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Compositor

Compositor
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Concepto:Persona con la capacidad de hacer composiciones musicales.

Un compositor es aquella persona con la capacidad de hacer composiciones musicales. Es el que sabe escribir composiciones musicales según las reglas del arte, donde básicamente organiza una serie de sonidos solos o agrupados en forma de acordes teniendo como base los parámetros de la teoría. El compositor es aquel que inventa música trabajando los sonidos de forma imaginativa con el fin de poder crear su propia música, es quien tiene la capacidad de hablar a través de los sonidos. El compositor es quien construye la música. La composición musical es el arte que tiene como objetivo la creación de obras musicales. En la tradición europea culta, requiere el estudio de muchas disciplinas, tales como la armonía, el contrapunto, la orquestación, y el conocimiento de formas musicales. En lo que concierne al flamenco y por lo general, a la música basada en la improvisación (o al menos en lo que a la improvisación se refiere), se le cataloga como una composición musical instantánea. El término "música" también puede indicar el resultado de la acción de componer, o sea, hacer una página de la música (u obras musicales).

El término compositor es también usado específicamente para referirse al compositor en la tradición occidental de la música clásica, como así también en la música de cine, de videojuegos y cualquier otro tipo de música "seria". El compositor dramático es aquel que compone operas. El compositor sinfónico es aquel que compone música sinfónica.

En la música popular existe la categoría de cantautor (que en inglés se llama «singer-songwriter»), en la que el compositor interpreta sus propias canciones. En inglés existe también la categoría menor de «songwriter» (escritor de canciones), palabra que no tiene equivalente en español. En español existe otra categoría menor (poco nombrada) de «compositor intérprete», en que el compositor interpreta su obra musical en algún instrumento.

Historia

Sabemos muy poco de los compositores de las primeras eras. Entre los pocos de los que tenemos notica se encuentra Mesomedes de Creta, quien fuera un compositor griego de comienzos del siglo II.

Los primeros intentos de fijar la altura de los sonidos tuvieron lugar en el siglo IX. Primitivamente la música se conservaba por tradición oral y no se escribía. Del siglo IX nos quedan referencias de la fama de Ziryab, cuyas innovaciones musicales tuvieron también una fuerte influencia en Hispania.

A pesar de que siempre existieron compositores de música, no tenemos registro de sus nombres hasta la época medieval, cuando en el siglo XI aparecieron los los trovadores que eran músicos y poetas, es decir, escribian la letra y componian la música. Se llamaban ministriles a los encargados de acompañar a los trovadores mediante el empleo de instrumentos musicales.

Uno de los primeros trovadores de los que tenemos referencia en Europa es [[Guillermo de Poitiers[[, duque de Aquitania, quien vivió entre 1089 y 1127.

Los trovadores del norte de Francia se llamaban troveros, y los alemanes Minnesänger que significa cantores de amor. En Alemania existían los maestros cantores. Entre los más conocidos figuraban Hans Sachs y Enrique von Meissen.

Entre el siglo XII y el siglo XIII aparecieron Magister Alberto, Leonino o Roberto de Sabilon, todos ellos compositores de Ars antiqua. A partir de Perotino comenzó a usar el motete primitivo.

A partir del siglo XIII surge el Ars nova. Sus representantes más conocidos fueron Guillermo de Machaut, Giovanni da Firenze, quien también aparece como Giovanni da Cascia, Jovannes de Cascia, Johannes de Florentia o Maestro Giovanni da Firenze, y también Jacopo da Bologna y Francesco Landino.

Debido al humanismo y a la creciente importancia del individuo, a partir del Renacimiento comenzaron a tomar una mayor importancia los compositores por si mismos. Tenemos registro de la fama de Giovanni Pierluigi da Palestrina, el más célebre compositor de polifonia religiosa italiana de esa época. También era conocido Orazio Vecchi, el compositor de la comedia madrigalesca "Amfiparnasso", el organista Claudio Merulo, Giovanni Gabrieli y Andrea Gabrieli, compositores de la Basílica de San Marcos en Venecia.

