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Diego Velázquez (pintor)

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Prado Diego Velázquez
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Diego Velazquez.jpg
Autorretrato de Velázquez realizado en 1656 en su cuadro más emblemático, Las Meninas.
Nacimiento5 de junio de 1599
Sevilla, Bandera de España España
Fallecimiento6 de agosto de 1660
Madrid, Bandera de España España
OcupaciónPintor
Conocido porDiego Velázquez
CónyugeJuana Pacheco
HijosAntonio de Silva
PadresJuan Rodríguez
Jerónima Velázquez
Obras destacadasLas Meninas, Los borrachos
PremiosCaballero de la Orden de Santiago
Prado Diego Velázquez. Más conocido como Diego Velázquez, fue un gran pintor español que se desempeñó como retratista de la corte española. La importancia de Velázquez, al margen de su propia personalidad, radica en su capacidad de tratar de un modo magistral, a lo largo de su dilatada carrera, la mayoría de los grandes temas pictóricos de su época. Consumado retratista, no fue sin embargo inferior su calidad en obras de género mitológico, religioso, alegórico y paisajístico.

Diego Velázquez está considerado por muchos historiadores como el más grande pintor del Siglo de Oro español. Debido a su labor artística le fue conferida, por el rey Felipe IV, la preciada distinción de Caballero de la Orden de Santiago[1], un honor no concedido nunca ni antes ni después a pintor alguno.

Síntesis biográfica

Nacimiento

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en la ciudad española de Sevilla el 5 de junio de 1599; fue bautizado el día posterior[2]. Hijo primogénito de un hidalgo no demasiado rico perteneciente a una familia oriunda de Portugal, tal vez de Oporto, llamado Juan Rodríguez, y de la española Jerónima Velázquez. En el día de su bautismo, Juan Rodríguez hizo tañer las campanas (previo pago de una módica suma al sacristán), convidó luego a los allegados a clarete y a tortas de San Juan de Alfarache y entretuvo a la chiquillería vitoreante con monedas de poco monto que arrojó por la ventana.

Período sevillano

A los 10 años de edad, Diego Velázquez ingresa en el taller de Francisco de Herrera el Viejo, donde aprendió la técnica y el oficio de pintor, y poco después (1610) en el de Francisco Pacheco, donde permaneció 6 años. Fue allí que comenzó su auténtica formación como pintor. A los dieciocho años su técnica es preciosista, y está teñida de un profundo naturalismo, propio de la época. Pinta, sobre todo, bodegones, con un tratamiento tenebrista de la luz. Posee un profundo apego a la realidad y se preocupa por los problemas de espacio. Trata también temas religiosos, principal fuente de ingresos para los pintores de la época. En estos cuadros el escenario se enriquece, incluso con la utilización de espejos. En obras como La cena de Emaús los ámbitos son fingidos, pero los personajes son reales: retratos.

Velázquez sintió la necesidad de ganar una colocación en la corte, donde se había instalado recientemente Felipe IV, rey de pocas luces diplomáticas aunque muy aficionado a las artes y que con el tiempo llegaría a sentir por el pintor una gran devoción. En 1622, hace su primer viaje a Madrid, pero no tuvo suerte, pues necesitaba muchas recomendaciones para acceder a palacio. Regresó a su tierra natal sin haber cosechado el menor éxito. Su protector y suegro lo animó para que realizara un nuevo intento, al año siguiente.

En Sevilla, durante lo que se ha dado en llamar su primera época, su estilo sigue al de los manieristas y los estudiosos del arte veneciano, como Juan de Roelas, pero adoptando los claroscuros impresionantes de Caravaggio, bien que esta última influencia haya sido discutida. No obstante, Velázquez se decantará pronto por un realismo barroco, seguido igualmente por Zurbarán o Alonso Cano, audaz y estremecido, grave y lleno de contrastes.

Dicho realismo, en su vertiente más popular, había sido frecuentado por la literatura de la época y ese mismo aire de novela picaresca aparece en los Almuerzos, que guardan los museos de Leningrado y Budapest, así como en Tres músicos, donde, sin embargo, desaparece el humor para concentrarse el tema en la descripción de la maltrecha dignidad de sus protagonistas. Es curioso cómo, también por aquella época, utiliza los encargos de asuntos religiosos para dejar en un fondo remoto los episodios que dan título a los cuadros, y pasar a un primer plano a rudos personajes de pueblo y minuciosos bodegones donde se acumulan los objetos de la pobre vida cotidiana. Es el caso de Cristo en casa de Marta y María, obra en la que adquieren plena relevancia la cocina y sus habitantes, el pescado, las vasijas, los elementos más humildes.

