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Diferencia entre revisiones de «Fernando Botero»

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'''Fernando Botero Angulo''' (Medellín, Colombia, 19 de abril de 1932-Mónaco, 15 de septiembre de 2023). Pintor y escultor colombiano. Su personalísimo y estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que
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'''Fernando Botero.''' Pintor y escultor Colombiano. Su personalísimo y estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que
 
 
no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la
 
no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la
 
que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario..  
 
que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario..  
  
−
== Biografía  ==
+
== Síntesis biográfica ==
 +
Nació en [[Medellín]] en [[1932]], fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo
 +
en la [[Real Academia de Bellas Artes de San Fernando|Academia de San Fernando en Madrid]] y en la de San Marcos en [[Florencia]], su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras
 +
conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario
 +
del diario El Colombiano, de su ciudad natal.
  
−
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació
+
=== Inicios ===
−
en [[Málaga]], [[España]], el [[25 de octubre]] de [[1881]], en el n.º
+
A los 19 años viajó a [[Bogotá]], donde hizo su primera exposición
−
36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio
+
individual de acuarelas, gouaches, tintas y óleos en la Galería Leo
−
formado por el pintor vasco [[José Ruiz Blasco]] y la andaluza María
+
Matiz, y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. De su estancia
−
Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial
+
allí saldría el óleo Frente al mar, con el que obtuvo el
−
de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera
+
segundo premio de pintura, consistente en dos mil pesos, en el IX Salón
−
infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la
+
Anual de Artistas Colombianos. El crítico Walter Engel, en El Tiempo
−
familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos
+
del [[17 de agosto]] de [[1952]], encontró que tenía "una composición vigorosa,
−
cultivaban con devoción.  
+
bien construida y bien realizada", pero el escritor Luis Vidales lo
 +
criticó por su "inconceptual alargamiento de las figuras".
  
−
En [[1891]] la familia Ruiz
+
Viajó entonces Botero a [[Europa]], donde residió por
−
Picasso se traslada a [[La Coruña]] y de allí a [[Barcelona]], donde el
+
espacio de cuatro años, principalmente en Madrid, [[Barcelona]], [[París]] y
−
joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo
+
Florencia. Aunque ingresó en las academias mencionadas, siguió
−
totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas
+
formándose a base de leer, visitar museos y, sobre todo, pintar, como
−
que hacen cambiar su forma de expresión.  
+
él mismo diría. Luego viajó a [[México]], [[Nueva York]] y [[Washington]] en un
 +
período de febril creación y escasos recursos económicos, acompañado de
 +
su esposa Gloria Zea. De nuevo en [[Colombia]], Botero compartió el segundo
 +
premio y medalla de plata en el X Salón de Artistas Colombianos, con
 +
Jorge Elías Triana y Alejandro Obregón. Su óleo Contrapunto fue alabado por los críticos unánimemente, por su alegría contagiosa.
 +
La camera degli sposi obtuvo el primer premio en el XI Salón Nacional celebrado en septiembre
 +
de [[1958]]. En esta obra Botero logró deshacerse de una lejana influencia
 +
del muralismo mexicano y dirigirse, sin titubeos y por medio de su
 +
admiración a los artistas del Renacimiento italiano, hacia la
 +
consolidación de lo que alguien llamó el "boteroformismo".  
  
