Barroco italiano
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Barroco italiano. Es un estadio evolucionado del proceso de la Edad Moderna, legítimo continuador del Renacimiento. Primitivamente "barroco" designaba los productos de arte, pero sólo aquellos que eran irregulares, extravagantes o incorrectos.
No llegaría a ser denominación de un estilo hasta el siglo XIX, gracias a Burckhardt y Lubke, dos historiadores que realizaron una detallada periodización de la historia del arte, dividiendo aquello que antes solía llamarse en términos generales arte moderna, en "Renacimiento" y "Barroco”.
A su juicio, el Barroco fue un período de decadencia, es decir, creían que las artes florecieron en el Renacimiento, mientras en el Barroco se vinieron abajo.
Hasta finales del siglo XIX no se produjo una revalorización positiva de Barroco. Se adapta mejor a Europa, ya que permite muchos eclecticismos inherentes al desarrollo artístico de los diferentes países.
Sumario
Antecedentes históricos
Tras la mesura del Renacimiento y el retorcimiento estético del Manierismo, en la Roma de los Papas se advierte la necesidad de un arte nuevo. La independencia de las repúblicas italianas no es la de antaño, tras dos siglos de pugnas entre las potencias europeas por controlar su floreciente mercado, centrado en el Mediterráneo.
Por otro lado, el descubrimiento de América desplaza el polo económico hacia el Atlántico, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses. Esto provoca que las repúblicas italianas se reagrupen bajo un poder más fuerte y las que no caen bajo control extranjero (España y Francia) se someten a la influencia mayoritaria de Roma, más concretamente de los Estados Vaticanos, al más puro estilo de una teocracia. Para ejercer legítimamente este gobierno, las altas esferas eclesiásticas dominantes en Roma han de depurar su corrupta cúpula gubernativa. Voces de descontento ya había desde hacía cincuenta años, y la Iglesia Católica se vio escindida por la Reforma luterana, cuyos teólogos, Calvino, Zuinglio y otros la acusaron de nepotismo y simonía.
La necesidad de reformar las estructuras del mundo católico es lo que conduce al Concilio de Trento y a la mal llamada Contrarreforma, en realidad, una Reforma católica, que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos tiempos. La traducción de este estado de cosas sobre el arte trae importantes consecuencias desde el primer momento. Los teólogos reunidos en concilio, mayoritariamente españoles, proclaman ciertos dogmas que han de ser representados dignamente por los artistas al servicio de la Iglesia: la virginidad de María, el misterio de la Trinidad, etc. pasan a protagonizar los lienzos.
La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas que ejercen un poder paralelo al Vaticano, fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico. Por esta razón contrata legiones de artistas, reclutando por supuesto a los mejores, pero también a muchos de segunda fila que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la gran base de fieles. Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, a gran tamaño, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el dramatismo: ganar al fiel a través de la emoción fue la consigna. Las escenas se vuelven dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas.
Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados aumentan: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza. En la época de los filósofos Bacon y Descartes, el Arte se colecciona como los objetos científicos o los exóticos bienes importados de las Indias y América. La secularización de esta época propició que se revalorizaran géneros profanos, como el bodegón o el paisaje, que empieza a cobrar una autonomía inusitada. Las complejas composiciones del Barroco, la diversidad de focos de luz, la abundancia de elementos, todo, puede aplicarse perfectamente a un paisaje, tal y como puede verse en la Recepción del Embajador Imperial en el Palacio Ducal de Canaletto.
El Barroco como estilo general es tan sólo una intención de base. Las formas que adopte en la praxis serán tan variadas como se pueda imaginar. Sin embargo, dos polos predominan, agrupados en torno a dos grandes figuras rivales en la época: Caravaggio, que aglutina a los pintores del Naturalismo tenebrista; y Annibale Carracci, que trabaja con su hermano y con su primo en un estilo clasicista.
Causas del nacimiento del barroco
- Crisis generalizada en toda Europa
- Existencia de la Contrareforma
- Convulsiones ideólogicas
- Crisis de los valores de la Iglesia.
- La formulación del Heliocentrismo por parte de Copérnico en 1545.
- El reconocimiento de la filosofía cartesiana que introducirá la idea de la duda como garantía de la propia existencia humana.
Características generales
- Arte como instrumento de propaganda
- Arte destinado a las masas
- Arte retórico en las formas y sencillo en el mensaje
- Si el arte del Renacimiento se había dirigido a la razón con la intención de captar la admiración intelectual, el Barroco se dirigía a los sentidos buscando el impacto emocional.
Arquitectura
Características esenciales:
- Gusto por las plantas complejas y muchas veces centralizadas.
- Tendencia a la verticalidad.
- Liberación de todo lo estático, liberación espacial.
- Antítesis entre espacio interno y externo.
- Predilección por las secciones curvas del muro (cóncavas y convexas).
- Fusión de la escultura, la pintura y la arquitectura.
- Arquitectura esencialmente retórica, encaminada a la persuasión.
- Triunfo de la ornamentación.
- D e fi n i c i ó n u r b a n a d e l a a r q u i t e c t u r a ( f a c h a d a escenográfica).
Pintura
Las características de la pintura barroca en Italia son:
- Naturalismo, que desemboca en el realismo.
- Se representan todo tipo de realidades (lo bello, lo feo, lo agradable, lo desagradable...).