En España se recuerda a Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria. En Inglaterra, durante el siglo XVI, William Byrd, Orlando Gibbons, John Bull y Thomas Morley.

En los Países Bajos, Orlando di Lasso, Josquin des Pres, Adrian Willaert y Philippe de Monte.

A partir del 1500 ya los compositores se hacen famosos y sus nombres perduran sin problema en la historia, las composiciones no se consideran grupales sino producto del genio de un solo individuo.

Palestrina, que tiene una composición compleja, pero más libre de la música de los diagramas. Vivaldi, Corelli, Pachelbel y Juan Sebastian Bach contribuirá a la liberación de los esquemas de la música. Mozart, Haydn, Beethoven, el libre pensamiento musical, y por las normas, añadiendo instrumentos (tales como los cornos) la eliminación del bajo continuo, y añadiendo matices esenciales. Estos cambios conducirán a desaparecer gradualmente y cada vez será más difícil la comprensión de la música barroca, que se reanudará sólo con Mendelssohn este pondrá de moda a Bach; y en la época del romanticismo se basarán en los antiguos autores renacentistas y de la época medieval, sin embargo, la música y sus normas pueden adaptarse perfectamente. En cuanto a la composición, la teoría y la estructura de una pieza, a través de la historia, ha cambiado, pero sólo se puede saber esto escuchando y leyendo la composición.

Características

Melodía

Según el diccionario de la Real Academia Española de la lengua, es "La parte de la música que trata del tiempo con relación al canto, y de la elección y número de sones con que han de formarse en cada género de composición los períodos musicales, ya sobre un tono dado, ya modulando para que el canto agrade al oído". También se dice que es: "La composición en que se desarrolla una idea musical, simple o compuesta, con independencia de su acompañamiento, en oposición a armonía, combinación de sonidos simultáneos diferentes, pero acordes"...

La melodía es, seguramente, la parte más importante en el proceso de construcción de una pieza; esta, la melodía, va a ser lo que la caracterice como única.

Armonía

Por armonía podemos entender en música la unión de tres o más sonidos simultáneos, entendiendo que el canto o melodía producida por una sola voz es homónimo, con dos voces se producen intervalos armónicos y, a partir de 3 voces o sonidos simultáneos hablamos de armonía.

La armonía se produce de forma natural al observar los sonidos concomitantes de cualquier timbre producido por la naturaleza. La riqueza de tales concomitantes (armónicos) es la característica que define el timbre de los instrumentos musicales. Un sonido puro fundamental, por ejemplo una onda senoidal, contiene un solo sonido sin concomitantes (sonidos armónicos).

El sonido de una onda senoidal podría ser parecido a una flauta dulce, silbato, o, el sonido de un diapasón físico, una especie de pitido claro, sin definición concreta en la naturaleza. La riqueza de dichos armónicos, producen la característica tímbrica de cada instrumento y es ésta la que nos ayuda a reconocer los distintos instrumentos musicales. Dicho de otra forma, cuando, por ejemplo, escuchamos el sonido de un [[violín], una sola nota no está formada por un único sonido, sino por un sonido fundamental, el que más oímos y, al mismo tiempo, una gran cantidad de sonidos concomitantes, armónicos naturales, que se producen al mismo tiempo, y que percibimos pero no somos capaces de definir cada uno de ellos, porque su intensidad sonora es mucho menor que la del sonido fundamental. Dichos armónicos son los responsables de modular el sonido fundamental y son los que producen la forma de onda compleja de cada instrumento musical.