−
En [[1898]]
+
== Sus obras  ==
−
realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona.
+
El pintor había manifestado desde hacía cuatro años su
−
Finalmente, en el otoño del año [[1900]] hace una visita a [[París]]
+
admiración por el sereno monumentalismo de Paolo Ucello y por lo que
−
para ver la Exposición Universal. Pablo es ya un artista profesional, y
+
Marta Traba llamó "un Renacimiento de piedra, por la concepción-bloque
−
decide firmar sólo con el apellido materno.  
+
de las formas", que también manejó Piero de la Francesca; en el Homenaje a Mantegna,
 +
la exacerbación de los volúmenes y la concreción o formas geométricas
 +
básicas (que Walter Engel relacionó con las esculturas precolombinas de
 +
San Agustín) lograron el nacimiento de una pintura "profundamente
 +
original, tan antibarroca como anticlásica, tan antiexpresionista como
 +
antiabstracta", en palabras de Traba. De todas maneras, el premio en el
 +
[[XI]] Salón fue consagratorio.[[Archivo:Botero con una de sus obras en la los Campos Elíseos de París en octubre de 1992.jpg|miniatura|derecha|270px|Con una de sus obras en la los [[Campos Elíseos]] de [[París]] en octubre de 1992.]]
 +
Entre [[1961]] y [[1973]] fijó su residencia en [[Nueva York]]. Luego viviría en París, alternando su residencia en la capital francesa con largas estancias en Pietrasanta o
 +
su finca en el pueblo cundinamarqués de Tabio. Hacia [[1964]], Fernando
 +
Botero hizo sus primeras incursiones en el campo escultórico con obras
 +
como Cabeza de obispo, figura que, hecha en pasta de aserrín y
 +
con ojos de vidrio, tenía claras reminiscencias de la imaginería
 +
colonial barroca. A partir de [[1975]], en Pietrasanta, se dedicaría a la
 +
escultura con entusiasmo: "Parecía como si todo ese universo de figuras
 +
monumentales que fue desarrollando en la pintura -escribe Escallón-
 +
hubieran encontrado total eco en la tridimensionalidad. Hoy en día, la
 +
una alimenta a la otra. Gran parte de la riqueza imaginativa viene de
 +
la pintura, que le da ideas, soluciones, posibilidades... Botero
 +
desarticula la estructura pictórica para sintetizar la forma en una
 +
unidad escultórica".
  
−
Entre
+
En [[1977]] expuso sus bronces por primera vez en el Grand
−
[[1901]] y [[1907]] se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa,
+
Palais de [[París]]. Tras cuatro decenios de labor ininterrumpida, su
−
caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras
+
reconocimiento en el campo escultórico se hizo también universal.
−
sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de
+
Apoteósica fue la exposición de sus enormes esculturas en los Campos
−
estos años iniciales del [[Siglo XX|siglo XX]] está viviendo continuos
+
Elíseos en París durante el verano de [[1992]], y en el año siguiente en la
−
cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por
+
Quinta Avenida de [[Nueva York]], en [[Buenos Aires]] y en [[Madrid]].
−
[[Cézanne]] y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula
+
Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero no ha
−
pictórica junto a su amigo [[Braque]]: el cubismo.  
+
dejado nunca, sin embargo, de alzar la voz contra la injusticia y de
 +
mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. Sirve
 +
para ilustrarlo una de sus más recientes series pictóricas, la que
 +
realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel
 +
iraquí de Abu Ghraib (2003), en el marco de la ocupación norteamericana
 +
de [[Iraq]]. Presentada en 2005 en el Palacio [[Venecia]] de [[Roma]], la fuerza
 +
turbadora de esta colección de cincuenta lienzos atestiguó además que
 +
el pulso y la creatividad del artista no ha menguado en absoluto con
 +
los años.
  
−
Pero
+
'''Para la historia del arte en Colombia, las obras más reconocidas de Botero son:'''
−
Picasso no se queda ahí y en [[1912]] practica el collage en la
+
*"El atelier de Sánchez Cotán", óleo sobre lienzo. Colección Particular, Bogotá.
−
pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace
+
*"Cámera degli sposi I" u "Homenaje a Mantegna I" (versión de 1958), óleo sobre tela.
−
dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los
+
*"Contrapunto", óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.
−
pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo
+
*"En rojo y azul" o "Mandolina" (1957), óleo sobre tela. Colección de Arte del Banco de la República, Bogotá.
−
de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con
+
*"La apoteosis de Ramón Hoyos", óleo sobre tela. Colección particular de Fernando Botero.
−
otras totalmente cubistas.  
+
*"Los obispos muertos" (1958), óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.
  
−
El movimiento surrealista
+
'''Esculturas'''
−
de [[1925]] no le coge desprevenido y, aunque no participa
+
[[Archivo:Con su escultura de Bronce Mano izquierda, frente al Museo Moderno de Estocolmo en septiembre de 2001.jpg|miniatura|derecha|270px|Botero con su escultura de bronce ""Mano izquierda"", frente al [[Museo Moderno de Estocolmo]] en septiembre de 2001.]]
−
abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior,
+
*La serie de Venus.
−
introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no
+
*La Dama.
−
exentas de rabia y furia.  
+
*Juan Jose Y Edgar Gorditos
 +
*La Ballerina Asquadra.
 +
*El Soldado Romano.
 +
*La serie de Gatos.
 +
*El Ucello (Vecchio).
 +
*Leda e Il Cigno.
 +
*El Pájaro.
 +
*La Mano.
 +
*Torso.
 +
*La serie Pedrito.
 +
*El Caminante.
 +
*Donna Seduta (Mano Capecci).
 +
*Ballerini Vestiti Medio.
 +
*La Pareja.
 +
*La Maternidad. Se puede observar en las ciudades de Lisboa (Portugal) y Oviedo (Asturias).
 +
*El Caballo.
 +
*Retrato a Diego Velázquez.
  
