Música Barroco

Música Barroco
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Concepto:Música cuya armonía es confusa, cargada de modulaciones y de disonancias, de entonación difícil y movimiento forzado.

Música barroco. Se ubica de 1600 con la ópera Orfeo de Monteverdi hasta 1750 con la muerte de Johann Sebastian Bach. La palabra Barroco se utiliza en la arquitectura como un estilo sobrecargado y lleno de ornamentaciones. Esto no es aplicable a la música y se le llama así para ubicarla dentro de un contexto cronológico.

Generales

En el período Barroco surge el llamado humanismo en donde ahora la música seguiría al texto ya que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia de una sola voz con acompañamientos que no la opacaban.

Una de las formas básicas del estilo barroco fue el Basso Continuo que era una base armónica que se presentaba durante toda la pieza, es decir, estructuras bien definidas en las que se hacen grupos de notas que se van combinando entre ellas. Con estas estructuras se crearon numerosas formas musicales como el rondó (forma musical que un tema principal alerna con otros temas diferenciados), la sonata (pieza para uno o dos instrumentos que debe "sonar" ya que se contrapone a la cantata que debe cantarse), la suite (composición que consiste en una serie melodías para danzar como la allemanda, sarabanda, giga, gavota y el bouré y minueto), el concerto grosso, las variaciones, el preludio, la fuga y el concierto (donde se escribe para un instrumento solista y orquesta).

La monodia y la camerata Florentina

Este quebrantamiento del ideal colectivo polifónico coloca al mundo musical, las postrimerías del siglo XVI y principios del siglo XVII en una situación fundamentalmente modificada. Ya la forma mas antigua de la monodia occidental, el Gregorianismo, encierra, en el canto del perno entre el coro y el sacerdote celebrante, el prototipo del individuo musical, el solista, aunque este aun no llegue a expresar su sentimiento personal, sino que se sienta enteramente como representante de la comunidad entera. Pero el arte de los trovadores y de los maestros cantores significa no solamente una muestra de música solista, sino también una expresión absoluta de un sentido individual. Incluso la canción popular, común a todos y ligando a todos refleja en la vida del individuo la vida de la comunidad, como la comunidad la vida del individuo, el cual ya no necesita del hermano corista para expresarse personalmente a través de la melodía familiar.

El relato de la historia de la pasión fue puesto en música en forma de motete, completa y seguidamente con todas sus peroraciones, así se empieza en el siglo XVI a componer dramas enteros en estilo polifónico . En ellos, se tratan los textos de las personas individuales igualmente que los de los grupos populares: la famosa comedia madrigalesca L’Amfiparnasso de Orazio Vecchi, por ejemplo, se compone enteramente en forma coral y el protagonista en la escena aparece, poco más o menos, solo como representante de su grupo.

Este procedimiento se acercó al drama Griego cuya renovación era una de las apariciones mas típicas del movimiento renacentista . Nuevamente aparece Florencia, a partir aproximadamente de 1585, como punto de partida de estos experimentos innovadores que hallaron una acogida entusiasta particularmente en las casas patricias de Giovanni, Vardi y Giovanni Battista Doni. Vincenzo Galilei, el padre del famoso físico fue el primero en interpretar cantos monódicos en este supuesto estilo Griego. A este canto solista se le denominó monodia .

Este bajo general que se extendió continuamente a través de toda la obra fue llamado Basso Continuo, así pues al interpretarse la obra, el acompañamiento tuvo que ser completado improvisadamente en el clave o el órgano. La época desde el siglo XVII hasta el siglo XVIII se la denominó época del bajo continuo, o sea barroco, considerando a la voz superior monódica, al mismo tiempo, como heredera histórica del principio solista, a una sola voz, se comprende que en la monodia acompañada por el Bajo Continuo, el estilo a una sola voz y el polifónico llegaran a una fusión fructífera y de consecuencias históricas incalculables . Este nuevo movimiento musical se ve aprobado por los grupos sociales mas altos, un ejemplo puede ser cuando Enrique IV presenta algunos fragmentos de los compositores Peri y Caccini en su casamiento con María de Medicis .

La ópera veneciana y napolitana

Con la fundación del Teatro di San Cassino (1637) Venecia tuvo el primer teatro publico de ópera, lo cual dio nuevo impulso a varias generaciones de compositores, aunque su calidad artística no fuera precisamente en aumento. Entre ellos cabe mencionar, como los más notables, a Francesco Cavalli,cuyo Giasone (1649) se representó en todo Italia, y a Marco Antonio Cesti, quien obtuvo con su ópera La Dori, un éxito muy resonante .

El acompañamiento con un instrumento solista o ligado toma cada vez más en consideración las exigencias del virtuosismo vocal. Scarlati ,importante compositor veneciano, trasladó el cuartel general de la ópera a Nápoles, donde ya había actuado anteriormente Francesco Provenzale, su prestigio era tan grande que la juventud musical de todos los países se le acercó para aprender su oficio. Corelli , Hasse , Cuantz , Haendell y muchos otros buscaron su trato, estudiaron sus obras y admiraron sus interpretaciones .

Cantata

La voz cantata significa originariamente, en un sentido muy general, una pieza para cantar de varios movimientos, con la participación eventual de diversas poses solistas e incluso del coro. Al lado de la cantata a solo, propiamente dicho, pronto se cultiva con preferencia la cantata para varias voces combinadas, en forma dialogada en pequeñas escenas dramáticas. Según su destino, no tardan en distinguirse la cantata de cámara y la cantata de iglesia. Las cantatas de cámara profana es precisamente la forma que continúa en el siglo XVII el predominio del madrigal, como forma predilecta del cultivo musical en la sociedad de su tiempo.

Principales exponentes

Fuentes