Son estos conceptos fundamentales, propios de la naturaleza, los que utilizamos en la armonía musical. Corresponden, a una escala diatónica en DO Mayor, DO, RE, Mi, Fa, Sol, La, Si, (Do en octava superior), los siguientes acordes que definimos, por terceras superpuestas, como:

  • I Acorde de Tónica o fundamental: Do-Mi-Sol (Ejecutadas simultáneamente)
  • II Acorde de supertónica: Re-Fa-La "
  • III Acorde de mediante: Mi-Sol-Si "
  • IV Acorde de subdominante: Fa-La-Do "
  • V Acorde de dominante: Sol-Si-Re "
  • VI Acorde de superdominante: La-Do-Mi "
  • VII Acorde de sensible: Si-Re-Fa "
  • (I) Octava superior: Do-Mi-Sol "
Triadas

A dichos acordes, los denominamos tríadas (acordes producidos por tres sonidos) correspondientes a una escala mayor diatónica:

Armonia Musical

El enlace coherente de tales sonidos es lo que definen la armonía, de tal forma que tienden a enriquecer una melodía.

La concepción clásica del enlace básico armónico, entendiendo éste, por la unión sucesiva de los sonidos que forman cada acorde, de forma que se produzcan pocos saltos en cada voz, entendiendo por voces, vistos los sonidos de arriba hacia abajo, la primera voz, la más extrema o aguda, a la que llamamos tiple, o soprano, la segunda, a la que llamamos contralto, la tercera, tenor y por último la cuarta, a la que llamamos bajo.

Tal concepción armónica podemos situarla en constante evolución. Hoy en día se utilizan sistemas armónicos muy elaborados, por ejemplo, por intervalos de tercera: Do, Mi, Sol, Si,... a lo que podemos llamar, en armonía de jazz DO Maj7 (Do mayor con séptima mayor) o, por ejemplo, con la unión de las notas Do, Mi, Sol, Si, Re, ... Do Maj7(9) (Do mayor con séptima mayor y novena mayor). Podemos observar, por tanto, que a nivel de enlace armónico no existe limitación alguna y en conjunción a los timbres de los distintos instrumentos, evocamos la sensación sonora de la obra musical.

Por otra parte, cada voz armónica puede ser muy elaborada. Tal circunstancia, tiende a alejarnos de la armonía conocida en su concepción culta a través de la historia (barroca, clásica, romántica, etc.). Mediante la elaboración de dichas voces podremos hablar de la reunión o evolución hacia melodías simultáneas. A dicho arte lo denominamos contrapunto, que es el estudio previo a los de fuga y composición musical. No existe, objetivamente hablando, una frontera clara desde el final de la armonía, en su concepción musical, al inicio del contrapunto, la composición y la orquestación.

La composición en los diversos ámbitos

Para la composición musical es necesario saber teorías de musicalización. La afirmacion precedente es totalmente falsa, sin embargo, la composición también es muy diferente dependiendo del marco en el que la música es utilizada.

Composición en la música clásica

La composición en la música clásica está sujeta a normas estrictas, y su estudio involucra varios años de trabajo en los conservatorios. En general, para escribir una buena pieza de música clásica es necesario tener conocimientos profundos sobre música. Lo cual suele darse en personas que han obtenido un diploma en composición y armonía. Pero no siempre es así, ya que puede haber excepciones dependientes del talento personal y la experiencia.

La música clásica contemporánea

No hay que descartar la parte de la creación de la música clásica contemporánea, periodo de la música académica que se considera desde el año 1900 a nuestros días (siglo XXI). Dicho periodo se caracteriza principalmente por un profundo cuestionamiento de la estética musical lograda hasta entonces. Nace la atonalidad, que es el abandono de las reglas tradicionales de armonía y contrapunto; y el dodecafonismo, sistema desarrollado por Arnold Schoemberg, que ordena los 12 sonidos comprendidos en el ámbito de una octava en una serie, sin que ninguno de ellos se repita y reordenando la serie según las formas canónicas (retrograda, inversión, inversión retrograda) generando así todo el material sonoro que la obra necesita; de este último método deviene el serialismo, desarrollado principalmente por Alban Berg (discípulo de Schoemberg) que es una suerte de racionalización del material sonoro usando el mismo principio del dodecafonismo, pero incluyendo el ritmo, la intensidad y el timbre. Los compositores además buscan inspiración en músicas consideradas populares o exóticas: Igor Stravinsky compone "La Consagración de la Primavera" (1913) basándose en melodías de la Rusia primitiva, y Béla Bartók usó temas tradicionales de su natal Hungría en muchas de sus composiciones, así como se cuestionan los valores mismos de la música y de la naturaleza misma del sonido.