−
Igual que le ocurre a
+
== Premios Fernando Botero ==
−
[[Goya]], a Picasso también le influye mucho la situación personal y
+
En [[2005]] la Fundación Jóvenes Artistas Colombianos decidió conceder este premio a los artistas menores de 35 años, dotado con 50.000$. 4 años más tarde el pintor realizó unas polémicas declaraciones criticando las obras premiadas en [[2009]], es por eso que la Fundación optó por eliminar estos galardones.
−
social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy
 
−
tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero
 
−
lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la [[Guerra
 
−
Civil Española]] y el bombardeo de [[Guernica]], que provocó la
 
−
realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que
 
−
critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado.  
 
  
−
== Su obra  ==
+
==Fallecimiento==
 +
Murió el [[15 de septiembre]] de [[2023]] en Mónaco, lugar donde residía a los 91 años de edad.
  
−
En
+
==Referencias==
−
el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las
+
{{listaref}}
−
significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico
 
−
del [[Siglo XX|siglo XX]].
 
  
−
Es la clave de la pintura
+
== Fuentes ==
−
y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus
+
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/listado.htm Arte Historia]
−
aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero
+
*[http://www.biografiasyvidas.com/monografia/Botero/ Biografías y Vidas]  
−
más significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que
 
−
vivió. En el primer aspecto, es la figura representativa del cubismo;
 
−
en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca
 
−
figurará entre sus grupos y actuará de forma autónoma.
 
−
 
 
−
Su
 
−
evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en
 
−
el que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades
 
−
que el lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los
 
−
problemas de una época.
 
−
 
 
−
Es clara la dimensión
 
−
histórica en la obra del gran pintor español; porque su objetivo no se
 
−
cifró en la búsqueda de la belleza sino en testificar y aclarar los
 
−
grandes procesos sociales. Así lo manifestó en una ocasión: "el artista
 
−
trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar claridad ante su
 
−
conciencia y sus contemporáneos de sí mismo y de su tiempo". La forma
 
−
armoniosa de otros siglos del arte reflejaba una concepción armónica
 
−
del hombre; la forma desgarrada de Picasso traduce el sufrimiento del
 
−
hombre de nuestro tiempo.
 
−
 
 
−
En medio de sus símbolos y
 
−
sus renovaciones incesantes es posible detectar una constante, la
 
−
sensibilidad por la época, reflejada en la alternancia de períodos
 
−
plácidos y dramáticos. Pero en todo momento mantuvo Picasso viva su
 
−
obsesión dolorosa por el hombre que sufre. Desde los ciegos azules
 
−
hasta los gritos de los cuadros expresionistas es constante la
 
−
meditación compasiva del artista sobre sus contemporáneos.
 
−
 
 
−
=== Período Azul ===
 
−
 
 
−
Entre
 
−
[[1900]] y [[1902]] Picasso hizo tres viajes a [[París|París]],
 
−
estableciéndose finalmente allí en [[1904]]. El ambiente bohemio de las
 
−
calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus
 
−
cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la
 
−
asimilación del [[Postimpresionismo]] de [[Paul Gauguin]] y del
 
−
[[Simbolismo]] de los pintores nabis. Los temas de la obra de [[Edgar
 
−
Degas]] y [[Henri Marie Raymond]] de [[Toulouse-Lautrec]], así como el
 
−
estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El
 
−
cuadro [[Habitación azul]] ([[1901]], [[Colección Phillips]],
 
−
[[Washington]]) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez,
 
−
muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el
 
−
predominio de los [[Valores tonales (Artes visuales)|tonos]] azules en
 
−
las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria
 
−
humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y
 
−
prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas,
 
−
recordando el estilo de [[El Greco]].
 
