis biográfica

Primeros años

Duchamp era hermano de Raymond Duchamp-Villon y Gastón (Jacques Villon), los que influyeron en gran medida en su trabajo. En 1902, con catorce años, pinta sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que muestra paisajes de Blainville y realiza varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él. En 1904 abandona el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vive con su hermano Gastón, ese mismo año se presenta al examen de la École des Beaux-Arts y suspende, motivo por el cual matricula en la escuela privada Académie Julian, abandonándola al poco tiempo por la vida en los cafés del barrio, donde llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Luego de su servicio militar regresa a París en 1906 realizando dibujos humorísticos, en 1907 se seleccionaron cinco de estos en el primer Salón des Artistes Humoristas y en 1908 se eligieron para el Salon d'Automne, una importante exposición anual. Marcel pinta durante los siguientes años con un estilo fauvista. Por aquel período hace un retrato a su padre (un retrato psicológico de su padre) y a su amigo el Doctor Dumochel, en el que están exagerados algunos rasgos físicos, respecto a lo que Duchamp comentaría que fue un primer intento de dotar de humor a su obra. En 1910 pinta La partida de ajedrez, en la que aparecen sus dos hermanos jugando al ajedrez en un jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a otros cuatro en el Salon d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a exponer sin ser examinado previamente por un jurado.

Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias, pues quería inventar o encontrar su propio camino, en lugar de ser un mero intérprete de una teoría. Hasta 1911 explora todas las propuestas pictóricas que le ofrece el panorama moderno, desde los jirones del postimpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar finalmente en el cubismo, que empieza a cobrar presencia pública, inspirado por su hermano Jacques Villon y por sus visitas a la Galerie Kahnweiler. Marcel queda tan atrapado por el cubismo hasta el punto de pertenecer al grupo de Puteaux; grupo que se reunía los domingos por la tarde en casa de Villon que le permite coincidir con Kupka, de la Fresnaye y Picabia; y donde se abordaban temas como la cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina (arte retiniano). Fruto de estas nuevas ideas se propuso la tarea de representar la actividad mental de una partida de Ajedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez, con una técnica que no destaca sobre otras obras cubistas, pero sí su intento de dar énfasis a la actividad mental en detrimento de la imagen retiniana.

Madurez artística

A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores. Nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Por este tiempo deja de frecuentar a sus hermanos y pasa a estar en contacto sólo con un grupo de amigos, en especial con Picabia. Entonces empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea del movimiento. El primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que el creador considera un esbozo y en la que además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Marcel juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con tren. Su siguiente obra continuaría este camino: Desnudo bajando una escalera, del que pinta dos versiones.

Desnudo bajando una escalera

Desnudo bajando una escalera (1912), sorprendió en primer lugar por su título, escrito en el mismo lienzo. El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas y que por supuesto no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica y aúna elementos del cubismo y futurismo. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salón des Indépendants, pero Albert Gleizes le pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente la obra, o que le cambiase el título, a lo que éstos accedieron. A propósito de este incidente, el artista recordaría más tarde: « (...) no repliqué. Dije muy bien, muy bien, cogí un taxi para la exposición, recuperé mi cuadro y me lo llevé. Fue un auténtico giro en mi vida. Me di cuenta de que, después de aquello, nunca más volverían a interesarme demasiado los grupos». Este incidente animó a Marcel a seguir su propio camino sin adscribirse a teorías o grupos. Es válido aclarar que ante la incomprensión parisina hay un éxito resonante en Nueva York, en cuya Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913 conocida como Annory Show cuelga el Desnudo junto a otras tres significativas obras de este período.

Ese mismo año Duchamp asiste con Picabia y Apollinaire a la representación de Impressions d'Afrique, obra teatral de Raymond Roussel cuya delirante fantasía maquinista les causa gran impresión, quedando influenciado por este y por Jules Laforgue, según Tomkins. Del primero aunque creaba su obra a base de juegos de palabras, transliteraciones y retruécanos, como más tarde reveló el propio Roussel, le atrajo la «locura de lo inesperado» y el descubrimiento de una obra que parte únicamente de la imaginación del autor, pues para Roussel las obras no debían contener «nada salvo combinaciones de objetos totalmente imaginarios» y del segundo le atraerían su humor cínico, el desapego de sus personajes y sus juegos verbales.