Se casó en 1618 con Juana Pacheco, la hija de su maestro, de la que tuvo dos hijas. Era costumbre, en la época, que las hijas de los maestros se casasen con los alumnos predilectos, con el fin de que el oficio quedase en la familia. Sobre las razones que le decidieron a favorecer este matrimonio escribe Pacheco:
Después de cinco años de educación y enseñanza le casé con mi hija, movido por su virtud, limpieza, y buenas partes, y de las esperanzas de su natural y grande ingenio. Y porque es mayor la honra de maestro que la de suegro, ha sido justo estorbar el atrevimiento de alguno que se quiere atribuir esta gloria, quitándome la corona de mis postreros años. No tengo por mengua aventajarse el maestro al discípulo, ni perdió Leonardo de Vinci por tener a Rafael por discípulo, ni Jorge de Castelfranco a Tiziano, ni Platón a Aristóteles, pues no le quitó el nombre de divino.

El Museo del Prado guarda pinturas del período sevillano, como el espléndido lienzo La adoración de los Reyes Magos, fechado en 1619, poco después de su matrimonio y de que Juana le diese descendencia, y donde se ha querido ver, sobre todo en los rasgos infantiles del Niño Jesús, un homenaje a su familia y un hálito de la felicidad del flamante padre. Es seguro, por lo demás, que los Reyes Magos son auténticos retratos, no idealizaciones más o menos convencionales, y en ello se revela también la verdadera vocación de quien sería el más grande retratista de su tiempo.

En esta época pinta también: La Inmaculada, San Juan de Patmos, La vieja friendo huevos, La mulata y El aguador de Sevilla.

Pintor de la corte

En su segundo viaje a Madrid, ya convenientemente pertrechado de avales, recibió Velázquez las mercedes y favores del conde duque de Olivares, quien le consiguió su gran oportunidad al recomendarle para que hiciera un retrato del nuevo monarca. Felipe IV quedó tan complacido por esta obra, que inmediatamente lo nombró pintor de la corte, obligando a Velázquez a trasladar su residencia a la capital y a vivir en el Palacio Real. En sus primeros años madrileños el artista fue sustituyendo sus característicos tonos terrosos por una insólita gama de grises, que con el tiempo sería su recurso más admirable y un vivo exponente de su genio sutil.

Hacia 1629, pinta Velázquez su primer gran cuadro de tema mitológico, llamado Los borrachos porque el asunto, dedicado a Baco, se convierte en sus manos en una estampa de las francachelas populares de la época. Al año siguiente llega Rubens a Madrid , con quien mantuvo una buena y leal amistad. Rubens le recomienda que visite Italia, donde su arte podrá depurarse y ennoblecerse.

Viaje a Italia

Empeñado en viajar a Italia, consigue, tras mucho insistir, licencia del rey y, saliendo del puerto de Barcelona, desembarca en Génova en 1629. Visita Verona, Ferrara, Loreto, Bolonia, Nápoles y Roma, sin apenas pintar nada, pero estudiándolo todo, memorizando gamas de colores, audaces composiciones, raras atmósferas, luces insólitas.

Probablemente entonces, aunque hay quien sostiene que fue en su segundo viaje a Roma, pinta las maravillosas Vistas del jardín de la Villa Médicis en Roma. En estos parajes vivió el español gracias a la recomendación de su embajador y, allí, al aire libre, tomó sus apuntes geniales. Son paisajes románticos, melancólicos, intemporales, casi impresionistas por su libertad de trazo, pese a ser, en más de dos siglos, anteriores a los cuadros de ese estilo, y quizás aún más perfectos en la captura del instante luminoso huidizo, del aire limpio y quieto apresado por la tupida vegetación y la escenográfica arquitectura. Esas imágenes, conservadas en el Museo del Prado, que fueron pintadas como un ejercicio ocioso y gratuito, sobre pequeños lienzos que no alcanzan el medio metro de alto y poco menos de ancho, muestran la sabiduría alcanzada por Velázquez en aquellos años.

Regreso a España

A su regreso a España, realizó obras de gran envergadura y empaque, como La rendición de Breda, también conocida por Las lanzas. En esta pintura de compromiso, terminada en 1635 para el Salón de los Reinos en el recién inaugurado Palacio del Buen Retiro, también prevalece más lo anecdótico que la pomposa rememoración del pasado triunfo del general Ambrosio Spínola en el sitio de Breda.