−
 
 
−
=== Período Rosa  ===
 
  
−
Poco
+
[[Categoría:Pintores]][[Category:Artistas_de_la_plástica]]
−
después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido
 
−
como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera,
 
−
[[Fernande Olivier]]. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta
 
−
hacia tonos rosas y rojos; los años [[1904]] y [[1905]] se conocen,
 
−
así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo,
 
−
que visitó con gran asiduidad, creando obras como [[Familia de
 
−
acróbatas]] ([[1905]], National Gallery, Washington). En la figura del
 
−
arlequín, Picasso pintó su otro yo, su álter ego, práctica que repitió
 
−
también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su
 
−
amistad con el poeta [[Max Jacob]], el escritor [[Guillaume
 
−
Apollinaire]], los marchantes [[Ambroise Vollard]] y [[Daniel Henry
 
−
Kahnweiler]] y los ricos estadounidenses residentes en Francia
 
−
[[Gertrude Stein]] y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus
 
−
primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.
 
−
 
 
−
=== Protocubismo  ===
 
−
 
 
−
En
 
−
el verano de [[1906]], durante una estancia de Picasso en [[Gosol]],
 
−
[[Andorra]], su obra entrará en una nueva fase marcada por la
 
−
influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de
 
−
Gertrude Stein (1905-1906, [[Museo Metropolitano de Arte]], Nueva York)
 
−
revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra clave de
 
−
este periodo es Las señoritas de Avignon ([[1907]], [[Museo de Arte
 
−
Moderno]], [[Nueva York]]), tan radical en su estilo —la superficie del
 
−
cuadro semeja un cristal fracturado que no fue entendido, incluso, por
 
−
los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la
 
−
pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad
 
−
espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino,
 
−
reestructurándolo por medio de [[Línea (Artes visuales)|líneas]] y
 
−
planos cortantes y angulosos.
 
−
 
 
−
=== Cubismo analítico y Sintético  ===
 
−
 
 
−
Inspirados
 
−
por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de [[Paul
 
−
Cézanne]], Picasso y [[Georges Braque]] pintaron en [[1908]] una serie
 
−
de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como
 
−
si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el
 
−
término cubismo. Entre 1908 y [[1911]] trabajaron en estrecha
 
−
colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las
 
−
formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como
 
−
cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas
 
−
representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo
 
−
simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron
 
−
los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre
 
−
los que destaca el retrato de uno de sus marchantes, Daniel Henry
 
−
Kahnweiler ([[1910]], [[Instituto de Arte de Chicago]]). En [[1912]]
 
−
realiza su primer collage, [[Naturaleza muerta con silla de paja]]
 
−
(Museo Picasso, [[París]]), combinando pasta de papel y un trozo de
 
−
hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un
 
−
vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala
 
−
la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo
 
−
es más decorativa, y el color desempeña un papel más destacado, aunque
 
−
nunca de manera exclusiva. Dos obras de [[1915]] demuestran la
 
−
simultaneidad de estilos que utilizó: [[Arlequín]] (Museo de Arte
 
−
Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su
 
−
marchante, Vollard (Museo Metropolitano de Arte), está realizado dentro
 
−
de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula
 
−
las formas artísticas del pintor francés [[Jean August Dominique
 
−
Ingres]]. De [[1923]] es su [[Arlequín con espejo]] ([[Museo
 
−
Thyssen-Bornemisza de Madrid]]). Obra de su llamado periodo clásico
 
−
([[1921]]-[[1925]]), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y
 
−
consecuencia de su estancia en [[Italia]] en [[1917]].
 
−
 
 
−
=== Escultura cubistta  ===
 
−
 
 
−
El
 
−
busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado [[Cabeza de
 
−
mujer]], 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad
 
−
técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales.
 
−
También realizó conjuntos —como [[Mandolina y clarinete]] ([[1914]],
 
−
[[Museo Picasso]], París) formados por fragmentos de madera, metal,
 
−
papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales
 
−
planteadas por la pintura cubista. Su [[Vaso de ajenjo]] ([[1914]],
 
−
Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que
 
−
representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una
 
−
cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar;
 
−
tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada
 
−
cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus
 
−
posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo[[Mandril y
 
−
joven]] ([[1951]], Museo de Arte Moderno), como los objetos [[Pop art]]
 
−
de la década de [[1960]].
 