De estos cuestionamientos nace también (en contraposición con el serialismo) la música aleatoria, impulsada por el mismo John Cage. También nace la música estocástica , desarrollada por el compositor griego Iannis Xenakis, quien ordena el material generado aleatoriamente haciendo uso de las leyes del cálculo probabilístico y de la estadística. Además tenemos la música electrónica, desarrollada desde la segunda mitad del siglo xx por Karlheinz Stockhausen quien fue uno de los primeros compositores en usar estas tecnologías entonces emergentes (Stockhausen además hizo música serial y aleatoria).

Recientemente tenemos a la música minimalista, la cual reduce los elementos composicionales a su mínima expresión, y los hace variar de forma progresiva, haciendo uso de la repetición. Representantes de esta corriente son Steve Reich, Phillip Glass,Arvo Part, Terry Riley, entre otros.

Finalmente, las formas y métodos de composición de música clásica contemporánea son tan variadas como las búsquedas personales de sus compositores. Entre otros compositores clásicos contemporáneos tenemos: Thomas Adès, Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Carlos Chávez, Magnus Lindberg, Silvestre Revueltas, Gunther Schuller y Judith Weir.

Composición en la música popular

En la música popular, es una composición completamente diferente con respecto a la música clásica, teniendo en cuenta al público que se dirige, y de los métodos utilizados en el proceso de la composición. De hecho, la composición de la música pop no debe estar sujeta a normas estrictas como la música clásica, y también puede ser hecha por músicos autodidactas, que encajan en la categoría de cantautores, (que en inglés se llama «singer-songwriter»), en la que el compositor interpreta sus propias canciones. En inglés existe también la categoría menor de «songwriter» (escritor de canciones), palabra que no tiene equivalente en español.

En español existe otra categoría menor (poco nombrada) de «compositor intérprete», en que el compositor interpreta su obra musical en algún instrumento.

Composición para la música de cine

En la música para las películas, hay una variedad de géneros bastante amplia. El género musical del cine va íntimamente unida a la filmación, dependiendo de la escena, el género cinematográfico o el temperamento que desarrollan los personajes. En la música de cine encontramos música clásica y semiclásica, pop, rock, folk, etc.

Dentro de los compositores de cine destacan Hans Zimmer, Yann Tiersen, Henry Mancini, John Williams entre otros. En España destacan, entre otros, Eva Gancedo, José Luis Morán, Roque Baños, Alberto Iglesias...

Citas

  • El primer requisito para ser un buen compositor es estar muerto» (Arthur Honegger, Je suis compositeur, 1951).
  • Soy un compositor en busca del olvido; siempre me siento un poco avergonzado de reconocer que compongo» (Alexander Borodin, Carta a Lydia Karmalina).
  • El compositor moderno realiza sus obras con base en la verdad» (Claudio Monteverdi, prefacio del Quinto libro de madrigales, 1605).
  • Puede que no sea un compositor de primer nivel, pero soy el principal entre de los de segundo nivel» (Richard Strauss, citado en Richard Strauss de Del Mar, 1962).
  • Un día podré relajarme un poco, y trataré de ser un buen compositor» (Benjamin Britten, carta de 1968 a la compositora británica Imogen Holst 1907-1984, hija de Gustav Holst).
  • El gozo no está en las cosas, sino en nosotros» (Richard Wagner).
  • Los compositores han hecho sus mejores obras cuando más hambre tuvieron» (Juan Gabriel, cantautor mexicano, 1994).

Fuentes