Escultura contemporánea
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Escultura contemporánea. Es un concepto de la historigrafía del arte utilizado de forma equívoca por la bibliografía, como ocurre con el concepto de arte contemporáneo. Puede referirse a la totalidad de la edad contemporánea o restringirse al siglo XX o incluso al periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial (1945). También se utiliza a veces de forma opuesta y a veces de forma intercambiable con el de escultura moderna, que también tiene problemas definitorios similares.
Sumario
Historia
El lenguaje de la escultura que fue definido en la Grecia clásica había permanecido más o menos invariable hasta finales del siglo XIX. La gran muestra de las obras de Auguste Rodin, en la Exposición Universal de París del año 1900, representó un punto de inflexión que empezaba a romper con los planteamientos clásicos de la tradición escultórica y suscitaba el espíritu experimental que llevaría a nuevos comportamientos artísticos.
El arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX, en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. Casi toda la escultura desde la Antigüedad expresaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos.
La evolución escultórica actual pasa por la abstracción y, dentro de ella, la escuela denominada Constructivismo busca la forma al margen de la masa, prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio, como si la obra creciera sobre sí misma encerrando espacios. Por eso, esos artistas se prefieren formas ahuecadas antes que los volúmenes cerrados.
En contraste con esas formas abiertas, también se presentan, tanto en esculturas figurativas como abstractas, formas compactas, cerradas, resaltando el valor plástico de la materia.
El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas- máquinas (Futuristas, Calder). La escultura tradicional había reflejado el movimiento fijo, como en una instantánea. Al principio del siglo XX los escultores futuristas superponen láminas o deshacen las superficies rugosas para presentar posiciones sucesivas de una figura.
El siguiente paso es incorporar espacio en el interior de la escultura, el volumen abierto produce formas de continuidad en el espacio, posiciones sucesivas en las que la figura “conquista” fragmentos de espacio.
El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de obras que se sostienen de manera inestable sobre un precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos. Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Calder.
- Importancia de la luz. Muchos artistas realizan obras para ser situadas al aire libre y estudian cuidadosamente la ubicación en su entorno; otros buscan efectos en el contraste de luz y sombra producido por el juego de vacíos y de masas escultóricas (Gargallo); algunos, como Chillida, hacen que la luz penetre a través de los huecos dentro de la obra y formen parte de ella.
- Contrastes de texturas. Algunos escultores buscan superficies cuidadosamente pulidas… pero muchos otros basan su obra en texturas non finitas o intensamente contrastadas, que producen efectos expresivos.
La aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador.
Experimentación del valor expresivo de nuevos materiales, incluso de desecho, y realización de obras escultóricas empleando objetos apenas manipulados, como hicieron los dadaístas (Duchamp), los surrealistas (Dalí) y otras tendencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
Si bien se mantienen materiales tradicionales como el mármol, la madera y el bronce, toman auge nuevos materiales, como el hierro, el acero, vidrio, materiales reciclados, nuevos materiales sintéticos e industriales (hormigón, plásticos, resinas, poliéster, polietileno, látex…), o incluso objetos reciclados.
Nuevas técnicas: Junto a las tradicionales técnicas de modelado, tallado o fundido, aparecen otras propias del mundo industrial, tales como:
- Vaciado en cemento u hormigón
- Forja
- Soldadura
- Collage
- Ensamblaje
- Instalación
Vanguardias históricos
Las vanguardias históricas de las primeras décadas del siglo XX abren de par en par las posibilidades expresivas ampliando el lenguaje escultórico hasta límites insospechados. • Los escultores vanguardistas experimentan con todo tipo de ideas, conceptos, técnicas y procedimientos, y explotan las posibilidades de los nuevos materiales que la industria pone a su alcance.
En este sentido, las aportaciones del cubismo, del expresionismo, del constructivismo, del futurismo, del surrealismo, del dadaísmo, etc., han sido fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en día.
El cubismo supone la ruptura definitiva con la tradición. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. Pero, además de esta, la otra gran característica de la escultura contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del hombre actual.
Pablo Picasso rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura, que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico.
Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación: Cabeza de Fernande, Guitarra... Más tarde hará obras como Mujer con cochecito, La cabra...
Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a la escultura fueron Alexandre Archipenko (1887-1964), Jacques Lipchitz (1891-1973) y Pablo Gargallo (1881-1934). En la obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la síntesis de formas propias del cubismo.
Características
Las esculturas contemporáneas no fueron creadas únicamente por artistas denominados escultores, sino que también fueron pintores, como el caso de Matisse, Degas y un claro ejemplo, Pablo Picasso.
A partir del siglo XX se producen distintos cambios en la concepción de las obras de arte, teniendo en cuenta que la representación de la figura humana se aleja dejando paso a las formas geométricas, los escultores utilizan el expresionismo como lenguaje para transmitir sus ideas, innovaran las técnicas para dar protagonismo al vacío y la representación del espacio.
Todo esto despierta el afán de representar el movimiento unido a la energía, de aquí al surgimiento de la escultura cinética, y además existe una experimentación constante con los materiales nuevos como el hierro, materiales sintéticos, resinas, plásticos, etc. Estos cambios provocan que los artistas pasen de un movimiento artístico a otro y no se encasillen en uno en concreto.
La escultura contemporánea tiene como principal característica el cambio, desde su técnica hasta su función. Las funciones religiosas y políticas que tenía tradicionalmente fueron desapareciendo, dando a lugar a nuevas simbologías.
Técnicas
La escultura tiene como objetivo crear formas y armonizar volúmenes en el espacio, como consecuencia el escultor tiene que encontrar una técnica o un método de trabajo que se adecue mejor al resultado final que se quiera conseguir.
Las técnicas más utilizadas en la escultura contemporánea son el moldeado, la talla y la fundición. A partir del siglo XX surgirán otras técnicas como el asemblage, el collage, la soldadura y el uso de mezclas de materiales; como, por ejemplo, con materiales naturales y con desechos industriales.
Materiales
El hecho de que hayan surgido innovaciones en las técnicas producirá que se mezclen incluso materiales que ya se empleaban anteriormente con otros que no habían tenido en cuenta. Los materiales más utilizados fueron la piedra, arcilla, metales, madera o técnica mixta, una técnica innovadora donde se experimentaba con la obra y se mezclaban distintos materiales.
En este periodo empieza a surgir la idea de que cualquier objeto puede ser arte, este concepto provocara un distanciamiento del arte tradicional y al academicismo que influía en los movimientos artísticos precedentes al siglo XX. Un artista innovador que surgio en el arte contemporáneo fue Marcel Duchamp, que exhibió “Fointane” en 1917, un urinario creado mediante el redymade que cambió por completo el concepto de obra de arte.
Estilos y movimientos artísticos
A lo largo del arte contemporáneo surgieron diferentes estilos o movimientos artísticos que tenían unas características u objetivos innovadores diferentes, como era el cubismo, el expresionismo, el futurismo, el constructivismo, el dadaísmo y el surrealismo. De estos movimientos surgió la escultura biomorfica donde los máximos representantes fueron Contantin Brancusi y Amedeo Modigliani que destacaron en la reducción de las formas a lo esencial.
También apareció el constructivismo que se desarrolló en gran parte en Rusia por su fundador Vladimir Tatllin, inspirado por la escultura dadaísta y surrealista. El estilo más empleado en Europa del siglo XX fue el futurismo donde varios artistas decidieron experimentar con el movimiento, artistas como Umberto Boccioni. Destacar la obra de Henri Moore, el artista inglés que trabajo el tema de la figura femenina con una gran elegancia y originalidad.
Así mismo, podemos concluir con la idea de que la escultura contemporánea supone una ruptura con el pasado y que con el surgimiento de estos nombrosos movimientos artísticos, hoy en día disponemos de esculturas magníficas y que desprenden una gran técnica.
Esa ruptura hace que en Balclis y en sus subastas de escultura se puedan ofrecer a los coleccionistas una amplia selección de esculturas de gran valor artístico e histórico. Balclis dispone de artistas nacionales como Josep LLimona, Equipo Crónica y Salvador Dalí, como artistas internacionales.
Fuentes
- Historia. Visitado el 24 de septiembre de 2019.
- Características. Visitado el 24 de septiembre de 2019.
- Resumen. Visitado el 24 de septiembre de 2019.