−
 
 
−
=== Realismo y Surrealismo  ===
 
−
 
 
−
Durante
 
−
la [[I Guerra Mundial]], Picasso viajó a [[Roma]] para realizar los
 
−
decorados de los ballets rusos de [[Sergei Diáguilev]]. Conoció allí a
 
−
la bailarina [[Olga Koklova]], con la que se casó poco después. Dentro
 
−
de un estilo realista, figurativo, en torno a [[1917]] Picasso la
 
−
retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo,
 
−
Pablo (por ejemplo, en [[Pablo vestido de Arlequín]], [[1924]], Museo
 
−
Picasso, [[París]]) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década
 
−
de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas,
 
−
escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por
 
−
ejemplo [[Tres mujeres en la fuente]] ([[1921]], Museo de Arte Moderno)
 
−
y obras inspiradas en la mitología, como [[Las flautas de pan]]
 
−
([[1923]], Museo Picasso, [[París]]). Al mismo tiempo creó también
 
−
extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy
 
−
pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes
 
−
violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias
 
−
tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en
 
−
muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características
 
−
propias de este movimiento artístico, como en [[Mujer durmiendo en un
 
−
sillón]] ([[1927]], Colección Privada, [[Bruselas]]) y [[Bañista
 
−
sentada]] ([[1930]], Museo de Arte Moderno).
 
−
 
 
−
=== Pinturas: 1930-1935  ===
 
−
 
 
−
Varios
 
−
cuadros cubistas de comienzos de la década de [[1930]], en los que
 
−
predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto
 
−
erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su
 
−
nuevo amor, [[Marie Thérèse Walter]], con la que tuvo a su hija Maya en
 
−
[[1935]]. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo,
 
−
fue también la modelo del famoso cuadro [[Muchacha ante el espejo]]
 
−
([[1932]], Museo de Arte Moderno). En [[1935]] Picasso llevó a cabo la
 
−
serie de grabados [[Minotauromaquia]], un bellísimo trabajo en el que
 
−
mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra,
 
−
tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las
 
−
imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como
 
−
una de las obras artísticas individuales más importante del [[Siglo
 
−
XX]].
 
−
 
 
−
=== Guernica  ===
 
−
 
 
−
[[Image:Guernica_pintura.JPG|thumb|left|El
 
−
Guernica, una de las obras más importantes del arte contemporáneo.]]El
 
−
[[26 de abril de 1937]], durante la [[Guerra Civil española]], la
 
−
aviación alemana, por orden de [[Francisco Franco]], bombardeó el
 
−
pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a
 
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pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses
 
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terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición
 
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Internacional de [[París|París]] de [[1937]]. El cuadro no retrata el
 
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acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y
 
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crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el
 
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toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo
 
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muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la
 
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complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la
 
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obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante
 
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impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro
 
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permaneció en el Museo de Arte Moderno de [[Nueva York|Nueva York]]
 
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desde [[1939|1939]] hasta [[1981]], año en el que regresó a España;
 
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allí se emplazó en el [[Casón del Buen Retiro]], junto al Museo del
 
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Prado, en [[Madrid|Madrid]], hasta que en [[1992]] se trasladó de
 
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nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el
 
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[[Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía]], también en Madrid.
 
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=== La II Guerra Mundial y los años de postguerra  ===
 
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El
 
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estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron
 
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a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el
 
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tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por
 
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ejemplo, en [[Bodegón con calavera de buey]] ([[1942]], [[Kunstsammlung
 
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Nordrhein-Westfalen]], [[Düsseldorf]]) y en [[El osario]] ([[1945]],
 
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Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora [[Françoise
 
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Gilot]], con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán
 
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retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de
 
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Picasso. Su última compañera sentimental fue [[Jacqueline Roque]], a la
 
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que conoció en [[1953]] y con la que se casó en [[1961]]. También pintó
 
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su imagen en bastantes ocasiones, como en [[Jacqueline sentada]]
 
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([[1954]], Museo Picasso, Málaga). Desde entonces residió casi siempre
 
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en el sur de Francia.
 