Durante los años treinta y cuarenta del siglo XVII, Velázquez fue el pintor del rey, y también lo fue de las "sabandijas de palacio", como se puede apreciar en El Bobo de Coria, Diego de Acedo el Primo y el Niño de Vallecas. Después de su segundo viaje a Italia para comprar obras de arte en nombre de Su Majestad, su paleta produjo tres obras maestras insuperables y sumamente conocidas. La Venus del espejo, conservada en la National Gallery de Londres, célebre por ser uno de los pocos desnudos de autor español que se han conservado, para el cual se piensa que pudo servir de modelo la escandalosa y bella actriz Damiana, amante del alocado marqués de Heliche.

Para la realización de Las Hilanderas, Velázquez plantó su caballete en la Fábrica de Tapices de la calle de Santa Isabel, de Madrid. La representación del momento irrepetible de las mujeres alrededor de la rueca giratoria hizo pronto olvidar que se trataba de un tema mitológico (la fábula de Palas y Aracne), creyéndose desde antiguo que se trataba de un cuadro de género.

Las Meninas

Detalles de Las Meninas (1656)

De entre los retratos que realizó de la familia real, hay uno que goza de inmensa fama, y se ha convertido en el paradigma de la obra del pintor: Velázquez y la familia real o Las Meninas. Este cuadro, que ha dado lugar a multitud de interpretaciones, tiene como marco espacial la habitación más importante del apartamento del palacio Real en el que vivía el pintor. En la obra aparece el mismo Velázquez frente al caballete con la cruz de la Orden de Santiago, aunque la distinción fue añadida después a su muerte por orden del rey, ya que Velázquez todavía no la había recibido cuando pintó el cuadro.

En el fondo de la habitación, un espejo refleja la imagen del rey y de la reina; en el centro aparece la infanta Margarita acompañada por dos doncellas reales, y a la derecha del cuadro, en primer plano, figuran la enana Mari-Bárbola y el enano Nicolás de Pertusato, que intenta despertar con el pie a un mastín tumbado en el suelo. Detrás de este grupo hay dos figuras y finalmente, al lado de la escalera, vemos al mayordomo de la reina.

La composición es de una gran complejidad y constituye un extraordinario ejemplo de pintura de una pintura: los reyes se representan indirectamente, vistos a través de un espejo, mientras que por lo que respecta a los protagonistas de la obra, la infanta y sus acompañantes, no se sabe si son el tema del cuadro en que está trabajando Velázquez o bien si están mirando pintar al artista. Por último, el espectador se siente incluido en el espacio del cuadro, ya que el espejo con las imágenes de los reyes le hace suponer que están contemplando la misma escena que él pero a sus espaldas. Dicho de otro modo, el espectador ocupa ilusoriamente el lugar de los retratados, el lugar de los reyes, y este hecho ha dado pábulo a incesantes especulaciones. Desde el punto de vista de la factura, es una obra de prodigiosa ejecución, incluso dentro de la pintura del artista. Las pinceladas son como toques de luz que modelan los vestidos y los cuerpos, dotándolos de una gran vivacidad.

Muerte

Por empeño personal de Felipe IV, Velázquez recibiría, un año antes de morir en Madrid el 6 de agosto de 1660, la preciada distinción de Caballero de la Orden de Santiago, un honor no concedido nunca ni antes ni después a pintor alguno. Fue enterrado en la Real parroquia de Santiago y San Juan Bautista[3], en donde, 8 días después, su esposa Juana fue enterrada junto a él.

En 1990 se organizó una magna retrospectiva de su obra en el Museo del Prado, miles de personas llegadas de todos los puntos cardinales, afluyeron incesantemente para reír el gesto idiota del bufón Calabacillas, admirar la pincelada que plasma el vestido de una infanta, interrogar la estampa ecuestre del conde-duque de Olivares y respirar el aire penumbroso del siglo XVII aquietado e inmortalizado en los cuadros de Velázquez. Diego Velázquez está reconocido como un genio de la pintura universal y varias de sus obras se consideran dentro de las mejores de la historia.

Labor artística

Diego Velázquez, pintor del rey, tuvo la vocación por la pintura desde niño. En Madrid conquistó el afecto de Felipe IV, y trabajó casi exclusivamente para él, instalado como un gran señor, y creando una maravillosa serie de retratos que le hicieron famoso. Dos viajes a Italia, en 1629 y 1649, le pusieron en contacto directo con el arte de este país, sobre todo con la pintura veneciana. Señorial y seguro de sí, desarrolló su arte según una curva evolutiva que se convirtió en una magnífica lección de pintura, y que va del realismo puro de su actividad primera, a un estilo aristocrático y elegante y, por último, al realismo profundo de su plena madurez.

