Chiharu Shiota
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Chiharu Shiota, entrelaza la materialidad y la percepción psíquica del espacio para explorar ideas en torno al cuerpo y la carne, narrativas personales que interactúan con la memoria, el territorio y la alienación. Sus instalaciones distintivas, que consisten en deslumbrantes e intrincadas redes de hilos que se extienden a lo largo de las salas de la galería, hicieron que la artista saltara a la fama en la década de 2000, ha expuesto en todo el mundo y representó a Japón en la 56ª Bienal de Venecia en 2015.
Síntesis biográfica
Nació en Osaka. Sus padres tenían un negocio de fabricación de cajas de pescado y producían mil cajas de madera al día, quería ser artista desde los doce años. Aunque sus padres no apoyaron directamente su deseo de ser artista y se preocuparon por ella, pudo estudiar arte formalmente.
Estudió en la Universidad Kyoto de 1992 a 1996, fue estudiante de intercambio en la Escuela de Arte de Canberra, Universidad Nacional de Australia, 1993 y estudiante en la Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig, de 1997 a 1999 y en la Universität der Künste, Berlín, de 1999 a 2003. En una entrevista con Andrea Jahn, fue creado con pintura de esmalte rojo que usó en su cuerpo. "Participar en Becoming Painting fue de hecho un acto de liberación. Fue su primer trabajo físico, usando todo mi cuerpo, en lugar de una obra de arte hábil."
En Berlín, fue alumna de Rebecca Horn y en Braunschweig. Estudió con Marina Abramović.
Vincula varios aspectos de las representaciones artísticas, la escultura y las prácticas de instalación, es conocida principalmente por sus vastas redes de hilos o mangueras que abarcan habitaciones, vincula redes abstractas con objetos cotidianos concretos como llaves, marcos de ventanas, vestidos, zapatos, barcos y maletas.
Sus primeros trabajos son piezas de performance, muchas de las cuales fueron registradas en fotografías y videos, en las que, por ejemplo, usa barro, mientras que instalaciones posteriores a gran escala integran objetos personales que le dieron otras personas. La influencia de su maestra Marina Abramovic durante sus años de formación y se refiere al trabajo de Christian Boltanski como fuente de inspiración para algunas de sus instalaciones posteriores.
Ha creado instalaciones a gran escala que evocan las experiencias vividas por las mujeres. En Diálogo con la ausencia (2010), un vestido de novia blanco de gran tamaño está colgado en lo alto de la pared. En el suelo hay varias bombas peristálticas, de donde sale un líquido rojo que llega al vestido a través de numerosos tubos de plástico adheridos al vestido. Esta escena, en parte médica y en parte fantasmal, plantea preguntas sobre la feminidad. El vestido parece encarnar una versión ideal de una mujer casada, agotada por las cargas sociales. La inyección de sangre también podría sugerir que se le alimentan continuamente las expectativas sociales. Una composición inquietante, parecida a una pesadilla, Diálogo también puede ser autobiográfica, señalando la propia lucha del artista contra el cáncer.