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=== Últimos trabajos  ===
 
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Muchos
 
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de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los
 
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grandes maestros del pasado como [[Diego Velázquez]], [[Gustave
 
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Courbet]], [[Eugène Delacroix]] y [[Édouard Manet]]. Además de en la
 
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pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías
 
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que realizó en la imprenta de [[Fernande Mourlot]]. Se interesó también
 
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por la cerámica, y así, en [[1947]], en [[Vallauris]], realizó cerca de
 
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2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes
 
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esculturas: [[El hombre del carnero]] ([[1944]], [[Museo de Arte de
 
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Filadelfia]]), un bronce a tamaño natural, y [[La cabra]] ([[1950]],
 
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Museo de Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En
 
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[[1964]] llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental
 
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escultura levantada en [[1966]] en acero soldado en el [[Civic Center
 
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de Chicago]]. En [[1968]], y a lo largo de siete meses, creó las
 
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notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos
 
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temas: el circo, las [[Corridas de toros]], el teatro y las escenas
 
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eróticas.
 
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A lo largo de toda su vida la obra de
 
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Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas
 
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fue la que le dedicó el Louvre en [[1971]] con motivo del 90 cumpleaños
 
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del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo
 
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parisino la obra de ningún artista vivo.
 
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== Sus últimos años  ==
 
−
 
 
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[[París]]
 
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fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida
 
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los pasó en el sur de [[Francia]], trabajando en un estilo muy
 
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personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció el [[3 de
 
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abril]] de [[1973]] en [[Mougins]], cuando preparaba dos exposiciones,
 
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demostrando su capacidad creativa hasta el final.
 
−
 
 
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== Fuente  ==
 
−
 
 
−
*[http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/listado.htm Arte Historia]
 
−
*[http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/ Biografías y Vidas]
 
−
*Consejo Nacional de las Artes Plásticas. Arte Universal, Selección. [[La Habana]], [[2001]]
 
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[[Category:Artes_Plásticas]]
 

última versión al 09:48 16 sep 2023

Fernando Botero
Información sobre la plantilla
Fernando Botero.jpg
NombreFernando Botero Angulo
Nacimiento19 de abrilde 1932
Medellín, Colombia
Fallecimiento15 de septiembre de 2023[1]
Mónaco
OcupaciónPintor y Escultor
PadresDavid Botero Mejía y Flora Angulo de Botero.
Obras destacadasLa alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El quite.

Fernando Botero Angulo (Medellín, Colombia, 19 de abril de 1932-Mónaco, 15 de septiembre de 2023). Pintor y escultor colombiano. Su personalísimo y estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario..

Síntesis biográfica

Nació en Medellín en 1932, fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y en la de San Marcos en Florencia, su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario del diario El Colombiano, de su ciudad natal.

Inicios

A los 19 años viajó a Bogotá, donde hizo su primera exposición individual de acuarelas, gouaches, tintas y óleos en la Galería Leo Matiz, y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. De su estancia allí saldría el óleo Frente al mar, con el que obtuvo el segundo premio de pintura, consistente en dos mil pesos, en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. El crítico Walter Engel, en El Tiempo del 17 de agosto de 1952, encontró que tenía "una composición vigorosa, bien construida y bien realizada", pero el escritor Luis Vidales lo criticó por su "inconceptual alargamiento de las figuras".

Viajó entonces Botero a Europa, donde residió por espacio de cuatro años, principalmente en Madrid, Barcelona, París y Florencia. Aunque ingresó en las academias mencionadas, siguió formándose a base de leer, visitar museos y, sobre todo, pintar, como él mismo diría. Luego viajó a México, Nueva York y Washington en un período de febril creación y escasos recursos económicos, acompañado de su esposa Gloria Zea. De nuevo en Colombia, Botero compartió el segundo premio y medalla de plata en el X Salón de Artistas Colombianos, con Jorge Elías Triana y Alejandro Obregón. Su óleo Contrapunto fue alabado por los críticos unánimemente, por su alegría contagiosa. La camera degli sposi obtuvo el primer premio en el XI Salón Nacional celebrado en septiembre de 1958. En esta obra Botero logró deshacerse de una lejana influencia del muralismo mexicano y dirigirse, sin titubeos y por medio de su admiración a los artistas del Renacimiento italiano, hacia la consolidación de lo que alguien llamó el "boteroformismo".