La importancia de Velázquez radica en su capacidad de tratar de un modo magistral la mayoría de los grandes temas pictóricos de su época. Consumado retratista, no fue, sin embargo, inferior su calidad en obras de género mitológico, religioso, alegórico y paisajístico. Este artista es autor de unas 109 obras de arte.

Retratista

La evolución de sus retratos es sorprendente, advirtiéndose en ellos la falta de amaneramiento de otros artistas que cultivaron de este género. Su primera obra dentro de esta temática es el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620), primera abadesa del convento de Santa Clara en Manila. En él, el maestro hispalense aún es deudor de un estilo seco y dibujístico, propio de su primera etapa sevillana. Antes de partir hacia la corte, realizó el retrato del poeta Luis de Góngora y Argote (1622), en el que abunda en la captación psicológica del personaje.

A su llegada a Madrid, el joven Felipe IV le encargará un amplio repertorio de su imagen regia, que iniciará con el busto de Felipe IV con coraza (1625), después de haber realizado el de Gaspar de Guzmán, conde duque de Olivares (1624), máximo valedor de su arte ante la corona española. Le siguen retratos de miembros de la familia real y del mismo monarca, tales como el Infante don Carlos y el Felipe IV de cuerpo entero. En todos ellos el esquema es casi idéntico, consiguiéndose la profundidad visual gracias a la sombra que proyectan los cuerpos de los retratados.

Después de su viaje a Italia en el año 1629, la representación de los miembros de la realeza adquiriría un mayor realismo huyendo de la enfatización. Velázquez los pinta no como ellos hubieran querido ser representados, sino como él los ve. La serie de retratos en traje de caza, encargada para la Torre de la Parada, y los retratos para el Salón de Reinos, son buena muestra de la voluntad realista de Velázquez. Sólo de esta época, el Retrato ecuestre del conde duque de Olivares (1634), se aparta de la actitud comedida de este pintor, para mostrarnos una representación resuelta en clave barroca.

Su segundo viaje a Italia el año 1649 marcará un hito en su carrera retratística, que se resume en dos magníficos cuadros: el de su criado y también pintor Juan de Pareja (1650), y el del papa Inocencio X (1650). El retrato papal ha de considerarse uno de los mejores ejemplos de captación psicológica y de genial solución formal de la historia del arte.

A su regreso a España, el rey le pide un retrato de su segunda esposa Mariana de Austria y de su descendencia, tanto anterior como reciente. Destacan los de La Infanta María Teresa a los trece años (1651), los sucesivos retratos de la infanta Margarita, gran protagonista de Las meninas, y de su enfermizo hermano, el Príncipe Felipe Próspero. En ellos su paleta sabe combinar el rosa, el gris y el rojo en una armonía cromática de valores plásticos por encima de la mera representación.

Bufones y enanos

Detalle de El niño de Vallecas (1643-45)

Mención aparte merecen sus series de enanos y bufones, iniciadas en 1626 con el Juan Calabazas, llamado Calabacillas y continuada por El príncipe Baltasar Carlos con un enano (1631). El Museo del Prado conserva la serie iniciada por Pablo de Valladolid (1633) y continuada por Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas (1634), El bufón Barbarroja, Don Cristóbal de Castañeda y Pernia (1636), El bufón Calabacillas, llamado erróneamente El bobo de Coria (1639), El bufón llamado don Juan de Austria (1643), El bufón don Diego de Acedo, "El Primo" (1645) y El bufón Sebastián de Morra (1644).

Todos ellos están tratados con gran humanidad, con el mismo énfasis y realismo que los retratos regios. Nunca se sabrá si el pintor realizó estos cuadros por propia iniciativa o a requerimiento del monarca. Lo cierto es que Velázquez ha dejado una galería de personajes tristes, vistos con una atención que podía parecer despiadada, si no estuvieran velados por un tono de melancolía y conmiseración, que los llena de una innegable humanidad.