- Protagonismo del movimiento (línea abierta).
- Importancia del color. El color predomina sobre el dibujo, sobre la línea. Es un elemento fundamental, sobre todo a partir de los años 20 del siglo XVII. Al contactar con la luz, resultan las formas. En este tratamiento del color existe una evolución: al principio se representan masas homogéneas y compactas y más adelante pincelada más suelta y técnica de la veladura.
- Relevancia de la luz. Pueden existir grandes contrastes que llevarán al tenebrismo. La luz es utilizada para resolver el problema de la representación del aire que corre entre las figuras, entre los diferentes planos. Se pretende plantear la perspectiva aérea. Para ello, se usa la luz y la sombra, que dibujan el contorno y los planos.
- Profundidad continua. Muy natural y realista: las figuras se funden con el ambiente.
- Composiciones asimétricas, sin orden (antecedentes en el manierismo: Tintoretto). Se prefiere la línea diagonal.
Temas tratados en la pintura barroca de Italia
- Hechos religiosos, especialmente místicos (visiones, milagros, etc.) y martirios de santos.
- En estas pinturas religiosas suelen aparecer elementos que realzan el dramatismo sagrado como nubes, ángeles, fuertes fuentes de luz, etc.
- Pasajes mitológicos. Aparecen frecuentes desnudos.
- Paisajes. No aparecen figuras, como único tema.
- Pueden ser paisajes urbanos o rurales.
- Bodegones o naturalezas muertas.
- Retratos, donde se capta no sólo el aspecto físico del retratado sino lo psicológico.
- Temas de género o de costumbre. Escenas de la vida cotidiana.
- Sucesos históricos.
Tendencias dentro de la Pintura Barroca en Italia
Tenebrismo
El principal artista de la pintura barroca tenebrista es, sin duda, Caravaggio.
Clasicismo
El Barroco clasicista se opone al naturalismo de Caravaggio Se parte del naturalismo para luego embellecerlo e idealizarlo. Se usan algunos elementos de artistas renacentistas (Miguel Ángel, Giorgione, Rafael).
El Clasicismo dentro del barroco italiano triunfa en Bolonia, donde se crea la primera Escuela de Bellas Artes.
El principal representante del clasicismo es Annibale Carracci. La familia Carracci tiene mucha importancia porque supone la transición del último manierismo al primer barroco.
Su mayor característica es el eclecticismo. Toman del último manierismo la corrección del dibujo, el protagonismo de la línea. De Venecia, toman la importancia del color y del barroco, la tendencia decorativista. Una de las obras más importantes es "Huida a Egipto".
Pintura decorativa
Se trata de obras que se realizan para decorar las cubiertas de las grandes iglesias y palacios del barroco. Utilizan pinturas que amplían ilusoriamente el espacio.
Lucas Jordán es uno de sus representantes y es el autor de la decoración de los techos del casón del Buen Retiro, del Palacio Medici- Ricardi y de la sacristía de la Catedral de Toledo.
Tiépolo, por su parte, decoró la bóveda del Salón del Trono del Palacio Real con pinturas dirigidas a ensalzar el poder de la monarquía española de los Borbones.
Pintura paisajística
Existió un grupo de pintores que trabajaron en la primera mitad del siglo XVIII, que representaban paisajes venecianos. Se trata de Canaletto y Guardi.
En sus obras se dará gran importancia a la profundidad y a la representación de los edificios.
Escultura
Las características de la escultura barroca en Italia son:
Naturalismo:se pretende representar las cosas tal como son. Ello aleja al barroco del clasicismo-idealismo y lo acerca a al representación de los sentimientos.
Dinamismo: se da mucha importancia al movimiento. Para representar este movimiento se recurre a estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas.
Contrastes lumínicos: importancia de la representación de las calidades de los objetos.
Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente el bronce y el mármol.
En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también hay temas mitológicos y retratos.
Bernini es el representante más importante de la escultura barroca italiana. Fue un escultor magnífico cuya obra estuvo marcada por las características generales del barroco italiano que se citaron anteriormente.
Las obras más importantes de Bernini son:
- Apolo y Dafne:Bernini representa a los dos personajes jóvenes y bellos en el momento en que Apolo toca a Dafne en su persecución y se convierte en árbol. Se trata de una obra muy dinámica.
- El Éxtasis de Santa Teresa: En esta famosa obra de Bernini, se recoge el dramático momento en que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia de éxtasis amoroso (ojos cerrados, boca entreabierta...) producido por la llama divina.
La composición se consigue mediante dos diagonales, que forman un aspa, lo que produce sensación de movimiento. También Bernini consigue un acusado efecto de contrastes lumínicos (por ejemplo, gracias a los pliegues de las ropas de Santa Teresa). Bernini también construyó la capilla en la que se encuentra esta escultura
Otras de las obras de Bernini son Los Longinos, escultura de línea abierta y acusado movimiento.
Este escultor también realizó sepulcros, como el sepulcro de Urbano VIII y Alejandro VII. Se exalta el poder de los Papas y de la Iglesia. Es una obra de bronce y mármol de línea abierta.
Bernini también realiza fuentes para embellecer Roma, como la Fuente de los cuatro ríos (Plaza Navonna) en que los ríos se representan alegóricamente con personas y la Fuente del Tritón.