Sus obras

El pintor había manifestado desde hacía cuatro años su admiración por el sereno monumentalismo de Paolo Ucello y por lo que Marta Traba llamó "un Renacimiento de piedra, por la concepción-bloque de las formas", que también manejó Piero de la Francesca; en el Homenaje a Mantegna, la exacerbación de los volúmenes y la concreción o formas geométricas básicas (que Walter Engel relacionó con las esculturas precolombinas de San Agustín) lograron el nacimiento de una pintura "profundamente original, tan antibarroca como anticlásica, tan antiexpresionista como antiabstracta", en palabras de Traba. De todas maneras, el premio en el

XI Salón fue consagratorio.

Con una de sus obras en la los Campos Elíseos de París en octubre de 1992.

Entre 1961 y 1973 fijó su residencia en Nueva York. Luego viviría en París, alternando su residencia en la capital francesa con largas estancias en Pietrasanta o su finca en el pueblo cundinamarqués de Tabio. Hacia 1964, Fernando Botero hizo sus primeras incursiones en el campo escultórico con obras como Cabeza de obispo, figura que, hecha en pasta de aserrín y con ojos de vidrio, tenía claras reminiscencias de la imaginería colonial barroca. A partir de 1975, en Pietrasanta, se dedicaría a la escultura con entusiasmo: "Parecía como si todo ese universo de figuras monumentales que fue desarrollando en la pintura -escribe Escallón- hubieran encontrado total eco en la tridimensionalidad. Hoy en día, la una alimenta a la otra. Gran parte de la riqueza imaginativa viene de la pintura, que le da ideas, soluciones, posibilidades... Botero desarticula la estructura pictórica para sintetizar la forma en una unidad escultórica".

En 1977 expuso sus bronces por primera vez en el Grand Palais de París. Tras cuatro decenios de labor ininterrumpida, su reconocimiento en el campo escultórico se hizo también universal. Apoteósica fue la exposición de sus enormes esculturas en los Campos Elíseos en París durante el verano de 1992, y en el año siguiente en la Quinta Avenida de Nueva York, en Buenos Aires y en Madrid. Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero no ha dejado nunca, sin embargo, de alzar la voz contra la injusticia y de mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. Sirve para ilustrarlo una de sus más recientes series pictóricas, la que realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel iraquí de Abu Ghraib (2003), en el marco de la ocupación norteamericana de Iraq. Presentada en 2005 en el Palacio Venecia de Roma, la fuerza turbadora de esta colección de cincuenta lienzos atestiguó además que el pulso y la creatividad del artista no ha menguado en absoluto con los años.

Para la historia del arte en Colombia, las obras más reconocidas de Botero son:

  • "El atelier de Sánchez Cotán", óleo sobre lienzo. Colección Particular, Bogotá.
  • "Cámera degli sposi I" u "Homenaje a Mantegna I" (versión de 1958), óleo sobre tela.
  • "Contrapunto", óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.
  • "En rojo y azul" o "Mandolina" (1957), óleo sobre tela. Colección de Arte del Banco de la República, Bogotá.
  • "La apoteosis de Ramón Hoyos", óleo sobre tela. Colección particular de Fernando Botero.
  • "Los obispos muertos" (1958), óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá.

Esculturas

Botero con su escultura de bronce ""Mano izquierda"", frente al Museo Moderno de Estocolmo en septiembre de 2001.
  • La serie de Venus.
  • La Dama.
  • Juan Jose Y Edgar Gorditos
  • La Ballerina Asquadra.
  • El Soldado Romano.
  • La serie de Gatos.
  • El Ucello (Vecchio).
  • Leda e Il Cigno.
  • El Pájaro.
  • La Mano.
  • Torso.
  • La serie Pedrito.
  • El Caminante.
  • Donna Seduta (Mano Capecci).
  • Ballerini Vestiti Medio.
  • La Pareja.
  • La Maternidad. Se puede observar en las ciudades de Lisboa (Portugal) y Oviedo (Asturias).
  • El Caballo.
  • Retrato a Diego Velázquez.

Premios Fernando Botero

En 2005 la Fundación Jóvenes Artistas Colombianos decidió conceder este premio a los artistas menores de 35 años, dotado con 50.000$. 4 años más tarde el pintor realizó unas polémicas declaraciones criticando las obras premiadas en 2009, es por eso que la Fundación optó por eliminar estos galardones.

Fallecimiento

Murió el 15 de septiembre de 2023 en Mónaco, lugar donde residía a los 91 años de edad.

Referencias

  1. Volver arriba ↑ Falleció el pintor y escultor colombiano Fernando Botero

Fuentes

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