Mitológia

La mitología es tratada por Velázquez con el concepto propio de los pintores naturalistas. Al igual que Caravaggio, humanizará el mito haciéndolo cotidiano, casi protagonista de una escena de género. Esta temática se inicia con el Triunfo de Baco (1629), más conocido por Los borrachos. En él, su protagonista pierde valor ante la fuerza de los personajes populares. Es obvio que Velázquez conoce profundamente la cultura mitológica, aprendida en casa de su suegro, Pacheco, lugar de reunión y debate de la intelectualidad sevillana de la época. Y como lo conoce se atreve a desmitificarlo.

Su ideal clasicista de gran contención es evidente en la solución que da al tema de las infidelidades de Venus. En La fragua de Vulcano (1630), obra realizada en Italia, narra cómo Apolo, al descubrir la infidelidad de Venus con Marte, esposa de Vulcano, comunica a éste tan cruel acto. Vulcano aparece como un mortal, confundiéndose con sus trabajadores. Igual ideario está en la representación del dios Marte (1640), en La Venus del espejo (1650) o en su Mercurio y Argos (1659), llegando a la trivialización del mito en su conocida Fábula de Aracne, popularmente conocida como Las hilanderas (1657).

Religión

Complejo es el estudio de su temática religiosa, iniciada en Sevilla con La adoración de los Reyes Magos (1619). Si bien el San Juan Evangelista en Patmos (1618) parece ser de su mano, las dudas se extienden a la Inmaculada Concepción (1618) y a sus apostolados.

Últimamente, Brown, ha atribuido a Alonso Cano el magnífico lienzo de la Tentación de Santo Tomás de Aquino, de fecha incierta. Del mismo modo, la Coronación de la Virgen ha sido atribuida al citado pintor granadino, restando en su catálogo San Antonio Abad y San Pablo, primer ermitaño (1634 - 1635). Destacan con luz propia sus dos Cristos crucificados, ambos en el Museo del Prado, sobre todo el conocido como Cristo de San Plácido (1632), de un clasicismo austero.

Otros temas

Cacería real del jabalí, obra realizada entre 1635 y 1640.

La alegoría se resume en su emblemática composición Las meninas, único retrato de grupo en la producción velazqueña que puede interpretarse como la defensa de la nobleza y liberalidad de la pintura. Mucho se ha especulado sobre su significado. La infanta Margarita parece advertir la presencia de sus padres (Felipe IV y Mariana de Austria) que aparecen reflejados en el espejo del fondo que transmite su imagen pintada en el lienzo. Está acompañada por su séquito, compuesto de izquierda a derecha por doña María Agustina de Sarmiento, doña Isabel de Velasco, la enana Maribárbola y el enano Nicolasito Pertusato. En segundo término, están doña Manuela de Ulloa, encargada del servicio de las damas de la reina y, quizás, don Diego Ruiz de Azcona. En el vano de la puerta del fondo, el mayordomo de palacio, don José Nieto de Velázquez.

Muestras de su tratamiento del género paisajístico son sus dos pequeños cuadros Vistas del jardín de la Villa Médicis, de fecha incierta, a los que pueden sumarse la Cacería real del jabalí (1638) y la Vista de Zaragoza (1647), en colaboración con su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo.

Influencia

Tras su muerte, Velázquez fue objeto de admiración por parte de muchos artistas. La huella del pintor se pone de manifiesto en los trabajos de artistas tan extraordinarios como Francisco de Goya[4]. En este sentido, podemos encontrar alusiones a Las meninas en La familia de Carlos IV, obra que el aragonés realizó en 1801. Ambas pinturas tienen como tema al artista trabajando en compañía de la familia real. Sin embargo, Goya optó por una composición sobria y de escasa profundidad, que contrasta con el dinamismo y la abundancia de planos de la obra de Velázquez.

Muchos especialistas han puesto de relieve la importancia de Velázquez para la pintura del siglo XIX. A partir de una deslumbrante variedad de pinceladas y una sutil armonía de colores, logró efectos de forma, textura, luminosidad y atmósfera que lo convirtieron en un precedente de la pintura impresionista. Las propuestas de artistas como Édouard Manet, Auguste Renoir o Claude Monet deben mucho a la lección de Velázquez.

No menos significativa ha sido la huella de Velázquez en el arte del siglo XX. Nada menos que el malagueño Pablo Picasso, el más importante artista de la centuria, se basó en Las meninas para elaborar diversas series de composiciones. Otros notables artistas modernos, como Francis Bacon, Antonio Saura o Manolo Valdés, también se inspiraron en su pintura para elaborar algunas de sus propuestas más destacadas.

Características de su obra

Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como pintor de pintores y el más grande pintor que jamás ha existido.

Entre sus obras se encuentran:

Referencias

Fuente