Marcel Duchamp

Luego se encamina solo a Munich y allí se dedica a trabajar en pinturas centradas en el movimiento entendido como tránsito entre dos estados, estudiando para ello tratados de perspectiva, geometría y matemáticas. De esta época son los primeros bocetos de El Gran Vidrio y aparece el tema de las vírgenes y su transición a novia, tema que trabajaría durante mucho tiempo. Empezó por los dibujos de la Virgen, después continuó con la pintura El tránsito de la virgen a la novia y culminó con Novia. Según algunos críticos, como Jerrold Seigel, los cuadros no versan de la iniciación sexual, sino de la transición al estado justamente anterior, de inocencia expectante.

Duchamp viaja a Nueva York en 1915. Ya por entonces había acusado la influencia del futurismo que venía de Italia desde 1910 y, sobre todo, de Dadá, el más radical de los frutos de la vanguardia florecido en 1914 en el Cabaret Voltaire de Zurich. Aquí cuenta con el apoyo del matrimonio Arensberg, en adelante los mayores coleccionistas de su obra; y su reencuentro americano con Picabia o la relación con personajes como Beatrice Wood y el fotógrafo Man Ray refuerzan la orientación dadaísta.

A partir de este año pinta muy pocos cuadros, aunque continua trabajando hasta 1923 en su obra maestra La novia puesta al desnudo por sus solteros, conocido también como El gran vidrio, obra abstracta realizada en pintura y alambre sobre vidrio; recibida con gran entusiasmo por parte de los surrealistas y cuyo original se encuentra en el museo de Filadelfia todo trizado debido a su permanencia debajo de la cama de Duchamp, quien al darse cuenta que la obra estaba hecha pedacitos, dedica unas semanas a reconstruirla en la casa de una amiga dándola entonces por "definitivamente inacabada". La elección del cristal como soporte se encuentra en relación con sus propiedades ópticas y también con la luz, el color y la materia, conjunto remite a toda nuestra capacidad sensorial, estando presente la transparencia como interpretación visual de lo infrafino. Con el Gran Vidrio; una pintura que empieza a dejar de serIo, pero también un mecanismo virtual; finaliza oficialmente su carrera como pintor.

Escultor

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Nuevo período caracterizado por el abandono de la pintura y su introducción hacia una corriente nihilista estética, planteando polémica e ironía en sus obras de arte, sobre todo, en objetos cotidianos ya realizados, los que sacaba de su contexto y les ponía su firma. El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista, siendo el primero de esta colección Rueda de bicicleta (1913),

Rueda de bicicleta

la que estaba montada sobre una banqueta de cocina y constituye el ejemplo de arte cinético que inaugura la idea del objeto "estéticamente anestesiado". La obra necesita de la intervención del espectador para que se produzca el movimiento, de manera que los radios conformarán una imagen diferente ante nuestra mirada, convirtiendo lo infraleve visible en un artefacto erotizado.

En 1917 Marcel fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes, adonde envía, sin informar a nadie, para exponer en esa exposición, un urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt", siendo rechazado para la exhibición. Por tal motivo Duchamp renuncia al jurado, causando el incidente gran escándalo en el mundo del arte.

Con esta actitud provocadora el artista quiso mostrar su desilusión ante las formas tradicionales del arte (pintura y escultura) como medios de expresión, y su rechazo ante la idea de que el arte y el artista tienen una "naturaleza especial" distinta a la de los hombres y objetos ordinarios. Su gesto de enviar a la exposición un producto comercial fabricado en serie y firmado por un "artista" inexistente, se opone radicalmente a la sacralización de la obra de arte como "creación única e irrepetible", salida de las manos de un "genio". Este desafío "antiartístico" proponía romper con las barreras del arte y ampliar sus horizontes. En la defensa de su Fuente, Duchamp escribió: «Si el Sr. Mutt construyó o no con sus propias manos la Fuente no tiene ninguna importancia. Él la ELIGIÓ. Tomó un objeto de la vida diaria, lo reubicó de manera que se perdiera su sentido práctico, le dio un nuevo título y punto de vista y creó un nuevo significado para ese objeto». Si analizamos La Fuente; dejado al margen el hecho de ensalzar la belleza industrial de un urinario y la carga de raíz dadaísta, Duchamp alude con un solo objeto a la posición femenina como receptáculo y al uso del mismo por parte del agente masculino; adquiriendo igual valoración la temática sexual que la reflexión sobre el fluir de los líquidos por la tersa superficie de la porcelana y el intercambio de las energías a partir del deseo.

En 1918 acaba Tu m’, una suerte de diorama anamórfico que resume los ready-mades hechos hasta entonces. Desde principios de los años veinte, Duchamp vivó lo mismo en Nueva York que en París. En la ciudad americana protagoniza iniciativas de inequívoco aire dadá como las revistas The Blind Man y Rongwrong, fundadas en 1917 y que no sobrepasan el segundo número, o New York Dada, publicada con Man Ray en 1921. De entonces data su alter ego Rrose Sélavy, que aparece por primera vez en la etiqueta del ready-made Belle Haleine, y la Société Anonyme Inc. creada en 1920 con Katherine Dreier y Man Ray para promover y organizar exposiciones de arte moderno.

En sus ready-mades la problemática de las sombras proyectadas muestra como lo infraleve es para Duchamp un modo de pasar de la segunda a la tercera dimensión, puesto que otorgaría a la obra un relieve y por otro lado crea un espacio óptico que contradice las leyes físicas. Ese es al fin y al cabo, uno de sus principales intereses, escapar de lo científico. Pese a sus conocimientos en el ámbito de la matemática y la física y sus estudios sobre la cuarta dimensión, su actitud vital siempre fue más fuerte, y cuando utilizó sus premisas fue para relativizarlas aportando su lógica personal, donde las aparentes contradicciones se superponen sin perder su significado. Superando a través de sus complejas instalaciones el ámbito físico, pero también lo artístico desde todas sus convenciones. Además de desarrollar su visión tan personal del amor y el arte creó toda una categoría simultáneamente que arranca de nuestros instintos. Lo infraleve conlleva una profunda observación, una poética francamente sugestiva que culmina en cada obra una coherencia semántica común a toda su producción.

Además de los ready-mades construye máquinas ópticas e interviene en películas de Man Ray, Picabia y Hans Richter, entre las que destaca Anemic Cinema (1925). A lo largo de los años treinta y cuarenta mantiene estrechas relaciones con André Breton y los surrealistas, para los que realiza el montaje de distintas exposiciones; como la famosa Exposición Internacional del Surrealismo de París, en 1938; o la Puerta Gradiva (1937), para la galería del mismo nombre fundada por Breton. Entre 1946 y 1966 trabaja de forma reservada en Étant donnés, una instalación que no se conocerá públicamente hasta después de su muerte y que constituye su gran legado, al mismo nivel del Gran Vidrio. En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos, donde tuvo gran influencia en la escena artística de los años cincuenta y sesenta, tanto sobre pintores como Rauschenberg y Jasper Johns como sobre el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham; y en Europa también dejó su huella en las prácticas artísticas no convencionales de grupos como Fluxus o lo que se dará en llamar "arte de acción". Cuando muere en Neully, en 1968, el carácter axial de su figura en el arte de nuestro siglo estará ya plenamente reconocida.

Trascendencia artística

Arte irrespetuoso, provocativo, antidogmático, despreocupado, en fin, arte revolucionario, es el de Marcel Duchamp. Otorga igual importancia al acto de introducir un urinario masculino en una galería como al leve proceso de acumulación de polvo sobre los tamices de El Gran Vidrio, destruyendo de esta forma el mito del creador y con una estética que muchos juzgaban caduca. Así lo afirma él:

«Utilización de un aparato para coleccionar y para transformar todas las pequeñas manifestaciones externas de energía (en exceso o desperdiciadas) del hombre, como por ejemplo: el exceso de presión sobre un interruptor eléctrico, la exhalación del humo del tabaco, el crecimiento del cabello y de las uñas, la caída de la orina y de la mierda, los movimientos impulsivos del miedo, de asombro, la risa, la caída de las lágrimas, los gestos demostrativos de las manos, las miradas duras, los brazos que cuelgan a lo largo del cuerpo, el estiramiento, la expectoración corriente o de sangre, los vómitos, la eyaculación, el estornudo, el remolino o pelo rebelde, el ruido al sonarse, el ronquido, los tics, los desmayos, ira, silbido, bostezos.»

Energías perdidas, elementos que pasan desapercibidos a pesar de ser tan humanos, fueron los que inspiraron al artista y llenaron su obra de luz y erotismo.

Su período creativo fue corto, dejando que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado y aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del Surrealismo, el Dadá, el Pop art y el Arte conceptual, manteniéndose como el artista crucial para la comprensión de la posmodernidad en la actualidad. Toda su obra es una burla al espectador, llena de humor, ironía y parodia.

Fuente